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Estética del silencio

Susan Sontag
Cada época tiene que reinventar el proyecto de "espiritualidad" para sí
mismo. (Espiritualidad =
planes, la terminología, las ideas de conducta dirigidas a la resolución de los
dolorosos
contradicciones estructurales inherentes a la situación humana, en la
realización de
conciencia humana, a la trascendencia.)

En la era moderna, uno de los más activos metáforas espirituales para el


proyecto
es "arte". Las actividades del pintor, el músico, el poeta, la bailarina y otros,
una vez que se agrupan bajo ese nombre genérico (relativamente reciente
movimiento), han demostrado ser un peculiar sitio en el que adaptarse a la
fase
formal de los dramas que aquejan a la conciencia, cada obra de arte es un
más o menos hábil de paradigma para la regulación o la conciliación de
estas contradicciones.
Por supuesto, el sitio debe continua renovación. Cualquiera que sea objetivo
se fija para el arte
la larga, restrictiva, comparada contra la más amplia de objetivos
conciencia. Arte, por sí misma una forma de mistificación, perdura una
sucesión de crisis
de la desmitificación; mayores metas artísticas son atacados y,
aparentemente, sustituido;
los límites de los mapas de la conciencia se redibuja. Pero lo que todos estos
suministros
las crisis con su energía - una energía en común, por decirlo así - es la
unificación de las muy numerosas, muy dispares de las actividades en un
solo género. En
el momento en que "arte" viene a ser, el período moderno del arte
comienza.
A partir de entonces hacia adelante, cualquiera de las actividades incluida
en él se convierte en un profundamente problemática actividad, cada uno
de cuyos procedimientos y, en última instancia, cuyo derecho a existir, se
puede poner en tela de juicio.
Tras la promoción de las artes en "arte" es el principal mito
sobre el arte, la del "absoluto" de la actividad del artista. En su primer y
más irreflexiva versión, este mito considera el arte como una expresión de
la
conciencia, la búsqueda de conciencia para saber en sí. (Los principios
fundamentales
generados por este mito se llegó con bastante facilidad en algunas
expresiones se
más completa, más noble, más informativo, más ricos que otros.) El
versión posterior del mito postula una más compleja, trágica relación de
arte a
conciencia. Negar que el arte es mera expresión, el mito más reciente, la
nuestra,
el arte se relaciona más bien a la mente la necesidad o capacidad de auto-
extrañamiento. El arte es ya no entendida como expresión de la conciencia
y por lo tanto, implícitamente,
la afirmación de sí mismo. El arte no es la conciencia de por sí, sino más
bien su antídoto --
evolucionado dentro de la conciencia de sí mismo. (La crítica principios
generados por
este mito era mucho más difícil de conseguir en.)

El nuevo mito, derivado de una concepción psicológica posterior a la de


conciencia, se instala dentro de la actividad de arte muchas de las
paradojas que participan
absoluta en el logro de un estado de ser descritas por los grandes místicos
religiosos.
Como la actividad de la mística debe terminar en una vía negativa, una
teología de la alianza de Dios ausencia, un deseo de la nube de
unknowingness más allá de los conocimientos y de
el silencio más allá del discurso, por lo que el arte debe tender hacia la
lucha contra el arte, la eliminación de el "asunto" (el "objeto", la "imagen"),
la sustitución de la oportunidad de
intención, y la búsqueda del silencio.

A principios de los años, la versión lineal de arte de la relación con la


conciencia, una lucha
la existencia entre los "espirituales" integridad de los impulsos creativos y
el
distraer "importancia" de la vida ordinaria, que lanza tantos obstáculos en
el camino de la auténtica sublimación. Sin embargo, la versión más
reciente, en la que el arte es parte de una transacción con la conciencia
dialéctica, supone un conocimiento más profundo, más frustrante conflicto:
el "espíritu" en busca de encarnación en el arte enfrentamientos con el
"material" carácter de arte en sí. El arte es desenmascarado como
gratuitas, y los muy
concreción de los instrumentos del artista (y, en particular en el caso del
lenguaje,
su historicidad) aparece como una trampa. Ejerció en un mundo de segunda
mano equipadas con percepciones, y, concretamente, confundido por la
traición de las palabras, la
actividad de la artista es maldecido con mediacy. El arte se convierte en el
enemigo de la
artista, porque le niega la realización, la trascendencia, que desea.
Por lo tanto, el arte viene a ser estimado como algo a ser derrocado. Un
nuevo
elemento entra en el arte y el trabajo se convierte en constitutiva de la
misma: el recurso de casación (o tácita abierto) para su propia abolición - y,
en última instancia, para la supresión de arte en sí.

II

La escena cambia a una habitación vacía.

Rimbaud ha ido a Abisinia para hacer su fortuna en el comercio de


esclavos.
Wittgenstein haya elegido schoolteaching, entonces el trabajo doméstico
como un hospital
ordenada. Duchamp ha convertido al ajedrez. Y, acompañando a estos
ejemplares
renuncias de una vocación, cada hombre ha declarado que considera su
los logros anteriores en la poesía. la filosofía, o el arte como insignificante,
de no
importancia.

Pero la elección de permanente silencio no niega su trabajo. En la


contrario, se imparte con carácter retroactivo un añadido de poder y
autoridad a lo que se
roto; negación de la labor cada vez una nueva fuente de su validez, una
certificado de indiscutible seriedad. Que la gravedad consiste en no
en relación con el arte (o la filosofía se practica como una forma de arte:
Wittgenstein), como
algo cuya gravedad es eterno, un "fin", un vehículo para
ambición espiritual. La actitud es realmente grave lo que se refiere a un arte
como una
"significa" algo que quizás pueda lograrse sólo por el abandono de arte;
juzgado más impaciencia, el arte es una manera falsa o (la palabra del
artista Dada
Jacques Vache) una estupidez.

Aunque ya no una confesión, el arte es más que nunca, una liberación, una
ejercicio de ascetismo. A través de ella, el artista pasa a ser purificado - de
sí mismo
y, finalmente, de su arte, el artista (si no el propio arte) sigue participando
en un
el progreso hacia "la buena". Pero antes, el artista fue bueno y el dominio
de
cumplimiento de su arte. Ahora se sugiere que el mayor bien para el artista
es
para llegar a ese punto en el que los objetivos de excelencia para
convertirse en insignificantes
él, emocional y ético, y es por estar más satisfechos que en silencio por
la búsqueda de una voz en el arte. Silencio en este sentido, como
conclusión, se propone un estado de ánimo ultimacy de la antítesis del
estado de ánimo informar a la auto-conciencia del artista graves uso
tradicional de silencio: en una zona de meditación, la preparación para
la maduración espiritual, un calvario que termina en ganar el derecho a
hablar. (Cf.
Valery, Rilke)

La medida en que es grave, el artista está continuamente tentado a romper


el diálogo
que tiene con el público. El silencio es el de más extensión que la renuencia
a
comunicar, que la ambivalencia acerca de la toma de contacto con el
público que es uno de los principales motivos del arte moderno, con su
incansable compromiso con el "nuevo"
y / o "esotérico" El silencio es el artista final del gesto de otro mundo; por
silencio, se libera a sí mismo de la servidumbre servil al mundo, que
aparece como
patrón, cliente, público, antagonista, árbitro y distorter de su trabajo.
Sin embargo, en esta renuncia a la "sociedad", uno no puede dejar de
percibir un
gesto social. Algunas de las claves para la eventual liberación del artista a
partir de la
necesidad de practicar su vocación viene de la observación de sus
compañeros artistas y
medir a sí mismo contra ellos. Un ejemplar de este tipo de decisión puede
ser
sólo después de que el artista ha demostrado que posee el genio y
genio que ejerce autoridad. Después de haber superado ya sus pares, por
las normas que él reconoce, el orgullo tiene un solo lugar a la izquierda.
Para,
ser víctima de las ansias de silencio vaya a ser, aún en un sentido más
amplio,
superior a todos los demás. Se sugiere que el artista ha tenido el ingenio de
preguntar
más preguntas que otras personas, así como los que posee mayor
nervios y los niveles más altos de excelencia. (Que el artista puede
perseverar en
el interrogatorio de su arte hasta que se haya agotado o no está en duda.
Como René
Char ha escrito: "No tiene el corazón de aves a cantar en una maraña de
preguntas")

III

El artista moderno ejemplar de la elección del silencio no es llevado a


menudo a este
punto final de la simplificación, de modo que se convierte literalmente en
silencio. Más generalmente, sigue haciendo uso de la palabra, pero de una
manera que su audiencia no puede oír. Mayoría valioso arte en nuestra
época se ha experimentado por el público como un avance en silencio (o
ininteligibilidad o invisibilidad o inaudibility), un desmantelamiento de la
competencia del artista, su sentido de responsabilidad de la vocación - y,
por tanto, como un
agresión contra ellos.

Arte moderno de la desagradable costumbre de crónica, lo que provocó, o


impedir su
audiencia puede ser considerada como una limitada, la participación
indirecta en el ideal de
silencio que se ha elevado como un nivel de gravedad en el
escena contemporánea.

Pero también es una forma contradictoria de la participación en el ideal de


silencio. Es
contradictorias, no sólo porque el artista continúa haciendo obras de arte,
sino también por el aislamiento de la labor de su público nunca dura. Con
el paso del tiempo y la intervención de los nuevos, más difícil de obras, el
del artista se convierte en transgresión ingratiating, eventualmente
legítimos. Goethe
Kleist acusado de haber escrito sus obras para un "teatro invisible". Pero en
el tiempo
el teatro se convierte en invisible "visibles" La fea y discordantes y sin
sentido
llegar a ser "hermoso". La historia del arte es una secuencia de éxito
transgresiones.

El objetivo característico del arte moderno, es inaceptable para su


audiencia, puede
debe considerarse como la inversa de la declaración de inadmisibilidad de la
artista de la
presencia de un público - en el sentido familiar, un conjunto de
voyeuristic espectadores. Al menos desde Nietzsche observa en El
nacimiento de
Tragedia que una audiencia de espectadores tal como lo conocemos, los
presentes los cuales la
hacer caso omiso de los actores, era desconocida para los griegos, una
buena dosis de arte contemporáneo parece movido por el deseo de
eliminar la audiencia de arte, una empresa
que a menudo se presenta como un intento de eliminar el "arte" por
completo. (A favor
de "vida"?)

Comprometidos con la idea de que el poder del arte se encuentra en su


poder para negar,
la última arma en la guerra del artista incompatibles con su público es
punto más cerca de silencio. Sensorial o de la diferencia conceptual entre la
el artista y su público, el espacio de la falta o rotura de diálogo, también
puede
constituyen los motivos de la afirmación de un asceta. Samuel Beckett habla
de
"mi sueño de un arte de su insuperable unresentful indigencia y demasiado
orgulloso para
la farsa de dar y recibir ". Pero no hay una supresión de mínimos
operación, un mínimo de intercambio de regalos, así como no hay talento y
riguroso ascetismo que no produce una ganancia (en lugar de una pérdida)
en el
capacidad para el placer.

Y ninguna de las agresiones cometidas intencionadamente o por descuido


artistas modernos han logrado ni la abolición de la audiencia o
transformarla en otra cosa. (Una comunidad que participan en un común
actividad?) No pueden. En la medida en que el arte es entendido y valorado
como un
"absoluto" de actividad, será separado, un elitista. Elites presuponen
masas.
Hasta el momento como el mejor arte se define esencialmente por la
"sacerdotal" objetivos, es
presupone y confirma la existencia de un pasivo, nunca plenamente
iniciado, voyeuristic laicos que es convocado regularmente para ver,
escuchar, leer, o
oír - y luego se envían fuera.

Lo más que el artista puede hacer es jugar con los distintos términos en
esta situación en relación con el público y él mismo. Para analizar la idea de
silencio se
para analizar sus diferentes alternativas dentro de esta situación
esencialmente inalterable.

IV

¿Cómo puede, literalmente, la noción de silencio se utiliza con respecto al


arte?
Existe el silencio como una decisión - en el ejemplar de suicidio de la artista
(Kleist,
Lautréamont), lo que demuestra que ha ido "demasiado lejos", y en tales
modelo de renuncias por el artista de su vocación ya citados.
También existe el silencio como castigo - auto-castigo, en el ejemplar
La locura de los artistas (Hölderlin, Artaud) que demostrar que uno es muy
cordura
puede ser el precio de traspasar la frontera del conocimiento aceptado, y,
por supuesto, en las sanciones (que van desde la censura y la destrucción
física de
obras de arte a las multas, el exilio, la cárcel para el artista) que se da por
"la sociedad" para el
espiritual del artista de no conformidad o de subversión del grupo
sensibilidad.
Pero el silencio no puede existir en un sentido literal como la experiencia de
una audiencia. Ello
significaría que el espectador es consciente de ningún estímulo o que se le
incapaz de hacer una respuesta. Pero esto puede no ocurrir o ser inducida
programación. La falta de conciencia de cualquier estímulo, la imposibilidad
de hacer una
respuesta, sólo puede resultar de un defecto presentness por parte de la
espectador, o un malentendido de sus propias reacciones (engañar por
restrictiva
ideas acerca de lo que sería una "pertinente" la respuesta). Pero en lo que
respecta público
consta de los seres en una situación, no puede haber tal cosa como
ninguna respuesta.

Tampoco puede el silencio, en su literal estado, existen como la propiedad


de una obra de arte --
incluso de las obras como readymades de Duchamp, o la jaula de 4'33 ", en
la que el artista
ostentosamente no ha hecho más para satisfacer los criterios establecidos
de cualquier arte que
establecer el objeto en una galería o de situar la realización, en un
concierto. Allí
no es neutral superficie, el discurso no neutral, neutral no tema, no hay
forma neutral.
Algo que sólo es neutral con respecto a otra cosa. (La intención? Un
expectativa?) Como propiedad de la obra de arte en sí, el silencio sólo
puede existir en un
cocido o nonliteral sentido. (Dicho de otro modo: si existe un trabajo en
absoluto, el silencio es su sólo uno de los elementos en ella.) En lugar de
materias primas o logrado el silencio, se encuentran diversos se mueve en
la dirección de un retroceso de cada horizonte de silencio - que se
mueve, por definición, no puede nunca ser plenamente consumado. Uno de
los resultados es un tipo de arte que muchas personas caracterizar
peyorativamente como mudos, deprimido, aquiescente, frío.

Pero estas cualidades existen privativo en un contexto de la intención del


artista objetivo, que es siempre perceptible. Para cultivar el silencio que la
metafórica
sugeridas por temas convencionalmente vida (como en gran parte de Pop
Art) y
la construcción de "mínimas" las formas que parecen a la falta de
resonancia emocional se
sí vigoroso, a menudo tónico opciones.

Y, por último, incluso sin intenciones de la imputación objetiva del arte-


trabajo,
sigue siendo la ineludible verdad de la percepción: la positividad de todas
las experiencias
en cada momento de ella. Como John Cage ha insistido, "no hay tal cosa
como
silencio. Siempre pasa algo que hace un sonido. "(Jaula ha
describió cómo, incluso en un sonido de cámara, todavía escucharon al
menos dos cosas:
su latido del corazón y la corre de la sangre en su cabeza). Asimismo, no se
tal cosa como espacio vacío. Mientras que un ojo humano está buscando
siempre hay
algo que ver. Para ver algo que es "vacío" todavía está pendiente de mirar,
pendientes de ver algo que - aunque sólo los fantasmas de las propias
expectativas. En
Para percibir la plenitud, hay que mantener un sentido agudo de la
vacuidad
que la marca fuera; por el contrario, con el fin de percibir el vacío, se debe
aprehender a otras zonas del mundo como totalidad. (A través del espejo,
Alice
llega a una tienda ", que parecía estar lleno de todo tipo de cosas curiosas
--
pero el oddest parte de todo es que cada vez que parecía difícil en cualquier
plataforma, a
hacer exactamente lo que había en él, ese fue siempre muy plataforma
vacía, aunque los demás ronda se llena plenamente, ya que podría celebrar.
")
"Silencio" no deja de implicar su opuesto a la demanda y en su presencia.
Así como no puede haber "arriba" sin "abajo" o "izquierda" sin "derecho",
por lo que una
Debemos reconocer un entorno de sonido o el idioma con el fin
a reconocer el silencio. No sólo existe el silencio en un mundo lleno de
expresión y
otros sonidos, pero todo silencio tiene su identidad como un tramo de
tiempo que se
perforado de sonido. (Por lo tanto, gran parte de la belleza de la mudez de
Harpo Marx
se deriva de su ser rodeado por maníacos que hablan).

Un verdadero vacío, puro silencio, no es posible - ya sea conceptualmente


o de hecho. Aunque sólo sea porque el trabajo de arte existe en un mundo
con muchos amueblado otras cosas, el artista que crea el silencio o vacío
debe producir
algo dialéctica: un completo vacío, un vacío enriquecedor, una resonancia o
elocuente silencio. El silencio sigue siendo, inevitablemente, una forma de
discurso (en muchos casos, de denuncia o acusación), y un elemento en un
diálogo.
V
Estética de los programas de reducción radical de los medios y los efectos
en el arte --
incluida la demanda final, por la renuncia de arte en sí - no se puede
tomadas en valor nominal, undialectically. Estos no son ni políticas
coherentes para
artistas, ni se limita a gestos hostiles dirigidas a las audiencias. El silencio y
las ideas afines
(como la vacuidad, la reducción, el "grado cero") son los conceptos con un
límite
complejo conjunto de usos, líder de una espiritual y cultural
retórica.
Para describir el silencio como una expresión retórica es, por supuesto. lejos
de condenar
esta retórica como fraudulenta o de mala fe. Mitos de la verdad nunca es un
literal
verdad. Los mitos del arte contemporáneo puede ser evaluado sólo en
términos de la
la diversidad y la fecundidad de su aplicación.
En mi opinión, los mitos del silencio y el vacío son tan nutritivo
y viable como una esperanza que podría elaborarse en un "insalubre" el
tiempo --
que es, necesariamente, un tiempo en el que "insalubre" proporcionar
estados psíquicos
las energías superiores para la mayoría de los trabajos en las artes de hoy.
Al mismo tiempo, una
no puede negar el patetismo de estos mitos.
Este patetismo deriva del hecho de que la idea del silencio permite, en
esencia,
sólo dos tipos de desarrollo valiosa. Cualquiera que se tome hasta el punto
de pronunciar
auto-negación (como arte) o bien se practica en una forma que
heroicamente, ingeniosamente
inconsistentes.

VI

El arte de nuestro tiempo es ruidoso con llamamientos en favor de silencio.


Un coqueto, alegre, incluso el nihilismo. Se reconoce la necesidad imperiosa
de
silencio, pero sigue hablando de todos modos. Descubrir que uno no tiene
nada que
decir, uno busca una manera de decir que Beckett ha anunciado su deseo
de que el arte más que renunciar a todos los proyectos preocupante para
los asuntos sobre "el plano de lo factible", que el arte se jubilará, "cansados
de enclenque explota. cansados de pretender estar en condiciones, de
poder, de hacer un poco mejor la misma cosa, de ir más allá a lo largo de
un triste camino. "El alternativa es un arte que consiste en "la expresión
que no hay nada que
expresar, nada con que expresar, nada desde donde expresar, no
poder para expresar, ningún deseo de expresar, junto con la obligación de
expresar. "¿De dónde proceden esta obligación? La estética de la deseo de
muerte de que parece que desean algo incorrigibly animado. Apollinaire
dice, "J'ai hecho gestes des blancs parmi les soledades". Pero él es haciendo
gestos.

Dado que el artista no puede aceptar el silencio y se mantienen,


literalmente, un artista, lo que la retórica del silencio indica es una
determinación a ejercer su actividad más
Deviously que nunca. Una forma es indicada por Bretón la noción de la
"plena
margen ". El artista está obligados a dedicarse a llenar hasta la periferia de
el arte del espacio, dejando la zona central de uso en blanco. El arte se
convierte en privado,
anémico - como lo sugiere el título de Duchamp, el único esfuerzo de hacer
cine,
"Anémico Cine", un trabajo desde el período 1924-26. Beckett describe la
idea
de una "pintura empobrecidos". la pintura que es "auténticamente
infructuosos,
incapaz de cualquier imagen que sea. "Uno de Jerzy Grotowski de
manifiestos de
su Teatro Laboratorio de Polonia se llama "el motivo de un Teatro Pobre".
Pero estos
programas de arte del empobrecimiento no debe entenderse simplemente
como terrorista
advertencias al público, sino como estrategias para mejorar la audiencia
del
experiencia. Las nociones de silencio, el vacío, reducción, esbozar nuevos
recetas para mirar, oír, etc - en concreto, ya sea por tener un más
inmediato, sensual experiencia de arte o para hacer frente a la obra de arte
en una
más consciente, camino conceptual.

VII

Examinar la relación entre el mandato de una reducción de medios y


efectos en el arte, cuyo horizonte es el silencio, y la facultad de atención.
Para, en un
de sus aspectos, el arte es una técnica para centrar la atención, para la
enseñanza de habilidades
atención. (Si bien este aspecto del arte no es privativa de ella - la totalidad
de la
medio ambiente humano que se podría describir de esta manera, como un
instrumento pedagógico - Es seguramente un particular. intensivo de los
aspectos de las obras de arte). La historia de la arte es el descubrimiento y
la formulación de un repertorio de objetos sobre los que colman de
atención, uno puede localizar con exactitud y en orden la forma en que el
ojo del arte panned sobre nuestro medio ambiente, los nombres ", haciendo
su selección limitada de las cosas a continuación, que las personas tomen
conciencia de lo importante, agradable, complejo
entidades. (Oscar Wilde Como señaló, la gente no vea antes de nieblas
determinados 19a
poetas y pintores del siglo les enseñó cómo, seguramente, nadie vio la
mayor cantidad de
la variedad y sutileza de la cara humana antes de la era de las películas.)

Una vez, la tarea del artista parece ser simplemente la de la apertura de


nuevas áreas
y los objetos de atención. Esa tarea es aún reconocido, pero se ha
convertido en
problemática. La propia facultad de la atención se ha puesto en tela de
juicio, y se
sometidos a normas más rigurosas. Como Jasper Johns ha dicho: "Ya es un
mucho que ver nada con claridad, para no ver nada con claridad. "Tal vez la
calidad de la atención que aportar en algo se mejor (menos contaminada y
menos distraído) menos que se nos ofrece. Amueblado empobrecidos con el
arte, purgado por el silencio, uno puede entonces estar en condiciones de
comenzar a más allá de la frustrante selectividad de la atención, con sus
inevitables distorsiones de la experiencia. Idealmente, uno debería ser
capaz de prestar atención a todo.

El movimiento es hacia menos y menos. Pero nunca tiene "menos" de


manera ostentosamente
avanzados como "más". A la luz de la actual mito, el arte en el que aspira a
convertirse en un "total de experiencia ", solicitando la atención total.
empobrecimiento de las estrategias y
reducción de indicar el más exaltado ambición, el arte podría adoptar.
Debajo de lo
se parece a un extenuante modestia, si no real debilidad, se puede discernir
un
enérgio blasfemia laica: el deseo de alcanzar la libre, no selectivas,
total de la conciencia de "Dios".

VIII

Parece un lenguaje privilegiado para la expresión de la metáfora de la


mediación
carácter de arte-el arte y hacer el trabajo. Por un lado, es un discurso
inmaterial medio (en comparación con, por ejemplo, imágenes) y una
actividad humana con
un juego aparentemente esenciales en el proyecto de la trascendencia, de
avanzar
más allá de la singular y contingente (todas las palabras están
abstracciones, sólo aproximadamente sobre la base de o que hagan
referencia a datos concretos). Pero, por otro lado, el idioma es el más
impuro, el más contaminado, el más agotado de
todas las materias de las que se hace arte.

Este doble carácter de la lengua - su, abstracción, y su "fallenness" en


la historia - pueden servir como un microcosmos de la infeliz personaje de
las artes
hoy. El arte es la medida a lo largo de los laberínticos senderos del proyecto
de
trascendencia que es difícil concebir que de marcha atrás, por debajo de la
mayoría
drásticas y punitivas "revolución cultural". Sin embargo, al mismo tiempo, el
arte es
naufragio en el debilitantes marea de lo que una vez parecía la
coronación logro del pensamiento europeo: la conciencia histórica secular.

En poco más de dos siglos, la conciencia de la historia se ha transformado


de una liberación, una apertura de puertas, bendita iluminación, en un casi
insoportable carga de la auto-conciencia. Es imposible para el artista a
escribir una palabra (o hacer una foto o hacer un gesto) que no le recuerdo
de algo. Hasta cierto punto, la comunidad y de la historicidad del artista
medios están implícitos en el hecho mismo de la intersubjetividad: cada
persona es un beingin -
un mundo. Pero este estado normal de cosas es en la actualidad
(especialmente en las artes
usando el lenguaje) como extraordinaria, cansar problema.

Como dijo Nietzsche: "Nuestro preeminencia: vivimos en la era de la


comparación, hemos
puede comprobar como nunca se ha verificado antes. "Por lo tanto,"
disfrutamos de otra manera, sufrimos diferente: nuestra actividad instintiva
es comparar un número sin precedentes
de las cosas. "El lenguaje es con experiencia no sólo como algo compartido,
sino algo
corrompido, el peso de la acumulación histórica. Así, por cada consciente
artista, la creación de una obra significa hacer frente a dos potencialmente
antagónicos
dominios de sentido y de sus relaciones. Uno de ellos es su propio
significado (o falta de
ella), y el otro es el conjunto de significados de segundo orden que ambos
ampliar su propia
el idioma y también gravar, compromiso, y que adulterar. El artista termina
mediante la elección entre dos alternativas por sí limitar. El orador se ve
obligado a tomar una
ya sea que la posición servil o insolente: o halaga o apaciguar su
público, dándoles lo que ya saben, o comete una agresión
en contra de su público, dándoles lo que no queremos.
Por lo tanto, transmite el arte moderno en su totalidad la alienación
producida por histórico
conciencia. Cualquiera que sea el artista no está en (por lo general
consciente) de alineación
con algo más lo ha hecho, que produce una compulsión a estar
continuamente
verificación de su situación. Su propia posición con los de sus predecesores
y
contemporáneos. Para compensar esta ignominiosa esclavitud a la historia,
la artista exalta a sí mismo con el sueño de un total a histórica, y por lo
tanto
unalienated, art.

IX

Arte que es "silenciosa" constituye un enfoque de este visionario,


ahistóricas
condición. Considere la diferencia entre "mirar" y "la mirada". Una mirada
es (por lo menos,
en parte) voluntaria, sino que también es móvil, el aumento y la disminución
en la intensidad como focos de interés se recogen a continuación, y
agotado. Una mirada tiene, en esencia, la
carácter de obligatoriedad, sino que es constante, no modulada, "fijo".
El arte tradicional invita a una mirada. Arte del silencio que genera una
mirada. En silencio el arte, hay (al menos en principio), no hay liberaciones
de la atención, porque no ha
nunca, en principio, cualquier solicitud de la misma. Una mirada es tal vez
tan lejos
la historia, tan cerca de la eternidad, como el arte contemporáneo puede
obtener.

El silencio es una metáfora de una limpia, noninterfering visión, en la que


un
podría prever la realización de obras de arte que no responde antes de ser
visto, unviolable en su integridad esencial de control humano. El
espectador
se acercaría al arte como lo hace un paisaje. Un paisaje no es la demanda
del
espectador su "comprensión", las imputaciones de su importancia, sus
ansiedades
y simpatía, sino que exige, más bien, su ausencia, que no añade nada a
ello. La contemplación, en sentido estricto, implica auto-olvido por parte del
espectador: un objeto digno de contemplación es la que, en efecto, aniquila
la percepción tema.

Es ideal para este tipo de plenitud a la que el público puede añadir nada,
análoga a la estética relación con "la naturaleza", que una gran cantidad de
arte contemporáneo aspira - a través de. diversas estrategias de blandness,
de
reducción, de deindividuation, de alogicality. En principio, el público no
puede
incluso añadir su pensamiento. Todos los objetos, así concebida, son
verdaderamente completo. Esto es lo que la jaula debe decir cuando,
después de explicar que no hay tal cosa como el silencio porque siempre
está sucediendo algo que hace un sonido, dice "Nadie
puede tener una idea una vez que empieza la escucha realmente. "Plenitud
- experimentando todo el espacio que cubrir, de modo que las ideas no
pueden entrar --
impenetrabilidad medios, opacidad. Para una persona a convertirse en
silencio es
no es transparente para el otro, alguien de silencio abre un abanico de
posibilidades de interpretar que el silencio, por la imputación que se le
habla.
Las formas en que esta opacidad provoca ansiedad, vértigo espiritual, es la
tema de la Persona de Bergman. El tema se ve reforzada por las dos
principales
atribuciones uno está invitado a hacer la actriz de "deliberado silencio.
Considerada como una decisión relativa a si misma, es al parecer la forma
en que ha
elegido para dar forma al deseo de pureza ética, pero es también, como
comportamiento, un
medios de poder, una especie de sadismo, prácticamente inviolables una
posición de fuerza
de que para manipular y confundir a su compañero-enfermera, que se
encarga
con la carga de hablar.

Pero es posible concebir la opacidad del silencio más positiva,


libre de ansiedad. De Keats, el silencio de la urna griego es un lugar para
alimento espiritual: "sin precedentes" soportar melodías, mientras que las
que a la cañería
"el oído sensual" caries. El silencio es sinónimo de detener el tiempo
( "tiempo lento").
Uno puede mirar sin cesar en la urna griego. La Eternidad, en el argumento
de Keats'
poema, es el único interesante estímulo para el pensamiento y también nos
presenta la
única ocasión para que llegando al final de la actividad mental, lo que
significa infinito,
preguntas sin respuesta ( "Tú, silenciosa forma, el costo se burlan de
nosotros de pensamiento / Como tela de la eternidad "), de modo que uno
puede llegar a una final de la ecuación de ideas ("La belleza es la verdad, la
verdad, la belleza "), que es absolutamente y completamente vacío por
completo.

Keats' poema lógicamente termina en una declaración que parece, si uno no


ha
seguido de su argumento, como el vacío sabiduría, al igual que la banalidad.
Tiempo, o la historia, se convierte en el medio de datos precisos,
determinado pensamiento. El silencio de la eternidad se prepara para un
pensamiento más allá del pensamiento, que debe aparecer a partir de la
perspectiva del pensamiento tradicional y los usos de los familiares, ya que
no cuenta
Pensé en todos los - aunque puede no ser un emblema de las nuevas,
"difíciles"
pensar.

XI

Detrás de los recursos para el silencio se encuentra el deseo de una


percepción cultural y limpio
pizarra. Y, en su mayoría exhortatorio y ambiciosa versión, la defensa de
silencio expresa un proyecto mítico de liberación total. ¿Qué se prevé no es
nada menos
que la liberación de la artista de sí mismo, del arte de las artes
trabajo, de la historia del arte, del espíritu de la materia, de la mente de su
percepción
intelectual y limitaciones.

¡Qué poca gente sabe es que ahora hay formas de pensar que no
todavía conocer. Nada podría ser más importante o valiosa que
conocimiento, sin embargo aún no nacidos. El sentido de urgencia, la
inquietud espiritual que
genera no puede ser apaciguado. Sin duda, es parte de esa energía que ha
extendido en el arte radical de este siglo. A través de sus actividades de
promoción de silencio,
reducción, etc, el arte, comete un acto de violencia sobre sí mismo,
convirtiendo el arte en una
especie de auto-manipulación, de prestidigitación - tratando de ayudar a
estos nuevos
formas de pensar de nacimiento.

El silencio es una estrategia para la transvaluation de arte, arte en sí


misma, el heraldo
un proyecto de radicales transvaluation de los valores humanos. Pero el
éxito de
esta estrategia debe significar su eventual abandono, o al menos su
importante
modificación.

El silencio es una profecía, que el artista las acciones se puede entender


como
tratando de cumplir y para invertir. Como siempre el idioma a sus propios
puntos de trascendencia en el silencio, el silencio siempre puntos a su
propia trascendencia - a un discurso más allá del silencio.

Pero toda la empresa puede convertirse en un acto de mala fe, si el artista


sabe
esto, también?

XII

Una famosa cita: "Todo lo que se puede pensar en todos se puede pensar
claramente. Todo lo que puede decirse en absoluto se puede decir con
claridad. Pero no
todo lo que se puede pensar se puede decir. " Observe que Wittgenstein,
con su escrupulosa de evitar los efectos psicológicos cuestión, no preguntar
por qué, cuándo y en qué circunstancias alguien quiere para poner en
palabras "todo lo que se puede pensar" (aunque podría), o incluso
a pronunciar (claramente si o no) "todo lo que podría decirse".

XIII

De todo lo que dice, uno puede preguntarse: ¿por qué? (Incluye: ¿Por qué
debo decir
que? Y: ¿por qué debo decir nada en absoluto?)
A esto yo añadiría la tesis de que, en rigor, nada de lo que dice es
VERDADERO. (Aunque una puede ser la verdad, no se puede decir que
nunca.)
Sin embargo, las cosas que se dice a veces puede ser útil - que es lo que la
gente
normalmente significa cuando dice algo que consideran para ser verdad.
Entre sus
muchos usos, el habla puede iluminar, aliviar, confundir, exaltar, infectar,
antagonizar,
satisfacer, tristes, de aturdimiento, animar. Si bien el idioma se utiliza para
inspirar a
de acción, algunas declaraciones verbales, ya sea escrita u oral, de una
especie altamente estilizado son utilizados como la realización de una
acción (como en la promesa, el juramento,
legar). Otro uso de la palabra, en todo caso más común que la de
provocar acciones: discurso provoca mayor expresión. Pero el silencio puede
discurso,
también. Este hecho es como debe ser, sin la polaridad de silencio, toda la
sistema de la lengua sería un fracaso. Y más allá de su función genérica
como la
dialéctica del discurso contrario, el silencio - como discurso - tiene sus más
específicas,
utiliza menos inevitable, también.

Uno de los usos para el silencio: la certificación de la ausencia o renuncia


del pensamiento. Este uso del silencio es a menudo empleado como un
procedimiento mágico o mimética en
las relaciones sociales represivas. como en los reglamentos sobre hablando
con
superiores en la orden jesuita y en el disciplinamiento de los niños. (No
debe
debe confundirse con la práctica de ciertas disciplinas monásticas, como la
Orden trapense, en la que el silencio es un asceta y un acto de testimonio
de
la condición de ser perfectamente "completo.")

Otro, aparentemente opuestas, el uso de silencio: la certificación de la


finalización de
pensó. (Karl Jaspers: "El que tiene la última respuesta ya no puede hablar
con
la otra, ya que rompe una verdadera comunicación para el bien de lo que él
considera in ") Otro uso para el silencio: la prestación de tiempo para la
continuación de la exploración o de pensó. En particular, habla cierra
pensamiento. (Cf., la empresa de la crítica, en que no parece haber ninguna
manera de un crítico no afirmar que un determinado artista es el
presente, que él, etc) Pero si se decide una cuestión no está cerrada, no lo
es. Esto es
presumiblemente, la razón de ser voluntario en los experimentos que el
silencio
algunos atletas espiritual contemporáneo, como Buckminister Fuller, han
llevado a cabo, y el elemento de sabiduría en la de otro autoritario,
principalmente,
filisteo silencio de la ortodoxia freudiana psicoanalista. Guarda silencio
cosas
"abierto".

Otro uso para el silencio: el suministro o la ayuda de voz para alcanzar su


máximo la integridad o la gravedad. Todo el mundo ha experimentado
cómo, cuándo
por largos silencios, las palabras pesan más, que es casi palpable.
O cómo, cuando se habla menos, uno empieza a sentirse uno más de la
física
presencia en un determinado espacio. Silencio socava "mala expresión", con
lo que me refiero
disociarse discurso - discurso disociado del cuerpo (y, por tanto, de
sentimiento), el habla no orgánicamente informado por la presencia y
sensual
particularidad concreta de los altavoces y de la persona para la utilización
de ocasión
idioma. Unmoored del cuerpo, el habla se deteriora. Se convierte en falso,
inane, innoble, de ingravidez. El silencio puede inhibir o contrarrestar esta
tendencia,
proporcionar una especie de lastre, la vigilancia y la corrección de lenguaje,
incluso cuando
se convierte en inauténtico.

Teniendo en cuenta estos peligros a la autenticidad del lenguaje (que no


depende de
el carácter aislado de cualquier estado o grupo de estados, pero en
la relación del orador, el habla, y la situación), el proyecto hipotético de
diciendo claramente "todo lo que puede decirse" sugerido por Wittgenstein
del
observaciones temor se ve complicado. (¿Cuánto tiempo tienen una?
¿Podría
uno tiene que hablar rápido?) El filósofo del hipotético universo de claro
discurso (que asigna a sólo el silencio "que de lo cual no se puede hablar")
que
parece ser un moralistas, o de un psiquiatra, pesadilla - por lo menos, un
lugar
nadie debe entrar en la ligera. ¿Hay alguien que quiere decir
"todo lo que podría decirse"? La respuesta plausible psicológicamente
parece ser que no. Pero sí es posible, también - como un aumento del ideal
de la cultura moderna.

No es que lo que muchos quieren hoy - a decir todo lo que se puede


dice? Pero este objetivo no se puede mantener sin conflicto interno, en
parte inspirado
por la propagación de los ideales de la psicoterapia, las personas están
anhelo decir
"todo" (lo que, entre otros resultados, socavando aún más la caída
distinción entre los esfuerzos públicos y privados, entre la información y
secretos). Pero, en un mundo superpoblado que se conectan por electrónico
mundial
la comunicación y la reacción de viaje a un ritmo demasiado rápido y
violento de una forma ecológica buena persona para asimilar sin choque,
las personas también sufren una
repulsa por cualquier otra expresión y la proliferación de imágenes. Tan
diferentes
factores como la ilimitada "tecnológicos de reproducción" y casi universal
difusión de impresos, tanto el lenguaje y el habla, así como las imágenes
(de "noticias"
a los "objetos de arte"), y la degeneración de la lengua dentro de la esfera
de
la política y la publicidad y el entretenimiento, se han producido,
especialmente entre los
la mejor educación de habitantes de lo que los sociólogos llaman "moderna
masa
la sociedad ", una devaluación del lenguaje. (debo afirmar, en contra de
McLuhan, que
una devaluación de la fuerza y la credibilidad de las imágenes que ha tenido
lugar no
menos profundo que. y esencialmente similar, a la que aquejan el idioma.)
Y, como el prestigio de la lengua cae, que se eleva de silencio.

Estoy aludiendo, en este punto, al contexto sociológico de los


contemporáneos
ambivalencia hacia el idioma. El asunto, por supuesto, va mucho más allá
de
esto. Además de los factores determinantes sociológicos específicos que
deben ser contados
en, se debe reconocer el funcionamiento de algo así como una perenne
descontento
con el lenguaje que se ha formulado en cada una de las grandes
civilizaciones de
Oriente y Occidente, cuando alcanza un cierto pensamiento de alto,
insoportable
orden de complejidad y gravedad espiritual.

Tradicionalmente, ha sido a través del vocabulario religioso. con su


metaabsolutes
de "sagrado" y "profano", "humano" y "divino", que el descontento con el
propio lenguaje se ha trazado. En particular, los antecedentes del arte de la
Dilemas y estrategias se encuentran en el ala radical de la mística tradición.
(Cf., entre los textos cristianos, el MYSTICA Teológica de Dionisio Areopagita,
la nube de desconocimiento anónimo. los escritos de Jacob Boehme
y el Maestro Eckhart, y paralelismos en el zen y taoísta y en los textos
escritos
de los místicos sufíes.) La tradición mística siempre ha reconocido, en
Norman
Brown frase, "el carácter neurótico de la lengua. (Boehme dice el
Adam habla el idioma que es diferente de todas las lenguas conocidas. Él lo
llama
"sensual discurso", el instrumento expresivo inmediatas de los sentidos, el
correcto
a ser parte integral de la sensual naturaleza - es decir, sigue trabajando por
todos los
animales enfermos, salvo que el animal, hombre. Esto, que pide la única
Boehme
"lenguaje natural", el único lenguaje libre de distorsión y la ilusión, es lo
que
hombre habla de nuevo cuando se recupera el paraíso.) Sin embargo, en
nuestro tiempo, el más
sorprendente la evolución de esas ideas se han hecho por los artistas (junto
con
algunos psicoterapeutas), en lugar de por la tímida legatarios de los
religiosos
tradiciones.

Explícitamente en la revuelta en contra de lo que se considera el desecado,


clasificados
la vida ordinaria de la mente, el artista cuestiones propias de su
llamamiento en favor de una revisión de idioma. Una buena parte del arte
contemporáneo se mueve por esta búsqueda de un
conciencia purificada contaminados de la lengua y, en algunas versiones, de
la
las distorsiones producidas por concebir el mundo exclusivamente
convencionales verbales
(en su sentido desvalorizado, "racional" o "lógico") términos. Arte se
convierte en una especie
de la lucha contra la violencia, tratando de aflojar el agarre a la conciencia
de los
hábitos de vida, estáticas verbalización, la presentación de modelos de
"sensual voz."
En todo caso, el volumen de descontento se ha subido desde las artes
heredado el problema de la lengua desde el discurso religioso. No es sólo
que
es decir, en última instancia, no hacer por los más altos objetivos de la
conciencia, o incluso que en el camino. El arte expresa un doble
descontento. Nos faltan palabras, y nos
tener demasiados de ellos. Que refleja una doble queja. Las palabras son en
bruto, y
también son demasiado ocupado - invitar a una hiperactividad de la
conciencia que no es
sólo disfuncionales, en términos de la capacidad humana de sentir y actuar,
pero
que activamente apaga embota la mente y los sentidos.

El lenguaje es degradado a la condición de un evento. Algo que se lleva a


cabo en
tiempo, una voz hablando lo que apunta a la "antes de" y para lo que viene
"después de"
una expresión: el silencio. El silencio, entonces, es a la vez la condición
previa de expresión, y
el resultado o la finalidad del discurso dirigido adecuadamente. En este
modelo, el artista de la actividad es la creación o el establecimiento de
silencio, la eficaz obra de arte deja silencio
a su paso. Silencio, administrado por el artista, forma parte de un programa
de
perceptivas y culturales de terapia, a menudo en el modelo de terapia de
choque y no
que la persuasión. Incluso si el medio es del artista, es decir, que pueden
compartir en esta
tarea: el idioma se pueden emplear para comprobar el idioma, para
expresar mudez.
Mallarmé creía que era precisamente el trabajo de la poesía. mediante
palabras, para limpiar
nuestra palabra-obstruido la realidad - por la creación de silencios en torno
a las cosas. El arte debe montar un ataque a escala completa en el idioma
propio, por medio del lenguaje y sus sustitutos, en nombre de la norma de
silencio.

XIV

Al final, la crítica radical de la conciencia (definida por el primero


tradición mística, ahora administrada por la psicoterapia y la poco ortodoxa
de alta
arte modernista) establece siempre la culpa sobre el lenguaje. Conciencia,
con experiencia
como una carga, se concibe como la memoria de todas las palabras que
alguna vez
se ha dicho.

Krishnamurti afirma que debemos dar hasta psicológica, a diferencia de


de hecho, de la memoria. De lo contrario, mantener el llenado de la nueva
con la antigua, cierre
experiencia conectando cada una de las experiencias en el pasado.
Debemos destruir la continuidad (que es asegurado por la memoria
psicológica), por
ir al final de cada emoción o pensamiento. Y después de la final, lo que
supervenes (por un tiempo) es el silencio.

XV

En su 4 ª Elegía Duino, Rilke metafórico da una declaración del problema de


la
el idioma y se recomienda un procedimiento para acercarse a la medida
hacia el
horizonte de silencio que considere viable. Un requisito previo de "vaciado a
cabo" es
para poder percibir lo que uno está "lleno de", lo que las palabras y los
mecánicos
gestos se rellena con una. como una muñeca, y sólo entonces, en la
confrontación con polares
la muñeca, ¿el "ángel" aparecen, una cifra que representa igualmente un
inhumano
aunque "superior" posibilidad, que de inmediato una totalmente trans,
lingüística
aprehensión. Ni ángel ni muñeca, los seres humanos siguen siendo situados
en el
reino de la lengua. Pero por la naturaleza, las cosas, luego otras personas,
entonces el
texturas de la vida ordinaria que se experimentó a partir de una posición
distinta de la
lisiado de una simple espectadores, el idioma debe recuperar su castidad.
Como Rilke
describe en el 9 º Elegía, la redención del lenguaje (es decir, la
la redención del mundo a través de su interiorización en la conciencia) es
una larga,
infinitamente ardua tarea. Los seres humanos son tan "caídos" que debe
comenzar
simplemente, con el simple acto lingüística: los nombres de las cosas. Tal
vez no más
que este mínimo se pueden preservar la función de la corrupción de
idioma. Rilke sugiere que el lenguaje puede muy bien tener que permanecer
dentro de un
estado permanente de reducción. Aunque tal vez. cuando este ejercicio
espiritual de
confinar a los nombres de idioma se perfecciona, puede ser posible pasar a
otros, más ambiciosos usos del lenguaje, no debe ser intentado que se
permitir que se unestranged conciencia de sí mismo.

Rilke para la superación de la alienación de la conciencia es concebible;


y sus medios no son, como en el radical de los mitos de los místicos, a
través de trascender el idioma por completo. Es suficiente. de acuerdo con
Rilke, a recortar
drásticamente el alcance y la utilización de la lengua. Una enorme
preparación espiritual
(al contrario de la "alienación") es necesaria para este engañosamente
simple acto de
denominación: nada menos que el desgrasado y armonioso de la nitidez
sentidos (lo contrario de esos proyectos violentos, con aproximadamente el
mismo fin
e informado por la misma hostilidad verbal-racional a la cultura, como
"sistemáticamente deranging los sentidos").

Rilke del recurso se encuentra a medio camino entre la explotación de


adormecimiento de la lengua como un bruto, totalmente instalado
institución cultural y de ceder a los suicidas de vértigo puro silencio. Sin
embargo, este medio de reducir a la denominación de idioma se
puede reivindicada en otra forma que la suya. El contrario, el nominalismo
benigna
propuesto por Rilke (y propuesto y practicado por Francis Ponge) con el
brutal nominalismo adoptado por muchos otros artistas. El más familiar de
recurso
el arte moderno a la estética del catálogo, el inventario, no se hace - como
en Rilke - con un ojo a "humanizar" las cosas, sino más bien de confirmar su
inhumanidad, su impersonalidad, su indiferencia y separación de en las
preocupaciones humanas. (Los ejemplos de la "inhumana" la preocupación
por la denominación:

Roussel de Impresiones de África: la serigrafía y pinturas de primeras


películas
Andy Warhol, las primeras novelas de Alain Robbe-Grillet, que tratan de
limitar
lengua a la función de simple descripción física y la ubicación.)
Rilke Ponge y asumir que hay prioridades: en lugar de ricos vacuo
objetos, eventos con un cierto encanto. (Este es el incentivo para tratar de
piel
de nuevo el idioma, permitiendo que las "cosas" a hablar.) más decisiva,
que suponer que si hay estados de falsa (idioma obstruidas), la conciencia,
también hay auténticos estados de conciencia - que es la función del arte
promover. La visión alternativa niega el interés de las jerarquías
tradicionales
y el significado, en el que algunas cosas más "importancia" que otros. El
distinción entre lo verdadero y lo falso experiencia, lo verdadero y lo falso es
la conciencia
También negó, en principio, un deseo debe prestar atención a todo. Es
este punto de vista, más elegantemente formulada por jaula, aunque su
práctica se encuentra
todo el mundo, que conduce a la técnica del inventario, el catálogo, las
superficies;
también "oportunidad". La función del arte no es el fin de fomentar la
experiencia específica,
excepto el estado de estar abierto a la multiplicidad de la experiencia, que
finaliza en
la práctica por un decidido énfasis en las cosas suele considerarse trivial o
sin importancia.
El archivo adjunto de arte contemporáneo a la "mínima" principio de la
narrativa
el catálogo o inventario parece casi una parodia de la visión del mundo
capitalista,
en el que el medio ambiente es atomizado en "temas" (una categoría que
abarque
cosas y personas. obras de arte y organismos naturales), y, en la que cada
es un tema - que es. una discreta, objetos portátiles. En general,
nivelación del valor promovido en el arte de inventario, que es en sí mismo
sólo uno de los
posibles enfoques de un ideal Invariable discurso. Tradicionalmente, la
efectos de una obra de arte-se han distribuido de forma desigual, con el fin
de inducir en el
audiencia una cierta secuencia de experiencias: en primer lugar despertar, a
continuación, manipular, emocional y, finalmente, el cumplimiento de las
expectativas. Lo que se propone ahora es una discurso sin matices en este
sentido tradicional. (Una vez más, el principio de
la mirada frente a la mirada.)

Dicha técnica también podría ser descrito como el establecimiento de una


gran "distancia" (entre espectador y el arte objeto, entre el espectador y
sus emociones). Pero,
psicológicamente, la distancia es a menudo intervienen en el estado más
intenso de
sentimiento, en la que la distancia o la frialdad o la impersonalidad con la
que
algo se trata de medidas que el insaciable interés que tiene para nosotros.
El
la distancia a la que una gran cantidad de "anti-humanista" el arte se
propone es en realidad
equivalente a la obsesión - un aspecto de la participación en "cosas" de los
cuales
el "humanista" nominalismo de Rilke no revelar.

XVI

"Hay algo extraño en los actos de escritura y expresión oral", Novalis


escribió en 1799. "El ridículo y la gente hace increíble error es creer
se utilizan palabras en relación con las cosas. Ellos no son conscientes de la
naturaleza de
el idioma - que se va a su propia y única preocupación, por lo que es tan
fértil y
espléndida un misterio. Cuando alguien habla por el hecho de que está
hablando
diciendo que la más original y veraz, cosa que puedo decir ".
Novalis declaración pueden ayudar a explicar algo que parece a primera
paradójica: que la edad de la amplia promoción del arte del silencio
También contienen un número cada vez mayor de obras de arte que
balbuceo. Verbosidad y
repetitividad es especialmente notable en la tendencia temporal de las
artes
prosa, narrativa, música, cine y danza, muchas de las cuales aparecen a
cultivar una especie
ontológico de balbucear - facilitado por su negativa a prestar atención a los
incentivos para un lugar limpio, anti-redundante discurso facilitada por
lineal, a partir de medianos andend
construcción. Pero, en realidad, no hay contradicción. Para el
contemporáneo
llamamiento para que el silencio nunca ha indicado simplemente hostiles
despido de un idioma. Ello también significa una estimación muy alta de la
lengua - de sus competencias, de su pasado la salud, y de los peligros
actuales que plantea a la libertad de conciencia. A partir de este intenso y
ambivalente valoración producto el impulso de un discurso que
parece irrespressible (y, en principio. interminable), y extrañamente
inarticulados, dolorosamente reducido. Una sentidos incluso los contornos
de un subliminales
justificación - discernible en las ficciones de Stein, Burroughs, Beckett y -
que
sería posible hablar con el idioma, o para hablar uno mismo en silencio.
Se trata de un extraño y no muy prometedora estrategia, se podría pensar,
a la luz
resultados de lo que razonablemente cabría esperar de ella. Pero tal vez no
tan
extraño. después de todo, cuando uno observa la frecuencia con la estética
del silencio parece
de la mano con un rechazo de apenas controlado el vacío.

Incorporación de esos dos impulsos contrario puede producir la necesidad


de llenar
todos los espacios con objetos de peso ligero emocional o incluso con
grandes zonas
apenas modulada de color uniforme o detalladas de objetos, o para hacer
girar un discurso
con el menor número posible las inflexiones, variaciones emotivo. y risings y
deficiencias de
énfasis. Estos procedimientos parecen análogas a la conducta de un
obsesivo
neuróticos conjurar un peligro. Los actos de esa persona debe repetirse en
idéntica forma, porque el peligro sigue siendo el mismo, y deben guardar
repite sin cesar, porque el peligro no parece que vaya. Sin embargo, la
emocional incendios alimentación el arte del discurso análogo a
obsessionalism puede ser
rechazado tan bajo se puede olvidar que estamos casi allí. Entonces todo lo
que queda por
el oído es una especie de zumbido o zumbido constante. Lo que queda a la
vista es el puro
relleno de un espacio con cosas, o, más exactamente, el paciente de
transcripttion
detalle la superficie de las cosas.

En este punto de vista, el "silencio" de las cosas, imágenes, palabras y es un


requisito previo para su proliferación. Fueron dotados de una más potente.
cada cargo,
cada uno de los diversos elementos de la obra de arte que demanda más
espacio psíquico
y, a continuación, su número total podría tener que ser reducido.

XVII

A veces la acusación contra el idioma no se dirige contra todos


el idioma, pero únicamente con la palabra escrita. Tristan Tzara, por tanto
insta a la
quema de todos los libros y las bibliotecas para lograr una nueva era de las
leyendas orales. Y
McLuhan, como todos saben, hace más nítida la distinción entre los escritos
el idioma (que existe en el "espacio visual") y el discurso oral (que existe en
"espacio auditivo"), elogiando el psíquico y culturales de este último como
la base de la sensibilidad.

Si el lenguaje escrito es señalado como el culpable, lo que se solicita no es


tan
tanto la reducción de la metamorfosis de la lengua en algo más flexible,
más intuitivo, menos organizados y las inflexiones, no lineal (en la McLuhan
terminología) y - notablemente - más detallada. Pero, por supuesto, es tan
solo estas
cualidades que caracterizan a muchos de los grandes relatos en prosa
escritos en nuestro
tiempo. Joyce, Stein, Gadda, Laura Riding, Beckett, Burroughs y emplean a
un
lenguaje cuyas normas y las energías procedentes de discurso oral, con su
circular
los movimientos repetitivos y, esencialmente, en primera persona la voz.
"Hablando por el bien de hablar es la fórmula de la liberación," Novalis
dicho. (Liberación de qué? De hablando? De arte?)

Quisiera argumentar que Novalis ha descrito sucintamente el enfoque


adecuado del escritor de la lengua, y ofreció el criterio básico para la
literatura como un arte.
Pero si es el discurso oral modelo privilegiado para la expresión de la
literatura como
un arte es una cuestión que sigue indeciso.

XVIII

Un corolario del crecimiento de esta concepción del arte de la lengua como


autónomo
y autosuficiente (y, en última instancia, auto-reflexivo) es una disminución
de los "efectos",
como tradicionalmente buscarse en las obras de arte. "Hablando por la
causa de uso de la palabra" nos obliga a trasladar el sentido de la
lingüística o para-lingüísticos declaraciones.
Nos llevó a abandonar el sentido (en el sentido de las referencias a
entidades fuera de
la obra de arte) como criterio para el lenguaje del arte en favor de la
"utilización".
(La famosa tesis de Wittgenstein, "el sentido es el uso", puede ser, debe
ser,
aplique al arte.) "Significado", total o parcialmente, convertida en la
"utilización" es el secreto detrás de la estrategia generalizada de literalidad,
un importante desarrollo de la estética de la
silencio. Una variante de este: oculto literalidad, por ejemplo, tan diferentes
escritores como Kafka y Beckett. La descripción de Kafka y Beckett parece
desconcertante porque parece invitar al lector a atribuir alta potencia
simbólico y alegórico significado para ellos y, al mismo tiempo, rechazar
tales
ascriptions. La verdad es que su idioma, cuando se examina, no se revela
más de lo que significa literalmente. El poder de su lengua se deriva
precisamente por el hecho de que el significado es tan simple.

El efecto de esa desnudez es a menudo una especie de ansiedad - la


ansiedad como un
siente cuando las cosas no son familiares en su lugar o jugar su papel
acostumbrado.
Uno puede ser tan ansiosos por literalidad como inesperado por los
surrealistas "
"inquietante" objetos e inesperada dimensión y condición de los objetos,
sumados en
un paisaje imaginario. Cualquiera que sea totalmente misterioso es a la vez
tanto
psíquicamente y aliviar la ansiedad que provoca. (Una máquina perfecta
para agitar
este par de emociones contrarias: Bosch dibujo neerlandés en un museo
que
muestra los árboles decorados con dos orejas a los lados de su tronco, como
si fueran
escuchar a la selva, mientras que el suelo del bosque está sembrado con los
ojos.) Antes de que un plenamente conscientes de obra de arte, uno siente
algo así como la mezcla de ansiedad,
destacamento, pruriency, de socorro y una buena persona que físicamente
se siente cuando
vislumbrar un amputado. Beckett habla favorablemente de una obra de arte
que
ser un "objeto total, con partes faltantes, en lugar de objeto parcial.
Cuestión de grado. "Exactamente lo que es una totalidad, lo que constituye
la exhaustividad en el arte (o nada los demás) es precisamente el
problema. Ese problema es, en principio, una unresolvable uno.

El hecho es que cualquiera que sea la forma en que una obra de arte es,
podría haber sido – podría ser - diferente. La necesidad de estas piezas en
este orden no es nunca un estado, sino que se confiere. La negativa a
admitir que esto es esencial contingencia (o apertura) es lo que inspira a la
audiencia para confirmar la voluntad de la closedness de un
obra de arte de la interpretación, y lo que crea el sentimiento común entre
los
artistas reflexivos y críticos que la obra de arte siempre está en mora en el
pago de alguna o
inadecuados para su "tema". Pero a menos que uno está comprometido con
la idea de que el arte "expresa" algo, estos procedimientos y las actitudes
están lejos de ser inevitable.

XIX

Esta tenaz concepto del arte como "expresión" es lo que da lugar a una
común, pero dudosa, la versión de la noción de silencio, que invoca la idea
de
de la "inefable". La teoría supone que la provincia de arte es "la
hermoso ", lo que implica efectos de unspeakableness, indescribability,
ineffability. De hecho, la búsqueda de expresar lo inexpresable es tomado
como el
criterio de arte, y en ocasiones, por ejemplo, en varios ensayos de Valery,
se convierte en la ocasión por un estricto - y en mi opinión insostenible - la
distinción
entre la literatura y la poesía en prosa. Es desde esta base de que Valery
avanzada
su famoso argumento (que se repite en un contexto muy diferente por
Sartre), que la
novela no es, estrictamente hablando, una forma de arte en absoluto. Su
razón es que, desde la
objetivo de la prosa es comunicar, el uso del lenguaje en prosa es
perfectamente
sencilla. La poesía, que es un arte, debe tener muy diferentes objetivos:
expresar una experiencia que es esencialmente inefable, usando el lenguaje
para expresar
mudez. En contraste con la prosa los escritores, los poetas se dedican a
subvertir sus
propio instrumento, y tratando de pasar más allá de él.

La medida en que esta teoría asume que el arte tiene que ver con belleza,
no es
muy interesante. (Estética moderna se ve mermada por su dependencia de
este
esencialmente vacantes concepto. Como si el arte se "acerca de" la belleza,
como la ciencia es "acerca de "la verdad!) Pero incluso si la teoría prescinde
del concepto de belleza, hay todavía
una más seria objeción que hacer. La opinión de que la expresión de la
inefable es una eterna función de la poesía (considerada como un
paradigma de todas las
artes) se daría ingenuamente. Aunque sin duda un clásico de la categoría
conciencia, el inefable no siempre ha hecho su hogar en las
artes. Su refugio era tradicional en el discurso religioso y, en segundo lugar
(véase la
7 ª Epístola de Platón), en la filosofía. El hecho de que los artistas
contemporáneos se
en cuestión con el silencio - y, por tanto, en una extensión, con el inefable
--
debe ser entendida históricamente, como consecuencia de la que prevalece
el mito de
"absoluto" del arte al que me haya referido en el presente argumento.
El valor en el silencio no se plantea en virtud de la naturaleza del arte, pero
es
derivados de la adscripción de determinados contemporáneo "absoluta" a
las cualidades
arte objeto y la actividad de la artista.

La medida en que el arte está implicado con el inefable es algo más


específicos, así como contemporáneo: arte, en la moderna concepción, es
siempre
relacionados con las transgresiones sistemáticas de tipo formal. La
sistemática
violación de los mayores convenios formales practicado por artistas
modernos da a su trabajo una cierta aura de la incalificable - por ejemplo,
en la audiencia
difícilmente sentidos la presencia negativa de lo que más podría ser, pero
no se,
dijo, y que cualquier "declaración" hecha en una manera agresiva nuevas o
difíciles de
tiende a parecer equívoca o simplemente vacante. Sin embargo, estas
características de ineffability no debe ser reconocido a expensas de la toma
de conciencia de la positividad
de la obra de arte. Arte contemporáneo, no importa cuánto se define por sí
mismo
el gusto por la negación, puede ser analizado como un conjunto de
afirmaciones, de un oficial
clase.

Por ejemplo, cada obra de arte nos da una forma o de paradigma o modelo
de
sabiendo algo, una epistemología. Pero visto como un proyecto espiritual,
una
vehículo de las aspiraciones hacia un absoluto, lo que cualquier obra de arte
tiene un carácter
modelo específico de meta-meta-social o ético tacto, un nivel de decoro.
Cada obra de arte-indica la unidad de ciertas preferencias sobre lo que
puede y
no se puede decir (o representados). Al mismo tiempo que puede hacer una
tácita
propuesta de alterar las decisiones previamente consagrada en lo que se
puede decir (o
representada), emite su propio conjunto de límites.

XX

Dos estilos de silencio en el que se defiende: fuerte y suave.


El alto estilo es una función de la inestabilidad de la antítesis de la "cámara"
y "vacío".
Notoriamente, la sensual, extático, translinguistic aprehensión del pleno
pueden en un terrible colapso. casi instantáneo de sumergirse en el vacío de
la negativa
silencio. Con todo su conocimiento de la toma de riesgos (los riesgos de
náuseas espirituales,
incluso de la locura), la promoción de este silencio tiende a ser frenético, y
overgeneralizing. También es frecuente apocalíptico, y debe soportar la
la indignidad de todos pensamiento apocalíptico, a saber, a la profecía del
final, para ver el
días venideros, para sobrevivir y, a continuación, para fijar una nueva fecha
para la incineración de conciencia y el lenguaje definitivo de la
contaminación y el agotamiento de la
posibilidades de arte-discurso. La otra forma de hablar de silencio es más
prudente. Básicamente, presenta a sí misma como una extensión de una
característica principal de la tradicional clasicismo: la preocupacióncon los
modos de propiedad, con las normas de seemliness.

El silencio es sólo "reticencias" intensificado a la enésima potencia. Por


supuesto, en la traducción de este preocupación de la matriz tradicional del
arte clásico, el tono ha cambiado --
didáctica de gravedad a la apertura de espíritu irónico. Pero mientras que el
clamoroso
estilo de proclamar la retórica del silencio puede ser más apasionado, más
moderado defensores (como Cage, Johns) están diciendo algo igualmente
drásticas.
Se trata de reaccionar a la misma idea de las aspiraciones del arte absoluto
(por
programáticas disavowals de arte), que comparten el mismo desprecio por
la
"significados" establecido por la cultura burguesa, racionalista, de hecho,
para la cultura misma
en el sentido familiar. Pero lo que es expresada por los futuristas, algunos de
los Dada
artistas, como Burroughs y la desesperación y una dura visión perversa de
apocalipsis, es
no menos graves para ser proclamada en una voz amable y como una
secuencia de
afirmación lúdica. De hecho, podría decirse que el silencio es probable que
se mantenga una
viables para la idea de arte moderno y la conciencia sólo lo que se despliega
con la
una parte considerable, cerca de la ironía sistemática.

Es en la naturaleza espiritual de todos los proyectos que tienden a consumir


ellos mismos --
agotar su propio sentido, el significado de los términos en que se
redactado. (¿Cuál es la razón por la "espiritualidad" deben ser
continuamente reinventado.) Todas las proyectos verdaderamente último
de la conciencia para convertirse en proyectos
desentrañar el pensamiento de sí mismo.

Ciertamente, el arte concebido como un proyecto espiritual no es una


excepción. Como una
resumieron y fragmentada de la réplica positiva expuesta por el nihilismo
mitos religiosos radicales, las graves arte de nuestro tiempo se ha
desplazado cada vez más
hacia la mayoría de las inflexiones de la conciencia insoportable.
Concebible, la ironía es
el único contrapeso posible a este grave el uso del arte, como la arena para
la
odisea de la conciencia. La perspectiva actual es que los artistas se pondrán
a la
la supresión de arte, sólo para resucitar en una versión más retraído.
Mientras el arte
lleva bajo la presión de los interrogatorios crónica, sería una buena
cosa que algunas de las preguntas tienen un cierto juego de calidad.
Pero esta perspectiva depende, tal vez, sobre la viabilidad de la ironía en sí.
De Sócrates adelante, hay innumerables testigos de la importancia de la
ironía
para los particulares: como un complejo, serio método de búsqueda y
explotación
la verdad, y como método de ahorro de la cordura. Pero como la ironía se
convierte en el
buen gusto de lo que es, después de todo, una actividad esencialmente
colectiva - la puesta a
de arte - puede resultar menos reparables.
No es necesario hablar como categóricamente como Nietzsche, que
pensaban que la propagación de la ironía en toda una cultura floodtide
siempre significó la decadencia y de la
acercarse a fin de que la vitalidad de la cultura y las competencias. En el
período posterior a la política, conectados electrónicamente Cosmopolis
grave en el que todos los artistas modernos han prematuro sacar la
ciudadanía, algunas conexiones entre la cultura ecológica
y "pensar" (y el arte es, sin duda, ahora, sobre todo, una forma de
pensamiento) puede tener
ha roto, por lo que el diagnóstico de Nietzsche ya no se aplica. Sin embargo,
existe
sigue siendo una cuestión de en qué medida los recursos de la ironía puede
ser estirado. Ello
Parece poco probable que las posibilidades de socavar continuamente la
hipótesis pueden ir desarrollando en forma indefinida en el futuro, sin que
se
finalmente marcada por la desesperación o por una carcajada que deja sin
aliento un
en absoluto.