p.a.u.s.a.

>>||<< revista de cine

número 01| Marzo-Abril 2010

Nayra Ilic|Sebastián Lelio

Matías Bize|Philippe Boisier
Alicia Scherson|Cristián Jiménez
S u s a n a D í a z| V i n c e n t M o o n
Ezequiel Acuña|Jem Cohen
p.a.u.s.a. >>||<<

soon| pronto| bientôt

pausa.
(del lat. pausa) f.
Breve interrupción del movimiento, acción o ejercicio.
(Real Academia Española)
Índice
>>||<<
p.a.u.s.a.>>||<< f e s t i v a l e s
Editorial 06
>>in-edit Nescafé
p.a.u.s.a.>>||<< o c i o julien temple | glastonbury 70
supersordo: historia y geografía de un ruido 74
salón cienfuegos 10 smile | la historia de brian wilson 76
philippe boisier 12 shadowplay | the making of anton corbijn 80
susana díaz 82
vincent moon 86
p.a.u.s.a.>>||<< c i n e

>>sanfic
nayra ilic 20 jem cohen 90
matías bize 32
alicia scherson 42 >>festival internacional de cine de valdivia
sebastián lelio 52 carlos saura | fados 98
cristián jiménez 62 josé luis torres leiva | trance 100
siegfried | kinogamma 102
ezequiel acuña 104
victor jiménez | retrato de un antipoeta 114

p.a.u.s.a.>>||<< a d d i c t e d

christina rosenvinge | tu labio superior 118

the beatles | álbum blanco 120
ray loriga | ya sólo habla de amor 122
holden | en vivo en Amanda 124
shogún | el brujo (descarga) 126
pablo mackenna | centro cultural amanda 128

Foto Portada:

Natalia Grez durante el rodaje de Metro Cuadrado, p.a.u.s.a. >>||<< m a g a z i n e

Textos|Diseño| Entrevistas| Edición Periodística| Dirección:
el largometraje debut de Nayra Ilic.
Rodolfo García M.
Créditos: c. Felipe Fontecilla
p.a.u.s.a. >>||<< 01| 05
Editorial
>>||<<
p.a.u.s.a. >>||<< m a g a z i n e nace de una
necesidad. Ésta es la de difundir el cine de
buena calidad realizado en el país y recono-
cido de manera internacional, con premios,
becas y fondos.
Además, de comentar las excelentes pelícu-
las extranjeras traídas a Chile por algunas
muestras destacadas en el territorio, como lo
son el Festival Internacional de Cine de Val-
divia, el Nescafé In-Edit y el Santiago Fes-
tival Internacional de Cine. Éstos dos últimos
nacidos en la década del 2000, y el primero
reestructurado en la misma época.
180 films pasaron por Valdivia en 2009, 80
estrenos para In-edit ese mismo año, y unos
15 mil espectadores acudieron a Sanfic en el
período, al tiempo que se estrenaron 26 lar-
gometrajes chilenos durante ese lapso.
4 películas nacionales llegaron a las salas
francesas, de las cuales una -Navidad- se
ganó a la crítica más dura de la mítica revista
Cahiers du Cinéma, mientras que en Estados
Unidos La Nana ganaba el premio del jurado
en Sundance y era nominada a los Globos de
Oro en Hollywood.
Chile cuenta ya con unas ocho escuelas de
cine (en la Universidad de Chile, en la Escue-
la de Cine de Chile, en la U. Diego Portales y
la U. Mayor, aparte de carreras audiovisuales
en ARCIS y UNIACC, entre otras), y las prime-
ras generaciones de cineastas ya comenzaron
a hacer sentir sus obras en la escena especia-
lizada del planeta.
06 |p.a.u.s.a. >>||<< 01
Como indica Sebatián Lelio, esto es apenas
la punta del iceberg, de un universo crea-
tivo que suma cada día más esfuerzo, rigor,
técnica, innovación y profesionalismo, en los
casos más destacados (José Luis Torres Leiva
y Nayra Ilic, por nombrar dos valores emer-
gentes).
Sin embargo, el fenómeno recién permea ha-
cia un público acaso mayor. Los medios de co-
municación actuales se revelan insuficientes,
ya que el espacio dedicado al séptimo arte en
la sección de espectáculos es mínimo. Apenas
un par de párrafos, o menciones pequeñas.
El cine es nuestro espejo, parte de nues-
tra identidad, y valor como país. ¿Por qué
marginarlo?Es más, se habla más afuera del
fenómeno del ‘Nuevo cine chileno’ -surgido
con la democracia- que lo que se hace aquí
mismo. ¿Por qué?
Mientras cadenas de televisión tan prestigio-
sas como Arte (Francia y Alemania) compran
y hasta producen cintas de autores chilenos,
las redes locales hacen oídos sordos, y pro-
yectan un par de comedias o de dramas sen-
sibleros para quedar con la consciencia tran-
quila.
Y eso que Arte es una red privada que fun-
ciona como cualquier empresa. Es tiempo de
acortar las distancias. Entre público y arte,
entre ‘baja’ y ‘alta’ cultura.
Es hora de una pausa para detenerse a mirar Por eso, éste es el mejor momento para lle-
que es lo que está sucediendo, aquí, y alre- nar el vacío en Chile de una publicación es-
dedor del mundo a través de esas maravillo- pecializada e interpretativa que cubra el cine
sas vitrinas que son Sanfic, Valdivia e In-Edit. que se está haciendo ahora.
En este sentido, pausa es una revista perio- Aquél que tal vez comenzó el 2003,con Sába-
dística, no de crítica, que busca documentar do de Matías Bize, y su propuesta conceptual
esa creación incesante. Es una escapatoria al e iconoclasta de un experimento de una sola
olvido. toma. Luego, Play y La Sagrada Familia arre-
meten con una visión actual de la sociedad
Por eso mismo, es una revista impresa, cuya chilena, un par de años más tarde.
presencia física desafía al tiempo con su per-
manencia, y a los trillones de terabytes de De ahí hasta ahora, Tribeca, San Sebastián,
sobreinformación saturada que circula en in- Sundance e incluso Cannes han sido testigos
ternet. del talento nacional.¿Por qué no reconocerlo
nosotros mismos?
P.a.u.s.a. es una revista para detenerse y dis-
frutar, para coleccionarla, por ello, posee un Del mismo modo, nuestros cineastas han po-
gran enfásis en lo visual, así como un criterio dido ver y escuchar a sus pares en sus exposi-
editorial que busca captar la excelencia, el ciones en el país.Todo un hito para Chile del
atrevimiento y acaso, también, el ensayo- Siglo XXI.
error.
Bienvenidos a este mundo, el mundo del
cine, y el de la pausa en la mirada. La idea
es dejar testimonio de toda esta incipiente
efervescencia. En un mundo donde la imagen
se ha vuelto fundamental, a una velocidad
exorbitante, resulta necesario detenerse y
mirar de verdad.
El ciclo de vida de una película no termina
ya con su paso por salas. Gracias a las nuevas
tecnolgías, su existencia prosigue en DVD y
proyecciones por internet o televisión, cuan-
do no giras por el circuito festivalero mun-
dial, algo en lo que los chilenos han adquirido
experiencia y, algunos, renombre.
p.a.u.s.a. >>||<< 01| 07
p.a.u.s.a.
>>||<<
ocio

Salón Cienfuegos:
“Música interesante
para un público abierto”
Creado a un costado del concurrido y
taquillero bar Constitución 61, el Cienfuegos se
impone como una propuesta más madura para
paladares refinados en cuanto a música, teatro,
cultura y gastronomía.
Ideado como un largo pasillo en una
casa antigua y refaccionada hasta en sus más
mínimos detalles, el salón posee un restorán de
alta cocina a la entrada, para luego dar paso al
lounge con barra y dj ubicado al final.
Un salón con cómodos sillones y un
sushi-bar que incluye buenos tragos como el Sex
on the beach (Vodka con arándanos y jugo de
durazno), champaña en balde y rolls generosos,
ésta es la piedra angular de un sitio que ha teni-
do privilegios como el de acoger la selecta fiesta
privada de Radiohead tras su paso por el Esta-
dio Nacional, que culminó con el cantante Thom
Yorke en las perillas del disc jockey.
La agitada y joven productora Pía So-
tomayor se ocupa de los eventos del cotizado y
bailable Constitución 61, y designó a los capora-
les del Cienfuegos. Lalo Prieto y José Martínez
organizan veladas teatrales, y Philippe Boisier
sus Sesiones Improbables de música, los días
jueves.
10 |p.a.u.s.a. >>||<< 01
p.a.u.s.a.
>>||<<
magazine
“Nos dimos cuenta de que ahí sí funcio-
naban ideas locas como una banda de rockabilly
tributando a Roy Orbison. Además, de que al bar
Constitución llegaba, a veces, un público mayor.
Decidimos diferenciar productos, con un lugar
más juvenil, por una parte, y, por otra, un salón
más adulto”, declara Pía.
“Esto para personas con un oído más
maduro, que podrían escuchar soul, por ejem-
plo. Tuvimos un ciclo de jazz, también”, precisa
Sotomayor. “Estamos buscando ahora incorporar
>>||<< Bares| Sala de Eventos
cosas como la cumbia y el rocanrol, en algo que
sea más creativo que lo tan obviamente dance”,
prosigue la productora.
“Nos ha gustado mucho el resultado, ya
que ofrecemos música interesante para un pú-
blico abierto, el que, de verdad, ve aquí en el
Cienfuegos cosas que difícilmente vería en otro
lado”, concluye Pía
p.a.u.s.a. >>||<< 01|11
sesiones improbables
entrevista | p h i l i p p e b o i s i e r entrevista | p h i l i p p e b o i s i e r

Philippe Boisier: El Señor Improbable

Desde abril de 2009, el músico y productor Philippe Boisier organiza todos los jueves encuentros
artísticos de gran creatividad en el Salón Cienfuegos de la calle Constitución.

Bautizadas como Sesiones Improbables, estas noches multidisciplinarias y únicas cuentan con actos
de magia,directores de cine en el puesto del disc jockey, y tributos a grandes de la música.

“Irrepetibles”, así califica Desde París, Boisier y el con-

Philippe Boisier las noches que -des-
de abril de 2009- organiza semana a
semana en el Salón Cienfuegos, ubi-
cado en el epicentro chic de Bellavis-
ta, en Constitución 67.
junto dirigido por Eddie Pistolas fue-
ron a Nueva York a grabar su disco
‘Telepathic Sonora’, junto a Mario
Caldato Jr de los Beastie Boys, auspi-
ciados por Sony Records.

Su apuesta se basa en abrir “Fue ahí, en el desaparecido

las perspectivas de la escena artísti-
ca santiaguina en base a encuentros
inesperados y novedosos, llamados
Sesiones Improbables. La conducción
de estas veladas le fue encargada a
Philippe gracias a su red de contactos
como músico y productor.
A sus 34 años, Philippe Boi-
sier Echeñique (sobrino de Cecilia)
posee una trayectoria que inició
muy joven en la banda de cold wave
Luna In Caelo. Luego, Philippe formó
Mambotaxi junto al dj inglés Graham
Wakefield, y terminó tocando junto a
Pánico, con quienes partió a Francia
a principios de esta década.
club Tonic de Nueva York, donde se
me ocurrió el concepto de las Sesio-
nes Improbables”, explica Philippe.
“Ello pues todas las noches se
subían músicos de distintas bandas a
probar cosas nuevas juntos sobre el
escenario. Por ejemplo, Kim Gordon
de Sonic Youth e Ikue Mori, o Sean
Lennony Arto Lindsay. Ese espíritu
abierto me motivó, pues es lo opues-
to a Santiago, donde cada cual se
mueve en su pequeño círculo sin salir
de ahí”, precisa Boisier.

14 |p.a.u.s.a. >>||<< 01 p.a.u.s.a. >>||<< 01|15

entrevista | p h i l i p p e b o i s i e r
A principios de 2009,
mientras Philippe se desempe-
ñaba como dj residente en el
entonces restorán Cienfuegos,
la productora del complejo
Constitución 61, Pía Sotomayor,
le propuso hacer la programa-
ción de una noche en el salón,
próximo a
abrirse.
Al volver de Francia,
dejando atrás Pánico para de-
dicarse a su propio proyecto I-
calma, este franco-chileno, de
profesión arquitecto, se lanzó
de lleno a producir eventos.
Los resultantes En-
cuentros Internacionales de
Música Actual (EIMA), coordi-
nados con la embajada gala y
el programa de difusión Géné-
rations Musique, han logrado
traer a cantantes consagradas
como Jane Birkin, a emergen-
tes como Coralie Clément, las
bandas Holden, Nouvelle Vague
y Wax Tailor, y los solistas Domi-
nique A y Yann ‘Amélie’
Tiersen, entre otros.
Ello en contacto con
chilenos como Gepe y Javiera
Mena, más salidas a regiones.
La apuesta del franco-chileno
fue más lejos.
“Me di cuenta de que podía ir
más allá de la música, e inte-
16 |p.a.u.s.a. >>||<< 01
grar otras disciplinas, en par-
ticular aquéllque no fueran re-
presentables sobre las tablas,
como la arquitectura, el dibujo,
la literatura y el cine”, profun-
diza Boisier.
-¿Contento con el resultado?
-Sí, muy contento. Hoy, lleva-
mos
18 sesiones ininterrumpidas to-
dos los jueves. Con un progra-
ma que, creo, ha tenido varios
aciertos, como el de mezclar
música popular con cosas más
alternativas, como Leo Quin-
teros con Namm, o el mezclar
generaciones, como el escritor
Óscar Bustamante leyendo con
la joven banda de jazz y hip
hop Cómo asesinar a Felipes to-
cando en vivo.
-¿Tienes algún registro?
-Sí, he grabado las sesiones en
el programa ProTools. Ya te-
nemos algunos episodios en la
red, y ahora estoy negociando
las que siguen.
El éxito depende de la
noche. Algunas, que exhiben
nombres llamativos con el de
Blanca Lewin como disc jockey,
o la cantante Nea (CHC) junto
al músico Cuti Aste (La Negra
Ester, Javiera y los Imposibles)
en versiones de Nina Simone,
traen gran afluencia
de público.
entrevista | p h i l i p p e b o i s i e r
Bellavista
mon amour
Desde la cineasta Alicia
es muy importante.
Scherson (Play, Turistas) enlas
tornamesas junto a Moisés el
-¿Qué buscas en este manejo?
Mago, hasta una velada en la
-No necesariamente seguir mi
que el crítico de cine Gonzalo
propio estilo, sino que cubrir
Maza narra historias dibujadas
cosas que se destaquen por ser
y proyectadas in situ por los ar-
originales, con seriedad y pro-
tistas
fesionalismo, ya sea dentro del
del equipo de la obra Mi joven
jazz, el hip hop, la electróni-
corazón idiota, todo puede ocu-
rrir en el Cienfuegos. ca o el rock. Hay cosas que no
me llaman la atención y otras
Cuando no, en Consti- que sí, rockeros como el Goli
tución 67 sucede una guerra de de Tsunamis, por ejemplo. En
los sexos en versión bloggers, Bellavista, yo creo que mi pro-
con Zancada (mujeres) y Pániko puesta es la de un diario del
(varones) interpretando una acontecer cultural de manera
escena de Las vírgenes suicidas bastante única, algo que ade-
sobre las tablas; o un recital de más está quedando registrado.
Nutria desde Nueva York tras-
mitido vía streaming en el sa- >>||<<
lón, seguido por Dj Squatt (Pá- P.a.u.s.a.
nico, Makiza) haciendo bailar al
público desde París vía webcam
hasta Bellavista…
-¿Cómo ves tú esta propuesta
dentro del barrio?
-Es como ir a una disquería cada
semana a escuchar las noveda-
des, las que te son propuestas
por el dueño y que, en el fondo,
sabes que te van a gustar, por
un asunto de conexión. Hay un
ingrediente de conducción ar-
tística, cuestionable o no, que
p.a.u.s.a. >>||<< 01|17
 p.a.u.s.a.
>>||<<
cine

foto: felipe fontecilla

mts2
portada >>||<< n a y r a i l i c
Nayra Ilic es la próxima revelación dentro del cine chileno. Su debut Metro Cuadrado deslumbró a los
jurados de festivales como Sanfic y Valdivia. Ésta es una cinta íntima y basada en la evolución del
desamor en la pareja. Con una visión muy personal, Ilic afina los últimos detalles para terminarla.
La joven Nayra Ilic ha sor-
prendido a los distintos jurados de
festivales como Sanfic y Valdivia, con
su primera película, Metro Cuadrado.
En la senda ya inaugurada por
directores como Matías Bize, Alicia
Scherson y Sebastián Lelio, la próxi-
ma revelación del nuevo cine chileno
es una cinta íntima que recrea la des-
integración de una pareja, presa del
desamor.
Según la actriz de la Universi-
dad Católica -reconvertida en artista
audiovisual tras una estadía en Fran-
cia- su película funciona en forma de
embudo, contrayéndose desde el es-
pacio social de una fiesta (en la que
aparece Nea Ducci, cantando como
invitada) al de un departamento,
para terminar en el ámbito más pri-
vado del dormitorio.
Al revés de la narrativa ro-
mántica tradicional -donde el público
observa la construcción de una pareja
a través de múltiples aventuras-,
Nayra Ilic: Loveless aquí, el desgaste es lo principal.
22 |p.a.u.s.a. >>||<< 01
portada >>||<< n a y r a i l i c
Fotos: Felipe Fontecilla
Nayra aborda un tema sen-
sible, interpretado en la música por
álbumes como Loveless, de My Bloody
Valentine, o Disintegration, de The
Cure, sin mencionar el himno post
punk Love will tear us apart (el amor
nos destrozará) de Joy Division.
Las referencias no son gratui-
tas, ya que forman parte del catálogo
auditivo de la autora, en un mundc
contemporáneo donde la cultura pop
permea implacablemente los sub-
conscientes personales y colectivos.
En este universo de la post-
modernidad, el ‘mal de vivre’, el ma-
lestar paralelo a la alienación colec-
tiva y urbana, resulta inevitable.
Metro Cuadrado resulta de
una factura elegante, gracias a este
minimalismo intimista. A sus anti-hé-
roes y anti-heroínas. A su rechazo por
las formas y velocidades convencio-
nales.
p.a.u.s.a. >>||<< 01|23
portada >>||<< n a y r a i l i c
La rica sensibilidad de Ilic ha
sido captada por los festivales en los
que ha participado, recibiendo los fon-
dos necesarios para poder llevar a buen
término este proyecto que ha sido co-
mentado por agentes nacionales y ex-
tranjeros de la industria del cine, como
los de la cadena franco-germana Arte.
Una grieta en el pavimento (de -¿Ése fue el principio?
donde crece una flor) -Lo primero que hice fue un corto do-
Los 33 mil dólares (el premio
mayor de todo el certamen) que reci-
bió Nayra en la reciente 16° edición
del Festival Internacional de Cine de
Valdivia, como Work in progress, sig-
nificaron el puntapié definitivo para
consolidar un proyecto que nació con
ambiciones muy humildes.
Apoyada en un principio por
Lastarria 90, Ilic rodó y montó Metro
Cuadrado con bajas expectativas y en
total secreto e intimidad, durante el
primer semestre de 2009. Hasta que la
buena acogida la terminó por conven-
cer de su potencial como realizadora.
-¿Cómo empezó todo?
-Hace unos años atrás, creo que a fines
del 2003, partí a Francia a ver a mis
tíos y primos, con ganas de cambiar de
aire y de hacer algo allá, como buscan-
do mi destino.No sabía si me quedaría
o partiría a España a recorrer.
24 |p.a.u.s.a. >>||<< 01
portada >>||<< n a y r a i l i c
-¿Te quedaste en París?
-Sí. Inmediatamente, me encontré con
amigos, y empecé a trabajar. Primero
en documentales, y luego como monta-
jista para un director norteamericano.
Entonces, me metí en el video arte y,
de a poco, comencé a agarrar yo mis-
ma la cámara.
cumental sobre un músico argelino,
que era ciego y tocaba en los metros.
Un docu ficción bastante personal. Mi
abuela era francesa y fue encontrar un
poco su universo allá, el que también
era mío.
-¿Dónde vivías?
-Viví en París y viajaba mucho a una es-
cuela de arte multimedia en Lille, don-
de me acerqué al video arte y a líneas
directrices no-narrativas, lo que, para
una actriz como yo, era algo nuevo.
-¿Y luego?
-Volví a Santiago y decidí que necesita-
ba aprender técnica, en el manejo de
cámara, de sonido y de fotografía. Así
que entré a la Escuela de Cine, donde
me aceptaron en segundo año.
p.a.u.s.a. >>||<< 01|25
portada >>||<< n a y r a i l i c
-¿Quedaste de inmediato?
-Hablé con ellos, y les expliqué que
quería acercarme más a la ficción que
al documental, que había trabajado y
estudiado en el área, y me aceptaron
de inmediato y me abrieron sus puer-
tas.
-¿Entonces?
-Hice mis primeros cortometrajes,como
Am, en 16 mm, una muy bonita expe-
riencia. Con él, entré en la competen-
cia internacional en Valdivia, lo que
fue mi primer acercamiento
con un festival, y sacó una mención es-
pecial.
-Bravo...
-Después, vino Ana, donde me acerqué
a la alta definición en digital (HD). Ése
ganó unos premios por ahí y estuvo en
Sanfic, lo que me permitió conocer
mejor el circuito de los festivales. Al
tiempo, empecé a escribir una pelícu-
la, todavía sin filmar. Con ese proyecto
bajo el brazo, partí de nuevo a Francia
el 2008.
-¿Qué ocurrió ahí?
-Me fui con la idea de estar tres meses
allá y de concretar este proyecto... Es-
taba en proceso cuando empezó a apa-
recer otra historia, que es la de esta
pareja y se llama Metro Cuadrado.La
primera parte de la historia la escribí
26 |p.a.u.s.a. >>||<< 01
portada >>||<< n a y r a i l i c
allá. De hecho, inicialmente, la quería
grabar in situ, con una cámara y una
locación que me conseguí, muy a lo
guerrilla, ya me había conseguido una
pareja de amigos para que actuaran.
-¿Lo hiciste?
-No. Mis amigos no viajaron a Francia
porque se separaron y esta historia se
tornó de pronto en una de desamor.
-¿Love will tear us apart?
-Totalmente. Cuando volví, de nuevo,
a Chile, hice un pequeño teaser y me
metí al concurso de cine digital de Las-
tarria 90. Ahí, partí a Cuba a terminar
de escribir mi otra peli. Al regresar a
Santiago, me informaron de que había
quedado seleccionada para lo de Las-
tarria 90. Habían como 20 películas
preseleccionadas, hasta que pasé las
distintas etapas y ellos me financia-
ron el rodaje. Este duró dos semanas a
principios de 2009.
p.a.u.s.a. >>||<< 01|27
portada >>||<< n a y r a i l i c
-¿Versus un año de guión?
-Sí, un año, entre Francia y Chile. En
algún momento, aquí en Santiago,
entró a colaborar conmigo Dominique
Depret (Mocke, guitarrista y compo-
sitor de los franco-chilenos Holden).
-¿Mocke?
-Él me ayudó mucho a discutir ciertos
pasajes, y hay ciertas escenas que,
prácticamente, fueron escritas por
él. Discutíamos mucho el guión, y a
mí me interesaba tenerlo como con-
traparte creativa frente a mi visión
femenina de las cosas, que él expu-
siera lo masculino. En eso, estuvimos
como un mes, a fines de 2008. Luego,
él volvió a Francia, y yo, en el vera-
no, seguí escribiendo.
-¿Una segunda etapa en la escritu-
ra?
Una tercera en el proceso de escri-
tura. La primera sola, en Francia; la
segunda, con Dominique, en Chile; la
tercera, acá -sola de nuevo- duran-
te febrero 2009. Después, vino una
cuarta etapa que fue el trabajo con
los actores.
-¿Cómo?
-Ello, porque si bien los diálogos no
estaban predeterminados, yo quería
encaminarlos hacia donde quería que
fuesen, como una improvisación muy
dirigida. En ésta, yo planteaba cuál
era la situación y el estatus de los
personajes, de qué trataba la escena
y hacia dónde íbamos. Algo que fuera
improvisado, pero no libre.
28 |p.a.u.s.a. >>||<< 01
portada >>||<< n a y r a i l i c
-¿Se tiraron a la piscina?
-Durante un mes y medio todos los
días. Además, grabamos sin ensa-
yar. Lo escudriñamos todo quién era
quién, por qué estaba ahí, de dónde
venía…
-Wow...
-Llegó a tal punto que los dos perso-
najes principales ya estaban compe-
netrados perfectamente con su his-
toria y hacia dónde iban. Llegamos
a establecer un vocabulario propio,
donde nunca les dije, cuando está-
bamos rodando, lo que tenían que
hacer.
-¿De qué manera?
-Uno de mis principales referentes es
Nobuhiro Suwa, el director japonés
de Una pareja perfecta, que es sobre
dos amantes que se separan. Él grabó
en Francia sin hablar una gota del
idioma. Aún así, se entendió con los
actores a la perfección. Lo que más
le importa a él son los estados, más
que los diálogos, lo que es un lengua-
je en sí. Traté de acercarme a él, de
generar esto.
p.a.u.s.a. >>||<< 01|29
portada >>||<< n a y r a i l i c portada >>||<< n a y r a i l i c

-¿Un proceso intenso? -Toda una aventura…

-Mucho. Sobre todo, lo importante
que fue el crear momentos a lo lar-
go de las dos semanas de rodaje de
Metro Cuadrado. Es algo que no se da
en el mundo del teatro con facilidad,
por eso me cambié al cine, para cap-
tar esas atmósferas más íntimas. Aun-
que, en algunas obras nuevas como
Insomnio, es un proceso que también
se está dando sobre las tablas, mu-
chas veces con ayuda de recursos au-
diovisuales.
-¿Cuáles fueron las locaciones?
-Arrendamos un departamento a la
salida del metro Bellas Artes, y luego,
al principio, aparece Nea cantando
en el bar Constitución. Hay un poco
de calle, también. Establezco un pa-
ralelo entre los edificios nuevos del
barrio Bellavista con borrar lo que so-
mos, sin memoria, ni pasado.
-Ésa es la historia de esta película, de
una cinta que nació mientras era otra
la que estaba en proceso de gesta-
ción, y que de la historia de amor de
una pareja, pasó a una de desamor,
el todo desde la mirada de la pro-
tagonista, que es la que ve cómo se
va destruyendo su relación. Otro re-
ferente es Virginia Woolf, y la extra-
ñeza frente a los cánones que debes
cumplir en cierta etapas frente a la
sociedad, y éstos no te son suficien-
tes.
p.a.u.s.a. >>||<<

-¿Qué pasa con el montaje?

-Estuve de abril a agosto, encerrada.
Yo soy montajista, y para mí, ésta es
la quinta parte de la escritura del
guión. Me ayudaron con visitas un
par de cineastas. La última parte, la
trabajé con el director de fotografía
Inti Briones. Con él, volví a encontrar
la piedra angular de la película, con
elementos que había cortado radical-
mente y que volví a descubrir de la
mano de Briones.

30 |p.a.u.s.a. >>||<< 01 p.a.u.s.a. >>||<< 01|31

bize

Matías Bize prepara su nueva película, la que estrenará en 2010. Nos encontramos de casualidad.
Mientras, él se apronta a ver una cinta a la que va atrasado. Hablamos de su último proyecto
en curso hasta llegar a la sala, sin poder acceder a la película. Aunque, es sólo una vez que deja-
mos atrás el Aula Magna de la Universidad Austral, que la verdadera entrevista comienza.
Matías Bize: Paseo por el parque
El joven director Matías Bize
(30) conoce algunos recovecos del par-
que botánico de la casa de estudios
gracias al tour que le ha hecho su cole-
ga Cristián Jiménez (Ilusiones Ópticas),
residente en Valdivia.
Uno bastante especial, ya que
se trata de una ruta de los lugares don-
de cadáveres han sido extrañamente
hallados entre los arbustos y en el le-
cho del río Calle Calle, a lo largo de los
años, en esta área de la
Isla Teja.
Esto calza bien con el humor
negro de Jiménez, el mismo que ex-
pone en su debut, estrenado aquí en
FICV. ‘Es como Twin Peaks, sabes, esta
ciudad que se ve tan tranquila y acoge-
dora’, comenta Bize, refiriéndose a la
clásica serie de David Lynch sobre un
pueblo donde alguien asesina a la jo-
ven Laura Palmer.
Menos callado que de costum-
bre, Matías se muestra afable y lanza
un par de bromas cuando se acerca
una lancha con turistas que nos saluda.
‘Ahí vienen a tirar otro cuerpo’, dice,
de repente. La casualidad fue la madre
de todo esto.
Bize estaba para lo de la fiesta
de Ilusiones Ópticas en el Cienfuegos,
entrevista | m a t í a s b i z e
la semana anterior en la capital. La
cita para una entrevista sobre su nuevo
trabajo queda acordada para el inmi-
nente Festival Internacional de Cine de
Valdivia.
Sábado
Es sábado, el certamen bate
su pleno y Matías llegaba el viernes al
Sur. Así que está bueno llamarlo. No
contesta pero queda un mensaje en su
teléfono. Tras ver la apabullante Kino-
gamma II de Siegfried en el certamen,
lo mejor es descansar la vista tras ese
viaje al extremo oriente uzbeco y mon-
gol.
El parque al lado del MAC tras
el puente y frente a la balsa donde
duermen unos lobos marinos, es per-
fecto para ello. Debajo del puente, en
realidad. Han pasado cinco minutos y
desisto llamar de nuevo a Matías.
Trepo por las escaleras y del
otro lado del puente está José, el ami-
go de Camilo Salas de Disorder, aunque
en realidad le llaman Jose, sin acento
al final. Junto a Jose está una amiga
suya que he visto en alguna parte, pero
claro, con tantas vueltas en la cabeza
nunca estoy seguro.Se llama Catalina
y es muy guapa y delgada, A su lado,
aparece Bize.
p.a.u.s.a. >>||<< 01|35
entrevista | m a t í a s b i z e
Tras un cierto temor ante los esta-
dos alterados, el brillo de la luz del sol que
se filtra entre el follaje verde fosforescente
puede más y acepto.
Lo bueno de hablar
En ese momento prístino, las pu-
pilas se fijan a voluntad y ejercen el rol de
un zoom. En realidad, esto determinó lo
bueno de hablar de cine en tan arriesgadas
condiciones. De cómo capturar volúmenes,
luminiscencias y tonos de colores, además
de emociones, tejer una historia e involu-
crar al espectador con los personajes.
Esto ocurre en una sala oscura, el
cine, casi en secreto, sin interrupciones, ni
acercamientos indeseables del mundo ex-
terno que corten la experiencia, como lo
explica tan bien Marguerite Duras.
Lo nuevo de Matías Bize se basa en
un joven (interpretado por Tiago Correa)
que vuelve a Chile luego de vivir diez años
en Berlín, Alemania. En Santiago, se da cita
con su antiguo amor y amigos, y la trama
se desarrolla en el espacio de una fiesta en
una casa (la locación del film) durante la
noche en que se produce el reencuentro. La
peli se llamará ‘La vida de los peces’.
‘Me han hecho la misma entrevista
diez veces’, le dice Matías a Jose, unos mi-
nutos después de que he apagado la graba-
dora, respecto al asedio que ha sufrido en
el hotel por unos periodistas.
‘Siempre son las mismas pregun-
tas, las que pueden haber sido dichas en
la misma conversación, sólo que 4 años
atrás’, añade Bize.
Seguimos caminando entre los edi-
ficios, donde están las salas de estudio de
la Universidad Austral, y Catalina ofrece
agua. Matías termina la botella mientras
avanzamos entre los árboles frondosos.
36 |p.a.u.s.a. >>||<< 01
entrevista | m a t í a s b i z e
‘Me parece que éste es el cami-
no’, indica Bize, mientras llegamos a una
encrucijada. La banca al borde del lecho
que buscamos está ocupada por un grupo
de alumnos, así que seguimos refunfuñando
por el sendero hasta llegar al borde del río.
‘¿Dónde nos ganamos?’, pregunta
Catalina, divirtiéndose con el acento que
imposta. Creo que es actriz. No me extra-
ñaría, ya que es muy bella. Llegamos hasta
donde el agua intercepta los árboles, con el
ramaje extendiéndose sobre las ondas. Un
par de troncos forman un asiento natural
sobre el lecho.
Catalina se encarga de echar a
los que ocupan el sitio, elevando su tono
de voz en nuestra propia conversación. Su
razonamiento intuitivo da resultados y el
mensaje sutil, pero notorio, que envía es
recibido y acatado por los lugareños, que
abandonan el puesto. La vista es hermosa y
nos sentamos a charlar.
En la cama, en la cárcel
Matías y Jose son amigos desde
hace un par de años. El director de 30 años
había venido a otra versión del FICV y se
le ofreció exhibir En La Cama, su segundo
film, en la cárcel, como un off del festival.
Jose quería entrevistarlo y acor-
daron realizar la conversación durante la
muestra en el recinto penitenciario. Al lle-
gar a los calabozos, Bize y Jose se saludan
como conocidos. Luego, se internan en la
división de reos de alta peligrosidad, en su
mayoría presos por delitos sexuales, viola-
dores y asesinos.
En La Cama transcurre en una
sola locación, que es una pieza de motel
donde Gonzalo Valenzuela y Blanca Lewin
mantienen relaciones varias veces durante
una noche en la que pasarán de extraños a
contarse su vida más íntima y privada.
p.a.u.s.a. >>||<< 01|37
entrevista | m a t í a s b i z e
Tanto el cineasta como el perio-
dista palidecen frente a la concurrencia,
mientras se internan entre los comensales.
Primero, ríen. Luego, los invade el miedo,
hasta terminar caminando pegados el uno
al otro, como hermanos. Bize lo anotó en
su celular, después, como ‘Jose Valdivia’.
Cine para todos
‘No sé quién elige las películas-
chilenas en TVN, pero deja mucho que de-
sear’, murmura Matías. El director tiene un
cierto reconocimiento internacional.
Meinholf, el alemán que cada tanto viene a
Valdivia en busca de material para comprar
o producir, adquirió En La Cama para la ca-
dena franco-alemana de televisión abierta
Arte, de la que es co-director.
Tras ello, la cinta del chileno pasó
varios domingos en la noche por hogares a
lo largo de toda Francia. Ahora, Meinholf
produce parte de la nueva película de Ma-
tías. Además, Bize ha ganado múltiples pre-
mios en festivales alrededor del mundo. Sin
embargo, la respuesta en su propio país ha
sido, todavía, muy mínima.
‘No sé, yo soy de los pocos que
vivo plenamente de esto, de hacer pelícu-
las. Estreno una prácticamente cada dos
años desde Sábado, del 2003. Y ello sin
tener que dedicarme a la publicidad o a
hacer otras cosas. Todo gracias al aporte
de productores, fondos y premios’, explica
Matías.
38 |p.a.u.s.a. >>||<< 01
entrevista | m a t í a s b i z e
Le pregunto si irá a la fiesta de Te
creís la más linda (pero erís la más puta)
en el Ocio bar, el domingo. Responde que
parte ese mismo día. Bize tampoco asiste a
la ceremonia de premiación y clausura, el
martes.
En ella, los sindicatos de trabaja-
dores del rubro audiovisual (productores,
directores, guionistas, directores de arte
y fotografía, documentalistas, actores… to-
dos en conjunto) reclaman por el proyecto
de ley de televisión digital enviado al par-
lamento.
Quieren que TVN deje de ser una
estación enfocada al lucro para que co-
mience a difundir cultura, y creaciones chi-
lenas. Los manifestantes, que son dos y
leen una carta común, inquieren la falta de
criterio de estaciones televisivas como Ca-
nal 13 y la red pública.
Ello, a causa del fuerte impacto
social que producen los medios de comuni-
cación de masas en la conducta personal
y colectiva. Citan los programas adoles-
centes de baile y reggaetón de las 4 de la
tarde.
Matías Bize genera la misma que-
ja. Que La fiebre del loco y Sexo con amor
están muy bien, pero se margina a casi la
totalidad de la producción actual de nuevos
talentos.
p.a.u.s.a. >>||<< 01|39
entrevista | m a t í a s b i z e
Puede que se refiera a esa El caso emblemático este año
generación a la que su colega Sebastián (2009) fue Navidad, de Lelio. Mientras en
Lelio alude, cuando dice que las 4 películas
chilenas estrenadas el 2009 en Francia de
manera comercial (La Nana, Huacho, Navi-
dad e Ilusiones ópticas) representan apenas
‘la punta del iceberg’.
Eso, afirma Lelio, es apenas lo que
aparece como más visible frente a un movi-
miento mucho mayor de muchas cosas que
están pasando en lo audiovisual en Chile. años que demoró en gestarse su película
La verdad, rondan en el país crea-
dores con talento como Elisa Eliash (Mami
te amo), Tiziana Panizza (Una carta visual),
José Luis Torres Leiva (El cielo, la tierra y la
lluvia) o José Luis Sepúlveda (El pejesapo),
sin contar el mundo del video arte, el cor-
tometraje y el documental, todos ellos evo-
lucionando en su propia esfera sin emerger
realmente a nivel nacional.
Estos directores quedan recluidos
al mundo de los festivales, o al par de se-
manas que su película alcanza a durar en
salas. Esto porque, en la industria, si una
cinta no supera un número mínimo de es-
pectadores durante su primera semana de
proyección, es sacada de inmediato de ca-
denas como Movieland y Hoyts (las que do-
minan el mercado).
40 |p.a.u.s.a. >>||<< 01
entrevista | m a t í a s b i z e
Francia, es lanzada a 20 copias y recibe
elogios de la ‘Biblia’ de la crítica europea
–la prestigiosa revista gala Cahiers du Ciné-
ma-, en Chile, dura una semana en salas, al
llegar apenas a los dos mil espectadores.
Si bien su debut, La sagrada fa-
milia, logró un cierto éxito de taquilla y de
elogios, su segunda obra pasó desaper-ibida
en el país. Algo mezquino para los cuatro
nueva, entre escritura del guión (gracias a
una beca en Francia), rodaje y montar el
corte definitivo (sólo eso duró 10 largos me-
ses, junto a Soledad Salfate).
‘Es el cine que se está haciendo,
que se exporta y que, en Chile, pasa sin
pena ni gloria para la mayoría, o sale muy
rápidamente de los circuitos de exposición
pública’, concluye Bize.
p.a.u.s.a. >>||<< 01|41
turistas
entrevista| a l i c i a s c h e r s o n
La cultura pop se inserta en Turistas como una radiación magnética subyacente e
inevitable. En su segunda película, Alicia Scherson deja la ciudad para internar a sus personajes
en el parque nacional Las Siete Tazas. En este entorno, la directora elige la música
folk y electrónica de I-calma para su banda sonora.
La primera impresión tras salir de
Turistas es la de sentir que Alicia Scherson
ha sido un tanto cruel con los personajes de
su nue- va película.
Con subtextos pop insertos en la
cinta, la historia de cada uno de ellos se ve
marcada por el leitmotiv de la canción de
Joy Division que Alicia tiene la delicadeza
de traducir, aunque nunca en un tono ob-
vio.
No pone el tema en la banda so-
nora, sólo se escucha de los labios de Sofía
Geldrez, en una de las escenas en el baño
del parque nacional Siete Tazas.
“Love will tear us apart” (“el amor
nos despedazará”) es la constante que une
a Carla, la protagonista (Aline Kuppenhe-
im), a su marido (Marcelo Alonso), a Ulrik
(Diego Noguera), el mochilero noruego, al
guardaparques y hasta la familia que acam-
pa al lado del extranjero y la (anti) heroína.
La letra compuesta por Ian Curtis,
en medio de la destrucción de su matrimo
nio a través del hastío, es el eje de la pelí-
cula y ritma las distintas historias íntimas
de cada uno de ellos. “No puedo mentir. Si,
a veces, la vida es así”, dice Scherson.
¿Los deja al descampado, enton-
ces? “Ellos establecen lazos, lo que les
permite seguir adelante y reconstruirse”,
responde la directora. “Son seres en mo-
vimiento, de todas maneras, no entidades
estancadas en alguna desesperación.
a l i c i a s c h e r s o n : dime cosas dulces
44 |p.a.u.s.a. >>||<< 01
entrevista| a l i c i a s c h e r s o n
Torpes, incapaces de comprender el mundo
que los rodea, pero móviles, y con espe-
ranza, a pesar del profundo malestar que
los invade, que es el que llega con la vida
adulta que no tienen idea de cómo mane-
jar”, indica Alicia.
Al verla por segunda vez, Turistas
revela esta templanza. Tal vez, porque es
como una canción pop que quieres escu-
char otra vez para captar mejor los detalles
y las sutilezas. Algo aún más notorio que en
Play, el alabado debut de Scherson.
La frase que canta Claudia Huido-
bro junto a la melodía de Philippe Boisier
en “Même si (demo)”, uno de los temas de
apertura de Turistas, expone la sensibilidad
de Alicia.
“Aunque ya no me quieras, dime
cosas dulces”, murmura la vocalista en
francés: “Même si tu ne m’aimes plus, dis-
moi des mots doux”. Es la misma imagen
que deja el entorno natural.
Aunque los personajes son “tu-
ristas”, extraños a este fenómeno que los
rodea -marcados por una manera de ser
urbana y sabiendo que tienen un punto de
retorno-, son cobijados por el verde intenso
que predomina en todos los tonos a lo largo
de la visualidad de la película.
p.a.u.s.a. >>||<< 01|45
entrevista | a l i c i a s c h e r s o n
¿La esperanza en medio de la des-
trucción? “El folk de la guitarra de Philippe
calza muy bien con esta atmósfera, y los
toques electrónicos reflejan el tono actual
de la historia”, comenta Scherson.
-¿Cómo mezclas música e imagen en Tu-
ristas?
-Utilicé el mismo director de fotografía, el
mismo director de arte y el mismo diseña-
dor de sonido que en Play, esa parte es bien
parecida. El desafío era encuadrar la na-
turaleza con el mismo cuidado que cuando
quieres captar una construcción arquitec-
tónica.
-¿En qué sentido?
-Es decir, no dejarse llevar por la belleza
inmediata tipo documental, sino construir
y ficcionar la naturaleza.
-¿Cómo?
-Eso, usando los colores, las líneas del bos-
que, viendo lo natural del mismo modo en
que asumirías un interior o una ciudad.
Una naturaleza controlada por el hombre,
siguiendo las líneas del bosque como segui-
rías las de los edificios en una ciudad. Ahí
juegas también con los colores, los tonos
de verde.
-¿El sonido?
-Eso también, porque está el sonido real,
que es maravilloso, pero éste se puede di-
señar y trabajar. Por eso, es tan bueno ver
la película en un cine, porque hay un juego
con los volúmenes, con los distintos par-
lantes en el surround. Fue un trabajo muy
delicado con un diseñador de sonido fantás-
tico, que es Miguel Hormazábal.
¿Qué pasa con la banda sonora?
-Se la encargué a Philippe Boisier. Un poco
con la idea detrás de recuperar el sonido
46 |p.a.u.s.a. >>||<< 01
entrevista | a l i c i a s c h e r s o n
de la guitarra, de lo acústico, pero inter-
venido con electrónica como para incluir
lo documental del estilo. Por supuesto, la
guitarra hace referencia a la fogata y a
todo lo que eso implica, las canciones que
se esperan.
-¿Quemas un guitarra, por qué?
-Es una larga historia… (Se ríe y calla un
momento). Yo creo que en todo este juego
de las fogatas y el guitarreo en ellas, Carla
es una mujer tan torpe, que no sabe cómo
tocar una guitarra, pero ésta le puede dar
calor a través del fuego…Fue algo contro-
vertido dentro del equipo de rodaje, todos
me preguntaban por qué lo hacía. Es un
plano secuencia, muy catártico y en un mo-
mento de clímax en la película, ves cómo
se queman las cuerdas y van saltando una a
una, y luego se consume…
Viejas canciones
Las primas Susana (Viviana Herrera
y Sofía Geldrez, ambas con el mismo nom-
bre en el rol) son góticas que trabajan en
el almacén del parque. El guardaparques
Orlando Palma les ha traducido el tema de
Joy Division. A él le encanta hablar de vie-
jas canciones.
Las referencias se van entremez-
clando con la trama siempre en un punto
casi subyacente, como una suerte de me-
moria colectiva. En un Chile post político,
post-histórico, radicado en una actualidad
difícil de definir, sino por ciertos elementos
como las máquinas que invaden el bosque
de forma destructiva, representando acaso
el peligro real en esta época, más allá de
las epopeyas sociales.
p.a.u.s.a. >>||<< 01|47
entrevista | a l i c i a s c h e r s o n
Turistas juega en el detalle, en lo
íntimo, en las historias pequeñas-pero sig-
nificativas- de los protagonistas. Y aquí las
canciones, y lo pop, son parte de la identi-
dad.
-¿Cómo te haces cargo de la cultura
pop en Turistas?
-Es como una suerte de “basura ambiente”,
la cultura pop ha sido un fenómeno tan
grande, tan emisora. Tengo un diálogo en
este corto Llorando debajo del agua donde
hay un piloto de avión que creer viajar a
través de un cielo vacío. Pero, en realidad,
este espacio está lleno de ondas, de viejos
programas de televisión y canciones.
-¿Inevitable?
-Yo creo que es más difícil obviar este fe-
nómeno que dejarlo entrar, porque está en
todas partes. Aunque estés en la natura-
leza, vas a encontrar, no sé, una letra de
Metallica en un tronco, y eso en todas par-
tes del mundo. Por ello, creo que lo pop es
parte de lo que somos.
Turistas incluye una escena de
bádminton. “Este es un deporte que me
gustó porque es liviano, ligero, aéreo”, ex-
plica Scherson. Luego, Alicia se dio cuenta
de la similitud con el clásico icónico de
Michelangelo Antonioni, Blow Up, una de
los films favoritos de la directora. En éste,
unos mimos juegan tenis sin una pelota, o
con una imaginaria. En la cinta de la chile-
na, hay pelota pero no cancha.
“Me di cuenta de la cercanía y Vi-
viana Herrera lleva una camiseta de la pelí-
cula de Antonioni”, añade Scherson.
48 |p.a.u.s.a. >>||<< 01
entrevista | a l i c i a s c h e r s o n
Huerquehue
Philippe Boisier trasladó por com-
pleto el estudio de ensayo y grabación que
mantiene al borde del Parque Forestal a
una cabaña en la precordillera del sur de
Chile, para grabar la banda sonora de Turis-
tas, generada a través de su proyecto Ical-
ma. Batería, interfaces de protools, bajo,
teclados, efectos y guitarras.
En la cabaña frente a la de Boisier,
Soledad Salfate y Alicia Scherson realizan el
montaje de la película, mientras el músico
dedica su día (y, a veces, noche) a producir
el material que conformaría temas como
“Même si”, “Huerquehue” y “Aline Alone”.
Las canciones de Turistas apelan al post-
folk de Papa M (el guitarrista de Slint y Tor-
toise), Directions in Music y Will Oldham,
el norteamericano tras Palace Brothers y
Bonnie Prince Billy.
Durante las noches de fogata, se
escuchan ecos de una versión de “Los Mo-
mentos” de Eduardo Gatti y los Blops. Una
suerte de demo en el que parece oírse una
voz femenina de lejos (¿Armelle Pioline, de
Holden, otrora vocalista de Icalma?).
La versión definitiva incluye (en
vivo) a Gepe en las voces, Julián Peña en
Piano Rhodes, Pablo Flores en instrumentos
electrónicos y metalófono, a Franco Cicce-
ro y a Pedro Greene (el baterista original de
Los Blops).
p.a.u.s.a. >>||<< 01|49
entrevista | a l i c i a s c h e r s o n
Esta última es la que aparece en
el desenlace de la película, y que cuenta
con un clip con tomas de la cinta. El vi-
deo restituye la atmósfera postmodernista
de Icalma, de recontextualizar el tema con
ritmos electrónicos.
Aparte de esta banda, This Co
aporta con un tema dark. Los Muebles ha-
cen lo suyo con “Vanidad”. Este grupo se
presenta en vivo bajo el concepto del pla-
yback, con un folk rock cercano a lo pri-
mero de R.E.M. y The Wallflowers y letras
divertidas como la del hombre que le ad-
vierte a una mujer que no se acerque mu-
cho o la violará…
Éste es un salto para Alicia, quien
había trabajado con lo más granado de la
avanzada norteamericana de electrónica
indie en Play, su debut en largo.
Ello, gracias a su experiencia como
becaria Fulbright en la Universidad de Chi-
cago en artes visuales (donde fue profesora
asistente de video arte).
50|p.a.u.s.a. >>||<< 01
entrevista | a l i c i a s c h e r s o n
Telefon Tel Aviv, Pulseprogram-
ming y L’altra colaboran con temas más
ligados a lo urbano. Una suerte de genera-
ción de relevo después de los experimentos
de Tortoise, estas bandas forman parte de
sellos tan creativos como Aesthetics y Hef-
ty.
Al ser Turistas una película que se
desarrolla en la naturaleza, la propuesta
musical debía ser la contraparte de Play, un
film de ciudad. Por eso, el sabor a madera y
a bosque del folk de Icalma, actualizado a
través de los aportes electrónicos.
Tal vez porque, en la historia, los
personajes se pasean por un mundo que
saben que dejarán, y volverán a sus vidas,
aunque modificados por la experiencia de
internarse en su propio bosque emocional,
evolucionando a tientas, sin saber adónde
llegarán.
p.a.u.s.a.>>||<<
versión web disponible
vía www.super45.net
p.a.u.s.a. >>||<< 01|51
navidad

La segunda película de Sebastián Lelio se estrenó en Francia a 20 copias y ganó buenas críticas en
medios como Cahiers du cinéma. Navidad narra la experiencia iniciática de tres adolescentes, cada
uno huérfano a su manera, durante estas fiestas. Con una fotografía y actuación impecables, el autor
logra un reconocimiento desde el guión, escrito gracias a una residencia del festival de Cannes.
Sebastián Lelio: Monsieur Navidad
Sebastián Lelio está feliz, sentado
en un café en Providencia. A unas semanas
del lanzamiento en Francia de su segunda
película, Navidad, ésta ha recibido sólo
elogios de la exigente y entendida crítica
gala.
Cahiers du cinéma, la revista más
prestigiosa del país, no sólo le dedicó una
página completa, sino que, agrega el direc-
tor, descubrió todos los puntos que afloran
en la cinta, en profundidad.
‘Mientras que La Sagrada Fami-
lia se ensañaba en destruir la familia, Na-
vidad se empeña en construir una, a partir
de la llegada de Alicia, una joven fugada de
15 años que busca a su padre y que se invita
a la mesa de la joven pareja conformada
por Aurora y Alejandro. Ellos se encargaràn
de tejer una familia de corazón y no de
sangre, temporal y no definitiva, libertaria
y no burguesa’, escribe Nicolas Azalbert.
Un éxito que el cineasta agradece.
‘Es otro país’ alude Sebastián acerca de
Francia. Allá, su cinta, junto a otras tres
chilenas (entre ellas, Huacho y La nana),
se exhibe comercialmente en varias ciuda-
des y es bien recibida.
Navidad transcurre por tiempos
casi contemplativos, con una acción sutil y
subterránea. Tres adolescentes se encuen-
tran en una casa en la precordillera el día
de la pascua.
Todos son huérfanos, a su mane-
ra. Aurora y Alejandro llegan a la casa del
difunto padre de ésta, la que ha sido ven-
dida, pero ella quiere recuperar una caja
perdida de discos (vinilos) de su progenitor.
entrevista | s e b a s t i á n l e l i o
En el invernadero, Alejandro encuentra a
Alicia, quien ha huido de la casa de su ma-
dre para ubicar a su papá.
-¿Por qué tardaste 3 años en volver desde
La Sagrada Familia?
-Porque, en Navidad -y en la primera, tam-
bién- me tomé, de partida, un año para
montar. Ahí ya va uno. Entonces, en rigor,
es un tiempo normal, si consideras un año
de guión, uno de producción –encontrar los
fondos y rodar- y uno de montaje.
-¿Cómo fue el proceso de Navidad?
-Fue interesante. Nunca sé bien de dónde
me aparecen las ideas, y desde que ésta
apareció hasta escribir el guión pasó un
año. Gracias a que me gané la residencia
de Cannes, estuve en Francia prácticamen-
te siete meses dedicado sólo a escribir.
-¿Qué ocurrió, entonces?
-Nos planteamos hacer una película mucho
más delicada que La sagrada familia, y eso
requiere mucha dedicación, mucha escritu-
ra. Independiente del tema de la visualiza-
ción, escribimos mucho ya que para poder
llegar a esos espacios de improvisación, és-
tos requieren de un marco que debe estar
muy bien definido, y eso fue muy trabaja-
do.
-¿Escribiste junto a Gonzalo Maza?
-Sí. La idea original es mía y escribimos
juntos el guión. Estuvimos siempre conec-
tados a través de Skype mientras yo estaba
afuera. Luego, el montaje, que es uno de
los procesos que más me interesan, fueron
diez meses junto a Soledad Salfate. Fue
muy bonito, ya que nos dedicamos obsesi-
vamente a depurar y tratar de ser lo más
elegantes y económicos posibles.
p.a.u.s.a. >>||<< 01|55
entrevista | s e b a s t i á n l e l i o
-¿Ah sí?
-Quizás, en todo esto, yo siento que es una
película que si entras, todo bien, pero que,
si no te metes, te puede dejar un poco
afuera.
-¿Afuera?
-Sí, ya que las cosas ocurren muy por deba-
jo, muy sutilmente.
-¿Cómo elegiste tan bella locación?
-Mira, esto es lo que los franceses llaman
un ‘huis clos’, o un encierro. Es un relato
entre paredes, aunque hay una salida. Me
encanta la idea de este claustro pero con
vista, de un encierro flotante, ya que siem-
pre están las ventanas.
-Ok
-En La sagrada familia pasaba un poco lo
mismo, aunque ahí era el mar. Aquí, es
este paisaje montañoso que te hace flotar
en medio de árboles. En ese sentido, la lo-
cación, en términos técnicos no era muy
cómoda, ya que me brindaba la sensación
de cabaña. De refugio, también. Era muy
importante encontrar una buena casa.
-¿Dónde queda, en El Arrayán?
-Queda en Lo Cañas, arriba de La Florida y
Peñalolén. Bueno, la casa, en sí, es como
un personaje. Es como el cadáver del pa-
dre. Para mí, desde el guión, el padre des-
de la ultratumba, ejercía una influencia
sobre lo que estaba pasando. No algo fan-
tasmagórico, sino a través de los objetos,
como restos de una vida.
-¿Como su música?
-Su música, la casa misma, su época (los
años setenta). El sector, aparte, esa cosa
medio hippie, medio de izquierda.
56|p.a.u.s.a. >>||<< 01
entrevista | s e b a s t i á n l e l i o
-Reunía todo lo necesario...
-Como es una película en la que la visuali-
dad y el tiempo son importantes, también
lo es el espacio, y el ‘encierro flotante’ fue
lo que más me gustó de esa casa. Rodri-
go Bazaes (Machuca, Los 80), el director
de arte, la pintó entera y la envejeció, la
intervino acorde a lo que queríamos. Las
lecturas que él hizo del guión y su mate-
rialización objetual para la película fueron
claves.
-¿Cómo fue el trabajo con Benjamín Echa-
zarreta en la fotografía?
-Con Benjamín somos amigos. Nos conoci-
mos mientras estudiábamos juntos en la
Escuela de Cine de Chile el ’96, y él le hizo
la dirección de foto a mi primer corto. Hi-
cimos un par de cosas más juntos y había
quedado en el aire la idea de trabajar am-
bos un día.
-¿Resultó?
-Ahora, Echazarreta es un muy buen direc-
tor de fotografía, muy dedicado, con mu-
cha delicadeza en lo que hace, muy maño-
so, muy francés, a fin de cuenta. Yo creo
que hicimos un buen ajuste entre mi forma
más desordenada y poco convencional de
abordar la cámara con su trabajo mucho
más obsesivo.
-¿Es más cuidado que tu debut?
-De todas maneras. Compartimos la cámara
e hicimos una iluminación en 360° lo que
permite mucho más movimiento. En vez
de un sistema de corte, realizamos uno de
‘no-corte’, donde yo lo decía y simplemen-
te cambiaba la cámara de lugar, ello para
no romper con las líneas emocionales de los
actores. Para no hacerlos parar, sino seguir
todo el rato actuando.
p.a.u.s.a. >>||<< 01|57
entrevista | s e b a s t i á n l e l i o
-¿Cuánto duró el rodaje?
-Un mes. Yo creo que Benja logró sacarle
mucho provecho a la alta definición digital
(HD) y lograr esa nostalgia, casi como si se
tratase de un recuerdo, que la película exu-
da. Lo hablamos mucho como desafío, y fue
una meta que se cumplió.
-¿Cómo fue la experiencia respecto a tu
primera cinta?
-Tuve una sensación mucho más fuerte de
estar buscando en el camino, mientras la
hacía, el hilo conductor de la película. En
ese sentido, en el rodaje nos fuimos en-
contrando con ese tempo, ese ritmo, que
tiene Navidad. A mí me gusta la sensación
de filmar lo que no se puede escribir, de
encontrarse con el acontecimiento durante
el rodaje.
-¿Cómo?
-De encontrar momentos que escapan a lo
‘literatoso’ del cine para llegar a un punto
mucho más documental donde la cámara
capta algo que es efímero, que se va, o algo
que ocurre sólo una vez. La película está
construida en un gran porcentaje de mo-
mentos así, más allá de lo construido, de lo
que se documentó, o plasmó en la cinta,
al final.
-¿Ello involucra al espectador al construir
él mismo una narrativa?
-Sí, de hecho, en el guión mismo, la pelícu-
la está construida con mucha información
que técnicamente se llama filtraje. Hay
muchos datos sustraídos del relato, mucha
elipsis y señales que están fuera de cuadro
y que el espectador debe reconstruir como
si fuera un puzle. En este sentido, te obliga
a participar.
-¿Te sientes cercano al cine contemplati-
vo de José Luis Torres Leiva?
-A mí me encanta el trabajo de José, cla-
ro que encuentro que mi trabajo tiene una
vocación mucho más narrativa y melodra-
mática, él tiene una deconstrucción mu-
58|p.a.u.s.a. >>||<< 01
entrevista | s e b a s t i á n l e l i o
cho más importante del lenguaje. Ya que
en Navidad, el story line es un melodrama
tradicional: ‘tres adolescentes perdidos se
encuentran en navidad, en una noche que
cambiará sus vidas’. Lo que pasa es que
está construida con métodos visuales que
están en tensión con eso. Me interesa lle-
varlo hacia lugares nuevos, aunque con ese
punto de partida.
-¿Hacia dónde?
-Ni yo lo tengo tan claro. A mí, justamente,
me gusta ir encontrando la película en el
camino, al hacerla, y luego ver con estos
espacios de improvisación que es lo quedó
de lo que hicimos todos. En ese sentido,
para mí, la verdadera escritura está en el
montaje más que en el guión, si bien éste
dicta pautas predefinidas. Es al momento
de montar que decanta de verdad la pelícu-
la, con una escritura mucho más fina.
-¿Cuán importante es el montaje para ti?
-Mucho. Pues es donde realmente se arma
la película. Si bien, siempre estás hacien-
do cine durante la escritura de guión o en
el rodaje, el montar es el punto culmine,
‘donde las papas queman’, donde los dados
están tirados y tienes que hacer con lo que
dispones. Ahí empiezas a tratar de hacer
algo con ese material, que la suma de las
partes sea más. Yo creo en la construcción
de sistemas, en el fondo, me interesa des-
cubrir uno donde todo resuene entre sí de
una manera poética, misteriosa y que la su-
matoria sea algo que potencie los fragmen-
tos, que los eleve.
-¿Cómo incorporaste lo político-histórico
como subtexto?
-Eso es una jugada súper consciente, muy
delicada, que está muy de fondo, nunca
adelante. Hay un tema en la película que
es la orfandad, bueno, vivencial pero, tam-
bién, metafórica de los personajes. Ellos
pertenecen a una generación post-utopías,
la primera nacida en democracia.
p.a.u.s.a. >>||<< 01|59
entrevista | s e b a s t i á n l e l i o
-¿De qué manera?
-Estos son errantes, tanto en sus divagacio-
nes, como en lo ideológico. Aquellos están
buscando algo con lo que quedarse, del le-
gado.
-¿Por eso la hija busca la caja de discos
de su padre?
-Por eso la caja de discos es tan importan-
te. De alguna manera ahí, siento que esos
ecos del pasado, también, traen consigo
una carga relacionada con la herencia de
una generación que intentó hacer un cam-
bio de manera colectiva. Es otro contexto
político y todo.
-¿Y la nueva generación?
-En cierta manera, estos personajes de aho-
ra están, igualmente, buscando herramien-
tas para el cambio, aunque sea cambiarse a
sí mismos. La película intenta crear un vaso
comunicante entre las dos generaciones a
través, principalmente, del arte y la músi-
ca, que traen consigo una carga ideológica.
-Aparece Víctor Jara entre los vinilos…
-Claro, pero aparte la música que escuchan
(como Aguaturbia) eran como los albores
del rock, que si bien en la época era lo me-
nos servil a la causa política, hoy aparece
con toda una connotación de rebeldía. Y
ellos pueden intentar reciclar algo de eso,
que aún es muy útil, aunque en un contexto
diferente, en uno donde el individualismo
no es un valor negativo.
-¿Una autoafirmación?
-En la misma película, los personajes bus-
can separarse de una serie de ataduras
familiares y de herencias con las que no
quieren cargar. En ese corte, hay una cier-
ta violencia implícita, que está ausentada
pero que ocurre. En todo ello, y en lo que
van descubriendo, nunca volverán a ser los
mismos.
-¿Cómo?
-En el proceso de individualización de un
60|p.a.u.s.a. >>||<< 01
entrevista | s e b a s t i á n l e l i o
ser humano, siempre hay que hacer un cier-
to daño, tiene que haber un poco de san-
gre, o un corte. Es algo que también apare-
ce en La sagrada familia, pues me interesa
mucho. Aquí, los personajes son más chi-
cos, pero buscan cortar con algo para llegar
a ser quiénes son.
Respecto al rito que implica la na-
vidad y la iniciación de estos tres jóvenes,
Lelio da algunas referencias. ‘El abrir y ce-
rrar las cortinas al inicio y final de la pelícu-
la tiene que ver con un asunto de hipnosis’,
precisa Sebastián.
También, para el director, con algo
como de brujería. ‘En algunos rituales se
dibuja un círculo de tiza y, al final, éste se
borra, eso tiene una función simbólica de
delimitar el territorio donde va a ocurrir la
magia’, indica.
La fecha misma de navidad es un
terreno de juego constante para Lelio en
términos simbólicos. Como cuando en el
invernadero (establo), aparece (nace) una
niña, Alicia. ‘Ella es una suerte de María
abandonada, alguien a quien cobijar’, co-
menta Sebastián. La actriz que la interpre-
ta, Alicia Rodríguez, resultó un hallazgo de
talento para el cineasta. Hija de una ami-
ga, se presentó a los castings y encajó de
manera sorprendente en improvisaciones
con los otros actores.
Rodríguez quedó elegida y tenía
15 años al momento de rodar. ‘Además de
su naturalidad, su desparpajo e inteligen-
cia, ella, en su interpretación, siempre
está al límite, con una cosa entre ser muy
niña, medio malévola, entre medio inocen-
te, otro poco sexual…todo ese claroscuro es
muy bonito, el no saber bien quién es ella’,
estima el director.
>>||<<p.a.u.s.a.
p.a.u.s.a. >>||<< 01|61
ilusiones
ópticas

Ilusiones Ópticas es el debut en largo de Cristián Jiménez. La cinta inauguró la
última edición del Festival Internacional de Cine de Valdivia (FICV) con fuertes
dosis de humor negro, con un estilo cercano al de los hermanos Coen.
Ilusiones ópticas inauguró la úl-
tima edición del Festival Internacional de
Cine de Valdivia con un toque de humor
negro y una mirada ácida hacia la entrada
de la modernidad en la provincia chilena,
ya que ésta posee rasgos hilarantes al ser
adoptada con aires aún tradicionales.
Durante la apertura, el director
Cristán Jiménez menciona: ‘hice esta pelí-
cula tras volver de Inglaterra donde estuve
un par de años. Me encontré con una Val-
divia con mall y McDonald’s, y, a pesar de
todo esto, me di cuenta de que seguíamos
siendo igual de provincianos’.
Ilusiones Ópticas se sitúa en este
territorio, con un humor que busca los de-
talles absurdos en lo cotidiano. Un guardia
de centro comercial que se enamora de una
ladrona -la que, en realidad, es una señora
bien, interpretada por Valentina Vargas-,
por ejemplo.
También, un judío que no profesa
y al que a su hijo le da por el fanatismo (de-
cide circuncidarse bajo recomendación de
un rabino neoyorquino con el que se escribe
por internet). El padre se ha quedado sin
trabajo por la crisis y es derivado a un out-
placement, que es un despido camuflado de
capacitación a su nueva vida de cesante.
El ex-ejecutivo se enamora de su
secretaria, la que quiere utilizar el benefi-
cio de la empresa de seguros de salud para
la que trabajan y hacerse una cirugía de au-
mento de busto, frente a un doctor inter-
pretado por el propio Jiménez que le dice
que de todas maneras no tiene remedio.
Cristián Jiménez: La importancia del detalle
entrevista | c r i s t i á n j i m é n e z
A todos estos absurdos, se suma el
del personaje principal, interpretado por
Iván Álvarez de Araya, un ciego que recupe-
ra la visión y que se asusta un poco frente
al mundo que ve.
Con un guión coescrito por Alicia
Scherson (Play, Turistas), Ilusiones ópticas
se aboca a describir un sur actual y urbano,
buscando lo ridículo en el desfase entre la
modernidad que llega a una ciudad que si-
gue siendo pueblerina en su mentalidad.
El afán de Jiménez por hurgar en
los detalles rutinarios se acerca bastante al
trabajo de los hermanos Coen (El gran Le-
bowsky) y, sin duda, al teatro del absurdo.
-¿Por qué una película en Valdivia?
-Soy valdiviano. En realidad, hasta hacer
el corto El tesoro de los caracoles, esta-
ba medio desenchufado de Valdivia. Ahí fue
cuando tomó cuerpo que era posible hacer
una película sobre y desde esta ciudad.
-¿Cómo?
-Algo que tuviera en cuenta algunas obser-
vaciones al respecto y que simplemente
fluyó, sin que yo lo hubiese planeado de
antes. Tuve un clic y, por lo menos, ahora,
tengo ganas de hacer un par de cosas más
acá.
p.a.u.s.a. >>||<< 01|65
entrevista | c r i s t i á n j i m é n e z
¿Cómo contactaste la productora de Bru-
no Bettati?
-Cuando volví de Inglaterra, y empecé a
planificar el rodaje de ‘El secreto de los
caracoles’, me enteré de que Bruno había
instalado una productora acá. Lo contacté
y nos dimos cuenta de que teníamos un pro-
yecto en común, con el que me sentía re-
presentado. De ahí en adelante, el trabajo
entre ambos ha sido bueno y lo veo como
algo a largo plazo para adelante.
-¿Por qué elegiste el humor como género?
-Es voluntario, en la medida en que estoy
trabajando sobre el humor, e intento con-
trolarlo y dosificarlo, con una cierta inves-
tigación. Pero, es involuntario, en el senti-
do en que lo que hago me sale bien: cuando
estaba en la universidad, escribía cuentos,
y siempre el resultado llegaba a un punto
entre melancólico y divertido.
-¿Ah sí?
-También, creo que es el registro en el que
mesiento más cómodo. De todas maneras,
tampoco es sólo humor, siempre mantiene
un dejo villero y de tristeza. Un poco como
lo que hace Woody Allen, aunque no lo he
intentado, creo que llegaría a algo pareci-
do.
-¿Cómo es tu trabajo sobre lo ridículo en
lo cotidiano?
-Trato de trabajar bastante en la obser-
vación. No es que uno encuentre cien por
ciento lo que busca, pero sí fragmentos,
anécdotas e imágenes que luego reconstru-
yo. Extraigo esto de la vida real y luego,
en el proceso de escritura, construyo una
historia alrededor de este fragmento.
66|p.a.u.s.a. >>||<< 01
entrevista | c r i s t i á n j i m é n e z
-¿De qué manera?
-Comienzo a preguntarme, qué es lo que
hace que esto ocurre, qué es lo que hay
alrededor de esto. En ese sentido, en mi
proceso, observar es vital.
-¿Encontrar el detalle curioso?
-Trabajo así: recopilo el material y luego lo
distorsiono, lo moldeo y lo trato de hacer
divertido. Mis colores, por así decirlo, mi
base, la traigo desde la realidad.
-¿Cómo fue la experiencia de hacer tu
primer largometraje?
-Fue bien exigente este proyecto, ya que el
guión era complicado y teníamos que rodar
en muchas locaciones en poco tiempo. El
rodaje duró 26 días y eso nos exigió mucho
en términos de producción. Pero, igual, yo
quedé muy conforme con ello, creo que
pude adquirir un tono y una cierta mirada
con esta película. Los actores quedaron
muy contentos con el resultado en panta-
lla. Ahora, tengo ganas de hacer algo nue-
vo, no necesariamente en la misma línea.
Aunque, esto es una etapa que había que
quemar.
-¿Te sientes próximo a Boris Quercia, en
el humor?
-No mucho, creo que somos distintos. Me
siento más cercano a Alicia Scherson, a
Elisa Eliash, a Sebastián Silva, a José San-
doval de Te creís la más linda, y a Andrés
Waissbluth, quien está de productor en Ilu-
siones Ópticas, somos amigos y comparti-
mos muchas cosas.
>>||<< p.a.u.s.a.
p.a.u.s.a. >>||<< 01|67
p.a.u.s.a.
>>||<<
festivales
p.a.u.s.a.>>||<< i n- e d i t
Julien Temple | Glastonbury
Ubicado al lado del valle de Ava-
lon y del grupo de menhires y dólmenes
de Stonehenge, Glastonbury es un lugar
mítico en Inglaterra. Corre la leyenda de
que ahí está el santo grial y que el mismo
Jesucristo habría visitado esta zona.
Hoy, gracias al tesón de un gran-
jero, es también el sitio donde se realiza
año a año uno de los festivales de música
más grandes del mundo, albergando en la
actualidad a unas 300 mil personas.
Julian Temple realizó este do-
cumental para la cadena BBC, y mira con
ojos curiosos este bastión cultural. El ci-
neasta recopila material desde los inicios
en 1971 hasta ahora.
Mucho más que un simple festi-
val pop, Glastonbury es la expresión de
un fuerte movimiento contra-cultural. En
los setenta, Michael Eavis descubrió el
movimiento hippie y se apasionó con sus
ideales de una sociedad distinta, en plena
Inglaterra rural y conservadora, en el su-
doeste de la isla.
Eavis quiso copiar el modelo de
Woodstock, con críticas al capitalismo y la
búsqueda del dinero y el éxito, a los que
acusa de estar destruyendo el planeta. En
las imágenes, conciertos con el público
desnudo, alojados en carpas y en éxta-
sis y comunión con el hermoso entorno
de la campiña británica. Eran los años de
la marihuana, el ácido, el amor libre, las
protestas contra la guerra, el pacifismo y
la ecología, unidos a ideales de izquierda.
70|p.a.u.s.a. >>||<< 01
julien temple | g l a s t o n b u r y
El dejarlo todo para volver a la
tierra, al cultivo propio y la autarquía era
la meta. El rock, el folk y la música afri-
cana presentes en este evento, la voz de
una generación.
En Glastonbury, no se le permitió
entrar a la policía sino hasta hace pocos
años. El público podía hacer lo que se le
diera la gana sin restricciones, en una
forma anárquica que terminó por generar
su propio sistema de vida. Lo que partió
como una fiesta comunitaria fue crecien-
do como una bola de nieve.
Durante los ochenta, Glastonbury
agrupaba a gran parte de los opositores a
la dama de hierro, Margaret Tatcher, que
reprimía las revueltas producto del des-
empleo con una policía violenta, no muy
lejana a la de una dictadura, golpeando
descarnadamente a los ciudadanos.
El libre mercado desarrollado al
máximo en este experimento económico
que fue Chile tras 1973 se convirtió en el
modelo a seguir por la primera ministra
-gran amiga de Pinochet tras su colabora-
ciòn con Gran Bretaña durante la guerra
de las Malvinas-, con efectos devastado-
res y recesivos para las clases populares.
En el festival de Glastonbury, nació la
consigna ‘No, Maggie, no’, coreada hasta
por los niños.
Eavis tuvo que luchar todo el
tiempo con el ayuntamiento del pueblo,
espantado por toda esta gente extraña
que llegaba ‘sucia y maloliente’, por ahí
hasta el festival.
p.a.u.s.a. >>||<< 01|71
p.a.u.s.a.>>||<< i n- e d i t
Cuando la represión llegó al
máximo, los policías desalojaron un cam-
pamento de nómades establecidos en
Stonehenge, a pocos kilómetros, durante
1985. En la época de la recesión, la op-
ción para algunos para no vivir en la calle
era vivir en un tráiler.
El documental muestra el des-
alojo, con policías golpeando con lumas
a mujeres en el rostro hasta dejarlas in-
conscientes y sangrando, sacando a los
niños del pelo, agarrando entre varios a
los hombres a patadas en el suelo.
Eavis acogió a los nómades, e
incluso simuló expulsarlos para que la
policía se quedara tranquila. Ellos empe-
zaron a trabajar en el festival en labores
menores, pero en 1990, organizaron una
revuelta y se enfrentaron entre ellos por
mujeres, dinero y drogas.
El granjero no tuvo más que ex-
pulsarlos, se reforzó la cerca del evento
y se pusieron cámaras en todos lados.
Los músicos protestaron, diciendo que se
había perdido el espíritu de Glastonbury,
que Eavis se había aburguesado.
El mismo Joe Strummer (The
Clash) aparece rompiendo cámaras en el
escenario, e incluso, en su ira, le pega al
lente de Julien Temple, su amigo, al que
le pedirá disculpas luego.
Mucho más que pop, en Glaston-
bury aparecen músicos negros tocando
estilos tradicionales, gente de la India y
árabes, haciendo del festival un lugar cos-
mopolita donde confluyen todas las cultu-
ras y colores.
Si bien las drogas son un tema
ahí, Michael Eavis fiscaliza y requisa los
estupefacientes, al tiempo que declara
que la continuidad de la fiesta se debe a
que él mismo no consume sustancias. Aún
así, éstas son ingeridas por algunos asis-
tentes.
72|p.a.u.s.a. >>||<< 01
julien temple | g l a s t o n b u r y
Aunque, así como hay excesos,
también hay familias que disfrutan con
sus hijos, o gente de la tercera edad que
acude al evento.
En términos musicales, Julian
Temple expone sabrosos cortes. Da gus-
to cómo valoriza la música de su país, al
mostrar en sobrecogedoras actuaciones a
Pulp, Primal Scream, Blur y David Bowie
(quien declara haber estado ahí en los se-
tenta). Hasta Coldplay suenan increíbles
(de verdad) y con una energía fuera de lo
común, así como Massive Attack y Björk
(mostrada en sus inicios con un hermoso
‘Human Behaviour’).
Radiohead aparece con una ver-
sión que eriza la piel de ‘Fake plastic
trees’, mientras que Morrissey lo hace
con ‘The boy with a thorn in his side’,
Prodigy con ‘Firestarter’, además de Nick
Cave & The Bad Seeds y The Chemical
Brothers.
El clima de carnaval que evoca el
festival es reflejado en la cinta con tomas
de los atuendos exóticos y hasta disfraces
de la concurrencia, y de las distintas ac-
tividades (hasta fiestas gay) que incluyen
los tres días que dura el evento en Glas-
tonbury.
Asimismo, el pasar de largo y no
dormir, o la gente que trata de colarse
por la cerca, siendo repelidos brutalmen-
te por la policía (es fácil entender porque
se les dice ‘the pigs’, los cerdos). Tam-
bién, lo que significa la experiencia para
las personas que acuden al lugar, y lo que
representa esto dentro de la contra-cul-
tura británica.
p.a.u.s.a. >>||<<
p.a.u.s.a. >>||<< 01|73
p.a.u.s.a.>>||<< i n- e d i t s u p e r s o r d o: h i s t o r i a y g e o g r a f ì a d e u n r u i d o
Historia y geografía de un ruido
es un documental que retrata de manera
fiel el aura intensa, eléctrica y demoledo-
ra de Supersordo, banda emblemática del
sonido experimental del rock de la déca-
da de 1990 en Chile.
Primer episodio de una trilogía
-que incluye una mirada al hardcore de
esos años y una investigación en torno al
sello y colectivo de electrónica abstracta
Ojo de Apolo-, éste es el debut de la rea-
lizadora Susana Díaz.
Supersordo se formó a inicios de
los ‘90 y existió hasta principios de 1998,
integrado por Rodrigo “Katafú” Rozas, en
guitarra; Miguel Ángel “Comegato” Monte-
negro, en bajo; Jorge Cortés, en batería y
Claudio Fernández en voces. Todos ellos,
provenientes de experiencias disímiles, las
que supieron conjugar a la perfección en el
sonido híbrido y avasallador de la banda.
Comegato venía de vivir en Brasil y
tocar en bandas de metal, Fernández llegó
desde Italia con mucha influencia del har-
dcore y lo experimental, Katafú venía del
punk (en grupos como Caos y Anarquía),
mientras que Cortés era un fan de King
Crimson y del rock progresivo de Yes.
Juntos, desarrollaron una mixtura
improbable de todos sus gustos, en una ex-
periencia única, a degustar de preferencia
en vivo, donde lo entregaban todo arriba
del escenario. Ello es muy bien reflejado
por Historia y geografía de un ruido, docu-
mental que intercala material en directo
con entrevistas a los músicos, además de
apreciaciones externas, como la de Álvaro
España. Su grupo Fiskales Ad Hok apadrinó
a Supersordo, dándoles la oportunidad de
abrir en casi todas sus fechas en la época.
s u p e r s o r d o: h i s t o r i a y g e o g r a f ì a d e u n r u i d o
El logro de Susana Díaz es el de re-
crear audiovisualmente el poder devastador
de una de las mejores bandas de su tiempo,
74|p.a.u.s.a. >>||<< 01
a años luz tanto del brit pop (copiado de
forma deplorable) por sus contemporáneos,
como del sonido de un rock mucho más clá-
sico y convencional cultivado por otros.
Ello, a punta de nervio y empeño,
ya que este documental no cuenta con fon-
do alguno para su realización, sino el apoyo
de un puñado de amigos melómanos y con-
vencidos. Un favorito dentro de la compe-
tencia nacional de este In-Edit, donde su
estreno fue exitoso y a tablero vuelto.
Notable, también, es el mostrar
el recorrido posterior de cada uno de los
miembros de Supersordo. Katafú formó los
esenciales Familea Miranda, conjunto que
reside en Barcelona, España, actualmen-
te. Lo integran, también, Rodrigo Gombe-
roff en bajo y José Junemann (Zigaretten
Pause) en batería, y es uno de los mejores
proyectos en emerger del underground san-
tiaguino en la presente década.
Cortés formó el colectivo Ojo de
Apolo, abandonando para siempre la ba-
tería (instrumento en el que se destacó
dentro de la escena), y ahora hace electro
experimental con Cáncer, y micro house
con Receptor y Jorge C, al tiempo que ha
aprendido a mezclar con tornamesas como
disc Jockey.
Comegato fundó Yajaira, trío de
stoner rock muy psicodélico, junto a Sam
Maquieira (The Ganjas), y luego el grupo
de doom metal Electrozombies, en la senda
de Fudge Tunnel y Neurosis, mientras que
Fernández desarrolló un programa de radio
virado al noise, y un proyecto solista que
mezcla reggaeton y metal.
Todo ello es recogido y expuesto
en Historia y geografía de un ruido, dán-
dole un plus indudable al documental, al
mostrar las distintas carreras que empren-
dieron los integrantes de Supersordo dentro
del panorama chileno de hoy.
versión web: www.super45.net
p.a.u.s.a. >>||<< 01 |75
 p.a.u.s.a.>>||<< i n- e d i t
Corre 1966 y Brian Wilson, com-
positor para The Beach Boys, ha descu-
bierto los encantos de la marihuana y
otras drogas (LSD), que lo hacen reinter-
pretar totalmente los alcances de sus par-
tituras.
La experimentación en el estu-
dio de sonoridades y texturas lleva a Wil-
son al universo sicodélico de Alicia en el
País de las Maravillas y de Disney. El resul-
tado será Pet Sounds (Capitol, 1966), un
álbum de pop barroco, lleno de detalles y
matices, muy visionario para su época.
“Mi impresión la primera vez que
me pegué una volada, fue que tras pedir
un vaso de agua, sentí que era la primera
vez que bebía agua en mi vida, sabía tan
fresca y revitalizante…”, indica el genio
trastocado. Si bien las ventas no son fabu-
losas, el disco es visto por sus pares músi-
cos como una obra de perfección avanza-
da. Brian recibe dos halagadoras llamadas
telefónicas. La primera, de John Lennon;
la segunda, de Paul McCartney. Los reyes
del rock, en plena época de gloria, caían
rendidos a los pies de Wilson.
Radicado en California, Brian es,
ahora, un reconocido productor que va
diez pasos más adelante que cualquiera
en Los Ángeles. La discográfica Capitol re-
acciona entusiasmada frente a la aproxi-
mación naif de Wilson a la sicodelia, que
es la de un niño que juega e intenta des-
cubrir las facetas positivas de un mundo
que se cae a pedazos entre la guerra de
Vietnam y una polarización no tan fría
como dicen los libros de historia. La re-
acción de Brian frente a la actualidad que
enfrenta no es sino la del asombro frente
a todo lo que ve.
Capitol le encarga producir el
nuevo disco de Beach Boys, y componer-
smile|lahistoriadebrianwilson
lo. Esto lo realiza en interminables sesio-
nes de grabación en el estudio que se ex-
tenderán por más de seis meses, durante
1967, en un perfeccionismo inaudito para
76|p.a.u.s.a. >>||<< 01
smile|lahistoriadebrianwilson
la época. Graba y regraba cien veces las
maquetas, ensayando nuevas fórmulas,
con la presión auto-impuesta de crear un
“disco perfecto”. De aquí en adelante,
todo se vuelve complejo y nebuloso, y
extrae un sencillo de adelanto: “Good vi-
brations”, que llegará a ser número uno.
Brian Wilson ha dado con una al-
quimia rara, que sabe está justo un poco
más allá que sus contemporáneos. Le
urge sacar pronto el álbum, antes de que
otros se le adelanten por la senda trazada
por Pet Sounds. Su ánimo está radiante
cuando llega el momento de exponerle
su cuidado trabajo a la banda. Ha creado
una de las piezas más complejas y osadas
del pop, con aires revolucionarios. Pero,
la banda termina por rechazar el disco, ya
que encuentra sus letras y melodías de-
masiado experimentales, inentendibles
para el gran público.
De ánimo jovial, Wilson comien-
za a verse atrapado en una espiral cre-
ciente de desilusiones y presiones. De
pronto, Beach Boys decide enjuiciar a
su disquera por los términos de su con-
trato, y grandes colaboradores de Smile,
el anunciado disco por venir, se retiran.
Entre ellos, el talentoso letrista Van Dyke
Parks. En este punto, Brian no da más y
abandona el proyecto, para caer en una
espiral autodestructiva que durará hasta
su matrimonio de 1995.
Sus cercanos niegan que sea la
droga. “Brian fumaba marihuana, pero
eso era positivo para su trabajo. Él era
muy obsesivo, y la marihuana le permitía
concentrarse para trabajar muchas más
horas de lo común, y satisfacer su creati-
vidad compulsiva”, indica uno. En efecto,
el breakdown que sufre Wilson se debe
mucho más a su desequilibrio emocional
por el rechazo que tuvo frente a lo que
él considera como su obra maestra, y la
mayor pieza de ingeniería pop que jamás
se haya construido hasta entonces.
p.a.u.s.a. >>||<< 01 |77
p.a.u.s.a.>>||<< i n- e d i t smile|lahistoriadebrianwilson

Pasa el tiempo, y The Beatles sa-

can Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band,
en 1967, siguiendo los postulados de Pet
Sounds y llevándolos un poco más lejos.
Wilson sabe lo que tiene entre manos, di-
namita pura, y le frustra que un disco que
frente al suyo sería convencional, como lo
es el de los fab four, reciba los aplausos
como un álbum de vanguardia pop.

El silencio durará no menos de 37
años, hasta que en 2003, apoyado por ami-
gos y una banda que acaba de formar, Brian
decide retomar la composición de un Smile
inconcluso, y cerrar el asunto con una pre-
sentación en vivo en Londres.

Smile ve, al fin, la luz durante

2004. Wilson comprueba que su “catedral
de sonidos” es bien recibida, a pesar de
no ser muy accesible. El documental narra
su historia y las distintas fases por las que
atraviesa en este proceso, el que termina
siendo uno de sanación, cerrando las heri-
das abiertas por la prematura postergación
del disco en pos de la industria. Brian se da
cuenta de que siempre había estado en lo
correcto y queda en paz consigo mismo.

Una historia similar vivirían dos

grandes genios con una visión muy adelan-
tada respecto a sus pares: Kevin Shields,
quien todavía, tras casi 19 años, no pue-
de darle un sucesor al titánico Loveless de
My Bloody Valentine, y Scott Walker, quien
pasó 20 años sin firmar una canción propia
tras el fracaso comercial de su disco más
ambicioso hasta entonces, Scott 4. Brian
Wilson, eso sí, contó con una legión de se-
guidores, todos muy connaisseurs y precio-
sistas.

Ello, con figuras particularmente

interesantes del indie y del pop, como lo
son Jim O’Rourke, Stereolab, High Llamas,
The New Pornographers, Ladybug Transis-
tor, Yo La Tengo y Robert Wyatt, sólo por
nombrar algunos de sus fans más notables.

versiónweb: www.super45.net

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Shadow play es un documental
que explora la vida y obra de Anton Cor-
bijn, uno de los principales fotógrafos y
videastas que ha plasmado en imágenes
el mundo de la música desde hace más de
tres décadas.
Si bien comienza a principios de
la década de 1970 a sacar fotos de recita-
les, es en 1979 que su carrera toma rele-
vancia, al trasladarse a Londres y captar
la bullente escena post punk de bandas
como Public Image Limited (P.I.L.) y Joy
Division.
Su relación con estos últimos lo
lleva a dirigir su primer largometraje, el
biopic Control (2007) sobre el conjunto
de Manchester. Su pasión por el blanco
y negro, el grano y una cierta visión pu-
rista sacada de los franceses lo llevan a
destacarse dentro de la fotografía, en sus
inicios, trabajando para revistas como Vo-
gue y Rolling Stone.
Su dislocada imaginación lo lleva
a dirigir clips delirantes para Echo and the
Bunnymen y Depeche Mode (como “Per-
sonal Jesus”), sus principales clientes du-
rante los años ‘80, con algunos trabajos
para U2 y David Sylvian.
Durante la década de los ‘90, An-
ton Corbijn se consolida como un artista
visual reconocido, y el exigente Kurt Co-
bain le encarga el polémico y descarnado
clip para “Heart shaped box”.
shadowplay | the making of anton corbijn
80|p.a.u.s.a. >>||<< 01
shadowplay | the making of anton corbijn
Éste ganará un premio MTV, aun-
que el videasta lo describe como uno de
los trabajos más oscuros y complejos que
él haya dirigido, al punto de que le solici-
tó a Cobain sacar algunos elementos por
ser demasiado tétricos.
Nick Cave and the Bad Seeds,
Grant Lee Buffalo, Metallica, Mercury Rev
y hasta unos terminales Roxette se suma-
rán a sus acreedores, al tiempo que man-
tiene a U2 y Depeche Mode.
El año 2000 encuentra a Anton
Corbijn convertido en figura de culto,
mientras que figuras emergentes como At
The Drive In, Coldplay, Travis y The Killers
le realizan encargos.
Ya en 2006, Corbijn se suelta y
se decide a dirigir su largo Control, basa-
do en una novela escrita por la viuda de
Ian Curtis. Shadow play retrata la carrera
de este destacado artista visual, con en-
trevistas a quienes él supo retratar de la
mejor manera posible.
p.a.u.s.a.>>||<<
versión web: www.super45.net
p.a.u.s.a. >>||<< 01 |81
p.a.u.s.a.>>||<< i n- e d i t entrevista | susana díaz (supersordo)

Con más pasión que medios, la joven realizadora Susana Díaz logra establecer un retrato fiel
y tangible de una de las agrupaciones más enigmáticas, descarnadas e influyentes
del Chile en democracia: Supersordo. Historia y Geografía de un Ruido documenta el paso en agita-
dos torbellinos de esta rara avis de la escena nacional que surgió y cayó en la década pasada, con
una intensidad y una electricidad avasalladoras.

Durante 2006, la directora Su-
sana Díaz empezó a interesarse en de-
jar testimonio de las distintas corrientes
subterráneas que ella misma experimen-
tó dentro de la audiencia de una escena
post dictadura en los ‘90, que abarcaba el
hardcore, los sonidos de vanguardia elec-
trónica del colectivo Ojo de Apolo, y el
indie rock de grupos como Congelador.
Con el tiempo, la idea de hacer
algo con Supersordo comenzó a tomar for-
ma, hasta que Díaz se decidió a llevar a
cabo el proyecto.
Susana Díaz se vínculo como públi-
co y fan a Supersordo, hasta que luego de
recibirse en audiovisual decidió dejar testi-
monio de una banda que se había transfor-
mado en un mito.
A pesar de lo confidencial de su
existencia, el cuarteto santiaguino influ-
yó en casi todos los grupos que valdrían la
pena en el rock independiente local: Mos-
tro, Congelador, Guiso y Griz se declararían
seguidores de su sonido, entre otros.
Para Los Ex de Colombina Parra,
Supersordo es un grupo de cabecera, y la
revista Rolling Stone los catalogó dentro de
los mejores 20 discos chilenos de la histo-
ria, tras encuestar a distintos músicos na-
cionales.
Historia y Geografía de un Ruido
permite a las nuevas generaciones aden-
trarse en el sonido laberíntico de Supersor-
do, y muestra el impacto en vivo del con-
junto, como un cataclismo sónico.
-¿Cómo se gestó el documental?
-Este proyecto nació el 2006, mientras ela-
boraba una trilogía de sonidos de los no-
venta. Fue en paralelo a un documental so-
bre el hardcore en Chile, el que abandoné
por falta de archivos, o por lo precario del
material. El 2007, lo de Supersordo tomó
protagonismo.
-¿El trabajo duró tres años, por qué?
-En parte porque los músicos eran medios
inaccesibles. Mi primer contacto fue con
Claudio Fernández, el vocalista. El vivía en
Valdivia, y hace dos años fui para allá, al
festival de cine. Él ya se había mudado a
Ancud. Fui con mi amigo Felipe Ramírez, y
Claudio nos recibió en su casa. Él trabajaba
en audiovisual y me entregó dos cintas mini
dv con material de la banda, fue lo primero
que tuvimos. Fue nuestra primera entre-
vista, también, la que usé para investiga-
ción. Durante mucho tiempo fue lo único
que poseía, ya que nadie me quería pasar
material.
-¿En serio?
- Recién cuando presenté el teaser de 7
minutos del documental en el festival de
documentales musicales In-Edit 2008, co-
menzó a aparecer más gente interesada
en pasarme archivos. Ahí estuvimos como
Work in Progress.

82|p.a.u.s.a. >>||<< 01 p.a.u.s.a. >>||<< 01 |83

p.a.u.s.a.>>||<< i n- e d i t
-¿Fue durante 2009 que pudiste
trabajar más, entonces?
-Sí, 2007 y 2008 fueron más años de inves-
tigación. Como era un proyecto paralelo a
Hardcore, a veces trabajaba en uno, y lue-
go en otro. A través de un amigo en común
que estuvo un tiempo en lo de Supersordo,
tuve al fin acceso a Katafú, quien accedió
a autoentrevistarse en Barcelona, y con-
formar así gran parte de la narración del
relato. Yo soy amiga de Jorge Cortés, pero
nunca quiso hablar. Comegato tuvo mucha
buena onda, y accedió al fin a la entrevista.
Lo raro, es que ninguno guardaba material
del grupo, ni los discos, ni tomas en vivo,
nada.
-¿Cuál es el sonido que se escucha en au-
dio, entonces?
-Es el mismo sonido en vivo de las cintas
VHS que me conseguí. Por alguna razón,
gran parte de los amigos de la banda, los
que los registraban en video, eran del mun-
do audiovisual, y se nota que era material
en bruto para una edición a futuro, ya que
está muy bien trabajado. Supersórdido me
lo conseguí a través de Cristián Solar, quien
lo remasterizó y subió a la red. Tzzzt me
lo pasaron, y gran parte del audio corres-
ponde al disco en vivo Un inmenso ruido de
rock que sacó CFA.
-¿Cómo realizaste el montaje?
-Me ayudó Efraín Robles, quien uniformó
todas las tomas, de fuentes distintas, en el
blanco y negro que yo había pre-concebido,
además de añadir transiciones y efectos de
post producción que hacen del documen-
tal algo cabal. Él trabajó plano a plano,
mejorando la imagen, estructurando ma-
84|p.a.u.s.a. >>||<< 01
entrevista | susana díaz (supersordo)
temáticamente las secuencias, regulando
los encuadres. En un trabajo en conjunto,
quisimos hacer primar la energía en vivo de
Supersordo. Hay muchas tomas que no sé
de quiénes son, pero que estaban muy bien
trabajadas. En algún momento, quise rea-
lizar un trabajo inspirado en el documen-
tal Instrument que hizo Jem Cohen sobre
Fugazi.
-¿Un trabajo sobre la atmósfera?
-Sí, darle continuidad a través de acoples,
los juegos con la luz y sombra, y las na-
rraciones que se intercalan con las tomas
en vivo. Todo esto fue autogestionado, sin
apoyo económico alguno, sino el trabajo
desinteresado de muchos amigos, como
Efraín. Reconstruimos un poco también lo
que fue la movida de los ‘90, en su aspecto
más experimental. Ellos tocaban con ban-
das muy distintas en los conciertos, y ve-
nían de backgrounds muy diferentes. Esto
gatilló que luego todos siguieran haciendo
música, con perspectivas radicalmente dis-
tintas, como es el caso de Jorge Cortés,
quien, a pesar de ser reconocido como un
enorme baterista, dejó su instrumento para
siempre, para dedicarse a la electrónica.
-¿Qué sigue ahora?
-Mostrar el documental en In-Edit, en di-
ciembre próximo. Estrenar oficialmente a
principios del 2010, y tratar de movernos
en festivales, además de hacer una edición
en DVD del asunto. En cuanto a nuevos pro-
yectos, queríamos hacer algo con Políticos
Muertos, pero existe poco material, y con
un amigo, estamos viendo co-dirigir un do-
cumental sobre el Ojo de Apolo, el que fue
realmente el primer sello de electrónica
experimental en Chile.
p.a.u.s.a. >>||<< 01 |85
p.a.u.s.a.>>||<< i n- e d i t entrevista | vincent moon

El francés Vincent Moon es un artista de lo inmediato. Presente para la última muestra de In-Edit en
Santiago, el cineasta parisino expuso varios de sus largometrajes y dio una charla sobre su trabajo en
La Blogothéque. Moon ha trabajado con Arcade Fire, Animal Collective, The National y R.E.M, entre
otros. En Chile, registró en Valparaíso a artistas nacionales como Camila Moreno y Goli.

“Can you hear me now?…Oh, tomas inmediatas con sonido directo, de

that’s a Shellac song”, bromea Vincent
Moon mientras prueba su micrófono en
la antesala de la charla que dará en unos
minutos en Lastarria 90 con motivo de su
calidad de invitado a la última versión del
Festival In-Edit en Santiago. Moon, cuyo
verdadero nombre es Matthieu Saura (34
años), es un parisino que un día se mudó
a Nueva York y descubrió su camino en la
vida.
El día en que llegó a Estados Uni-
dos a vivir por un tiempo con su novia,
ésta lo dejó. Ello le indicó que debía se-
guir en lo suyo, que estaba en lo correcto.
¿Qué era aquello? Las grabaciones (“my
little movies”, como le gusta llamarlas)
que le empezaron a encargar para el sitio
La Blogothèque.
Con un olfato innegable y una verdadera
adicción por la música, Matthieu-ahora-
Vincent no sólo había visto cuanto con-
cierto interesante se presentara en París.
En NYC, siempre tuvo lo último entre sus
manos.
Para La Blogothèque, Vincent
Moon estrenó una serie –que sigue hasta
hoy- llamada Concerts à emporter, o Take
away shows. En ella, se dedicó a grabar
bandas en la cresta de la ola de lo que
estaba saliendo, en un contexto muy es-
pecial. O, más recientemente, a Camila Moreno,
artistas tocando en la calle, en un par-
que, en una iglesia o hasta un ascensor.
Por sus manos, han pasado des-
de Arcade Fire –los del elevador- hasta
nombres confidenciales como el de Mar-
la Hansen, o más conocidos como Animal
Collective, The Dodos y The National. Lo
último que prepara es el lanzamiento ofi-
cial previsto para marzo de Burning, un
largo sobre tomas en vivo de Mogwai, bus-
cando reflejar todo el poder de los esco-
ceses, tal como lo hizo con The National
en su documental sobre la elaboración de
Boxer. En este último trabajo, Moon cap-
tura mucho el ambiente y la atmósfera,
desde el barullo infernal del metro neo-
yorquino, hasta las dudas de los integran-
tes durante los seis meses de grabación
del disco que los consagró.
“Llevo trece meses sin tener una
casa fija, viajando, y he estado en este
tiempo en los cinco continentes”, comen-
ta Vincent. No sólo de indie rock vive este
hombre, quien ha capturado, además, a
artistas de África y Asia con la misma pa-
sión que lo hace con los grupos que serán
la próxima revelación en Pitchfork.
Ello incluye desde música tradi-
cional japonesa, de Tanzania o flamenco.

entrevista | vincent moon Más allá de producir un clip, con

escenografía, o edición de locaciones, o
cualquier producción artificial, Moon hizo
Chinoy, Goli, Gepe, Kaskivano y Fernando
Milagros, algunos de los chilenos que par-
ticiparon en sus sesiones de grabación de
Take away shows en su paso por Valparaí-
so.

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p.a.u.s.a. >>||<< 01 |87
p.a.u.s.a.>>||<< i n- e d i t
Cercano en cierta medida a Lars
Von Triers, Matthieu Saura ocupa todo lo
que ocurre en el momento, los detalles, la
emoción y los transeúntes, con una cierta
voluntad documental de la impresión esté-
tica.
“Una vez me grabaron mientras
rodaba un clip, y fue horrible, parecía
como un insecto, dando vueltas alrededor,
contorsionándose de manera nerviosa y lle-
no de tics, era francamente repulsivo”, se
ríe Moon frente a la especie de posesión
que sufre mientras tiene una cámara en la
mano.
Vincent admite que lo suyo es
compulsivo, y que es su momento en la vida
para hecerlo. Ello lo ha llevado a trabajar
con gente como R.E.M y a colaborar con pe-
lículas como Miroir Noir, sobre Arcade Fire,
aunque él no haya querido aparecer en los
créditos. A la salida de la charla en Lasta-
rria 90, Moon se muestra afable, mientras
camina con su terno gris y corbata.
-¿Cuándo empezaste a hacer tus pelícu-
las?
-Hace unos cuatro años, empecé a grabar
conciertos, y luego conocí a este amigo que
se llama Pat, que tenía La Blogothèque y
me propuso hacer esto, un poco por azar.
-¿Comenzaste solo con los Concerts à em-
porter?
-Sí, luego se sumó más gente, y ahora hay
varios que están subiendo material.
-¿Vives en Nueva York?
-He pasado mucho tiempo ahí, porque me
encanta esa ciudad y trabajar en ella, pero
estoy establecido principalmente en París.
-¿Qué tal lo de Mogwai?
-Es un documental de 45 minutos hecho a
partir de material en vivo que otra perso-
na y yo habíamos capturado, es bastante
violento.
-¿Cuál fue tu relación con Arcade Fire?
-Hicimos varias cosas y luego me fui de gira
con ellos.
88|p.a.u.s.a. >>||<< 01
entrevista | vincent moon
-¿Para lo de Miroir Noir?
-Sí, claro. Pero, de repente, había acumu-
lado mucho material, y ya no tuve tiempo
de trabajarlo como realizador. Les dejé lo
que hice, pero al no llevarlo hasta el final,
no quise que pusieran mi nombre ahí.
-¿Cómo lo haces para elegir la gente con
la que trabajas?
-No lo sé, voy a muchísimos shows en vivo,
y luego, hay varios músicos de los cuales
me hago amigo y termino rodando algo so-
bre ellos.
-¿Cuánto tiempo llevas viajando?
-Hace trece meses que no he vuelto real-
mente a casa para quedarme. A ver… ¡Ya
di la vuelta al mundo! En noviembre 2008
estuve en Tanzania, luego Japón, Nueva Ze-
landa, América del Norte y ahora América
del Sur.
-¿Cómo integras los ruidos y fenómenos
del ambiente en tus pelis?
-Creo que todavía no voy tan lejos en ese
aspecto. Adoro el silencio. Éste nunca es un
silencio absoluto, o vacío, en él pasan un
montón de cosas. Me encanta un cineasta
francés que hizo una cinta que se llama
Sombra. Es una obra maestra, donde logra
adquirir una densidad y presencia del soni-
do, una tensión que es formidable a partir
de nubes.
-¿Te gusta Lars Von Triers y su aproxima-
ción a la cámara?
-Sí, bueno, no me voy a quebrar la cabeza
pensando en cómo iluminar un lugar, me
quedo con lo que hay en el momento.
-¿Citaste a Shellac en la charla?
-Sí, este año los vi cuatro veces en vivo.
-¿Cómo abordas el instante, lo que pasa
en el momento?
-No me gusta aferrarme al pasado, y para
mí el presente es lo que existe y lo que
puedo captar, lo que tengo a disposición y
sobre lo que puedo jugar.
p.a.u.s.a. >>||<<
versiòn web: www.super45.net
p.a.u.s.a. >>||<< 01 |89
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Con una contundente muestra de material, el cineasta Jem Cohen fue tal vez la figura más relevante
del Sanfic 5. Su mezcla de documental, video arte y cine experimental lo confirma con uno de los
grandes talentos independientes de las últimas décadas, llamando la atención de artistas como Patti
y Elliott Smith, Fugazi, The Ex y REM.
Presente en Sanfic 5 con una retrospec-
tiva a su trabajo en la sección Shoot the
shooter, el cineasta independiente Jem
Cohen expuso su particular visión del cine
(y del mundo) junto a trabajos colaborati-
vos con músicos como Patti Smith, Fugazi
y Elliott Smith. Sus evocadoras imágenes
de Nueva York y Ciudad de México reve-
lan una fuerte tendencia a tratarlas como
una pieza musical.
“Me considero un pescador de
imágenes”, explica Jem Cohen en el cine
arte Normandie, poco antes de comenzar
su montaje Ciudad de México por azar
(2009). El norteamericano nacido en Ka-
bul, Afganistán, está presente con una re-
trospectiva a su trabajo en Sanfic 5, en la
sección Shoot the shooter, con muestras
y clases magistrales, más este trabajo gra-
bado y mostrado en marzo en la capital
mexicana.
En principio llamado Manifiesto
DF, este recorrido por parte del centro
histórico de la ciudad cuenta con imá-
genes de Cohen, música en vivo de Todd
Griffin, Dj Rupture, Andy Moor (The Ex) y
Guy Picciotto (Fugazi), y, para la versión
chilena, la narración de Juan Pablo Basta-
rrachea, uno de los gestores “in situ” del
proyecto.
De inmediato, la visión de Cohen
jem cohen: el vértigo de mirar a través del lente difiere del formato na-
rrativo “tradicional”. Se suceden situa-
ciones, personajes y objetos, como el
(la música en imágenes) Mercado de Sonora; obreros trabajando
en El Zócalo, esa enorme plaza al medio
del epicentro de la urbe que creció sobre
Tenochtitlán; personas bailando cumbia
en la calle, una adolescente rezándole a
la santa Muerte, una prostituta sentada, y
90|p.a.u.s.a. >>||<< 01 transeúntes.
entrevista| j e m c o h e n
Todos caen bajo la cámara de Co-
hen, quien les agradece en los créditos
y los encuentra en su paseo guiado por
Bastarrachea y sus amigos del Festival de
México en el Centro Histórico. Ellos lo
contactaron en BAFICI (Buenos Aires Fes-
tival Internacional de Cine Independien-
te) y le propusieron la idea de capturar el
DF con su óptica particular. Esta incluye
tomas en 8 y 16 milímetros, con planos
largos, que se apuran o se vuelven más
lentos según la subjetividad del cineasta,
ahora expuesta en SANFIC.
Otra música
“No me importa”, replica Cohen
frente a sus colaboraciones con REM. Sus
vinculaciones con la música son de larga
data y abarcan algo más que retratar la
historia que aparece en una canción.
“Cuando comencé a hacer pe-
lículas justo nacía MTV, que redujo las
enormes posibilidades de la relación ima-
gen-audio a términos obvios (bikinis) y
publicitarios de hacer un spot (clip) para
un producto (álbum). Yo no quería eso”,
aclara Jem, al día siguiente en su clase
magistral “La otra música”, ofrecida en la
cineteca del Centro Cultural Palacio de la
Moneda.
-¿A qué te refieres con “otra música”?
-A hacer música con las imágenes: cómo
moldeas un sonido, y, también, cómo po-
drías escuchar una pieza de Shostakovich,
la que atraviesa distintos estados. Puede
ser a que va mucho más allá del concep-
to de banda sonora con canciones, don-
de hay una escena, sube la música, luego
baja para el diálogo y vuelve a subir.
p.a.u.s.a.>>||<< s a n f i c
“La película que ustedes verán
terminará de completarse en sus cabezas,
entre sus ojos”, indica Jem, antes de ex-
hibir sus cortos en la cineteca. La cinta
Little Flags exhibe un realismo naturalista
de documental, de mostrar la realidad –una
manifestación de acogida a los soldados
tras la 1ª guerra del Golfo, en 1991-, aun-
que de manera deconstruida. Asimismo lo
hace NYC Weights and Measures, o Ciudad
de México por azar.
Gracias a los ritmos, la luz y las
velocidades, se generan una suerte de
equivalente de los drones difuminados en
la música. Atmósferas, sensaciones. “Ima-
ginen que es un sueño”, anuncia Cohen.
Un sueño despierto, y uno que a
veces tiene implicancias políticas. “Nunca
me gustó el crear una fantasía, como lo ha-
cen los clips, sino capturar una cierta rea-
lidad vista desde una perspectiva”, explica
Jem. El baterista de Godspeed! You Black
Emperor lo acompaña con unos sonidos en
un corto y la relación con el trasfondo ideo-
lógico de los canadienses es coincidente.
Despertar
Gran cultor del esteta, filósofo y
ensayista Walter Benjamin, Cohen le dedi-
có dos de sus obras expuestas durante seis
meses en la Fondation Cartier de París, en
conjunto con Patti Smith, el año pasado.
“Benjamin tenía esa posición en el
cine, acerca de crear un sueño en la panta-
lla, pero uno que provoque un despertar”,
cita Cohen en la cafetería del Gatsby del
cine Hoyts de la Reina. Tal como los discos
de Godspeed…
92|p.a.u.s.a. >>||<< 01
entrevista| j e m c o h e n
Por los parlantes suena un tema
ochentero, y a sus 46 años, Cohen se decla-
ra harto. “Odio la mala música de mi país,
en particular la de los 80as”. Vinculado en
esa misma década -donde empezó a rodar a
los 21 años mientras estudiaba arte- a ban-
das que formaron parte del underground,
como Fugazi y REM, el director detesta la
estandarización radial.
“¿Viene Kenny G a Chile? Oh, él
es el peor”, protesta. Sus preferencias van
por íconos arty como Benjamin Smoke, un
cantante gay que murió de Sida en 1999,
tributado en el documental de Cohen por
Chan Marshall y Vic Chesnutt.
Hace un par de años, Cohen le puso
imágenes a The Coral Sea, la colaboración
entre la narrativa beatnik de Patti Smith
y las nubes de guitarras ruidosas de Kevin
Shields (My Bloody Valentine), en Londres.
¿Las proyecciones? “El mar, el cielo, las nu-
bes, las olas y el cielo, y el mar”, recuerda
Jem, con delicia y una gota de provocación
frente a su minimalismo evidente.
-¿Por qué usas planos tan largos, de tres
segundos?
-¡Quince segundos, treinta, y más! Lo nece-
sario hasta que veas realmente lo que está
en la pantalla.
La simplicidad a veces es la fór-
mula. Al menos, la que le resultó a Cohen
en los registros intimistas de Elliott Smi-
th que capturó a fines de 1996 en Port-
land, Oregon. Este retrato audiovisual no
sólo resulta conmovedor, de una belleza
prístina apoyada sobre pocos elementos,
sino que, además, es tal vez el único do-
cumento de esta naturaleza producido
p.a.u.s.a. >>||<< 01 |93
p.a.u.s.a.>>||<< s a n f i c
por el cantautor, y editado por su se-
llo de entonces, Kill Rock Stars,
bajo el nombre de Lucky Three.
Daydream Nation
La amistad de Jem Cohen con Fu-
gazi, nacida de haberse criado en el mismo
barrio que el guitarrista Ian Mackaye, par-
tió por una admiración mutua y un primer
esfuerzo en Glueman.
Este corto de Jem sobre un hom-
bre que inhala pegamento bajo su ventana
fue musicalizado por los de Washington DC,
con letras como “Lo gasté todo”. Este ex-
perimento colaborativo derivó en una déca-
da de seguimiento plasmada por Cohen en
su documental Instrument (1999, Dischord)
que incluye tomas en Chile de la gira de
1997.
Con Guy Picciotto, el cineasta ha
colaborado en otros proyectos tras el rece-
so indefinido de Fugazi, como el disco de
Vic Chesnutt que Cohen produjo con inte-
grantes de A silver mount zion y el guita-
rrista. “¡Vic Chesnutt es el rey!”, recalca
Jem en castellano, acerca del cantautor
admirado por Michael Stipe, Lambchop y
Calexico.
Cat Power, los holandeses The Ex
y Sonic Youth se suman al currículum de
Cohen. “No soy muy fan de estos últimos,
pero hice algo con ellos hace poco”, dice
con reserva.
-¿Por qué la música?
-No lo sé, debe ser por que cuando escucho
música me siento como dentro de la cabe-
za de otra persona, que es precisamente lo
94|p.a.u.s.a. >>||<< 01
entrevista| j e m c o h e n
que quiero hacer con mis imágenes, más
que algo tradicional.
-¿Otro cine?
-¿Cuál es el otro cine?, supongo que es, de
verdad, el primer cine, el que empieza con
tan sólo mirar, el que todos olvidan. El de
los hermanos Lumière, que siguió luego con
gente como Jean Vigo…Nunca fue cierto
que fuese inaccesible esta otra tradición,
no es lo que se le ha tildado de ser. No se
puede ser inaccesible si estás mostrando el
mundo en el que vives.
-Lo concreto…
-Esto no es acerca del avantgarde o del film
experimental, sino una vuelta a los oríge-
nes. Me considero un clasicista, más que
parte de la vanguardia.
Una ciudad con las venas
abiertas
Dentro de las múltiples activida-
des que Cohen realizó durante su semana
en Chile, destacó la visita que hizo al Es-
tadio Nacional junto a la cineasta local Ti-
zianna Panizza.
“Visité los pasillos interiores y me
pareció muy extraño el contraste entre la
historia del lugar y lo que estaba pasando
allá afuera en la cancha, como si nada”,
reflexiona Jem.
Lo insólito es parte de su cine, en
un surrealismo que va más allá de la ten-
dencia a la locura de Dalí, sino que se en-
marca dentro de las capacidades de obser-
vación del cineasta.
p.a.u.s.a. >>||<< 01 |95
p.a.u.s.a.>>||<< s a n f i c
“Benjamin hablaba del surrea-
lismo como una construcción casual de la
naturaleza en la cual las relaciones entre
los objetos dados provocan algo”, analiza
el director.
El hecho es que, en su hiper-sensi-
bilidad visual, Cohen siempre observa hasta
encontrar un detalle revelador. “No lo sé,
sólo ocurre, sucede que veo la punta en-
cendida de tu cigarrillo, luego las cenizas
que están por caer, y así. Puede ser la rama
de un árbol, veo su forma, luego el fondo
con el que se relaciona”.
En su visión de mundo, no sólo lo
que le llama la atención participa, el deta-
lle curioso, sino también un velo de miste-
rio. Como lo estima Jean Luc Goddard en
sus escritos, Cohen siempre deja algo no
revelado en sus películas.
La interpretación varía según el
espectador. “En la música pasa lo mismo:
alguien que escucha a Bob Dylan puede en-
contrar letras que lo identifiquen; y, otro,
una melodía que va a tararear toda su vida
sin saber siquiera de donde vino”, indica
Jem.
Durante sus exhibiciones, alguien
del público le pregunta al director por su
afición a mostrar la basura en las calles.
“Fue una muy buena pregunta”, afirma Co-
hen.
Su visita acaba con la premiación
de Sanfic en el Castillo Hidalgo. A este ac-
tivista de Washington DC le parece inaudito
que sea un alumno de Milton Friedmann, y
uno de los más grandes banqueros y millo-
narios chilenos, quien esté tras el festival
96|p.a.u.s.a. >>||<< 01
entrevista| j e m c o h e n
con Corpartes, la compañía que fundó Ál-
varo Saieh para destinar sus impuestos a
cultura en vez del Fisco, como lo permite
la Ley Valdés.
En su trabajo con Patti Smith,
Cohen la ha retratado más de una vez re-
corriendo Manhattan y pensando en cómo
cambió todo desde los movidos y beat se-
senta hasta el dominio actual de los yup-
pies.
En la noche de clausura, Cohen
sube las escaleras a regañadientes para ver
los premios, insinuando que eso no es lo im-
portante. Seguro tiene razón, lo esencial,
más que la fiesta y el encuentro social en
el que las jóvenes se mueren por estar y
brillar con sus tenidas, ha sido el recorrido
por su propio lente, por su cine, un cons-
tante generador de preguntas, inquietudes,
sensaciones, ideas.
El vagar por su superación de los
lugares comunes, a través de un proceso
cercano al errar poético de Charles Bau-
delaire, como en su enigmática Lost Book
Found, quizás su obra culmine.
Ésta muestra a Nueva York a través
de un vendedor de maní y su relación con
un extraño cuaderno de anotaciones encon-
trado en la rejilla del metro, con direccio-
nes, fórmulas químicas y conceptos físicos.
Una ciudad con las venas abiertas,
lista para ser devorada por el espectador
hasta en sus más mínimos (y curiosos) deta-
lles.
>>||<<p.a.u.s.a.
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p.a.u.s.a. >>||<< 01 |97
p.a.u.s.a.>>||<< festival internacional de cine de valdivia
Escuchar fado es una vuelta al
pasado. Es una suerte de antropología
musical en la cadena de distintos estilos
que parecen entrelazarse hasta hoy de
manera insospechada.
Existe un aire de algo etimoló-
gicamente antiguo en este estilo prove-
niente de Portugal, que posee una raíz
medieval pagana que alterna con el tran-
ce. También, un aire cálido, del Medite-
rráneo, y moderno en sus acordes com-
plejos.
Es el primer día en Valdivia, y la
inauguración aún no ocurre. Sin embargo,
ya parte esta muestra de Armonías, músi-
ca y audiovisual curada por el director José
Luis Torres Leiva.
Ésta explora las distintas posibi-
lidades de imagen-sonido a través de do-
cumentales y video arte. Destaca la obra
del propio director, Trance, que reúne a
distintas personas caminando y escuchando
canciones por sus audífonos. Entre éstas,
temas cedidos (algunos para la ocasión),
como los de Animal Collective y The Dirty
Three.
Una de las grandes atracciones
de esta muestra es Empire II, que retrata
el post punk – no wave de Nueva York, con
música de Patti Smith, entre otros. Lo cu-
rioso es que su exhibición es postergada por
problemas técnicos, y los con ánimos punk
que llegaron a la sala se van indignados. Re-
sulta divertido, que el fado sea más punk
que ellos. Artistas contemporáneos que han
empezado en esa veta, o con ese espíritu
rupturista, muchas veces son mucho más
respetuosos del pasado que los que se van
con las manos vacías de la función.
Matt Elliott, antes el radical señor
The Third Eye Foundation, se ha vuelto ha-
cia la música rusa, española y portuguesa
antigua retransformándola, con elemen-
fados| carlos saura tos no distintos a ciertas características
del fado. Basta escuchar sus discos bajo su
nombre para darse cuenta de que su postu-
ra es mucho más nihilista que tres acordes
con distorsión. Y se ha valido de invitados
como Thom Yorke en las voces.
98|p.a.u.s.a. >>||<< 01
Tara Jane O’neil es otra. La ba-
jista de los ruidosos y extremos Rodan, ha
abrazado elementos como el acordeón.
El mismo Prefuse 73 se nutre de la músi-
ca portuguesa, andaluza y brasileña en su
grupo Savath and Savalas. Si bien en una
reconstrucción post modernista, todos ellos
ahondan en tradiciones que sus pares dejan
de lado. Así como estuvo el cliché de nutrir-
se de la India en el pasado (Beatles), o de
Marruecos (Lee Ranaldo de Sonic Youth, a
través de los Yayoukas), la música ibérico-
portuguesa posee más de un encanto.
Mientras la sala se vacía de los
simpatizantes punks, emerge el verdadero
valor del fado tras las imágenes intrigan-
tes de Carlos Saura (uno de los herederos
de Buñuel en España y una de las figuras
del cine de ese país en los 1970). El fado,
visto a través de chromas (pantallas de un
fados| carlos saura
color, como el damasco o el violeta), emer-
ge como la raíz de la saudade. Aquel vital
componente de ese gran estilo que es la
bossa nova aparece aquí.
Si se quiere, al igual que el mee-
ting pot humano brasileño que ocurre del
encuentro de negros, europeos (y nativos),
el bossa nova no es más que el cruce del
inmemorial fado con los ritmos africanos y
algo de jazz (otra raíz negra). Pero claro, el
fado es la versión antigua, a escuchar con
los padres y abuelos. Aunque, a través de
los distintos artistas expuestos por Saura,
aparecen actualizaciones, como ese grupo
de hip hop que lo mezcla con el fado, con
un resultado muy similar (y original), simi-
lar al de bandas como Bajo Fondo Tango
Club, que mezclan el tango y la electróni-
ca.
En otras palabras, el fado es lo
que le queda a Blonde Redhead si le sacas
el hardcore y las guitarras eléctricas. Si le
quitas el ritmo urbano del siglo XXI. Para
muchos, esto es insoportable, para otros,
es tan bello como disfrutar de un paseo por
un museo de cuadros antiguos, o por una
ciudad tranquila y hermosa como Valdivia.
Es cuestión de principios, y de intereses.
Me pareció ver a Matt Elliott entre el públi-
co…
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p.a.u.s.a.>>||<< festival internacional de cine de valdivia
En el 16º Festival Internacional
de Cine de Valdivia, las jornadas dedica-
das a la música y el cine, dentro del ciclo
“Armonías, música y audiovisual” han ad-
quirido ribetes experimentales, en tonos
desafiantes y que perturban la percep-
ción de los espectadores acostumbrados
al cine clásico, tanto en formato como en
narrativa. No es inhabitual que varios se
retiren de la sala.
Con un corte radical, el chileno
José Luís Torres Leiva –además, el curador
de la muestra- expone Trance, una suma de
10 cortometrajes trabajados con el exce-
lente director de fotografía Inti Briones.
En ellos, Torres Leiva se aboca a
retratar a personajes cercanos con una téc-
nica particular, que incluye imágenes don-
de lo contemplativo supera a la acción, o
bien ésta pasa en cámara lenta, ganando en
intensidad y fuerza.
Esto resulta ser insoportable para
casi la mitad del público de la sala Lord
Cochrane, donde se exhibe el lunes 19 de
octubre a las tres de la tarde. La tensión
alcanzada es grande, como en el corto que
incluye a Diego Noguera, de noche, en un
paseo (un trip, un viaje) que incluye la mú-
sica como eje central del relato.
En la serie Trance, el concepto ra-
dica en la reacción de las personas frente
a las melodías, y busca reflejar el mundo
interno de cada participante.
En el capítulo dedicado a Noguera,
el tema noise, experimental y pegado de un
norteamericano -en la senda de Merzbow-
hace crujir los dientes con su electricidad
avasalladora, como una pared de ruido
blanco, en el que la imagen grabada con
night shot aparece áurea. Es fácil perderse
en los planos, y todo se vuelve saturado,
por momentos, de una manera extenuante.
josè luis torres leiva | trance Un momento emotivo es el que
muestra en toda simplicidad a Macarena
Teke con el hijo que tuvo con Néstor Can-
tillana. Un instante casi sagrado y sobreco-
gedor. Otro que quita el aliento es el que
incluye a Low, que deja a la audiencia en
100|p.a.u.s.a. >>||<< 01 un silencio, ensimismada.
El de Dirty Three resulta intrigan-
te, con un fuerte dejo de nostalgia en la
mirada, mientras que el de Quasi es urbano
y sincopado.
Animal Collective se suma al proyecto con
una canción sicodélica y lo-fi. Pocos direc-
tores en Chile (y en el ámbito indie, en ge-
neral, en el globo), se han dado el gusto
de trabajar con artistas de esta categoría,
y con un resultado tan prístino y personal.
Tal vez, unos cuantos, entre ellos,
Braden King, que filmó el documental Dutch
Harbour. Este trata sobre el remoto pueblo
de Unalaska en la península boreal ameri-
cana, con una banda sonora compuesta por
colaboraciones entre los miembros de Tor-
toise, Gastr del Sol, Palace Brothers, Dirty
Three y Vandermark Five.
josè luis torres leiva | trance
Para algunos en el cine Lord Co-
chrane, lo de Torres Leiva no tiene nom-
bre. Tienen razón. En sus propias palabras:
“Trance nace como un gesto muy modesto
por querer archivar en imágenes la música
que admiro y los rostros de las personas que
me rodean e importan.
La experiencia de este “registro”,
constituye un acto de cine en sí, indepen-
diente de su existencia posterior como
obra. Es por eso que la mayor ambición de-
trás de estas imágenes tiene que ver con la
simpleza del acto de escuchar.”
José Luís agrega en su manifies-
to: “Ser testigos de ese instante, fugaz e
irrepetible donde finalmente es la música
la que llena por completo esta pantalla y
traduce estos rostros, gestos y sentimientos
a un público que en definitiva, está invitado
a sentarse, mirar y escuchar, sin buscar do-
bles sentidos o explicaciones complejas a lo
que estamos viendo.” Notable lo suyo.
>>||<<p.a.u.s.a.
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p.a.u.s.a.>>||<< festival internacional de cine de valdivia
El francés Siegfried se ha conver-
tido en un personaje en esta 16ª edición
del Festival Internacional de Cine de Val-
divia. Reconocible de inmediato por su
look tipo Manu Chao, con el pelo largo y
rubio sostenido por un turbante y su ropa
de viajero errante, como una suerte de
Arthur Rimbaud, tras internarse en el de-
sierto. Su estilo de vida sale de lo común.
Le Sig, como se hace apodar, viaja por
todo el mundo (en sentido literal y dando
la vuelta) capturando imágenes de perso-
nas: rostros y miradas de niños, mujeres,
ancianos y hombres. “Soy un adicto, no
puedo dejar la cámara descansar”, co-
menta en un castellano marcado por el
acento galo. Tiene un largometraje de fic-
ción que se desarrolla en 17 países entre
Europa, África, Asia y América, y, en la
muestra Armonías, música y audiovisual,
proyecta su serie Kinogamma, compuesta
de 2 películas.
Además de personas, Siegfried
capta paisajes, ciudades, cielos, aviones,
metros, en una sucesión frenética de si-
tuaciones ritmadas por la música que el
mismo compone, o extrae de composito-
res como Debussy y Shostakovich. Kinoga-
mma 1 (East) retrata la ex Unión Soviética
de una forma actual y urgente, aunque
sin las pretensiones de un documental
histórico-narrativo.
Entre la nieve, Moscú, Estonia,
conservatorios, aeropuertos y trenes, Le
Sig realiza un montaje impresionista, de
mucha luz, como una sucesión de imá-
genes con una riqueza fotográfica inten-
sa, que se articulan gracias a la melodía.
Siegfried rehuye hablar al respecto. En
el panel de Cine Experimental realizado
en el Sky Bar del hotel Dreams, junto a
personajes como el realizador norteame-
ricano Scott Stark, el Sig declara: “Todo lo
siegfried | kinogamma que tengo que decir lo dicen mis pelícu-
las, están pasando una en este momento,
los invito a verla”. Y se va de la sala.
102|p.a.u.s.a. >>||<< 01
siegfried | kinogamma
En las dos Kinogamma, el espectador via-
ja con Siegfried, imbuyéndose de las sen-
saciones (auditivas y visuales) que pro-
voca el estar en un elemento extraño y
desconocido. En el segundo episodio, Far
East, la audiencia traspasa las fronteras
para internarse en un universo cada vez
más lejano (en atuendos, costumbres,
cultura y raíces), aunque sin una preten-
sión antropológica o explicativa que no
sea la de captar la fuerza de una imagen
inmediata.
A veces grabadas en un par de meses, las
cintas de Sig son el reflejo de sus aventu-
ras junto a su cámara, internándose en la
geografía humana y natural del planeta.
Sentados a la mesa, en el local Haussman
de crudos y cerveza, el Sig anota los te-
léfonos de los comensales. Tiene ganas
de grabar a niños en el norte de Chile.
Muestra dos abultados bolsillos y declara:
“Esta es mi vida”.
De estas verdaderas bolsas mar-
supiales extrae puñados de papeles: tar-
jetas, boletos de avión, direcciones de
conocidos en alguno de los tantos países
que ha recorrido (desde el Nepal hasta
Burkina Faso), papelillos, poemas, re-
cuerdos… Un artista errante, Siegfried no
sabe nunca donde estará después, aun-
que su improvisación de la vida la hace
de manera seria y calculada, coordinando
posibilidades de acción.
Kinogamma 2 se aleja y se aleja cada vez
más, hasta llegar a los cantos cacofóni-
cos y ensordecedores de las mezquitas,
que se exponen como un ruido gutural y
primigenio, y los campos de colores de la
Mongolia profunda. Serio y prolijo en su
desorden, el Sig posee un ojo como po-
cos y una sensibilidad musical virtuosa.
Desbordante de talento, es un personaje
de gran luminosidad. Un loco, ok, pero un
loco lindo, como dicen.
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p.a.u.s.a. >>||<< 01 |103
excursiones
p.a.u.s.a.>>||<< festival internacional de cine de valdivia
Con Excursiones, Ezequiel Acuña logra resumir simpleza, elegancia y emoción. Utilizando un mínimo
de recursos, este astro lejano del nuevo cine argentino llega hasta los huesos con una mirada poéti-
ca y cargada de nostalgia. Con espacio para el humor, la tragedia y los afectos, Acuña se aferra a un
lenguaje audiovisual muy cercano al pop, mezclando a la perfección una música shoegaze con bellas
imágenes en blanco y negro, a través de la historia de dos amigos.
Ezequiel Acuña nada en olas de
nostalgia y pop (entendido como un uni-
verso en el conviven Slowdive y Jem Co-
hen). Su nueva película Excursiones (en
funciones en MALBA, Buenos Aires, du-
rante todo enero) logra fundir con maes-
tría la música incidental, un guión acer-
tado y emotivo, además de una fotografía
en blanco y negro tributaria de todo el
horizonte indie tanto cinematográfico
como de clips.
En su mundo –el Buenos Aires ac-
tual, La Plata-, conviven personajes como
una joven (Martina Juncadella) que anda
siempre en patines, o el bajista de una
banda (Ignacio Rodgers) que se agarra a
golpes con el vocalista porque simple-
mente no lo traga y porque “al muy estú-
pido” se le ha ocurrido estudiar medicina
y postergar los ensayos. Ello para luego
embaucar a la chica en cuestión con un
discurso nulo sobre cómo el patinar sobre
el hielo congenia elementos primigenios
como el agua, la tierra y el aire.
Ezequiel Acuña, de 33 años,
plantea reflexiones en clave todo el tiem-
po, respecto a asuntos como la amistad
o la muerte. Marcos, egresado de teatro
que se había dedicado a otra cosa, queda
sin trabajo y le pide ayuda para montar
ezequiel acuña: un océano de acordes en eco
una obra a Martín, al que no ve desde
hace diez años. Éste es guionista y ha
tenido éxito en programas de televisión,
pero no se ven desde que murió Lucas, el
tercero de la pandilla.
Claro que la amistad, desde
el punto de vista del director, pasa por
asuntos hilarantes como cuando uno le
pide al otro que se saque la camiseta del
concierto de Morrissey que anda trayen
106|p.a.u.s.a. >>||<< 01
entrevista | ezequiel acuña
do, ya que lo acusa de robársela, pero
que ‘no importa’ y se la puede quedar
(cuando la acusación huele a falsa y total-
mente fuera de lugar).
Acuña posee una mirada prísti-
na sobre sus personajes, lo que alterna
con bellos paisajes internos reflejados a
través de la banda sonora que inunda los
momentos claves. No cualquiera, en rea-
lidad. Ezequiel ofrece una oportunidad
única gracias a su olfato de connaisseur
de la activa escena rioplatense. Esta mis-
ma que tantas alegrías le ha dado al indie
rock sudamericano con bandas como 107
Faunos, Jaime sin Tierra o El Mató a un
Policía Motorizado. Acuña ha participado
de ello apoyando a bandas, montando un
sello y produciendo recitales.
La música, y el indie rock en par-
ticular, del cual Acuña es fan -al punto
de declarar: “ya no escucho a Slowdive,
porque me basta con los días de lluvia,
como los de Valdivia”- imbuyen las cin-
tas de Ezequiel. Ya en Nadar Solo (2003),
aparecen múltiples referencias, ya que el
personaje principal tiene un grupo con su
mejor amigo (y Jaime sin Tierra aporta
con temas originales). Luego, en Como un
Avión Estrellado (2005), la melodía es el
metrónomo de las emociones de los pro-
tagonistas.
Ahora, en Excursiones (tal vez el
secreto mejor guardado del cine del otro
lado de la Cordillera), los acordes son una
marea que reverbera la luz de la proyec-
tora. Desde que empieza, para un fan de
shoegaze, o de noise pop, o de pop con
saudade o lo que sea la mezcla de spleen
y rock, la entrega es bien recibida, con
aires de sentirse en casa.
p.a.u.s.a.>>||<< festival internacional de cine de valdivia
Resultó divertido que, tras ver una copia
de Nadar Solo sobre la mesa en la última
Feria del Libro de Santiago, Alberto Fuguet
y Ray Loriga asumieran haber estado hace
poco con Ezequiel, y que, también, sentían
su mundo como su hogar. Acuña, en cuanto
a él, se declara fan de Congelador.
-¿Cuánto tiempo demoraste en hacer Ex-
cursiones?
-Un año, porque grabábamos tranquilos los
fines de semana. Eso, y sin las presiones de
tener que terminar el rodaje en dos meses
o algo así. Algo muy relajado.
-¿Cómo relacionas la música y la imagen?
-En las tres películas que he hecho me ha
gustado mucho trabajar el soundtrack con
canciones de una banda de rock, o ligadas
a sonidos que me gustan. Me agradan las
bandas sonoras originales, pero también
trabajar con grupos y de ahí sacar material
de las pistas de audio de sus temas. En Na-
dar Solo, tuve a Jaime sin Tierra, quienes
de hecho aparecen tocando en la película,
además de composiciones incidentales en
piano. Luego en Como un Avión Estrellado
salen Jackson Souvenirs y Mi Pequeña Muer-
te, quienes comparten un integrante.
-¿Y ahora?
-En Excursiones, la música del soundtrack
la hizo uno de los actores, que se llama,
Santiago Pedrero, y el resto son cinco can-
ciones de un grupo uruguayo que se llama
La Foca. El asunto de los permisos y de los
derechos de autor es costoso y complicado,
así que agarro lo que tengo más a mano,
aunque me encantaría tener temas de, por
ejemplo, Congelador, en ciertas escenas.
O de Sigur Ros, aunque eso es como muy
flotante. Aparte, que así uno puede redes-
cubrir lo local.
108|p.a.u.s.a. >>||<< 01
entrevista | ezequiel acuña
-¿Cómo partió esto?
-No lo sé, vengo trabajando en ello hace
un tiempo. Para la época de Nadar Solo,
produje un par de eventos con Interamas, y
con una banda que se llamaba Bauer. Había
un asunto con el diseño, también. Ahí salió
la idea de montar un pequeño sello, y em-
pecé a editar material de estos grupos. Se
llamó Nadar Solo Discos y editamos tres dis-
cos. Algo muy lindo, tipo post rock, y muy
poco comercial.
-¿Qué pasó, entonces?
-Luego, sacamos las canciones de Nadar
Solo, la película, en un compilado de ban-
das que iban por la misma línea. Después
de un tiempo, con Excursiones, llegamos a
un acuerdo con el cantante de La Foca en
que los dos pusimos plata para el tiraje de
unas mil copias del disco, Vos Lejos de Vos,
el arte y esas cosas. Es como un sello más
fantasma que otra cosa: Yo No Fui Doña. En
el arte, sale un chico con una pelota que le
rompió el vidrio a la vecina. A lo mejor sa-
camos algo del vocalista en solitario pero,
no es un proyecto como para exigirnos sa-
car dos discos al año o algo así. Es algo que
me gusta y que volvería a hacer.
-¿Cómo incorporas la música que te gusta
a tus imágenes?
-No lo sé, es un proceso muy intuitivo. Aho-
ra, por ejemplo, me traje un I-pod donde
tengo desde Congelador hasta Camera Obs-
cura, más pop español como Los Planetas.
Y bueno, hay lugares que te generan una
idea, una emoción, y luego tienes una ban-
da de la que te gustó una canción de al-
gún disco, y luego ves cómo va. Ahora, por
ejemplo, con Excursiones, elegí unas cin-
co canciones y fui seleccionando pedazos.
Por ejemplo, dices: “esta parte de guitarra
está buena y la podría usar”, y ahí fui tra-
bajando de acuerdo a estos extractos.
p.a.u.s.a. >>||<< 01 |109
p.a.u.s.a.>>||<< festival internacional de cine de valdivia
-¿Es mucho más que un adorno, para tí?
-Sí, bueno, hay películas donde salen dos
personajes cantando en un auto, o en esce-
nas de un baile, no lo sé. Sí, es una mani-
pulación, del momento en que hay gente a
la que no le gusta la música. Y está bueno
incorporarlo como un elemento más que te
aporte. Sin llegar a extremos de lágrimas
como Cinema Paradiso…
-¿Al extremo de dejar la cinta en off y
darle todo el volumen a la canción?
-Sí, viste, había momentos incluso sin soni-
do ambiente, o algunos ruiditos, pero muy
abajo…A mí no me gusta eso de alternar
diálogo con canción, si vas a tirar un tema,
que se oiga.
-¿Has trabajado en clips?
-Sí, junto a músicos como Fidel Nadal, un
tipo de Mano Negra y de Todos Tus Muertos,
con cosas por encargo. Pero, ello lo mezclo
con una estética muy parecida a la de Como
un Avión Estrellado. También, he trabajado
con una banda que se llama Ojas. Y des-
pués, hice unos videos para La Foca, que
salen en su disco, y luego para un grupo que
se llama Nubes en mi casa. No es un laburo
constante pero lo hago de vez en cuando.
-¿Con qué elementos contaste para Ex-
cursiones?
-Tenía seis actores, para dos personajes
principales, dos secundarios y dos más que
aparecen. Las locaciones fueron mínimas,
básicamente la misma casa, desde distintos
ángulos para hacerla parecer sitios distin-
tos, que es el hogar de uno de los actores,
muy amigo mío.
-¿Muy lo fi?
-Totalmente, sale mi casa, mi habitación,
lugares que aparecen dados vuelta para
convertirse en otra cosa…No es tan obvio,
pero se puede jugar con los planos y los ob-
110|p.a.u.s.a. >>||<< 01
entrevista | ezequiel acuña
jetos. A veces, es difícil arrendar un lugar, o
sacar a la gente, o poner extras. Si no te lo
consigues, bueno, haces con lo que tienes
a mano. Importa mucho más la finalidad de
una escena que si tienes a alguien pasando
por ahí o no, sobre todo si queda bien en
términos visuales.
Tras pasar una temporada en Chile, Acuña
se declara fan de Julián Peña. El director
asume, también, un fenómeno extraño, que
es que el indie en Santiago es más conoci-
do por los chilenos, que lo que es el rock
platense en Argentina. “Existe una brecha
enorme entre el rock de estadio de grupos
como La Renga y las bandas más indepen-
dientes”, dice Ezequiel. “Luego, al medio,
hay un vacío, y tras él, todas las bandas
under como los 107 Faunos o El Mató a un
Policía Motorizado”, prosigue.
-¿Jaime sin Tierra?
-Jaime sin Tierra es quizás la menos des-
conocida, porque le tocó abrir para gente
como Sonic Youth en Buenos Aires, o para
Luna y Tortoise. No tenía un tremendo nú-
mero de público, pero funciona como un
grupo padre que dejó a varios seguidores
de su sonido, como Prieto Viaja Al Cosmos
Con Mariano, o Norma… son todas bandas
de La Plata, y ahí hay un movimiento bas-
tante importante.
-¿Un círculo más bien hermético, sin tanta
difusión?
-Sí, obvio, Jaime sin Tierra, cuando le iba
bien, podían ser unas doscientas personas.
Nunca para estadio. Tal vez para lo de Sonic
Youth, o lo de Luna.
p.a.u.s.a. >>||<< 01 |111
p.a.u.s.a.>>||<< festival internacional de cine de valdivia
-Congelador le debe bastante a Galaxie
500…
-Sí, claro, a Rodrigo Santis lo conocí jus-
to antes del receso que se tomaron, el
2005. Ellos estaban medio desintegrados
y él andaba con todo lo de Gepe, Que-
masucabeza y el compilado que sacaron
por la época (Panorama Neutral). Yo era
muy fanático de estas bandas. Si estás
con ganas, siempre puedes descubrir lo
que te gusta, hace poco en una Rock de
Lux, descubrí una banda italiana que se
llama Kinder Forever. Una banda italiana
editada por Elephant, y están increíbles,
medios pop a lo Burt Bacharach. Si tie-
nes curiosidad, siempre vas a descubrir,
como, por ejemplo, cuando en Argentina
teníamos a Suárez. En Buenos Aires, o en
Santiago, tenían la misma cantidad de pú-
blico, 25 personas (se ríe). Lee Ranaldo
venía bastante a Argentina, a tocar con
El Otro Yo, luego vinieron Los Planetas.
Mogwai no tocó en Buenos Aires, eso sí
(se queja).
112|p.a.u.s.a. >>||<< 01
entrevista | ezequiel acuña
Ezequiel termina recomendando
la música incidental que Yo La Tengo le
hizo a Old Joy. “Funciona muy bien como
mezcla paisajes tipo Valdivia con la mú-
sica de ellos, y les sale buenísimo”, con-
cluye Acuña. Su segunda película, Como
un Avión Estrellado, está para descarga
gratis en Cinepata.
Más áspero que melancólico, el
director ha declarado a la prensa de su
país que la melancolía no le gusta desde
el momento en que asoció a Chris Martin
de Coldplay cantando con una guitarra en
la playa. También, Ezequiel Acuña ha ma-
nifestado que no le molesta la juventud
de sus personajes. Le cuesta trabajar con
actores de más edad, y encuentra algo
fascinante en el estado de la adolescen-
cia.
p.a.u.s.a. >>||<< 01 |113
p.a.u.s.a.>>||<< festival internacional de cine de valdivia
nicanor parra | retrato de un antipoeta
114|p.a.u.s.a. >>||<< 01
Retrato de un antipoeta es un
documental que muestra muy bien la
personalidad del físico, artista y escritor
Nicanor Parra. Expuesto en todas sus fa-
cetas, tanto la pública como la privada, la
película funciona como un fiel reflejo de
uno de los personajes más interesantes
de las letras chilenas y latinoamericanas.
Entre los múltiples aspectos del
poeta, en la cinta de Victor Jiménez, des-
tacan el particular sentido del humor de
Parra, su afición por Shakespeare y sus
encendidos discursos. También, su rela-
ción con sus hijos, Barraco y Colombina,
y su nieto, en la intimidad de sus casas de
La Reina y Las Cruces.
Resulta esencial descubrir su
influencia en los poetas beatnicks, una
de las vanguardias literarias más impor-
tantes del siglo XX. Su editor en Estados
Unidos era quien poseía la librería que
frecuentaban escritores como Allen Gins-
berg y Jack Kerouac, y la antipoesía de
Nicanor les era familiar. Ello según la in-
vestigación del cineasta Jiménez, quien
obtuvo estos datos de una profesora de
literatura en Cambridge.
El mismo Parra alojó a Ginsberg
tras conocerlo en la visita que hizo a Chi-
le con motivo del encuentro de poetas
americanos organizado por Gonzalo Rojas
en la universidad de Concepción en los
sesenta.
nicanor parra | retrato de un antipoeta
Su influencia iría aún más allá, al
haber sido publicado en Inglaterra, siendo
conocido entre los poetas de Liverpool,
de cuyo círculo emergieron The Beatles.
Otro punto relevante del docu-
mental son los artefactos que diseña el
autor, como una suerte de antiarte, los
cuales fueron expuestos en España y lue-
go en Chile, en aquella polémica expo-
sición debajo del Palacio de La Moneda.
En ella, a la entrada había un círculo que
acogía al público con ‘las botellas vacías
del autor’, con envases de vino y licores.
Aunque, lo más notorio fue su
obra ‘El pago de Chile’ en la que aparecen
colgados todos los presidentes chilenos,
incluído Augusto Pinochet.
Retrato de un antipoeta ahonda
en detalles como la relación de Nicanor
con las mujeres, o con su hermana Vio-
leta. También, su profunda vocación eco-
lógica y su relación ambigua con los pre-
mios literarios.
Victor Jiménez logra perfilar al
personaje tras diez años de rodaje inter-
mitente y una buena cantidad de invalua-
ble material de archivo. Parte de ello es
curioso, como el discurso que pronunció
en 1998 en la feria del libro de Santiago,
a poco de saberse la detención de Pino-
chet en Londres.
p.a.u.s.a. >>||<< 01 |115
.a.s.u.a.p p.a.u.s.a.
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detcidda addicted
p.a.u.s.a.>>||<< d i s c o s

Christina Rosenvinge:
Tu labio superior
(Warner Brothers)
La rubia danesa-española está de vuelta con su primer disco
en castellano en más de diez años. Tras dejar su exitosa banda
Christina y Los Subterráneos, Rosenvinge se mudó a Nueva York
para convertirse en una artista de culto en inglés.

Gracias a su talento y con la ayuda de Sonic Youth

–los ‘padres del rock independiente’- Christina encandiló
a la cosmopolita ciudad, hasta que decidió volver a Madrid
para criar los hijos que tuvo con su ex –marido,
el escritor Ray Loriga.

Tu labio superior es un disco sensual y provocador,

que describe la vuelta a la vida de soltera de la cantante.
Warner sacó su disco en Chile, a la espera de su regreso
a los escenarios latinoamericanos.

foto: warner p.a.u.s.a. >>||<<

p.a.u.s.a.>>||<< d i s c o s

The Beatles:(Álbum Blanco)

Stereo Remaster 2009 (EMI)
Emi acaba de relanzar la discografía de los Beatles,
cuyas ediciones no veían mejoras de audio
desde su traspaso al CD en 1987.

Con una nueva masterización digital, la música

de los Fab Four adquiere una nueva fuerza
y resaltan el brillo de la batería de Ringo Starr,
la intensidad del bajo de Paul McCartney
y la electricidad de las guitarras
de John Lennon y George Harrison.

Los temas de los británicos recuperan la calidez de los longplay

en vinilo, formato para el cual fueron hechos.
Disponible en una caja de lujo con todos los discos,
o por separado, destaca en esta saga el álbum blanco doble
de 1968, llamado, simplemente, The Beatles.

Un disco vanguardista en cuanto a la experimentación

en el estudio de estilos y sonoridades, esta pieza icónica
posee clásicos ineludibles como Helter Skelter, Revolution
y Happiness is a warm gun, además de hermosas canciones
como Dear prudence, Long long long y Blackbird.

Más que nostalgia, ésta es la ocasión perfecta para

redescubrir en matices insospechados una de las piezas
claves del rock and roll y de la cultura pop contemporánea,
como lo es el álbum blanco de The Beatles.

foto: emi p.a.u.s.a. >>||<<

p.a.u.s.a.>>||<< l i b r o s

Ray Loriga:
Ya sólo habla de amor
(Alfaguara)
En una época turbulenta de su vida, tras la separación de su matrimonio
con Christina Rosenvinge, el chico prodigio de la narrativa española actual
arremete con una novela que retrata el mundo interior de un personaje
que está a dos metros del posible amor de su vida
en una reunión social en la embajada suiza.

El hombre se debate entre recuerdos de su vida afectiva,

consideraciones prácticas y matices de idealismo,
y la novela dura el tiempo de esta fiesta.

Ray Loriga crea un universo rico en sentimientos y anécdotas,

las cuales se pueblan de las mujeres que colman la vida de Sebastián,
el personaje de Ya sólo habla de amor.

Este libro es una reflexión en torno al mundo de las relaciones,

ahondando en todos sus aspectos,
desde los conflictivos hasta los gratificantes y curiosos.

foto: alfaguara p.a.u.s.a. >>||<<

p.a.u.s.a.>>||<< en vivo
Presentes en Chile el tiempo de una
gira primaveral, los franceses de Holden finalizan
una suma de diez fechas initerrumpidas entre
Santiago y regiones. La despedida es en el Centro
Cultural Amanda, tras una noche encendida
en El Clan. El ahora trío expone su último disco,
Fantomatisme, en formatos inusuales.
Armelle Pioline toca el bombo de manera
sincopada, un poco como Moe Tucker de The Velvet
Underground, mientras Holden ejecuta un tema de
rock encendido de una energía primigenia.
Cristóbal Carvajal envía secuencias en vivo
desde sus máquinas electrónicas, al tiempo que
toca el bajo, mientras que Mocke toca su
guitarra con inspiración.
Por momentos, la banda genera una catarsis
auditiva, al terminar uno de sus temas con
trozos incidentales de un ruido cálido y atmosférico.
Algo antes visto sólo en experimentos como los
de Broadcast y My bloody valentine, dos de los
referentes avantgarde de los franceses.
‘Antes trabajábamos mucho en torno a loops,
construyendo sobre una base que se repetía’, indica
Armelle. ‘Ahora, hicimos Fantomatisme de
una manera mucho más clásica y desnuda. Muchas
veces a partir de voces a capella, como cuando
cantas una canción de cuna’, precisa la vocalista.
Pioline alterna la guitarra con percusiones
y melódica sobre las tablas del Amanda.
Fantomatisme es el primer disco hecho tras
la abrupta salida del baterista Pierre-Jean Grappin
debido a sus constantes problemas personales.
‘Él ya no estaba en condiciones de tocar,
ni de jugar, ni siquiera consigo mismo’,
confía Armelle.
>>||<< h o l d e n
Del pop con tintes de jazz, electrónica e indie
de sus primeros discos, Holden pasó a una forma
mucho más despojada, con un
minimalismo paradojalmente muy difícil
de construir. ‘Tuve que volver a trabajar el
canto, y, técnicamente, es lo más complejo
que hayamos hecho’, explica Pioline.
foto: gentileza holden
>>||<< h o l d e n
Todas las canciones quedan reducidas
a su más mínima estructura y, a pesar de lo
arriesgado que significa hacer una gira sin
baterista, Holdensuena mucho más innovador
y sólido que nunca. El trío lo entrega todo
arriba del escenario, divierte y convence a su
público.
En Francia están tocando a dúo, sólo
Armelle y Mocke, ya que Cristóbal, el bajista
chileno, se mudó de París a Santiago hace un
par de años. Esta misma fórmula la repiten con
motivo de una mini-gira por Brooklyn y Nueva
York, que efectúan a fines de 2009. ‘Fuimos y
estuvo formidable’, escribe Armelle por correo,
ya en casa.
La simplicidad es la clave para
Fantomatisme. ‘Esto es como un espejismo,
algo difuso, que parece haber estado ahí pero
que captas muy de reojo’, indica Mocke. Menos
pop que sus discos anteriores, este álbum gana
en madurez. La canción de autor es claramente
un referente para ellos. ‘A mí me encanta Violeta
Parra’, cuenta Armelle. La vocalista la descubrió
años atrás de la mano de sus padres, jóvenes
en los años sesenta.
‘Ahora, también, estoy haciendo eventos
en mi departamento, shows en solitario para
cincuenta personas en los que cocino entremeses
para los asistentes’, detalla la cantante.
Ello, un par de veces al mes, para seguir
explotando su pasión por la música durante
las pausas de Holden.
La banda, con los años, ha sabido definir
su propio circuito dentro del underground parisino,
y ha ganado en estima y críticas con Fantomatisme.
Con un nuevo sonido, Holden mira el futuro con los
ojos de la experiencia. Si bien el rock and roll
de sus primeros éxitos, como La Machine, unidos
al easy listening, sigue presente en sus shows y
espíritu, lo nuevo apunta al grano y en profundidad.
Desde ya, los franceses se despiden, pero
con la promesa de un pronto regreso a Chile.
p.a.u.s.a. >>||<<
p.a.u.s.a.>>||<< descarga >>||<< shogún: el brujo

Shogún:
El Brujo (Luna)
Cinco años demoró Cristián Heyne en hacer un
nuevo disco de Shogún, tras La Rata.
Cinco años en que se lo cuestionó todo y abandonó
sus sonido habitual de guitarras con efectos
y una máquina de ritmos.

Lo nuevo, El Brujo, un mini lp de poco más de media

hora, es el reflejo de esta búsqueda incesante.
Una guitarra acústica e introspectiva
es la base para nuevas melodías como Las Palabras.
Ruinas se interna en juegos de voces inquietantes.
Ésta posee un clip a cargo de Alberto Fuguet,
disponible en la web.

El brujo es uno de los trabajos más emotivos de Heyne, quien empezó

Shogún hace quince años. Más conocido por ser el productor
de actos tan disímiles como Supernova, Javiera Mena y, ahora,
Dënver y Gepe, Cristián muestra una nueva faceta en uno
de sus mejores discos a la fecha. La pulcritud y emotividad
son dos conceptos claves en su torturado nuevo álbum.

Descarga gratis en: http://www.cristianheyne.com

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foto: gentileza shogún

>>||<< shogún: el brujo p.a.u.s.a. >>||<<
p.a.u.s.a.>>||<< gestión
‘Hölderlin y Rilke’, contesta Pablo Mackenna
respecto a sus poetas favoritos. Este conductor
de televisión de 40 años se ocupa desde abril
de 2009 del Centro Cultural Amanda, ubicado en
los Cobres de Vitacura.
Las ex-salas del Multicine
dieron vida a un proyecto único en el área,
poblada de pubs de dudoso gusto.
Amanda ofrece teatro,
gastronomía, talleres de canto y actuación,
además de una buena selección de música en vivo.
Mackenna fundó este complejo, de dos salas
(una principal para conciertos y fiestas, y otra
para teatro, talleres y proyecciones)
junto a otros 4 socios.
El equipo fundador de Amanda lo conforman, ade-
más, la publicista Magdalena Leighton, el ingeniero
comercial Eduardo Córdova, el ingeniero industrial
Peter Pollak y la gastrónoma Javiera Silva.
‘No sólo tenemos fiestas’,
dice Pablo frente al aspecto más conocido
del local. ‘Amaya Forch dicta talleres de canto
para niños y adolescentes, mientras que
Julio Jung se encarga de los de teatro’,
prosigue Mackenna.
pablo mackenna>>||<<amanda
foto: amanda
pablo mackenna>>||<<amanda
‘Además, poseemos una muy buena carta a
precios accesibles para lo que son los platos’,
explica el conductor,
mientras señala un bocado de avestruz
agridulce que en otro restaurante del sector
costaría seguramente el doble.
Pablo se ve feliz con Amanda.
Es un proyecto que él y el equipo
siempre habían querido realizar.
Su pasión por las letras (es columnista
y escritor) la extrapola
a todas las otras disciplinas artísticas.
Como si la experiencia sensible
quisiera expandirla lo más posible
a todas las áreas de la percepción,
ya sea el gusto, la visión o el oído.
Mackenna contesta que no es periodista,
aunque se le nota orgulloso del diario del
Amanda, que condensa la cartelera,
datos de tendencias, la carta y una editorial.
Sus estudios son de filosofía, y los cursó en
Alemania. Prefiere poetas germanos
y nórdicos a los franceses, y, a pesar de su
aura bohemia, Baudelaire y Rimbaud
nunca le llamaron la atención.
p.a.u.s.a.>>||<< gestión
En Amanda, la producción de eventos
le corresponde a la publicista y
disc jockey Fernanda Arrau.
Ella toca en el circuito, a veces junto a Pía
Sotomayor (productora de Constitución)
bajo el alias de dj amigas.
Grupos como Holden,Astro y CHC, o solistas
como la francesa Coralie Clément, se han
presentado con éxito en Los Cobres,
y las fiestas del lugar ya son parte del
circuito nocturno santiaguino.
Por ello, Amanda es una experiencia que se
presenta desde ya como sofisticada y
completa. Un visitante puede ver una obra
(como las de Teatro a mil, festival al que el local
adhiere), luego cenar, para finalmente ver una
banda en vivo y terminar bailando hasta tarde,
si está de ánimo.
‘Tenemos un área para la familia, también,
que son los talleres, y el teatro infantil de
los sábados en la mañana’, replica Mackenna.
Èl es padre de una niña, y busca que el
fenómeno cultural sea una vivencia para
todas las edades.
amaya forch dirige los talleres de canto en amanda
foto: amanda
pablo mackenna>>||<<amanda
Una de sus mayores alegrías
es grabar a su hija con una mini cámara
que graba en HD (High definition), su
último juguete.
El Centro Cultural Amanda funciona como
un punto magnético para quienes busquen
algo más que el simple consumo en Vitacura.
Su oferta supera con creces la de los centros
nocturnos de la comuna y ha sido bien recibida
por el público.
Para este año, Amanda busca seguir
proyectándose, aumentando la oferta de
talleres y obras, además de potenciar otras
disciplinas como el cine, o el diseño
(realizan la feria Mandarina algunos fines
de semana).
Con una buena infraestructura
y auspicios de marcas de ropa, alcoholes y
telefonía, la idea de sus fundadores es disfrutar
de la cultura en las mejores condiciones.
>>||<< p.a.u.s.a.
p.a.u.s.a. >>||<<
p.a.u.s.a. >>||<<

soon| pronto| bientôt