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I.E.S.

“Francisco de Goya” Departamento de Geografía


Molina de Segura. e Historia.

Tema 13 : La escultura Barroca

Obras a comentar
84- Bernini-Apolo y Dafne
85- Bernini-David
86- Bernini- Éxtasis de Santa Teresa
87- Gregorio Fernández-Cristo yacente
88- Salzillo- Sagrada Familia (Iglesia de
San Miguel de Murcia)
89- Salzillo-San Jerónimo (Museo de la
catedral de Murcia)
90- Salzillo-Oración del Huerto

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1.- La escultura Barroca: características generales


• En la escultura barroca, al igual que en la arquitectura, destaca el
deseo de movimiento.
• El movimiento se dispara hacia el exterior y los miembros de las
figuras y los ropajes se proyectan hacia fuera.
• Los ropajes se hinchan, sus plegados se multiplican, arremolinan y
el escultor atiende más al movimiento del paño mismo que a
subrayar con él las formas de la figura humana.
• A la concepción puramente escultórica del Renacimiento sucede
otra de carácter más pictórico que procura representar más la
apariencia que la realidad misma y, en el deseo de fingir
calidades, contrapone superficies pulidas a otras sólo debastadas.
• Se busca la exaltación de los sentimientos y las expresiones
teatrales. El escultor barroco es muy dado a representar los
arrebatos místicos muy en consonancia con las directrices
contrarreformistas marcadas en Trento.
• La escultura barroca es una escultura efectista y procura con
frecuencia impresionar al espectador, sobre todo en el género
funerario.
2.- La escultura Barroca italiana: Bernini
Es el padre indiscutible de la escultura barroca. Sus principales obras
escultóricas son
1.- El Rapto de Proserpina.
En esta obra, esculpida en 1621/22 para el cardenal Borghese, Bernini
narra el rapto de Proserpina, hija de Ceres, por el dios de los infiernos
Plutón.
El autor rompió por primera vez en esta obra el equilibrio que se
venía dando en las composiciones escultóricas desde el

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Renacimiento, destacando el movimiento ascendente de la
composición así como la sensación de inestabilidad de la misma.
Bernini sitúa en un segundo plano al perro de tres cabezas
Cancerbero, guardián de los infiernos en el que reina Plutón. Sin
embargo, no es éste más que el recurso del escultor para crear una
base que sustente el conjunto principal formado por las dos figuras.
Bernini busca la contraposición entre las formas blandas de la
anatomía femenina y las formas más rotundas y musculadas del
hombre. Así mismo, el autor demuestra su gran habilidad técnica y su
dominio del trabajo del mármol en el tratamiento de las superficies,
logrando crear sobre la dura superficie marmórea la sensación de
blanda carne que se hunde bajo la presión de los dedos de Plutón.
Igualmente, Bernini abandona los relajados rostros renacentistas para
expresar con absoluta libertad los sentimientos de sus personajes.
Así el rostro de brutalidad y lascivia de Plutón contrasta con la
angustia y el terror que siente Proserpina.
Muestra, por tanto, Bernini una sensibilidad muy distinta a la de los
escultores renacentistas. Así, opta por representar la escena no en el
momento previo a que esta se desarrollara, como habría hecho Miguel
Ángel, sino en el momento de mayor tensión y movimiento, movimiento
que se proyecta hacia el exterior frente al movimiento centrípeto
(hacia el interior) característico de la escultura renacentista. Bernini
representa un momento fugaz e instantáneo frente al carácter
atemporal que rodea a las esculturas del Renacimiento.
2.-David
Identificación
Título: David
Autor: Gian Lorenzo Bernini
Cronología: 1623
Estilo: Barroco
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Técnica y materiales: mármol
Dimensiones: 170 cms
Localización: Galería Borghese
Tema: religioso
Análisis
Bernini recurre de nuevo a un tema que venía siendo muy frecuente
desde el Renacimiento (Donatello y Miguel Ángel).
Donatello había recurrido a representar al héroe bíblico justo en la
actitud de triunfo tras vences al gigante y Migue Ángel había preferido
reprersentarlo en el momento previo al combate, sin embargo, Bernini
lo muestra en el acto mismo de arrojar la piedra. Es un imagen de gran
movimiento contenido, en la que hasta los labios apretados transmiten
la concentración y el esfuerzo. Frente a la idealización y la elegante
figura juvenil de Donatello o frente a la mirada agresiva y atenta del de
Miguel Ángel, el de Bernini muestra la tensión hasta en los mínimos
detalles, como los pies contraidos sobre el borde del soporte para
conseguir un mayor agarre. Bernini elige un hombre vulgar, quizá un
pastor, que esgrime la honda arrebatado por la ira. Toda la fuerza está
enfocada hacia fuera, hacia Goliat, que actúa como el complemento
necesario. Es como si la estatua crease un espacio cargado de energía
entre él, David y su enemigo invisible.
3.-Apolo y Dafne.
Identificación
Título: Apolo y Dafne
Autor: Gian Lorenzo Bernini
Cronología: 1625
Estilo: Barroco
Técnica y materiales: mármol
Dimensiones: 243 cms
Localización: Galería Borghese
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Tema: mitológico
Análisis
En este grupo escultórico de 1625, Bernini plasma visualmente la fábula
recogida en la Metamorfosis de Ovidio, que narra el momento en el que
los brazos de la ninfa se transforman en hojas de laurel y su cuerpo en
un árbol de corteza dura, al ser abrazada por Apolo. En él, Bernini
aporta una reflexión sobre las transformaciones de la materia con un
incomparable virtuosismo técnico, puliendo las superficies del mármol
para que la luz se deslice suavemente, concentrado toda la atención en
la tensión del momento, en la que se contrapone el estupor de Apolo al
horror de Dafne. El movimiento es una característica relevante del
barroco; las figuras nunca se representan quietas, o en postura de
reposo, sino siempre en movimiento, en ese momento de inestable
equilibrio que se verifica en la culminación de un movimiento. La figura
“serpentinata” iniciada en la segunda mitad del XVI, tendrá en el siglo
XVII gran éxito: el cuerpo humano captado mientras realiza un
movimiento en espiral, consecuencia de una veloz rotación. Representa
un momento fugaz. Es una obra encargada por el cardenal Borghese
para los jardines de su villa.
Las figuras están llenas de sensualidad y movimiento, que el autor
insinúa mediante las líneas curvas y el pulimento. Define perfectamente
la oposición entre la piel suave de Dafne y la textura áspera del tronco.
La leyenda narra como Apolo se burló de Cupido, quién se venga de
Apolo disparándole un flecha que le hace enamorarse de Dafne, hija del
rey Peneo. También dispara una flecha a Dafne, que le hace odiar el
amor y en particular a Apolo. Apolo persigue a Dafne y al tocarla se
convierte en laurel. En adelante, y para consolarla, toma el laurel como
su árbol y se venga de Cupido, haciendo que los vencedores de los
Juegos Píticos sean coronados con laurel.
4.-Éxtasis de Santa Teresa.
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Identificación
Título: Extasis de Santa Teresa
Autor: Gian Lorenzo Bernini
Cronología: 1656
Estilo: Barroco
Técnica y materiales: mármol y bronce (tallado y vaciado)
Dimensiones:
Localización: Capilla Cornaro (Iglesia de santa María de la Victoria)
Tema: religioso
Análisis
Encargado en 1656 por un cardenal para presidir el altar de su capilla
funeraria (La Capilla Cornaro). Es una fiel transcripción del éxtasis
sufrido y descrito por la santa en el Libro de su vida; según ella un
ángel la visitó armado con un dardo rosado acabado en una punta de
llama, que hundió varias veces en su corazón produciéndole un dolor
intenso, pero dejándola al mismo tiempo consumida por el amor de
Dios.
Bernini ofrece una imagen momentánea buscando producir en el
espectador la intensidad de la emoción religiosa.
El conjunto es de una gran teatralidad. La santa, esculpida en mármol
pulido blanco, cae desvanecido sobre una nube de color más oscuro,
mientras los rayos de la luz divina caen desde arriba; en la bóveda
superior, el cielo se abre apareciendo más ángeles. La fuerza de la
escena queda reforzada por el conjunto arquitectónico donde se
encuentra, fundiéndose todo en un conjunto dinámico. Los ropajes
anchos, movidos, hinchados, se agitan por el movimiento del cuerpo,
produciendo violentos juegos de luces y sombras típicos del Barroco.
Las dos figuras están iluminadas desde un ventana superior oculta. La
santa está representada en dramática actitud: los ojos cerrados y los

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labios abiertos, como si hubiera perdido la conciencia. Su rostro
contrata con el del ángel que reboza vida y alegría.
Se encuentra en la capilla Cornaro en Santa María de la Victoria en
Roma. Para Bernini es su obra maestra.
En los muros laterales posteriores a la capilla hay relieves de miembros
de la familia Cornaro que parecen ser testigos del acontecimiento.
Otras obras de Bernini:
• Sepulcro del Papa Urbano VIII.
La ejecución de esta obra se prolongó desde 1628 hasta 1649. Esta
ubicada en una hornacina del ábside de San Pedro del Vaticano.
Aunque Bernini contaba con la consideración de los principales
personajes de su generación, su excepcional fortuna empezó en 1623
cuando su gran admirador Maffeo Barberini (presente en la realización
del David) ascendió al papado con el nombre de Urbano VIII.
El sepulcro presenta un composición piramidal. Arriba, la estatua del
papa sentado, en actitud bendicente; abajo la urna en forma de relicario
que debía contener el cuerpo, y a cada lado, de pie, las figuras de las
Virtudes, Justicia y Caridad. .Estas referencias hacen a alusión a las
virtudes del difunto
La figura del Papa, de bronce, aparece majestuosa. El manto cae sobre
su cuerpo formando ritmos ondulantes. El sepulcro en mármol negro, y
las Virtudes, en mármol blanco señalan las características barrocas de
combinación de materiales.Sin embargo la escena conserva todavía
cierta mesura, pues los rostros son tranquilos, como transmitiendo
resignación y esperanza cristalina.
• Fuente de los Cuatro Ríos.
Se sitúa en el centro de la Plaza Navona y sirve de base para un
obelisco egipcio, detrás se encuentra la iglesia de Santa Inés .Es un
encargo del papa Inocencio X.

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Para destacar ópticamente el obelisco tiene que elevarlo por medio de
un basamento.
Realizó un montículo, en forma de gruta, inspirado en los jardines de
las villas lo que dota a la fuente de gran originalidad y resulta
novedoso.
La idea procede del cristianismo antiguo que asocia el nacimiento de
estos cuatro ríos en una única montaña y analógicamente a los ríos
que atraviesan el paraíso.
Es una muestra del interés urbanístico del barroco. Bernini ordena la
composición en forma de alegoría sobre los beneficios del agua, que
distribuyen los grandes ríos en las cuatro partes del mundo, asegurando
la vida vegetal y animal: Nilo, Danubio, Ganges y Río de la Plata. De un
simulacro de rocas brota el agua que beben un león, un cocodrilo, un
caballo y que baña el pie de una palmera. Las estatuas de los ríos están
situadas en los cuatro puntos cardinales (la del Nilo aparece con la
cabeza velada, pues se desconocían sus fuentes).
Aparecen los símbolos papales, las abejas de los Barberini y la paloma
de los Panhili.
• Sepulcro de Alejandro VII.
Realizado en mármol, jaspe de Sicilia y bronce reforma y desarrolla el
modelo iconográfico de la tumba de Urbano VIII. El Papa no se turba en
su oración ante la llegada de la Muerte, representada mediante un
esqueleto con clepsidra que alza la pesada mortaja de jaspe. Abajo se
encuentran las personificaciones de las cuatro virtudes: la Caridad y la
Verdad en primer plano, la Prudencia y la Justicia en segundo plano. La
tumba fue encargada por el mismo Alejandro VII en 1655 pero fue
terminada en 1678, en base a diseños y bosquejos del maestro y
realizada por un gran grupo de artistas.
3.- La escultura Barroca en España
a) Características generales.
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Las especiales circunstancias de la realidad histórica española,
determinan unas características particulares en su desarrollo artístico:
• Mientras en Italia se desarrolló en el siglo XVII la gran escultura
berniniana en mármol o bronce con un gran desarrollo junto a la
temática religiosa de los temas alegóricos y mitológicos, en
España se desarrolla la escultura en madera policromada
(material más modesto) de carácter exclusivamente religioso y al
servicio de la sensibilidad contrarreformista que intenta
sensibilizar a los creyentes que son testigos de la pasión de Cristo
(Pasos) o sienten a los Santos como personas viva y reales. Esto
explica el realismo, a veces excesivo e incluso teatral de los
imagineros españoles.
• El cliente principal es la Iglesia que demanda de los escultores
retablos, imágenes de culto y pasos procesionales encargados por
las Cofradías (en primer lugar en Valladolid).
• El ansia de realidad tiene varios efectos sobre las obras: la pintura
de las imágenes utilizando la policromía mediante la técnica del
estofado, la utilización de “imágenes de vestir” y la utilización de
elementos naturales (cabellos, uñas)
• A comienzos del siglo XVII se pueden señalar dos focos
escultóricos: Castilla (con Valladolid como principal centro) y
Andalucía (con Sevilla y Granada). En el siglo XVIII se suman otras
escuelas entre las que destaca la murciana (Salzillo).
b) La escuela castellana.
El siglo XVII es el de los grandes imagineros vallisoletanos y
andaluces. La escuela de Valladolid, tras su declive a finales del siglo
XVI, cobra nuevo vigor con Gregorio Fernández (1576-1536). Su
principal interés es la de representar la realidad de la manera más
directa posible. Impulsado por este afán naturalista, gusta de recrearse
en el modelado de sus desnudos. Sin embargo representa los ropajes
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con un convencionalismo similar a los de los primitivos flamencos.
Probablemente en un deseo de crear violentos contrastes de
claroscuros, quiebra los ropajes en grandes ángulos y contra ángulos
como si fuesen de tela almidonada. Es sin duda es más importante
creador de imágenes piadosas de la mitad norte de la Península y tuvo
una gran cantidad de encargos desde Portugal al País Vasco y desde
Oviedo a Madrid. Influido por Pompeyo Leoni y por Juan de Juni, su estilo
evolucionó desde un cierto manierismo italianizante hasta el
naturalismo extremo. Entre sus obras más importantes destacamos:
1. Cristo Yacente. (Madera policromada. Palacio de El Pardo.
Madrid)Selectiv.
Identificación
Título: Cristo Yacente
Autor: Gregorio Fernández
Cronología: siglo XVII
Estilo: Barroco
Técnica y materiales: madera policromada
Localización: Convento de los Padres Capuchinos del Pardo (Madrid)
Tema: religioso

Análisis

Representa a Jesucristo sobre un sudario, en posición yacente, una


vez crucificado y trasladado al Santo Sepulcro. Se trata de un tema muy
frecuente en la escultura española de los siglos XVI y XVII, ensayado,
con anterioridad a Gregorio Fernández, por Juan de Juni, Gaspar Becerra
y Francisco de la Maza, entre otros escultores del Renacimiento .La
imagen está concebida para ser contemplada lateralmente. La cabeza
del Cristo se inclina hacia el lado derecho, al tiempo que la pierna
derecha aparece más levantada que la izquierda. La cabeza y parte del
tórax se apoyan sobre una almohada, mostrándose ligeramente
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inclinados, lo que contribuye aún más a esa percepción de lateralidad.
Los brazos se extienden sobre el lecho separados del tronco, buscando
una cierta sensación de simetría, que también se aprecia en la
cabellera, al quedar desplegadas varias madejas de cabello a ambos
lados de la almohada. Fernández evitó cualquier signo que hiciera
visible el rigor mortis, con la excepción de un leve hinchamiento del
cuerpo. La idea de muerte se transmite enfatizando las heridas y llagas
causadas por el vía crucis y la crucifixión, siguiendo las pautas
estilísticas de la escultura religiosa española del Barroco.

Es un desnudo impasible y anatómicamente de gran perfección..La


gran fuerza expresiva de la imagen se consigue con una serie de rasgos
que acentúan el dramatismo de la reciente agonía: rasgos alargados,
regueros de sangre, ojos entreabiertos, boca sedienta, dientes
asomándose entre labios morados y los mechones de cabello cayendo
sobre el rostro.

Otras obras de Gregorio Fernández son la Piedad del Museo de


Valladolid o sus numerosos retablos (Catedral de Plasencia, Iglesia de
las Huelgas en Valladolid, Iglesia de San Miguel de Vitoria).

c) Las escuelas andaluzas.


• La escuela sevillana.
En Andalucía, la escuela más floreciente durante la primera mitad del
siglo XVII es la sevillana. Su desarrollo está relacionado con el comercio
americano controlado a través de la Casa de la Contratación que
convirtió al puerto de Sevilla en el más floreciente de Castilla. En
principal representante de la escuela sevillana es Juan Martínez
Montañés (muerto en 1649) nacido en Alcalá la Real, formado en
Granada y cuya obra se caracteriza por una realismo mesurado frente a
las estridencias expresivas de Gregorio Fernández y por su policromía,
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equilibrada, distante del cromatismo desgarrador de la escultura
castellana. Entre sus obras más importantes cabe destacar:
1.Cristo de la Clemencia .(madera policromada. Catedral de
Sevilla)
Es el prototipo andaluz de Cristo en la Cruz. Es de forma muy
clásica. No hay en él dramatismo de manera que no aparece apenas
sangre ni señal de sufrimiento. Sus pies aparecen cruzados. Está
realizado para ser visto colocado en alto de manera que el Cristo parece
entablar conversación con el fiel que ora a sus pies.
Otras obras de Martínez Montañés son La Inmaculada de la
Catedral de Sevilla, El niño Jesús bendiciendo del Sagrario de Sevilla o
El retablo de la Concepción de Lima.
El otro representante de esta escuela es el discípulo de Martínez
Montañés, y natural de Córdoba Juan de Mesa (1583-1627) que murió
muy joven y cuya obra, aunque deriva de los modelos de Montañés, se
caracteriza por un dramatismo extremado y una violencia expresiva
inexistentes en su maestro. Entre sus obras vamos a destacar la más
popular debido a su protagonismo en la Semana Santa de Sevilla:
1.- Jesús del Gran Poder.
Solo aparecen talladas la cabeza, las manos y los pies, siendo una
talla para vestir. Destaca el dramatismo de la figura patente tanto en el
cuerpo encorvado bajo el peso de la cruz como en la gruesa corona de
espinas que le atraviesa la cabeza.
• La escuela granadina
La otra gran escuela barroca andaluza es la granadina cuna del
renacimiento andaluz y donde los hermanos Siloe habían dejado una
marcada herencia clásica. Los dos principales representantes de esta
escuela son Alonso Cano y Pedro de Mena.

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Alonso Cano (muerto en 1667) se formó con Martínez Montañés aunque
desarrolló toda su obra en su ciudad natal (sus obras principales se
conservan en la catedral de Granada).Es una de las personalidades más
fuertes del arte español. Fue pintor, escultor y arquitecto, en la
tradición de los grandes artistas del Renacimiento. Entre sus obras más
importantes podemos citar el Retablo de la Iglesia de Lebrija y sobre
todo su Inmaculada Concepción llamada del facistol en la que crea
un tipo distinto alejado del clasicismo: de pequeño tamaño, la Virgen
mira hacia abajo de forma meditativa y con las manos unidas en señal
de oración. El manto se recoge bajo las manos La Virgen aparece
suspendida sobre una nube con angelotes.
El otro escultor de la escuela granadina es Pedro de Mena (muerto
en 1688) colaborador de Alonso Cano, más realista que él y muy
interesado por comunicar los estados de ánimo de modo directo. Entre
sus principales obras destacan el San Francisco de la Catedral de
Toledo, caracterizado pos su ascetismo y su Magdalena Penitente
encargada por los jesuitas de la Casa Profesa de Madrid, en el año
1664, hoy en el Museo Nacional de Escultura, en Valladolid. María
Magdalena está de pie, en la postura habitual de los santos de Mena.
Contempla un crucifijo con admirable ternura en un diálogo cordial con
el mismo. Está vestida con traje tejido por ella misma, muy humilde y
ofrece sus brazos desnudos. Los cabellos se disponen como madejas
mojadas. Los ojos de cristal, semicerrados, acentúan su expresividad

d) El siglo XVIII: Francisco Salzillo. (1707-1783) (la escuela


murciana)
1.- Aspectos biográficos:
Francisco Salzillo nació en 1707 y fue el segundo de los siete hijos de
Nicolás Salzillo y de la murciana Isabel Alcaraz. Heredó el taller paterno
situado en la vivienda familiar, cerca del convento de Santa Isabel.
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Todas sus biógrafos nos muestran a un escultor plenamente
identificado con el medio cultural y religioso que le rodeaba y al que
respondían sus encargos, y cuya fama se basaba en la favorable
respuesta que encontraban sus obras en un público sencillo que se
conmovía con facilidad (lo que por otra parte es característico del
Barroco contra reformista como ya hemos señalado anteriormente)
De Salzillo se ha destacado un aspecto considerado básico en la
originalidad de sus figuras: la perfección lograda sin más influencias
que las del legado paterno y su voluntario aislamiento. Esta actitud ha
contribuido a transmitir la imagen de un escultor cuyos valores eran
exclusivamente locales y a considerarlo más que como un artista
genial, como un hábil artesano sin relación con el mundo que le
rodeaba, ajeno a los cambios de una época (s. XVIII) marcada por
grandes transformaciones artísticas, políticas e ideológicas.
Salzillo renunció incluso a viajar a la Corte porque su acreditada fama
en Murcia y la frecuencia de los encargos le sugerían un futuro
prometedor como cabeza de una floreciente escuela (la murciana).
Sin embargo, la tendencia a exaltar la figura de Salzillo en un
entorno de pobreza artística no responde a la realidad. Los maestros
que habían llegado a la ciudad, la llegada de obras procedentes de
Granada y Valencia y la situación de privilegio alcanzada por la ciudad
durante el reinado de Felipe V hablan de un florecimiento cultural y
artístico del siglo XVIII murciano.
A partir de 1727, Salzillo inicia su actividad en solitario y, a juzgar por
las obras que se le atribuyen, ya había alcanzado la plenitud de su
formación.
En 1755 fue nombrado escultor de la ciudad, distinción que llevaba
aparejado el público reconocimiento a su trayectoria y consideración
eminente entre sus conciudadanos.

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Esta situación privilegiada culminó con su elección de Familiar del
Santo Oficio, función que tenía la importante misión de tutela y control
sobre las artes para garantizar el decoro y la decencia necesarios. Murió
en Murcia en el año 1783.
2.- Análisis de su obra.
La formación adquirida por Francisco Salzillo quedó configurada
por la fusión de la tradición escultórica hispánica con la atmósfera
napolitana que a Murcia trajo su padre, Nicolás. Algunas de sus obras
más importantes son:
1.La Sagrada Familia. Iglesia de San Miguel (Murcia).Madera
policromada (Sel.)
Identificación
Título: La Sagrada familia
Autor: Francisco Salzillo
Cronología: 1735
Estilo: Barroco
Técnica y materiales: tallada en madera policromada
Dimensiones:
Localización: Iglesia de San Miguel
Tema: Religioso
Análisis
Se encuentra esta obra en la Iglesia de San Miguel, en Murcia. Obra de
su primera época, de 1735, es un admirable grupo de 5 figuras: Jesús,
María, San José, Santa Ana y San Joaquín. San José se encuentra
ligeramente retrasado, contemplando con aire ausente la escena,
mientras San Joaquín y Santa Ana forman un triángulo cuyo vértice es
la cabeza de la Virgen. La separación simbólica de ambos mundos
queda subrayada por las escalinatas que han de ascender hasta
alcanzar a Cristo, el cual, vuelto hacia Santa Ana, parece ir en su busca.

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La sensación de plácido ambiente familiar queda definida por el
lenguaje de las manos y de las miradas. Salzillo con esta obra añadió
una novedad compositiva: la ruptura de la equilibrada forma triangular
de origen rafaelesco: el conjunto realizado para situarlo en una
pequeña capilla parece haber sido hecho para contemplarlo de frente.
Si inscribimos el grupo en un triángulo quedaría desmarcada la figura
de San José, ajeno a la adoración de los dos personajes arrodillados.
Las facciones sonrosadas y amables de sus niños, los aniñados rostros
de sus vírgenes y la visión de la ancianidad fueron también patrones
frecuentes en su obra.
Es un grupo escultórico, de tamaño intermedio entre las figuras
realizadas para el Belén y las de los pasos
En resumen, el grupo, en conjunto, es del más puro estilo salzillesco. De
madera policromada, utiliza los colores ocres y dorados en las
vestiduras de todos los personajes..
2.San Jerónimo Penitente. Museo de la Catedral. Madera
policromada (Select.)
Identificación
Título: San Jerónimo penitente
Autor: Francisco Salzillo
Cronología: 1755
Estilo: Barroco
Técnica y materiales: Madera policromada
Dimensiones: figura principal 1,65 ms
Localización: Museo de la catedral de Murcia
Tema: Religioso
Análisis
Está, caso poco frecuente en la obra de Salzillo, firmada y fechada
en 1755. Figuró en el Monasterio de los Jerónimos de La Ñora y hoy se
encuentra en el Museo de la Catedral. Está considerada como una de
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las esculturas fundamentales del escultor y una de las mejores de toda
la imaginería española. La figura de 1,65 ms, aparece sobre una peana
entelada, tallada en madera y policromada. El santo semiarrodillado,
desnudo de medio cuerpo, porta en su mano izquierda un crucifijo (obra
magistral a pesar de su pequeño tamaño, 35 cms). La mano derecha
permanece extendida en movimiento en ademán de golpearse el pecho
con un piedra. Apoya el codo izquierdo sobre un pequeño saliente en el
que hay un libro abierto y una calavera . Un sombrero de ermitaño, un
león y otro libro con la firma y fecha rodean la imagen sobre la peana,
de acuerdo con la iconografía dominante a fines del siglo XIV y
principios del s. XV, que prefería representar al santo en una actitud
ascética frente a una interpretación más doctoral o estudiosa del
Renacimiento. La imagen transmite a la vez la humanidad y santidad,
con un desnudo portentoso de detalles anatómicos jamás logrados y
una expresión de vida interior muy intensa; esta expresión recorre todo
el cuerpo, de la cabeza a los pies.
El rostro del santo denota dulzura al propio tiempo que dolor y
miedo. La posición en diagonal, marcada por la Cruz en un extremo, y el
sombrero en el otro, se rompe ligeramente con la aparición de símbolo
de la muerte, la calavera, tan característica en este tipo de
representaciones barrocas.
3.Los pasos de Salzillo.(Museo Salzillo. Iglesia de Jesús. Murcia)
Salzillo fue miembro de la Cofradía de Nuestro Padre Jesús Nazareno,
y ésta le encargó ocho pasos procesionales, dos de los cuales realiza
antes de 1760: La Caída y La Oración del Huerto. Los otros seis -San
Juan, El beso de Judas o Prendimiento, La última Cena, La Dolorosa,
Jesús atado a la columna y El Calvario- son posteriores. En todos
demuestra sus grandes dotes compositivas y su realismo narrativo
La compleja forma de componer un paso exigía pericia y habilidad
para equilibrar en una sola superficie las cambiantes condiciones
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visuales de la imagen. La procesión tenía como objetivo fundamental
mostrar al espectador la trama argumental de la Pasión de Cristo
orientando su reacción de aprobación o rechazo.La definición de
caracteres y la definición de la condición moral de cada uno de los
personajes que intervienen en la escena ocupaban un lugar privilegiado
en la escultura pasionaria aliado siempre con la capacidad que el rostro
tenía para reflejar los estados del alma. Así, el cuerpo del justo debía
ser bien proporcionado porque se asoció la idea de belleza física a la de
belleza moral mientras que “al hombre de malas costumbres conviene
un rostro deforme, orejas largas y angostas, boca pequeña y salida
hacia fuera”. A esta escenificación contribuyen en igual medida los
elementos que formaban la ambientación (vestuario, olivos, palmeras,
vajillas, flores, vestuario, etc....) para crear la mayor dosis de
verosimilitud. Entre los más populares vamos a destacar:

• La Caída. (Museo Salzillo. Madera policromada)


Es el primero de la serie iniciado en 1752. La impresión que el
paso causó a sus contemporáneos no ofrece dudas sobre el éxito
alcanzado por la composición lateral del mismo y por los gestos y
expresiones de los protagonistas.
La disposición de las figuras en este paso significó un ejercicio calculado
para poder resolver la dificultad del grupo de la forma más natural
posible. La expresión de Cristo parece inspirada en la tradicional
imaginería española por lo que debería convertirse en el centro de toda
la escena desde el punto de vista simbólico y compositivo. Un verdugo
intenta descargar un golpe sobre Cristo mientras el soldado asiste
impasible a la escena. Los anacronismos en las vestiduras y armaduras
era un recurso ambiental buscado conscientemente por los artistas que
huían de la exactitud arqueológica
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• La Oración en el Huerto. (Selectividad)
Identificación
Título: La Oración en el Huerto
Autor: Francisco Salzillo
Cronología: 1754
Estilo: Barroco
Técnica y materiales: madera policromada
Dimensiones:
Localización: Iglesia de Jesús de Murcia (Museo Salzillo)
Tema: Religioso (La Pasión de Cristo)
Análisis
.La Oración del Huerto es la obra de Salzillo más universalmente
famosa, sin duda por la figura incomparable del Ángel. Realizado en
1754 consta de 5 figuras repartidas en dos grupos: el Ángel con Cristo
(éste es una imagen de vestir), y tres apóstoles durmiendo; las figuras
del ángel y los discípulos están talladas en madera policromada y
estofada. La calidad y novedades compositivas e iconográficas del paso
despertaron el entusiasmo general que valoró desde un principio la
originalidad en la disposición de las figuras y la belleza asexuada del
ángel.
La distancia marcada por los Evangelios se acortó para destacar la
oposición de dos mundos vibrantes que representan actitudes distintas.
El clima de reposo, tranquilidad, las abandonadas actitudes de los
apóstoles entregados al sueño se oponen al clima de angustia de Cristo
momentáneamente confortado por el Ángel.
En un plano aparece el Ángel, luminoso y etéreo, de pie, confortando al
Dios-Hombre que está de rodillas, sosteniéndole levemente la cabeza,
en su agonía en el huerto de Getsemaní, mientras que con un brazo
extendido le señala el cáliz de la Amargura, puesto entre las hojas de
una palmera. La actitud de Cristo es de una total entrega, matizada por
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la colocación de las manos, en donde se unen la expresión de angustia
y de la resignación de su rostro, acentuado por el tono amarillento
violáceo de la pintura. Cristo aquí no lucha, sino que espera, muy cerca
del desfallecimiento, aceptando el divino sacrificio.
El otro plano lo componen el grupo de los apóstoles: en un
ingenioso estudio de actitudes: San Juan duerme profundamente, con
tranquilidad y descuido (juventud), Santiago tiene un reposo pacífico y
reparador (madurez) y San Pedro se representa alerta, con la espalda
en la mano, en un sueño ligero e inseguro, propio de la ancianidad.
Las figuras emanan ternura y sentimientos profundos.
La figura del ángel mide 1`65, y es una obra incomparable.
Conforta a Jesús en su agonía. Las hojas de un olivo sirven de marca a
este encuentro. Por los rasgos de su rostro este ángel es un ser de sexo
indeterminado. La cabeza es de una gran belleza y guarda perfecto
equilibrio y armonía en sus elementos.
• San Juan. Iglesia de Jesús, Murcia. Madera policromada
Entre los pasos procesionales que realizó Salzillo hay algunos
unipersonales, como La Dolorosa, La Verónica y San Juan. Esta es una
de sus estatuas más elegantes y mejor planteadas y, para muchos, la
mejor obra de Salzillo. Se ha dicho de este San Juan que es la más
lograda captación, en escultura, de un instante en movimiento. Se
representa en actitud de marchar, recogiéndose la amplia túnica con el
brazo derecho y señalando con el brazo izquierdo extendido el camino
del Calvario, hacia donde vuelve la cabeza.
Está realizada en madera, de buena policromía. Mide 1`75 m. Se
había realizado ya en 1755, y es la obra de un Salzillo plenamente
maduro como artista. En este San Juan se funden las constantes
salzillescas en el tratamiento y solución de rostro y manos, junto a su
gran categoría en la concepción dinámica de los vestidos y manos, que

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puede sentirse totalmente integrada en la más valiosa tradición de la
imaginería española.
• El Prendimiento o El Beso de Judas. Iglesia de Jesús,
Murcia.
Es un paso de gran calidad; lo ejecutó en 1763. La pareja central
de Cristo y Judas está representada con gran solemnidad, en contraste
con la figura movida y amenazadora del apóstol Pedro, sobre el abatido
Marco. La ejecución de la anatomía y de la tensión del brazo del Apóstol
es un alarde de técnica.
El grupo se compone de cinco figuras perfectamente relacionadas
entre sí por acciones y miradas.
Se reúnen aquí tres momentos de gran peso emocional: el beso de
Judas, la agresión de San Pedro a Marco y el Prendimiento como tal,
expresado por el soldado que, por su movimiento, vemos que se
dispone a actuar. Sin duda el momento principal es el compuesto por
Cristo y Judas, concebidos en un único volumen, como recordando la
antigua unión del discípulo y maestro; Cristo se deja besar, pero mira
de reojo a Judas demostrando con ello el conocimiento de sus torvas
intenciones, y en el rostro del traidor se recogen los convencionalismos
iconográficos para informar de lo mezquino de su espíritu: pelirrojo de
cabello rizoso, nariz gruesa y ganchuda, ojos entornados y esquivos, y
labios gruesos, son rasgos que sabían interpretar muy bien aquellos a
quienes iba destinado el mensaje.
La figura de San Pedro tiene un espléndido estudio de diseño y
concentra en su brazo alzado toda la furia que le produce el hecho.
Marco, por el contrario, patalea acobardado, y con ello también se
obtiene la complicidad del espectador.
Como recurso convencional de la época se mezclan las figuras
vestidas con rigor histórico junto a las que llevan ropa contemporánea.
La policromía es clara y vistosa, usando dibujos para túnicas y mantos,
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de claro origen rococó. Todo vale en función de la expresividad y el
impacto emocional, siempre y cuando el artista tenga la calidad
exigida, y Salzillo demostró ser el mejor de su tiempo.

• La Última Cena.
Tallado en 1761 sustituyó a un paso sobre el mismo tema
realizado por su padre, Nicolás Salzillo hacia el año 1700.
En esta obra, Salzillo tenía que enfrentarse al reto de componer
una escena con trece figuras sentadas alrededor de una mesa. Salzillo
recurre a representar la escena en el momento en el que Cristo
anuncia la traición por uno de los Apóstoles. Es un momento de gran
tensión emocional que le permite representar las diversas reacciones
ante este anuncio: cada Apóstol habría de reaccionar de manera
distinta, según su carácter o según el grado de comprensión alcanzado.
Todos buscan un significado a las palabras de Cristo y, al reaccionar,
crean líneas diferentes de composición, girando sus cuerpos,
levantando o extendiendo sus brazos, dirigiendo la mirada hacia el
comensal más cercano, etc... Judas, objeto de la profecía fue situado al
extremo de la mesa con todos los signos propios de su bajeza moral
(como la bolsa con las monedas de plata). Los restantes Apóstoles
fueron colocados según su jerarquía y su momento de incorporación al
cortejo de Jesús.
4.El Belén de la Familia Riquelme. (Museo Salzillo)
Entre la producción de Salzillo tiene gran importancia, a pesar del
pequeño tamaño de las figuras, el grupo conocido como “El Belén”, que
se conserva en el Museo Salzillo. Antes de su colocación actual, el Belén
pasó de manos particulares al Museo Arqueológico Nacional y de allí fue
traído a Murcia.

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Consta de 556 figuras humanas y 350 de animales, realizadas por
el propio Salzillo y su taller, así como por su discípulo Roque López.
También se construyeron 8 edificios, de los cuales sólo quedan tres: el
templo, la posada y el palacio de Herodes.
La costumbre del Nacimiento o Belén tiene su origen en las
representaciones medievales, potenciadas por San Francisco de Asís,
pasando después a la pintura y a la escultura; en Nápoles se desarrolló
una importante artesanía durante los siglos XVII y XVIII (los “presepi”) y
Carlos III inició la colocación de estos grupos en los Reales Sitios.
Según la tradición, don Jesualdo Riquelme y Fontes, que había
visto en Madrid la nueva costumbre, encargó a Salzillo el Belén. Cada
año, desde 1766 hasta su muerte, Salzillo llevaba a la casa de
Riquelme las nuevas figuras, que se incrementarían por sus herederos.
El conjunto tal y como está en la actualidad, consta de los
siguientes grupos: Nacimiento, La Posada, la Huida a Egipto, Camino
del Templo, Purificación, Reyes Magos, y escolta (todos ellos obra
personal de Salzillo), además de La Degollación de los inocentes, La
Casa de las Virgen, La Visitación y Herodes y su guardia de Roque
López. Hay que sumar a ello 89 pastores del taller de Salzillo y también
infinidad de animales, del siglo XIX.
Un estudio detenido de este Belén nos muestra diversos aspectos
del modo de vida popular en Murcia en el siglo XVIII. El anacronismo de
la indumentaria contrasta con el realismo de algunos detalles, como el
desuello de una res o el viejo que se calienta las manos en la brasa de
un puchero. También crea un auténtico paisaje arquitectónico en cuyo
espacio sumerge a las figuras.

Imágenes de escultura barroca de


selectividad
84- Bernini-Apolo y Dafne 85. Bernini. David

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86-

87- Gregorio Fernández-Cristo yacente

86.-Bernini- Éxtasis de Santa Teresa

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88- Salzillo- Sagrada Familia

89.- Salzillo. San Jerónimo penitente

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90.-. Salzillo. La oración del huerto

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