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“En el transcurso de los siglos la técnica

del grabado ha cumplido una función


fundamental en la difusión de la cultura.
Fascinó y “embrujó” a numerosos artistas,
que, lamentablemente, no siempre han
sido reconocidos en su justa medida”.

EL GRABADO
XILOGRAFÍA Y CALCOGRAFÍA

Susana García Expósito - 1ºGP - HSD


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ÍNDICE

Página

Introducción general al grabado 5


La técnica del grabado 5
Definición de grabado 6
Inscripciones más habituales en los grabados antiguos 6
Técnicas de realización 7
Un poco de historia 7
1. El grabado: xilografía y calcografía 9
El Grabado 9
La Xilografía 9
Técnica 9
Pietro Schoffen 10
Ars moriendi 11
Hugo de Carpi 11
Xilografía en colores 12
Xilografía japonesa en colores 12
Utamaro, Kitagawa 12
La Calcografía 13

Técnica 13
Proceso 13

La estampación 14

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ÍNDICE

Página

Origen y primeras manifestaciones 15


Italia: Tommaso Finiguerra 15
Alemania 15
Martín Schongauer 15
Israhel van Meckenem 17
2.El grabado del siglo XVI 18
Breve introducción 18
Alberto Durero 19
Webgrafía 27

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INTRODUCCIÓN GENERAL AL GRABADO

LA TÉCNICA DEL GRABADO

En el transcurso de los siglos la técnica del grabado ha cumplido una función fundamental en la
difusión de la cultura. Fascinó y “embrujó” a numerosos artistas, que lamentablemente no
siempre han sido reconocidos en su justa medida. En la época del Renacimiento, en torno a
1455, se inventa la imprenta para difundir textos, empleándose el grabado como recurso
artístico para ilustrar y reproducir aquellos conceptos o ideas imposibles de explicar a través
de la palabra escrita.

Pero la ilustración es algo más que el ornato del libro, ya que ofrece un comentario gráfico de
su contenido, muestra un reflejo de la sociedad en la que apareció el libro y, en algunos casos,
puede constituir el principal motivo de interés de una publicación.

El grabado es una técnica artística que, a pesar de su trascendencia como auténtico difusor de
conocimiento y reflejo de la mentalidad de las distintas épocas, no ha recibido todo el
reconocimiento que merece, entre los distintos tipos de ilustraciones.

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DEFINICIÓN DE GRABADO

El término “grabar”, atendiendo a su etimología, nos remite la palabra griega graphein, que
viene a significar algo así como escribir y dibujar. En latín la expresión cavare alude a las
acciones de cavar, abrir o ahondar. De todo ello se infiere que hacer un grabado es conseguir
realizar una imagen incidiendo sobre una superficie. Se suele emplear también términos como
atacar, morder o incidir sobre una matriz.

Grabar es, por tanto, crear una imagen a través de incisiones mediante la utilización de
diversas herramientas, medios mecánicos o químicos, que posteriormente puede ser utilizada
para una reproducción múltiple de lo representado. Por medio de un traspaso de la matriz a
un papel, mediante tinta y una prensa, se obtiene la estampa. Se ha de comprender la enorme
dificultad que supone para el artista crear una imagen “en negativo” sobre soportes difíciles
de incidir o modificar, para finalmente y después de aplicar sobre ellos las determinadas tintas
y mediante sistemas de prensa obtener una imagen “positiva”.

INSCRIPCIONES MÁS HABITUALES EN LOS GRABADOS ANTIGUOS

En el último cuarto del siglo XV, los artistas grabadores comienzan a abandonar su anonimato
incluyendo sus iniciales en sus producciones. Con posterioridad introducen una mezcla de
iniciales y símbolos, que llegarían a constituir monogramas. Otros grabadores utilizaban
anagramas, hasta que poco a poco pasaron a firmar con el nombre completo, lo que se
denomina firmar in extenso. Pero algunos autores no firmaban sus obras, o su nombre
quedaba al revés al positivar la imagen.

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TÉCNICAS DE REALIZACIÓN

El grabado en relieve se denomina xilografía, que se realiza con una base o matriz de madera.
Sobre ella se realizan grabados o incisiones, se aplica tinta y luego mediante una prensa queda
impreso en un papel. Así se consigue una imagen, es decir, una estampa. Aunque está en la
técnica general, existen otras variedades: la xilografía a fibra, la contrafibra, linograbado y
camafeo.

El grabado en hueco se denomina calcografía. En este caso, sobre una plancha metálica, en sus
orígenes de cobre, se incide formando un dibujo al que se le aplica tinta y con la prensa queda
fijada en un papel la imagen. Tiene muchas variedades: buril, punta seca, manera negra,
aguafuerte, aguatinta, barniz blando, gofrado, grabado a la sal, al azufre, carbonorum, al lápiz
grueso, aguadas a pincel.

La técnica en plano se denomina litografía, y se basa en aplicar productos grasos sobre un


soporte de piedra porosa a la que se aplica una solución acuosa y finalmente tinta. También es
relevante la técnica de tamiz, denominada serigrafía, ya que es el método más empleado para
la impresión de carteles.

UN POCO DE HISTORIA

Desde el Paleolítico se decoraban huesos grabándolos utilizando sílex. En el Neolítico la


cerámica se decoraba utilizando impresiones dactilares o aplicando valvas de moluscos. El
primer precedente moderno se encuentra en las civilizaciones del Oriente próximo, los
denominados “cilindros-sellos”, que se imprimían en soportes de barro. De manera simultánea
en Creta y en Egipto se desarrollan sellos de impacto, con un procedimiento similar a los sellos
mesopotámicos, pero con una única imagen.

En China se desarrolla una variante de estas técnicas de impresión influenciada por tres
elementos de la citada cultura: empleo de tinta, existencia de papel y necesidad de difusión de
textos budistas.

7
Hacia el siglo XI d.C. se utiliza una técnica de grabado en madera que utiliza los principios
esenciales del grabado occidental posterior. A partir del siglo XVI se dan a conocer las
estampas japonesas.

El desarrollo del grabado occidental está vinculado a la


invención de la imprenta, por parte de Gutemberg, quien
conocía las técnicas del grabado sobre madera (xilografía), y
el mundo del libro impreso. Posteriormente, tanto en los
Países Bajos como en Alemania se populariza la xilografía,
que convivió en perfecta armonía con la pintura.

Los primeros grabados sobre metal y en madera aparecen en el siglo XV. Durante el siglo XVII,
se mejora la técnica del grabado calcográfico en detrimento del xilográfico. El grabado sobre
cobre permitía un trazo curvilíneo, ligero y muy parecido al dibujo además de ser más fácil de
ejecutar, convirtiéndose en la técnica preferida por dibujantes y pintores de época.

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1. EL GRABADO: XILOGRAFÍA (ORIGEN, USO EN HOJAS DEVOCIONALES, EN TEMÁTICA PROFANA (NAIPES,

CALENDARIOS); LA CALCOGRAFÍA (MARTÍN SCHONGAUER, ISRAHEL VAN MEKENEM) Y TOMASSO


FINIGUERRA.

EL GRABADO

El papel fue inventado en China en el S.II d.C. En Europa, a finales del gótico, los árabes
introducen el papel de trapo hecho a partir de lino, cáñamo o algodón. Del procedimiento para
elaborar este papel surge el nacimiento de la xilografía.

El papel y el pergamino coexisten y rivalizan, y es en este momento cuando aparece la


xilografía –posterior a esto Gutemberg inventa la prensa.

El Grabado sobre madera, cuando surge, se utiliza como un medio de comunicación, no como
un arte, siendo difundido por parte de la Iglesia y del Estado.

LA XILOGRAFÍA

Tipos de xilografía: al hilo, al contra hilo, a testa, coloreada y al claroscuro, también llamado
camafeo.

Primeras manifestaciones: hojas sueltas con imágenes devocionales, libros religiosos, naipes
(los juegos de azar estaban prohibidos, por lo que las cartas se realizan en imprentas
clandestinas) y blasones.

TÉCNICA

La imagen se obtiene presionando, primero a mano y, con posterioridad, a máquina, sobre una
superficie matriz que está entintada. La matriz es una plancha de madera dura que se talla en
el sentido de la fibra, al hilo (longitudinalmente) - la madera procede de peral, cerezo… que
son maderas más blandas- y a contra hilo (en horizontal), sobre una plancha bien seca y lijada
sobre la que se copia o se dibuja direct amente.

Los instrumentos que se utilizan son: gubias, para los


espacios anchos, y buril para los trazos finos.

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El dibujo se realiza con un cuchillo de hoja corta muy afilado –punta viva-, se marca el dibujo
para, seguidamente ir rebajando las zonas que van a quedar en blanco. Tras esto se entinta
con un rodillo y se presiona con un papel especial, con cuidado de que no se mueva. También
se puede utilizar una prensa plana.

Cuando se trabaja en sentido perpendicular decimos que el grabado se realiza a contra hilo o
la testa; se utilizaba madera de boj, procedente de Turquía, que es más difícil de trabajar por
ser más dura que la empleada en la técnica «al hilo» y por ello se talla con buril (normalmente
es herramienta para metales). Al usar buriles las líneas son finas y aparecen en la estampa
resultante como un dibujo de líneas blancas. Esto resulta opuesto al dibujo de líneas negras de
la xilografía al hilo y con ello pueden conseguirse grabados pictóricos en la xilografía. Otra
ventaja es que no hay límite de tamaño: en la técnica «al hilo» el límite es el ancho del tronco,
en la técnica «a la testa», se pueden unir varias tablas.

Otro rasgo importante es que se convirtió en el medio más utilizado para la ilustración de
libros.

A finales del gótico, 1457, Pietro Schoffen comenzó a utilizar un sistema de grabado en color,
consistente en encajar en una plancha, tallada y entintada, una segunda plancha más
pequeña, como si fuera un puzzle. Todavía, en este momento, no se conseguían dibujos con
volumen.

Pietro realizaba grabados individuales, y comienza a trabajar grabados en libros y después en


periódicos. Su sistema permitía escribir textos e imágenes simultáneamente.

Con la expansión de este tipo de grabado se produce un cambio en el sistema de trabajo,


donde se pasa del grabador que realiza todo el proceso solo, al artista que realiza el dibujo y lo
manda al taller para que el oficial grabador lo realice, de tal modo que es este quien decide
cosas como, por ejemplo, el color, participando con ello en el proceso creativo.

Las primeras manifestaciones de la xilografía fueron biblias con poco texto (biblias para
pobres) y estampas devocionales.

También se produjeron iniciativas privadas como, por ejemplo, la creación de naipes (barajas
de cartas); España destacó especialmente en esta producción, pues tenía una fuerte industria
clandestina – se daba la paradoja de que era el país donde más prohibidas estaban los juegos
de cartas. Estos juegos eran practicados por pobres y ricos.

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ARS MORIENDI

La xilografía acaba realizando libros de bloque, que se difundían por toda Europa. Los “Ars
moriendi” eran libros personalizados en los que se daban consejos para el “buen morir”; en
aquella época la peste era una enfermedad muy extendida que rebrotaba cada cierto tiempo,
por lo que resultaba interesante la idea de establecer recomendaciones para enfrentarse
adecuadamente al trance de la muerte.

Estos libros intentaban ayudar a las personas a enfrentarse al trance de la muerte, pero el
propósito real no era otro que mostrarle al interfecto lo que debía de hacer con sus bienes
antes de pasar a “mejor vida”; ni más ni menos que legar sus bienes terrenales a los curas.

Los “Ars moriendi” aparecen en Alemania, y tienen


grabados juntos, en un pliego, textos e imágenes.
Estos libros suelen tener entre 20 y 50 páginas y,
algunos se coloreaban a mano con capas de
acuarela, o se espolvoreaban con oropel –imitaba al
oro- (pequeñas partículas de oropel mezclado con
goma). Esto servía para aportar rugosidad y volumen
a los grabados.

Las hojas eran trabajadas solo por una cara, pues se


creaban hendiduras por el proceso de grabado, por
lo que se les pegaba una hoja en blanco por detrás
que luego era pegada a su vez a otra hoja trabajada
del mismo modo, para conseguir que las hojas del
libro tuviera continuidad y quedaran como una
página a dos caras, sin hojas intermedias en blanco;
por este motivo se les llama libros de “bloque”.

El trabajo xilográfico en los monasterios era realizado en equipo; los gremios distribuían esta
labor de diferente manera: el diseñador tenía una categoría especial, era el “dibujante”,
mientras que el gremio de los carpinteros aportaba al grabador que era quien se ocupaba de la
realizar el grabado.

A principios del S.XVI se perfecciona la xilografía, y se consiguen nuevos efectos: claroscuro o


efecto camafeo, que permitía obtener contornos y sombreado, en negros y sepias.

Hugo de Carpi patenta y mejora este efecto utilizando tres maderas en lugar de dos, como se
venía haciendo (1516). Esto también beneficia a los pintores del barroco, que aprovechan
estos conocimientos para realizar sus pinturas.

El sistema consiste en dibujar en una primera plancha los trazos negros y las sombras, y los
colores en las otras.

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XILOGRAFÍA EN COLORES

Al principio las xilografías se coloreaban a mano por exigencias de la


clientela, el gusto por el color hizo que se investigase el modo de
insertar los colores en el proceso de impresión.

En 1457 Pietro Schoffen –como ya dijimos antes- utilizó un sencillo


sistema, introdujo en una plancha tallada y entintada con un color
otra plancha más pequeña entintada con otro color y luego grabó
todo conjunto.

Una de las características del sistema es que las tintas se mantenían planas haciendo imposible
conseguir efectos luminosos o de volumen.

A principios del siglo XVI se inventó otro sistema en el que se usaban varias matrices de
madera talladas por separado y grabadas una tras otra en la misma hoja. Las planchas deben
corresponder entre sí perfectamente. Este sistema permite obtener efectos semejantes a los
del dibujo a pluma (camaieü), así llamado por recordar los camafeos, fue usado durante breve
tiempo y sobre todo por artistas alemanes. La acuarela (claroscuro) se utilizó sobre todo en
Italia hasta el siglo XVIII, y el procedimiento lo describe Vasari en las Vitae.

XILOGRAFÍA JAPONESA EN COLORES

Sigue básicamente el sistema descrito, está basada en el uso de diversas tintas para conseguir
efectos similares a los de la acuarela.

Se inicia en Japón entre los finales del siglo XVI y los comienzos del XVII y se fue
perfeccionando poco a poco hasta emplear diez o más planchas. Los dibujos se realizaban con
el máximo cuidado en hojas de papel cebolla y estos se pegaban a las planchas de madera, una
vez marcados los dibujos en las planchas, se tallaban por grabadores habilísimos y tras ello, las
matrices se entintaban con colores al agua.

Finalmente, se iba imprimiendo cada matriz en la misma hoja.

Utamaro, Kitagawa (S.XVIII)

Este grabador llega a utilizar diez planchas. Utiliza papel de arroz y de


cebolla para sus grabados. Emplea colores al agua. No utilizaba el tórculo
sino el círculo llamado baren, que funciona por la presión de su peso. Sus
grabados consiguen un efecto similar a las acuarelas.

Ésta técnica es llevada a Europa por Thomas Bewick (1775),


concretamente a Alemania y Francia –países avanzados. No todos sus
grabados son religiosos.

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LA CALCOGRAFÍA

La palabra calcografía proviene del término griego “xalkós” -que significa cobre o bronce- y del
término “grafos” -grabado-. Es por ello que, cuando hablamos de una calcografía o de un
grabado calcográfico por extensión, nos referimos a un grabado realizado sobre una plancha
de metal. El proceso calcográfico consiste en grabar la plancha de forma que nada más se
vacían aquellas partes que corresponden al dibujo.

TÉCNICA

 El trabajo se realiza sobre una plancha metálica, con un buril para marcar el dibujo, y
conseguir una línea rehundida.

 Lo que pasa a la calcografía final son las zonas rehundidas, a diferencia de la xilografía.

 Se eliminan las rebabas (sobrantes).

 Se entinta.

 Se elimina el exceso de tinta y se estampa.

PROCESO

Cuando se “imprime”, la tinta se deposita en las partes hundidas de la superficie que son las
que quedan estampadas en la hoja de papel en el momento de ejercer la presión. Por ello se
dice que la calcografía es un sistema de grabado al vacío.

Las calcografías llevan la firma del artista que las elabora, a diferencia de las pinturas, en las
que no aparece el nombre de su autor hasta el gótico.

Las composiciones que se van a estampar representan escenas religiosas y también de la vida
cotidiana.

Las planchas pueden ser de diversos materiales, acero, cobre, zinc, etc. - el cobre, a pesar ser
el más caro, es el más adecuado, pues al ser más duro a la hora de incidir sobre la plancha
permite hacer las líneas más delgadas y, por tanto, dibujos más esmerados.

Por otra parte, a la hora de imprimir su dureza hace que resista mejor la presión de la prensa y,
por tanto, que sean posibles hacer tirajes más elevados.

Una vez la imagen está dibujada sobre el metal, se comienza a grabar, vaciando todo lo que se
vaya a estampar, es decir, el dibujo propiamente dicho.

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Los buriles pueden tener perfiles de formas diferentes, cada uno de los cuáles permitirá
obtener un tipo de línea diferente. Cuanto más profundos sean los surcos más oscuros
aparecerán en la impresión.

Para obtener un grabado a buril de calidad es necesario un gran dominio de la técnica.


Normalmente el artista que hace el dibujo y el grabador no son la misma persona.

LA ESTAMPACIÓN

Antes de imprimir la plancha es preciso entintarla. El proceso consiste en rellenar de tinta


todas las incisiones de la superficie, generalmente se realiza con un rodillo. Después se ha de
extraer la tinta que ha quedado en la superficie de la plancha.

Para ejercer la presión necesaria para imprimir un grabado calcográfico se utiliza una prensa
llamada tórculo; la plancha se coloca en la superficie horizontal de la prensa y, sobre ésta se
coloca la hoja de papel donde se estampará la imagen.

Partiendo de la misma plancha calcográfica, y tan sólo repitiendo el proceso de entintado y de


impresión, se obtiene una cantidad muy elevada de estampas idénticas.

Las copias se numeran. La numeración sirve para conocer la amplitud del tiraje y el orden de
impresión. Por tanto, cuando en una estampa aparece escrito, por ejemplo, 1/75, quiere decir
que de una edición de 75 ejemplares, esta copia es la número 1.

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ORIGEN Y PRIMERAS MANIFESTACIONES

ITALIA

TOMMASO FINIGUERRA

La xilografía apareció en 1400, y no será hasta mediados


del S.XV (1452) que, TOMMASO FINIGUERRA –platero italiano
(orfebre)- inventa la calcografía, aplicando papel sobre una
placas niquelada. Poco tiempo después, Gutemberg,
incorporó a la letra impresa el arte del grabado.

Este artista trabajaba para Cosme de Médici, y se le ocurrió


aplicar papel sobre una de sus placas niqueladas –el niel es
una mezcla de cobre, plomo y azufre; lo hizo para poder
mostrar a otros artistas y posibles compradores sus obras,
entintando las piezas y plasmándolas sobre un papel. De
este modo, y aunque hubiera vendido la obra, podía
enseñar sus trabajos a personas que pudieran estar
interesadas en los mismos.

Cuando se hizo conocido pasó de trabajar sobre las placas


niqueladas a hacerlo sobre otras de cobre.

ALEMANIA

Aquí destacaron MARTIN SCHONGAUER (1448-1491) e ISRAHEL VAN MEKENEM.

MARTIN SCHONGAUER (1448 - 1491)

Fue el grabador más importante de Alemania antes de


Alberto Durero. Su padre era orfebre y empezó con él;
como le gustaban por igual la pintura y el grabado trabajo
en ambas cosas. Perteneció a la fase flamenca del gótico o
prerrenacimiento. Su trabajo está notablemente influido
por tendencias flamencas y borgoñas. Creó delicadas
Vírgenes, como la Virgen del Rosedal, fechada en 1473, y
armoniosas escenas sagradas, La sagrada familia, y fue un
pionero del grabado, lo que lo habilitó para una
importante difusión de su trabajo en toda Europa.

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Sus grabados se vendieron ampliamente, tanto en Alemania como en Italia, Francia e incluso
España. Realizó muchas biblias y estampas devocionales sencillas.

Firmaba con un anagrama:

Schongauer trabajó toda su vida en la ciudad alsaciana de Colmar. Su fama fue la más grande
de su época en Alemania, hasta el punto de que Alberto Durero quiso estudiar en su taller. Sin
embargo, el joven artista llegó en 1492 a Colmar, un año después de la muerte del maestro,
aunque sus hijos le mostraron a Durero las últimas obras de su padre.

El estilo de Schongauer es muy personal; su gran riqueza de tonos y texturas dota de una
calidad pictórica a sus grabados, que lo aleja de las técnicas de orfebrería. Su obra estaba llena
de encanto por lo que sus coetáneos le apodaron "Hübsch Martin", el encantador Martin, y
"Schön Martin", el bello Martin.

La principal obra de la vida de Schongauer fue la producción de un gran número de hermosos


grabados, que se vendieron ampliamente, no sólo en Alemania, sino también en Italia e incluso
en Inglaterra y España. Su estilo no muestra rastro de influencia italiana, sino un gótico muy
claro y organizado.

Sus temas son principalmente religiosos, pero incluyen escenas cómicas de la vida cotidiana tal
como Familia campesina acudiendo al mercado o los Dos aprendices peleando.

Se le atribuyen 116 grabados, y puesto que muchos se conocen por una única impresión,
probablemente hubo otros que se perdieron. Muchas de las ilustraciones de sus alumnos así
como las suyas propias están firmadas, M†S, así como muchas copias probablemente obra de
artistas que no tuvieron relación con él.

Entre los más hermosos grabados de Schongauer está la serie sobre la Pasión y la Muerte y
Coronación de la Virgen, y la serie de las Vírgenes Sabias y Necias. Todos destacan por su
tratamiento semejante a una miniatura, su toque brillante, y su fuerza cromática. Algunos,
como la Muerte de la Virgen y la Adoración de los Magos son composiciones ricas y plenas, con
muchas figuras, tratadas con largueza de estilo a pesar de su diminuta escala.

Estableció el sistema de representar el volumen mediante un rayado (líneas en dos


direcciones) que fue posteriormente desarrollado por Durero, y fue el primer grabador que
curvó las líneas paralelas, probablemente rotando la lámina con un buril fijo (consiguiendo, por
ejemplo, que el tronco de un árbol tuviera un aspecto más ajustado a la realidad). También
desarrolló una técnica de buril que producía líneas más profundas en la lámina, que significó
que más impresiones podían hacerse antes de que el grabado se gastase.

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ISRAHEL VAN MECKENEM (1445-1503)

También fue conocido como Israhel van Meckenem el Joven, fue un alemán grabador y
orfebre. Fue el más prolífico grabador del siglo XV.

Su fecha de nacimiento es sólo una estimación. Su padre llegó a Bocholt, Alemania, cerca de la
frontera con los Países Bajos, en 1457, por lo que su lugar de nacimiento es desconocido.

Meckenem, probablemente aprendió el oficio de orfebre y


grabador con su padre para, posteriormente completar su
formación trabajando con Maestro ES.

Sus trabajos destacaban por estar elaborados con gran lujo


de detalles, siendo esta la principal característica de sus
calcografías. Tenía mucho interés por los animales, lo cual
se refleja en sus obras. Firmaba con su nombre “Israhel
V.M.”.

Su primera impresión está fechada en 1465, e indica el


lugar, Cleves , donde se había trasladado la familia. Regresó
a Bocholt alrededor de 1480, donde permaneció por el
resto de su vida.

Continuó trabajando en la orfebrería. Uno de sus grabados


es un doble retrato de sí mismo y su esposa, Ida, con quien
se casó a finales de los años 1480.

“La muerte de la virgen”

17
2. EL GRABADO DEL SIGLO XVI: LUCAS CRANACH EL VIEJO, ALBERTO DURERO, ANTON VAN DICK (elegir
uno).

BREVE INTRODUCCIÓN

Hoy podemos afirmar que el grabado fue uno de los motores del Renacimiento: la posibilidad
de reproducir la obra con gran calidad permite por primera vez en la historia a los artistas del
momento el poder conocer la obra de los clásicos, sin moverse de su ciudad.

Las técnicas que en origen tenían carácter imitativo poco a poco fueron evolucionando y
tomando valor.

El grabado a partir de planchas de metal se introdujo pocas décadas después que la xilografía,
con grandes resultados.

El más antiguo data de 1446, en Alemania y de allí pasó a Italia y los Países bajos. Quizás el
artista grabador más emblemático sea Alberto Durero (siglo XVI), que influyó por sus viajes en
Italia.

18
ALBERTO DURERO (1471 – 1528)

Alberto Durero es uno de los artistas más


destacados del Renacimiento y representa la
renovación fuera del territorio cultural de Italia.
Su vida corre en paralelo a la de dos personajes
como Leonardo da Vinci y el Bosco.

Mientras Leonardo representa el modelo al que


Durero aspiró durante toda su carrera, con
similares logros e intereses artísticos, El Bosco
representa el modo contrario, influido tan sólo
por el arte de los Países Bajos, también en busca
de la renovación pero sin caminar por las vías de
la Antigüedad o el humanismo. Podremos
encontrar a Durero bajo diferentes nombres:
Albretch Dürer es su nombre en alemán.

Dürer es la derivación de la palabra alemana Tür, que significa "puerta", siendo éste es el
significado del apellido de su padre, Albretch Atjós, de origen húngaro. También podremos
localizar a Durero como Albertus Durerus Noricus. Ésta es la fórmula que el artista utilizó tras
su viaje a Venecia a partir del cual decidió adoptar los modos cultos de los renacentistas
italianos, que sabían latín y griego en su intento de recuperar la cultura grecorromana de la
Antigüedad. Noricus alude a su ciudad de origen, Nüremberg.

Alberto Durero es el nombre que se le dio en la Corte española, donde se castellanizó su difícil
apellido germánico. Por último, el modo más directo que tendremos de encontrar la marca de
Durero será en sus propios cuadros y grabados, donde frecuentemente inscribe su
monograma: una elegante A mayúscula que encierra la D de su apellido. Con las dos iniciales
construye un símbolo estético y característico, que fue reproducido por aquéllos que copiaron
sus obras, con ánimo emulador o falsificador.

Durero firmó todas sus obras, excepto a las que el artista no concedía valor como obras de
arte. Dada la alta estima que tenía de sí mismo, este hecho sirve para dar cuenta de qué era
arte y qué no lo era en su época. Durero no firmó ni anotó, por ejemplo, las acuarelas sobre
paisajes que realizó en su primer viaje a Italia. El paisaje no era válido por sí mismo en el siglo

19
XV, y Durero realizó las acuarelas tan sólo como recuerdo para luego usarlas en los fondos de
sus cuadros. Eran herramientas de trabajo, no trabajos concluidos.

Lo mismo ocurre con algunos dibujos y apuntes, sobre todo


de temprana edad. Según evolucionó su carrera, el éxito y la
fama de Durero cundieron por Europa. En Italia los dibujos
de taller y las pruebas tenían el mismo valor que los cuadros
finalizados. Durero aprendió esto y en su madurez firmó e
inscribió un lema en el primer dibujo que se conserva de su
mano: un prodigioso autorretrato realizado con 13 años, a
punta seca, una técnica de grabado. La obra de Durero se
divide en dos bloques: pintura y obra gráfica (donde se
incluyen grabados de cualquier técnica, xilografías y dibujos).

De su mano quedan 90 pinturas, 130 grabados, varios cientos de xilografías y dibujos, y tres
libros de teoría del arte. Ambas facetas son igual de importantes en su producción. Ser un
artista gráfico en la época era ser un experto en las técnicas más avanzadas del momento, con
las que se revolucionó el mundo de la cultura europea.

Durero nació en 1471. Apenas cincuenta años antes se había descubierto la xilografía. Era un
arte en pañales que prometía infinitas posibilidades en la difusión de teorías e imágenes
artísticas, así como podía adivinarse que pronto establecería un lenguaje propio; Durero fue el
pionero, sobre todo alentado por sus circunstancias familiares. Como ya hemos mencionado,
el padre de Durero, Albrecht el Viejo, era húngaro. Su profesión era la de orfebre, por lo que se
trasladó a Nüremberg, uno de los centros culturales más importantes de Alemania.

Nüremberg era un núcleo de distribución de metales preciosos, gracias a las minas que poseía
en su territorio. Los metales preciosos fueron controlados por la familia Fugger, banqueros de
los reyes de España (donde se les conoce como los Fúcares). Albretch Atjós llegó en el año
1455 y abrió su taller de orfebrería inmediatamente; en 1467, contando cuarenta años, se casó
con la alemana Barbara Holpere, que contaba con quince años. La pareja tuvo dieciocho hijos a
lo largo de veinticuatro años. De todos ellos, en el año 1524 tan sólo habían sobrevivido tres,
todos ellos pintores. La ciudad de Nüremberg tenía rango imperial y estaba gobernada por
cuarenta y dos familias nobles, entre los que se contaban los Pirckheimer, Landauer, Haller,
Benhaim... todos ellos futuros patrocinadores de Durero. La familia Pirckheimer alquilaba
casas cerca de su mansión. En una de estas casas estaba asentada la familia Dürer; Alberto
conoció e intimó con el primogénito de los Pirckheimer, Willibald, que se convirtió en su amigo

20
y mecenas durante el resto de su vida. La familia de Durero se incluía en la clase social de los
"ëhrbar", honorables, por debajo de las cuarenta y dos familias pero por encima del resto de
clases sociales de Nüremberg.

El 21 de abril de 1471 nacía el tercer hijo de los Durero, Alberto, hecho reseñado someramente
por su padre en su diario. El padrino del pequeño fue Antón Koberger. Esto resulta relevante,
puesto que Koberger es el impresor más importante de Nüremberg. Durero pudo aprender la
técnica de la imprenta y el grabado desde su más tierna infancia, puesto que a los doce años
entró en el taller de orfebrería de su padre. Allí pudo aprender el método para grabar metales,
que dio lugar a la calcografía, arte en el que destacó sobre las demás la obra de Martin
Schongauer.

El dominio de los buriles por Durero podemos apreciarlo en su tempranísimo autorretrato, de


1484, un año después de entrar en el taller. La temprana capacidad de Durero para el dibujo
posibilitó que la actitud de su padre se ablandara: como buen artesano y profesional, el Viejo
Albretch deseaba que su hijo aprendiera su oficio y heredara el taller, pero la evidencia se
impuso y en 1486 Alberto entró en el taller del pintor más importante de Nüremberg, Michael
Wolgemut. Este artista trabajaba en el estilo de Rogier van der Weyden y Dirck Bouts, es decir,
de los flamencos. Pudiera ser que la obra con la que se examinó el jovencito Alberto fuera la
pareja de retratos de sus padres, de la que sólo se conserva el del padre. Está realizado al óleo
sobre tabla y era lo mejor que se había pintado en Nüremberg.

Lo más importante para la carrera de Durero durante su estancia en el taller de Wolgemut fue
que allí aprendió la técnica de la xilografía. Wolgemut colaboró con Koberger, impresor, para
realizar libros que combinaban textos e imágenes, separando los trabajos y especializándose
cada uno en su área. Un rasgo que distinguirá a Durero es la integración de texto e imagen,
algo que veremos más adelante en sus obras de madurez.

Alberto estuvo en el taller de Wolgemut hasta el año 1489, cuando decidió que había llegado
el momento de su viaje de fin de estudios. Era una costumbre obligada entre todos los artistas
que podían permitírselo; de este modo el aprendiz conseguía experiencia para defenderse, al
tiempo que en el viaje podía contemplar obras de grandes artistas de otras ciudades y hacer
relaciones importantes para su carrera. El viaje se denominaba "Wander Jahre", que significa
"años itinerantes". El 11 de abril de 1490, en plena primavera, Durero parte de Nüremberg y
realiza su gira hacia los Países Bajos y la región del Rhin.

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A lo largo de dos años visita Nordlingen, Ulm, Colmar, Basilea y Estrasburgo. Conoce a
diferentes maestros como Heslin, Conrad Witz y Baldung Grien. Sin embargo, no consigue
contactar con Martin Schongauer, que había muerto poco tiempo antes de que Durero llegara
a Colmar. Pero sus hijos recibieron al aprendiz y le mostraron la obra de su padre.

Durante 1493 Durero llevaba ya meses establecido en Estrasburgo; allí recibe noticias de sus
padres, que le anuncian su compromiso con una joven adinerada de Nüremberg. La novia se
llama Agnes Frey. Durero se autorretrata por primera vez al óleo. Su efigie es muy hermosa,
como un arrogante joven en la plenitud de su vida, sosteniendo entre los dedos una flor de
cardo que es al tiempo símbolo de Cristo y de la fidelidad masculina. Sin embargo el
matrimonio no fue afortunado. Las desavenencias fueron tempranas, no tuvieron
descendencia y tan sólo dos meses después de la boda Durero se marchó nuevamente de
viaje. Su destino era esta vez Venecia.

Durero conocía las novedades del Renacimiento italiano tan sólo por referencias y grabados de
los grandes artistas. Tras haber completado su aprendizaje teórico con el viaje por Alemania,
en esta oportunidad quiso conocer la renovación veneciana. Partió el 18 de mayo de 1494 y
pasó por el Tirol, el Alto Adigio, Mantua y Padua, donde estudiaba política, leyes y humanismo
su amigo Willibald Pirckheimer.

Al llegar a Venecia Durero conoció la obra de Bellini, Mantegna y los grabados de Pollaiuolo.
La técnica, pero sobre todo las figuras humanas, proporcionadas y desnudas, le impresionaron
mucho. Copió algunas y se inspiró en estatuas clásicas para hacer sus propios experimentos de
perspectiva y proporción, dos temas que nunca dejaron de interesarle y sobre los que
terminará escribiendo un libro al final de su vida. Su viaje duró dos años. Al regreso,
atravesando los hermosos paisajes alpinos, Durero no pudo evitar tomar las citadas acuarelas
de castillos, parajes y amplias panorámicas. En Venecia había dibujado todo tipo de objetos
que le habían llamado la atención: el león de San Marcos, un cangrejo, los extravagantes
atuendos de las damas venecianas... Todos estos apuntes constituyen su mejor diario de viaje
y más tarde los emplearía en sus obras.

También aprendió de los venecianos la técnica del óleo sobre lienzo; este material es más
rápido y fácil de trabajar y resulta mucho más económico que la tabla comúnmente empleada
en Alemania. En 1494 ya estaba de regreso en Nüremberg y su formación podía darse por
terminada, de modo que Alberto abre su propio taller, uno de cuyos alumnos sería Baldung
Grien.

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En este período su actividad experimentó una fertilidad desconocida, tanto en pintura como
especialmente en grabado. Durero trasladó a su obra las novedades aprendidas en Italia, lo
que le puso inmediatamente de moda entre sus conciudadanos y fuera de la ciudad.

Su primer mecenas importante lo conoció en esta época: el poderoso elector de Sajonia,


Federico el Prudente, protector de Lutero, viajó a Nüremberg y le encargó su propio retrato y
un altar, las primeras obras de Durero en lienzo. Los encargos le llegaban, sobre todo retratos:
entre ellos se cuentan los del matrimonio Tucher, el de Oswolt Krel y el bellísimo Autorretrato
como gentilhombre que se encuentra en el Museo del Prado de Madrid. Sin embargo, su obra

más revolucionaria la encontramos en su faceta como grabador y consiste en la serie de


xilografías del Apocalipsis. Realizadas en 1498, resultan el contrapunto de otra gran obra de
este mismo año, la Última Cena que Leonardo da Vinci había pintado para Santa Maria delle
Grazie. El año de realización es crucial: 1500 era la fecha que los milenaristas daban al
cumplimiento del Juicio Final. Se pensaba que llegaría en el año 1000, pero al no cumplirse se
trasladó al 1500. Varios hechos catastróficos alentaban el terror popular: en 1492
(descubrimiento del Nuevo Mundo) había caído un meteorito en Ensisheim. En el año 1495 se
desbordó el Tíber con gran violencia y nacieron dos siameses en la ciudad de Worms. Al año
siguiente, en 1496 nació un cerdo con dos cuerpos. A todo esto se suman continuos brotes de
peste que diezmaban la población, provocaban éxodos masivos y alentaban la promiscuidad
con la muerte.

Durero, profundamente religioso, apreciaba todas estas catástrofes, íntimamente relacionadas


con las convulsiones religiosas, la proliferación de herejías y la predicación de Lutero, que poco
después provocaría el cisma protestante. Las xilografías del Apocalipsis introducen varias
novedades: por primera vez Durero introduce su famoso monograma AD. El artista conjugó
una página de texto con otra de imagen, creando de este modo una narración doble, literaria y
plástica, que se acompañaban y realzaban mutuamente.

El libro del Apocalipsis marcó el cenit de la carrera de Durero. Su obra comenzó a ser imitada
por todos los rincones. En el año 1500, obsesionado por la teoría de la perspectiva y las
proporciones humanas, se puso en contacto con el pintor veneciano Jacopo Barbari para que
le adiestrara en estos temas. El fruto de su trabajo es el impresionante Autorretrato frontal, en
el que se identifica a sí mismo con Cristo.

En 1502 el padre de Durero muere y Alberto se lleva a su madre a vivir con él, hasta su muerte
en 1514. Hasta 1505 realizó brillantes obras que aumentaban su fama, como la Adoración de

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los Magos, plenamente de concepción italianizante, aunque los tipos humanos son fácilmente
identificables en la esfera de la estética alemana.

El año 1505 se reprodujo un virulento rebrote de peste, por lo que Durero marcha por segunda
vez a Venecia. Ya no era el joven pintor que deseaba completar su formación y fue recibido
como un gran artista, con grandes celos y rivalidades por parte de los artistas locales (Alberto
anuncia en sus cartas el temor a ser envenenado), pero con entusiasmo entre los nobles.

Su primer acto en Venecia fue entablar juicio con Marcantonio Raimondi, que copiaba sus
grabados. El tribunal le condenó a reproducir el monograma de Durero y a no copiar a nadie
más, lo que aseguraba la difusión de la fama de Durero de una manera perfecta. Tras este
problema legal, Durero recibió un encargo de la iglesia de San Bartolomé, muy importante
porque representaría su "graduación" pública ante toda Venecia. El cuadro estaba dedicado a
la Virgen del Rosario y tan sólo podemos remitirnos al resultado para confirmar la maestría de
Durero a estas alturas de su carrera. El cuadro impresionó favorablemente al Dux de Venecia.
Una inscripción atestigua el trabajo que el pintor le dedicó, puesto que tardó cinco meses en
terminarlo.

Tras este éxito, la familia de banqueros Fugger le hospedan y tratan con honores de caballero.
Durero se siente halagado y, consciente de la diferente concepción que del artista se tiene en
Italia y en Alemania, escribe a su amigo Willibald: "¡Ay, cuánto echaré de menos el sol! Aquí
soy un caballero, en casa un parásito". El mismo año en que escribe estas palabras, 1506,
marcha a Bolonia y a Florencia. Allí ve obras de su contemporáneo, Leonardo, de quien toma
algunos rasgos. También observa las primeras obras del joven Rafael, que iniciaba su carrera.
De allí pasó a Roma, donde estuvo muy poco tiempo; regresó a Venecia y, a modo de
contestación de su Virgen del Rosario, pintó Jesús entre los doctores. En una inscripción Durero
alardea de haber pintado el cuadro en cinco días (se "olvida" mencionar el largo estudio
preparatorio anterior a la ejecución material del cuadro). En este cuadro Durero muestra su
dominio del color, de la gestualidad, e introduce tipos caricaturescos que había observado en
la obra de Leonardo.

Su consagración en Venecia está completada, puede regresar a Nüremberg. Las obras se


suceden en sus manos. Pinta su Adán y Eva, un tratado práctico de las teorías de la proporción
humana llevadas al extremo de la obra de arte. Alcanza el honor de ser miembro del Gran
Consejo de la ciudad.

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Sus grabados se hacen mejores y más
abundantes: la Gran Pasión, la Vida de María
y la famosísima tríada donde lleva al extremo
de sus posibilidades el lenguaje del grabado:
El Caballero, la Muerte y el Diablo, San
Jerónimo en su estudio y Melancolía.

 Melancolía

Tras este hito, en 1514 el emperador


Maximiliano I se interesa por él y le encarga
los tacos para el Arco de Triunfo y su Libro de
Oraciones, entre otras obras. Como delegado
del Consejo en la Dieta de Augsburgo, Durero
tuvo oportunidad de conocer a los
personajes más importantes del imperio y retratarlos, entre ellos al emperador. En
recompensa por el cuadro, Maximiliano le adjudica una pensión vitalicia de 100 florines
anuales, pensión que sin embargo se vio interrumpida en 1519, debido a la muerte del
emperador. Durero no vaciló en ponerse en camino, siguiendo a la Corte itinerante del nuevo
emperador, Carlos V, para conseguir la renovación. Este último viaje fue triunfal para el pintor.
Le acompañaba por primera vez su mujer: partieron en 1520 y no habrían de regresar a
Nüremberg hasta el año siguiente.

Visitaron Bamberg, Fráncfort, Colonia y Amberes. En todas las ciudades Durero fue recibido
con honores y los gremios de pintores le invitaron a banquetes. Tuvo la oportunidad de
conocer a Quentin Metsys, Jos van Cleve, Joachim Patinir (quien le invita a su boda). En
Malinas conoce a Margarita de Austria, tía de Carlos V, quien le muestra su importante
colección de pintura. En Bruselas es invitado por Van Orley. Le muestran los objetos recién
llegados de América: arte plumario, objetos de oro, plata, esmeraldas... todo ello impresiona
vivamente al pintor.

Durero se encuentra con Erasmo de Rotterdam y le retrata; el humanista también conocía al


artista, de quien decía: "En verdad, consigue representar lo que no puede representarse: rayos
de luz, truenos, relámpagos... todas las sensaciones y emociones: en resumen, el espíritu
humano completo, tal como se refleja en los movimientos del cuerpo, y casi hasta la voz". Por
fin, marcha a Aquisgrán para asistir a la coronación como emperador de Carlos V, el 23 de
octubre de 1520. Sigue a la Corte hasta Colonia, donde al fin se le recibe y renueva la pensión.

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Nuevamente en Amberes, le avisan que una ballena está varada en la costa y
apresuradamente Durero se pone en marcha hasta Zierikzee para poder verla, aunque cuando
quiso llegar el mamífero se había liberado. De resultas del viaje contrajo la malaria, por lo que
desde Amberes regresaron a Nüremberg: no llegó a reponerse completamente. La década de
1520 marca el apogeo de las tensiones religiosas en Alemania. Durero se hizo eco de las
mismas.

Al principio de las predicaciones de Lutero, Durero se mostró entusiasta de la renovación


espiritual. Erasmo era otro de sus puntos de referencia. Sin embargo, las revueltas campesinas
que amenazaban el orden social se recrudecieron hacia 1525, con el refuerzo ideológico de las
enseñanzas luteranas (que terminó por desligarse de las revueltas para condenarlas). El fruto
de las preocupaciones religiosas y sociales de Durero fueron principalmente las dos tablas con
los Cuatro Apóstoles y una impresionante acuarela con un sueño que había tenido el pintor, en
el que se auguraba el fin del mundo.

Paralelamente, Durero había redecorado el Ayuntamiento de Nüremberg por el cambio de


emperador, había publicado sus tres únicos libros, uno sobre geometría, otro sobre
proporciones y otro sobre fortificaciones (igual que Leonardo da Vinci). El 6 de abril de 1528
Durero murió y fue enterrado en el cementerio de San Juan. Su amigo Willibald Pirckheimer
fue el encargado de escribir su epitafio, que reza: "En memoria de Alberto Durero. Todo lo que
en él había de mortal está enterrado bajo este túmulo".

El Caballero, la Muerte y el Diablo (1513) San Jerónimo en su estudio (1514)

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WEBGRAFÍA

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