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- 2º BAC
TEMA 14
CONTEXTO HISTÓRICO
Las corrientes artísticas renacentistas comienzan a introducirse en España a finales del siglo XV,
medio siglo más tarde que en Italia, debiendo luchar contra las formas góticas y mudéjares que estaban
firmemente arraigadas.
Un factor importante, que retrasó la llegada del nuevo arte, fue la peculiar estructura de la sociedad
española de finales del siglo XV.
La Corte, con el absolutismo real; la Iglesia, con su gran peso específico en 1a vida española; y la
Nobleza, con su poder económico, eran los que dominaban y controlaban la cultura, recelando del
“paganismo renacentista” y, por consiguiente, de las nuevas formas artísticas de carácter humanista y
racionalista.
El arte estaba en función de las clases dominantes. No obstante, el Renacimiento acabará por
arraigar fuertemente en España, con sus propias peculiaridades, siendo la nación, fuera de Italia, donde
primero se escribieron y publicaron tratados sobre el arte renacentista.
Otros factores que contribuyeron a la implantación de este arte fueron:
- Las relaciones políticas y económicas con Italia durante la Baja Edad Media.
- La presencia de artistas extranjeros, entre ellos italianos, en España atraídos por el esplendor de la
Corte.
- La formación en Italia de algunos artistas españoles.
- La importación de obras y materiales elaborados en Italia.
- La publicación de tratados teóricos y libros de grabados con motivos decorativos, renacentistas
italianos.
Cronología:
Desde el punto de vista artístico suelen distinguirse dos grandes periodos
1º: Desde 1500 a 1560, que coincide con el reinado de Carlos V.
2º: Último tercio del siglo XVI, que coincide con el reinado de Felipe II (l558-l598).
EL ESCORIAL
A) CLASIFICACIÓN:
COMITENTE: El rey Felipe II
NOMBRE: Monasterio de San Lorenzo del Escorial
AUTORES: Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera
CRONOLOGÍA: Las obras comenzaron el 23 de abril de 1563
LOCALIZACIÓN: San Lorenzo del Escorial (Madrid)
ESTILO: Renacimiento español
MATERIALES: Granito cortado en sillares y cubierta de pizarra
Doménicos Theotocópulos, apodado El Greco, nació en Candía (Creta). Fue un notable erudito,
aficionado a la literatura clásica y contemporánea. Además de pintar, también proyectó obras de escultura
y arquitectura.
Tras estudiar en Venecia y Roma, viene a España en 1577 recomendado por el futuro papa Paulo III
del que llegó a ser amigo personal, con el objetivo de entrar a trabajar en El Escorial. Por encargo de
Felipe II pintó primero “El sueño de Felipe II” que fue del agrado del monarca, un segundo encargo “El
Martirio de San Mauricio” no le gustó al rey y le cerró las puertas de la corte, por lo que se traslada a
Toledo.
Historia del Arte – Sofía Lanchas Arte Renacentista Español – Pág.: 4
Es en esta ciudad, donde madurará su estilo, sufriendo una transformación espiritual al impregnarse
del “misticismo castellano”.
Fue muy popular en su tiempo de ahí el gran número de cuadros conservados, pero después de su
muerte, poco a poco se le olvidó. En el siglo XIX, los románticos revalorizan su obra, siendo muy
estudiado a partir, del libro "El Greco" publicado por Manuel B. Cossio en 1908.
Hacía contratos con sus clientes en donde se detallaba el tema, precio y demás detalles de la obra y
firmaba sus cuadros. Su taller era lugar de reunión de la intelectualidad toledana
Características generales:
- La primera formación la recibe en su tierra natal en contacto con los “iconos” bizantinos lo que
explica ese sentido de la estilización y abstracción que siempre está presente en su obra.
- En Italia recibe la influencia de Tiziano, en cuyo taller estuvo, y posteriormente de Miguel Ángel
del que adoptó las formas manieristas.
- Evoluciona abandonando el estilo dibujístico y se desentiende de la forma bella para buscar una
atrevida técnica de manchas de color y efectos de luz. Su estilo posee un aire muy moderno.
Es un “manierismo” muy personal que conjuga misticismo e impresionismo. Es un estilo muy
intelectual.
Dibujo: rompe con el dibujo aplicando el color a base de pinceladas anchas y toques muy libres
Personajes: Se van desmaterializando y espiritualizando poco a poco:
- Sacrifica la anatomía y las proporciones en beneficio de la EXPRESIÓN. Prototipos del
“misticismo castellano”.
- Figuras alargadas, estilizadas, distorsionadas, serpenteantes, como si los cuerpos fuesen llamas.
Actitudes inestables, escorzos fuertes y atrevidos
- Los vestidos parecen flotar en el aire, incrementando la sensación de delgadez de las figuras al ser
muy amplios
Fondos: Suprime progresivamente los paisajes sustituyéndoles por CELAJES a base de cielos
tormentosos con nubes
Composiciones: Manieristas, muy dinámicas con tendencia a impulsar los gestos y los cuerpos
hacia lo alto. Le gusta representar en un mismo cuadro dos o más escenas a distintas alturas. Poseen más
de un centro de atención.
Colorido: Predominan las gamas frías (grises, verdes y azules), los carmines, amarillos, etc.
Iluminación: Utiliza luces artificiales que no proceden de un foco bien definido, con fuertes
contrastes lumínicos.
"Fue ante todo un artista muy personal, de esos que escapan a toda mera clasificación
esquemática. Gótico en cierta manera, de cultura bizantina por su cuna, veneciano de formación,
español por sentimiento, impresionista por la técnica, expresionista por la bravura de la ejecución. El
Greco salta con holgura todas las fronteras del arte para figurar en el paraíso de los genios".
Sus obras las podemos dividir por temas:
Religiosas; fueron los más tratados, conservándose una copiosa colección de los mismos.
Existen varías versiones de un mismo asunto. Son muy espirituales, y en ellos se
manifiestan las características generales citadas.
Ej. : - El Martirio de san Mauricio (1580)
- El entierro del Conde Orgaz. (1586)
- La Adoración de los pastores (1600)
A) CLASIFICACIÓN:
B) ICONOGRAFÍA
B) ICONOGRAFÍA
Es quizás su obra más conocida y la
que le dio, ya en vida, fama y prestigio.
Se la encargan los monjes de Santo
Tomé después de ganar el juicio a los
herederos del Conde de Orgaz que les
habían negado la parte de la herencia que
el Conde les había dejado como protector
que era de dichos monjes.
Cuando ganan el juicio deciden
gastar parte del dinero que les adeudaban
en hacer un cuadro que narrase los sucesos
que según una leyenda local sucedieron en
el entierro del Conde Gonzalo Ruiz, señor de la villa de Orgaz, murió en 1323 en olor de santidad. San
Agustín y San Esteban descendieron del cielo y lo transportaron a su tumba en reconocimiento por sus
buenas obras (en el siglo XIV no había condes en Orgaz, por lo que el título que suele dársele a la obra
(El Entierro del Conde de Orgaz) es inadecuado.
Los hechos sucedieron en el siglo XIV, pero él actualiza la escena y la ambienta en el s. XVI. El
señor de Orgaz, viste armadura renacentista (recurso veneciano) y a su entierro asisten todos los
miembros de la nobleza toledana de la época, vestidos a la moda y a los cuales se les puede reconocer
como una impresionante galería de retratos (nombres en el reverso del cuadro)
Los rostros aparecen místicos e idealizados pero perfectamente reconocibles lo que ayuda a explicar
el éxito que la obra tuvo en la sociedad toledana que se veía allí representada. El propio Greco parece que
se incluyó en la obra, autorretratándose como uno de los asistentes al entierro (es el séptimo por la
derecha, el único que se desentiende del entierro y mira, orgulloso de su obra, al espectador), e incluyó a
su propio hijo y discípulo, Jorge Manuel, en la figura del niño que en primer plano señala hacia el cadáver
Se conserva el contrato que hicieron entre los monjes y El Greco con todo tipo de detalles acerca
del tema que debía representar, precio, tamaño etc.
A) CLASIFICACIÓN
NOMBRE: La adoración de los pastores
AUTOR: El Greco
CRONOLOGÍA: 1610.
LOCALIZACIÓN: Museo del Prado
ESTILO: Renacimiento español
(Manierismo)
MATERIALES: Óleo sobre lienzo
B) ICONOGRAFÍA
Representa a la Virgen con el Niño y los pastores. Son figuras poseídas de una convulsión espiritual,
con luces irreales (el Niño y los focos exteriores) y colores vibrantes y tornasolados
En el primer plano del cuadro un cordero con las patas atadas, listo para el sacrificio, es el regalo de
los pastores que prefigura la muerte de Cristo (el "cordero de Dios") en la cruz. En la versión del mismo
cuadro que se encuentra en la National Gallery de Chicago, el paralelismo entre el cordero y Cristo es
todavía más evidente ya que el cordero adopta la misma postura del Niño en el pesebre.
BIBLIOGRAFÍA: La misma que en los temas anteriores, cambiando de volumen o de capítulo se-
gún el caso.