zCátedra: Historia del Arte. Prof.

Patricia Grau-Dieckmann, 2016

Trabajo de Investigación- Parcial Domiciliario No 2- Consignas
En el trabajo de investigación del Parcial Domiciliario deben constar:

A) Los elementos típicos del barroco.

B) Las características propias de los artistas que hayan sido estudiados en clase.
C) Es una investigación de Historia del Arte, NO de Historia. Por lo tanto,
las biografías y datos superfluos no deben ser incluídos.
D) ¿Cuál es el mensaje real, alegórico, religioso o simbólico? Efectúe un
análisis siguiendo la guía que se le provee en cada obra.
E) En todos los casos, las obras que se les indican deben ser comparadas con
otras obras vistas o no vistas en clase. Las claves se les brindarán en cada
caso.
F) Cuando la cita no es explícita, deberán buscarla.
G) En todos los casos, aunque no se les solicite explícitamente, se deben
analizar las siete obras de Bernini, Caravaggio, Hals, Rembrandt, Van Dyck,
Velázquez y Vermeer respectivamente. Los análisis deben ser completos,
originales y exhaustivos.
H) En hoja aparte se debe especificar la bibliografía utilizada, con los datos
pertinentes, en orden alfabético. Por separado, listar las páginas de Internet
consultadas, con la dirección verdadera (no genérica ) y el día de consulta.
No se debe trabajar sólo con Wikipedia o páginas de la net. Se debe recurrir a
páginas de libros y artículos académicos.
I ) Las citas a pie de página deben constar con todos los datos bibliográficos y
con el número de pagina.
J) Las citas textuales no deben exceder los tres renglones. Toda cita debe
ser correctamente reconocida como tal.
K) Todas las páginas deben ir numeradas, incluyendo la carátula y la página
con la bibliografía.
L) Las ilustraciones no deben exceder 10 x 10 cm cada una. Pueden ir en blanco
y negro pero con buena definición. Deben constar los datos pertinentes sobre
el autor, nombre de la obra, museo que aloja la obra. No es necesario
mencionar el sitio de dónde fue tomada la imagen.
M) Antes de entregar el trabajo deben pasar el corrector de ortografía.
N) En la carátula debe constar el nombre de los integrantes del grupo o de los
responsables del Parcial domiciliario de investigación, el nombre de la
materia y el año y el título del trabajo.
O) Times New Roman, 12. Interlineado 1.5, separación de párrafos 4.
Tabulación 1. No es necesario párrafo justificado. Citas al pie en tamaño 10,
Times New Roman, sin tabulación.
P) Recomiendo contestar las preguntas paso a paso según el orden en que se
van presentando. Respetar el número y la letra que encabeza cada ítem.
Título:
“(…) EN ESTE MUNDO TRAIDOR, NADA ES VERDAD NI MENTIRA
TODO ES SEGÚN DEL COLOR DEL CRISTAL CON QUE SE MIRA”
(Ramón de Campoamor)

1) BERNINI, LORENZO - Eneas y Anquises, 2.20 m ,1618-1619, Galería

Borghese, Roma.

a) Virgilio, Eneida, Canto I, Versos 610 y 615:

Ilioneo buscó con su diestra y con la izquierda a Seresto,

y a los demás después, y al valiente Gías y al valiente

Cloanto.

Sin aliento se quedó la sidonia Dido, por la visión primero,

 después por tanta desventura del héroe y así habló con su
boca: «¿Qué desventura, hijo de la diosa, en medio de tan
grandes peligros 615 te persigue? ¿Qué fuerza te arroja a
riberas salvajes?

¿No eres tú aquel Eneas que la madre Venus al dardanio

Anquises le engendró junto a las aguas del frigio Simunte?

Y recuerdo muy bien que Teucro vino a Sidón

expulsado de la tierra de su padre, buscando un nuevo

reino

b) Compare esta escultura con el fresco renacentista “Incendio en el Borgo”

en las Estancias Vaticanas de Rafael.

Lo que se puede percibir en el fresco es a un joven llevando a un anciano

(podría ser su padre) en los hombros, ayudándolo a huir del fuego; esto lo
podemos comparar con la escultura de Bernini en el sentido de que “arde
Troya”, es decir, en la escultura escapan de la ciudad que se está (o la están)
prendiendo fuego, mientras que en el Incendio en el Borgo pasa una situación
similar, el fuego presente, y ese hijo ayudando a su padre a escapar de este.

c) ¿Cuál es la relación que la obra de Bernini tiene con la estatua de Augusto

en Primaporta?
La relación que se puede establecer es en la legitimidad del poder que se le atribuye a
Augusto con relación “al único príncipe troyano sobreviviente, Eneas, quien logró
huir combatiendo hasta el rio, llevando a los suyos hasta la desembocadura donde
emprendió un peregrinaje hacia el Poniente. Este viaje termina cuando Eneas y sus
compañeros fundan la ciudad de Roma, la Segunda Ilión o, la Ciudad Eterna”1.
También podemos ver la legitimación de Eneas con Augusto, en el que Eneas es el
hijo de Venus, al igual que Augusto se dice.

2) CARAVAGGIO, MICHELANGELO MERISI, - Judith decapitando a

Holofernes, 144 x 195 cm, 1598-1599, Galería Nacional de Arte Antiguo, Roma.

1
La Ilíada, Homero. Biblioteca Básica Universal. Editorial Colicheuque Ltda. Noviembre 1990, Bs As.
a) Dante Alighieri, La Divina Comedia, Canto Duodécimo, 1601.

“Muertos tal muertos, vivos como vivos: no vio mejor que yo quien vio de
veras, cuanto pisaba, al ir mirando el suelo.”

b) ¿Por qué piensa que el personaje mencionado en el canto Duodécimo,

verso 1601, de la Divina Comedia, ha sido colocado en ese círculo?
El personaje cree que aquellas personas que están en el quinto círculo
llegan hasta él por culpa de su ira, aquellos que como Holofernes a hierro
mataban, a hierro morían.

c) Comparar esta imagen con la similar de Donatello.

Si bien las dos retratan lo mismo, una es una escultura y la otra es una pintura. Esta
última muestra realismo y crudeza porque en ella se muestra el acto en sí, y en la otra
el acto ya consumado. Se puede ver en el de Caravaggio un pathos, y en la escultura
de Donatello un ethos.

d) Comparar la imagen de Caravaggio con Regreso de Judith a Betulia, de

Boticelli.
Al ver la imagen de Boticelli, podemos observar a una Judith “dessexualizada”, no
tiene las características de una mujer virtuosa, y tiene una cara “perversa”, no se la ve
de manera violenta. En cambio, en la imagen de Caravaggio, se ve a una Judith
violenta, captando justo el crítico momento de la decapitación, tirando de los pelos a
Holofernes.

https://es.wikipedia.org/wiki/Judith_con_la_cabeza_de_Holofernes#Renacimiento_y_
Manierismo

3) HALS, FRANZ - Joven sosteniendo una calavera, c. 1626, 92 x 81

cm., National Gallery, Londres.
 a) Eclesiastés: 1: 1, 2. (Biblia, Antiguo Testamento).

Palabras del Predicador, hijo de David, rey en

Jerusalén.Vanidad de vanidades, dice el Predicador;
vanidad de vanidades, todo es vanidad.

b) En base a la cita de Eclesiastés, compare el significado de esta obra con

otras obras vista en clase o no, que en algún lugar de la pintura presenten
este mensaje.

En esta obra se puede ver la alegoría a la vanidad, como se puede ver con la calavera
que lleva el chico. Esto nos da a suponer que siempre hay que estar pensando en la
muerte, incluso en la juventud, ya que es algo que se va a dar y va a estar a tu sombra
toda la vida. Esta “vanidad”, es un género que se practicó mucho durante el barroco,
Son todos símbolos relacionados a la muerte, como por ejemplo las calaveras, como
podemos ver en “vanitas” de Antonio Pareda, donde se puede ver diferentes símbolos
de la vanidad, como calaveras, el reloj, la pistola, las alas de la mujer, etc.

https://es.wikipedia.org/wiki/Vanitas#/media/File:Antonio_de_Pereda_-
_Allegory_of_Vanity_-_Google_Art_Project.jpg
https://es.wikipedia.org/wiki/Vanitas

c) Compare el significado de esta obra de Hals con una obra del Quattrocento
analizada en clase, cuyo mensaje religioso tiene el mismo significado, pero
se recurre a la utilización de un esqueleto completo.

El significado de la obra de Halsa la podemos comparar con “La Trinidad” de

Masaccio, donde se puede ver a además de las figuras de Dios majestuoso
teniendo la cruz, y las donantes, un altar de mármol donde hay un esqueleto, con
las letras en el sarcófago: “fui lo que tu eres y lo que yo soy tu seras”, llegando a
la conclusión que todos pasaremos por ese estado.

https://es.wikipedia.org/wiki/Trinidad_(Masaccio)

4) REMBRANDT, HARMENSZOON VAN RIJN - Sacrificio de Isaac, 193 x 133

cm, 1635, , Museo Hermitage, San Petersburgo.

a) 2 Reyes, 16: 2/3 (Biblia, Antiguo Testamento).

Cuando comenzó a reinar Acaz, tenía veinte años, y reinó en Jerusalén dieciséis
años; y no hizo lo recto ante los ojos de Jehová su Dios, como David, su padre,
 sino que anduvo en el camino de los reyes de Israel, y aun hizo pasar por a fuego a
su hijo, según las abominaciones de las naciones que Jehová echó de delante de los
hijos de Israel.

b) Esta cita de 2 Reyes se refiere a una práctica bastante común en tiempos

bíblicos. ¿Cuál es? ¿Qué relación tiene con el Sacrificio de Isaac que
representa Rembrandt? ¿Cuál es el mensaje que quiere dar Yahvé a partir de
ese momento?

c) Compare la obra de Rembrandt con dos obras que traten el mismo tema. En
una de las obras analizadas debe prevalecer el ethos y en otra el pathos.
Justifique su análisis.

5) VAN DYCK, ANTON, El príncipe Tomás Francisco de Saboya Carignano, 367

x 292.1 cm., 1634/1635, Galería Saboya, Turín.
 a) ¡Qué cosa es ver un infanzón de España
Abreviado en la silla a la jineta,
Y gastar un caballo en una caña!

Epístola Satírica y Censoria contra las costumbres

presentes de los castellanos escrita al Conde-
Duque de Olivares
Francisco de Quevedo
(1580–1645)

b) ¿A quién sirvió de inspiración este retrato ecuestre y para qué obra? Analizar esta
segunda obra inspirada en la de Van Dyck.

c) Cuál es la importancia de la posición del caballo en ambos retratos?

d) ¿Qué significa “montar a la jineta”? ¿Quiénes montaban de esta forma y por qué
cree usted que Quevedo insta al Conde Duque de Olivares a retomar la vieja
usanza de montar a la tradicional manera española? Para su información, una
imagen de la montura a la jineta se encuentra en https://flic.kr/p/bNiMQ6.

6) VELÁZQUEZ, DIEGO, La Mulata, 1618, 1622, 55 x 104.5, Instituto de Arte

de Chicago.
Esta obra de Velazquez se inscribe en el marco de su época sevillana, donde la
principal temática son los bodegones y su recurso característico es la utilización de
los colores oscuros, apagados y las sombras para representar la tenebrosidad.
También se destacan la corporeidad que ofrecen los pliegues de la ropa que otorga
un volumen muy realista.

a) Lucas 24: 32 (Biblia, Nuevo Testamento).

Y se decían el uno al otro: ¿No ardía nuestro a corazón en nosotros

mientras nos hablaba en el camino y cuando nos abría las
Escrituras?

Diego Velazquez. La cena de Emaús. La Mulata. 1618, 1622, 55 x 118, Galeria

nacional de Dublin, Irlanda.

Este cuadro de Velazquez posee otra versión que se encuentra en

irlanda, muy similar, pero con la diferencia que detrás de la mulata se
encuentra un cuadro que representa la cena de Emaús, de este modo la
significación de la obra se desplazaría desde la temática del bodegón
hacia algo más profundo, con connotaciones religiosas, haciéndonos ver
que Dios se encuentra también en los estratos más bajos.
b) Compare con otras dos obras de Velázquez en las que el tema aparente es también
un bodegón.

Cristo en casa de Marta y María (1618):

Comparada con esta obra, la mulata es más lúgubre y oscura. En esta la chica joven
mira al espectador, casi con mirada cómplice, buscando transmitir el sentimiento de
pesar que le ocupa tener que trabajar bajo vigilancia. Hay aquí una ventana o espejo
que muestra un cuadro de Cristo en la casa de Marta y María, que da titulo a la obra,
desviando la significación de la mera cotidianeidad del bodegón hacia un aspecto
religioso. En la obra de la mulata es un misterio si Velazquez quitó del original el
cuadro de religioso o fue otra mano quien lo hizo.

Almuerzo de Campesinos (1618):

En esta obra la temática del bodegón es absoluta, la oscuridad prima, pero se ve

cortada por un rayo de luz que entra de forma oblicua y hay un alto contraste con el
mantel de la mesa. Los pliegues de los textiles son garantes de la buena mano del
artista. La gestualidad de los personajes reflejan el ambiente de conversación y la
atención que tiene la señora que sirve el vino transmite sensaciones del don de la vista
y quizás del oído. Respecto de la mulata las diferencias se pueden ver en que los
colores y contrastes mas marcados en este pueden reflejar una situación más
dinámica, mientras que en el otro la monotonía y oscuridad reflejan la soledad y el
tedio.

c) El verdadero tema de esta obra (parcialmente mutilada) es el que se refleja en el

espejo. Compare el tratamiento de este mismo tema con las dos obras de
diferentes pintores barrocos que hemos examinado en clase.

Caravaggio, La cena de Emaús. 1601.

Otros Artistas del barroco han tomado la temática de la cena de Emaús como por
ejemplo Caravaggio quien la represento en varios trabajos y en esta ocasión
posiciona la escena en primer plano, con un Jesús joven, sin barba, irreconocible
para quienes lo frecuentaban. Los dos discípulos acompañándolo en la mesa que se
exaltan al darse cuenta que es su maestro, uno de ellos de espaldas al espectador
(sentado sobre una silla curul con respaldo) y el otro de perfil extendiendo los
brazos en una forma lograda con un escorzo muy complicado. Hay otro personaje
en escena, es un sirviente que no parece comprender del todo la situación de
resurrección. El realismo impactante es obtenido mediante las perspectivas de
perfección matemática, la textura de las ropas muy fieles y el tratamiento de las
sombras resultantes de un haz de luz proveniente de arriba y a la izquierda.
7) VERMEER, JOHANNES, La Tasadora de Perlas, 42,5 x 38 cm., 1662-1666,
National Gallery of Art, Washington.

En esta obra, a simple vista, se puede observar la rutina de una tasadora de

perlas, lo cual seguiría la línea general de motivos entre los cuales el artista se
manejaba: el costumbrismo. Ciertos detalles lo destacan, como el tinte
religioso expreso con un cuadro del juicio final de fondo, lo cual nos invita a
profundizar en el significado de la obra. Hay en la obra una utilización de la
luz que guía la vista y es fielmente representada dándole un realismo
excepcional. La combinación de colores es armónica y las texturas muy
verosímiles. Se puede sentir la calma de la labor cotidiana.

a) Daniel 12.2 (Biblia, Antiguo Testamento)

Y muchos de los que a duermen en el polvo de la tierra serán

despertados, unos para vida eterna, y otros para vergüenza
y desprecio perpetuo.
b) En base a la cita bíblica y al cuadro que preside la pared del fondo se puede inferir que
esta obra es una alegoría. ¿Cree usted que Vermeer representa una actividad
comercial o cotidiana? ¿O la obra esconde un mensaje que, incluso, podría
relacionarse con la obra No. 3, de Franz Hals? Si es así, ¿cuál es el nexo?

- Tanto la cita bíblica como el cuadro en la pared de fondo de la obra hablan del juicio
final, del mismo modo la tasadora de perlas hace un juicio en su labor cotidiana con
las perlas, sin embargo en esta obra la balanza no tiene nada físico arriba, por lo cual
podríamos considerar que está pesando sus propias acciones en un examen de
conciencia, es una metáfora. Incluso se podría relacionar con la obra de Franz Hals,
en tanto las perlas son el símbolo de la vanidad. Se podría suponer que en el juicio de
valores que realiza la tasadora la vanidad es el factor determinante y debe elegir entre
la opulencia en vida o las penurias después de muerta.

c) ¿Podría decirse que es una obra religiosa con un mensaje espiritual? ¿De ser
así, por qué resultaría extraño este mensaje en una obra de Vermeer?
Justifique su elección.

En efecto, es una obra con connotaciones religiosas y de tal modo podría resultar
extraño ya que Vermeer fue educado en una familia protestante y en su doctrina no se
hayan muy arraigadas las ideas del purgatorio o el juicio final, sin embargo esta obra
está realizada posterior a su casamiento con Catharina Bolnes, quien era católica y
promovió el bautismo de Johannes a la fe católica.

8) Elija una obra en que se represente cada uno de los cinco sentidos, sólo
reproduzca la obra, el autor, el título y qué sentido está representado. No repita
obras ya tratadas en este parcial domiciliario.

.Los tapices de la dama y el unicornio (La dame à la licorne) son un conjunto de 6

tapices que representan los 5 sentidos y un ultimo con la inscripción À Mon Seul
DésirÀ Mon Seul Désir, el cual puede ser interpretado de diferentes maneras y respecta
al deseo.

1, La vista: La dama refleja al unicornio en el espejo para que se vea, el espejo suele
aparecer en las representaciones del don la visión.
2, El gusto: La escena gira en torno a los dulces que la doncella le ofrece a la dama.

3, El oído: La dama toca un órgano portátil y su doncella el fuelle y disfrutan el sonido de

su música.
4, El olfato: Mientras la Dama y la doncella arman coronas de flores pueden percibir el
aroma que emanan.
5, El tacto: La dama posa su mano sobre el cuerno del unicornio y sostiene un banderín
con la otra mano.

9) ¿Qué es el Arte Kitsch? Describa brevemente y elija dos obras que representen el
estilo, adjuntándolas al parcial.
El arte Kitsch es una expresión artística que toma objetos de la vanguardia artística,
las simplifica y superficializa para ampliar el espectro de llegada de la audiencia. Los
objetos tomados de la vanguardia deben estar ya difundidos y asentados. En otras
palabras, es la vulgarización de manifestaciones artísticas genuinas para engañar a
quien desea ser consumidor de cultura auténtica.2

Marco Bataglini, el arcángel Miguel.

Coolidge, A friend in need.

2
Moles, Abraham. El kitsch, arte de la felicidad. 1990. Paidós Iberica, Barcelona.