OBRA DE AMELIA RIERA.

- Análisis formal:

a) Título de la obra: Dona silenciosa.

b) Nombre de la autora: Amelia Riera.
c) Dimensiones: 150 x 80 x 60.

En esta obra podemos encontrar un maniquí con la figura de una

mujer, sin pelo, con un esparadrapo en la boca. Muestra varias pintadas
por el cuerpo, sin manos, con una serie de objetos y pintadas por toda la
figura.

- Análisis iconográfico:

En esta obra, la autora ha querido expresar a través de éste maniquí y

los diversos materiales como la mujer ha estado siempre en un segundo
plano, es decir representando con el esparadrapo en la boca que la opinión
de ella nunca ha sido válida ya que durante mucho tiempo la mujer no ha
tenido ni voz ni voto. Las cuerdas que la atan haciéndonos ver como la mujer
durante muchísimo tiempo no tenia la libertad para hacer lo que en verdad
le apetecía por lo que pudieran decir las demás personas.

Resalta las formas de la mujer como el pecho, las caderas la figura

delgada de ella. En la barriga tiene como especie de caño de una fuente, que
puede significar que la mujer es fuente de vida ya que en su vientre es
capaz de criar a un ser vivo. Es decir, la autora ha querido plasmar a través
de esta obra las características más comunes de la mujer tanto físicamente
como su historia y las posiciones que ha ido adoptando a lo largo de la vida.

- Análisis estético:

Esta obra, en nuestra opinión ha sido muy interesante, ya que nos hemos
podido dar cuenta cómo a través de muy pocos materiales se pueden llegar a
expresar tantas ideas, sentimientos, etc. Se trata de una obra fácil de
entender, ya que desde un primer momento observada, nos damos cuenta del
significado que la artista quiere transmitir.

OBRA DE CARMEN MONTORO.

- Análisis formal:

a) título de la obra: Serie maternidad.

b) Nombre de la autora: Carmen Montoro.
c) Técnicas utilizadas: Fotografía digital.
d) Dimensiones: 90 x 70.

Esta obra se trata de una fotografía de una mujer que se encuentra

embarazada, cuyo cuerpo está recubierto con escayola la cual, por la parte
de la barriga aparece rajada con un fondo rojo.

- Análisis iconográfico:

Con esta obra, la artista pretende mostrarnos como, a través de la

maternidad, los esquemas de la figura de la mujer se rompen, es decir, como
un cuerpo delgado en esos 9 meses en que la vida del ser humano que dicha
mujer lleva dentro se va abriendo camino, transformando totalmente su
figura.

- Análisis estético:

Esta obra resulta bonita ya que es una forma de hacernos ver, de manera
simple, cómo el cuerpo de la mujer evoluciona en este periodo de tiempo,
mediante un material como es el de la escayola, la cual se va rompiendo a
medida que el feto se va desarrollando en el interior del vientre y la mujer
va engordando. También resulta una obra en la que su significado es fácil de
captar.
 OBRA DE LUCÍA LORENS.

- Análisis formal:
a) Título de la obra: Madre sal.
b) Nombre de la autora: Lucía Lorens.
c) Técnica: Impresión fine art.
d) Dimensiones: 80 x 60.

La obra de Lucía se trata de un vídeo documental, en el cual muestra la

evolución desde que la artista depositó la sal en forma de pecho en el prado
hasta que dicha sal desaparece por la acción de los animales y de la propia
naturaleza.

- Análisis iconográfico:

Se trata de una obra en la que Lucí intenta expresar los símbolos de la

mujer como imagen de la naturaleza y como figura de retorno a la tierra, de
tal forma que ha situado sal en forma de pechos de la mujer en un prado, de
manera que los animales del entorno transforman las esculturas al lamer su
superficie para obtener de ellas elementos nutritivos necesarios para su
desarrollo, de modo que los pechos de sal van desapareciendo con el
transcurso del tiempo.

- Análisis estético.

Esta obra, en nuestra opinión es un poco más difícil de entender, ya que

en un primer momento no entiendes de que están hecho las figuras de los
pecho o que hacen situados en el lugar que se encuentran. Sin embargo, una
vez que entiendes todas estas características de la obra conocidas, resulta
una obra bastante interesante, ya que es una manera muy representativa de
expresar la transformación de la naturaleza.
 Lo que más nos ha llamado la atención es la manera en que la artista ha
querido representar sus ideas a través de la naturaleza de una forma tan
sensible.

OBRA DE MAYTE CARRASCO GIMENA.

- Análisis formal:

a) Título de la obra: Nigra et rubra.

b) Nombre de la autora: Mayte Carrasco Gimena.
c) Técnica: Pintura al óleo sobre tela con un marco de madera sin tratar.
d) Dimensiones: 161 x 112 cms.

Muestra un cuadro en el que delante de un fondo rojo aparece la figura

de un esqueleto tapado con una túnica negra, al parecer el esqueleto de una
mujer debido a que esta embarazada, acompañada por un marco de madera
sin tratar.

- Análisis iconográfico:

En esta obra lo que la artista, Mayte, intenta expresar es que el periodo

del embarazo en una mujer puede significar un paso a la vida ya que en su
vientre repos un ser humano al que puede darle la vida, pero también
significa un paso muy cercano a la muerte, ya que durante el embarazo o el
parto puede producirse algún error.

- Análisis estético:

Para nosotros ha sido una de las obras que más nos ha llamado la atención
ya que normalmente, en un embarazo vemos la felicidad de que un niño viene
en camino, la alegría de los familiares, pero normalmente nunca nos damos
cuenta del hecho de que algo no puede ir bien y podemos perder a esa
persona y al niño que hay en su vientre.
 OBRA DE BETTINA GEISSELMANN

- Análisis formal:

a) Título de la obra: “Vuela la luna”.

b) Nombre de la autora: Bettina Geisselmann.
c) Técnica: Instalación de luz y sonido.
d) Materiales: fibra óptica, acero y latón, video.

Es una instalación de luz y sonido. Un vientre de 250 cm por 350 penden

del techo hasta el suelo. Está compuesto por 500 puntos de luz, que cambian
de intensidad y color por efecto del sonido. Se trata de cuentos y nanas, así
como el latido del corazón o la respiración de la madre, tal y como podría
escucharlos un feto en el vientre materno.

- Análisis iconográfico:

La ingravidez de esta obra nos muestra la maternidad interna, visceral,

instintiva, hormonal, tal vez hasta voluntaria, la idea de la crianza de
generaciones futuras como la tarea más importante. Es la maternidad que se
descubre como un lugar de disputa que redefine las relaciones de género y
la posición social de las mujeres, aquella que nos lleva a una lucha interna con
la voluntad de autorrealización. Y nos impide concentrarnos para el
desarrollarnos como un ser independiente.

Si la autorrealización se alcanza a través de un trabajo creativo, cuyo

fin no es la mera remuneración, conlleva aún mayor dificultad, por ser
consecuencia de un deseo interiorizado y no responder al patrón social de un
trabajo necesario.

Históricamente, según la concepción de la sociedad patriarcal, la

madre ideal no tiene intereses propios, sino que ha de fundir los suyos con
del hijo.

Caer la tentación de anular el yo, es la respuesta socialmente

esperado, en vez de incumplir con el impulso del amor maternal. Desde el
punto de vista tradicional del psicoanálisis freudiano, la principal
característica de la maternidad es la ternura, que se traduce en pasividad
como voluntad de sacrificio. La maternidad anula a toda agresividad y
sexualidad en la mujer. La vida se convierte en una sucesión de
expectativas, un retraso constante del trabajo creativo,..cuando termine la
limpieza, cuando ya se haya recuperado, cuando pase de curso…y en el día a
día las interrupciones son constantes….ahora voy, espera un momento…

Una mujer que sigue el deseo de ser madre y la voluntad de

autorrealización, se ve presa de una dicotomía interior que la arrastra a una
batalla contra sí misma, batalla que ha de lidiar en solitario.

- Análisis estético:

En esta obra la ambientación de luz, los sonidos, el girar del carrusel nos
traslada a un mundo imaginario, acogedor, dulce, cariñoso. La ternura de la
nana y la tranquilidad del ambiente, el juego de las pequeñas lucecitas
moviéndose. La forma de esta instalación parece un vientre materno, e
intenta transmitir las sensaciones que puede llegar a tener un feto.

OBRA DE TAMARA CAMPO

- Análisis formal:

a) Título de la obra: “Observatorio”.

b) Nombre de la autora: Tamara Campo.
c) Técnica: Instalación objeto, xilografía.
d) Materiales: madera, espejo, metal, instalación eléctrica.

- Análisis iconográfico:

Es una invasión a la privacidad y la autonomía femenina. Es una escena

teatral del observador en el constante movimiento del descubrimiento, es
un material para pensar, ir y venir, subir o bajar, depositar sin esperar nada
a cambio.

En observatorio hay un rol de juegos de transferencia visual

sorpresiva y misteriosa, en el instante en que la mirada acusadora del
observador se impacta contra el espejo para descubrir zonas visibles y no
visibles, el transformer ó dualidad sexual y mutante de la “dama del espejo”,
como relación simbólica con el Travestismo histórico, social, político y
cultural de América-mujer. Tamara Campo juega aquí con la ironía de la
influencia de la Historia del arte para crear complejas tramas simbólicas
fundamentadas en el recurso posmoderno de la apropiación.

Usa elementos que devienen en símbolos: la escalera, la Dama, los

voyeurs, el espejo y la apariencia.

- Análisis estético:

En esta instalación la artista nos trasmite el rol del la mujer objeto.

La Dama recuerda a la “dama del espejo” de Velázquez. En esta instalación
el espectador se siente partícipe de ella al subir a la escalera y verse
reflejado en el espejo del interior del observatorio.

OBRA DE ANA ÁLVAREZ-ERRECALDE.

- Análisis formal:

a) Título de la obra: “Autorretrato de parto” (2005).

b) Nombre de la autora: Ana Álvarez-Errecalde.
c) Técnica: díptico fotográfico impreso en canvas.
d) Dimensiones: 180 x 70 cms.

Es un conjunto de dos fotografías, en el que la autora nos muestra

perfectamente un parto a la media hora de dar a luz y como realiza una foto
con el bebé y la madre, enseñándonos el cordón umbilical e incluso podemos
observar la placenta. En la primera foto la madre sujeta en brazos al niño y
lo observa con cara de felicidad plena, absoluta. En la segunda, la madre
está sentada, dándole el pecho a su hijo. Es una fotografía profundamente
fiel a la realidad, sin ningún tipo de retoque, ya que fueron realizadas a la
media hora de dar a luz de este niño, una vez pasado el periodo de
recuperación, tal como nos comentó Lucía Lorens.

Respecto a las fotografías podemos observar que no ha sido utilizado

ningún color para el fondo para realizarlas, sino simplemente está situada en
una pared lisa blanca. Se observa que tiene que haber dos focos de luz
enfrente de ella para realizar la fotografía porque aparecen dos sombras de
su propia figura.

- Análisis iconográfico:

Ana Álvarez intenta sumergirnos en el propio mundo de la naturaleza

humana y hacernos participe del papel tan importante que tiene una mujer
en la vida, ya que es la propia mujer la que puede dar una vida o la que puede
perderla en unas horas. Era un sueño para esta artista hacer una foto así,
intentando tantas maternidades de “película”. Intentar reforzar esa imagen
de la mujer como protagonista. Con estas fotos le interesa al artista
mostrar una maternidad desde si experiencia, “en donde para parir me abro,
me transformo, sangro, grito y sonrío. Sonrío porque el dolor me acerca a mi
hija, sonrío porque el dolor me demuestra lo fuerte que soy...Estoy de pie,
con la placenta aún dentro de mi, con mi bebé unida a mí por el cordón y
hago lo que se me da la gana, decido cuando detenerme, hacer la foro y
mostrarme.”

Ana Álvarez intenta levantar el “velo”. Dejar a un lado todos los

estereotipos de mujer, donde dar a luz era un castigo divino según los ojos
de Eva. Mostar una maternidad real, donde la mujer dejara a un lado todos
los roles que ha asumido esta a lo largo de los siglos. En definitiva, es dar
paso de misterio a hecho.

- Análisis estético:
 En nuestra opinión, creemos que esta obra se engloba dentro de una de
las obras más bella y realista que hemos podido ver hasta hoy. El significado
que quieren transmitir estas fotografías es tan grande y tan profundo que
nos hace sentir participe al máximo de la trasmisión de la maternidad. Nos
sentimos felices, ya que enseña la suerte que tenemos las mujeres de poder
dar una vida, pero también nos hace ver lo duro que debe ser esta
experiencia, ya que esta foto tan real nos enseña una mujer empapada de
sangre y es por eso que nos hace ser participe de este dolor. Estas
fotografías nos muestran como ese dolor se olvida cuando la mujer, ve por
primera vez la cara de su hijo y es por ello la sonrisa tan grande que nos
muestra la mujer de la foto.

Se trata de una contraposición de dolor y satisfacción, donde la

mujer cobra el papel de heroína, guerrera y princesa al mismo tiempo.

OBRA DE OUKA LEELE.

- Análisis formal:

a) Títulos de la obra: “Sin dolor parías en el paraíso” (2003).

b) Nombre de la autora: Ouka Leele.
c) Técnica: acuarela sobre papel.
d) Dimensiones: 150 x 100 cms.

- Análisis iconográfico:

Ouka Leele nos muestra la figura de la mujer para enseñarnos el cuerpo

tan complejo y bonito que posee. Intenta enseñar lo maravilloso del volumen
de los pechos y las caderas en reclamo a lo bonito de la forma eliminando
cualquier reseña de delgadez. Ouka Leele enseña el cuerpo de la mujer a
través de un continuo movimiento resaltando las curvas como algo bello y
digno de admirar, es por eso la utilización de las cintas rojas. La autora
expresa a la mujer en movimiento, ya que ésta es dueña de los
acontecimientos más importantes que pueden marcar y cambiar una vida.

- Análisis estético:

Para nosotras esta obra posee un gran significado ya que rompe con todo
tipo de estereotipos de mujer delgada como perfecta y bonita. Se trata de
exaltar el lado más femenino de la mujer, de sus curvas, un recorrido de su
cuerpo desde la cabeza a los pies. Nos parece una obra interesante, ya que
también destaca el valor de lo bello, dando la posibilidad de hacer una
lectura por parte del público diferente.

OBRA DE LEUNG MEE PING.

- Análisis formal:

a) Nombre obra: Yip Hoy.

b) Técnica: Autor: Leung Mee Ping.
c) Video documental, 14 minutos.

Esta obra se trata de un video instalación de una mujer mayor china

llamada Yip Hop, en el cual se proyecta la trayectoria de vida de esta mujer
y los distintos sacrificios que esta mujer ha hecho a lo largo de su vida para
sacar adelante a su familia.

- Análisis iconográfico:

El artista trata de plasmar la trayectoria de la vida de una mujer china

llamada Yip Hop. Además de hacernos alusión a la cultura china cuando dice
que la mayor fortuna para los chinos es tener muchos hijos y nietos por
toda la casa, nos intenta transmitir como una madre tenga los hijos/as que
tenga así como otros cargos como sus nietos por ejemplo, es capaz de
luchar, a pesar de las desgracias ocurridas en su vida, todo lo que pueda
para sacar a su familia adelante y sin quejarse en ningún momento, ya que
hacía todo esto para que no les faltase nada a ninguno teniendo que
sacrificarse y trabajar en uno o varios trabajos constantemente .

- Análisis estético:

Consideramos que esta obra hace una buena alusión al trabajo de una
mujer o una madre en este caso, es decir, porque siempre tanto en tiempos
pasados como actualmente a la mujer se le siguen atribuyendo todo tipo de
tareas relacionadas con el hogar así como el cuidado de sus hijos/as y otros
familiares, y además aunque realicen otro tipo de trabajo fuera del hogar
cuando llegan a este tienen que seguir ocupándose de todo tipo de tareas.
Así pues, creemos que este artista trata de realizar una crítica a este tema
con el fin de hacernos ver que aunque la sociedad evolucione se sigue
considerando a la mujer como la responsable del cargo doméstico y la que lo
tiene que hacer y/o solucionar todo, aunque si es verdad que existen casos
en los que los miembros familiares como la figura del padre o hijos colabora
en las tareas, creemos que esa ayuda sigue siendo insuficiente porque al fin
y al cabo saben que si no lo hacen va estar ahí su mamá para solucionárselo
todo.

OBRA DE MARINA NÚÑEZ.

- Análisis formal:

a) Nombre obra: Conexión (realizada en 2006).

b) Autor: Marina Núñez.
c) Técnica: Video mono canal, un minuto y cuarenta y cinco segundo.

Esta obra se trata como anteriormente de un video instalación que

representa el rostro de una mujer y los diversos cambios que este puede
experimentar por las inversas situaciones vividas a lo largo de su
trayectoria.

- Análisis iconográfico:

Lo que el artista quiere trasmitir con esta obra es el cambio físico y

psicológico que la mujer puede llegar a experimentar a lo largo de su
existencia y como puede llegar a deteriorarse por los acontecimientos
ocurridos en su vida y que le han podido afectar.
 - Análisis estético:

Esta obra nos ha parecido bastante impactante ya que me ha llamado

mucho la atención por la manera en que se ha representado el rostro de la
mujer, a su vez también de cómo ha sido representada, es decir, a través de
una video instalación muy representativa, de tal forma que consideramos
que todo el público que ha asistido a visitar esta obra le ha parecido de
gran interés y curiosidad. En conclusión creemos que en esta obra se
representa como el rostro de la mujer puede ir deteriorándose y
produciéndose distintos cambios por situaciones que le pueden ocurrir a lo
largo de su existencia y que pueden afectarle de tal manera que llegue a
deteriorar su rostro.

OBRA DE JUDY CHICAGO.

-Análisis formal:

a) Nombre de la obra: Birth Tear

b) Autor: Judith Chicago.
c) Técnica: serigrafía 40/ 75.

En esta obra se representa la maternidad y la relación ligada entre madre e

hijos.

-Análisis iconográfico:

Lo que el artista quiere transmitir el sentimiento de la mujer, de la

madre hacia sus hijos, tanto las alegrías que le pueden proporcionar como
las penas, preocupaciones y un largo etcétera de sentimientos ligados entre
madre e hijos.

-Análisis estético:

Esta obra nos sugiere el papel que siempre ha mantenido la mujer en

torno a la maternidad. Desde el momento de la concepción y el embarazo
ella ha sido la que ha llevado las riendas, la que ha sufrido los cambios y
repercusiones, incluyendo el dolor físico del parto y el dolor psicológico por
los problemas y preocupaciones que los hijos dan a las madres.

OBRA DE NALINI MALANI.

-Análisis formal:

a) Nombre de la obra: Unidad en la diversidad.

b) Autor: Nalini Malani.

c) Técnica: Video continuo de 7 minutos en pantalla de plasma.

Se trata de un video en el que se ve el papel de la mujer en las distintas

culturas.

- Análisis iconográfico:

Lo que el artista pretende transmitir es el rol de la mujer en las distintas

culturas existentes en el mundo. El papel que desempeña según las normas
de esa cultura a la cual pertenezca.

- Análisis estético:

Esta obra nos transmite como la sociedad nos marca el papel que la mujer
desempeña, el peso que tiene, las formas de vestir, de pensar, el peso de su
opinión y de desenvolverse ante la sociedad. Refleja las diversas formas que
la condición de la mujer adquiere en el contexto de cada sociedad.