Historia de la fotografía.

Antecedentes prefotograficos.

La fotografía se basa en mostrar una imagen con luz, surge en el siglo XIX a partir de
investigaciones numeorosas, encontraremos precedentes franceses asi como en Inglaterra, para
conocer la fotografía se ven hacer operaciones de carácter físico, óptico i quimico que se dan lugar
en el XIX pero encontramos precedentes ya en el medievo, la literatura considera que estas
operaciones pueden ser antecedentes de la fotografía como puede ser la cámara lucida, la cámara
oscura, químicos con la sensibilidad a la luz de las sales de plata e ideológicos basado en los
perfiles o siluetas, también encontramos precedentes literarios o también de encuadres
precedentes basados en lo pictórico que recuerdan a los encajes fotográficos.

Técnicos y ópticos (físicos).

Como reproducir com verosimilitut (el mundo exterior).

Encontramos las maquinas de dibujar para ayudar al artista para hacer su obra, sabemos que
Bruneleschi, della Francesca, Alberti o durero lo usan donde Benneth Klark lo estudia asi como
Gomez Molina también lo estudia siendo instrumentos para reproducir el mundo real de la forma
más verídica posible.

Desde el renacimiento se trata de aplicar al arte conocimientos científicos para transformar el arte
en un elemento matematizado dentro del espacio visual siendo meramente abstracta y crear un
modo de representación racional de lo que uno observa de la realidad.

Durero utilitza varios sistemas de representación a partir de instrumentos de perspectiva con las
maquinas de dibujo para tratar de buscar la verosimilitut. Tambien introdujo las maquinas de
dibujar en la cual estos elementos se conocen a partir de gravados asi como a través del punteado.

Las maquinas de dibujar sirven para practicar el dibujo sin conocerlo con mucho aunge desde el
siglo XV con un gran desarrollo entre el XVII i el XVIII i con un nuevo auge en el XIX con la
cámara lucida.

Johann Kepler fue el primero que diseña la cámara lucida debido a que necesitaba un sistema para
hacer dibujos topográficos donde quien le pone el nombre es Wohlaston donde los franceses
compran los daguerrotipos para que los franceses pudiesen hacer fotos. La cámara lucida fue muy
uitlitzada a principios del siglo XIX durante el grand tour siendo un elemento de equipaje para el
viajero culto donde uno de los que lo utilizo fue Basil Hall. En Mallorca lo utilizo un tipógrafo
como era Rafael de Isasi que era militar i Pere de alcantara penya usara la cámara oscura o David
Holfeim que es uno de los grandes del pop donde trabaja con la cámara lucida i que en el siglo
XXI sigue siendo utilizado por artistas contemporáneos.
Hockey cree que los dispositivos ópticos provocaron una autentica y secreta revolución del siglo
XIX.

La cámara oscura no tiene similitut con la lara donde solo tienen en común servir al dibujante
siendo sistemas auxiliares de dibujo y son auxiliares de la fotografía donde el principio de la
cámara oscura se descubre antes que la lucida aunque no tiene conciencia de ello. Si nosotros
estamos en una habitación oscura la luz que entra en el orifició da lugar a la pared contraria y da
efecto reflejo en la imagen de forma invertida, el agujero hace de lente convergente todo i que no
sea una lente donde aquí surgirá la cámara fotográfica que es lo mismo pero en un aparato más
pequeño.

Conocido y usado desde la antigüedad classica con autores como aristoteles,alhazen, da vinci,
cesariano, della porta donde las primeras camaras eran habitaciones en dependencias de una casa
donde entre el XVI i XVII se describen, dibujan y construye en camaras portátiles de gran tamaño
(el observador se mete dentro), entre el siglo XVI-XVII se añaden espejos y lentes (que da lugar
a imágenes mas brillantes y enderezadas) y de un diafragma que controla el tamaño del orifició
cuanto más pequeño es el orifició mas nítida es la imagen.

Kepler es quien introduce el termino de cámara oscura donde en su obra de 1604 define el
concepto base del invento del telescopio que se podía llevar en portátil para reflejar la imagen en
el tablero de un dibujo.

Otros autores són SChott, Sturm o Zahn donde la cámara oscura portátiles empezaran a ser más
manejables.

Fue usado por gente con inquietudes artísticas o los propios artistas donde las camaras oscuras las
usaron da vinci, Vermeer donde en sus dibujos prácticamente no hay dibujos preparatorios donde
algunos motivos como los marjenes salen borrosos donde los márgenes coinciden con el visór de
la cámara oscura de la época donde Holanda era el productor de efectos ópticos donde debido a
que no se han conservado las camaras oscuras se han descubierto su uso a partir de las pinturas,
canalettto i Reynolds.

En el siglo XIX se transforma la cámara oscura en fotográfica donde una vez proyectado el dibujo
con papel sensible con la cámara oscura portátil.

La cámara estenopeica es la caja fotográfica mas elemental basado en los principios de la cámara
oscura donde hay muchos estudios que lo trabajan donde cuando el agujero se reduce mucho es
mas nítido pero se necesita mucho mas tiempo de exposición como explica Jaume Gual, lo recoje
todo pero no hay un foco concreto i se encuentra todo a la vez sin nitidez de planos i de formación
en los lados menos reforzado cuanto más cuadrado sea, Gual lo coloca en la roca donde las hojas
quedan poco nitidas donde todo parece desenfocado.
Los usos actuales de la cámara oscura se siguen utilizando en muchas ciudades españolas como
en La Alameda en Jaen, también puede ser de 360 grados.

Precedentes químicos.

La fotografía analógica es la acción de la luz sobre algo fotosensible como puede ser el papel a
partir de las sales de plata haciendo oscurecerse delante de la luz donde coje fuerza en el siglo
XVIII con Schults, Scheele etc donde todos ellos conocen las propiedades de las sales de plata.

A partir de investigadores como Wedgood consiguen conocer todos los elementos que integran
el proceso fotográfico excepto el fijado de la imagen.

Lo que hacen es bañar cuero blanco o bien papel que lo mojan con nitrato de plata donde cogen
algo trasnlucido como un papel con dibujo mojado en aceite que se transparenta donde el elemento
fotosensible se pega con el elemento traslucido i con una vela se consigue que la figura del papel
translucido se traslade al papel fotosensiblado. Lo que ocurre es que no consiguen que la imagen
del papel quede como duradera y se acaba oscureciendo el papel, en 1802 la obra de Davy publica
este proces donde tuvo cierta proyección donde Talbot se interesa por el proceso.

Precedentes ideológicos.

Giselle Freund.

Se citan los perfiles o siluetas son retratos económicos y senzillos que se pueden hacer a tijera
coger las facciones i reproducirlas destacando en la época de Napoleon Bonaparte i fue popular
en los mercados ambulantes, se pueden conseguir también sin necesidad de recorte se dice que
viene de un ministro frances denominado etieene de Silhoutte, también se consigue a través de la
luz de una vela i los fisonotrapos que es un invento de Chretren que era un siluteista que con tanta
demanda no daba abasto i por tanto creo esta maquina que dibuja la silueta i la pasa en la plancha
de gravado i luego se imprime como obra, también se introducen tonos dependiendo del coste de
la pieza, se pone de moda entre los círculos cortesanos como Sideau o Lavater que se basa en la
definición del carácter de la persona a partir de la forma y medida craneal, también se ponen de
moda los espectáculos domesticos.

Cualquier personaje importante se iba a hacer la silueta al lado de la torre Eiffel.

Descubrimiento, primeras fotografías, imagen única i multiplicable. Procedimiento y

protagonistas.

Las primeras fotografías eran imágenes únicas donde las multiplicables se consiguen a partir del
negativo donde encontramos diversos procedimientos entre los más conocidos encontramos a
Niepce, Daguerre, Talbot i Bayard.
Niepce era un frances que pasó a la historia como el que consigue sincronizar los elementos
ópticos i químicos para dar lugar a la fotografía, el hacia todo muy en secreto donde patento muy
poca cosa siendo uno de esos burgueses que tiene una finca agrícola que le permite vivir bien
donde investiga y hace experimentos pero fue poco valorado por el hermetismo a la hora de
publicar sus investigaciones i obras, como segundon de familia burguesa se le envía a las ordenes
religosas en la qual con la revolución francesa canvia el habito por el uniforme militar i después
en 1801 regresa a Chalon donde su hermano Claude si que intenta moverse i patentar para
conseguir provecho económico.

Crean un pireolofolo donde tienen interés por la cámara oscura aunque no se conserva nada i
desde 1813 tiene un interés por la litografia donde sabemos de el a partir de las cartas que enviaba
a su hermano i a su hijo isidore donde cuentan sus experimentos, quien dibujaba era su hijo Isidore
pero se va al servicio militar i necesita un aparato para hacer dibujos buscando alternativas con
sistemas para que la piedra tenga una imagen donde puede substituir el dibujo en la piedra por
otros sistemas que no precisen dibujar encima.

Utilitza grabados aceitados que coloca sobre la piedra litográfica cubriéndola de un elemento
fotosensible con un elemento traslucido y lo pone a la luz del sol para intentar conseguir que el
grabado translucido queda en la piedra, después coje la cámara oscura donde coloca la piedra
donde intenta conseguir de algo translucido con la piedra sensible consiga una matriz para
imprimir que la va sustituyendo utilizando otros soportes como el cristal, el papel, el cobre, el
zinc que es una aleación de estaño.

Dificultades.

Problemas para obtener piedra especial en la zona donde la sustituye por otros materiales, muchas
horas de exposicon al sol donde intenta investigar como reducir esas horas, la imagen no queda
fija i desaparecen, prueba con camaras oscuras de diferente formato.

En 1816 consigue la primera imagen con papel emulsionado con cloruro de plata en la cámara
osucra donde la fija con acido nítrico donde dura durant unos minutos intentando conseguir un
positivo.

No es consciente de lo que ha conseguido con un negativo invertido i hace nuevas pruebas donde
usa betún de judea consiguiendo una imagen positiva donde en julio de 1822 hace su primera foto
que la llama heliografía es decir escribir para el sol siendo una copia del gravado del cardenal
d’amboise que se hace a partir de una plancha de cristal fotosensibilizado con betún i mas
sustancias donde coloca el gravado original por contacto durante 2-3 horas al sol, la lava laa
plancha y elimina residuos con disolvente i la fija donde con la plancha puede estampar
consiguiendo una fotografía(puede caer).
Crea las heliografías que son copias por contacto con gravados sin cámara que le sirve como
matriz i los puntos de vista que són imágenes tomadas del natural con cámara oscura utilizando
el peltre o estaño como soporte consiguiéndola en 1826.

El termino fotografía sure en 1839 donde en 1826 se realiza el punto de vista desde la ventana de
Niepce, para hacerla el peltre estuvo sensibilizado 8 horas al sol en la cámara oscura donde la
imagen surge en positivo directo siendo un punto de vista o un bodegón titulado la mesa puesta
donde Herseim la data en 1829 mientras otros en el 1832.

Niepce continua investigando con materiales como planchas de cobre i con camaras hechas de
madera o el mismo o de Chevalier, el diafragma (que modela la entrada de luz), el cilindro de
madera. Hace todo esto gastándose muchísimo dinero donde firma un acuerdo comercial con
Daguerre en 1826, en el 27 se patenta la heliografía, en el 29 se firma la sociedad, en el 33 muere
Niepce, en el 37 firma un nuevo documento con Isidore donde Niepce no consta donde Daguerre
se proclama como inventor donde utiliza yodura de plata donde lo denomina daguerrotipo donde
isidore acepta porque consideraba que no había tantas diferencias.

Jaques Mandé Daguerre fue fotógrafo, pintor, decorador francés con un espíritu empresarial muy
fuerte teniendo un espíritu comercial más fuerte que Niepce, es la figura más conocida de los
orígenes de la fotografía, destaca por combinar dotes comerciales, emprenduria y algunos
conocimientos científicos, químicos y habilidad artística donde creara una nueva cultura visual
creando el diorama que es un espectáculo visual público precedente del cine que empieza en 1822.

El diorama lo funda Daguere conjuntamente con Charles Marie Bouton que recibe otros nombres
como panorama que da lugar a escenografias pintadas con ajuda de la cámara oscura y lentes de
la casa, recibe el nombre también de mareorama donde se mostraban paisajes de origen marítimo,
utilizaba la cámara oscuraa como ayuda para hacer los dibujos, jugaban con luces y sonidos donde
podían hasta llegar a mostrar edificios donde se hicieron espectáculos que tuvieron mucho éxito.

El diorama le va bien donde entra en contacto con Niepce en 1826 i en 1829 crean una sociedad
donde Niepce es el inventor i Daguerre lo comercializa, en 1833 muere Niepce i en 1837 se firma
un nuevo acuerdo comercial con el hijo Isidore donde Niepce no consta i Daguerre se proclama
inventor donde introduce canvios como la sustancia snese la hace con yoduro de plata, el proceso
se basa a partir de vapor de mercurio con un soporte de lamina de cobre cubierta de plata que lo
denomina daguerrotipo dando lugar a un efecto espejo en la reproducción que es debido a la
acción de la plancha de cobre donde lo que hara Daguerre será meterlos en un estuche debido a
que si pasabas el dedo te lo cargabas.

El daguerrotivo mete el positivo directeo (al principio indirecto) con un soporte de lamina o
plancha de cobre cubierta de plata y pulida utlizando el yoduro de plata como sustancia sensible
donde la placa se coloca en la cámara y se hace la toma con un proceso de vapor de mrcurio y se
fija con cloruro sódico. Era de una ejecución muy laboriosa donde tiene más nitidez que los puntos
de vista de Niepce con un acabado de superficie brillante donde el que mira casi se refleka siendo
una pieza única donde no permite copias con un gran tiempo de exposición que dificulta el retrato.

Dentro de su política de difusión envía ejemeplos a académicos y científicos europeos y

americanos y contacta con Françoois Aragó que era político y astrónomo que havia pasado meses
en las baleares, en Enero de 1839 Aragó explica el proceso de la academia de ciencias donde Felip
Monlau, Talbot se enteran y en Agosto lo vuelve a dar a conocer con mucho publico, en Julio de
1839 el estado frances compra el invento para hacerlo de dominio público con una renta vitalicia
para Daguerre y Legion de Honor que es muy alta y con una renta vitalicia menor para Isidore
Niepce comprando también el Diorama con un incendio casual ese año i en Agosto de 1839
Daguerre patenta el Daguerrotipo en Inglaterra.

En Agosto de 1839 Arago presenta públicamente el objeto en la academia de ciencias con

científicos académicos, Eduard Morse entre otros i a Mallorca llega en 1839 donde se
comercializa a finals de año con un prospecto en 1840 teniendo un impacto tan fuerte como el
vapor, el tren o la imprenta, el primer libro editado que habla de daguerrotipos donde se reflejaban
en gravados fue el panorama óptico de Antonio Furió de 1840, después Daguerre publica un
manual con instrucciones para hacer daguerrotipos y dioramas y enseña el método donde fabrica
las camaras con Giroux y la óptica de los Chevelier con trípodes, accesorios que pesaban 50 kilos
que valia 400 francos de oro y fueron firmadas por Daguerre y numeradas. Por ejemplo el retrato
de Daguerre i de Muntaner.

Después se retira a Bry donde les hace un diorama, cuando Daguerre ya era conocido empieza a
haver criticas como el de el hijo de Niepce Isisore haciendo una obra donde explica la relación de
su padre cpm Daguerre, después Potoniee con la historia del descubrimiento fotográfico baja un
poco el éxito de Daguerre o Lecuyer en 1945 con su historia de la fotografía.

Uno de los daguerrotipos más conocidos es la del boulevard de Paris entre 1858-9 donde no utiliza
prisma para canviar la imagen siendo el boulevard de lo más concurrido de la ciudad de Paris,
hace el daguerrotipo desde la terraza de su estudio coje un detalle de una de las calles más
conocidas situado en un lugar céntrico donde se ubican los cabarets i cafes de moda ubicándose
allí la vida nocturna con otros ejemplos como la ilustración de 1844, otras fotos de aquel momento
se conservaron gracias a campañas de publicidad siendo una fotografía de exterior con 10 minutos
de exposición posiblement en un momento de la calle muy concurrida donde se muestran los
edificios o si los carrajes se paran durante 10 minutos se podía captar en la fotografía como por
ejemplo un limpiabotas, encontramos 5 grupos de personas con un punto de vista elevado que es
habitual para realizar daguerrotipos paisajísticos que se ha querido relacionar con el pre-
impresionismo i los japonismos.(puede salir en examen).

Encontramos otros daguerrotipos de arquitectura o de su mujer Louisa Georgina Daguerre donde

lo realiza en exterior o de un artista que se desconoce su identidad o de M. Huet de 1837 siendo
anterior a la rue tent.

Dos años antes de la presentación pública del invento muestra como la caligrafia se identifica a
Daguerre en 1837 mediante análisis químicos con una óptica semejanze a la que usa Daguerre en
1837.

Otro de sus grandes temas són los bodegones o naturas muertas como l’atelier de l’artiste o
reproducciones de obras estableciendo Pinson dos hipótesis en que se basa en que la elección de
las piezas Daguerre no las hace con casualidad debido a que va con el academicismo de aquella
época de Luis Felipe donde el estado frances pone en marcha un museo de moldes de yeso donde
las grandes obras se hacían replicas de yeso para los estudiantes donde intentan hacer de Francia
el centro internacional de reproducción artística mundial en aquella época. Difunden obras de la
estética más academicista donde Daguerre se preocupa mucho por trabajar la iluminación y las
luces y sombras con el Daguerrotipo preocupándose de los efectos visuales a partir del juego de
luces con diversa tonalidad de grises, están también en sintonía con el ideario formativo y estético
de la Monarquia de Luis Felip (julio) configurando hitos de memoria nacional y colectiva
universal haciendo de Francia el centro de documentación de la cultura europea. Estos
Daguerrotipos aununcian la función documental y formativa que la fotografía tendrá para la
historia del arte, el papel para difundir objetos artísticos , como papel principal en el análisis de
las obras de arte (comparación e identificación de elementos formalistas) dando lugar al museo
imaginario de Malraux que se basa en la difusión y arte para todos en 1947.

Por otra parte sobre las naturas muertas són lecciones sobre las propiedades de la luz donde le
preocupa como se da lugar la luz en los daguerrotipos donde se relaciona con un recurso óptico
anterior basado en los pintores paisajistas, viajeros-turistas que són los miroir Claude
(espejos/cristal Cloude) que puede ser un precedente iconográfico del Daguerriotipo incluso de la
fotografía donde lo utilizan para el encuadre y los recursos luminicos donde la relación arte,
tecnología, ciencia esta muy vinculado por artistas como David Hockney.

Hocney es un artista que empezó en el pop donde utilizaba la cámara lucida, clara i ahora trabaja
con diversas aplicaciones donde hace sus cuadros transformándolos en instalaciones o pinturas.
Otros artistas como Witkin donde utiliza la estética muy de Daguerrotipo utilizando los errores
para su obra actual siendo imágenes manipuladas para que parezcan que sean imágenes mal
conservadas de Daguerrotipo(posibilidad ex). Tambien tenemos el ateileretaguardia donde
recupera el Daguerrotipo volviendo a lo manual i lo quimico o Zucker que hace Daguerrotipos de
grans edificios o de personas sin moverse como Povsonarsky.

OTRAS CONTRIBUCIONES.

Hypolite Bayard es un funcionario del ministerio de finanzas muy interesado e experimentador

de los procesos de la fotografía, desde 1837 empieza a trabajar en la fotografía primero sin
fotografía donde experimenta con sustancias fotosensibles donde no tiene ayuda ni medios
haciendo entre 1837 y 39 fotogramas en negativo sobre papel conseguido por contacto donde los
rechaza buscando positivos directos sobre papel. En enero de 1839 consigue postivios directos
con papel y cámara donde los enseña a Aragó (donde opta por Daguerre y revuelo mediatico) y a
finales de ese año la academia de BBAA(Bellas Artes) aconseja su uso para viajeros (el papel
sensible se podía preparar y luego usar) eclipsado por el daguerrotipo.

El autoretrato como ahogado de 1840 (puede caer) se hace a partir de un positivo directo en papel
bañado en sales de plata donde se expone al sol donde se enegrece y se sumerge en yoduro de
potasio y aun húmedo aderiendose a pizarra y se mete en la cámara, después se seca el papel de
la cámara y la plata (ya enegrecida por la luz se transforma en yoduro de plata) y luego se baña
en hiposulfo o cinauro y aparece la imagen positiva. Es importante la imagen donde detrás de la
foto encontramos una nota dirigída a Aragó donde le dice que el es el que esta retratado
demostrando su enfado con una gran carga ironica siendo la primera fotografía de ficción
haciendo parecer que es real. Muestra la representación ficticia de su propia muerte siendo
también el primer autoretrato de ficción y la primera fotografía de denuncia que tiene influencia
de la muerte de David entre otros o Reslander con el sueño del soltero.

Tambien hizo otros positivos directos sobre papel teniendo menos nitidez que el Daguerrotipo
debido a la fibra del papel y cogiendo menos detalle como los restos de la calle de la rue royale
siendo miembro de la sociedades heliográfica, o la sociedad francesa de fotografía donde en 1851
se encargan de documentar numerosos importantes edificios medievales.

Talbot es el ultimo de los iniciadores de la fotografía siendo conocido por ser inventor del
negativo en papel que recibe el nombre de Calotipo o Talbotipo siendo un personaje romanticista
de época victoriana siendo muy culto tanto en ciencias experimentales como humanistas siendo
un gran conocedor de botánica entre otras cosas, era un terrateniente que vivía de rentas con sus
propiedades agrícolas donde hace estudios de fotografía, óptica y estudios de lenguas clásicas o
preclásicas, vivió en el Lacock Abbey donde se conserva el mirador siendo donde se hizo el
primer negativo.

Talbot era un gran viajero donde hace dibujos con cámara oscura o lucida en 1883, en 1834 hace
estudios de botánica donde busca un sistema para reproducir hojas para sus herbarios sin tener
que dibujarlos donde experimenta sin camara bañando los papeles en sales de plata (fotosensible)
y por contacto haciendo lo que haría después Man Ray con los rayogramas, en 1835 describe por
primera vez el proceso fotográfico negativo/positivo haciendo en Agosto el primer negativo sobre
papel con cámara oscura y diserta sobre la naturaleza de la luz (1835) siendo un estudio científico
de las propiedades de la luz.

El primer negativo fue sobre una ventana siendo un detalle que hace con camaras que su mujer
llama ratoneros llamándolo dibujos fotogénicos colocando un papel sensiblizado en la cámara, lo
procesa y sale el negativo. Entre 1836-38 deja experimentar con la fotografía hasta que en 1839
se entera sobre la invención del Daguerrotipo donde inmediatamente presenta y expone sus
dibujos fotogénicos a la royal institution de Londres y reclama la paternidad de la fotografía
presentando en diferentes estamentos científicos aumentando sus investigaciones en fotografa.

Tenemos un negativo con Heldermann que era su mayordomo, en 1840 estrena el programa
negativo/postivo donde consigue la reproductibilidad de las copias en negativo a partir del
negativo papel saca por contacto un positivo también sobre papel sensibilizado con nitrato de
plata siendo la matriz de sacar multiples imágenes positivas mejorando su procedimiento, lo
patenta en 1839 el dibujo fotogénico y en 1841 el positivo. Se diferencia del daguerrotipo en la
reproductibilidad pasando de la unicidad a la multiplicidad.

Fotografia lo más próximo y su familia, las universidades que conoce y sus viajes, también
arquitecturas, detalles, pocas imágenes frontalees, puntos de vista con gusto tridimensional, vistas
urbans con punto de vita alto e imágenes en grupo de su abadia. Talbot comenta que tarda el
mismo tiempo enretratar a una persona que a un grupo y en 1843 funda su primera compañía
fotográfica gestionada por su aydante y mayordomo Nicolas Herrmann haciendo todo tipo de
encargos como la edición de libros costosos debido a que tiene fotografías originales obligándolo
a hacerlo por entregas creando la Talbotype Manufacturing Establishment donde edita obras como
the pencil of nature o anals of the artists of Spain que se considera el primer libro de historia del
arte con fotografías con 4 volumenes.

Las fotos són copias positivas de copias de obras y gravados o a partir del original pero con el
incoveniente del sol y de que no se queme al pasar del blanco a negro siendo ediciones muy cortas,
the pencil of nature es un álbum de 24 calotipos donde no són gravados que combina palabras con
imágenes hecho con diversos autores como Talbot, Henry Colley o Turner donde resulta una
disertación sobre la importancia de la fotografía siendo una nueva forma de producción visual.

Cada calotipo del libro tiene texto donde explica el método introduciendo elementos de carácter
estético basado en la composición y encuadre que se relaciona con la tradición de la historia del
arte donde los responsables de la fotografía són fuerzas ocultas siendo una nueva forma visual
frente a las formas tradicionales de representación, es decir, una nueva forma de representación.
Según Weaver considera que Talbot va a dar una dimensión simbolica y alegórica con doble
atención de las imágenes enfocándolo como un fotógrafo que sabe mucho debido a la introducción
de significados más trascendentes dando lugar a que sus fotos no són casuales ni arbitrarias siendo
un erudito que lo plasma no solo en los libros sino también en sus fotos con distintos significados.

Esto se muestra en imágenes como la escalera (puede caer examen) es un monologo en si misma
siendo en apariencia sencilla siendo una composición triangular de tres personas una frontal i las
otras dos de espaldas envuelto de vegetación, no es una instantánea debido a que tarda 2 minutos
en hacerla pero es una fotografía muy planificada. Hay una riqueza de los significados cotidianes
donde la escalera puede tener un significado alegórico como el elemento ceremonial o ritos de
ascensión o subida, la ascensión celeste, la escalera de perfección, la escalera como muerte o
cambio, el camino del conocimiento o la escalera de la perfección.

La puerta abierta o el solidoquio de la escoba muestra un detalle de la residencia de Talbot con

una puerta entre abierta con una escoba donde la ubica en la tradición de la historia de la pintura,
en concreto de la pintura flamenca donde muestra el detalle como un elemento fundamental
metiendo la fotografía dentro de la historia del arte donde el pintor y el fotógrafo comparten de
que introducen algo que acerca al espectador a la propia fotografía o pintura.

La escena de biblioteca en 1843-4 se encuentra muy pensada donde la luz incide en algunos títulos
siendo un guiño a sus intereses culturales siendo un autoretrato donde interpreta jeroglificos
tradicionalmente a elementos muy eruditos y simbólicos que se asocia a la rama del conocimiento
de la emblemática muy asociada a aquella época victoriana que engloba con una tradición artística
e histórica que se relaciona con la propia foto.

Tambien es experto de la literatura emblemática i la tradición ilustrada donde muestra la escalera

más alla de multiples significados que engloba con una tradición artística que se relaciona con la
emblemática en la historia del arte donde conoció a Durero en obras como la melancolía I de 1514
donde se introducen la escalera, la rueda, el poliedro ente otras cosas emblemáticas donde se
muestra como Talbot no hacia fotos por causalidad como en el hombre en la iglesia de 1844.

Ejemplos actuales de recuperación de Calotipos.

Destaca Paolo Gioli en el homenaje a Hipolito Boyard de 1841 por el ahogado donde convierte
negativos en positivos o Tony Catany con la serie de caliotipos entre 1976-86.

LA DIFUSIÓN DE ESTOS PRIMEROS PROCESOS.

En muy poco tiempo tanto los daguerrotipos como los calbotipos se abaratan mucho debido a la
investigación donde se reduce de peso, se realizan nuevas opticas,se abarata su precio i el
procesado de la fotografía pasa de minutos a prácticamente segundos surgiendo la profesión del
fotógrafo profesional.

Se difunden los primeros estudios profesionales siendo muy complejos con muchos elementos
dando lugar a una gran expansión internacional donde los fotógrafos tractan todo tipo de generos
pero uno de los más usados es el del retrato donde destaca el de Albert Sand Southworth siendo
un daguerrotipo de la segunda mitad del XX o el de Roilin Heber Neale con medidas de retrato
muy estándar de diferentes medidas y precios presentándose en estuches como el de Edgar Allan
Poe de 1846 o la pareja de Daguerrotipo de 1850 donde incluso los fotógrafos hacían fotos al
fallecido o estudios antropomórficos o hacen daguerrotipos esteroscopicos o incluso que el
fotógrafo actue como itinerante donde no hacen competencia al pintor de gran formato sino al
miniaturista suponiendo una gran crisis para dicho sector haciendo que muchos se conviertan en
fotógrafos.

Surgen también la figura de la ironia donde destaca la figura de Daumier como se ve en le

charivari donde para retratar tenían que no movilizar la cabeza con el reposa cabezas, no solo se
enmarcan las fotos sino que se hacen complementos para vestir como anillos, broches, relojes etc,
se han conservado daguerrotipos como el incendio de Hamburgo de 1852 donde muestra que a
pesar de su dificultat se podía reproducir cualquier tema o el de las barricadas de parís durante las
revueltas de 1830, los daguerrotipos microscópicos o microfotografía, la astronomía, destacan
también las excursiones daguerrien que son excursiones a partir de daguerrotipos sobre territorios
desconocidos.

La obra de Antoni Furio con el panorama histórico-artistico de las baleares fue la primera en
incluir imágenes aunque fueran litografias.

Tambien encontramos la difusión del calotipo donde era más transportable que el daguerrotipo
pero no tenia tanta nitidez donde los más conocidos són David Octavius Hill i Robert Adamson
en 1843 con el edimburg from Calton Hill siendo positivos a partir de negativos donde le encargan
un cuadro con todos los integrantes de la nueva iglesia de Escocia en 1843 donde debía incluir a
todos los miembros tardando 20 años fotografiándolos y a partir de ahí hacen el cuadro del acta
de la nueva iglesia de Escocia.

A parte de esta obra son conocidos por las vistas i escenas cotidianas siendo competidores de la
fabrica de Talbot.

Se hacen mejoras en el procedimiento del negativo papel como Gustave Le Gray o Charles Negre
donde muchas veces a partir de la foto hace el cuadro donde es una copia de papel salado a partir
de un papel negativo/calotipo.
LA DIFUSION DE LA FOTOGRAFIA. LOS ESTUDIOS PROFESIONALES. EL
FOTOGRAFO AFICIONADO. NUEVOS PROCEDIMIENTOS TÉCNICOS. NEGATIVO DE
COLODION HUMEDO Y COPIAS POSITIVAS A LA ALBUMINIA.

Mejoras en el proceimiento del negativo.

Louis Desiré Blanquert-Evrard hace un negativo en papel húmedo entre cristales reduciendo el
tiempo de exposición y papel no arrugado en 1847 a partir de una emulsión que baña el papel sin
usar pincel (mas pulcro).

Abel Niepce de Saint-Victor hace el negativo papel albuminado (mas transparente) en 1847 i el
negativo de vidrio con albumia y retrato de plata.

Gustave Le gray hace el negativo con colodión húmedo y encerado seco.

Mientras con el positivo se hace con papel de albumina para positivos (copia a la albumina) en
1850 hecho por Evrard y Niepce-Victor.

Quien se lleva la fama es Frederich Scott Archer que es un pintor y escultor que en 1851,2 y 64
trabaja el negativo de vidrio al colodión húmedo y copias positivas con papel albuminado.

Servira para una difusión internacional de la fotografía siendo el pistoletazo de salida para la
fotografía profesional y amateur, las ventajas que tiene este proceso se basa que es más fácil de
preparar que el calotipo o el daguerrotipo siendo más económico, con un proceso más rápido y
con menos tiempo de exposición mientras sus inconvenientes es que debes tener habilidad para
hacerlo rápido debido a que el negativo se coloca en la cámara humeda acarreando con todo el
laboratorio a cuestas, el negativo de colodión humero combina nitroceluosa, éter y alcohol con
yoduro de plata que actua como material sensible.

El colodión es una sustancia pegajosa que se extiende sobre la placa de vidrio y, humeda se
sensibiliza con un baño de yoduro de plata, se coloca la placa humeda en la cámara, se hace la
foto, se revela y fija con una placa que es de tonalidad marron. Eso requiere mucha rapidez para
preparar las placas dando un positivo por contacto al sol con papel alhumado a lo natural.

Esto produce un auge de los estudios profesionales, itinerantes y de aficionado y aparecen nuevas
modalidades como el androtipo o el ferrotipo visualmente parecidas al daguerrotipo siendo un
negativo normal con poca exposición para ponerle una tela detrás mientras el ferrotipo es lo
mismo pero a partir de hojalata siendo bastante económico teniendo más éxito el positivo
cogiendo como ejemplo el propio negativo destacan autores como Jules Virenque donde se pegan
con un carton donde por detrás se pone información sobre el fotógrafo.

El cliché-verre o cliché de cristal es utilitzado por muchos artistas como Corot o Man Ray donde
originairmanete se coloca barniz de grabado sobre un cristal y se raya (dibuja) encima para luego
estampar, con el colodión se coloca sobre cristal y se dibuja con punzon y se pone por contacto
con el papel fotosensible y luego se revela el postivo o se dibujaba directamente sobre el cristal y
se pone por contacto con papel positivo sensible y se rebela.

Encontraremos diversos autores que trabajan con el colodión como Le Gray que es fotógrafo
profesional, Diseri como protagonista del auge mediatico del medio, Camerin, como fotógrafo
aficionada de gran calidad Nadar como forografo profesional que destaca por su vertiente de alta
calidad plasticai Carroll como fotógrafo aficionado.

Gustva le Gray es un fotógrafo y pintor frances que era un gran experimetador e investigador,
tiene un estudio en Paris que hasta 1860 tiene mucho éxito però vende después a Nadar, empieza
haciendo daguerrotipos luego hace negativo en papel hasta llegar al negativo en colodión húmedo
en 1849 que mejoro Archer en 1851. Hizo el tratado fotográfico sobre negativo en papel y vidrio
con ediciones posteriores más completas y otro aspecto es que utilizaba la fotografía como un
instrumento de creación artística plástica.

Es contratado por el gobierno frances en la misión heliográfica igual que Bayard donde recorre el
suroeste de Francia en los castillos del valle del Loira. Iglesias en la ruta de peregrinación a
Santiago de Compostela y carcassone antes de la restauración de Violet le duc etc. Serà profesor
de Nadar, Delacroix, La secq, du Camp, etc. En 1860 hay una crisis económica por la competencia
de otros estudios profesionales que hace que se queda en la ruina dejando todo y se va a oriente
próximo (con Alejandro Dumas)residiendo en el cairo donde documenta documentos
arqueologiqcos con el colodión.

Destaca el retrato de Palmira Leonard de 1848 que es un daguerrotipo.

El retrato de Louis Napoleon Bonaparte en 1852 haciendo un negativo en papel o la emperatriz

Eugenia donde cuida la composición y la luz.

Trabaja otros generos como el acontecimiento y la fabrica como la terre noire siendo una copia
positiva en papel salado de negativo de papel encerado (calotipo).

Destaca fotos de paisajes como el de Fontanaibleu siendo del mismo procedimiento que el anterior
relacionándose con los autores de la escuela de barbison con obras de juventud y otras con Corot.

El estudio a partir de la naturaleza o el bosque en fonteneaibleau es un papel albuminado a partir

de un positivo con colmidon.

Otro tema del que es conocido es por las marinas como la salves de la flotte française a Cherbourg
de 1858 donde trabaja el punto de vista donde todo este en los grises que el considere pero por lo
general procura controlar los grises y también las detonaciones haciendo las fotos en menos
tiempo permitiendo controlar el movimiento que no quede del todo desenfocado donde cuanto
más corto más instantáneo queda la foto, también utiliza efectos luminicos del mar.

La bateaux quitant de Port du Haure muestra como le interesan los contrastes y los puntos de vista
siendo un positivo en papel aluminado con positivo por colodión on el utiliza la imagen para
expresarse no para mostrar ninguna imagen histórica sino para expresarse como artista.

El faro de le havre reduce el tiemp de exposicon o en etude de nuages le interesa el tema de las
nuves o el efecto solar.

En sete de 1857 trabaja con dos negativos, a partir de una fotografía de mar que sacrifica el cielo
y fotografía el cielo sacrificando el mar donde con ambos hace un positivo nuevo siendo perfecto
mostrando el cielo y el mar como el quiere.

Sus marinas son referentes para la historia de la fotografía y también para la historia de la pintura
porque contaminan este genero pictórico tan característico con la tradición de la escuela inglesa,
hace un estudio cuidadoso de luces i sombras armonizando volumebes y cuida mucho el tema de
las perspectivas.

Retrata a Garibaldi o la sala hipóstila del templo de Amon en Karnai.

Andre Adolphe Eugene Disderi fue el inventor de la tarjeta de visita (carre de visite) que es una
fotografía que será habitual en el estudio del fotógrafo y en los álbumes de familia siendo una de
las de mayor fama que permite abaratar el medio y que más grupos sociales tengan acceso y
puedan difundirlo donde se inventa y patenta una cámara de fotos nueva con varios objetivos que
podía llegar a 16 patentando una nueva cámara de fotos que le permite hacer fotografías con una
sola placa podrá hacer hasta 12 tarjetas de visita pero el tiempo de relevado es para una sola placa
dando lugar a que las tarjetas de visita sean muy baratas patentándolo 1854 donde llego a tener el
estudio más importante de Paris con sucursales en otras ciudades con una cortina para tapar el
sujeta cabezas dando inicio también a los álbumes fotográficos.

Julia Margaret Cameron es de las pocas mujeres fotografas i fue conocida tardíamente hacia los
años 40 donde la identifican Alison y Helmut Gernshern que eran grandes historiadores de la
fotografía y grandes coleccionistas, es un perfil parecido al de Talbot siendo terrateniente teniendo
tierras en la India donde pasa muchos años allí aunque aprende en colegios en Inglaterra i Paris,
regresa a Inglaterra en 1860 i luego ya mayor vuelve a la india hasta que muere. Es una mujer de
buena formación y empieza a hacer fotos a partir de los 50 años regalándole su hija una cámara
fotográfica, tiene un elemento a destacar donde hace registro oficial de patentes e incluso
reivindicó su papel de fotografa en determinados lugares museísticos, aprendre la técnica a partir
de sir John Herschel donde se cartea con el i con Rjlander a partir de Temison que era vecino de
Cameron.
Però quien más le influyo fue Wynfield con quien hace retratos de sus amigos intelectuales
vestidos de diversas formas basándose en recreaciones de época, sigue algunos postulados que
recuerdan a la tradición de Rembrandt i Tiziano a la manera oriental o renacentista, con planos
muy cercanos donde Cameron la considera su maestro, destaca en pintura es más academicista
como the arrest of Anne Boletyn.

Cameron tiene su propio retrato de Wynfield donde se carga mucho color i monta su propio
estudio al sur de Inglaterra donde los convencionalismos no tenían cabida, se conserva las cajas
donde guardaba las fotos donde ella era la que rebelaba i positivava las fotografías como el retrato
de Henry Taylor donde hay un defecto en el proceso del revelado, algunas se incluían en álbumes,
en principio lo hacia ella però luego lo lleva a laboratorios londinenses, eran copias positivas por
contacto albuminadas registrando su autoria en las fots.

Las características de sus obras se basan en largos periodos de exposición con diafragmas abiertos
i una iluminación muy suave buscando el desenfoque, la luz era artificial como por ejemplo a
partir de una chimenea o natural a partir de un recinto como un gallinero siendo una imagen con
diversidad de planos desenfocadas con solo una enfocada debido a que huye de la foto como
documento i descarta la nitidez conscientemente. Las camaras eran de objetivo de distancia focal
corta con aberraciones opticas/falta de nitidez/pocos planos enfocados (1863) con objetivo
adecudado (de forma variable) donde mantiene la falta de enfoque de planos (1866) donde lo
explica en anales de mi casa de cristal. Serà una gran retratis como Darwin o el de Paul y Virginia.

Tambien hacen retratos a la manera de la época o episodios mitológicos y literarios como Vivien
y Merlin, entiende la fotografía como un medio de expresión plástica y con categoría artística.
Tambien se mueve en el plano alegórico y simbolico como el sussuro de las musas del pintor
Wats y las niñas, se enfoca como el rostro de la niña no es nítido al igual que el resto donde
principalmente enfoca la punta de la nariz donde sus modelos se basa en lo que encuentra cerca
como sus amigos, familia, sirvientes siendo a estos a quien fotografía como a su marido Charles
Hay Cameron o sus nietas, también hace retrato de Julia Jackson o de ellen Terry o Mary Hilier,
también retrata a la granjera i sus hijas o annie y su primer éxito debido a que le sale la foto como
toca, Aldred Tammyson o Henry Wadsworth o Thomas Calysie.

Algunas de las fotos de cameron incluyen primerísimos planos donde profundiza en la psicología
de la persona concretando el encuadre con la pura inteligencia (relacionado con las teorias de la
frenología introduciendo luces y sombras donde no se limita a reproducir o a valorar una
apairencia física sino a captar la fuerza que emana el personaje plasmando el arte como forma de
conocimiento donde reivindica la capacidad artística de la fotografía. Muestra una complicidad
intelectual y de mismas fuentes plsticas y iconográficas con los pre rafaelitas y los simbolistas.
Tenemos relación con obras de Rossetti, Waterhouse, Watts, Miliais por ejemplo la hija del
jardinero de Cameron o el dia del vecino o la ninfa de la montaña o Beatrice May Princen.

Cameron bebe de la historia del arte el clásico, medieval, del quatrocento, literarias com
Shakespeare, tennyson, mitológico, narración bíblica donde trabaja el retrato, la recreación
histórica e ilustraciones con fuentes literarias donde se relaciona con los pre-rafaelitas. Le interesa
plasmar unos arquetipos y conceptos universales como la idea de inocencia, ssabbiduria, piedad,
belleza etc moviéndose muy bien de la recreación histórica donde cree en el arte con una
intencionalidad moral a través de la alegoría en un contexto histórico marcado por el progreso i
el maquinismo de la revolución industrial que se muestra como la santa Cecilia a la manera de
Rafael o a la manera de los frescos del partenon o la Beatrice cenci basada en una leyenda del
siglo XVII o siguiendo la tradición de la pintura holandesa de Stiegliz como la obra Paula o
prospero y miranda o a la manera de Perugino. Tambien introduce cupidos alados o no de
elemento renacentista o Santa Ines o demasiado tarde demasiado tarde. Según lo plasman los
prerafaelitas las mujeres són buenas o malas donde Cameron no plasma la idea de la mujer
culpable como con Julia Jackson siendo un ideal de ternura o la Pomona o la eco dando lugar a
una voz agradable para que Zeus no se enamore de ella.

Otros de los trabajos importantes que tiene es que recrea los idilios del rey que es una obra de
Daymeson que narran las leyendas artúricas haciendo fotografías basadas en los textos de
Damyson haciendo 200 fotografias haciendo que se arruine y le hace volver a la india donde hara
una fotografía de carácter etnográfica.

Nadar Lewis Carroll es un parisino de familia burguesa intelectual de provincia i empieza

medicina aunque la familia se arruina y deja los estudios y se pone a trabajar donde se dedica a
escribir y hacer caricaturas, era un republicano convencido donde para hacer sus caricaturas
necesita el retrato de la persona donde hace una colección de 4 litografias que denomina el panteón
Nadar que iban a ser de gran tamaño sobre intelectuales en general donde necesita primero
fotografiarlos y se da cuenta de que puede vivir de la litografia y a partir de esto monta al
estudio(Gautier) en el boulevard de los capucines (calle Nadar) donde recoge a los impresionistas
rechazados de la exposición de Paris, destaca el de Dustave Dore con fondo neutro con retratos
hasta las rodillas donde trabaja mucho con la figura que va a retratar donde muchos de ellos eran
amigos suyos donde busca plasmar una idea y psicología para plasmarlo formalmente donde
introduce la iluminación eléctrica donde llega a realizar millares de negativos y postivos a partir
del colodión haciendo retratos de Alejandro Dumas, Delacroix, Rossini, Debussy, los hermanos
Dourcourt, Julio Verne, Baudalaire o la de su esposa Ernestine Nadar. Va más allà de la aparencia
física buscando el retrato psicológico donde busca la iluminación donde trabaja com la
iluminación de gas y electricidad en fondos neutros buscando la tridimensionalidad donde juegas
con los elementos claros i oscuros para generar volumen,no busca la escenografía ni artificios
para destacar el carácter psicológico del retratado como con Sarah Bernard.

Destaca también por los retratos de desnudos inspirándose en cuadros de ingres, trabaja con
colodión húmedo asi como trabaja e fotografía medica con Arnand Trousseau donde retrata a un
hermafrodita i fue el primero que fotografía el submundo de Paris donde pinta el alcantarillado i
las catacumbas de Paris en 1861,63,65 a partir de la iluminació por magnesio a partir de una
explosión de luz de diversos segundos creando mucho olor i humareda donde introduce maniquís
para dar una mayor verosimilitut a la imagen haciendo que esto inspire a artistas como Daumier
que trabaja con los colores que proporciona la luz de magnesio con tonalidades diferentes.

Hace viajes en globo e inicia la fotografía aérea siendo un padre de la aeronáutica haciéndola la
primera en Paris en 1858 aunque no se conservan conservándose solo las de 1868 donde no les
sale debido a que el colodión se calienta con la temperatura del globo donde el retrato con el globo
aerostático las hacia en estudio, funda una empresa aeronáutica en viajes de globos en 1863 donde
construye le greant (el gigante) con capacidad de 50 pasajeros donde incluia sala de revelado o
laboratorio donde el primer viaje aterrizó antes de lo previsto, el segundo se estrella al aterrizar
teniendo un coste excesivo que la hace llegar a la ruina. Crea la revista el aeronauta compartiendo
la pasión conjuntamente con Julio Verne haciendo el Michele arlain. Cuando entra la tercera
republica en Francia se mete otra vez en la aeronáutica haciendo 66 globos destinado al correo i
al espionaje haciendo que se vuelva a arruinar e hizo fotos de la común margeret o incluso
proyectos de helicóptero e inicia la entrevista moderna como muestra en le journal ilustre
cambiando el modelo donde consigue jugar con el registro verbal i visual siendo uno de los padres
del foto periodismo moderno creando un nuevo modelo de entrevista.

Lewis Carroll es un fotógrafo aficionado muy poco conocida como Cameron (1832-98), era un
diacono norte-americano que procedia de una familia de clase media-alta inglesa donde estudio
Oxford literatura i fue contratado como profesor de matematicas donde es conocido como escritor
a parte de fotógrafo donde hace Alicia en el país de las maravillas donde le regalan la cámara i el
revelado la hace en una tienda. Hace parodias breves sobre la fotografía como la moda victoriana,
que lee la mente, un fantasma, gustar a la amada porque tiene una cámara, también destaca la
relación epistolar que tiene con las propias niñas siempre con un sentido del humor muy fino, es
de formación autodidacta con algunos consejos a Rejlander trabajando los generos habituales i
también se inspira en otras disciplinas.

Es conocido sobretodo por la fotografía infantil debido a que muchos victorianos aceptaban un
alto grado de sensulalidad en las fotos infantiles no como pornografía sino porque para la época
este tipo de imágenes se sobrescribia a arqutetipos de pureza donde muchos prerafaelitas se
inspiraron en ellos como rosseti, hine, cameron al partir de la creencia de que la infancia es la
medida de todo lo bueno porque aun no se han alejado de los valores eternos. Caroll las concibe
como un elemento espiritual donde no exite que tuviera conciencia que la mas pura inocencia en
sus relaciones con las niñas no existiendo ni el mas minio deoro en ninguno de los diversos
recuerdos escribidos sobre él, también hace fotografías familiares como los salsbury con los hijos,
utiliza la misma concepción fotográfica en los diversos temas donde utilitza el tema infantil a
veces para hacercarse a dios mostrando la infancia como un estado puro i de verdad.

Brassai muestra como Carroll muestra el terror a hacerse adulto con niños de mirada melancolica
con temor al futuro.

LA FOTOGRAFIA ESTEREOSCOPICA: DOCUMENTALISMO Y PICTORIALISMO.

Una fecha significativa es en 1851 cuando la exposición universal se hizo en Londres que es
cuando coge fuerza la fotografía estereoscópica siendo su presentación oficial i en el mismo
tiempo en Francia en 1851 se crea la misión heliográfica siendo campañas para registrar el legado
medieval francés donde aparecen fotógrafos como Le Gray, Ballard entre otros.

Tambien cogen fuerza exposiciones fotogeaficas en conjunto entre Inglaterra y Francia en 1858
donde participan fotógrafos profesionales y aficionados.

Se concilia una actividad comercial con una practica fotográfica de vocación artística a partir de
técnicas como el negativo en papel y negativo papel encerado y el negativo de vidrio de colodión
húmedo donde el primero es ligero y fácil de transportar preparándose unos meses antes mientras
el negativo con vidrio de colofion es mas nítido que el papael siendo mas fácil de manejar
preparándose en el momento. Són generos diversificados con las apreciaciones dominantes como
el documentalismo y el pictoralismo.

En la exposición universal de Londres de 1851 se promulga la fotografía esteroscopica que es

tridimensional que se ve en relieve siendo el primer fenómeno visual de masa de la industria del
entretenimiento siendo una fusión entre tecnología y entretenimiento donde por su riqueza de
detalles interesa al fotógrafo profesional (documentalista) y por su puesta en escena gusta al gran
público (distracción domestica y familiar). Hay creadores como Charles Wheastone donde en
1838 construye y patenta el primer aparato óptico de experiencia ilusoria de captar en relieve para
dibujos geométricos para que se visione en tres dimensiones. Brewster en 1844 construye la
primera cámara esteroscopic que se desplaza horizontalmente sobre una plancha graduada i en
1848 construye una cámara de 2 objetivos o cámara binocular registrando a la cez 2 imágenes del
mismo motivo. En el 49 crea un visor estereostopico a partir de una caja de madea con 2
binoculares en la parte superior y una apertura para entrada de luz i en el 51 presenta el modelo
en la exposición de Londres en el cristal palace con la reina entusiasmada donde lo comercializa
donde la London Stereoscopic Company vende en 1862 mas de un millón de positivos
esterostopicos.

Otros efectos que consiguen el efecto de relieve para dar lugar al color proyectándose en una
pantalla 2 fotos idénticas con un filtro de color rojo o verde o azul provocando el efecto de
tridimensionalidad debiéndose de visualizar con gafas incoloras donde también se podían
imprimir en 2 colores superpuestos y ligeramente desplazadas. Du Hauron seria el principal
precursor.

La fotografía estereostopica se basa en una industria prospera y un fenómeno visual de masas y

del entretenimiento como recurso de ocio con una motivación iconica siendo un recurso para
conseguir mayor sensación de veracidad apreciado por los documentalismos.

Documentalismo siglo XIX.

Se entiende como la plasmación del mundo externo con una intencionalidad siendo algo novedoso
siendo puramene testimonial, social, antropológica etc.

Tenemos el documentalismo belico donde lo que destaca es la imagen fija o la instantánea que se
basa en muchas veces a partir de la retratistica sobre todo de los mandos, comienza con los
fotógrafos que cubren la guerra de Crimea entre 1853-56 donde destaca sobre todo Roger Fenton
al igual que Robertson i Beato, la segunda guerra del opio 1856-60 con Beato y la guerra de
secesión americana (1861-65) con Brady, O Sullivan, Gardner, Barnard.

Tenemos el documentalismo Geografico donde destaca el oeste americano con Gardner, O

Sullivan, Watkins, Muybridge, Bisson, Bourne o los alpes.

El documentalismo etnográfico muestra descubrimientos de diferents territorios como Japon,

Oriente Medio, India, Oeste Americano o Mexico o el documentalismo arqueológico.

El documentalismo social en aquel momento se ciñe a Europa con Thomson i Annan con Londres
i Glasgow.

Roger Fenton no solo hace documentalismo belico siendo visto como el fotógrafo ingles más
importante durante el siglo XIX, se forma en leyes de familia terrateniente de posibilidades
económicas, vinculado al arte y la pintura donde se forma como pintor aficionado formándose en
el taller de de la Roche y de Charles Lucy se aficiona a la fotográfica donde empieza a trabajar
con calotipos y en la exposición de Londres de 1851 le impacta tanto que deja la avogacia y monta
su propio estudio fotográfico. Se conserva el venado muerto de 1852 que se hace a partir de una
cámara esteroscopica de objetivo único de las primeras asociándose sus tendencias con la pintura
barroca y empieza a hacer reportajes donde se va con un ingeniero(charles vignole) creando el
puente más largo de Europa en Kiev haciendo fotografías del seguimiento de ese puente donde se
vendían donde la que más destaca es la cúpula de la catedral de la asunción de 1852 donde destaca
el encuadre y el punto de vista siendo muy personal dentro de este universo de cúpulas siendo
muy preciso y actual jugando con el contraste entre los blancos y los negros jugando con los
planos.

El britsh musuem le encarga todo el catalogo fotográfico siendo imágenes muy cuidadas y
después fotografía a la familia real con la reina victoria siendo un tratamiento muy libre y suelto,
después se dedica a recorrer buena parte de las abadias medievales donde muchas de ellas se
encontraban en estado de ruina para documentar las iglesias siendo un autor que destaca por las
arquitectures ensalzando valores románticos como lo sublime asociándose con pintores de la
época, también destaca por sus bodegones que se asocia con la pintura flamenca i barroca siendo
imágenes muy nitidas asociándose con otros autores como George Laine.

Publica álbumes y libros por entregas, comercialización de lotes de positivos esteroscopicos etc.
Después es llamado para cubrir la guerra de Crimea.

Serà conocido como el primer documentalista belico donde la guerra de Crimea se da entre 1853-
6 entre el imperio ruso de Nicolas I i los turcos debido a que los rusos buscaban una salida al mar
mediterraneo donde para la prensa publica se conocía a partir de las cronicas o bien los dibujantes
del lugar donde muchos de ellos formaban parte de los diarios donde la fotografía será un nuevo
elemento de documentación para la prensa en general.

El tipo de fotografía que hace Fenton se basa a partir del colodión siendo puramente documental
donde representa a estamentos del ejercito i no del campo de batalla porque no le daba tiempo, es
bastante impopular la guerra por parte del público aportando Felton una imagen dramática de la
guerra donde el times lo escoge para sacar provecho económico de las fotos para conventir-la en
gravados pudiendo hacer álbumes esterostopicos de imágenes de la guerra mostrando la vida
cuotidiana pre-guerra. Como era tan impopular la monarquia inglesa le remite cartas de
recomendación para moverse por Crimea para mostrar una imagen menos dura de la guerra
ofreciendo una cara amable.

Embarca en 1855 donde desde Gibraltar llega a Crimea con Sparling como ayudnate de fotografía
y Wiliams como conductor i sirviente con un furgón fotográfico con 36 maletas, 5 camaras i 700
placas de cristal de colodión húmedo, tiendas de campaña, comida enlatada, 2 bidones de agua i
3 caballos.

Schraf considera que es el primer reportaje belico de la historia donde no contiene imágenes de
guerra donde no comunican las impresiones de la guerra sino el pintoresquismo de las costumbres
militares como por ejemplo el coronel bronwing y niños rusos capturados o un dia tranquilo o el
puerto de balaclava o momentos de asueto o cantinera.
El colodión se estropeaba con las altas temperaturas, la emulsion se hinchaba, los mosquitos y las
moscas se adherían y el polvo se pegaba. Trabajaba de madrugada y a las 10h lo dejaba haciendo
que la baja fotosensibilidad del colodión requeria exposiciones muy largas donde hace motivos
inanimados y figuras en pose o inmóviles. Tambien mostrara preparatviso de los carros de
artillería.

El valle de la sombra de la muerte de 1855 muestra el paisaje después de la batalla donde impacto
a la población debido a que el terreno es muy arido trabajado con una situación de profundidad
hacia el horizonte donde solo hay piedras y bolas de cañon donde el carácter documental de la
fotografía reside en su autenticidad y no en la escena representada siendo representada la propia
sombra de la muerte sin necesidad de ver muerte o drama sino en una representación metominica
de la figura de la guerra. Tambien impacto mucho a la opinión pública debido a que coincide con
una de les batallas que pierden los ingleses donde Tennyson comenta la derrota de la brigada
ligera de Tennyson.

Después regresa a Inglaterra debido a que tiene cólera i es recibido como un héroe i seguirá
haciendo historias escenificadas y editando sus álbumes y en el 1868 deja la fotograia para volver
a la abogacía, tenemos el reciining odalisque de 1858.

Tambien Robertson i Beato siguen la misma tendencia.

Carol Popp de Szcathamari es un fotógrafo en la qual Fenton sigue su tendencia teniendo como
novedad que registra a los dos bandos i se asemeja a Fenton que no muestra las escenas de
violencia dentro de la guerra donde se destina a vender.

Felice Beato no sabemos donde nace (1823-1908) pero trabaja con Robertson i cubre la guerra de
Crimea i después trabaja de forma autónoma con diversas expediciones militares en diversas
zonas, se le atribuye documentalismo belico porque muestra revueltas contra el ejercito ingles
como en el interior del templo de Secundra con la rebelión de los cypayos donde documenta la
matanza por parte de los británicos a los cypayos y muestra una violencia sin espíritu critico
mostrando el aspecto del vencedor sobre el vencido donde el llego medio año después siendo un
escarmiento a la sociedad civil india debido a que desentierran a los muertos para recrear la
batalla.

Con estas fotos Beato hace álbumes que se exportan a Inglaterra siendo un producto de venta
publica y mediatica donde también hace expediciones en China con franceses e ingleses como el
fuerte norte de Taku después de su captura donde hace álbumes sobre no solo de escenas de guerra
sino también representando a gente de poder donde incluye imágenes de una poda o una ejecución
donde se inspiran en la retratistca japonesa de la vida quotidiana cortesana japonesa donde el
sigue las tradiciones mostrándolo en fotografía como geisas del japon de 1860-70 destinado al
mercado europeo que tendrá mucho éxito, también hae otros documentalismos como en Egipto.

Otro lugar de contienda es la guerra de secesión norte-americana que seria trabajada por Brady,
O’Sullivan, Gardner i Barnard.

Brady comienza montando diversos talleres en Nueva York i Washington con daguerrotipos como
Morse donde después retrata a hombres ilustres i a los soldados que van a la guerra como recuerdo
para su familia dando lugar a otros estudios profesionales donde cres el estudio Brady cubriendo
los diferentes territorios de la guerra de Sucesion con un carreton donde van a las diferentes
contiendas contratando a los otros nombrados.

Hace retratos de los altos mandos haciendo 10000 imágenes que los junta en álbumes que se dan
por entregas asi como retratos de pasividad i de vida quotidiana però si muestran las escenas
crueles de la guerra donde rompen a mitad de la guerra pero siguen documentando la guerra
haciendo de guias expedicionarios.

Gardner también hace álbumes i una vez acabada la guerra hace documentalismo geográfico e
industrial donde hace obras como la cosecha de la muerte i al acabar la guerra muestra la creación
del ferriocarril en el al otro lado del ferrocarril en pacific war donde algunos lo quieren relacionar
con la nueva objetividad como en el cerca del fort Harker o el masachusetts Street que muestra
escenas de calle.

También documenta el ahorcamiento de aquellos de atentar contra el presidente Lincoln como el

retrato de Lewis Paine esposado con un fondo matérico expresando el momento previo a su
ejecución donde lo que hace es una especie de secuencia de la ejecución siendo una especie de
documentalismo secuencial siendo un documentalismo con varias camaras.

Barnard comienza haciendo daguerrotipos y hace de la misma forma el retrato de guerra con
oficiales y paisajes del lugar de una forma amable igual que O’Sullivan.

Se narra la guerra de sucesión en comparación con la guerra de Crimea pero con la diferencia de
mostrar la figura de los muertos donde cuando acaba la guerra muestra zonas del oeste americano
no exploradas buscando materias primas y nuevos asentamientos de colonos donde encuentra
diferentes tribus indias y elementos geolicos en busca de nuevas materias prims reflejando la vida
quotidiana de los expediocionarios y es uno de los grandes domuentalistas geológicos como la
pirámide de lake y tiene gusto por las panoramicas monumentales donde Adams seguirá esta
corriente en el XX.

Edward Sheriff Curtis es un autor en la que le interessan la figuras tribales siguiendo la estela de
Sullivan o Mark Klett que refotografia esas imágenes geológicas.
Otros fotógrafos documentalistas

Tenemos a Jackson, Muybridge, Charney, Bourne, Burton, Sache, hermanos bisson, cliford o los
hermanos alinari.

John Thompson es uno de los pocos que hace documentalismo social en el XIX donde se
introduce por todo Oriente haciendo álbumes de fotos para americanos y europeos i en 1872
regresa a Inglaterra donde publica los álbumes e intenta hacer algo parecido en Londres donde
documenta la vida callejera del oeste de Londres publicando un libro con Adolf Smith siendo
negativos de colodión húmedo y positivos con woodborytipos siendo el iniciador del
fotoperiodismo siendo fotos muy cuidadas que hablan del Londres más pobre.

Francis Frith será el autor que tenga más claro el publico definido al público del oriente lejano o
el público de poder adquisitivo menor que hacia turismo de forma más barata donde engloba de
los turistas más ricos a los más pobres siendo un documentalismo arqueológico convirtiendo sus
fotos en imágenes donde hace fotos estereoscópicas donde monta una agencia donde compra fotos
de fotógrafos profesionales donde combina imágenes de países lejanos e imágenes asociadas al
turismo de interior y próximo a Europa.

Charles Marville destaca por ser contratado por el ajuntamiento de Paris para fotografiar parís
antes de la remodelación de Hausmann para que fuera documentado de una forma combativa y
alegrándose por la remodelación i en 1877 muestra la nueva parís a través del nuevo mobiliario
urbano mediante iluminación de gas, quioscos y columnas Morris i urniarios públicos que lo
muestra en la exposición universal de Paris.

Por ultimo tenenmos a Thomas Annan que muestra el Glasgow mas pobre antes de la
remodelación.

PICTORIALISMO.

Pintores que recurren a fotografías.

Las relaciones entre pintura y fotografía en el siglo XIX se basan en una terminología omun
procedente de la pintura i el gravado siendo utiles y sustancias quimicas semejantes a las utilizadas
para obra grafica donde muchos de los primeros fotógrafos procedían a menudo de la pintura,
miniatura y litografia habiendo defensores y detractores desde el ámbito pictórico y fotográfico
donde hubo una rivalidad por parte de los pintores debido a que lo vieron como un peligro donde
si la fotografía cogia fuerza desbancaría el elemento pictórico dond lo consideran un puro acto
mecanico dejando lo manual que si tenia el gravado o la pintura siendo algo óptico, a cambio
otros autores reivindican la artisticidad de la fotografía porque consideran que la fotografía podía
llegar a la misma expresión que la pintura o que el gravado.
Los representantes del pictorialismo cuestionan el ámbito artístico de la fotografía como el
neoclasicismo, romanticismo, realismo, los paisajistas de la escuela de Barbizon o el
impresionismo como Camile Dolard con ingres en la ventana en 1856-58 donde no la consideran
un elemento plástico en si.

En los comienzos de la fotografía muchos pintores recurren a la fotografía y muchos fotógrafos

recurrern a las competencias pictóricas por las que se pone el nombre de pictorialistas.

Ingres es uno de los más citados donde reniega de la fotografía donde la utiliza muy a menudo
donde muchos de los desnudos de Ingres se basan en composiciones que hace Nadar donde se
intercambiaban los modelos como la venus anadiomene.

También recoge la influencia de las poses para dar lugar a representaciones alegóricas y retratos
se asocia a fotos de Nadar donde la tradición hace una forma de retratar el elemento psicológico
como hacia Ingres.

El romanticismo no se preoucupa sobre la fotografía pero habla de ella y la utiliza como es el caso
de Delacroix donde recurre a las fotos de Eugene Duriel que hace diferentes desnudos donde
Delacroix lo utiliza para sus obras como por ejemplo en la odalisca de Duriel i Delacroix donde
aprovechaba también para hacer croquis y dibujos.

El realismo es que más se encuentra afectado donde los detractores del realismo les dicen que són
simples daguerrotipistas donde a cambio rechazan la etiqueta para decir que el realismo como
movimiento va mas alla a partir del elemento mental como Courbet en l’atelier du peintre o taller
del pintor de 1854-55 donde recurre a las fotografías de desnudos de Rene Vallou de Villeneuve
de 1851 o las bañistas de los dos autores de 1863. Tambien otro fotógrafo fue Joseph Auguste
Beiloc donde el origen del mundo de 1866 se cree inspirado en fotografías estereoscópicas de
1853 de Alexis Gouin. No solo los desnudos sino también los paisajes donde una de las obras
más conocidas són los castillos de Chilon de 1874 que se basa en la foto de Adolphe Brawn de
1867. Tambien tiene naturalezas muertas i bodegones i en visitar como el rin o el souvenir de
Suiza.

El cliché verre también se relaciona donde utilizan mendiante la emulsion creando una copia de
positivo ligado a la escuela de Barbizon. Otro de los que destacan es Manet con el impresionismo
con Manet i la ejecución de Maximiliano (1857) que fue emperador de Mexico sujeto a partir del
gobierno frances donde creo una mirada muy critica en la sociedad francesa trabajándolo según
como lo havia visto en fotografía inspirándose en el hecho no se permitio que ningún fotógrafo
hiciera imágenes haciendo que los fotógrafos muestran los momentos previos y posteriores de la
ejecución recreando una ficción que la opinión pública la da por valida como Aubert con
fotomontaje de la ejecución de 1867 donde fotografía los momentos previos y posteriores a la
muerte del monarca mostrando momentos del fusilamiento.

También lo fotografía una vez muerto en 1867 haciendolo otros fotógrafos con fotomontajes
como la camisa de Maximiliano de Disderi.

Otra figura que trabaja con fotografías es Degas donde el gusto de los impresionistas de los puntos
altos se dice que viene de la introducción de la moda en lo oriental como en el Renoir y Mallarme
en casa de Julie Manet en diciembre de 1895. Se preocupa como en la fotografía de bailarina o de
carreras de caballos que lo plasman en la cronofotografía.

Fotografos que trabajan con pinturas.

Se integran Cameron, Le Gray i Le Secq donde los iniciadores són Rejlander i Robinson.

Oscar Gustav Rejlander es un sueco establecido en Inglaterra que se enmarca dentro de la obra
de Cameron destaca en el retrato de Julia Jackson de 1865 o el de Henry Taylor de 1863 donde
lo conocido a parte de la orbita prerrafaelita i simbolica de Cameron destaca por su fotomontajes
por obras como las dos sendas de la vida de 1857 siendo una fotografía a modo de puest en escena
de gran formato siendo un positivo de 70x40 a partir del fotomontaje a partir de diferentes
negativos sobre el tema que le interesa calculando escalas y motivos concretos donde llega hasta
30 o 36 negativos donde luego hace los positivos, los recorta i luego hace montaje de esas fotos.
Lo que hace es que trabaja la foto como un lenguaje que puede expresar lo mismo que la pintura
o el gravado, es decir una tesis o un tema como el de las virtudes sobre el buen o mal camino que
coje el joven con una figura central que era la personificación de la sabiduría con dos jóvenes
donde muestra su futuro donde dependiendo del camino puede ser de virtud o de vició donde en
la izquierda tenemos el vicio i en la derecha las virtudes. Cuando la expuso impacto mucho debido
a que el desnudo estaba permitido con lo pictórico pero no en lo fotográfico porque se considerva
una foto porno hasta que la reina Victoria lo compra para su marido donde introduce tres fondos
donde destaca la capacidad artificial de crear con la imagen.

Se inspira en la escuela de Atenas de Rafael de 1531 o de una obra coetania de Couture que es la
decadencia de los romanos de 1847 donde se muestran las virtudes i los vicios vinculándolo a la
critica de la sociedad francesa del momento.

Tiempos difíciles de 1860 hecho como todos de colodión es un fotomontaje donde muestra la
escena de una figura femenina en actitud de preocupación con una cama, una mujer i un niño
donde para hacer esto recurre a la combinación de negativos donde la mujer i el niño se le ve
sobre la cabeza del carpintero aparece mirando al lecho donde juega con el tono de la necesidad
de plasmar el momento asociada a la figura de la fotografía esperitista donde por medio de la
configuración de negativos aparecen los fantasmas. Tenemos otras fotos que son de una única
placa como el sin trabajo o el san juan Baustista donde la cabeza es sobre un plato donde hasta
que se arruino era muy creativo.

Tenemos otras fotos que són recreaciones de oficios que se realizan en el estudio mostrando
momentos de niños jugando en la calle en 1860 siempre recreación en estudio o fotografías
infantiles.

Tambien tenemos fotos de carácter moralizante como el atrapado de 1860 o el autoretrato a partir
de la manera de romano i Darwin utilizo fotos de Reijlander para hacer publicaciones del
científico para expresar el miedo la sorpresa o la ira en 1862.

El sueño del soltero de 1860 es un combinado de negativos superpuestos haciendo con ellos el
positivo de todo el conjunto siendo una de las obras más conocidas vinculada a un sueño erotico
siendo una figura masculina tumbada o semiinclinada que parece dormir en fondo neutro donde
delante de el aparece un biriñaque de modista con una percha de manera donde se coloca la falda
haciéndolo con dos negativos con figuras pequeñas para meter personajes en diferents posturas
que suben al almazon donde el soltero esta soñando y masturbándose con la modista donde la
cima se asocia con un pecho femenino siendo una critica desde la doble moral victoriana que
rechaza i a la vez recoje las fotos sexuales como un modo de dar lugar a sus fantasias que se asocia
a la venus i marte de Boticelli, el sueño de un caballero de Rafael o el sueño de Jacob de Ribera.

El otro autor es Henry Peach Robinson donde escribe de las posibiliades plasticas de la fotografía
con la diferencia con Rejlander que lo detalla moviéndose dentro del fotomontaje que el denomina
como positivos combinadas.

Desparienciendo o los últimos días de 1858 es un tema habitual que el trabaja mediante 5
negativos para crear una imagen nueva donde puede coger cada tema por si mismo creando
riqueza de tema i plasticidad a partir de diversos negativos mostrando la agonía de una persona,
se buscan relaciones con obras con nunca le dijo adiós a su amor de copia albuminia de 1857, los
poemas de tenysson i el tema del hombre de espaldas se vincula al caminante del mar de nubes
de friederich.

Durmiendo de 1867 surgen a partir de fotomontaje de 4 negativos donde muestra como todo es
ficción o el antes de la primavera de 1860 siendo la unión de paisaje i figura lo hace en estudio
pero en paisaje es en exterior o figuras en el paisaje de 1880 donde superpone negativos
combinándolos en positivos, tenemos el al final de la jornada o vinculadas a cuentos como la
caperucitat roja de 1860 donde sus concepciones teoricas las publica en diversos libros donde el
mas conocido es la proposito pictorial en fotografía de 1869 donde promulga que quiere trabajar
el efecto pictórico aplicando la reglas pictóricas del arte a partir de diversos elementos donde
explica como hace grupos de figuras y paisajes utilizando el positivo combinado o negativos
combiados para crear un positivo que le aporta riqueza.

1875-1800 desarrollo de la industria fotográfica i la fotografía artística.

Una de las técnicas que mas se dan en el siglo XIX se intenta conseguir una emulsion para
solventar la introducción de las placas in situ donde a partir de la intervención de Richard Madox
donde realiza una nueva técnica a partir de la gelatina de plata consiguiendo bromuro de plata que
sporta la emulsión donde el elemento fotosensible será la celulosa siendo un material más
maneable donde transforma la técnica fotográfica dando un paso hacia su democratización. Su
descubrimiento hace que se denomine como placa seca debido a que era un invento fotográfico
que se podía mantener seco donde se ubicaban en chasis herméticos donde solo se sacaban cuando
se realiza la fotografía que será el medio de uso hasta que aparece la fotografía digital donde los
fotógrafos ya no preparan sus emulsiones.

Hasta los años 70 el problema era fijar las imágenes pero como la placa seca es más fotosensible
permite tener el obturador más cerrado i hacer la emulsión mucho más rápida. Los primeros flash
los utiliza Nadar donde evoluciona a formas incandescentes donde el primer autor que lo utiliza
sistemáticamente es Riis. Se comercializan estas fotos en estuches con 10 o 15 placas de vidrio
con gelatinobrumuro donde da instrucciones al fotógrafo para revelar las fotos. Tambien se
mejora la óptica con los objetivos Protar i Celis donde no dan difracción de colores.

Nos encontramos con la estandarización del formato hay como una especie de caos donde en
función de la cámara compran las placas pero con el tiempo hacen que surjan los números f donde
el diafragma puede ser muy abierto o muy cerrado donde si es mas abierto se duplica la luz siendo
un paso de diafragma donde podemos comenzar a hablar de instantaneas. Es un momento de
verdadera fotomania donde se pueden hacer placas pequeñas con miles de artilugios con
diferentes camaras fotográficas donde condiciona la evolución industrial i nuevos tipos de
camaras.

Una de las empresas de camaras más importantes eran las kodak como la kodak 300 siendo
camaras de formato medio que cualquiera la quería comprar con el rodel puesto con una bobina
de negativos donde cuando acabo con los negativos las revelas y la propia casa te volvia a cargar
la bobina dando lugar a una amateurización de la fotografía donde el preámbulo de kodak es que
cualquiera puede hacer fotografías. Las primeras fotos con estos formatos tenían un formato
redondo que poco a poco da paso a copias más grandes, también se introducen los primeros
trucajes de forma azarosa siendo por ejemplo fotografías de fantasmas o fotografías de photo-
shop empezando a hacer divertimientos.
Los inicios del pictorialismo se basan como creación de imágenes que no distingue el medio
haciendo imágenes bellas mientras también encontramos la fotografía directa que quiere crear
imágenes específicamente fotográficas dando lugar a la esencia de lo fotográfico rechazando lo
pictórico. Despues surge el pictorialismo como movimiento donde a partir de la creación de la
placa seca comienzan a decir que hay que imitar a la pintura reivindicando el carácter artístico de
la pintura que se basa en el interés del movimiento real de los cuerpos y las personas, la placa
seca también desenvolupa la llegada de un nuevo documentalismo que es el social mostrando las
capas sociales. Destacara un autor en concreto que evoluciona la placa seca como es Eugene
Atget.

Se introduce la primera fotografía directa en el siglo XX que es el entrepuente de Alfred Stieglitz

donde reflecta una instantánea imposible de ser cargado con un alto grado de documentalismo
con una alta carga social donde se habla de la cuestión formal diagonal del puente en la escena,
el elipse en la esquina ,es decir, lo analiza des de un ámbito formal i a la vez abstracto habiendo
también una interpretación social de 1907.

Tenemos diversos tipos de pictorialismo como el academicista que utiliza tematicas pictóricas de
representación de escenas reales que recuerda a la pintura holandesa de Guido Rei de 1808. Otro
ehjemplo de academicismo es el miedo a la perdida de Joan Villolta o la oración del pastor de
Linker que se muestra la España agrícola y no industralizada en 1910 donde se ve el grado de la
imagen donde el pictorialismo se interesa por técnicas no industriales donde nacen a veces en
contra de la placa seca proponiendo volver a técnicas fotografas tradicionales donde aquí se utiliza
el bromoleo haciendo una transferencia de la fotografía no siendo estable donde se tranferia a una
estable. Bisher hace fotos a partir de papel de acuarela. Stichen con autoretrato con pincel y paleta
inventen la paleta bicromoada con dicromato sódico con goma arábiga que se ponía sobre el papel
y se hacia copias de 1901 donde durante 2 o 3 horas es muy frágil donde se puede pintar encima.
Demachy con el struglle hace lo mismo.

Demachy hace un pictorialismo más instantáneo o urbano como en Vitesse de 1904. Otra técnica
vinculada al pictorialismo es la sinotipia con autores como Pail Hanyland donde reproducen
también calotipos volviendo a técnicas originarias editansonse parte de la obra de Adamson donde
la mayoría de pictorialistas rehacen sus obras a partir del rechazo y asimiliacion.

Destaca la figura de Henry Emerson siendo coetanio de Robinson haciendo una fotografía
naturalista o impresionista donde en algunos aspectos rechaza el pictorialismo donde considera
que la principal virtud de la fotografía es captar elementos meterologicos dentro de un entorno
real las imágenes donde considera que las imágenes se deben revelar al mismo tiempo que la
imagen a partir de la base de la escuela de Barbizon.
Una de las fotografías más importantes es el campo de cebollas de George Davison que fue
realizada con la cámara esteropeica no teniendo lentes siendo solo el agujero produciendo
viñeteado que provoca una más baja calidad provocando un enfocamiento en todos los términos
siendo ejemplo de las primeras imágenes con interés pictórico donde las texturas eran
protagonistas siendo de influencia impresionista. Otros autores se interesan por esa cámara
esteopeica como el homenaje a hipolito Bayard de Paolo Gioli siendo un polaroid de gran formato
que se convierte en estereopeica o homenaje impuro a Bayard dentro del contexto de los años 80.

Tambien encontramos intereses atmosféricos como el gran palais de Demagny de 1900 con goma
bicromatada o el paisaje de 1904 o touches valley de 1904 con goma bicromatada con arboles
siluoteados o el the pond moonlight de 1904 de Steichen siendo una reprsentación pictoralista
debido a la técnica con goma bicromatada que se puede hacer en diversos pigmentos en el mismo
soporte dando un elemento en color que se introduce dentro de la fotografía con gran destreza
técnica y conocimiento de las técnicas cromáticas siendo Steichen un maestro de la goma
bicromatada donde introduce en la experiencia bicromatada de 1904.

También destaca la fragmentación de las escenas interesándose por fragmentos fotográficos con
representaciones de retrato como el seventy de Demachy donde se reconocen las mismas técnicas
o nena de 1900. El retrato de Steichen de 1903 o el estudio de 1906 de Demachy siendo escenas
de baño con usos difuminados como el pequeño espejo circular de steichen o el desnudo y el gato.

La figura con iris de Steichen o in memoriam de 1906 o el adan i eva de 1910 de Frank Eugene
destaca la fase bicromatada donde rasga el negativo o la piscina de George Seeley de 1910.

The cleft of the road de 1912 de Brigman introdueix el cos humà amb paratges naturals. Es pot
entendre el pictorialisme de camera work frances o el actual on alguns parlen de neopictorialisme
sent pintures cromatiques a partir de paisatges de estudio on destaca Desiré Dolson fent retrats
que pareix que són pintures on destaca la llum i la iluminació que converteix les obres en elements
pictorics.

Jan Saudek fotografía en els anys 80 on pinta directament les seves fotografíes en paratges
interiors surrealistes amb técniques de tipología alternativa o Jeff Wall que es el fotograf per
excelencia del segle XX on fa fotos que ho monten com si fossin pelicules.

Imitant la estética del desnudo como el de Elina Brotheus o Tony Catany que tiene una obra
inmensa donde introduce un transfer de polaroid de gran formato.

La segunda repercusión de la placa seca se da a partir de la estética de la instantánea donde las

primeras se dan lugar con colodión donde ya había la existencia de Edward Anthony donde hace
instantaneas en Nueva York donde muestra el elemento urbano antes que la instantaniedad asi
como lo hace con camaras estereoscópicas dando un formato tridimensional.
Alfed Done muestra las fases de la histeria como enfermedad donde traslada a los pacientes
haciendo fotografías de forma muy rápida.

El primer autor que da lugar a la cronofotografía es Muybridge dentro de un ambiente californiano

siendo uno de los paisajistas más importantes donde esta al loro de las nuevas invenciones
haciendo un colodión con posibilades tonales. Viaja por Yosemite i lugares intrínsecos donde
Stanford un multimillonario se juega una cuestión formal sobre la cuestión del caballo donde
niega que cuando galopa el caballo tiene las 4 patas estiradas considerándolo un efecto óptico.
Muybrige no conoce la placa seca y monta un estudio en la granja de Stanford e introduce
opturadores de camaras donde las primeras experiencias no acaban de funcionar debido a que era
borroso pero con la aparición de la placa seca repitiendo el mismo experimento siendo
fotográficamente bueno en la qual se muestra como las patas del caballo no se estiran a la vez en
la qual supone una revolución dentro de la historia del arte donde hay autores que siguen la
corriente de la vercidad fotográfica como los caballos de Degas siendo copias firedignas de las
obras de Muybridge donde muchas de ellas se conservan en los fotomontajes.

Muybridge investiga el movimiento dando lugar a la cronofotografía donde fotografía animales

y pruebas con ancinotipias donde hace una iconografía seriada del movimiento como en the
human figure in motion de 1901. Destaca Thomas Itkins que era pintor donde coincide con
Muybridge con interés en la cronofotografía donde Itikin lo utiliza como ejemplo para sus pinturas
realistas en america mostrans cuerpos en movimiento como the swiming o the naked series. Jules
Marey trabaja en Francia siendo paralelo a Muybridge donde se da cuenta del trabajo de
Muybridge siendo científico dando lugar a la fisionomía del movimiento quedándose con el
movimiento en si. Técnicament comienza con la escopeta fotográfica con placas de gelatibromuro
que le perimitian fotografiar rápidamente siendo una absoluta innovación donde utiliza animales
reales con impulsos electircos que accionan una misma placa donde en una sola foto dispara
muchas fotos como en el vuelo del pájaro de 1882 mediante una luz con movimiento estrenospeica
moviendo lo retratado varias veces. Los personajes los muestra en cámara de gran formato con
discos que recuerda al cine donde sale desdibujado dando interés a lo fisiológico como el
movimiento de fluidos hacen ondulaciones de humo que influye a los futuristas.

La trayectoria de Stieglitz se basa en una fase de aprendizaje pictorialista haciendo i participando

en revistas apoyando las técnicas alternativas i la reivindicación artística de la fotografía pudiendo
tener un talante pictórico. Comienza a cambia su punto de vista de la fotografía rechazando el
pictorialismo donde querer justificar la artisticidad de la fotografía a partir de la pintura es
traicionar a la fotografía donde en vez de querer imitar la pintura propone la creación de un
lenguaje autónomo fotográfico donde rechaza las imitaciones pictóricas i técnicas alternativas
acercándose a la fotografía directa a partir de fotografías urbanas fragmentadas siendo esa
fotografía de calle no utiliza posados convirtiéndose en un solo ojo donde será precursor del
momento oportuno de captar la fotografía, a diferencia de otros autores no hace ráfagas
fotográficas sino una única fotografía, la tercera fase es más directa a partir de 1907 se interessa
por la arquitectura i el desnudo femenino fragmentado abandonando la fotografía directa.

Destaca la Paula o luces y sombras de 1889 donde muestra a su mujer sobre una camilla en actitud
de escribir una carta siendo de la misma persona siendo conocedor de la tradición pictórica
flamenca siendo de las más premiadas de aquel momento siendo muy exitosa debido a la
expresión virtuista siendo complejo queriendo tomar una foto con poca luz mostrando los
fragmentos de luz y de sombra que implica mucho tiempo de exposición con el gelatinobrumuro,
filtra la intensidad de la luz con un alto componente simbolico siendo una fotografía formalista
con simbolos vinculados a coros donde la jaula es una simulación o metáfora de donde se
encuentra la mujer siendo un deseo de vivir i tener experiencias que están cerradas como el pájaro
en la propia jaula siendo fuente directa Gabriel Metsu.

Sus inicios pictorialistas se basan en viajes a países nordicos haciendo escenas naturales
vinculadas con Robinson con el gossip o el esperando el retorno de 1895 remitiendo al espectador
fuera del cuadro con un cierto afán de documentalismo. Un dia húmedo en el boulevard parís de
1894 muestra efectos luminicos dentro de un dia de lluvia que ocupa la mitad de la escena siendo
una fotografía directa interesándose por la profundidad de campo detallado dentro de una
atmosfera Flow. El invierno en la avenida de 1892 es precedente a la fotografía directa dentro de
las condiciones climáticas queriendo conseguir un efecto atmosférico. El terminal de 1892 es ota
foto de transición.

En los principios del siglo XX se interesa por las fotos verticales de influencia pictorialista i
japonista donde no existen camaras que hagan este tipo de fotos siendo posteriormente montadas.
El flat iron de 1903 tiene un efecto esférico donde la verticalidad disminuye la profundidad donde
ocupa elementos de primer orden donde a la vez el autor ocupa un papel principal y otro
secundario donde corrige la imagen manteniendo elementos tonales que se compara com la misma
obra que hace Steichman.

La tercera fase es mas directa con fotos como la ciudad de la ambicion de Nueva York de 1910
donde alquila apartamentos para ver mejor los rascacielos como en las vistas de Nueva York de
1936 donde se acaban convirtiendo en cuadros abstractos siendo pretexto de hacer una iconografía
cubista siendo pionero en las fotos nocturnas como Nueva York desde Shelton de 1931.

Destaca su principal imagen que es the sterrage o el entrepuente de 1907 que es el desencadnante
de la fotografía directa habiendo un interés formal con elementos diagonales de conotaciones
abstractas con puntos de luz que tienen abstracción, también es importante a nivel documental
para documentar los habitos y canvios de la sociedad donde los personajes son benestantes
mientras otros están trabajando.

Destaca los desnudos fragmentados como el de Georgia O’Keefie que son desnudos aisladas en
posiciones poco habituales representando cuerpos no habituales de 1912.

Documentalismo social

Se documentan habitos de personas donde a partir de la llegada de la placa seca encontramos tres
ambitos.

El primero debido a la amateurización de las fotos a partir de la entrada de las kodak se representan
escenas quotidianas como recuerdo naciendo los álbumes familiares. El segundo serian fotógrafos
profresionales con iquietudes políticas para investigar y divulgar desde un ámbito periodístico
mostrar un determinado estatus social como Jacob Riis con familia en su casa, la tercera se basa
en la vinculación histórica del arte teniendo como ejemplo Jeff Wall con vista de un apartamento
de 2005 mostrando un ámbito extensivo.

Kodak hace una labor de usos de vidrio de como se tenia que utilizar la cámara con sus anuncios
entre 1905-1915 implicando de que hay momentos de la vida que tiene que estar enregistrado
creando el genero de documentar escenas de divertimento en unas condiciones que no estas
posando como el caso de Jaume Escalas con niños en el puerto de Palma de 1914.

El primer autor que destaca en ámbito amateur de documentar socialmente es Jacob Riis donde a
raíz de la publicación como vive la otra mitad de 1898 hace estudios sobre suburbios neoyorkinos
1885 donde las publica en 1898 en gravados siendo escenas de interior con cierto carácter
despotico acompanñada de tropas policiacas donde posaba o no la gente donde al menos observan
el objetivo siendo uno de los primeros que utilizan el flash con fosforo incandescente dando luz
a lo que los aristócratas no quieren ver vinculado con el carácter ingles de aquel momento, detrás
de las intenciones del autor havia un cierto paternalismo de no respeto a la vida de esas personas,

Familia en su casa de 1910 o el hombre en su casa dentro de una cabaña de 1891.

Lewis Hine es un autor vinculado a los estudios de sociología donde le interesan la representación
de tipología social de personas de diferentes tipologías sociales haciendo fichas de ellas donde en
1908-9 destacara el tema de la representación de la infancia explotada laboralmente hasta la
década de los años 20 con un elemento de denuncia de personas ue trabajan en una mina como el
joven minero en virgina de 1908 o nena explotada en fabrica de Algodón de 1906 filando las
bovinas de algodón destacando la perspectivs central de la niña invadido por la maquinaria que
se ciñe sobre ella creando una gran perspetiva que oprime al personaje con intenciones
documentales más puristas con intención de persuadir al espectador que observa la obra
destacando la expresión psicológica de la obra.

Introduce una segunda serie en los 30 de los hombres trabajando en el men at work siendo una
publicación de los años 20-30 siendo trabajos penosos donde lo que busca es dignificar la figura
del proletario dentro de la industralización del siglo XX siendo representados como si fueran
héroes siendo una serie que muestra las fases de construcción del empire state building de Nueva
York de principios de los años 30 como el meanico trabajando en una bomba de vapor de 1920
dando puntos de lo que es la nueva objetividad donde representa con máximo detalle elementos
de maquina o naturaleza.

Destaca la irrupción de la farm security adminstormation dentro de la repercusión del crack del
29 en los EUA destacando en el ámbito rural acabándose con el auto-abastecimiento haciendo
que abandonen las granjas y viajan intentando encontrar una faena que no sabían hacer. Es un
programa fotográfico promovido por Roosvelt entre 1935-45 haciendo fotos a todos los impulsos
económicos dentro de la política del new deal donde intentan volver a fomentar el consumo i la
economía local creando un departamento que es la farm security administration contratando a 10
fotografos. Tiene dos grandes fases, la primera se basa en documentar la vida cuotidiana
suponiendo un canvio de vida para los granjeros i una segunda que es mas propagandística
mostrando el gobierno norte-americano que las políticas de new deal han dado efecto apareciendo
escenas domesticas tranquilas mostrando un bienestar a principios de los 40.

Walker Evans hace todo un reportaje con series fotográficas de la familia Barkfiels desde 1936
mostrandolo en el ámbito familiar y escenas de trabajo. Hace reportajes sobre casa concretas
mostrando los contrastes como en la casa del minero de 1936 siendo la mas importante la familia
de Floyd Barroughts de 1936 mostrandolo en pequeños grupos asi como los elementos
domesticos. El retrato de Allie May Borroughts e 1935-36 es un primer plano.

A nivel de objetos destaca el rentador i comedor aprovechando los momentos en que la familia
Borroughts están trabajando violando el concepto de intimidad invadiendo la funcionalidad
siendo objetos de un aspecto funcional siendo una autentica función de belleza que se muestra de
forma ritual que explican su vida dando un concept simbolico como en el altar que se muestra una
chimenea dand sentido a una vida llena de mucho trabajo, es una especie de culto al sentimiento
de muerte con dos urnas funerarias, se quería publicar conjuntamente con la obra del escritor
James Agee siendo una publicación autónoma en 1941 con elogiemos a los hombres famosos
heroificando a esos famosos interpretando a la capa social que se tiene que reivindica asociando
el arte con la fotografía dentro de las primeras vanguardias. Las ultimas tienen interés por lo
fortuito.
Doroteha Lange se vincula por la fotografía documental social donde destaca con la madre
emigrante de 1936 donde le hace un reportaje donde se muestra ruborizado a la cámara con una
mirada ausente de preocupación donde concibe que cuando hace la foto se deja asi siendo un
conjunto de imágenes que se centra en la imagen de la madre donde eligen la imagen de máxima
tensión dramática y psicológica.

El camino a los angeles de 1937 muestra la icapacidad de los hombres de relajar-se o madre e
hijos de la carretera de 1937.

Despues tenemos imágenes de recuperación que se vinculan al mercado laboral consiguiendo

electrodomesticos de bienestar.

Se crean las tres camaras más importantes de aquel momento como son la leika de 35 mm con
elíptica muy buena i el roleflex con una definición grafica i la graflex.

Destaca la figura de Bill Owens donde tenia potestat para fotografiar interiores domesticos i
picnics com el suburbia de 1973.

La figura de Eugene Atget será precursor de la fotografía moderna siendo un autor consolidado
donde no se considera un fotógrafo artístico donde se da lugar al medio fotográfico donde no
piensa en cuestiones poeticas no siendo pictorialista donde tratat el Paris de finales del XIX i
principios del XX donde siempre hace escenas estaticas i de gran definición formal con camaras
de madera de grandes formatos haciendo que las fotografías no tengan un tamaño habitual.
Documenta todo teniendo una obsesion por hacer catalogos i albums haciendo 7 de diferentes
temas siendo un ojo mecanico con una peculialitat de interessa a todos los artistas donde en 1927
despues de su muerte incluyen un reportaje en la revista (minotauro) siendo una revista surrealista
de principios del siglo XX siendo precursor de la fotografía moderna donde atare a los surrealistas
por la fotografía autonoma i que produce cierta extrañeza dando lugar a una autenticidad
utilizando la fotografía como exponente del aura propiamente de la fotografía i que Atget volvia
a despertar la unicidad fotográfica teniendo siempre lecturas de acontecimientos.

Habra dos tendencias que interessan a Atget que són los surrealistas i la nueva objetividad. Se
muestran imágenes de su estudio en 1900.

Son escenas como el hotel de Luzingam que muestran el parís pre hausmann con calles que no
tenían salida donde el interés de dar lugar a representaciones dentro del XIX se dan en toda Europa
agrupando el canvio urbano como la obra de Bruckward. La maison d’Andre Chenier destaca la
utilizaciónde punts de vista anulares siendo una constante como la coin rue de seine.

Hace escenas de tiendas desaparecidas como el Bonaparte de 1919 o escenas que detectan la
fotografía en el ambiente o ambientes surrealistas como en l’enfer de 1898 o saint gerver o el
celles de 1910, també té interés per els maniquís o les figures ambulntes o los elementos
circenses.Tambien introduce profesiones que están a punto de desaparecer.

Destaca la serie de escaparates que están deformados con el vidrio con un carácter surrealista con
un carácter formal que comprime las imágenes dando a entender los personajes que aparecen
como la rue de l’hotel vile o la avenue des gobelins dando un carácter enigmático al personaje.

Hace series de prostitutas,vendedores ambulantes, tipologías sociales o escenas de vida vinculada

a las clases más bajas.

La fotografía de principios del siglo XX.

Se vincula con las vanguardias históricas donde se fomenta que cada ismo desarrolle su estética
fotográfica vinculando la obra a cada uno de los movimientos.

Uno de los autores cruciales es Man Ray que es un autor norte-americano que vive entre Nueva
York i Paris destacando por las manipulaciones fotográficas dentro del dadaísmo y surrealismo
donde aisla fragmentos, pinta sobre la foto i es uno de los impulsores del expresionismo abstracto
a partir de los rayogramas. Como ejemplo de dadaísmo y surrealismo cobina la cruz invertida
sobre la propia foto combiando grafismo i fotografía en el donatien Alphone Françiois de Sade
de 1933 siendo una combinación de transgresión sexual de la parte femenina.

Otros autores se vinculan a una temática más fortuita como es el caso de Brassai que se vincula
al surrealismo y posteriormente con el informalismo donde va a lo ma´s visceral i no académico.

Introducen textos poeticos con la tipografía con el propio contexto del cuerpo como Marcel
Marien donde un elemento vital para entender las vanguardias se vincula a la figura de Moholy-
Nagy haciendo puntos de vista poco habituales siendo el concepto de nueva visión se vincula con
el arte ruso rompiendo con los convencionalismos. Para representar esta nueva visión tenemos a
Rodchenko con el girl with a Leica mostrando-se en diagonal con tramas lumínicas o la escala de
1929 o la escala de Incendio de 1925 o el pionero de corneta de 1930.

Destaca la presencia de objetos concretos de object trouvais o simbólicos siendo objects trouvais
fotográficos siendo elementos geométricos o combinación de objetos siendo Man Ray el principal
promulgador. Promulgan el fotógrafo secuencial vinculado al futurismo con las experiencias
cronofotograficas i el fotodinamismo con Arthur Managlia siendo una visión especifica
fotográfica. Se descubren nuevas técnicas científicas como los rayos x de 1896 siendo importante
en el ámbito dadaísta.

Los retratos polifisiognomicos de Bataglia propiamente del dadaísmo o cubismo i Adam Langson
Coburn con el ezna pound se representa a si mismo con prismas haciendo fotos de la parte de
detrás siendo una especie de cubofuturismo fotográfico donde las tematicas eran violentas i
rapidas en obras como la bufetada o la dinamofotografia de Bataglia de 1931. Despues tenemos
la multiexposicion donde sobre una misma placa haces varias fotos haciendo una especie de
collage tipográfico dadaísta apovechando el elemento onírico como el sin titulo de Tabant o el
constructor de 1924 donde se muestra a el lissitky como artista constructor mostrando el carácter
de ingeniero.

Los fotogramas destacan aribtrarios i controlados como Laslo Moholy-Nagy en 1925 o la

distoricon como Andre Kertez en 1933 es un gran exponente del life siendo surrealista con
desnudos femeninos donde el desnudo se hace con una pantalla de vidrio o que se pierda el
referente humano utilizando el cuerpo como elemento artístico como hace Man Ray en las
anatomies jugando con las gotas de agua con la objetualización femenina.

Encontramos técnicas de laboratorio como Raoul Ubac con el ubax en el grupo III de 1939 o el
nu couce de 1939. Tambien se introduce el efecto sabatier o solarzaciones donde la foto al limite
del revelado enciende un momento la luz para hacer linia de contorno cloisonne Man Ray donde
como lo aplica da lugar a colores colocados de forma inversa siendo un aspecto grafico o le violon
d’ingres que utiliza a la mujer como un objeto.

Dentro del dadaísmo tenemos fotomontajes como el de Raoul Hausmann introduciendo merz en
la fotografía medica. Tambien se incluye denuncia política con Herfield con una bayoneta
alemana atraviesa la paloma de la paz. Encontramos lenguajes más personales dentro de estetias
post-modernas como Bellimer.

Pasadas las vanguardas se introduce la nueva objetividad siendo imágenes de gran formato
elaboradas sin elementos graficos donde la obra clave es el mundo bello siendo Albert Renger su
máximo exponente surgiendo un grupo de artistas de f-64 donde tenían que mostrar la fidelidad
del objeto siendo el máximo de poco luz que pued introducirse en una cámara creando el sistema
de zonas siendo una estandarización del sistema fotográfico conociendo los medios para hacer
fotografías buenas como por ejemplo Steiner con las teclas, interés por la naturaleza Ansel
Adams, Steichen con el spiral shead o el weelborrow with flower pots.

Un autor precedente es Blossfeldt donde proyectaba fotografías de gran formato de plantas con
fondo neutro mostrando lo geométrico. Tambien se da en humanos con Sander mostrando al
humano como elemnto objetual con su oficio. Edward Weston destaca con pebre de 1930 siendo
objetos trivales mostrando una nueva cosa siendo cosas definidas que parecen científicas o el
excusado, es uno de los exponentes del cuerpo fragmentado. Como autora destaca Tina Modotti
con lenguajes de nueva objetividad i renger Patzch con objetos banales como hierros para calentar
o escenas naturales i organicas.