UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO

FACULTAD DE ARTES Y DISEÑO

Tema:

Análisis de un artista contemporáneo

Alumnos:
Aizpuru Parra Diego Iván

Aguilar Campos Andrea Alejandra

Cárdenas Marín Nadia E.

Fernández Velasco Daniela

Guerrero León Izcoatl

Materia:

Seminario de arte contemporáneo

Profesor(a):

Bermejo Pino Karina.

UNAM- FAD-2017
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FACULTAD DE ARTES Y DISEÑO

Jorge Marín

Estudió Diseño Gráfico en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM y restauración

de arte y curaduría en la Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía del
INAH-SEP. Ha participado en diversas exposiciones colectivas como Bonito Colectivo de
Arte Kitsch- Mexicanísimo en el Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público,
2010, Casa Lamm y sus artistas, Galería Casa Lamm en 2009, Presence of Mexico en The
Castle, New Rochelle, Estados Unidos en 2006 y de manera individual con Conversaciones
en Couturier Gallery, 2009, Las Alas de la Ciudad, Corredor Cultural del Paseo de la Reforma
en la Ciudad de México con la presentación de su libro “Jorge Marín Bronces” por el Profr.
Luis Martín Lozano y la Dra. Teresa del Conde.

Problemática: Para este artista el espacio público es muy importante, y lleno de

posibilidades, que le da al espectador opciones de usar y vivir las obras como no se puede
hacer en un museo o en una galería.

“La experiencia de trabajar para el espacio público es algo que siempre quise. Lo he
concretado de unos cuatro años para acá. Aprendo de la diversidad de publico que coinciden
en estos espacios, hay sociedades muy distintas.”

Su interés en esto nació en su estudio, el cuenta que se encontraba abstraido en su estudio

haciendo obra de mediano formato para museos, galerías, colecciones privadas y descubrió
que la estructura del mundo del arte estaba diseñada para irse volviendo elitista. Y menciona
que para el una señal, fue ver que las calles estaban llenas de su obra (pirata) a precios bajos,
y entendió que el publico quería ver su obra, un publico que pagaba y solo podía pagar 500
pesos por una copia de su obra.

Entonces decidió hacer una selección de lo mas representativo de su trabajo para llevarlo a
la vía publica, para que las personas vieran su trabajo. (El original). Se puso en paseo de la
reforma, y tuvo un gran impacto, de echo, una obra tuvo que quedarse por que al publico le
gusto tanto que pidieron que se quedara.

El público que se encuentra fuera de una galería es diferente, y no se toma en cuenta, y el

menciona que también es importante trabajar con ese público.
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También algo que Marín menciona es como muchas obras de arte se encuentran en grandes
vías pero no en zonas Marginadas.

“Cuando la obra pública hace click con la sociedad le da a las comunidades un valor y un
motivo de orgullo. Estoy muy interesado, empecé proyectos en zonas un tanto periféricas,
como en Los Reyes La Paz”

En la obra de los reyes la paz, representa el cuerpo humano pues lo que quiere representar es
su dignificación, pues el cuerpo es un elemento iconografico de fácil identificación, es mas
complicado meter a una zona así, un obra abstracta y no por el intelecto que requiere, si no
porque hay zonas que no están preparadas para entender formas mas complejas de arte, y se
debe ir paso a paso. veces uno como artista en una situación como esta debe entender al
público al que se dirige.

Estrategia: A lo largo de la extensa línea de trabajo que ha desarrollado el artista, se ha

acercado a distintos materiales, técnicas y disciplinas que individualmente función de una
forma en específico, me refiero que su producción grafica no funciona o no opera en los
mismos ámbitos artísticos y conceptuales que como por ejemplo sus primeras piezas en
escultura en formato chico, como tampoco es precisamente el mismo ejercicio mental el que
plantea en sus obras publicas como, pero por lo menos en lo personal considero que este
ultimo ejemplo, su “obra pública” es de lo mas relevante he interesante que el artista posee.

Es de suma importancia estructurar a manera de desglose un poco su línea de trabajo, del

¿Cómo? y ¿el por qué? En primer lugar parece que el artista le da a la academia y al publico
no inmerso en el mundo del arte lo que quieren ver, es decir, la escultura de los primero años
del artista es mucho de lo mismo; es el personaje antropomórfico que siempre trae a la mente
referentes de escultura clásica o grecorromana, pues son claras sus intenciones de crear y
exponer ciertos cuerpo trabajados, las posturas en las que se encuentran, me parece que su
inclinación por este tipo “estilo o amaneramiento” se debe por un resultado social e histórico,
de la misma forma que esta escuela egresaba puros escultores geométricos en la década de
los 90’s, Jorge tiene esta tendencia a hacer siempre el mismo modelo y cuerpo.
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Este personaje por lo general esta sobre alguna figura geométrica, si el artista cabe en alguno
de los conceptos que hemos estudiado a lo largo del semestre es aquí, en el texto “La escultura
en el campo expandido- Rosalind Krauss” un paso agigantado en la disciplina escultórica fue
retar y cuestionar el pedestal, aquel soporte que mantenía separada la pieza artística del
espacio que la contenía, haciendo a la obra algo completamente autónomo del lugar, de la
temporalidad y de sus espectadores, justo es Rodin quien cambia todo esto, quita por
completo al pedestal y es la escultura algo que esta en completo dialogo con su entorno, el
lugar que habito, y quienes lo habitan, justo es algo que la obra de Jorge si le importa, pues
el considera que el elemento “pedestal” sigue siendo importante para la escultura o por lo
menos para su trabajo lo es, siempre reta a este elemento, lo considera como un punto de
equilibrio en donde sus personajes reposan y en otras ocasiones los desequilibra
intencionalmente, es este elemento el que mas me llama la atención y el único que tiene
cabida dentro de los conceptos que se han revisado a lo largo del semestre en el trabajo de
formato chico y mediano de Jorge Marín.

En lo que respecta a la obra publica de Jorge Marín, la pieza “Alas de México” s un punto de
partida de un análisis, la relación que se encuentra en esta pieza con todas las lecturas es
mucho mas sencillo que en el ejercicio anterior, parece que es de sus piezas mas acertadas y
que por fin se aleja de la comodidad que le ofrece repetirse sin fin, como sus líneas de trabaja
de chico y medio formato. En lo que consiste la pieza “Alas de México” es un par de alas de
paloma montadas de tal manera que tomarse una selfie sea de lo mas sencillo, pues es el
objetivo de la pieza que el público le dé la espalda a esta, le pierda toda atención y se vuelve
por completo un producto mediático que uno cultural, que llegue antes al trending topic que
a una reflexión sincera y consiente, pero es entonces la intención del artista ¿que el espectador
tenga una experiencia estética a la hora de estar presente y ser retratado por una fotografías?

Forma: Aunque Marín sea un artista multidisciplinario, dominando las técnicas como el
dibujo y el grabado, principalmente utiliza la Escultura, aunque comenzó a trabajar con
cerámica, el bronce ha sido su material favorito durante los últimos diez años. Su trabajo a
menudo representa caballos, centauros, niños, madonas, acróbatas; junto con elementos
como esferas, máscaras, flechas, barcos y escalas. Estos conceptos son consistentes con
temas recurrentes como la reflexión y el equilibrio, que dialoga con las emociones y transita
por el terreno figurativo para ubicarlos en el espacio, creando una tensión y una armonía con
el tema y la figura.
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Los personajes de Jorge Marín caracterizan la perspicacia de las águilas; aves de agudas
cualidades predadoras, con una visión vasta del mundo que desde las alturas donde reinan
como imponentes dioses y señores del éter, y representados en su atributo de ángeles o
garudas1, se sitúan eventualmente agazapados cual si fuesen felinos, también predadores
sobre esferas, ventanas, balanzas o caballos, con una máscara que invariablemente lleva pico
a manera de afirmación de la potestad celestial.

En una entrevista realizada por la cadena televisiva mexicana “Televisa” el menciona lo

siguiente:

“Mi trabajo veo que es escultura figurativa en ronce, en diferentes escalas, veo que hay
iconografías muy universales como esferas, alas, cuerpo humano y máscaras”.

“Hay un acabado muy distintivo para mi obra, es un color obscuro que aplico a la obra, que
viene de lo más oscuro de la base y se va aclarando hacia tonos de bronce cálidos, como
tierras o llega hasta el color cobre”.

Ha incursionado en diferentes dimensiones escultóricas, que van de la miniatura a lo

monumental, formato que ha exhibido tanto en México como en el extranjero, apoderándose
del espacio público, generando un diálogo inédito entre la obra de arte y el espectador, que
igual se hace parte de la monumentalidad de un par de alas que cómplice de los personajes
fantásticos que, en plazas y camellones, se integran al mobiliario urbano.

Sus Alas, exhibidas originalmente sobre el Paseo de la Reforma de la ciudad de México,

forman parte del proyecto “8 Ciudades 8 Culturas”; habiéndose instalado ya como parte de
éste, esculturas monumentales en vía pública en las ciudades de: México D.F.; Berlín,
Alemania y Tel-Aviv, Israel, convirtiéndose en referencia icónica de su obra.

Referentes artísticos y culturales:

Para entender los referentes culturales en la obra de Jorge Marín hay remarcar el tiempo y
espacio en el que el artista se desarrolla.

Muy recurrida, es la descripción del mismo artista de su ciudad de nacimiento, a la cual se

refiere como Macondo, dicha experiencia a lo largo de su infancia lo marcaría para futuras
referencias dentro de su producción artística ya que el retrata experiencias a través del empleo
de la metáfora aplicada al cuerpo humano

A rasgos muy generales en su producción se pueden apreciar principalmente esculturas de

bronce, con acabados de arte dramático barroco, con una combinación de elementos de
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perversión de su experiencia, representada metafóricamente con el cuerpo humano en

diferentes posiciones y con el recurso de las alas y picos de ave que incluye en estas.

Como se ha mencionado, las esculturas de Jorge Marín develan un interés por la

representación clásica y tradicional de la figura humana, aunque vivimos en un momento
histórico donde al arte contemporáneo tiene un punto de vista estético relegado, dándole
mayor prioridad a la idea que da forma a la obra de arte, siendo la premisa bajo la que crea
su lógica, la obra de Jorge Marín representa un interés por recuperar un lenguaje que había
cambiado con el advenimiento del arte conceptual.

Pero ¿Qué presuponen estas caracterizaciones en la figura humana en la obra de Jorge Marín?
Una re-interpretación de símbolos que se han usado desde el arte clásico, símbolos
universales. Esto deja claro que los referentes artísticos de Marín van desde el arte clásico
hasta el arte contemporáneo pasando por el arte moderno, el dinamismo y la magnificencia
corporal se vuelven elementos recurrentes que el artista recupera y los dota de una percepción
personal. Marín es precursor del arte contemporáneo al momento en el que su reacción
concibe una necesidad de redefinir la escultura en tiempos actuales, también vemos una
influencia del posmodernismo ya que su obra actúa en un campo de tensiones entre tradición
e innovación, y claramente del arte clásico por el tratamiento del detalle y la mímesis de la
figura humana. Aunque hay quienes podrían considerarlo expresionista por el incesante
dramatismo que adjudica a sus esculturas fragmentadas.

La relación arte y vida se hace presente, aunque muy limitada a nivel personal al hacer visible
los elementos anímicos que constituyen al individuo, a manera de reflexión sobre la manera
en la que nos vemos a nosotros mismos, y como eso nos define en nuestro rol social, su obra
no es transgresora, mucho menos revolucionaria, pero es pública, recordemos que la obra de
arte actual contiene una naturaleza púbica, la escultura de Jorge Marín representa ese punto
culminante, ese espejo al que nos encaminamos todas las mañanas para visualizarnos a
nosotros mismo, un recorrido en el cual inconscientemente nos buscamos a nosotros mismos,
la estética lúdica que el escultor atribuye a sus obras permite una expansión del espacio visual
a partir del imaginario que provoca la presencia de estas formas disfrazadas, encubiertas,
tímidas, siendo un corredor o un espacio abierto el basamento de estas esculturas, la presencia
se vuelve una disolución de numerosas barreras, la escultura se vuelve personal al momento
que el espectador se identifica con aquel otro cuerpo humano, al develar sus inseguridades y
sus miedos.
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Se recuperan muchas ideas del espacio en cuanto recorrido así como de la reconfiguración
de las relaciones entre la obra y el espacio, creando un ambiente propicio para la
contemplación y el disfrute del entorno urbano, pero también para la reflexión acerca del
espacio público y las afecciones que se generan a partir del arte urbano. De qué manera esta
naturaleza pública de la obra de arte actual cambia la ciudad, o al menos nuestra percepción
de ella.

La experiencia se suscita en ese encuentro inesperado con uno mismo, con la obra.