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2º de Bachillerato. Curso 2008-2009-Historia del Arte. Tema 11: La escultura de Miguel Ángel.© Departamento de 1
Geografía e Historia-
I.E.S. “FRANCISCO DE GOYA” MOLINA DE SEGURA
Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre
ellos el David, el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la
belleza perfecta y sintetiza los valores del humanismo renacentista.
En 1505, el Papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel
Ángel trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos
Esclavos; dejó a medias varias estatuas de esclavos que permiten apreciar cómo
extraía de los bloques de mármol unas figuras que parecían estar ya contenidas en
ellos. Julio II le pidió también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo al
que Miguel Ángel se resistió, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero
que se convirtió en su creación más sublime. Alrededor de las escenas centrales,
que representan episodios del Génesis, se despliega un conjunto de profetas, sibilas
y jóvenes desnudos, en un todo dominado por dos cualidades: belleza física y
energía dinámica.
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Cronología: 1521-1534
Estilo: Renacentista (Quinquecento)
Técnica: Esculpido o tallado en mármol de Carrara
Localización: Iglesia de San Pedro In Vincoli (Roma)
Tema: Religioso (formaba parte de un sepulcro inacabado)
Análisis:
Las capillas mediceas forman parte de la iglesia de San Lorenzo (Capilla Nueva)
de Florencia. Encargados en 1521 por Clemente VII, son la otra gran empresa
escultórica de su vida, a que tampoco pudo dar cima, y que, a su vez, le impide
terminar el sepulcro de Julio II. En su origen debían dedicarse a Cosme y a Lorenzo
“el Magnífico”, y a los Médicis que ocupan el solio pontificio (Papas), pero al fin sólo
realiza los de otros dos miembros de la familia por los que no siente gran
entusiasmo: Julián y Lorenzo, hermano y sobrino respectivamente de León X.
Ambas tumbas, de Lorenzo y Julián, se configuran con tres figuras. En la de
Lorenzo, éste es representado en actitud pensativa, con la figura de la Aurora a la
derecha, y, a su izquierda, la figura dramática del Crepúsculo. La de Julián
presentado en actitud activa, tiene a la izquierda el Día, y a su derecha la figura de
la Noche, una estatua de gran perfección en el pulido.
En ambas sepulturas, las figuras de muertos están idealizadas. Julián está
representado sin tocado, alerta, tenso quizá, como símbolo de la vida activa.
Lorenzo pensativo y relajado, con la mano cubriendo la boca, como símbolo de la
vida contemplativa. Julián está representado como general romano. Ambos están
sentados según el tipo creado en el primer Renacimiento. Las figuras del Día y el
Crepúsculo (masculinas) y la de la Aurora y la Noche (femeninas) son figuras
musculosas con rasgos poco definidos como el rostro. Estas figuras están sobre las
urnas en un terrible equilibrio entre deslizarse por el frontón curvo o mantenerse en
él por la fuerza de la pierna con la que se apoyan.
En su vejez, Miguel Ángel retoma el tema de la Piedad pero de una forma muy
diferente a como lo hiciera en su juventud, alejado ya de la búsqueda de la belleza
clásica, Miguel Ángel se centra en la representación más espiritual del tema.
5.- Otras obras de Miguel Ángel.
• Piedad de la Catedral de Florencia: (escultura del Quinquecento.
Material: mármol. Museo D’ell Opera del Duomo de Florencia)
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Esta obra la esculpe Miguel Ángel entre 1550 y 1555, para su propia tumba.
El cuerpo de Jesús se pliega como quebrado sobre las piernas, extendiendo los
brazos cadavéricos en un arco desarticulado, sostenido por una Virgen cuyo rostro
es apenas esbozado y por la Magdalena de rodillas, terminada por un discípulo de
Miguel Ángel.
El grupo cónico culmina con la figura de José de Arimatea encapuchado,
autorretrato del mismo Miguel Ángel. El artista se representa próximo a Jesús y a la
muerte, que ahora son sus pensamientos dominantes.
• La Piedad Rondanini. (Escultura del Quinquecento. Material: mármol.
Museo de Arte Antiguo de Milán)
Parece que inició esta escultura en 1552, y estuvo trabajando en ella hasta la
víspera de su muerte en 1564, con interrupciones y posteriores recomposiciones,
como se puede apreciar en el brazo derecho del Cristo, que está en una posición
incongruente respecto al resto de la figura. Se aprovechó una antigua columna
romana, por lo que la colocación vertical de las dos imágenes era necesaria.
La Piedad Rondanini nos muestra la terrible soledad dramática de la madre y el
hijo, indisolublemente unidos.
La Piedad Rondanini apenas está esbozada con una original composición: la
virgen y el Cristo de pie. El cuerpo de Cristo se funde con el de María. El tema está
ahora más íntimamente unido a su espíritu como el único capaz de expresar
conjuntamente el dolor de la condición humana y su inmortal esperanza. El
“inacabado” de Miguel Ángel consigue una expresión máxima de dramatismo; es
una madre cargada del dolor de todo el mundo, lejos de la Virgen eternamente
joven de la Piedad del Vaticano. Es una obra que tiene mucho a la vez de medieval
y de moderna. Con Miguel Ángel, el equilibrio entre la belleza y el movimiento
expresivo propio del Renacimiento (S. XV) alcanza en la escultura su más alta
expresión histórica; pero con él este equilibrio se romperá a favor del movimiento,
lo que será una constante en el Barroco. Aparece así Miguel Ángel como el fin de
una época y comienzo de otra.
• La Piedad Palestrina(Escultura del Quinquecento. Material: mármol.
Galeria de la Academia de Florencia)
Otra obra sobre el mismo tema y realizada durante la misma época (1556) es
la Piedad Palestrina, un grupo escultórico con el Cristo, la Virgen y María
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63. Moisés
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