vistas aéreas con otros servicios como fotografías

Perspectiva (Panoramio) o catastro (Goolzoom).

La perspectiva, palabra proveniente
del Latín perspectiva,1 es el arte de dibujar para recrear
la profundidad y la posición relativa de los objetos
comunes. En un dibujo, la perspectiva simula la
profundidad y los efectos de reducción.
Es también la ilusión visual que percibe el observador
que le ayuda a determinar la profundidad y situación de
los objetos a distintas distancias .Por analogía, también
se llama perspectiva al conjunto de circunstancias que
rodean al observador, y que influyen en su percepción o
en su juicio.
Ya en pinturas egipcias se concebía una dimensional de
la superficie a pintar, sin sugerir estrictamente una idea
de concepción espacial. Disponían los personajes en
mayor tamaño, cuanto mayor importancia tuvieran. Es
lo que los historiadores del arte denominan perspectiva
jerárquica o teológica. Posteriormente y hasta llegar al
final de la Baja Edad Media, los intentos de conseguir
una cierta idea de perspectiva se encuentran en
la perspectiva caballera, donde los objetos más alejados
se sitúan en la parte superior de la composición y los
más cercanos, en la inferior.
En inglés, bird’s - eye view significa ‘visión desde el ojo
de un pájaro’. Figuradamente representa una vista
general desde lo alto, por ejemplo, en una ciudad
destacaría sus principales puntos de interés o sus
carreteras más importantes.1
VISTA DE HORMIGA
La perspectiva es uno de los recursos fotográficos más
infrautilizados que constato todos los días en muchas
fotos que observo
en Internet. Nos
obsesionamos con
el sujeto, el fondo,
la profundidad de
campo, la
velocidad de
disparo o incluso el
objetivo, y nos
olvidamos por
completo de un poderoso elemento de composición
que tenemos a nuestro alcance pero el cual rara vez
utilizamos: el de disparar desde un ángulo diferente y
poco habitual.
La vista de hormiga es uno de estos ángulos poco
explorados por muchos aficionados a la fotografía.
Para la segunda quincena de enero tendrás que sacar
una foto pero esta vez, me gustaría que te agacharas al
suelo, que te despreocuparas de mancharte la ropa, y te
centraras en captar una buena fotografía a ras del suelo,
a vista de hormiga o cucaracha.

Vista aérea Perspectiva frontal

Una vista La perspectiva frontal es la que tiene un único punto de
aérea, vista de fuga, ubicado sobre la línea del horizonte. En esta
pájaro o vista a perspectiva, sólo vemos en fuga las líneas de
vuelo de pájaro es profundidad, las demás las vemos paralelas al plano del
una vista de un cuadro.
objeto desde arriba, La perspectiva frontal es aquella que ubica el punto de
"en planta" desde fuga principal en el centro del cuadro. Este recurso se
el observador, muy utiliza para la
usada en las copias representación de
azules de objetos con ciertas
arquitectura y dimensiones y
urbanismo, croquis en planta, y en mapas. proporciones, pero
Desde los años 2000, programas como Google además para
Earth y Google Maps han revolucionado el acceso a este transmitir una
tipo de información, haciéndolo mucho más rápido, sensación de
sencillo y universal. Incluso han promovido la creación quietud, donde los
de Mashup (aplicación web híbrida), que combina las objetos parecen
inamovibles y duraderos. inclinación cualquiera distinta de 90°, a menudo inferior
para compensar el aspecto distorsionado. También
PERSPECTIVA OBLICUA llamada perspectiva oblicua.
Sistema de proyección para representar un objeto
tridimensional mediante un dibujo en perspectiva en el
que las caras paralelas al plano del cuadro se dibujan a
escala real y las líneas perpendiculares tienen una
inclinación con un ángulo cualquiera distinto a 90º, por
lo general inferior a éste para compensar la distorsión.
oblicuo: Sistema de proyección por el que un objeto
tridimensional se representa mediante un dibujo en
perspectiva en el que las caras paralelas al plano del
cuadro están dibujadas a escala real y todas las líneas
perpendiculares al plano del cuadro tienen una
Colores
Cuando se habla de colores hay que precisar entre colores luz y colores pigmento o materiales. Los colores luz no es otra
cosa que la luz que reflejan los cuerpos. A nosotros nos interesan particularmente los colores pigmento, y es a los que
nos vamos a referir.
Colores primarios.
Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de ningún otro por lo que se consideran absolutos,
únicos, siendo estos amarillo, cián y magenta, aunque hay que advertir
que el cián es un color que no existe en las cartas de colores para
artistas, siendo este propio de las artes gráficas y la fotografía, por lo
que los colores primarios considerados por el pintor, normalmente no
coinciden con los colores primarios usados en la teoría del color,
adoptando varias soluciones y entre ellas, una de las posibles, sería
usar, como colores primarios en acuarela, un amarillo medio, el azul
cerúleo y el carmín de garanza. No obstante, el azul cerúleo, en la
práctica de la acuarela, resultar opaco y sucio, por lo que, algunos lo
sustituyen por el azul ultramar o el azul ftalo, el amarillo por el
amarillo cadmio claro y el magenta por el Alizarín crinson
Se considera color primario, antes llamado color primitivo, al color
que no se puede obtener mediante la mezcla de ningún otro. Este es un modelo idealizado, basado en la respuesta
biológica de las células receptoras del ojo humano (conos) ante la presencia de ciertas frecuencias de luz y sus
interferencias, y es dependiente de la percepción subjetiva del cerebro humano. La mezcla de dos colores primarios da
origen a un color secundario.

Colores secundarios.
Son los que se obtienen mezclando dos los colores primarios al 50 %, obteniendo: Verde (S), violeta (S) y naranja o
anaranjado (S).
Los colores secundarios son tonalidades perceptivas de color, que se obtienen mezclando a partes iguales los colores
primarios, de dos en dos. Los colores secundarios son un modelo idealizado,
plenamente dependiente de la fuente que represente el color, de la naturaleza
del material que lo genere y de las características subjetivas de la percepción
visual.
En una sustancia que no emita luz (pigmento), la luz blanca incide
del ambiente hacia el pigmento, el cual absorbe ciertas longitudes de onda y
refleja otras, dando como resultado el color aparente de la sustancia. Si se
mezclan tintes de tal manera que se absorban todas las longitudes de onda,
el resultado será el negro. Este modelo de representación de color se
conoce como modelo sustractivo, ya que el pigmento sustrae longitudes de
onda para generar el color. Si, en vez de ello, se utilizan fuentes de luz de
color, cada color de luz contiene una mezcla de longitudes de onda, las
cuales son percibidas por el ojo como información de color; la mezcla de todas las longitudes de onda, al contrario
que en el modelo sustractivo, da como resultado el blanco. Este
modelo, consistente en la adición de longitudes de onda para
obtener colores, se conoce como modelo aditivo de color.

Colores intermedios.
Mezclando un primario y un secundario se obtienen los llamados
colores intermedios (I), que como su nombre indica están "entre
medio" de un color primario (P) y un secundario (S) o viceversa.
Otra característica de estos colore es que se denominan con los
colores que intervienen en su composición, primero citando el
color primario y a continuación el secundario: amarillo-verdoso,
azul-verdoso, azul-violeta, rojo-violeta, rojo-anaranjado y amarillo-
anaranjado. Estos colores intermedios coinciden con los
denominados colores terciarios.
Un color intermedio es aquel que se obtiene mediante la mezcla de
dos colores definidos. Usualmente es sinónimo de color terciario,1 en este sentido, se consigue al mezclar partes iguales
de un color primario y un color secundario. Sin embargo, también suelen considerarse colores intermedios a otras
combinaciones, como los colores tierra (agrisados), colores pastel (aclarados con blanco), oscuros, etc.
Colores cálidos
Como norma general, los colores cálidos son todos aquellos que van del rojo al amarillo, pasando por naranjas,
marrones y dorados. Para simplificar, suele decirse que cuanto más rojo tenga un color en su composición, más cálido
será.
Son los colores del fuego, de la pasión, del atardecer, de las hojas en otoño... Este tipo de tonos, además de la sensación
térmica, transmiten cercanía, intimidad, energía, calidez, etc.

Los colores cálidos son utilizados en diseño gráfico para reflejar entusiasmo, pasión, alegría.
Colores fríos
Por otro lado, los colores fríos son todos los colores que van desde el azul al verde pasando por los morados.
Cuanto más azul tenga un color, más frío será. Los colores fríos son los tonos del invierno, de la noche, de los mares y
lagos, etc.

En diseño, los colores fríos suelen usarse para dar sensación de tranquilidad, calma, seriedad y profesionalidad.
Esta clasificación de colores fríos y cálidos no es estricta aunque suelen representarse como una división por la mitad del
círculo cromático.

Círculo cromático
El círculo cromático o rueda de colores, es una representación ordenada y circular de los colores de acuerdo con
su matiz o tono, en donde se representa a los colores primarios y sus derivados. Su uso es compatible tanto con los
modelos sustractivos de color (artístico, pictórico), como con los modelos aditivos (lumínicos).
Los círculos cromáticos pueden representarse escalonados o en degradé (como en la imagen). Los escalonados pueden
tener cualquier cantidad de colores según el autor, por lo general son 6, 12, 24, 48 o incluso más. El denominado
hexagrama por ejemplo, es una estrella que se coloca en el centro del círculo cromático, donde la cantidad de picos
corresponde a cada color y se pueden mostrar los opuestos o complementarios.
Las ruedas de colores son antiguas, Alberti en su De Pictura (1436), usando la rueda de colores, pero también el
rectángulo y el rombo, representó el sistema de cuatro colores primarios
de su época: amarillo, verde, azul y rojo.
El modelo tradicional de coloración con los tres colores primarios rojo,
amarillo y azul fue descubierto en el siglo XVII y desde entonces se han
elaborado muchos trabajos, como el de Moses Harris que en 1766
elaboró un círculo cromático de 18 colores basándose en este modelo e
incluyendo una mayor gama de colores al añadir los derivados claros y
oscuros.1
Este modelo tradicional, también llamado RYB (red-yellow-blue), se
popularizó con el libro de Goethe, Teoría de los colores de 1810, el cual
elaboró un círculo cromático con seis
colores: amarillo, anaranjado, rojo, violeta, azul y verde, el cual sigue
enseñándose en las artes plásticas y artes gráficas,2 a pesar de que su
uso empírico puede presentar serios inconvenientes o imprecisiones en
la composición de color.

Claroscuro
El claroscuro, palabra proveniente del italiano chiaroscuro,1 es una técnica de pintura que consiste en el uso de
contrastes fuertes entre volúmenes, unos iluminados y otros ensombrecidos, para destacar más efectivamente algunos
elementos.2Esta técnica permite crear mayores efectos de relieve y modelado de las formas, a través de la gradación de
tonos lumínicos. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del Cinquecento, la técnica alcanzaría
su madurez en el Barroco, en especial con Caravaggio, dando lugar al estilo llamado tenebrismo.3
El término italiano chiaroscuro, aunque significa aparentemente lo mismo, es empleado más específicamente para una
técnica de grabado en xilografía, que por medio de planchas complementarias da colores a las imágenes, como si fuesen
pintadas a la acuarela.4 El primer uso conocido del término, con este significado, se atribuye al grabador italiano del
siglo XVI Ugo da Carpi, quien habría tomado la idea de composiciones de origen alemán o flamenco. Otros grabadores
que trabajaron esta técnica fueron Antonio da Trento y Andrea Andreani. En los grabados de Da Carpi, el efecto del
claroscuro destaca una figura central iluminada por una fuente de luz normalmente ausente del plano del cuadro; sin
embargo, las áreas oscuras no están tan acentuadas como llegarían a verse en la obra de los principales difusores
del chiaroscuro, Caravaggio y Giovanni Baglione.
La técnica se impondría también entre los manieristas, siendo ejemplos de este uso la Última Cena de Tintoretto o su
Retrato de dos hombres, que presagia las composiciones de Rembrandt. El pintor holandés ha sido uno de los más
conspicuos practicantes del claroscuro, utilizando la luz en su composición para destacar sólo su objeto específico.5

Zonas del claroscuro

Las zonas del claroscuro se producen cuando la luz natural o artificial
incide sobre el cuerpo. Entre ellas:

Zona de iluminación clara.

Esta zona identifica la parte que recibe los rayos de luz en forma
directa

Zona de penumbra.

También llamada medio tono opaco. Esta zona identifica la zona

intermedia entre la zona clara y la zona oscura, va desde la clara y
hasta la oscura pasando por variedad de grises.

Zona oscura.

También llamada sombra propia, es la zona que no recibe ningún rayo de luz, y se mantiene oscura.

Zona proyectada.

Esta zona identifica la sombra que un objeto proyecta sobre otros objetos o sobre la superficie donde se encuentra.

Zona de reflejo.

Esta zona es la parte que recibe la luz que reflejan otros cuerpos que la acompañan, se caracteriza por medios
tonos luminosos. Esta técnica realza el volumen de los objetos, retratos, expresiones faciales, da más vida al
dibujo.

Bodegón
Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra de arte que representa animales, flores y otros
objetos, que pueden ser naturales (frutas, comida, plantas, rocas o conchas) o
hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades,
libros, joyas, monedas, pipas, etc.) en un espacio determinado. Esta rama de
la pintura se sirve normalmente del diseño, el cromatismo y la iluminación
para producir un efecto de serenidad, bienestar y armonía.
Con orígenes en la antigüedad y muy popular en el arte occidental desde el
siglo XVII, el bodegón da al artista más libertad compositiva que otros géneros
pictóricos como el paisaje o los retratos. Los bodegones, particularmente
antes de 1700, a menudo contenían un simbolismo religioso y alegórico en
relación con los objetos que representaban. Algunos bodegones modernos
rompen la barrera bidimensional y emplean técnicas mixtas tridimensionales, usando asimismo objetos
encontrados, fotografía, imágenes generadas por computadora o sonido y vídeo.
Los bodegones ya adornaban el interior de las tumbas del antiguo Egipto. Se creía que los objetos relacionados con la
comida y la vida doméstica se harían reales en el más allá, dispuestos para que los muertos los usaran. Las pinturas
sobre jarras de la Antigua Grecia también demuestran gran habilidad, al representar objetos cotidianos y animales.
Bodegones parecidos, más simples decorativamente, pero con perspectiva realista, se han encontrado en pinturas
murales de la Antigua Roma y en mosaicos en Pompeya, Herculano y la Villa Boscoreale, incluyendo el motivo
posteriormente tan familiar de un bol de cristal con frutas. Los mosaicos decorativos llamados emblema, que se han
encontrado en casas de romanos ricos, demuestran la variedad de comida de la que disfrutaban las clases superiores, y
también funcionaban como signos de hospitalidad y como celebraciones de las estaciones y de la vida.1
En el siglo XVI, la comida y las flores reaparecerán como símbolos de las estaciones y de los cinco sentidos. También
desde la época romana existe la tradición del uso de cráneos en las pinturas como símbolo de mortalidad y de fugacidad,
a menudo acompañada por la frase Omnia mors aequat («La muerte iguala a todos»).2 Este motivo de la vanidad de las
cosas vanitas, cobrará un gran auge en la pintura barroca posteriormente, en especial con los pintores holandeses de
alrededor del año 1600.3

Escala tonal
Se llama escala tonal a la gradación de valores entre un tono y otro, desde el más claro al más oscuro, independiente de
que sean escalas acromáticas, es decir grises, monocromáticas, de un solo color, o poli cromáticas, de varios colores.
La valoración tonal de una obra puede ser en clave mayor o en clave menor de acuerdo al grado de contraste. Es mayor
cuando además de los grises están presentes los extremos de la escala que son el blanco y el negro puros.
La clave es menor cuando está presente el blanco o el negro (sólo uno de ellos) además de los grises.
Y cuando sólo están el negro y el blanco puro se llama escala en alto contraste.
La mayoría de los artistas utiliza una escala de nueve tonos distintos de gris más el blanco y el negro, como se puede ver
en la foto que sigue, aunque hay algunos que utilizan escalas de 16 tonos e incluso de 30 pero no es frecuente porque
tampoco es necesario para hacer una buena obra.
La Escala Tonal, es una herramienta vital para cualquier aspecto de la vida que tenga que ver con nuestros semejantes,
es una escala que muestra los tonos emocionales sucesivos que una persona puede experimentar. Con “tono” se quiere
decir un estado emocional momentá neo o continuo de una persona. En esta escala graduada se muestran emociones
como el miedo, el enojo, el pesar, el entusiasmo y otras que la gente experimenta.
El uso diestro de esta escala permite que se pueda predecir y comprender el comportamiento humano en todas sus
manifestaciones.
Esta Escala Tonal representa gráficamente la espiral descendente de la vida desde la vitalidad y conciencia completas,
pasando por media-vitalidad y media-conciencia hasta la muerte.
Basándose en diferentes cálculos acerca de la energía de la vida, y por medio de observación y de prueba, esta Escala
Tonal da los niveles de comportamiento a medida que la vida decae.
Estos diferentes niveles son comunes a todos los hombres.
Cuando un hombre está casi muerto, puede decirse que está en una apatía crónica. Y se comporta de una manera
determinada con respecto a otras cosas. Esto es 0,05 en la Escala Tonal.
Cuando un hombre está crónicamente afligido acerca de sus pérdidas, está en pesar. Y se comporta de determinadas
formas acerca de cosas muy diversas. Esto es 0,5 en la escala.

Simetría
La simetría (del griego σύν "con" y μέτρον "medida") es un rasgo característico de
formas geométricas, sistemas, ecuaciones y otros objetos materiales, o entidades
abstractas, relacionada con su invariancia bajo ciertas transformaciones,
movimientos o intercambios. En condiciones formales, un objeto es simétrico en lo
que concierne a una operación matemática dada si el resultado de aplicar esa
operación o transformación al objeto, el resultado es un objeto indistinguible en su
aspecto del objeto original. Dos objetos son simétricos uno al otro en lo que
concierne a un grupo dado de operaciones si uno es obtenido de otro por algunas
operaciones (y viceversa). En la geometría 2D las clases principales de simetría de
interés son las que conciernen a las isometrías de un espacio
euclídeo: traslaciones, rotaciones, reflexiones y reflexiones que se deslizan. Además
de simetrías geométricas existen simetrías abstractas relacionadas con operaciones
abstractas como la permutación de partes de un objeto.
La simetría también se encuentra en organismos vivos.
En dibujo existen cinco simetrías importantes que son simetría de traslación,
rotación, ampliación, bilateral, abatimiento.
Simetría de traslación o invariancia traslacional, es la repetición de una forma a lo largo de una línea en cualquier
posición, vertical, horizontal, diagonal o curva, que se desplaza a cualquier distancia constante sobre el eje.
Simetría de rotación giro de un motivo que se repite cierto número de veces hasta ser idéntico al inicio, tiene
determinado orden en la rotación (15º, 30º, 45º, 60º, 90º, hasta 360º). La forma gira en torno a un centro que puede
estar dentro de la misma.
Simetría de ampliación, las partes de el son semejantes, pues tienen la misma forma pero no el mismo tamaño, ya que
se extiende del centro hacia afuera para ser cada vez mayor.
Simetría de abatimiento El eje de giro nos muestra dos partes idénticas con un giro de 180º una en relación a la otra.
 Simetría bilateral Un retrato bilateral, está compuesto por formas iguales a igual distancia a ambos lados de un eje. Todo
eso dentro de un eje de simetría.

Simetría axial
La simetría axial (también llamada rotacional, radial o cilíndrica) es
la simetría alrededor de un eje. Es el punto de traslación y rotación de modo
que un sistema tiene simetría axial o axisimetría cuando todos los semiplanos
tomados a partir de cierta mediatriz y conteniéndolo presentan idénticas
características. También puede decirse que es una isometría indirecta e
involutiva.
Dicho de otra forma el eje es la mediatriz del ségmento OP'´ La simetría axial
no solo se presenta entre un objeto y su reflexión, pues muchas figuras que
mediante una línea pueden partirse en dos secciones que son simétricas con
respecto a la línea. Estos objetos tienen uno (o más) ejes de simetría.
La simetría axial se da cuando los puntos de una figura coinciden con los
puntos de otra, al tomar como referencia una línea que se conoce con el
nombre de eje de simetría. En la simetría axial se da el mismo fenómeno que
en una imagen reflejada en el espejo.
A los puntos que pertenecen a la figura simétrica se les llama puntos homólogos, es decir, A’ es homólogo de A, B’ es
homólogo de B, y C’ es homólogo de C. Además, las distancias existentes entre los puntos de la figura original son
iguales que las distancias entre los puntos de la figura simétrica. En este caso: La simetría axial se puede dar también en
un objeto con respecto de uno o más ejes de simetría.
Si se doblara la figura sobre el eje de simetría trazado, se podría observar con toda claridad que los puntos de las partes
opuestas coinciden, es decir, ambas partes son congruentes.

La simetría radial
Hablamos de simetría radial o central cuando los registros decorativos se disponen de forma radial en torno a un punto
central por el que pasan numerosos ejes de simetría (Figura 1) a modo de los radios de una bicicleta o rueda de un carro. En la
naturaleza encontrarás abundantes ejemplos en muchas flores, como la popular margarita. En tu entorno urbano no te será
difícil observar formar radiales, como en las llantas de los coches (Figura 2) o en un simple salva-mantel de papel (Figura 3).

El fenómeno natural más rico en formas radiadas lo encontramos en las estructuras hexagonales de los cristales de nieve como
los ejemplos mostrados más arriba. En el apartado "Arte enredado" podrás diseñar tus propios cristales de nieve con una de
las aplicaciones online que se indican.
Las formas radiadas están presentes en el diseño geométrico del enlosado de muchas plazas, en la distribución de las masas
florales de no pocas rotondas y en muchos elementos arquitectónicos como los rosetones y vidrieras. No te será difícil
descubrirlas.
Figura 1 Figura 2 Figura 3

Escultura
Se llama escultura (del latín sculptūra) al arte de modelar el barro, tallar en
piedra, madera u otros materiales. También se denomina escultura a la
obra elaborada por un escultor.1
Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando
volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las
artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado. Dentro de la
escultura, el uso de diferentes combinaciones de materiales y medios ha
originado un nuevo repertorio artístico, que comprende procesos como
el constructivismo y el assemblage. En un sentido genérico, se entiende por
escultura la obra artística plástica realizada por el escultor.
Giorgio Vasari (1511-1573), empieza Le vite de' più eccellenti pittori,
scultori e architettori con un prólogo técnico que habla de arquitectura,
escultura y pintura, unas disciplinas agrupadas bajo la denominación de
«artes del diseño». La obra es un tratado informativo y valioso sobre las
técnicas artísticas empleadas en la época. En referencia a la escultura
comienza así:
... el escultor saca todo lo superfluo y reduce el material a la forma que
existe dentro de la mente del artista.
Desde tiempos remotos el hombre ha tenido la necesidad de esculpir. Al
principio lo hizo con los materiales más simples y que tenía más a
mano: piedra, arcilla y madera. Después
empleó hierro, bronce, oro, plomo, cera, yeso, plastilina, resina de poliéste
r y plásticos con refuerzo de fibra de vidrio, hormigón, la cinética y la reflexión de la luz, entre otros. La escultura tuvo en
su principio una única función, su uso inmediato; posteriormente se añadió una función ritual, mágica, funeraria y
religiosa. Esta funcionalidad fue cambiando con la evolución histórica, adquiriendo una principalmente estética o
simplemente ornamental y llegó a ser un elemento duradero o efímero.2

Tallado
Una talla es una obra de escultura, especialmente en madera.1 La madera
se talla mediante un proceso de desgaste y pulido, con el propósito de darle
una forma determinada, que puede ser un objeto concreto o abstracto. El
producto final puede ir desde una esculturaindividual hasta elementos
decorativos trabajados a mano que forman parte de una tracería.
Es una actividad muy antigua y extendida a largo plazo. Algunos de los
mejores ejemplos que subsisten de antigua madera tallada provienen de
la Edad Media en Italia y Francia, donde los temas típicos de aquella época
era la iconografía cristiana. En Inglaterra subsisten ejemplos de los siglos
XVI y XVII, época en la que el medio preferido era el roble.
Desde las épocas más remotas la decoración de madera ha sido un arte
destacado. La tendencia de la naturaleza humana ha sido siempre
ornamentar cada artículo de uso ordinario. La Humanidad, desde sus
primeros tiempos, cortan dibujos o diseños en cada artículo de madera que
es susceptible de talla. Así también la obra de diversos pueblos que
conservan esta tradición: los nativos de Norteamérica tallan sus anzuelos o
las boquillas de las pipas, lo mismo que los polinesios tallan sus remos.

Modelado
En artes plásticas, se entiende por modelado al proceso de creación de una representación o imagen (el modelo) de un
objeto real, y consiste en la elaboración manual, generalmente en arcilla o cera, de una imagen tridimensional de dicho
objeto.1
Un modelo es por tanto una representación parcial o simplificada de la realidad que
recoge aquellos aspectos de relevancia para las intenciones del modelador, y de la
que se pretende extraer conclusiones de tipo predictivo. Se modela para
comprender mejor o explicar mejor un proceso o unas observaciones. Un mismo
objeto puede ser modelado con distintas técnicas y con distintas intenciones, de
forma que cada modelo resalta sólo ciertos aspectos del objeto.
En pintura, el modelado se utiliza para sugerir un volumen o imagen de bulto
redondo. Desde la pintura rupestre, como en las Cuevas de Altamira, ya se
alcanzaba este efecto utilizando el propio relieve de las rocas sobre las que se
pintaba. De otra forma, el modelado se consigue con las gradaciones de las luces y
las sombras Introducción a la historia de la pintura . Los tenebristas tienen la
característica de utilizar un contraste duro, muy fuerte, mientras que en la pintura
renacentista, es mucho más suave.2
En alfarería es el conjunto de técnicas de fabricación cerámica que permite
componer piezas. Pueden diferenciarse tres técnicas elementales:
Modelado a mano o urdido, con la sola ayuda de herramientas sencillas.
Modelado a torno, sea el primitivo manual, el de rueda o el eléctrico.
Modelado a esteque (o con calibrador), cuando se emplea una plantilla fija que da a
las piezas resultantes un perfil regularizado. Esta técnica está asociada al uso del torno rápido.

Vaciado
El vaciado es un procedimiento en varios pasos para la fabricación
de esculturas, piezas completas o partes, relieves, etc. de
metal, plástico, yeso, barro, cerámica, etc.1 2 Se consigue vertiendo
(vaciando) una colada, en el interior de un molde,1 de algún plástico
líquido solidificante, de yeso o metal fundido. Se diferencía del proceso de
inyección, que también usa moldes, en que el molde se llena por el peso
del material de relleno, usándose a veces la fuerza centrífuga para ayudar a
llenar el molde. En contraposición, en el proceso de inyección, se usa un
elemento mecánico para aumentar la presión del material de relleno del
molde (pistón, tornillo sin fin, bombeo,...). En muchos de los métodos de
vaciado no se destruye el molde o el modelo, pero en otros sí, por
ejemplo vaciado a la cera perdida donde se destruye el modelo y vaciado
en arena, donde se destruye el molde cada vez.1 2 ".
Se llama vaciado tanto a este sistema de reproducción mecánica como a la copia obtenida del molde.

Armado
Armado de la estructura y modelado
1. Siempre es conveniente realizar previamente la idea en un boceto.
2. La estructura de la escultura se realiza con el alambre y el material desplegable ya encolado con el papel de diario.
3. Una vez armada la estructura se procede a presentarla sobre la madera de trabajo.
4. Sobre la estructura fija en la madera de trabajo (plantada) se procede a plasmar la idea (boceto) dando volumen,
profundidad, altura, ancho, etc, agregando sucesivas capas de papel encolado.
5. De acuerdo a las necesidades del proyecto se pueden agregar capas de arcilla, alambres, etc, o se puede mezclar el
papel engomado con arcilla para modelar.
6. Siempre después de cada capa de papel engomado o la arcilla dejar secar para evitar el desmoronamiento.
7. Tener en cuenta que se deberán dar no menos de 7 manos del papel encolado para lograr la necesaria consistencia.
8. Las mismas se realizaran muy prolijamente estiradas para evitar que luego de secado se noten arrugas e
imperfecciones, que dificulten su acabado.
9. Una vez que la obra está completamente seca se aplicaran por lo menos 2 manos de enduido, lijando entre ellas.
10. Finalmente se procede al acabado con las pátinas elegidas (al agua, al aceite, a la cera, etc.) para obtener la
apariencia deseada.
Altorrelieve
A diferencia de las esculturas de bulto redondo (que se esculpen reproduciendo su relieve
o profundidad natural), los relieves están integrados en un muro, generalmente, o en caso
de ser arte mobiliar, al soporte que los enmarca. Los relieves son muy comunes,
particularmente, como decoración exterior de los edificios monumentales, como
los templos. El friso del orden corintio se suele decorar con bajorrelieves, mientras que
el altorrelieve puede verse en los frontones de templos clásicos, como el Partenón.
Los relieves pueden usarse para representar una escena aislada o ser parte de una
secuencia narrativa. A pesar de las limitaciones técnicas que impone la disminución de
la tercera dimensión que les es propia, el detalle con el que se esculpen puede llegar hasta
mostrar los detalles de la musculatura.

Bajorrelieve
El bajorrelieve (también bajo relieve) es una técnica escultórica para
confeccionar imágenes o inscripciones en los muros que se consigue
remarcando los bordes del dibujo y rebajando el muro y tallando las figuras
que sobresalen ligeramente del fondo, con lo que se obtiene un
efecto tridimensional.
Esta técnica fue concebida y profusamente utilizada con maestría en
el Antiguo Egipto, donde, una vez erigidos los muros y pilonos de los templos,
un experto artista, buen conocedor del canon de perfil y de las proporciones
sacras, procedía a dibujar el perímetro de las figuras y los rasgos principales,
incluso los jeroglíficos que describían la escena; una vez rebajado
el contorno y tallado el interior de las figuras, se pintaba todo el conjunto en vivos colores.