INTRODUCCIÓN:

El hombre tiende a tener un acercamiento muy arraigado por la música, esta se define
como el arte de combinar sonidos agradablemente al oído según las leyes que lo rigen”
generando una melodía lógica coherente mediante las cuales se pretende expresar o
comunicar un estado del espíritu. Utiliza elementos físicos como son los instrumentos
musicales, conocimientos científicos como son los que conforman la física acústica o
física del sonido y la audición, mediante el empleo de diversos procedimientos técnicos
que se combinan para obtener como resultado una obra musical.

Este conjunto de sonidos y silencios ase que la personas cambien su estado de ánimo ya
sea para dar felicidad o entristecer, la música es un potente transmisor de cultura en
nuestros días produciendo en las personas un estado de dependencia del que es muy
agradable estar, y si de géneros se hablas estos han ido evolucionando creando nuevos
y variados como lo son los mismos ser humamos. En pocas palabras hay para todos los
gustos musicales.

Las canciones crean un ambiente de relajación y vibración en los cuerpos. Cuando un

cuerpo vibra, produce un movimiento que modifica la presión y se transmite en el aire,
pudiendo ser captado por el oído. Eso es, ni más ni menos, que un sonido. Cuando no
hay sonido, nos encontramos con el silencio (que, a diferencia de lo que uno podría
pensar, nunca puede ser absoluto debido a la existencia de la atmósfera).

Lo que hace un músico, ya sea profesional, aficionado o hasta improvisado, es tratar de

generar alguna sensación en el oyente. La creación musical estimula la percepción del
ser humano y puede desde entretener a la persona hasta aportarle algún tipo de
información.

La música es un arte que acompaña la vida del ser humano desde los comienzos de la
historia. Según explican ciertas teorías su origen tuvo lugar a partir de intentar imitar
los sonidos que existían en la naturaleza y sonidos provenientes de la parte interna del
ser humano, como el latido del corazón. “El ser humano sintió la necesidad de expresarse
y de comunicarse. Buscaba cómo hacerlo: emitía ruidos, gritaba, gemía, imitaba, en fin,
ansiaba un lenguaje, y ¡nació la música! Esto ocurrió hace aproximadamente 40 mil años,
cuando el primer hombre (Homo sapiens) fue capaz de imitar los sonidos de la
naturaleza, que eran diferentes a los que hacía cuando estructuraba su lenguaje. Así, la
música fue el medio de expresión colectiva de la vida diaria y estuvo presente en rituales
funerarios, cacerías y ceremonias vinculadas a la fertilidad de la tierra”

En esta recopilación de información tratara de entender los conceptos básicos de la

música y el canto, abarcaremos las principales raíces de los géneros más conocidos en el
Perú como: la cumbia, festejo, marinera, vals peruano y la música criolla que hoy en día
conforman nuestra cultura. También grandes representantes de estos géneros quienes
con dedicación y liderazgo los expusieron al público asiendo gozar de ellos.
 I. El origen de la música:
 Definición:

“la música es el arte de combinar sonidos agradablemente al oído según las leyes que
lo rigen” (Guevara, 2010), generando una melodía lógica mediante las cuales se pretende
expresar o comunicar un estado del espíritu. Utiliza elementos físicos como son los
instrumentos musicales, conocimientos científicos como son los que conforman la física
acústica o física del sonido y la audición, mediante el empleo de diversos procedimientos
técnicos que se combinan para obtener como resultado una obra musical.

La palabra «música», cuya etimología proviene de la palabra Musa que en idioma griego
antiguo aludía a un grupo de personajes míticos femeninos que inspiraban a los artistas,
primitivamente designaba toda actividad y arte que quedaban bajo su protección. Muy
pronto, el término quedó reducido al arte de los sonidos. En la época del helenismo, la
acepción primitiva de la palabra se empleaba sólo metafóricamente (pág. 3).

Con el paso del tiempo se desarrollaron cientos de teorías para explicar el sentido de la
música, lo que nadie puede explicar con certeza es qué tienen los sonidos que pueden
tocarnos el sistema nervioso y emocionarnos a puntos que ninguna otra cosa puede
hacerlo. La música tiene por ende mucho de misterio, de magia, y presenta para nosotros
un mundo que no somos totalmente capaces de comprender, pero al que llegamos una
y otra vez de forma irremisible.

Cuando un cuerpo vibra, produce un movimiento que modifica la presión y se transmite

en el aire, pudiendo ser captado por el oído. Eso es, ni más ni menos, que un sonido.
Cuando no hay sonido, nos encontramos con el silencio (que, a diferencia de lo que uno
podría pensar, nunca puede ser absoluto debido a la existencia de la atmósfera). Lo que
hace un músico, ya sea profesional, aficionado o hasta improvisado, es tratar de
generar alguna sensación en el oyente. La creación musical estimula la percepción del
ser humano y puede desde entretener a la persona hasta aportarle algún tipo de
información.

La música no sólo es un arte al que muchas personas recurren para llenar su vida de
felicidad, también existen acciones terapéuticas que utilizan la música como elemento,
la musicoterapia es una de ellas. Consiste en una aplicación científica del sonido, la
música y el baile a través de un tratamiento que intenta integrar lo cognitivo, lo
emocional y lo motriz, que libera los malos sentimientos y permite encontrarse con la
energía propia de cada ser, ayudando a mejora la comunicación, la expresión individual
y la integración social. La musicoterapia se utiliza en caso de enfermedad o
disfuncionalidad física o social, para que un individuo se rehabilite y reeduque
emocional, intelectual y motrizmente.

La música con sus sonidos posee tres componentes que la vuelven única: el sonoro, el
temporal y el intelectual. El sonoro se encuentra representado por los sonidos
unidos de una forma específica, el temporal tiene que ver con el momento puntual en el
que deben ser representados y ejecutados los sonidos y el intelectual tiene que ver con
la influencia que puede causar un determinado movimiento sonoro en un individuo,
influyendo en su estado de ánimo y modificando a través de él otros aspectos de su vida.
Posiblemente en la comprensión de estos tres componentes a fondo esté la respuesta que
buscamos, el por qué tenemos esa increíble necesidad de hacer o escuchar música
(Gardey, 2008).

La música es un arte que acompaña la vida del ser humano desde los comienzos de la
historia. Según explican ciertas teorías su origen tuvo lugar a partir de intentar imitar
los sonidos que existían en la naturaleza y sonidos provenientes de la parte interna del
ser humano, como el latido del corazón. “El ser humano sintió la necesidad de expresarse
y de comunicarse. Buscaba cómo hacerlo: emitía ruidos, gritaba, gemía, imitaba, en fi n,
ansiaba un lenguaje, y ¡nació la música! Esto ocurrió hace aproximadamente 40 mil años,
cuando el primer hombre (Homo sapiens) fue capaz de imitar los sonidos de la
naturaleza, que eran diferentes a los que hacía cuando estructuraba su lenguaje. Así, la
música fue el medio de expresión colectiva de la vida diaria y estuvo presente en rituales
funerarios, cacerías y ceremonias vinculadas a la fertilidad de la tierra” (Minedu, 2007).

Es por esto que no se puede dar una fecha exacta de la aparición de la música, y sus
inicios es desconocido, inicialmente no se utilizaban instrumentos musicales para
interpretarla, sino la voz humana, o la percusión corporal, que no dejan huella en el
registro arqueológico. Se puede inferir que la música se descubrió en un momento
similar a la aparición del lenguaje.

II. Los elementos de la música

La música cuenta con cuatro elementos esenciales que son: el ritmo, la melodía, la
armonía y los matices, aunque para algunos este último no es tenido en cuenta como
tal. Otras propuestas adicionan el timbre como un elemento más aparte de ser una
cualidad del sonido. La forma en que se definen estos elementos varía de una cultura a
otra y también hay variaciones temporales, por ello presentaremos varias posibles
definiciones de cada uno de ellos.

 EL RITMO: El ritmo Podemos definir el ritmo como las diversas maneras en las
que un compositor agrupa los sonidos y los silencios, atendiendo principalmente a su
duración (largos y cortos) y a los acentos (Borrero, pág. 2).

- Es la distribución de las duraciones sonoras en el tiempo y en el espacio.

- Es la pauta de repetición a intervalos regulares y en ciertas ocasiones irregulares
de sonidos fuertes o débiles, y silencios en una composición.
- Es la división regular del tiempo. El ritmo está relacionado con cualquier
movimiento que se repite con regularidad en el tiempo, en la música se lo divide
por medio de la combinación de sonidos y silencios de distinta duración.
- Es la distribución de los sonidos y silencios en unidades métricas establecidas.

La mayoría de los historiadores concuerdan en que, si la música comenzó de algún

modo, lo hizo con la percusión de un ritmo. Basta con observar las culturas primitivas e
indígenas para comprobar esta hipótesis, ya que el ritmo es lo primero que nuestro
cuerpo percibe y al cual reacciona de forma natural; por ejemplo, cuando escuchamos
música nuestro primer impulso es acompañarla con las palmas o con movimientos
corporales marcando el pulso o simplemente siguiendo el ritmo como tal.

La base de la música se encuentra pues en el ritmo, es éste quien da los cimientos para
que todo mantenga un orden y equilibrio, es quien da el sentido. El elemento más básico
del ritmo es el pulso, el pulso organiza el tiempo en partes iguales con la misma duración
y con la misma acentuación, (uno, dos, tres, cuatro, …). Al combinar pulso y acentos
obtenemos los ritmos básicos (pág. 6):

- Ritmo binario: divide el tiempo en dos partes iguales acentuando más el primero: Un
dos / Un dos / Un dos.... Si te fijas, el ritmo de estas palabras coincide con lo anterior:
Can – ta / To –ca / Bai – la, etc. Este ritmo está presente, por ejemplo, en las marchas
militares.

- Ritmo ternario: divide el tiempo en tres partes iguales acentuando más el primero: Un
dos tres / Un dos tres / Un dos tres... Al igual que el ritmo de estas palabras: Can – ta -
lo / To – ca – lo / Bai - la – lo. Este ritmo lo podemos encontrar en determinados tipos
de danzas como en los valses, o en las sevillanas

- Ritmo cuaternario: divide el tiempo en cuatro partes iguales y acentúa más el primero
y un poco el tercero: Un dos Tres cuatro / Un dos Tres cuatro /... Este ritmo lo podemos
encontrar en gran parte de la música ligera contemporánea: jazz, pop, rock, etc.

 LA MELODIA: Es una sucesión coherente de sonidos y silencios que se

desenvuelve en una secuencia lineal y que tiene una identidad y significado propio
dentro de un entorno sonoro particular. La melodía parte de una base conceptualmente
horizontal, con eventos sucesivos en el tiempo y no vertical, incluye cambios de alturas
y duraciones, y en general incluye patrones interactivos de cambio y calidad. La palabra
llego al castellano proveniente del bajo latín “melodia”, que a su vez proviene del griego
“moloidia” (canto, canto coral), formada por “melos” (canción, tonada, música, miembro
de una tonada) y el griego “oidía” (canto), de aeídein (canción).

 Es el arreglo significativo y coherente de una serie de notas, este arreglo (en la

música tonal) se realiza según la tonalidad en la cual se diseña la melodía. La melodía
también puede tener un significado emocional, es difícil señalar cómo se produce ese
sentimiento, combinaciones de ritmos, alturas de los sonidos, cadencias, velocidad y
otros elementos técnicos que pueden ser analizados en las melodías mismas, pero no
expresados en la definición.
 Es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro particular—
que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y que se percibe
con identidad y sentido propio. También los silencios forman parte de la estructura de
la melodía poniendo pausas al “discurso melódico”.
 Es la sucesión ordenada de sonidos para conformar frases musicales de acuerdo
con las leyes de la tonalidad.

LA ARMONÍA: Es ciencia y arte a la vez. Es ciencia porque enseña a combinar

los sonidos de acuerdo a las reglas inmutables con el fin de construir acordes, y
es arte porque de la habilidad y el buen gusto de la conducción de las voces
armónicas resultará el trabajo realizado más o menos musical. Las escalas, la
tonalidad, los movimientos, los enlaces, la tensión o el reposo son algunos de los
elementos que deben ser tenidos en cuenta a la hora de establecer la armonía
Sin embargo, hablar de armonía es hablar de acordes y sus cadencias. Un acorde es
un conjunto de 3 o más notas que se tocan, o se perciben, simultáneamente. La nota
más grave del acorde recibe el nombre de nota fundamental y es la que le da el
nombre al acorde. El orden de la nota fundamental en su escala correspondiente nos
da el grado del acorde y por tanto su función (colaboratorio , s.f.).

Grado Función Importancia

I Tónica Tonal
II Subdominante Débil
III Tónica Muy débil
IV Subdominante Tonal
V Dominante Tonal
VI Tónica Débil
VII Dominante Muy débil

La función tónica se asocia a una sensación de relajación-estabilidad y donde mejor la

cumple es en los principios y finales de frase. La dominante se asocia a una función de
tensión y donde mejor la cumple es en la cadencia perfecta o rota, justo antes de la tónica.
La función subdominante se asocia a una sensación de transición-conducción entre otras
funciones y la cumple muy bien cuando se encuentra entre la tónica y la dominante.

Existen 4 tipos de acordes tríadas, que se forman añadiendo a nuestra fundamental los
semitonos siguientes.

Acorde Fundamental Tercera Quinta

Mayor (M) +4 semitonos +3
semitonos
Menor (m) +3 semitonos +4
semitonos
Aumentado (+) +4 semitonos +4
semitonos
Disminuido (º) +3 semitonos +3
semitonos

Los acordes con los que armonizaríamos cada escala serán los siguientes:

Grado Escala Mayor Escala menor Escala menor armónica

I M m m
II m º º
III m M +
IV M m m
V M m M
VI m M M
VII º M º
  LOS MATICES: Es la intención, el color o dinámica que se da a la música. Son
las diferentes gradaciones que se puede dar a una sonido o frase musical que se aplican
para enriquecer el hecho musical. Pueden ser de dos clases: Dinámicos, que tienen que
ver con la intensidad de los sonidos y agógicos, relacionados con las duraciones o el
tempo de los sonidos.

III. Géneros musicales en el Perú:

Desde la época colonial hasta hoy día, se plasmaron de diferentes formas la cultura
musical por medio de los instrumentos musicales usados y contenido de canto junto con
las danzas los géneros musicales del siglo xx vals peruano, la marinera, el tondero y el
festejo.

 MÚSICA CRIOLLA:

El termino Música criolla quiere decir música del criollo, pero para esto debemos
interpretar primero el significado del término ‘criollo’, de esa manera tener una mejor
aceptación del asunto. Es derivado del portugués ‘criollo’ que significaba ‘esclavo que
nace en casa de su señor’ o ‘negro nacido en las colonias’. Después pasó a significar
‘blanco nacido en las colonias’ y posteriormente se llamaba así a los descendientes de
españoles nacidos en América En consecuencia, el ‘criollismo’ en el Perú es una
derivación del término original, que involucra usos y costumbres, comida, música,
cantos y bailes de origen principalmente costeño y limeño en especial 26/05/2010
(18mapág. 1).

Esta música es un derivado de la música negra, le antecede "La moza mala", "El alcatraz",
"La zamacueca “. Por los años de 1830 a 1844, la sociedad peruana estaba muy mal eran
malos años por lo de la confederación Peruana Boliviana, no danzaban y allí apareció el
Vals, en el gobierno de Castilla. En el nuevo siglo aparece Felipe Pinglo, el paradigma
de la música Criolla Con el advenimiento de la radio se populariza mucho más el ritmo
criollo. Era tanta la expectativa que los obreros y trabajadores ahorraban parte de su
sueldo todo el año para poder celebrar el 31 de octubre como si se tratara de la festividad
de Navidad o Año Nuevo (pág. 1). Algunas representantes de la gama de intérpretes y
compositores fueron:

 la limeñísima Chabuca Granda "La Flor de la Canela", Jorge Huirse, Eloísa

Angulo, Teresa Velásquez, Alicia Maguiña, Augusto Polo Campos, José
Escajadillo, Félix Pasache, la Reina y Señora de la Canción Criolla Jesús Vásquez,
Bartola, Lucha Reyes, Cecilia Barraza, Cecilia Bracamonte, Eva Ayllón, Susana
Baca, Arturo "Zambo" Cavero, Lucía de La Cruz, Julie Freundt, etc…han llevado
el ritmo criollo por todo el su máximo esplendor recibiendo halagos y
distinciones del público foráneo.

 FELIPE PINGLO ALVA Es considerado el padre de la música criolla. Nació en

los Barrios Altos de Lima, el 18 de julio de 1899, hijo de un pedagogo y huérfano
de madre desde muy niño. En 1917, comenzó su producción del vals "Amelia",
logro componer más de 300 canciones. Las más difundidas, son: "El Plebeyo", "El
Huerto de mi Amada", "La Oración del Labriego", "Pobre Obrerita", "Melodías
del Corazón", "Celos", etc. Con Pinglo la música Criolla se esparce y se hace más
popular. Felipe Pinglo Alva, falleció prematuramente el 13 de mayo de 1936,
víctima de una penosa enfermedad.
  JESUS VASQUEZ Conocida como “La Reina de la Canción Criolla”. Nació en el
barrio de pachacamilla, muy cerca de la iglesia las Nazarenas. Su padre era
chotano y su madre era de Junín, su madre fue quien le enseñó a cantar. Su obra
es una de las más fecundas del cancionero criollo. Ha grabado innumerables
discos, las más importantes son “La pasionaria”, “Secreto”, “Todos vuelven”,
“Corazón”, “Muñequita rota”, “Historia de mi vida”.

 LA CUMBIA:

La cumbia es un género musical y baile que tuvo su origen en Colombia y

en Panamá pero que, en la actualidad, se ha popularizado en el resto de América
Latina y cuenta con numerosas variantes y adaptaciones.

La historia cuenta que, en Colombia, la cumbia surgió en la costa del Caribe a partir de
la fusión cultural entre los indígenas, los esclavos que llegaban desde África y los
españoles durante la Colonia. En Panamá también se desarrolló durante la época
colonial, con coreografías y música de origen africano y pasos de danza aportados por
andaluces, gallegos e indígenas.

A partir de la década de 1940, la cumbia colombiana comenzó a expandirse a otros países

latinoamericanos. Así fueron apareciendo subgéneros como la cumbia argentina,
la cumbia mexicana, la cumbia peruana y la cumbia venezolana, entre otros.
Entre los instrumentos más habituales de las bandas de cumbia tradicional, se
encuentran los tambores, las gaitas colombianas, la flauta de millo, el maracón y el
guache. Las diversas adaptaciones del género pueden incluir violines, acordeones,
flautas traversas y teclados.
En la cumbia mexicana, por su parte, suelen utilizarse instrumentos como la guitarra
eléctrica, el bajo eléctrico, las timbaletas, las congas, el güiro y el clarinete. En la cumbia
peruana, por último, es posible advertir la influencia de géneros como la salsa, el
merengue, el huayno o el bolero.
La cumbia argentina, por ejemplo, cuenta con influencias del chamamé y el tango. Una
versión de este subgénero que se ha popularizado en la última década es la cumbia
villera, caracterizada por sus letras marginales.

La característica más evidente de la cumbia villera es el contenido de sus letras, las cuales
generalmente tratan acerca de vidas que giran en torno al consumo de alcohol y drogas,
a la delincuencia como algo cotidiano y al sexo como uno de los objetos más preciados.
Con respecto al adjetivo “villera”, en Argentina se utiliza de forma despectiva para
referirse a cualquier persona o cosa que tenga origen en una villa miseria (el nombre que
recibe allí un asentamiento informal que se conforma en gran parte por viviendas en
estado precario). Por otro lado, esta palabra también sirve para nombrar a cualquier
persona de clase baja, haciendo de su situación económica y social su aspecto principal,
y disminuyéndola como ser humano.
En el caso de la cumbia villera, el uso de este término hace referencia a que la mayoría
de los integrantes de grupos que abordaron esta corriente provenían de villas miseria
del Gran Buenos Aires. Así como ocurre con la expresión de origen inglés “nigger” en
Estados Unidos, por ejemplo, cuando una persona que vive en una villa se
autodenomina “villera” o llama de este modo a un vecino no existe un desprecio
implícito, sino que se utiliza para reafirmar la pertenencia al lugar y el orgullo de ser
parte de un grupo que, pese a ser rechazado, lucha por salir adelante y ser reconocido
por el resto de la sociedad.

 EL FESTEJO PERUANO:

Es una danza de raíces africanas representativa del mestizaje negro peruano practicado
en la costa central, se baila durante las fiestas populares y en reuniones sociales, se
ejecuta en parejas generalmente de jóvenes, tiene un ritmo erótico y festivo vinculado al
rito del amor como un acto de virilidad, juventud, vigor y fecundidad.

El festejo, fue creada por los habitantes negros que fueron traídos a Lima desde África
(El Congo, Angola y Mozambique) durante el siglo XVII por los conquistadores
españoles para realizar faenas agrícolas, aunque cabe resaltar que el objetivo era el
trabajo en las minas debido a su físico robusto; sin embargo, el clima frío de la sierra era
adverso para ellos relegándolos al trabajo de campo y doméstico. Es así que su letra narra
las costumbres, alegrías, penas y sufrimientos de la raza negra de aquel entonces.
Con el correr de los años el festejo peruano ha sufrido variaciones en cuanto al material
instrumental utilizado, la danza ha variado pues sus verdaderos pasos se han ido
perdiendo y los profesores obligados por las circunstancias tuvieron que inventarle una
coreografía, tomaron pasos del son de los diablos y contoneos del alcatraz, figuras del
agua y nieves, y hasta del zapateo criollo y los aplicaron a parejas mixtas en baile abiertos
y les marcaron emplazamientos y desplazamientos. Etimológicamente el nombre
derivaría de su propia coreografía, viva de movimientos acrobáticos y festivos (festejo –
festejar). Todo festejo antiguo tiene sus fugas que en muchos casos son las mismas, pero
hay una serie de variantes.

- Quijada de burro, cajón y cajita:

Para el acompañamiento musical, originalmente se usó tambores de parche sobre
madera o botijas de arcilla calabazas, cencerro de madera, tablitas, siendo enriquecido
con el correr de los años con instrumentos como el cajón de madera, de origen
afroperuano sobre el cual se sienta el músico y ejecuta el ritmo típico usando sus dedos
y palmas de sus manos, también se acompaña con la guitarra, la quijada de burro y las
palmas de los espectadores. La música se desenvuelve siguiendo un compás de notas en
cuatro por cuatro, el ritmo es continuado y estéticamente sensual, esto se logra mediante
golpes de cajón y la quijada de burro, cajita, agregándole últimamente las congas y el
bongó.
Durante la coreografía es común el movimiento pélvico – ventral, hay libertad en los
pasos donde la creatividad juega un rol importante, la danza es ágil y dinámica donde
se combinan pasos en el lugar y pasos de desplazamiento, siendo característica de dichos
pasos el apoyarse en las puntas de los pies, y dando en otros pequeños saltos en los que
se levantan los pies del piso. Los gestos, movimientos de brazos, los contorneos de
cadera, movimientos de polleras o faldas, son elementos que distinguen rápidamente el
festejo de otra danza, complementándose desde luego con el proceso de enamoramiento
en las que las parejas se han propuesto.

- Festejo peruano:
Finalmente, para la vestimenta del festejo no se requiere un atuendo específico, sin
embargo, se usa ropa ligera, que permita realizar los movimientos rítmicos con soltura
y plasticidad. Para la mujer: Vestido largo, escotado de manga corta, con o sin mandil o
falda larga y blusa escotada, pañuelo atado a la cabeza con las puntas amarradas bajo la
nuca quedando la frente protegida con la finalidad de retener el sudor. Para el varón:
Pantalón corto a la altura de la pantorrilla dorso desnudo y una faja o resta

 LA MARINERA:

Es un baile de pareja suelto, el más conocido en la costa del Perú. Se caracteriza por el
uso de pañuelos. Es un baile muestra del mestizaje hispano-amerindio-africano, entre
otros. El nombre se debe a la devoción peruanista de Abelardo Gamarra Rondó, El
Tunante, quien bautizo al baile con el nombre de marinera en 1879. El año 2012 el
congreso de la república peruana declaró celebrar el Día de la Marinera el 7 de octubre,
día de nacimiento de Augusto Áscuez Villanueva, uno de sus principales intérpretes. El
30 de enero de 1986, las formas coreográficas y musicales de la marinera en todas sus
variantes regionales fueron declaradas Patrimonio cultural de la nación peruana por el
Instituto Nacional de Cultura del Perú.

La zamacueca, origen de la cueca chilena, llegó a Chile procedente del Perú entre 1824-
1825, según el músico y compositor chileno de la época, José Zapiola Cortés. Luego,
hacia el final de la guerra con la Confederación Perú-Boliviana (1839), junto con las
tropas chilenas del Ejército Unido Restaurador, el baile volvió al Perú con el nombre de
“chilena", confundiéndose en parte con la ya existente zamacueca, que había
permanecido en el país y que poco a poco fue cambiando gracias a los nuevos ritmos de
esa época. Mientras que en la costa norte del Perú el baile se convirtió en algo simple, en
Lima el baile se estilizó y tomó mucho más de la clase de bailes de salón.

Corriente Peruanista: Esta corriente sostiene que este baile es exclusivamente peruano.
El historiador peruano Rómulo Cúneo Vidal indica que la zamacueca era una danza de
descanso, cuyo nombre proviene del quechua zawani, que significa baile del día de
descanso y que zamiquiqui era el descanso campesino luego de una semana de trabajo
durante el Virreinato del Perú. Sus afirmaciones se respaldan en huacos de la Cultura
Mochica e Inca donde el hombre tiene la mano en la cintura y la mujer la mano en la
espalda y ambos sostiene un bolso o pañuelo. La Marinera también es de Piura y
de Tumbes.

- Corriente Hispanista: Según esta corriente la marinera estaría inspirada en los

bailes virreinales de salón como el Minué, Cuadrilla, Rigodón, los que fueron copiados
por la servidumbre y luego el pueblo. Las melodías, los tonos, la guitarra y el arpa
conforman el aporte hispánico al baile.
Los ritmos europeos como el "Fandango" y las "Cashuas" permitieron la creación de
la Sajuriana chilena, el Zambo venezolano, el Cielo o cielito Gaucho rioplatense, el Tas-
be mexicano, el Bambuco granadino, el Amor Fino ecuatoriano y el Toro Mata en el Perú.
El argentino Carlos Vega argumenta que la zamacueca nace en 1610 en el barrio de
Malambo, indicando que es una danza de pareja suelta, picaresca y donde los bailarines
usan un pañuelo en la mano.

- Corriente africanista: Esta sostiene que su origen es afroperuana puesto que

han sido zambos y negros los principales danzantes recordando los bailes africanos. La
denominación "Zamacueca" provendría de "Zamba clueca" donde la "zamba" (mujer
mestiza negro/amerindio) realiza movimientos como una gallina "clueca" que ha puesto
un huevo. El músico Nicomedes Santa Cruz indica que la denominación proviene de
"Samba" y "Cuque" dialecto de Kimbundo que significa: "venia para empezar el lundú".
A inicios de 1800 el baile se llamó "Zamba" y luego "Zamacueca", que los africanistas
consideran el origen de la marinera y otros bailes como la "mozamala", la "cueca", el
"baile del pañuelito".

- Variantes:
La marinera posee variantes en la costa, sierra y selva del Perú: la marinera limeña,
tumbesina, ayacuchana, puneña, cusqueña, lambayecana, piurana, cajamarquina,
arequipeña, liberteña, ancashina, iqueña, moqueguana, selvática, huanuqueña etc.

Marinera limeña: Es elegante, cadenciosa y usa un pañuelo. Puede interpretarse en tono

musical mayor o menor. La marinera de contrapunto o "canto de jarana" suele constar
de tres cuartetas, resbalosa y fuga (puede ser más de una). Siendo un contrapunto de
canto, la Marinera Limeña es improvisación pura, y es rica y compleja en su ejecución En
cuanto a los instrumentos con que se interpreta, se encuentran hoy la guitarra, el cajón y
las palmas del público. Antiguamente, la marinera en la región de Lima se interpretó
también con arpa y ocasionalmente bandurria o laúd, en cuanto a los instrumentos de
cuerda.

Marinera norteña: Se desconoce su origen exacto. Adquirió características de bailes

coloniales de nativos norteños y fue conocida como marinera durante la Guerra del
Pacífico. En la marinera norteña el hombre baila con o sin zapatos, dependiendo de su
procedencia ya sea, de urbe o campesino; en cambio la mujer, que representa a la
campesina, no los usa. Con la práctica constante las plantas de los pies de las bailarinas
se les curten y endurecen y pueden bailar descalzas sobre suelos irregulares, muy
ásperos y con frecuencia extremadamente calientes sin que esto afecte la calidad del
baile, lo que para ellas es motivo de gran orgullo.

Marinera puneña: Es una danza de carácter carnavalesco; con movimientos muy

cadenciosos, danzadas una a continuación de otra.
La primera, de características similares a otras marineras ejecutadas a lo largo del Perú
pero originada en la ciudad de Puno, seguida de un huayno pandillero o pandilla.
Creadas en el estrato social llamado "cholada" (hombres mestizos de Puno).
La Marinera Serrana: Tiene más influencia del Huayno. Generalmente en tono menor,
con movimientos lentos, se repite dos veces y termina en fuga de Huayno. Tiene más
elementos de mixtura (Mestizaje) tanto en sus pasos como en el vestuario e instrumentos,
tales como Cajamarca, Ayacucho, Ancash. Todas tienen tanto semejanzas como
diferencias entre sí, dependiendo de las influencias españolas y andinas de cada sector
o región.

Marinera con caballo de paso: La marinera es el baile nacional del Perú, y su ejecución
busca hacerse con derroche de gracia, picardía y destreza. Por su parte, el caballo de paso
peruano es una raza equina surgida durante la Colonia en el Perú, cuyos ejemplares son
adiestrados para ejecutar un trote peculiar.

CONCURSO NACIONAL DE MARINERA:

Desde 1960, durante la última semana del mes de enero de todos los años se realiza en
la ciudad de Trujillo el Concurso Nacional de Marinera, certamen de fama internacional
en el que participan miles de parejas de baile proveniente de todos los rincones del Perú
y del exterior. Es sin duda uno de los mayores eventos del folklore peruano, y se ha
constituido en uno de los puntos más sobresalientes en el calendario turístico del país.
Este Concurso es la meta final de todo cultor de este baile, siendo necesario mencionar
que durante todo el año y en diversas ciudades del Perú se realizan diversos concursos.
En la ciudad de Lima el Principal Concurso de Marinera Norteña es el que realiza la
asociación cultural Todas las Sangres desde 1987; evento que es pionero en implantar
nuevos mecanismos de calificación y transparencia en los resultados

 EL TONDERO:

Es una danza típica del norte costeño del Perú, se caracteriza por ser muy expresivo, se
define como la imitación de un ritual amoroso de las aves con el fin de apareamiento, se
figura el rodeo que el gallo hace a la gallina con el fin de cortejarla. A diferencia de
la Marinera, el tondero es un baile más rústico, donde el varón lleva alforja y baila con
el pantalón remangado y sin zapatos, la dama baila sin zapatos y con un cántaro de
chicha que es típica de Piura.

El tondero es oriundo de la provincia de Morropón en el Departamento de Piura, y

derivada indiscutiblemente de música gitana traída por emigrantes desde el sur de
España y el este de Europa, como el caso de muchas danzas y géneros musicales
hispanos-americanos a su llegada a América, sufren todos una modificación o mestizaje.
Etimológicamente el tondero viene de: Ton (apodo del creador de la melodía del
Tondero que tenía la costumbre de dar golpes con las manos sobre un tambor llevando
el ritmo) y Diro (diminutivo del apodo del creador de la danza del Tondero, que
significaba en su lengua: caminar agachado, huidizo, perseguido)
La ejecución del tondero consiste básicamente en un acto de cortejo, en el cual el varón
invita a la mujer con un pañuelo y con venias de sombrero, mientras la mujer le insinúa
su aceptación con un pañuelo en alto y la falda levantada, escarbando el suelo con el
pulgar del pie, que indica la espera del inicio del baile. En el ruedo del baile, giran a
medias en su sitio, siempre mirándose, para luego entrar al careo, donde la mujer tiene
la iniciativa para hacerlo, pero en el último momento esquiva toda intención. Luego, el
hombre demuestra su virilidad rascando el suelo con el baile y ella le responde con
insinuantes gestos y poses. El hombre se arrodilla al final de la primera parte, la cual
posee una pequeña pausa de rasgueo de guitarra para empezar de nuevo con las venias
y los cambios de figuras, para luego concluir con el final de la coquetería.

 EL VALS PERUANO:

Al referirse al vals peruano, hacemos referencia a una adaptación musical del vals
europeo que se identifica con el Perú por ser un género de la música criolla y
afroperuana.

El vals proviene de Europa y fue practicado por sectores aristocráticos pero

transformado por músicos populares, quienes lo transfirieron de la orquesta de cuerdas
y piano a la práctica de la guitarra y con textos propios. El canto solista o en dúo,
acompañado al inicio por guitarras y luego por el cajón, era parte fundamental en toda
reunión o jaranas que se celebraban en casas, solares y callejones, espacio en donde se
desarrolló éste género. La guitarra fue el nido donde nació el vals criollo. En ella se
enroscaron las serpentinas de las retretas domingueras y feriadas; los trozos de zarzuela
que exigían en nombre del cotarro limeñísimo la mudanza de letras; los ecos nostálgicos
del yaraví acribillado; los cuentos verdaderos de las provincias impacientes.
Los valses más antiguos, de fines del siglo XIX y principios del siglo XX, son conocidos
como los de la Guardia vieja. El tiempo y la práctica popular de la tradición oral, hacen
perder la memoria de algunos autores, pero, sin embargo, en El libro de oro del vals
peruano, escrito por Raúl Serrano y Eleazar Valverde, constan que los primeros
máximos representantes de la Guardia Vieja a:

- José Sabas Libornio-Ibarra (autor de la mazurca Flor de pasión)

- Julio Flórez y Juan Peña Lobatón (autores de El guardián)
- Oscar Molina (autor de Idolatría)
- Rosa Mercedes Ayarza (pianista, compositora de Corongito, La picaronera)
- Filomeno Ormeño (autor de Cuando me quieras)

Los criollos de antaño, solían llamar ''valse'', como una manera de identificarlo más como
del Perú y queriendo castellanizar la palabra ''vals''. En los tiempos actuales, y desde
hace años, se le llama ''vals'' o ''vals criollo'' cuando se está en Perú, pero cuando se está
fuera, es llamado ''vals peruano'', siento esta denominación aceptada incluso dentro del
Perú.

En los anocheceres de la Lima antigua los ciudadanos acudían a plazoletas y a los

parques y bajo las glorietas, olvidaban las tendencias políticas y caudillistas, para
integrarse a la paz giratoria de los valses. Los criollos, los mestizos; la clase media del
pentagrama, buscaron entonces un ritmo verdaderamente suyo y, al carecer de raíces
propias, renegando por igual de los hispanizantes engolados y de los negros
altisonantes, se adueñaron de los valses europeos, de esos sones danzarines de retretas
y de pianos para insuflarles su ser, su ámbito, su anécdota, su ritmo de alma y pie; vale
decir, su peruanidad adolescente, su limeñismo de insurgencia republicana.

Aunque el vals peruano nació entre los criollos de la clase media, lenta y seguramente
se abrió paso entre sectores de condición económica más humilde. Los "niños bien" de
1900 lo acogieron con entusiasmo para saciar inconformismos juveniles, sacudir la
modorra, pinchar a los abuelos terribles y solemnes y encandilar a las mocitas con
secretos deseos de aventura. Así y todo, hemos de reconocer que hubo un grupo de
polendas encabezado por Alejandro Ayarza; periodista incisivo, dramaturgo chispeante
que tomó el nombre de su seudónimo literario: Karamanduka.

 EL CANTO:

La palabra canto es homógrafa ya que tiene dos significados. Uno de ellos procede del
latín “cantus”, del indoeuropeo “kan” y del verbo “cantare” que hace alusión a los
sonidos melodiosos que emitimos por la boca, los seres humanos y algunas aves, como
los canarios, mirlos y jilgueros.

El canto de las aves se denomina trino o gorjeo La voz humana debe ser educada para el
canto a través de técnicas vocales, pues hay voces muy bonitas pero cuyo canto suena
mal, pues carecen de afinación. Dentro de los estilos de canto, los más conocidos son el
lírico, como por ejemplo la ópera, y el popular (rock, jazz, pop, etcétera). En general el
canto sigue una composición musical aunque puede hacerse a capela (cuando el canto
no se acompaña de ningún instrumento musical más) (pág. 1).
El arte del canto nació con el hombre mismo, con su primera expresión vocal. En sus
orígenes fue una forma más elevada del lenguaje, probablemente inspirada por el culto
primitivo. Hay incluso quienes afirman que el canto existió antes del lenguaje hablado,
así como existe en especies inferiores al hombre, por ejemplo, las aves. Más adelante el
canto respondió a las necesidades de las religiones y las estéticas, condicionadas
naturalmente.

En la antigüedad mediterránea el arte del canto tuvo influencia en la retórica; en Grecia

los discursos debían ser rendidos en un determinado tono. Para la tragedia y comedia
griegas se necesitaban cantantes formados, que junto con el drama ofrecían secciones
cantadas. El aporte más importante de la Iglesia Católica al arte del canto es,
posiblemente, el canto litúrgico, y su desarrollo polifónico en siglos posteriores, antes de
concluir la Edad Media. A fines de este mismo período, en Europa, aparece un tipo de
canto profano que se podría denominar de arte y que practican los troubadours,
trouvCres y minnesiingcr.

La improvisación libre del siglo XVI sentó las bases técnico-vocales para el amplio y
diferenciado desarrollo que tuvo el arte del canto a partir de 1600, con el florecimiento
de la ópera, el oratorio, la cantata y el aria. En ese período, en el cual el canto tuvo un
desarrollo musical tan grande, la principal preocupación era la expresión y la
comprensibilidad del texto. El virtuosismo vocal se desarrolló a la par con el
instrumental, y sus grandes cultores fueron los castrati con su enorme habilidad en la
ejecución de coluraturas. Recién el nuevo dramatismo del clasicismo restauró la relación
original entre música y declamación y reemplazó al castrato por el cantante dramático,
así como permitió la integración de las mujeres, que fueron excluidas del canto desde el
siglo VII por la Iglesia Católica.

El siglo XIX apareció la canción artística (Lied, Kunstlied), la que con sus exigencias
técnicas y expresivas enriqueció el arte del canto. En el arte vocal francés, en todas las
épocas, el acento estaba puesto en la declamación de la palabra.

La escuela belcantística italiana, en cambio, enseñaba el libre desarrollo del melos vocal,
en detrimento de lo declamatorio. Los alemanes y otras naciones centroeuropeas
encontraron un cierto equilibrio entre los dos extremos. Posteriormente, incluso
maestros como Verdi y Puccini exigían unidad orgánica entre palabra y sonido musical.

Hoy en día, gracias al acortamiento de las distancias y la integración de culturas, es

absurdo hablar de "escuela italiana" o "escuela alemana". Es cierto que los idiomas
influencian de alguna manera la emisión vocal, pero al cantante de hoy se le exige
expresarse de manera correcta en los diversos idiomas y estilos, lo que lleva a lo que
podría llamarse una globalización de las escuelas de canto. Es necesario, por lo tanto,
abordar la problemática de la técnica y la enseñanza del canto con gran amplitud, en
forma abierta y sin dogmatismo (Stein, s.f.).
  TECNICAS DEL CANTO:

Entonces, vamos a tener en cuenta, algunos puntos muy importantes al momento de

cantar.

 Respiración: Lo primero siempre y por siempre va a ser la respiración es la

principal arma para poder entonar una canción que sea agradable al público.

Métodos: algunos métodos muy simples, los puedes practicar en cualquier lugar y
momento, sin problema alguno.

1. Aspira todo el aire posible, carga bien y completamente tus pulmones, se te tiene que
hinchar la panza, no el pecho, así te vas a dar cuenta si lo haces en forma.
Luego vas a espirar (soltarlo por la boca) como soplando una vela, pero teniendo los
labios lo más apretado posible, de modo a mantener un papelito, sostenido en la pared
solamente con el aire que vas aspirando. Trata de mantener una distancia de 8 a 10
centímetros, y ve controlando tu tiempo, mientras más tiempo lo mantengas sostenido,
mejor control de respiración y presión de diafragma vas a tener.

2. Es prácticamente parecido al primer método, con la diferencia de que no necesitas

soplar ningún papelito. Carga tus pulmones de aire, y espíralo (soltarlo) vocalizando
una vocal, lo debes hacer con las 5 vocales, pero por intervalos, no confundas, primero
"A", vas espirando, comprimiendo la garganta lo más que puedas, para hacerlo en más
tiempo, 10-20 segundos, luego la "E", y así sucesivamente. Nuevamente controla tu
tiempo.

 Entonación y Afinación: Esta parte ya es cantar en sí, así que presta mucha
atención, cantar no es tan complicado como muchos piensan, todos tenemos la
capacidad de cantar, ¿por qué?, por el simple hecho de que poseemos cuerdas vocales,
el punto está en saberlas manejar. Lo esencial y fundamental, es tener algún instrumento
contigo al practicar, ya que, si no, ¡puedes desafinar mucho! y no te vas a dar cuenta, ya
que la percepción o afinidad musical de tu oído aún no está desarrollada.
Vas a entonar las vocales nuevamente, pero como si ya lo estuvieses cantando, para
cantar, el aire se tiene que acumular en la parte de arriba de tu paladar, haciendo vibrar
la parte inferior de tus fosas nasales, es importante sentir como vibran tus fosas, porque
de lo contrario quiere decir que no estas concentrando en la parte correcta el aire.
Si captaste esto, pasamos a lo siguiente, vas cantando las vocales con una nota de la
escala musical a la vez, o el nombre las mismas notas musicales, do-re-mi-fa-sol-la-si y
nuevamente.

 Postura: no hay demasiado que decir de esto, pero es importante. Si posees una
mala postura, es más que posible que no puedas cargar bien tus pulmones, y lógicamente
te falte aire al terminar las estrofas, y obviamente tampoco puedas comprimir
correctamente tu diafragma. Ponte firme siempre, ya sea parado o sentado, con la
espalda bien erguida (TARINGA.NET, s.f.).
Referencias
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