O Poema Infinito

de Wlademir
Dias-Pino

Cirandar 1
 Coordenação Editorial Projeto Gráfico
Aline Duarte Paola Hystellen Leal Ludegero
Luis Almeida Pinto

EX Redação
Luisa Freitas da Costa
Leonardo Alves de Brito

Juliana Andrade Reportes

PE Ana Luisa Farias Paulo Herkenhoff

Solange Godoy

DI Equipe de Produção Editorial

Rodrigo Martins
José Antonio Lima
Ilustradores
José Antonio Lima

EN Daysi Bregantini

Revisão
Daysi Bregantini

Revista Cirandar

TE Elisa dos Santos

Marília Bertotti
Editor de Arte e Fotografia
Edmundo Serra
Praça Mauá, 5, Centro
Rio de Janeiro – CEP 20081-240
Tel (21) 3031 2741
relacionamento@cirandar.com.br
www.revistacirandar.com.br

2
A
Revista Cirandar é uma publica-
ção focada em todas as pesso-
as que tem interesse em arte e
cultura, sendo este o seu conteúdo. Ela foi
criada em parceria com a escola do olhar
E
que é uma instituição do Museu de Arte
do Rio - MAR, e visa levar o conhecimento
sobre o mundo artístico, mostrando novas
di
visões do que seria arte, criando assim,
novas perpectivas que incentivam nossos
leitores a buscar mais sobre o assunto.
to
Nesta primeira edição iremos mostrar en-
trevistas, reportagens e informações sobre
ri
exposições atuais. E, para para ilustrar a
nossa capa Revista Cirandar trazemos a
obra feita por Elvis Silva, que mostra um
al
grupo de crianças brincando, sendo este
um reflexo do futuro que queremos para
quem irá ler a Cirandar. Nós desejamos
que todos possam interajir e ver a arte não
como algo estranho, mas sim, como parte
de seu dia-a-dia, algo familiar.

Cirandar 3
 CO
LA
BO
RA Evandro Salles Marcelo Campos
DO Atual diretor do Museu de Arte do Rio –
MAR, Evandro tem ampla atuação nas
artes plásticas. Ele fundou e dirigiu entre
Professor Adjunto do Departamento de
Teoria e História da Arte do Instituto
de Artes da UERJ. Professor da Escola

RE 1992 e 1996, a Fundação Athos Bulcão,

foi cofundador da Galeria Arte Futura
(Brasília), fundador do Instituto CASA
de Artes Visuais do Parque Lage.
Doutor em Artes Visuais pelo PPGAV
da Escola de Belas Artes/ UFRJ.

S (Rio) e atuou como secretário adjunto

de Cultura do Distrito Federal, de 1997 a
Desenvolveu tese de doutorado sobre
o conceito de brasilidade na arte con-
1998. Como curador, concebeu importan- temporânea. Possui textos publicados
tes exposições, tais como “Amilcar de sobre arte brasileira em periódicos e
Castro: Repetição e Síntese”, “Mestres catálogos nacionais e internacionais.
Espanhóis e a Gravura”, “Gráfica Utópica:
Arte Gráfica Russa 1904-1942” e “Flu-
xus”, entre outras.

4
Elvis da Silva Rosa Amélia
O Artista Plástico Elvis da Silva trabalha
com ações étnico raciais e racismo
Barbosa
Professora do Ensino Básico Técnico
dentro das escolas do Brasil, (Cultura
e Tecnológico no IFPR. Mestre em
Negra e Cultura Indígena), foi funcionário
Educação pela Universidade Federal de
concursado da Receita Federal, depois
Uberlândia. Possui graduação em Peda-
Funcionário Público Especial concursa-
gogia (FAMA - 2015) e em Artes Visuais
do, na AM, MG, RS, e SP, permanecendo
(CESUBE - 2006). Atuou como Analista
em tais atividades por 25 anos, sempre
Educacional na Superintendência Regio-
desenvolveu a arte em sua vida e o arte-
nal de Ensino de Patrocínio (SEE/MG).
sanato em diferentes regiões do Brasil.
Atualmente pesquisa sobre a formação
cidadã no âmbito das políticas públicas
educacionais do Brasil e o componente
curricular Arte na rede pública. Desenvol-
ve projeto de extensão relacionado a
arte e a cultura.

Cirandar 5
 su Entrevista brasil
má´ Enquanto bebo a água,
Cenário
comtenporâneo do
8 a água me bebe
20 cinema Brasileiro

ri Marcio de Oliveira Fonseca

Daysi Bregantini

O Mercado brasileiro

o artigo
24 de arte
José Antonio Lima

A cor do brasil

12 Paulo Herkenhoff e
Marcelo Campos
capa
Linguagens do corpo
Poema Infinito
18 Carioca
Por Luiz Camillo Osorio
26 Por Evandro Salles

6
 ~
educação ENTRETENIMENTO
Benefícios da arte no
Faça você mesmo
34 contexto escolar
Rodrigo Martins
44 José Antonio Lima

Projeto Escola do
~
Painel de arte
37 Olhar
Rodrigo Martins
46 Por Luiz Camillo Osorio

Agenda do mês

´
CRÍTICA
48 Juliana Andrade

Crítica: Exposição
Medo de pular
41 Capa em cores
Marcio de Oliveira Fonseca
50 Luisa Freitas da Costa

Cirandar 7
Entrevista
Artista Lúcia Laguna. São Paulo (SP)
Foto: José Paulo Lacerda

Enquanto
bebo a
´água,
a ´água
me bebe

Entrevista com Lucia Laguna

Por Marcio de Oliveira Fonseca

8
L
ucia Laguna cria paisagens que
são cartografias de um camin-
hante sem destino e sem pressa.
Malhas sobrepostas, marcadas pelo tempo
que age sobre a urbe e por entre a pintura.
E, por mais impressionantes que sejam
essas paisagens, geografias-mundo de uma
grafia imaginal de mundo ainda em insinu-
ação, estamos diante de um conteúdo de
impressões rotineiras, de cunho doméstico,
que resumem o desejo da pintora de pairar
sobre seus próprios fragmentos, sua própria
história, sua própria espreita. Pinta tudo o
que vê, e o que não se vê. O que paira. O halo
delicado dos avistamentos do vale, da fave-
la, e das vigílias solitárias durante a noite,
quando a escuta atua mais que a equivoca-
da visão. Esse é seu território, aquele que
resume seu desejo de continuar a marcha,
mesmo quando o deslocamento se encerrou
e tudo o que sobra para a navegante é con-
fundir “porto” com “bordo”.
Laguna nasceu em Campos de Goytaquases
em 1941. Aos 30 anos formou-se em Letras,
tendo trabalhado em escolas pública e
particular lecionando Português e Literatu-
ra. Em 1984, iniciou sua formação artística
na Escola de Artes Visuais do Parque Lage.
Sua primeira exposição individual aconte-
ceu em 1998. Uma carreira que conta com
diversos prêmios como o Programa Rumos
Artes Visuais do Instituto Itaú Cultural, o
Prêmio SESI Marcantônio Vilaça e duas indi-
cações para o Prêmio Pipa, em 2011 e 2015.
While I drink water, water drinks me
Laguna creates landscapes that are
cartographies of a walker with no destination
and no hurry. Overlapping meshes, marked
by the time that acts upon the city and among
the painting. And, no matter how impressive
these landscapes are, world-geographies
of an imaginal spelling of a world still being
hinted at, we face a content of routine
expressions, of domestic character, that sum
up the painter’s desire to hover above her own
“
fragments, her own history, her own ambush.
She paints everything that she sees, and what
Pinta tudo o
she doesn’t see. All that hovers. The delicate
halo of sightings of the valley, of the favela
and of the solitary vigils during the night, the
que vê, e o que
sense of hearing functions better than the
mistaken vision. This is her territory, the one
that resumes her desire to continue the march, não se vê. O
even when the displacement is over and all
that remains is for the navigator to confuse
“port” with “board”.
que paira.
“
Laguna was born in Campos de Goytaquases,
in 1941. When she was 30, she graduated in
Literature. She worked in public and private
schools as a teacher. In 1984, she began
her artistic training at the Visual Arts
School of Parque Lage. Her first exhibition
was in 1998. Her career includes several
awards such as the Rumos Artes Visuais
Program of the Itaú Cultural Institute, the
Marcantônio Vilaça SESI Award and two
nominations for the Pipa Award in 2011
Cirandar 9
 Entrevista
Participou da Bienal de São Paulo em
2012, onde sua pintura abstrata discute a
paisagem, o jardim e o espaço onde a artista
mora. Vive e trabalha no Rio de Janeiro e hoje
é representada pela Galeria Fortes Vilaça,
São Paulo. Em entrevista a Marcio Fonseca,
Lucia nos conta um pouco desta história.
Lucia, como a arte entrou na sua vida?
Como você sabe, Márcio, minha história com
a pintura foi como as de amor à primeira
vista: a gente se apaixona e quer saber tudo
do outro. Esta sempre foi a minha pretensão,
esquadrinhar a História da Arte, aprender com
meus ídolos, copiar e repetir até ganhar algu-
ma experiência que me ajudasse a encontrar
um caminho entre o passado e o contemporâ-
neo. E esta é uma busca que nunca termina.
Sua primeira participação na Bienal de São
Paulo, foi em 2012. Qual foi a sensação
diante do convite e o que você mostrou lá?
A surpresa do convite para a Bienal me trouxe
uma grande alegria, como se estivesse rece-
bendo uma medalha olímpica por correr con-
tra o tempo! Recomecei a pintar ferozmente.
Agora, é só desfrutar da alegria de pintar.
A mostra foi a verdade do meu trabalho no
ateliê. São muitos - ficam dispostas como no
ateliê, alguns bem próximos uns dos outros
para explorar uma possivel relação entre
eles...Há quadros que se referem diretamente
ao espaço do Pavilhão da Bienal e seu entor-
no ( “O mundo é o que se vê de onde se está”.
Milton Santos). No total são 35 obras de ta-
10
manhos diversos que foram remanejadas em
três montagens – a inicial da abertura, outra
que foi em outubro e outra em novembro. Os
quadros foram trocados de lugar e posição e
outros inéditos foram acrescentados.
“
Acho que pintar
é sobre isso:
o trabalho se
constrói entre
dúvidas e ques-
tionamentos. “ Parque Lage, fiz cursos teóricos e práticos
Lucia, sabemos, que você costuma escrever
num painel de seu ateliê o nome dos artistas
influenciadores de seu pensamento, você
poderia dividí-los conosco?
É uma longa lista que aumenta sempre ...Vou
citar alguns... Paolo Uccelo, Morandi, Piero
della Francesca, Goya, Phillip Guston, Bispo
do Rosario, Richard Deacon, Tony Cragg, Sean
Scully, Turner, John Baldessari, Cristina Cana-
le, Beatriz Milhazes... entre muitos outros.
O que é ser uma pintora no século XXI?
Repito a resposta que dei ao Paulo Herken-
hoff numa entrevista em 2007: Um pintor
contemporâneo tem de lidar com limites a
afirmações, e quase fazer uma confissão
de fé na força inesgotável da pintura e sua
posição única na produção contemporânea
(assim era quando eu comecei em 1994. Acho
que pintar é sobre isso: o trabalho se constrói
entre dúvidas e questionamentos. Gosto de
pensar no mundo como superfície, usar as
imagens, transformá-las, construí-las e des-
construí-las no momento mesmo em que se
formam, segundo meu processo nômade...
Como foi sua formação na pintura?
Comecei a pintar depois de me aposentar,
aos 54 anos, em 1994, após uma carreira
de 30 anos como professora de Lingua
Portuquesa. Na Escola de Artes Visuais do
com Luis Ernesto, Charles Watson, Kate
van Scherpenberg, João Magalhaes, Paulo
Sergio Duarte e outros. Considero que devo
muito do pouco que sei às viagens monitora-
das que fiz com Charles Watson no Projeto
Dynamic Encounters, visitando vários mu-
seus no mundo, ateliês de artistas, debates
com os professores. que nos acompanha-
vam... Tenho uma série de pinturas sobre o
subúrbio do Rio e outras que se referem ao
ateliê e ao jardim de casa. Ou seja, meu lugar
no mundo é o meu assunto.
and 2015. She participated in the São Paulo
Biennial In 2012, where her abstract painting
discusses the landscape, the garden and
the space where the artist lives. She lives
and works in Rio de Janeiro and today it’is
represented by Galeria Fortes Vilaça, São
Paulo. In an interview with Marcio Fonseca,
Lucia tells us about this story.
Lucia, how did art come into your life?
As you know, my story with the painting was
like love at first sight: we fall in love and want
to know everything about the other. This has
always been my pretense, to scan the history
of art, to learn from my idols, to copy and to
repeat until I even gained some experience
that would help me find a way between the
past and the contemporary. And this is a
quest that never ends.
His first participation in the São Paulo
Biennial was in 2012. What was the feeling of
the invitation and what you showed there?
The surprise of the invitation to the Biennial
brought me great joy, as if I were receiving
an Olympic medal for running against time!
I started painting again fiercely. Now, just
enjoy the joy of painting.
The exhibition was the truth of my work in
studio. There are many works - they are
arranged like my studio, some them are very
close to each other to explore a possible
relationships… There are pictures that refer
directly to the space of the Biennial Pavilion
and its surroundings (“The world is what you
see Where you are. “Milton Santos). There are
35 works of various sizes that were remade
in three assemblies – the first group in the
opening, another in October and other in
November. The tables were changed place and
position and other unpublished were added.
Artista Lúcia Laguna
Foto: José Paulo Lacerda
Lucia, you used to write on a panel of your
studio the name of the influential artists of
your thought, could you share them with us?
It is a long list that always increases ... I will
mention some ... Paolo Uccelo, Morandi,
Piero della Francesca, Goya, Phillip Guston,
Bishop do Rosario, Richard Deacon, Tony
Cragg, Sean Scully, Turner, John Baldessari,
Cristina Canale , Beatriz Milhazes ... among
many others.
How is it to be a painter in the 21st century?
I repeat the answer I gave to Paulo
Herkenhoff in 2007: A contemporary painter
has to deal with limits to affirmations, and
almost make a confession of faith in the as a teacher of Lingua Portuquesa. Then I
inexhaustible force of painting and his unique took theoretical and practical courses with
position in contemporary production (that Luis Ernesto, Charles Watson, Kate van
is when I started in 1994. I think painting is Scherpenberg, João Magalhaes, Paulo Sergio
about this: work is built between doubts and Duarte and others at the Visual Arts School of
questions. I like to think of the world as a Parque Lage.Also, I consider that I’ve learned
surface, to use images, to transform them, to very much with Charles Watson at the Dynamic
construct them and to deconstruct them at Encounters Project, visiting several museums
the moment they are formed, according to My around the world, doing artists’ workshops
nomadic process and debating with teachers who accompanied
us ... Now I have a series of paintings about
How was your training in painting? the suburb of Rio and others that refer to my
I started painting after retiring, at the age studio and my house garden. That is all, my
of 54, in 1994, after a career of 30 years place in the world is my subject.
Cirandar 11
 Artigo

A
cor
do
bra
sil
The colour of Brazil
Por Paulo Herkenhoff
e Marcelo Campos

Abaporu/Abaporu- 1928
Tarsila do Amaral

12
 Não há cor neutra. Além de ser fenômeno
óptico, a cor é construção social. Por
atuar no campo do sensível, atua também
politicamente. Assim, da experimentação
das formas de percepção à dimensão pública
da cor, colorir nunca foi um ato ingênuo,
apolítico ou arbitrário.
There is no neutral colour. As well as being an optical phenomenon,
colour is a social construction. And as it acts in the field of sensitivity,
it also acts politically. As such, from the experimentation of forms of
perception to the public dimension of colour, colouring has never been
a naive, apolitical, or an arbitrary act.

S
ão muitos os projetos da cor na sociedade. A exposição A cor do Brasil apresenta
percursos, inflexões e transformações da cor na história da arte brasileira. Ao ini-
ciar com os projetos da cor dramática do barroco, a paleta cromática da natureza
dos pintores viajantes dos séculos XVII-XIX, e as investigações acadêmicas afrancesadas,
a mostra abre um largo panorama para as experimentações modernas em torno da cor no
século XX. Obras de artistas tão importantes quanto Anita Malfatti, Tarsila do Amaral, Flávio
de Carvalho, Emiliano Di Cavalcanti, Ismael Nery, Lasar Segall, Vicente do Rego Monteiro e
Candido Portinari conformam um vibrante percurso pelo momento histórico em que o Brasil
se inventa como nação, de pletora das cores pau-brasil, em que a cor adquire papel crucial.

Cirandar 13
 Artigo
Mais adiante, a segunda sala da exposição
exibe o período em que se busca desvincular
a cor de sua dimensão nacionalista para radi-
calizar experimentos prioritariamente percep-
“
A cor do Brasil retoma as impli-
cações e os projetos políticos da
cor na atualidade, agora pensando
um Brasil ampliado... “
tivos, coadunados à autonomia da arte. É o
ambiente tanto do Núcleo Bernardelli, com os
primeiros exercícios frente à abstração, quan-
to da afirmação construtiva no Brasil, com os
movimentos concretos e neoconcretos, dos
quais aqui destacamos obras-primas de artis-
tas ainda pouco conhecidos do público, como
Décio Vieira, Aluísio Carvão e Ivan Serpa. A
última sala da mostra parte da gestualidade
abstrata nipônica de artistas como Manabu
Mabe, Flávio-Shiró e Tomie Ohtake e conduz
o visitante à voluptuosidade da cor gestual
da Geração 80, cujas pesquisas em pintura
conformaram uma fase única na arte do país.
Alcançando o século XXI, A cor do Brasil
retoma as implicações e os projetos políticos
14
da cor na atualidade, agora pensando um
Brasil ampliado, de Norte a Sul, a exemplo de
um núcleo dedicado à revisão da ideia do “na-
cional”, que tem na bandeira seu maior ícone.
Intenções e ressonâncias múltiplas da cor se
revelam através da arte: colorir inventa uma
nação; a transforma em república; recria – por
meio da paisagem – a relação do homem com
a natureza, com a terra, com o minério, com
o céu, com as nuvens; interpõe ciência e arte;
promove encontros entre culturas distintas,
modos de colorir o corpo, afirmação política
entre cor e etnicidade; reposiciona o corpo;
atua politicamente; simboliza. Recria, con-
stantemente, os modos de perceber, inclusive
na ausência de cor ou nos projetos de “cor
inexistente” (Israel Pedrosa). O que se impõe
em A cor do Brasil é a força da arte desde um
dos seus gestos mais precípuos e, portanto,
fundamentais: a invenção da cor.
There are many projects of colour in society.
The exhibition A cor do Brasil [The colour
of Brazil] presents the inflections and
transformations of colour in the history of
Brazilian art. Starting from the dramatic colour
projects of Baroque, the chromatic pallet
of nature of the travelling painters from the
17th-19th centuries, and from French-like
academic investigations, the exhibition opens
a wide panorama for modern experimentations
relating to colour in the 20th century. Works
by such important artists as Anita Malfatti,
Tarsila do Amaral, Flávio de Carvalho, Emiliano
Di Cavalcanti, Ismael Nery, Lasar Segall,
Vicente do Rego Monteiro and Candido
Portinari form a vibrant journey through the
historical moment in which Brazil invented
itself as a nation, from the plethora of colours
of the Brazilwood tree, in which colour takes
on a crucial role.
are revealed through art: colour invents a
nation; it transforms it into a republic; it
recreates – through the landscape – the
relationship of man with nature, with the
earth, with minerals, with the sky, and with
the clouds; it interposes science and art;
it promotes meetings between distinct
cultures, forms of colouring the body, and
the political affirmation between colour and
ethnicity; it repositions the body; it acts
politically; and it symbolises. It constantly
recreates means of perception, even in
the absence of colour, or in projects of
“inexistent colour” (Israel Pedrosa).
What is imperative in A cor do Brasil is the
strength of art from one of its essential,
and therefore fundamental gestures: the
invention of colour.
Procissão / procession - 1941
Tarsila do Amaral

Moving on, the second room of the

exhibition shows the period in which the
disconnection of colour from its nationalist
dimension was sought, in order to radicalise
experiments that were, as a priority,
perceptive, and linked to the autonomy
of art. It is the environment both of the
Bernardelli Group, with the first exercises
into abstract, as well as the constructive
affirmation of Brazil, with the concrete and
neo-concrete movements, from which the
masterpieces of artists who remain little-
known to the public stand out here, such as
Décio Vieira, Aluísio Carvão and Ivan Serpa.
Multiple intentions and resonances of colour

Cirandar 15
 Artigo
Museu de Arte do Rio - MAR
Exposição “A cor do Brasil/ The
colour of Brazil”
16
Cor, vida, luto
e resistência
A
s vivências sociopolíticas que
fundamentam o severo projeto de
cor de Anna Maria Maiolino são
atravessadas pelo trauma das privações
oriundas da Segunda Guerra e por uma
história de migrações. Seu reduzido grupo
de cores constrói a contundência visual que
indaga sobre o lugar do sujeito em errância
no mundo moderno, dos papéis fluídos da
mulher, das instâncias significativas da arte
na sociedade, da matéria primal do mundo,
do pão, do desejo, do amor, do medo e da
fome antropofágica. Seus Mapas mentais
dão conta de um itinerário pessoal que só
encontra refúgio na exposição do desabrigo.
O vermelho sanguíneo que atravessa sua
obra é a suficiência da cor vital que resolve
os extremos da ausência absoluta da luz
no preto ou da luminosidade cegante. Falar
de si, para Anna Maria, é afirmar que cada
indivíduo tem seu inventário de perdas,
dobras da alma, memórias do corpo vibrátil,
afetos. Para ela, lugar é o espaço onde a
subjetividade possa existir em busca da
plenitude dolorida da expressão. É dessa
ampla cartografia entre o luto e a resistên-
cia que surge a positividade desta obra
sobre a ventura e a dor de viver.
O Museu de Arte do Rio – MAR abre ao
público A cor do Brasil, exposição que
traça a trajetória da arte brasileira desde o
período colonial até o século XXI. A mostra
reúne mais de 300 peças, vindas da Argen-
tina, do México e de outras 12 instituições
espalhadas pelo Brasil, que cederam parte
de seus acervos para a montagem da mais
completa antologia da cor já apresentada
na cidade do Rio de Janeiro.
O percurso é formado por obras-primas que
vão de Frans Post – um dos mais importantes
artistas neerlandeses, que no século XVII par-
ticipou de expedição pelo nordeste do Brasil
– a Tarsila do Amaral, considerada a primeira
dama do modernismo nacional e autora de
Abaporu (1928) e Antropofagia (1929), pintu-
ras mundialmente conhecidas que retornam à
cidade pela primeira vez desde o começo do
século XX. O público também terá a oportuni-
dade de apreciar o elogio da beleza nas cores
de Eliseu Visconti e Beatriz Milhazes.

The sociopolitical experiences that underlie

the severe color scheme of Anna Maria
Maiolino are traversed by the trauma of the
deprivations of the Second World War and
a history of migration. Her small group of
colors builds the visual force that inquires
about the place of the subject in wandering in
the modern world, the fluid roles of women,
the significant instances of art in society,
the primal matter of the world, bread, desire,
love , Fear and anthropophagic hunger. His
Mindmaps realize a personal itinerary that
only find refuge in homelessness exposure.
The blood red that goes through his work is
the sufficiency of the vital color that resolves
the extremes of absolute absence of light
in black or blinding luminosity. To speak of
oneself, to Anna Maria, is to affirm that each
individual has his inventory of losses, folds
of the soul, memories of the vibrating body,
affections. For her, place is the space where
subjectivity can exist in search of the painful
fullness of expression. It is from this ample
cartography between mourning and resistance
that the positivity of this work appears on the
happiness and pain of living.
The Rio Art Museum - MAR opens the public
The color of Brazil, an exhibition that traces
the trajectory of Brazilian art from the colonial
period to the 21st century. The exhibition
gathers more than 300 pieces from Argentina, Museu de Arte do Rio - MAR
Exposição “A cor do Brasil/ The
Mexico and other 12 institutions spread colour of Brazil”
throughout Brazil, which have transferred part
of their collections to the assembly of the most
complete anthology of color already presented
in the city of Rio de Janeiro.
The course consists of masterpieces ranging from Frans
Post - one of the most important Dutch artists,
who in the seventeenth century participated in
an expedition in northeastern Brazil - Tarsila
do Amaral, considered the first lady of national
modernism and author of Abaporu ( 1928) and
Anthropophagy (1929), world-known paintings
that return to the city for the first time since
the beginning of the 20th century. The public
will also have the opportunity to enjoy the
compliment of beauty in the colors of Eliseu
Visconti and Beatriz Milhazes.

Cirandar 17
 Artigo
Por Luiz Camillo Osorio
Linguagens do
corpo carioca
O
Museu de Arte do Rio inaugura
Linguagens do corpo carioca [a
vertigem do Rio]. Resultado de
uma vasta pesquisa realizada sob a curadoria
de Paulo Herkenhoff e cocuradoria Milton Gu-
ran, a exposição reúne 800 obras de artistas
como Evandro Teixeira, Pierre Verger, Mario
Testino, Bruno Veiga e Ana Stewart, entre out-
ros nomes que captaram a essência da alma
carioca por meio de seus trabalhos. A mostra
integra a programação do FotoRio 2016 e tem
o apoio do banco J.P. Morgan.
18
A abordagem transversal, característica comum
às mais diversas mostras do MAR, se repete em
Linguagens do corpo carioca, que é dividida em
núcleos e traz à tona as mais diversas faces da
vida na cidade. Entre as tendências lançadas
por aqui estão o highline (exercício de equilíbrio
sobre uma fita elástica esticada entre dois
pontos fixo no alto) e o surfe no trem. A cama-
radagem e a aproximação entre as classes,
possível devido à segregação social marcante,
estarão presentes em imagens do antigo Píer
de Ipanema e dos cotidianos do samba e das
comunidades. Também serão representadas
Se é pra ser amor, que marque a alma/
If It’s Meant to be Love,
Let It Brand the Soul! (2014)
Alexandre Mazza
a vertigem
do Rio
as multidões nos jogos no Maracanã, manifes-
tações políticas e até as filas do INSS. A famosa
ginga das capas de discos da bossa nova, a cul-
tura afro, a relação com o mar e personagens do
imaginário do Rio também integram a mostra.
Na contramão das belezas de ser carioca, o
visitante é confrontado com um Rio melancólico
e marcado pela violência, por uma oposição ao
prazer. Nesse contexto, três séries merecem
destaque: a primeira, da artista Ana Khan,
mostra o vazio deixado no exato local onde
pessoas foram vítimas de balas perdidas;
seguindo a mesma poética, fotos do coletivo
Mão na Lata, feitas com uma câmera pinhole
– que por ter uma fixação lenta da imagem não
capta movimentos – mostram locais onde há
somente construções, sem qualquer tipo de
vida; fechando o núcleo, a série “Universidade
Federal”, de Walter Carvalho, reflete sobre os
lugares do crime na cidade.
Body discourses [the vertigo of Rio]
The Museu de Arte do Rio, under the
management of Instituto Odeon, opens Body
discourses [the vertigo of Rio]. The result of
wide-ranging research carried out under the
curatorship of Paulo Herkenhoff and co-
curatorship of Milton Guran, the exhibition
brings together 800 works by renowned artists
– such as Evandro Teixeira, Pierre Verger, Mario
Testino, Bruno Veiga and Ana Stewart – and
names that are less well-known, but who equally
capture the essence of the Carioca soul through
Salto em Copacabana/
Jumping in Copacabana (2013)
Fábio Teixeira
their work. The exhibition is part of the
FotoRio 2016 programme and is sponsored by
the J.P. Morgan bank.
On show throughout the Olympic Games, the
exhibition takes as its starting point the body
of the people who live in the city in order to
bring into discussion social identity as a kind
of gestural slang. This transversal approach, a
common characteristic in many exhibitions in
MAR, is repeated in Body discourses, which is
divided into sections and brings the tone of the
most diverse facets of life in the city.
Among the trends that are launched here are the
highline and train surfing. The camaraderie and
the closeness between classes, made possible
by strong social segregation, are present in
images of the old Ipanema Pier and the day-
to-day of samba and the favela communities.
Also on show are the masses in the Maracanã
stadium, political protests and even the queues
at the INSS work and pensions office. The
famous hip swinging covers of Bossa Nova
albums, Afro culture, the relationship with the
sea, and the characters of the imagery of Rio
also feature in the exhibition.
Going against the beauty of being Carioca,
the visitor is confronted by a melancholic Rio
that is marked by violence, by an opposition
to the pleasure. In this context, three series
deserve attention: the first, by the artist
Ana Khan, shows the void left in the exact
spot where people were the victims of stray
bullets; following this same poetic, photos by
the collective Mão na Lata, taken by pinhole
cameras – which due to the slow fixation of
the image don’t capture movement – show
places where there are only constructions,
without any kind of life; finishing of this
section is the Federal University series,
by Walter Carvalho, reflecting upon crime
scenes in the city.
Cirandar 19
 Exposições

O Poema
Infinito
de
Wlademir
Dias-Pino
The infinite poem of Wlademir Dias-Pino
Por Evandro Salles

20
26

O surpreendente universo poético de
Wlademir Dias-Pino, artista seminal para
a história da poesia visual, da arte con-
creta, do poema/processo, do design e
da educação no Brasil e a enorme con-
tribuição de sua obra que – iniciada des-
de a adolescência, com trabalhos já aos
11 anos de idade – ainda não foi plena-
mente reconhecida.
The surprising universe of Wlademir Dias-Pino, great artist
for the history of visual poetry, concrete art, poem-process,
design and education in Brazil, and the enormous contribu-
tion of his work that – that begun since he was 11 years old
- has not yet been fully recognized.
É
preciso entender sua vida partil-
hada entre duas cidades (Rio de
Janeiro e Cuiabá) e os diversos
focos de seu trabalho, do dia a dia de artista
à atuação política na fundação da Univer-
sidade da Selva (hoje Universidade Federal
do Mato Grosso) – experiência inovadora no
campo universitário brasileiro na década de
1970 –, e também a intensa atividade como
teórico do design e programador visual. A
escolha por esses territórios, discretos se
comparados à estridência hegemônica de
outros centros do Brasil, certamente segre-
daram as inovações e as experimentações de
Wlademir. É, portanto, com especial entusias-
mo que o MAR apresenta a mostra O poema
infinito de Wlademir Dias-Pino, organizada
pelo artista e curador Evandro Salles.
Nascido no Rio de Janeiro, Dias-Pino
migra ainda criança para o Mato Grosso e
retorna à capital fluminense para se tornar
um dos precursores da poesia concreta e
Cirandar 27
21
 Exposições
uma relevante referência para os preceitos
neoconcretos. Nesse contexto, passa a
compreender que seu interesse é menos
pelo sentido ou pela forma final da poesia,
mas sobretudo pelos modos de estruturar
o poema – de sua materialidade ao caráter
participativo do leitor –, o que o estimula a
criar, junto a outros artistas, o movimento do
poema/processo (1967-1972). Paralelamente
aos dois movimentos que dominavam o eixo
Rio-São Paulo nas décadas de 50 e 60, Di-
as-Pino, junto a Álvaro de Sá e outros artistas
“
do Rio Grande do Norte, Pernambuco, Minas
Gerais e Mato Grosso, desenvolve esse mét-
odo de vanguarda que repensa o poema para
...seu interesse além de sua dimensão de signo linguístico,
transformando o livro ou qualquer outro
é menos pelo suporte em poemas, manipuláveis simbólica,
estrutural e fisicamente pelo leitor.
sentido ou pela A exposição toma como eixo central quatro
forma final da poemas: O dia da cidade, Ave, Solida e
Numéricos. No primeiro, o artista conecta os
poesia, mas so-
versos a linhas, descreve pontos de Cuiabá
– centro geodésico da América do Sul – e
forma um grande mapa, já trazendo para a
bretudo pelos arte questões relacionadas à cartografia. No
segundo poema, páginas transparentes e pa-
modos de estru- lavras soltas apresentam diversas possibili-
dades de leituras, enquanto o terceiro, Solida,
turar o poema...
“ se apropria da ambiguidade entre as palavras
solidão e sólida para convidar o leitor a dar
corpo ao poema através da manipulação das
páginas do livro.
28
Já o último é uma brincadeira que associa
palavras a números, gerando poesia a par-
tir de formulações aritméticas, numa críti-
ca à toda ideia de inspiração do artista.
Na exposição, visando ampliar a experiência
sensorial dos trabalhos, tais livros-poemas
foram transformados em grandes instalações
magnéticas, nas quais os elementos serão
construídos e rearranjados pelo visitante.
Outro destaque da exposição é a Enci-
clopédia Visual Brasileira, na qual o artista
vem trabalhando nos últimos 20 anos. Com-
posto por 1001 volumes, o trabalho pretende
apresentar, por meio de pranchas resultantes
da montagem alegórica de referências cul-
turais diversas, a história da construção da
imagem no mundo.
A obra de Wlademir Dias-Pino, sua bi-
ografia, suas principais interlocuções, os
marcos históricos de sua trajetória, suas
referências e suas principais propostas es-
tarão reunidas e articuladas, na exposição,
na mais completa cronologia já elaborada
sobre o artista. Fartamente ilustrada, e
apresentando também os documentos
relativos a cada ponto dessa linha do
tempo, a cronologia oferece uma opor-
tunidade ímpar de contextualizar a obra
de Dias-Pino e perceber, em perspectiva,
sua crucial relevância para o panorama
nacional e internacional da arte, da poesia
e da programação visual.
It is necessary to understand he shared
his life between two cities (Rio de Janeiro
and Cuiabá) there are various points of
his work, from day by day as an artist with
political action at the University of Selva
(now Federal University of Mato Grosso) –
where developed innovative academics
experiences in the 1970s – and also his
acted as a theorist of design and visual
communication. Wlademir choose for
lives in these territories, on the center
of Brazil, certainly hided the innovations
and the experiments of him. Because of
that today MAR has special enthusiasm to
presents the exhibition The infinite poem
of Wlademir Dias-Pino, by the artist and
curator Evandro Salles.
Dias-Pino born in Rio de Janeiro and
moved still a child to Mato Grosso. He
returned to Rio de Janeiro to became one
of the main writes of concrete poetry and a
reference to neoconcrete precepts. In this
context, he begins to understand that his
interest is less in the sense or final form of
poetry, but more especially in the ways of
structuring the poem – from its materiality
to the participatory character of the reader.
It encourages him to create with other
artists The movement of the poem/process
(1967-1972). Simultaneously to the two
movements from Rio-São Paulo in the 1950s
and 1960s. Dias-Pino worked with Álvaro
de Sá and other artists from Rio Grande do
Norte, Pernambuco, Minas Gerais and Mato
Grosso, developed this avant-garde method intends to present, through boards
that rethinks the poem beyond its linguistic resulting from the allegorical assembly of
sign dimension. Also transforming the book diverse cultural references, the history of
or any other medium into poems, handled as the construction of the image in the world.
symbolically, structurally and physically
way by the reader. The work of Wlademir Dias-Pino, his
biography, his main interlocutions, the
The exhibition takes as central axis four historical milestones of his trajectory,
poems: The day of the city, Ave, Solida e his references and his main proposals
Numéricos. In the first, the artist connects will be gathered and articulated in the
the verses to lines, describes points of exhibition, in the most complete chronology
Cuiabá - geodesic center of South America already elaborated on the artist. The
- and forms a great map, already bringing chronology provides a unique opportunity
to the art questions related to cartography. to contextualize Dias-Pino’s work and to
In the second poem, transparent pages and perceive, in perspective, its crucial relevance
loose words present different possibilities of to the national and international panorama of
reading, while the third, Solida, appropriates art, Poetry and visual programming.
the ambiguity between the words solitude
and solid to invite the reader to give body
to the poem by manipulating the pages of
the book. The latter is a joke that associates
words with numbers, generating poetry from
arithmetic formulations, in a criticism of the
whole idea of the artist’s inspiration.
In the exhibition, in order to extend the
sensory experience of the works, these
poem-books were transformed into
large magnetic installations, in which
the elements will be constructed and
rearranged by the visitor. Another highlight
of the exhibition is the Encyclopaedia
Visual Brasileira, in which the artist
has been working in the last 20 years.
Artista Wlademir Dias-Pino
Composed of 1001 volumes, the work
Foto: Ana Branco
Cirandar 29
 Exposições
O poema
e
a obra
E
stamos diante do Poema Infini-
to, uma obra que não possui um
começo e um fim: ela consiste em
um todo em processo, como um labirinto,
no qual cada parte se entrelaça à outra,
formando uma rede de confluências advindas
de pontos distintos. Da mesma forma que
diante de uma pintura, podemos adentrar
“
Estamos diante do Poema Infinito,
uma obra que não possui um
começo e um fim: ela consiste
em um todo em processo,
como um labirinto... “
30
a obra-labirinto de Wlademir Dias-Pino por
qualquer um de seus lados, de suas pontas
ou portas.
Prestes a completar 89 anos, Wlademir
trabalha, como sempre o fez, intensa e pro-
ficuamente, idealizando projetos dos quais
produz longas séries de trabalhos, milhares
de imagens. Sua obra visual/literária é, ainda,
em larga medida inédita, desconhecida mes-
mo de seus admiradores. Esta obra material-
iza-se hoje como um campo de descobertas
e revelações surpreendentes, impondo uma
urgente revisão de seu papel nas vanguardas
artísticas brasileiras. O poema Dia da cidade,
de 1948, ou a Enciclopédia visual brasileira,
aqui expostos pela primeira vez com suas
necessárias configurações e grandezas, bem
como a oportunidade de conhecer as edições
originais raríssimas dos livros A ave e Solida,
são exemplos gritantes dessa urgência.
Por isso, mesmo que possa parecer absurdo
construir uma cronologia para um labirinto,
esta exposição inicia-se com uma “crono-
biografia” que nos ajudará a estabelecer
marcos importantes, permitindo relacionar
elementos da obra de Wlademir Dias-Pino
com a história da arte e da literatura brasilei-
ras, dando continuidade a uma releitura des-
sa obra em sua significação. Tendo criado na
década de 1940 em Mato Grosso o movimen-
to intensivista, que rompe com os preceitos
modernistas; tendo sido em 1956 um dos
seis poetas participantes da fundação do
movimento concreto; e, finalmente, tendo
organizado na década de 1960 o mais radical
dos movimentos literários de vanguarda,
o poema/processo; a obra de Wlademir
Dias-Pino confunde-se com a história das
vanguardas no Brasil.
A cronologia nos apresenta também o
romance de uma vida pautada por um rigor
ético extremo em torno do fazer artístico,
configurando-se como um verdadeiro projeto
político-cultural, cuja prática se delineia
como um quase sacerdócio e crença em seu
poder e função. Wlademir Dias-Pino, por uma
opção estritamente teórico-ideológica, sem-
pre evitou o mercado de arte: seu trabalho
busca instaurar processos e não reduzir-se
à feitura de objetos únicos. Os objetos
únicos que produz – sujeitos à serialização
e abertos à apropriação poética pública por
meio da criação do que denomina versões O Museu de Arte do Rio apresenta
– propõem sistemas e não modelos formais O poema infinito de Wlademir
acabados. Dias-Pino, que traz ao conheci-
mento do público a obra de um
Percorrendo a obra-labirinto, essa é a dos mais significantes artistas do
chave para entender o que poderíamos Brasil. Com curadoria de Evandro
chamar – usando um termo caro ao poema/ Salles, a mostra reúne mais de
processo – seu “contra-estilo”: incontáveis 800 peças entre livros, cartazes,
camadas de significantes se superpõem objetos, fotografias, desenhos,
livremente se autodesconstruindo umas às vídeos e instalações para contar a
outras para revelar a estrutura do sistema história de quase 90 anos de vida
que as originou, a lógica interna, a ideia que do artista – seus diversos focos
brilha e sustenta a montanha de imagens de trabalho, a atuação política
que produz. O conceito de autoria então se na fundação da Universidade da
esgarça, fazendo com que o gesto poético, o Selva (hoje Universidade Federal
gesto criador – do próprio poeta-artista e/ou do Mato Grosso) e a intensa
do leitor-consumidor que recria a obra com atividade como teórico do design
sua ação-investigação sobre ela – abarque e programador visual.
tanto o momento da inscrição primeira do
poema-obra como o de sua leitura-consumo,
tanto o passado histórico em que o sistema
se construiu, como o presente imediato no
qual ele é reconstruído em inevitável versão.
Se a cronologia oferece um panorama o mais
amplo possível de sua trajetória (apesar de
inevitavelmente incompleto), as séries de tra-
balhos que compõem a mostra articulam-se
entre si segundo uma lógica atemporal, de
núcleos que reúnem diferentes vertentes do
trabalho e que configuram de maneira signifi-
cativa partes do todo-labirinto de um poema,
muitas vezes de desenvolvimento simultâneo
e/ou paralelo – e definitivamente inacabado
porque, enquanto obra-processo, estará sem-
pre disponível à sua própria reinvenção.
Cirandar 31
 Exposições
The poem and the work
We are faced with the Infinite Poem, a work
that has no beginning and an end: it consists
of a whole in process, like a labyrinth, in which
each part intertwines with the other, forming a
network of confluences from different points.
In the same way as before a painting, we can
enter the labyrinth of Wlademir Dias-Pino by
any of its sides, its tips or doors.
About 89 years old, Wlademir works, as he
has always done, intensely and proficuously,
idealizing projects of which he produces long
series of works, thousands of images. His
visual / literary work is still largely unpublished,
unknown even to his admirers. This work
materializes today as a field of surprising
discoveries and revelations, imposing an
urgent review of its role in the Brazilian artistic
avant-gardes. The 1948 poem Day of the City,
or the Brazilian visual encyclopaedia, here
exposed for the first time with its necessary
configurations and greatness, as well as the
opportunity to know the rare original editions
of the books A bird and Solida, are glaring
examples of this urgency.
32
Therefore, even if it may seem absurd to
construct a chronology for a labyrinth, this
exhibition begins with a “chronobiography”
that will help us establish important
milestones, allowing us to relate elements of
Wlademir Dias-Pino’s work with the history of
art and Brazilian literature, giving continuity
to a rereading of this work in its meaning.
Having created in the 1940s in Mato Grosso
the intensivist movement, which breaks
with the modernist precepts; Having been
in 1956 one of the six poets participating in
the foundation of the concrete movement;
And finally, having organized in the 1960s
the most radical of the avant-garde literary
movements, the poem / process; The work
of Wlademir Dias-Pino is confused with the
history of the vanguards in Brazil.
The chronology also presents us with the
novel of a life ruled by an extreme ethical rigor
about the artistic making, configuring itself as
a true political-cultural project whose practice
is outlined as a quasi-priesthood and belief in
its power and function. Wlademir Dias-Pino,
by a strictly theoretical-ideological option,
always avoided the art market: his work seeks
to establish processes and not reduce
himself to the making of unique objects.
The unique objects that it produces -
subject to serialization and open to public
poetic appropriation through the creation
of what it calls versions - propose systems
and not finished formal models.
Going through the labyrinth, this is the key
to understanding what we might call-using
a costly term to the poem / process-
its “counter-style”: countless layers
of signifiers superimpose themselves
freely to self-deconstruct one another to
reveal the structure of the System that
originated them, the internal logic, the
idea that shines and sustains the mountain
of images that it produces. The concept
of authorship is then narrowed, so that
the poetic gesture, the creative gesture
- of the poet-artist himself and / or the
reader-consumer who recreates the work
with his action-research on it - embraces
both the moment of the first inscription
Of the poem-work as that of its reading-
consumption, both the historical past in
which the system was constructed, and the
immediate present in which it is rebuilt in
an inevitable version.
If the chronology gives as broad a panorama
of its trajectory (although inevitably
incomplete), the series of works that
compose the show articulate with each
other according to a timeless logic, of nuclei
that bring together different aspects of the
work and that configure of Meaningfully
parts of the whole-maze of a poem, often of
simultaneous and / or parallel development
- and definitely unfinished because, as
work-process, it will always be available to
its own reinvention.
The Rio Art Museum presents Wlademir Dias-Pino’s Infinite Poem, which brings to
the attention of the public the work of one of the most significant artists in Brazil.
Curated by Evandro Salles, the exhibition brings together more than 800 pieces
including books, posters, objects, photographs, drawings, videos and installations
to tell the story of the artist’s almost 90-year life - his various focuses of work,
Foundation of the University of Selva (now Federal University of Mato Grosso) and
the intense activity as a theorist of design and visual programmer.
Cirandar 33
 Entretenimento

medo
de ganhavam suas habilidades em um grande
evento fantástico que mudava a sua vida.
Com exceção dos mutantes, que um dia se
viu que não estava caindo. Desejou se mover
até o terraço do prédio e quando pousou suas
pernas pareciam de borracha. Ele desceu o

pular Por Adriano Docconi

descobriam alterando as leis da física. Mas
os mutantes viviam em um mundo onde as
leis da física não eram respeitadas. Para
todos os outros era fácil.
elevador da obra, segurando com força nas
suas vigas de aço, com medo de ser lançado
novamente no ar. Quando chegou ao térreo,
percebeu que tinha deixado a impressão da
sua mão no metal.
Ele era só um engenheiro que lia histórias
em quadrinho muitos anos atrás. Sua origem E foi isso. Essa era a sua origem secreta. Sem
Fazia um mês que ele repetia o que já se
também era um acidente, mas um acidente de aviso, sem motivo, ele se tornou a primeira
tornava um ritual. Parava em frente da janela
trabalho. Perdeu o equilíbrio quando estava pessoa com superpoderes do mundo. E esse
e olhava primeiro para cima, para o céu,
no prédio que acompanhava a construção era o problema. Ele testava a resistência da
admirava as nuvens, sentia o vento bater no
e caiu. Ele se lembra com detalhes sádicos sua pele, deixava a mão sobre o fogo, tentava
rosto e se lembrava de que tudo isso podia
a queda. Já tinha lido em algum lugar que o cortar sua mão com uma faca, flutuava até o
ser seu. Então, ele olhava para baixo. Para o
cérebro aumenta a velocidade de processa- teto do seu apartamento e pairava por vários
chão, 7 andares abaixo. A ponta das grades
mento em situações de perigo, a percepção minutos, prendia sua respiração por horas, le-
que ficavam na entrada do prédio. Imagina-
de tempo acelera e o mundo fica em câmera vantava o seu sofá com uma única mão. Mas
va se bateria nelas quando caísse. Talvez
lenta. Para ele foi pior, a sua percepção de fazia isso com medo. Como não ter? O que ele
acertasse as costas na bancada do jardim.
tempo acelerou a níveis sobrehumanos e os fazia era impossível. Não deveria acontecer.
A altura não era garantia de que ele morre-
22 andares que caiu duraram o que pareceu E, por isso, tinha medo que tudo acabasse,
ria. Talvez só quebrasse as costas, ficasse
dias. Conseguiu passar por todos os estágios de repente, do mesmo jeito que começou. E
inválido, ironicamente como aquele ator que
de alguém que descobre que vai morrer. A se acabasse enquanto estivesse no ar e ele
fez o Superman no cinema. O ritual sempre
negação inicial, raiva, barganha, depressão caísse novamente? Dessa vez, ele morreria ou
terminava do mesmo jeito, ele se afastava da
e aceitação. Mas ele não morreu. Acertou o pior. E se tentasse ajudar alguém, parar um
janela, abria a porta e ia para o trabalho.
chão e quebrou o piso de concreto que tinham trem, levar um tiro, combater o crime, como
armado no dia anterior. em seus sonhos de criança, e no meio de tudo
Ele pensava muito sobre o assunto de origens
ele se tornasse uma pessoa normal?
secretas. Adolescente, colecionava histórias
Na alegria de não ter morrido, deu um
em quadrinho. Por isso, sabia como a sua
pequeno salto e, para a sua surpresa, não Então, ele parava na janela do seu apartamen-
situação era única. Aranhas radioativas, aci-
parou de subir. Em frações de segundos, to. E olhava para cima. E olhava para baixo.
dentes em laboratórios, foguetes do espaço,
estava acima dos 30 andares do prédio. O Com medo de pular. Sem motivo para ter
medalhões mágicos. Todos os super-heróis
pânico de repetir o acidente passou quando medo. E abria a porta. E esperava o elevador.

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