+ SUBURBICON, UNCONVENIENT TRUTH 2, THE SQUARE, ¡ESPECIAL DE NAVIDAD!

DICIEMBRE 2017
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17

STAR WARS
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DžnjǁƿdžDžǂƹLJDžƿϐǂDžƻƿǃDžǃƽDŽljƺƽƾƺǂƿǁDžƻ
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 L AKE TENQUILLE ,
BRITISH COLUMBIA .
 58 ESPECIAL STAR WARS DE EMPIRE
Con miras al estreno de The Last Jedi,
EMPIRE se dio a la tarea de reclutar a la Primera
Orden de conocedores de la mitología de Star
Wars. Aquí el Episodio I, de II, donde analizamos
los inicios de esta saga extraordinaria, su
creador, sus interprétes y las primeras dos
trilogías.

109 SUBURBICON
El señor George Clooney vuelve a la silla
del director, esta vez para emular a sus más
grandes inspiradores, los hermanos Coen,
quienes escribieron el guion de Suburbicon
y, ¿qué hizo Clooney con él?

108 THE LAST JEDI

Sí, cuando saliste de la sala en diciembre
pasado muy emocionado, también pateabas lo
que se atravesara pensando en todo lo que
faltaba para que llegara diciembre de 2017. Ponte
un casco y traje, porque te esperamos en la
función de medianoche.

122 ESPECIAL DE NAVIDAD

A pesar de compartir apelativo con el niño
Jesús, su tocayo Chavarría es tan Grinch que
se dedicó a buscar las cintas en donde la Navidad
es una pesadilla de muerte y destrucción.
Debemos confesar que no fue nada díficil.

124 HARVEY WEINSTEIN

Con este potentado de la industria
cinematográfica se destapó una cloaca de acoso
y abuso sexual en Hollywood que ha cobrado
ya algunas carreras, provocando una cacería de
brujas que tiene temblando a las celebridades.

16 BLACK MIRROR
EMPIRE visitó a Jodie Foster mientras
dirigía un episodio de tu serie favorita.
40 LA BATALLA DE LOS SEXOS
Bella historia sobre la campeona y excampeón
de tenis; su búsqueda de justicia, identidad y amor.
134 VIEWING GUIDE: BABY DRIVER
Si te capturó el ritmo trépidante de esta
hermosa historia de amor, crímenes y
Emma Stone y Steve Carell garantizan dejar la sala persecuciones, ahora te invitamos a verla con

24 BLACK PANTHER
Sin duda, la movie más esperada del MCU
con una enorme y franca sonrisa. más calmita y de la mano de su autor y director.

porque es de la que no se sabe qué esperar.

Seguro que ésta fantástica historia cambiará por
completo la jugada para las producciones de
superhéroes y en particular de Marvel.
41 CAMINO A MARTE
A veces el triángulo es una figura perfecta
para darnos cuenta de que el amor es un extraño
extraterrestre.
132 SEÑORA VENGANZA
La obra maestra de EMPIRE esta vez es la
joya coreana que te dejará con los pelos de punta,
enamorado de la estética y listo para echarte la
trilogía completa.

18 THE DISASTER ARTIST

Como no le bastan sus propias malas
películas, ahora James Franco y su hermano
Dave harán una, acerca de la peor.
46 LOVING VINCENT
Imponente y conmovedora “película al óleo”
acerca de la vida y obra de Vincent van Gogh a
través de las cartas a Theo, su hermano.
152 MIS FAVORITAS: PACO AYALA
Este elemento vital de la banda Molotov te
comparte sus cinco cintas predilectas.

10 DICIEMBRE 2017
 49
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 CARTAEDITORIAL
Star y Wars y el Marvel EditorIAL Ventas
Cinematic Universe compiten Editor in Chief Directora General de Ventas
José Alberto Sánchez Marielos Rodríguez
por ser las franquicias que
más dinero han recaudado en la Deputy Editor Directora de Marketing Comercial y PR
historia del cine, pero tienen Eduardo Navarrete Karla Piña
un común denominador: Disney. ventasTBG@editorial.televisa.com.mx
Coordinador Editorial
César Hernández
El gigante del entretenimiento Editora
Marketing
tiene en su poder dos de los referentes Directora de Relaciones Públicas
Anaid Ramírez Elmis Reyes
culturales más grandes de la historia
moderna, uno basado en la mente de ArtE Directora General de Agencia
George Lucas y otro en los cómics. Directora de Arte Diana Bonardel
Isabel Cisneros
También, los rumores de adquisicion
Director de Talento
de 20th Century Fox (quienes
Gustavo Rincón
actualmente tienen los derechos para Traducciones
llevar a la pantalla a los X Men, Cuatro Fantásticos y Deadpool) nos hacen Ary Snyder Televisa publishing
pensar en la expansión del universo comiquero más allá de lo imaginable international
en los sueños de los nerds más hardcore, dónde hilos argumentales y Corrección Director General
subtramas presentes en los cómics (como Secret Wars) puedan llevarse a Luis Antonio Torre Porfirio Sánchez Galindo
cabo con los personajes originales.
Online VENTA DE SUSCRIPCIONES
Editora web 01 800 222 2000
Por otro lado, la compañía del castillo anunció que no sólo habrá más
Giovanna Franzoni
spin offs de los personajes más íconicos de StarWars, si no un plan para ATENCIÓN A SUSCRIPTORES
OTRA TRILOGÍA desarrollada en el mismo universo. Community manager 01 800 REVISTA
Alberto González 01 800 738 4782
¿Hasta cuándo durará la facinación del público por estas historias?
Coeditor web
¿Podrán los estudios seguir con el estandar de calidad que han dado hasta
Diego Urdaneta
PÁGINA WEB
la fecha? ¿Cómo resultará el cambio generacional de sus héroes? ¿Nos TBGSUSCRIPCIONES.COM
estamos cansando de las películas de superhéroes?
EMPIRE UK
No lo sé, pero yo, más que cansado estoy doblemente emocionado. Editor in Chief
Terri White
Disfruten la revista. Creative Director
Chris Lupton
durden Photography Director
DIRECTOR EDITORIAL Joanna Moran
durden@durden.news
Associate Editor
Liz Beardswoth

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EMPIRE EN ESPAÑOL. Marca en Trámite Año 1 N° 9. Fecha de publicación: 30-11-17. Revista mensual editada y
DISFRUTANDO LA @ OTRO MES… OTRA EMPIRE / @ publicada por EDITORIAL TELEVISA, S.A. DE C.V., Av. Vasco de Quiroga N° 2000, Edificio E, Col. Santa Fe, Del. Alvaro
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DE #JUSTICELEAGUE / @ EMPIRE EN ESPAÑOL: pendiente ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título pendiente
SUPERMANSTEEL34 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Distribuidor exclusivo en México: Distribuidora
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12 DICIEMBRE 2017
 Búscalos por

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14 DICIEMBRE 2017
 EXCLUSIVA
EN EL SET
PACIFIC RIM:
UPRISING
ESTRENO 23 DE MARZO
DE 2018

MR. BIG
ROBOT
John Boyega se pone al tiro
con monstruos de 200 metros.

POR IAN FREER

UNO DE LOS ASPECTOS MÁS

COLORIDOS de Pacific Rim, junto con las
temibles criaturas, fue el espectacular apodo del
cancela apocalipsis de Idris Elba: Stacker
Pentecost (Apilador Pentecostés). La secuela
tiene a John Boyega como su hijo así que, ¿qué
tenemos esta vez? A un simple Jake.
“Me sentí igual”, ríe Boyega en el set de Fox
Studios en Australia. “¿Jake? ¿En serio?”.
En Pacific Rim: Uprising, que tiene lugar una
década después del primer filme, los alienígenas
conocidos como Kaiju han regresado. Y aunque
Jack (Boyega) sepa cómo usar un Jaeger —los
trajes mecánicos de combate—, no es un héroe.
“Al principio de la película mi personaje es
todo un canalla”, afirma Boyega. “Hay Jaegers
rebeldes: la gente ha juntado partes y fabricado
Los amigos y rivales sus propias máquinas. Jake es un ladrón y vende
Jake Pentecost partes de Jaegers”.
(John Boyega) y Nate Si Jake es el hijo pródigo, entonces la escena
Lambert (Scott que EMPIRE presencia es su bienvenida. Luego
Eastwood) uniendo de ser arrestado, el chico es llevado al
fuerzas / Atentos, Shatterdome, el cuartel general de Defensa Pan
Kaijus, los Jaegers Pacífica, en China. Ahí se topará con su
están en el campo distanciada hermana, Mako (Rinko Kikuchi) y su
de batalla. expareja en los cadetes, Lambert (Scott
Eastwood), quien es
ahora un comandante.
“Es como
encontrarte con un
amigo de la uni y darte
cuenta de que no eres
tan exitoso”, dice.
Si Uprising
g se
adentra en la dinámica
de los personajes, no
lo hace a expensas de
la acción. “Tuve que
deslizarme por el
brazo de un Jaeger.
Fueron más de seis
metros. Eso fue muy
loco”. Recordó el actor
como todo un
pentecostés.

DICIEMBRE 2017 15
 EXCLUSIVA
EN EL SET
BLACK
MIRROR
ESTRENO POR
CONFIRMAR EN NETFLIX
FOSTER
NOS DA MIEDO
EMPIRE platicó con Jodie Foster,
directora invitada de Black Mirror,
para descubrir su lado oscuro.
POR JOHN NUGENT
CADA DÍA DE ACCIÓN DE GRACIAS,
mientras los miembros de la familia preparaban
el pavo en la cocina, Jodie Foster se sentaba
frente a la tele para ver The Twilight Zone. “Cada
año”, recuerda. “Era como un maratón de la
serie. Era mi favorita”. Ahora, cuando EMPIRE
se reúne con ella en una gris mañana de enero al
oeste de Londres, está terminando la
posproducción del capítulo que dirigió para
Black Mirrorr —la serie que ha sido descrita como
la sucesora espiritual de The Twilight Zone—.
“Arkangel”, de Foster, es una de las entregas
en la última antología. Después de filmarla en
Hamilton, Ontario, ahora está en Twickenham,
adonde EMPIRE llegó para ver algo del pietaje
original. Juntos vemos a Rosemarie DeWitt
angustiada por su hija extraviada y corriendo por
una calle de aspecto triste en el pueblo acerero
16 DICIEMBRE 2017
canadiense. Vaya contraste frente a otro episodio
de la nueva temporada que resuena a Star Trek
(“USS Callister”).
Foster describe su aportación como “cruda y
real, como una película independiente”. En
efecto, hay una sensación gris y apagada en el
pietaje que nos muestran, a pesar de la típica
tecnología de un futuro cercano en el corazón del
episodio y que le permite a Hola (DeWitt)
monitorear a su hija (Sarah Abbott) de una
manera perturbadora.
Fue el amor de Foster por Twilight Zone lo
que la trajo a Black Mirror. El año pasado comió
con un ejecutivo de Netflix (Foster había dirigido
capítulos de Orange is the new Black) y se quejó
de que Hollywood ya no hace “cosas cortas”.
“Creo que las historias cortas son la forma
artística más perfecta”, asevera. “Hoy todas son
franquicias grandes y épicas o series de
televisión de ocho temporadas”.
Después de eso Netflix la puso en contacto
con Charlie Brooker, el escritor y creador de
Black Mirror, y en cuestión de días ya estaba en la
alineación de directores invitados (que incluye a
Joe Wright y John Hillcoat). “Lo que es
interesante de trabajar con Jodie Foster es que
debes evitar que tu cerebro grite: ‘¡Es Jodie
Foster!’, cada dos minutos. Creo que conseguí
que no se diera cuenta”, dice Brooker después.
El guionista describe el episodio “Arkangel”
como “una historia de madre e hija, pero no tan
aburrida como suena”. Foster admite que parte
del atractivo fue su propia relación con su mamá.
“Era madre soltera, fue mi mánager y mi vida de
trabajo. Fue… inusual”.
Eso es un tema clave del capítulo: aprender a
relajar un control parental muy estrecho. “Se
trata sobre la lucha entre madre e hija, el querer
criar a una mujer que no tenga tus miedos y, aún
así, controlarla. Significa que a veces tienes que
mandar a volar a tus padres”.
Frustrada con el sistema de los estudios
(“hay muchas notas e ideas tontas…”), Foster está
disfrutando de la libertad creativa que acompaña
a un proyecto de Netflix.
La también actriz querría que criticaras su
capítulo como criticas sus películas. “Hago filmes
que requieren que la gente ponga atención,
siempre prefiero que no estén viendo su celular o
preparando la cena”. Entonces quizá no sea
buena idea considerarla para un maratón el Día
de Acción de Gracias.
 LAEDADDE
LA PUNZADA
Conoce a los imberbes que le
darán horror al universo X-Men.

POR TOM ELLEN

THE NEW MUTANTS —la 11ª película de

X-Men— no es exactamente un filme de
superhéroes. De hecho, es mejor describirla
como uno de horror, de transición a la adultez y
que tiene superhéroes. Y para nada son
superseres equis.
Así que, ¿se trata de seres superiores?
Bueno, están encerrados en una institución tipo
asilo; se centra en la mutante nativa americana
Mirage (Blu Hunt) cuyas habilidades psíquicas le
permiten crear alucinaciones hiperrealistas de los
peores temores de sus enemigos. En la serie de
cómics “Demon Bear”, en la que se basa el filme,
los sueños de Mirage son perseguidos por una
fuerza maligna con forma de —adivinaste— un
oso demoniaco.
Los compañeros de Mirage en la cinta
incluyen a la hechicera rusa Magik (Anya
Taylor-Joy) y a la mutante escocesa Wolfsbane
La directora Jodie (Maisie Williams), quien lucha para alinear su
Foster con su equipo crianza cristiana fundamentalista con su habilidad
en el episodio para transformarse en lobo. La pandilla es
“Arkangel” de Black completada por el chico millonario brasileño
Mirror / Rosemarie Sunspot (Henry Zaga), quien puede aprovechar el
DeWitt, la mamá, está poder del Sol, y el hijo de minero estadounidense
buscando a su hija / Cannonball, un jet humano (Charlie Heaton, de
Jodie tras la cámara Stranger Things). No verás spandex aquí: sólo
en el set filmando una mutantes jóvenes y confundidos que están
escena con DeWitt y comenzando a aceptar sus poderes.
su hija en pantalla, El director Josh Boone se hizo de un nombre
Sara (Sarah Abbott) / con su blockbuster juvenil The Fault in our Stars,
El gadget tecnológico y ya firmó para adaptar The Talisman, de Stephen
que crea un infierno King, así que claramente tiene gusto por las
entre madre e hija. angustias adolescentes y la fantasía oscura, lo
cual es bueno porque The New Mutants parece
tener algo de ambas.

THE NEW MUTANTS ESTRENARÁ EN MÉXICO

EL 11 DE ABRIL DE 2018.

DICIEMBRE 2017 17
 EL DEBATE
¿HIZO
LUCASFILMS
LOMEJOR
DE LASAGA?
Antes de retirarse del universo de Star Wars,
George Lucas entregó una trilogía de precuelas
que dividió a su público y la gente que siempre lo
quiso aplaudió que Disney reviviera con justicia
las historias que, según algunos, Lucas traicionó.
SÍ
MARIO P. SZÉKELY,
COLABORADOR
El futuro siempre en movimiento está.
Yoda
PENSAR EN STAR WARS, S DE
GEORGE LUCAS, es regresar por fuerza a la
década de los años 70. Como si no lo hicieramos
diario y a cada rato.
Para quienes crecimos en esos años, la saga
de Luke Skywalker fue lo más cercano de lo que
los millennials de hoy hablan sobre series como
Harry Potter, de la novelista J.K. Rowling, donde
las historias se iban cocinando al tiempo que
crecíamos y los autores se volvieron objeto de
devoción pública.
18 DICIEMBRE 2017
El día que Lucas
vendió a sus hijos
por hambre / Rey
rescata a BB8 /
Luke y Leia son
como hermanos...
aunque se besen.
En la saga de Star Wars Lucas nos colocó en
la misma cabina del Millennium Falcon, con
Luke, Han Solo y la Princesa Leia —además de
los androides y Chewbacca— para decirnos que
el poder de la imaginación era infinito y que sus
artistas en Lucasfilm, Industrial Light and Magic
(ILM) y Skywalker Sound eran lo más cercano al
taller de Santa Claus.
Más de uno crecimos deseando algún día
trabajar para Lucas o con él (directo con él) y, los
que no, se imaginaron en profesiones
apasionantes, trascendentes y divertidas como
las que mostraban los magos de los efectos
visuales que trabajaban para Lucas.
John Williams se volvió el compositor del
soundtrack de nuestras vidas y todos vimos al
horizonte, escuchando sus notas y pensando que
seríamos los héroes de nuestra propia vida.
Ese idealismo es culpa de Lucas y del
enorme logro de filmar la serie de Star Wars,
ejemplo que con trabajo, disciplina y, ¡claro!,
talento, se podría conquistar lo imposible.
Aunque la recepción a la trilogía de los
episodios I a III (1999-2005) no fue la misma que
la de la ya llamada trilogía clásica (1977-1983), en
cuanto a apasionamiento del público por sus
personajes e historias (la venta de boletos sí fue
superior a los episodios IV a VI), jamás se podrá
criticar que Lucas no tomó riesgos. Por ejemplo,
su mera decisión de no poner cual matón del
universo a Darth Vader desde el inicio de La
amenaza fantasma, retó una visión más
comercial y fácil del personaje.
Así, Star Wars jamás careció de la ambición
de Lucas por serle fiel a una historia que
implicaba decisiones no populares hasta para los
mismos fans, revelándose como un autor celoso
de la construcción de su obra.
Aunque la compra de Disney trajo la
posibilidad de expandir Star Wars a nuevos
públicos, más la preservación de la misma marca
en centenas de licencias, también ha traído el
lado oscuro de un Star Wars menos arriesgado y
más en piloto automático. La suerte de esa
galaxia con rugido wookie se irá forjando,
proyecto tras proyecto, donde infinitamente
rebotará esta sentencia: ¿qué hubiera sucedido si
Lucas las hubiera filmado?

NO
JESÚS CHAVARRÍA,
COLABORADOR
AUNQUE ES INNEGABLE la habilidad
como cineasta que mostró George Lucas con esa
pequeña joya llamada American Graffiti, amén
de que entregó al mundo la saga más importante
de la industria hollywodense, también es un
hecho que de la misma sólo dirigió una buena
película y no es la mejor de todas. Ese honor, por
cierto, le corresponde a Irvin Kershner y su The
Empire Strikes Back.
Tenemos que decirlo: aunque con su
estupenda A New Hope supo iniciar y delinear
con acierto ese maravilloso universo de
caballeros y princesas espaciales, impulsando las
siguientes películas, cuando volvió a embarcarse
en la dirección de una nueva trilogía se extravió
en el afán de aprovechar lo más que pudo los
avances tecnológicos y presentar una gran
cantidad de novedades —personajes, naves
espaciales y similares con el potencial de
convertirse en loncheras, camisetas, champús,
cepillos de dientes, cereales, edredones,
máscaras, disfraces y un larguísimo y lleno de
billetes etcétera —.
Esto se reflejó en un evidente descuido de la
historia y la traición de muchos principios, como
ese asunto de darle una explicación científica a la
naturaleza de la Fuerza dentro de un marco
claramente fantástico.
Fue de esta forma que ofreció un Episodio I
con varias secuencias gratuitas y aburridas, un
Episodio II que cae en los excesos —porque ahí
quiso reponer el tiempo perdido con su
predecesora— y un Episodio III con cabos
sueltos y abruptos cierres en sus líneas
argumentales.
Sin duda fue una trilogía que aprovechó bien
el factor nostalgia, pero aún así resultó irregular
y fallida en muchos sentidos.
Incluso la serie animada Clone Wars, de
Genndy Tartakovsky, estuvo mucho más acorde
a la naturaleza del concepto.
Es justo por eso que las cintas actuales,
presentadas bajo el sello Disney, se ponen por
encima de la trilogía anterior. Y es que a pesar de
que el Episodio VII es casi un remake del
Episodio IV, le falta acción Jedi a Rogue One y
que ambas cintas también se valen del factor
nostalgia, éstas no poseen nada más efectos
especiales espectaculares, pues además lucen un
acabado más acorde con la saga original y
recuperan el aire evocador y tono de inquietud
de la misma.
Gracias a esos aspectos que el propio George
Lucas casi olvidó en aquel regreso a la silla del
director, sin demeritar nunca su capacidad para
consolidar con el paso de los años el sueño
llamado Star Wars, hoy podemos decir que cedió
a tiempo el timón y que además lo dejó en buenas
manos.
También es dificíl, como siempre en esta
sección, definir si de verdad las de Disney son
mejores películas cuando lo mejor es lo que falta.
DICIEMBRE 2017 19
20 DICIEMBRE 2017
 Primer
vistazo
OLÉ, EL VIAJE
DE FERDINAND
ESTRENO 22 DE
DICIEMBRE
TOMAR AL
TORO POR
LOS CUERNOS
La animación que acompañará
tus vacaciones decembrinas.
POR ANA LUCÍA ALTAMIRANO
UN NUEVO PERSONAJE de la animación
está por tomar la pantalla grande: Ferdinand, un
toro en apariencia fuerte y valiente, pero un
tanto a disgusto con lo que ha sido marcado para
su especie.
Basado en el libro de Munro Leaf, el director
brasileño Carlos Saldanha —quien antes hizo La
era del hielo y Río— busca sorprendernos de
nuevo con un relato que, para él, no puede llegar
en mejor momento.
“Hoy en día hay una gran carencia de
tolerancia: si eres diferente, no encajas; y si no
encajas eres maltratado, rechazado y eso es muy
fuerte. Creo que eso nunca había sido tan
marcado como ahora”, explicó a EMPIRE el
realizador. Por eso, Saldanha encontró en El
viaje de Ferdinand d una oportunidad para dejar en
el público infantil un mensaje al respecto: “Esta
historia tenía que contarla”.
La cinta animada se sitúa en un pueblo de
España y te adentra en una reflexión sobre la
amistad, así como los juicios y prejuicios, y el
respeto a las diferencias.
Ferdinand, como tú, “Juzgar no es un problema local, está en todo
tiene amigos bieeen el mundo. Yo tengo hijos y hablo con ellos. Me
raritos, pero se lo queda claro que la única forma de ser feliz es
pasan bien en el jjusto siéndolo para nosotros. No culpemos a los
campo / Si piensas demás porque no somos felices o nos dicen
llevar a Ferdinand en ciertas cosas, tenemos que ser auténticos y está
el asiento de atrás de bien ser diferente”.
tu coche, procura no Como el libro es un cuento pequeño acerca
pasar por Peralvillo / de Ferdinand, el director tuvo que expandir la
¿Un toro jugando con aventura y con ello crear nuevos personajes. La
globos? No acabará intención de las añadiduras es enriquecer la
nada bien. trama y exponer el mismo punto desde
diferentes perspectivas.
“Así aparece Lupe. Se trata de un personaje
que también es juzgado; es una cabra y mucha
gente dice que no hay nada menos valioso que
una cabra. Ella también debe lidiar con todo eso,
tiene que creer en ella misma y realmente piensa
en poder hacer más, aunque nadie la respeta”,
añadió el director.
Además de emoción, mensaje y aventuras, la
cinta buscó innovar en la tecnología con respecto
a la animación. De esta manera, se utilizó un
software nuevo y específico para dar color a las
imágenes y se mejoraron texturas que hacen
todo mucho más real.
“Cada vez que hacemos una película
tratamos de mejorar, pero a veces no se nota
porque todo está en los pequeños detalles como,
por ejemplo, cada pasto que llena un campo, las
hojas de los árboles y el pelo de cada animal”,
contó el realizador.
En concreto, para Ferdinand se creó una
textura especial a fin de darle vida a ese halo
brillante que tienen los toros. “Además dimos
colores mucho más vivos y reales. Lo mismo pasa
con las sombras y luces que se reflejan, todo es
mucho más cercano a la vida real y provoca que
uno se meta más y más en la trama”, afirmó
Saldanha.
Como en sus anteriores proyectos, el
cineasta trabajó mucho en la creación del
ambiente que envuelve la historia, y el desafío no
fue sencillo. “Cada proyecto es un reto, uno
aprende mucho en cada proyecto y Ferdinand es
toda una atmósfera diferente. Ahora es España y
debes tratar de hacerlo real, pero con el esfuerzo
de no tomar estereotipos para hacer que luzca
mucho más real”, concluyó.
DICIEMBRE 2017 21
 ¡ESTO ES LA GUERRA!
El reloj checador y los tuppers
son las armas en el campo de
batalla que encabeza el director
Chava Cartas.
POR ANAID RAMÍREZ
UNA BANDERA DEL CLUB
A
AMÉRICA
A tamaño pared, una tupida
alfombra verde —muy vintage— y una cama
mejor tendida que en la militarizada no logran
que EMPIRE desvíe la mirada del pantalón de
vvestir y la camisa bien planchada que Genaro
(Daniel Tovar) tiene sobre el colchón.
El personaje de Tovar está en el baño con
una toalla amarrada a la cintura, viéndose al
espejo. Acaba de salir de la regadera, con lo que
comienza su ritual para emprender el rumbo de
casa al trabajo; puntual, como siempre. Apenas
puede moverse entre los azulejos y la cortina del
baño, pues está rodeado de dos cámaras con sus
respectivos operadores. Hay que capturar hasta
lo más mínimo.
“La historia parte de los detalles, va de lo
particular a lo general”, aclara Chava Cartas. Y es
que para el director de Mirreyes contra godínez
era importante recrear los dos estilos de vida que
menciona en el título de su filme de manera
22 DICIEMBRE 2017
íntegra. Parte de los pormenores de lo que hace y
tiene cada uno de los bandos en su día a día, “y de
ahí se desprenden hacia afuera: las locaciones,
adónde se mueven, su hábitat... ¿Dónde vive un
chavito que va a trabajar todos los días de nueve
a cinco? ”.
Por esta razón, la producción se dio a la tarea
de encontrar locaciones muy precisas y EMPIRE
está ahora de mirón en el baño de Genaro, en una
casa cerca de los Estudios Churubusco. Pero la
película tendrá otras locaciones: desde bares
típicos para ir en cuanto cae la quincena hasta el
restaurante más cool del Pedregal; sin embargo,
el set principal es una fábrica de zapatos en la
colonia Doctores. “Ahí se desarrolla casi toda la
historia, es donde se encuentran los godínez y los
mirreyes”, explica Cartas.
Así que espera la campal en ese lugar, entre
tuppers, engrapadoras y pasteles de cumpleaños.
Descuida, eso no significa que en la banda sonora
figuren “Las mañanitas” o el sonido de las
impresoras. “Hay música para cada una de las
tribus, por decirlo así; entonces será muy
interesante la parte musical”. Y como el director
no quería un soundtrack ya armado, “tenemos
gente dedicada al score, estamos con cosas más
estructurales y hechas para la cinta”, cuenta el
cineasta. Por esa razón, Mauricio Arroyo —“Le
decimos Gonzo”, bromea Cartas— ya tiene las
plumas sobre el pentagrama.
Debido a lo anterior es sencillo imaginar el
resultado como el ensamble de un montón de
estereotipos y burlas, pero la materia prima del
filme es la anécdota de esos dos mundos.
Fue esto lo que llamó la atención de Cartas y
lo motivó a sumarse al proyecto: “Me pareció
que toca de manera muy inteligente un tema en
el cual todos estamos involucrados, ya sea del
lado de los godínez o el de los mirreyes. Cuando
leí el guion y me enteré de que no era una
película de clases sociales, sino dos géneros que
enfrentan dos modos de vida, encontré ahí lo
más importante”.
La fusión de mundos que hace este
largometraje a través de personajes, ambientes y
sonidos tiene la intención de mostrar “cómo los
grupos se topan, se encuentran y, al final del
camino, se dan cuenta de que todos somos
iguales”, cierra el realizador.
El bando de los godínez será encabezado por
el Genaro de Tovar, clan al que también
pertenecerá la Sofía de Gloria Stálina; mientras
que el mirreynato será encabezado por Michelle
y Santi, interpretados respectivamente por
Regina Blandón y Pablo Lyle —en su primer
trabajo en cine—.
¿A quién le vas, al yoyo con credencial o a la
cuba de bacacho blanco?
MIRREYES CONTRA GODÍNEZ ESTRENA EN 2019.
Trailer park
Un experto te recomienda
tráilers por su valor como
avance, sin importar si la
película es buena o no.
THE NEW MUTANTS
LOS X-MEN SE VUELVEN UNA HISTORIA DE
TERROR. POR ESO EN EL TRÁILER APARECEN
LÚGUBRES PASILLOS DE UN PSIQUIÁTRICO Y
CHICAS DE CARITA DIÁBOLICA. ECOS DE THE
WALL LA HACEN MÁS APETECIBLE.
RÉPLICAS
ES COMO VER LA FAMOSA PET SEMATARY, DE
STEPHEN KING, PERO COMO SI FUERA EN
SERIO. EN UN TRISTE FUTURO, KEANU REEVES
REVIVE CON ROBÓTICA A SU FAMILIA MUERTA
EN UN ACCIDENTE.
LAST OF US PART II
ES EL TRÁILER DE UN VIDEOJUEGO PERO ESTÁ
ESPELUZNANTE: ES LA TÍPICA ESCENA EN LA
QUE NO PUEDES INTERVENIR PERO QUE TE
DEJA DESTROZADOS LOS NERVIOS. NO ES
NADA BONITO DE VER, AUNQUE ES JUSTO LO
QUE BUSCAMOS EN EL JUEGO.
¿QUÉ VA A
PEDIR LA
PRINCESA?
Danna Paola alista su primer
protagónico en cine, una niña
fresa muy enamoradiza.
POR ANAID RAMÍREZ
UNA ADOLESCENTE que habla con la
papa en la boca, fiel creyente del destino y
dispuesta a hacer todo lo necesario para estar
con el amor de su vida son las ideas con las que se
definiría a Renata, el rol principal en Lo más
difícil es complicarlo todo y el primer estelar de
Danna Paola en pantalla grande.
“Renata fue más mía que de todos”, afirma la
actriz al momento de referirse a su papel. Y es
que, cuenta Danna Paola, tuvo muchas libertades
para encarnar a Renata. “En cuanto empezamos
a hacer las lecturas, lo primero que le dije a René
(Bueno) fue: ‘No se puede llamar Mónica’, que
era su nombre inicial, porque justo antes hice La
doña y tenía un personaje que se nombraba
igual”. Y el director lo confirmó: “Soy pésimo
para darle nombre a mis personajes, batallo
mucho para encontrarlos y luego para
recordarlos”.
El cambio en el nombre de la protagonista
también encontró una justificación por la
asociación: “Para mí una niña fresa de 17 años se
llamaría Renata”, agregó la actriz. Y ni cómo
contrariarla.
El debut oficial en cine de Danna Paola
—antes tuvo un pequeño papel en Arráncame la
vida, de Roberto Sneider— es una comedia
romántica. El filme se desarrolla a partir de que
Renata se enfrenta con la indiferencia de su
amor platónico, el mejor amigo de su hermano
mayor, Leonardo (Alosian Vivancos) —“A él
también le cambiamos el nombre; yo le había
puesto Juan Pablo”, dijo Bueno—, y la aparición
de la perfecta novia de éste, Susana (Marjorie De
Sousa). Pero como buena niña fresa y caprichosa,
no se medirá a la hora de luchar por lo que quiere
y se apoyará de su mejor amiga, Valeria (Daniela
Wong), para aplicar la de “en la guerra y en el
amor, todo se vale”.
¿Y de dónde va a sacar inspiración para idear
cada una de sus estrategias? Del séptimo arte.
“Renata es fan del cine”, cuenta la actriz, y
debido a eso aparecerán escenas de la
protagonista con su BFF recreando situaciones
de diversos géneros, ayudándose de vestuarios,
cambios de color y melodías.
Por esta razón, cuenta la intérprete, “parte
principal de la película también fue la
musicalización”. Hay temas que se compusieron
en especial para la cinta. “La canción que podría
ser la principal va del amor que le tiene Renata a
Leonardo, con ella le dice que es el hombre del
que está superenamorada. También hay un cover
de una canción setentera; estamos todavía
trabajando en los detalles”.
Después de ver todo lo que es capaz de hacer
Renata, verás que en Danna Paola no queda ni un
rayito de luz de María Belén.
LO MÁS SENCILLO ES COMPLICARLO TODO ESTRENA
EL 19 DE ENERO.
DICIEMBRE 2017 23
 Chanoc lo hubiera
amado / Black
Panther aferrado /
No le creas nada a
Andy Serkis si no
está hecho por
computadora /
Algunos guerreros de
Wakanda / Las
Wakanda Chicks.

exclusiva
Primer
vistazo
BLACK
PANTHER
ESTRENO 12 DE
FEBRERO DE 2018

LISTO PARA
prevalecientes cuando fue creado por Stan Lee y planta de Marvel a finales de los 90. Esta pasión,
Jack Kirby en los 60—, sino también la primera que se convirtió en un proyecto multimillonario,
producción de alto presupuesto basada en un es dirigida por el director y guionista de Creed,

SALTAR
Black Panther ilumina una parte
poco representada en el canon
de los cómics.
POR TERRI WHITE
THOR: RAGNAROK acaba de llegar a
hulkazos al mundo, pero la 18ª película del
Universo Cinemático Marvel está a sólo tres
meses de estrenarse y, aunque no es la última en
una larga línea, promete ser diferente a las
demás. No sólo Black Pantherr es la primera cinta
individual de un superhéroe negro en el actual
UCM —y también lo fue en los cómics
cómic con un elenco y equipo técnico
predominantemente negro.
La primera vez que vimos a T’Challa
(Chadwick Boseman), el joven rey que debe
proteger de amenazas externas a Wakanda —un
paraíso afrofuturista y la nación más avanzada
de la Tierra—, fue en Captain America: Civil War.
Black Panther se desarrolla inmediatamente
después de los eventos de Civil War, donde el
padre de T’Challa es asesinado, por lo que el
joven regresa a su hogar para convertirse en rey
en un momento de mucha agitación.
La trama de fondo de este filme: “Es que
debíamos asegurarnos que Black Panther se
sostuviera por sí misma”, revela el productor
ejecutivo Nate Moore en el set de Atlanta,
añadiendo: “No se parece a nada que hayamos
hecho antes”.
Moore, quien de pequeño estaba
obsesionado por completo con los cómics, ha
tenido la historia de Black Panther en su mente
desde que se unió al programa de escritores de
Ryan Coogler, con un elenco tan expansivo como
impresionante: Boseman, Danai Gurira, Lupita
Nyong’o, Michael B. Jordan, Forest Whitaker,
Angela Bassett, Daniel Kaluuya, Andy Serkis y
Martin Freeman.
La estrella, Chadwick Boseman, habla del
significado de ser parte de esto: “No tiene
precedentes. Cada día piensas que no puedes
creer que t eencuentres en este proyecto. Es
impresionante llegar al set y ver a Angela, Forest,
Lupita, Danai y Michael B conmigo. Somos
nosotros aquí, es ver el set y permitir que te caiga
el veinte”.
Las producciones de cómics que rompen la
fórmula han sido exitosas en años recientes
—Deadpool y Guardians of the Galaxy, para
mencionar apenas dos— y ahora Black Panther
podría ser la más arriesgada de todas ellas.
Moore señala: “Si es buena, la gente la verá sin
importar el color. En Marvel nunca nos
preocupamos de si funcionaría, sólo de que fuera
una buena historia”.

24 DICIEMBRE 2017
LA CONDICIÓN
DESERACTOR
El protagonista de 120 latidos
por minuto habla sobre los
numerosos retos de encarnar
a un personaje con una
enfermedad terminal.
POR STIVI DE TIVI
EL ACTOR ARGENTINO Nahuel
Pérez Biscayart es fiel ejemplo de que ya no
existen fronteras territoriales: un actor
latinoamericano puede trabajar en el cine
europeo sin mayor problema. Su último
trabajo, 120 latidos por minuto, ganadora
del premio del Jurado en Cannes 2017
y representante de Francia para el Óscar
2018, lo ha catapultado como el actor hispano
a seguir —lo sentimos, Gael—.
Sin saberlo, el histrión comenzó su
camino para llegar a dicho filme hace tiempo.
Aunque tiene apenas 31 años, cuenta
con una carrera extensa: ha trabajado
en televisión (la versión argentina de Mujeres
asesinas), cine internacional (Todos están
muertos) y teatro (Karamazov).
El rubro de la experiencia está completo
en su CV, pero ¿qué hay de expresarse en
otras lenguas?
La barrera del idioma nunca ha sido un
impedimento para sus necesidades laborales:
“Aprendí inglés a los 21 años porque entré a
un grupo de teatro llamado Wooster Club en
Nueva York”, confiesa.
Luego trabajó en Francia, en una película
cuyo director “buscaba a una actor que
tuviera un acento francés espantoso”. Al
término de la filmación permaneció en el país
para aprender el idioma y trabajar en otra
cinta. “Estando allá se confirmaron otras dos,
entre ellas 120 latidos por minuto”, contó
Nahuel durante su visita al Festival
Internacional de Cine de Morelia.
Además de dominar el francés, su
participación en la cinta de Robin Campillo
implicó retos físicos, pues interpreta a Sean
Dalmazo, un joven seropositivo: “Lo que hice
con Sean fue volver visible su enfermedad,
entender la contradicción y sus ganas de
sobrevivir. Sólo tuve 15 días para perder peso,
no los seis meses que Matthew McConaughey
tuvo en Dallas Buyers Club. Bajé siete kilos”,
cuenta. Pero el reto mayor, sin duda, será
captar al público, aunque no dudamos que lo
conseguirá.
120 LATIDOS POR MINUTO ESTRENA EL 1
DE DICIEMBRE.
DICIEMBRE 2017 25
 EMPIRE apuesta a las
futuras estrellas, hoy,
en cash.

SADIE SINK
POR HELEN O’HARA
FOTOGRAFÍA RYAN PFLUGER/NETFLIX

Edad __ 15

Interpreta
a __ A Max en Stranger Things 2. “Es
una marimacho y le gusta la patineta”, define
Sink. “Es muy introvertida y tiene un hermanastro
mala onda”.

Trasfond __ “No comencé a actuar

profesionalmente sino hasta los 10. Soy originaria
de Texas, pero nos mudamos a Nueva Jersey
cuando mi hermano y yo comenzamos a actuar
en obras de Broadway”.

Su gran oportunida __ “Annie [en

Broadway], porque en ese momento era mi
sueño. Después pasé a las películas y ahora es lo
que quiero hacer”.

Mejor dirección __ “El director de una obra de

Broadway me dijo: ‘El mejor consejo de
actuación que puedo darte es que seas una niña
de verdad. ¿Cómo vas a interpretar a una
estudiante si no sabes lo que es ir a una escuela
real?’. Eso es muy importante”.

Nuevas habilidades __ “Antes de que

comenzáramos a grabar Stranger Things nunca
había andado en patineta, así que tomé clases
antes de llegar al set. No diría que soy la mejor en
la tabla, pero puedo hacer varios trucos”.

Hobbies __ “Me gusta la fotografía. Tengo una

Canon Rebel. Mi hermanita es mi modelo”.

Héroes en la actuación __ “Yo diría que

Emma Stone. Amo cada una de las películas que
ha hecho. Amy Adams, definitivamente, y
también Jennifer Lawrence”.

Lo que sigue __ “Estoy esperando que estrene

la temporada 2 de Stranger Things para ver a
dónde me lleva”.

STRANGER THINGS 2 YA ESTÁ DISPONIBLE EN NETFLIX

26 DICIEMBRE 2017

EL MARATÓN
DELAMUERTE
Jake Gyllenhaal llega muy lejos
con su interpretación en
Stronger, el drama sobre el
atentado en Boston.
POR OLLY RICHARDS
JAKE GYLLENHAAL estaba aterrado antes
de reunirse por primera vez con Jeff Bauman.
Para interpretarlo en Stronger, Gyllenhaal sabía
que pasaría un año aprendiendo a “convertirse”
en Bauman, un tipo ordinario que saltó a una fama
indeseada después del atentado del maratón de
Boston en 2013, que mató a tres personas e hirió a
256, incluyendo a Bauman. En esa época, él tenía
29 años, trabajaba en una deli y perdió ambas
piernas. Su historia de supervivencia y
determinación para caminar de nuevo lo
convirtieron en el símbolo de la ciudad para
rehusarse a aceptar el terror.
“Estaba muy nervioso”, señala Gyllenhaal.
“Tenía la sensación de ser un fraude. Sabía que lo
que iba a hacer era pretender. Cuando conoces a
alguien que ha pasado por lo que vivió Jeff y
sobrevivió lo imposible, hay algo que te lo
reclama”. En una comida donde también
estuvieron el director David Gordon Green y el
guionista John Pollono, a Gyllenhaal le costó
trabajo ser natural. “Después Jeff contó un chiste
y nos relajó a todos. Es muy carismático. Creo que
tiene un don”.
Extrañamente, el humor fue la clave para
convencer a Gyllenhaal de aceptar Stronger.
Cuando supo que la vida de Bauman sería llevada
al cine se preguntó qué tipo de filme sería. “Había
visto la famosa foto de Jeff agarrando lo que
Jake Gyllenhaal
como una de las
víctimas del
atentado de Boston,
Jeff Bauman.
quedaba de su pierna minutos después de la
explosión y me pregunté si sería morbosa”,
recuerda Gyllenhaal. “Eso me preocupaba, pero
leí el guion y a la cuarta página me estaba riendo.
Sin los convencionalismos que me chocan”.
Ambos descubrieron que tenían mucho en
común —la mayoría de los amigos de Gyllenhaal
crecieron en Boston—. Jake nota cómo Bauman
ha cambiado desde que lo conoce. En la película,
Bauman es un bebedor que vive con su mamá y no
es capaz de mantener una relación. Ahora es
padre y lleva sobrio 15 meses. “En estos días bebe
leche de almedra”, revela Gyllenhaal.
Aunque conocer a Bauman fue sencillo para
Jake, transformarse físicamente en él fue difícil.
“Cuando lo vi quitarse las piernas por primera vez
me resultó difícil procesarlo”, concluye.
A Bauman le amputaron las extremidades
arriba de las rodillas, así que Gyllenhaal sólo podía
mostrar un poco de movimiento más abajo de la
cintura. Estudió cómo Jeff usaba su cuerpo y pasó
horas entrevistando a su equipo de médicos. En el
set, una silla de ruedas diseñada para ocultar las
piernas de Gyllenhall, así como hoyos en las
paredes, pisos, camas y efectos especiales
completaban la transformación.
Se dice que es una de las mejores
interpretaciones en la trayectoria del actor y lo ha
puesto a la cabeza de la carrera por el Óscar para
Mejor actor. Si gana, será porque resistió los
sensibleros clichés del típico actor en forma
interpretando a un discapacitado. Podrías llorar,
pero él preferiría que rieras.
STRONGER SE ESTRENA EL 8 DE DICIEMBRE.
DICIEMBRE 2017 27
 TIROAL
BLANCO
El Premio Iberoamericano de Cine
Fénix llega a su cuarta edición con
ambiciones muy definidas.
POR ANAID RAMÍREZ
HACE CUATRO AÑOS, en el Teatro de la
Ciudad de México, se realizó la primera entrega
del Premio Iberoamericano de Cine Fénix,
iniciativa de Cinema 23 para reconocer y
difundir el cine realizado en dicha región. En
2017 se habla de su crecimiento, ¿pero cómo
medir la evolución de una ceremonia de
premiación?
“En la exhibición de las películas”, responde
Rodrigo Peñafiel, presidente de los Premios
Fénix. Y es que antes de comenzar con el
proyecto los organizadores no pudieron ignorar
que los blockbusters se comían por completo el
cine iberoamericano, si es que éste llegaba a
exhibirse. Por eso comenzaron con Cinema 23
—“Una plataforma para promover el cine de la
región”— y luego con los Premios Fénix.
Como en el comienzo de la iniciativa, las
películas iberoamericanas “no llegan a seis mil
salas de cine”; sin embargo, “están ya en las salas
de arte y en plataformas como FilminLatino y
Cinépolis Click, las están programando en
aerolíneas, en canales como NBC Universal y en
Cinelatino”, recalca Peñafiel.
El interés de los medios de comunicación
también ha sido una variable para medir el
impacto de la ceremonia. “Se sumaron al
proyecto diferentes medios aliados y páginas
web... Si están pidiendo el contenido es porque
alguien lo está viendo”.
El incremento no sólo se debe a que la
ceremonia les queda chula, sino por cómo se
conforma la iniciativa y también lo que se
desprende de ella. De entrada, los Premios Fénix
han reunido a 22 países y tienen ya alrededor de
880 miembros de diferentes áreas del cine.
28 DICIEMBRE 2017
“Son personas que ven cientos de películas al
año, eso te asegura una curaduría increíble y eso
no lo tienen... bueno las academias americanas
sí, pero sólo premian el cine de su país”.
Igualmente su progreso es gracias al
esfuerzo de la Semana Fénix, con la que llevan las
cintas nominadas a diferentes cines comerciales
y salas independientes. Por eso es la ramita en la
que más cuidados invertirán en los próximos
años. “El objetivo es extender la Semana Fenix a
más países, entonces unir fuerzas con Cinépolis
y cinetecas locales para proyectar las cintas”. La
idea es mostrarlas en los 22 países miembros de
Cinema 23 durante 10 días: “Como una especie
de colección, de selección festivalera”. Por el
momento sólo la presentan en México,
Guatemala, Colombia y Costa Rica.
Mientras agregan cada día kilómetros para
llegar a ese objetivo, los Premios Fénix alistan su
cuarta edición que, como ya es tradición, tendrá
como sede el Teatro de la Ciudad.
El ciudadano ilustre (Argentina-España), La
región salvaje (México) y Una mujer fantástica
(Chile-España) encabezan la lista de
nominaciones. Los reconocimientos especiales
se entregarán a la actriz Norma Aleandro
(trayectoria) y a Isaac León Frías (trabajo
crítico); el premio de los exhibidores, que ahora
se dará con ayuda del público, se lo disputan
¿Qué culpa tiene el niño? (México), Os dez Una mujer fantástica
mandamentos (Brasil), Julieta (España), Me casé (Chile-España) / La
con un boludo (Argentina) y Un monstruo viene a región salvaje
verme (España). (México) / ¿Qué
culpa tiene el niño?
LOS GANADORES DEL PREMIO IBEROAMERICANO DE (México).
CINE FÉNIX SE DARÁN A CONOCER EL 6 DE DICIEMBRE.
DICIEMBRE 2017 29
 DE REGRESOALASELVA
Jack Black se une a los explora-
dores atrapados en la fiesta de
un videojuego noventero.
POR ÓSCAR URIEL
HAN TRANSCURRIDO 22 AÑOS desde
que Judy y Peter se internaron en ese
divertimento aventurado de nombre Jumanji.
Por fin nos llega la esperada secuela de
aquella que es considerada como una clásica
contemporánea del cine para niños.
Jumanji: Bienvenidos a la jungla promete
mantener la emoción de la original además de
transformarse a partir de los adelantos en
efectos digitales. Platicamos con Jack Black en
exclusiva para EMPIRE sobre la experiencia de
integrarse a esta saga tan entrañable, además de
todo lo que implica, por la participación del
siempre recordado Robin Williams, de también
muy trágica memoria.
30 DICIEMBRE 2017
Jack, ¿qué recuerdas de la cinta original?
¿Cómo es tu relación con ella?
¿Sábes? Nunca ví la cinta cuando se estrenó. Mi
relación con ella ha sido fría y distante a través
de los años (ríe), ¡pero no me malinterpretes!
No tengo sentimientos negativos hacia ella,
simplemente formo parte del escaso grupo de
personas que no la vieron en su momento
porque no participé en el fenómeno de taquilla
en que se convirtió. Años después, cuando me
ofrecieron el personaje, la ví y me encantó, y no
nada más a mí, sino a mis hijos, quienes tienen 11
y nueve años de edad. Robin Williams está
insuperable, Kirsten Dunst es de verdad
fantástica en su personaje. Todo el elenco es
increíble. A eso se resume mi relación con la
original: la ví hace apenas un año y me fascinó.
Recuerdo que cuando se estrenó se
consideró una producción familiar atípica.
Era una anécdota muy extraña para contarla
en el cine…
De acuerdo. Era una película que mezclaba
géneros de una manera poco vista dentro del
rango de las producciones realizadas para toda la
familia. Había comedia, aventura, acción y
terror, pero hay que ser justos y darle crédito a
que se trataba de una adaptación bastante fiel al
libro que generó todo el suceso de Jumanji. Creo
que el fundamento de su éxito es que se trataba
de un relato que parecía estar diseñado para el
lucimiento del talento de Robin. Era un actor
siempre al límite, por lo que cuando se requería
de un intérprete para dar vida a un personaje en
situaciones extremas, él llegaba para darle
credibilidad a la descabellada premisa, haciendo
creer al espectador que llevaba 20 años atrapado
en una selva.
Cuando tuviste la oportunidad de leer el
libreto de la secuela, ¿qué te hizo decidirte a
participar en ella?
El guion era francamente sensacional. Se trataba
de un texto divertido y emocionante. Soy de los
actores a quienes les gusta encontrar libretos
que sean entretenidos, con el simple hecho de
leerlos, ¿sabes? Por lo general me quedo dormido
a mitad de una lectura; digamos que no soy
 No sólo los juegos
de mesa que son
de prendas son
peligrosos:
ahí está el Jumanji.
precisamente veloz. Y cuando sucede esto,
lo entiendo como un inexorable síntoma de
que no debo hacer la cinta en cuestión. Pero
con ésta fue todo lo contrario porque quería
saber qué sucedería después de cada
situación. Me tenía literalmente
enganchado.
Mira, el personaje me venía de forma
espléndida, pues he interpretado a la chica
popular del colegio toda mi vida,
¿entiendes? Siempre he hecho reír a mis
amigos y he sido líder de grupos con tal de
formar parte. Cuando leí el guion pensé:
“Díos mío, ¡jamás imaginé caracterizar a la
niña admirada de la prepa”, y mira. Es un
sueño hecho realidad, pues sé a la
perfección cómo abordar este rol.
Como mexicano, tengo que mencionar
Nacho Libre. Una de nuestras películas
favoritas estelarizada por ti… ¿Qué
recuerdas de esa filmación?
No podríamos haberlo pasado mejor en
Oaxaca. Eran unas locaciones fastuosas,
pero sobre todo estaba su gente, personas
de primer nivel. Recuerdo a Jared Hess,
director de la cinta, quien había sido
mormón y pasado mucho tiempo en México
antes de hacer la película. Era fan de la
lucha libre; nunca me lo dijo pero estoy
seguro que esa historia era casi
autobiográfica, era un relato sobre él, sobre
su lucha por acoplar esa parte espiritual y la
otra, un tanto rebelde, representada en el
carácter de un contrincante en el deporte.
JUMANJI: WELCOME TO THE JUNGLE ESTRENA
EL 22 DE DICIEMBRE.
TAN MALA QUE
FUE BUENA
De la peor película y su
fascinante historia.
POR ÓSCAR URIEL
JAMES FRANCO SE AVENTURA a contar la
historia del fiasco cinematográfico de nuestros
tiempos en una cinta que fue aclamada en SXSW
y Toronto hace apenas unos meses.
“Tuve la oportunidad de leer el libro The
Disaster Artist porque me llamó mucho la
atención una crítica que leí en The New York
Times.
Me apasionan las historias sobre Hollywood
pero me quedó claro que ésta no se parece a
ninguna otra: se trataba de una de las anécdotas
más descabelladas que había tenido la
oportunidad de escuchar.
Aparentemente, Tommy Wiseau es una
especie de Ed Wood contemporáneo, pero creo
que Tom es todavía más demente que Ed.
Tommy dirigió The Room en 35 mm y en alta
definición al mismo tiempo por ocho meses,
teniendo como escenario principal el
estacionamiento de una tienda de equipo de
cámaras. ¡Imagínate!”, expresa emocionado
Franco, quien funge como director y protagonista
de The Disaster Artist, cinta que recolecta lo que
aconteció detrás de la filmación de la excéntrica
The Room, un drama que pretende hacer
homenaje al realismo norteamericano y a James
Dean. Bueno, eso creemos.
“Cuando le pregunté (a Tommy Wiseau)
sobre a quién consideraría para interpretarle, me
respondió que Johnny Depp. Le traté de explicar
que Johnny es una de las estrellas mas ocupadas
de Hollywodd.
Al fin fue el mismo Greg quien me sugirió
para el rol, a lo que Tommy contestó: ‘No es mala
idea. He visto tus películas. Unas son buenas,
otras son terribles’. Simplemente no pude
contener las carcajadas”, finaliza Franco.
THE DISASTER ARTIST ESTRENA EL 22 DE DICIEMBRE.
DICIEMBRE 2017 31
 EL QUE PEGA
PRIMERO,
PEGA DOS
VECES
Al Gore revisa los efectos del
cambio climático a una década
de An Inconvenient Truth.
POR ANAID RAMÍREZ
“CADA NOCHE, cuando ves los noticiarios
de la televisión, es como abrir el libro del
Apocalipsis. Ha sido un gran cambio, incluso
peor de lo que predijeron los científicos”, le
cuenta Al Gore, el exvicepresidente de Estados
Unidos, a EMPIRE con respecto al
calentamiento global.
Después de 10 años de haber presentado An
Inconvenient Truth (2006), el documental que
expuso a gran escala los efectos del aumento de la
temperatura de la Tierra, el también Premio
Nobel de la Paz en 2007 encontró dos razones
para hacer una secuela de ese filme: la perspectiva
más desalentadora y también la optimista.
“Es obvio que los eventos climáticos ahora
son mucho más destructivos y comunes”, expone
Gore. Y es que las tormentas que en los últimos
meses han azotado a Estados Unidos, México,
Puerto Rico y otros países del Caribe, así como la
disminución del volumen de los glaciares, dan
evidencia de los efectos devastadores del llamado
cambio climático.
32 DICIEMBRE 2017
Pero con el transcurso de esa década también
ha habido avances que dan esperanza, como
acuerdos internacionales, las nuevas tecnologías y
la mayor conciencia de la población, por ejemplo.
“Ahora tenemos la solución”, argumenta el veep,
“es el caso del pueblo Georgetown —la primera
ciudad texana en funcionar con energía 100 %
renovable—, pero también es la historia de India y
de Chile, de México... casi en cada nación”.
Durante la charla también afirma: “En casi
todo el mundo se han firmado nuevos contratos a
favor de una electricidad vía páneles de energía
solar y creo que eso ha ayudado a reducir los
costos. Así me convencí de que era un buen
momento para hacer la segunda parte. Estamos
en el inicio de la revolución de la sostenibilidad
mundial”.
El político, que presentó An Inconvenient
Sequell durante el 15º Festival Internacional de
Cine de Morelia, también habló del papel que
debe ejercer la ciudadanía para proteger el
planeta, pues además de la contaminación hay
que frenar a los hombres de negocios que impiden
un cambio en la materia.
Ante el poder económico que tienen los
mayores emisores de carbono y la fuerza que
pueden tener en los gobiernos, “la única solución
es la demanda de los ciudadanos”, afirma.
Por esta razón, el nuevo filme tiene la
intención de concientizar a la población acerca de
su posibilidad de alzar la voz y su compromiso de
exigir para cuando los gobiernos quieren hacer
caso omiso de los efectos del carbono en nuestra
atmósfera —cof, cof, Donald Trump—.
“Cada gran revolución social tiene grandes
demandas”. Y ahora toca decirle a los políticos:
“Aceptaste el dinero de esos contaminantes; si
quieres nuestro voto vamos a estar más alerta, te
estaremos vigilando y si no haces lo correcto, no
votaremos por ti”.
De esta forma, reflexiona Gore, “cada vez será
más difícil para los políticos continuar sirviendo a
los contaminadores e ignorar a los votantes”.
Dirigida por Bonni Cohen y Jon Shenk, An
Inconvenient Sequell ya ha tenido su respectivo
tour festivalero. Además de Morelia hizo escala en
Sundance, donde recibió ovaciones de pie, y fue
nominado para el premio Golden Eye, que en
Cannes se da a lo mejor del cine documental.
Ante la decisión de Donald Trump de sacar a
Estados Unidos del acuerdo de París firmado en
2016, en donde 193 países acordaron reducir las
emisiones de gases de efecto invernadero, y con el
60 por ciento de los estadounidenses en
desacuerdo con las medidas que está teniendo el
presidente actual, Gore afirma que Trump: “No es
la verdad, sólo es incómodo”.
AN INCONVENIENT SEQUEL: TRUTH TO POWER, ESTARÁ
EN CINES A PARTIR DEL 19 DE ENERO.

Al Gore lanzando una
sonrisa a Trump, de
esas que tienen otro
significado / El
político en una de las
conferencias que da
para crear líderes
ambientalistas.
LOS
TITULARES
Steven Spielberg, Meryl Streep y
Tom Hanks forman un equipo de
ensueño para un drama de la
vida real: The Post.
POR IAN FREER
A FINALES DE FEBRERO DE ESTE
AÑO, la guionista novata Liz Hannah recibió
una llamada telefónica que le cambiaría la vida.
Su primer guion cinematográfico, The Post,
escrito sólo para asegurar a un agente pero que
compró el productor Andy Pascal, ahora estaba
en la mira de, nada menos, tres leyendas de
Hollywood: Steven Spielberg, Tom Hanks y
Meryl Streep. “Me escondí en un rincón por un
tiempo”, dijo y rió. “Pero entonces me di cuenta
de que no era broma, en realidad lo estaban
considerando”.
Y ellos también lo hicieron (lo de reír, no lo de
esconderse). Dirigido por Spielberg, The Post traza
la relación entre la editora del Washington Post,
Katharine Graham (Streep), y el editor ejecutivo,
Ben Bradlee (Hanks), en el momento que tomaron
la difícil decisión que cambió su historia como
pareja, en 1971, al publicar los “Documentos del
Pentágono”, papeles del gobierno filtrados que
expusieron las crecientes muertes de soldados
norteamericanos durante la Guerra de Vietnam.
Tom Hanks y Meryl
Streep ya ensayan su
discurso para el
Dolby Theatre.
Sin embargo, Spielberg quería la película lista
a finales del 2017, por lo que Hannah se asoció con
Josh Singer, ganador del Óscar por Spotlight, cinta
igualmente de temática periodística, para cumplir
con la fecha límite.
“Estábamos bajo una gran crisis de tiempo”,
recuerda Singer. “Creo que escribí más en el lapso
más corto que lo que había escrito antes. Es
desalentador; empiezas con Steven, a quien quieres
agradar, y luego tienes todo el talento de actuación.
Es un estado complicado entre terror y alegría”.
Spielberg mantuvo a ambos presentes durante
la producción, permitiendo tanto a Hannah como
a Singer presenciar a las leyendas dando su mejor
actuación. “No quiero ser hiperbólica, pero es
bastante mágico verlos a los dos”, agrega Hannah.
Aunque ella escribió el guion antes de las
elecciones presidenciales de Estados Unidos,
Hannah da la bienvenida al aura de actualidad que
rodea a la trama desde la ascensión de Donald
Trump a la presidencia. “Hay una gran necesidad
de hacer preguntas”, afirma. “Hay una enorme
necesidad de desafiar a la autoridad. Una necesidad
de no dejar que las cosas vayan a la deriva. Hay
algo importante sucediendo en esa habitación en
donde el público no puede estar. Tratamos de
retratar eso”.
Si The Post se conecta al zeitgeist, también
llega a tiempo para la carrera del Óscar 2018. Dado
el talento, la materia de la vida real y su relevancia,
se convirtió en un favorito de la temporada de
premios sin que nadie vea malicia en ello. “Tienes
que tomar todo eso con un grano de sal”, enfatiza
Singer. “Sólo espero que nuestra escritura esté a la
altura de la dirección y la actuación”. Aún así,
Spielberg, Hanks y Streep suman entre ellos 41
nominaciones al Óscar en su trayectoria. El dinero
inteligente está en The Post.
THE POST ESPERA SU FECHA DE ESTRENO EN MÉXICO.
DICIEMBRE 2017 33
 ¿ACÓMO
ELLITRO
DE
LECHE?
ERICKELÍAS
Toma la leche más cara de México
POR ISA CISNEROS
¿Qué fue lo que hizo que decidieras salir en
Cuando los hijos regresan?
El guion, sin duda, fue lo primero. Cuando lo leí
me divirtió mucho, me vibró para bien y quería
formar parte de ello. Finalmente, cuando me
dijeron el elenco completo, supe que iba a ser un
buen proyecto.
¿Qué sería lo mejor y lo peor de regresar a
casa de tus papás?
Uno sería el que me consientan y me arreglen las
cosas, que llegue a casa y ya está todo listo. Lo
peor sería volver a tener que cumplir reglas y
rendirle cuentas a alguien.
Haciendo memoria de tus inicios como
actor, ¿cuál fue el momento más difícil de
estar en Protagonistas de novelas?
¡Híjole! Ese proyecto fue algo que la verdad no sé si
volvería a hacer, no comparto mucho el tema de los
reality shows pero me divertí mucho, lo tomé como
una buena experiencia. Yo creo que el encierro fue
lo más duro: estuve más de 75 días aislado.
¿Cómo fue tu primer beso actuado?
Creo que fue en un cortometraje que hice en
34 DICIEMBRE 2017
México, pero fue muy relajado. Estaba con la
mentalidad de ser actor, así que nunca lo tomé
muy a pecho.
¿Cuánto cuesta un litro de leche?
Cuesta $70 —ríe e intenta corregirse—: ¿40?
¿Cuál ha sido el momento más vergonzoso
que has tenido en un rodaje?
Pues no recuerdo alguno. Bueno, puede ser uno
donde nos teníamos que meter al mar con ropa,
pero yo no traía calzón y traía ropa blanca, así
que no me podía salir del mar.
Estudiaste diseño industrial; ¿qué fue lo
primero que diseñaste en la carrera?
Fue una lámpara de mesa, pero creo que ya la
tiré. Me acuerdo de cómo estaba hecha y le
faltaba mucha calidad. Tenía una propuesta
interesante pero no estaba bien ejecutada.
¿En qué papel te diviertes más: siendo
protagonista o antagonista?
Uy, pues debo decir que depende totalmente del
proyecto. Pero yo creo que en este caso coincido
con la respuesta de la mayoría: hacer un
FOTOGRAFO: OSCAR PONCE
MAKE UP: HECTOR GUZMAN
STYLIST: KARLA GUINDI
personaje que contraste realmente con tu
personalidad es a lo que más me gusta jugar y
siendo un villano puedo descubrir emociones en
mí que no salen día a día. Me divierto más
haciendo maldades.
Si checáramos tu teléfono ahora, ¿cuál fue la
última canción que escuchaste?
La última que escuche… Ahorita traigo pegada
una de Sofi Tukker, un dúo neoyorkino.
¿Cuál es tu primer recuerdo de chiquito?
Ya no sé si es recuerdo o es por fotos, pero me
acuerdo mucho de una fiesta de cumpleaños, no
sé qué edad tenía... donde estaba disfrazado de
Popeye.
¿Qué es lo más preciado que tienes?
Mis hijas.
¿Qué serie no has podido dejar de ver?
No he podido dejar de ver y de repente todavía
me hecho todo Friends.
CUANDO LOS HIJOS REGRESAN ESTRENA EL 22
DE DICIEMBRE.
 Un
que dura
lo
todo el año
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 C É VER LO QUE VERÁS
Á

+++++EXCELENTE ++++ BUENA +++ PASABLE IBLE

36 DICIEMBRE 2017
CINE
THE SQUARE
++++ AHORA EN CINES /
142 MINUTOS
DIRECTOr Ruben Östlund
ELENCO Claes Bang, Elisabeth Moss
y Dominic West
SINOPSIS Previo a la apertura de su exposición
más importante, el curador principal de un museo
de arte contemporáneo en Suecia se enfrenta
a situaciones que ponen su paciencia y altruismo
a prueba. Desde la campaña mediática del
museo hasta sus relaciones personales, todo
parece estar en su contra.
EL ARTE ES UNA CONVENCIÓN. Es
decir: las maneras o preceptos en las técnicas que
lo forman son elegidos de forma más o menos
deliberada a través del tiempo por distintas
razones y necesidades. Establecemos, entonces,
cuáles serán las políticas que rigen el arte, pero
quizá ello también implica que instauramos
discursos para percibirlo y apreciarlo.
El cineasta Ruben Östlund se pregunta por
esas políticas de una manera peculiar en The
S
Square , sugiriendo que la arena artística es
equivalente o se desenvuelve en la misma
proporción que la arena social. A través de la
exposición —cuyo título da nombre a la
película— que prepara el curador en jefe de un
prestigiado museo sueco, Christian (Claes Bang),
nos encontramos con una serie de críticas ácidas
hacia la moral contemporánea, que se vuelve
interesante desde que la percibimos cifrada por
la migración, las diferencias de clase, las redes
sociales y las relaciones interpersonales.
La placa de la pieza principal de la
exposición reza así: “‘The Square’ es un santuario
de confianza y protección. Dentro de él todos
compartimos las mismas obligaciones y los
mismos derechos”. Y la pregunta que Östlund
arroja al espectador es: ¿acaso somos todos
iguales? Los personajes que habitan el universo
del realizador sueco parecen indicarnos que no
existe tal ecuanimidad, por razones tanto
sencillas como avasalladoras.
La producción manifiesta un discurso fuera
de juicios. Demuestra que todos nos
encontramos en distintos escenarios,
situaciones, condiciones y oportunidades, que
poseemos diferentes privilegios… No obstante,
convenimos como sociedad que tenemos (o
deberíamos tener) los mismos derechos,
aceptamos tácitamente una ficción en donde no
reparamos en dichas diferencias.
The Square es un filme deliciosamente
corrosivo y paradójicamente cuidado en su
manufactura, del mismo modo que el cubo
blanco que ha significado la controversial
idiosincrasia de casi todo espacio museístico.
Emulando la imaginería de cualquier galería
contemporánea, vemos desfilar a una serie de
personajes llenos de neurosis e incómodos
sentimientos de culpa.
El lugar que habitan los protagonistas es una
zona donde a todos se les debe algo, no porque lo
merezcan, sino porque cada uno así lo exige.
Desde ese punto de vista paseamos entre
sátiras que igual reflejan todo lo obsceno de la
caridad, como lo grotesco de la
sobreintelectualización del arte, estableciendo
ejercicios de poder tan divertidos como
desconcertantes, mismos que ya son un sello
personal de Östlund.
El cineasta plantea que, quizá, sólo en lo
salvaje hay algo cercano a la igualdad o a la
justicia. En el momento climático de The Square
irrumpe lo animal, algo que queda fuera de toda
convención. Aquello que no enunciamos, sino
que se da por instinto y deja fuera toda
posibilidad de que lo políticamente correcto
actúe. En el plano de lo bestial no hay juicios,
nada más emociones. ¿No es acaso eso lo que
pretende el arte no narrativo?
En Europa, la corrección política le ha
ganado la partida al criterio, y el irreverente cine
de Ruben Östlund es prueba de ello. El filme
ganador de la Palma de Oro en el pasado Festival
de Cannes es una parada obligada en el cine de
este año y las razones para verlo son
importantes: The Square nos da la oportunidad
de encontrarnos con nuestras culpas y
contradicciones, y al mismo tiempo provoca un
humor que nos lleva de la carcajada a la reflexión.
JULIO CÉSAR DURÁN
VEREDICTO Imperdible si disfrutas el cine
provocativo. Es obligatorio ir a la sala para
encontrarte con la obra de un director que se
está consagrando como verdadero maestro del
séptimo arte.
DICIEMBRE 2017 37
 cine

AN INCONVENIENT Ante una mayor conciencia y dimensión del

problema —que se puede constatar con el Acuerdo
sensación de que la cinta es más un elemento de
propaganda para el político y no una herramienta

SEQUEL: TRUTH TO POWER de París, firmado por 195 naciones en 2016—,

parecería innecesaria una nueva entrega del
documental protagonizado por Al Gore. Sin
para concientizar a la gente so obre el problema.
Los análisis, las visitas a los lugares afectados
y las propuestas de soluciones y su ejecución
+++ AHORA EN CINES /
98 MINUTOS
embargo, el exvicepresidente de Estados Unidos
encontró dos razones para hablar de nuevo del
—energías renovables, exigenc
sociedad civil— son un incentivo para no
l

tema y convertir su discurso en una película: la abandonar la batalla ecológica y dejarle un planeta
D
DIRECTORES Bonni Cohen y Jon Shenk claridad de las consecuencias ambientales de los más saludable a las siguientes generaciones:
gases invernadero y, por fortuna, una más amplia “Pelea como si tu mundo dependiera de ello”, es
S
SINOPSIS Tras cumplirse 10 años de An y viable línea de soluciones. una de las reflexiones que recalca el filme.
I
Inconvenient Truth, Al Gore es de nuevo la guía La cinta, que ahora dirigen Bonni Cohen No podían excluirse los disparatados e
para hacer una revisión del impacto del cambio
p y Jon Shenk, arranca con presentadores ignorantes discursos del actual presidente del país
climático y dónde está parada la humanidad
c de noticias que hace 10 años demeritaron del norte: Donald Trump, quien se ha ganado el
ante ese problema mundial.
a las consecuencias del calentamiento global repudio de millones —entre muchísimas otras
y tacharon de loco, ante el estreno de la cinta de cosas— ante su decisión de sacar a Estados Unidos
Gugghenheim, a Al Gore y con él a todos los del Acuerdo de París y no destinar presupuesto a
ambientalistas. La oportunidad del Premio Nobel la lucha contra el cambio climático. Incluso este
SI HACE UNA DÉCADA, cuando de la Paz de defender la otra postura es lo que personaje podría ser la verdadera razón incómoda
estrenó el controversial documental An verás durante el resto del metraje. que motivó la realización de la secuela.
IInconvenient Truth (Davis Guggenheim), Lo que viene es la suma de imágenes de ANAID RAMÍREZ
alguien dudaba de los efectos del archivo de los efectos del cambio climático y otras
calentamiento global, ahora es testigo de esos tomas en donde la cámara sigue fielmente a Gore VEREDICTO Aquí no encontrarás algo revelador y
hechos: el incremento del nivel del mar, que en sus labores de cabildeo mientras da sin precedentes. Sin embargo, las escenas de
ha impactado ciudades costeras de países conferencias para crear a líderes ambientalistas y los desastres naturales no dejan de sentirse
como Estados Unidos, Francia y Costa de en uno que otro momento personal. Al darle más como un balde de agua fría; el lado opuesto lo
Marfil o el aumento anual de fuerza de las voz a quien buscara la presidencia de Estados verás en las imágenes satelitales y silentes de
tormentas tropicales. Unidos en el año 2000, de momentos da la nuestro planeta.

38 DICIEMBRE 2017
D
TODO LO DEMÁS
+++
ESTRENO 1 DE DICIEMBRE / 98 MINUTOS
DIRECTORA Natalia Almada
ELENCO Adriana Barraza y Alejandro de Icaza
CON UN RITMO LENTO, a fin de hacer
énfasis en la rutina, Natalia Almada cuenta la
historia de doña Flor y su constante lucha
contra la soledad, la invisibilidad, los
hábitos, recuerdos y miedos de una mujer de
edad madura a quien, parece, la vida no
tiene nada más que ofrecerle.
Interpretada magistralmente por Adriana
Barraza, doña Flor transita entre un camino
casi de silencios y los largos trayectos en el
metro, topándose con los rostros de la
cotidianidad de la CDMX sólo para hacer
visible que todo le es intrascendente.
Los gestos y detalles marcan la pauta
de la trama, cuya temporalidad es un juego
de recuerdos que apenas se asoman para
sugerir que un signo de compasión puede
devolverle la fe a una persona. ALA
EL HIJO DE PIE GRANDE
++
ESTRENO 8 DE DICIEMBRE / 92 MINUTOS
DIRECTOR Ben Stassen y Jeremy Degruson
VOCES Cinda Adams, Bob Barlen
y Laila Berzins
ASÍ COMO BUSCANDO A NEMO, Hotel
Transylvania e Isla Calaca, la animación belga
que aquí te presentamos habla sobre la
búsqueda de identidad al crecer a partir de
un conflicto entre padre e hijo. Todo
comienza cuando Adam descubre que no es
fortuito que su cabello crezca un centímetro
cada día y sus zapatos se rompan por el
tamaño de sus pies: su papá es Pie Grande.
Creada por los mismos productores de
La casa mágica, la cinta fluye en animación
y procura hacer lo mismo en cuanto refiere a
la historia y sentido de aventura; sin
embargo, no está exenta de obviedades que
los niños descubren fácilmente. Pese a esto,
puede ser entretenida para los chicos. AR
CINE
ABRIL Y EL MUNDO
EXTRAORDINARIO
++++ ESTRENO 1 DE DICIEMBRE /
105 MINUTOS
DIRECTORES Christian Desmares y Franck Ekinci
VOCES Marion Cotillard, Philippe Katerine
y Jean Rochefort
SINOPSIS Como muchos científicos de su tiempo,
Abril vive en la clandestinidad. La joven se refugia
con su gato Darwin en los lugares más
inesperados de París para inventar un elixir que
asegure la inmortalidad de las especies, hasta
que un día recibe el llamado de sus padres,
quienes fueron secuestrados 10 años atrás, y
descubre una misteriosa conspiración.
CIERTAS PRODUCTORAS DE CINE
ANIMADO han provocado que se asocie ese
género con musicales, cuentos de hadas e
historias un tanto simples. Afortunadamente no
deja de haber propuestas que esquivan los
lugares comunes y logran captar así la atención
de público infantil y adulto por igual. Tal es el
caso de Abril y el mundo extraordinario (Avril et
le monde truqué).
La producción ganadora en la edición 2015
del Annecy, el festival de cine animado por
excelencia, no deja a un lado el toque fantástico
para aprovechar al máximo su formato. La
aventura que Christian Desmares y Franck Ekinci
te presentan es la de un mundo ficticio donde los
mejores científicos desaparecen jóvenes y la
humanidad debe conformarse con inventos
básicos, explotando a todo lo que da el carbón y
luego, tras acabar con las minas, la leña. Ante una
inminente crisis energética, la deforestación
provoca una guerra intercontinental.
En ese contexto conoces a Abril (Marion
Cotillard), una chica que vive en una París de
1941 gobernada por Napoleón V. La joven
desarrolla a escondidas inventos químicos para
darle continuidad a lo que aprendió de sus
padres, hombres de ciencia secuestrados 10 años
atrás, y crear la fórmula de la inmortalidad.
Acompañada de su gato parlante —llamado
Darwin y con voz de Philippe Katerine— y de un
infiltrado de la policía, Julius (Marc-André
Grondin), la heroína pronto se involucra en una
misión para dar con los líderes de una
conspiración y reencontrarse con su familia.
Como notarás, la acción predomina en esta
cinta, pero entre cada momento a contrarreloj y
las persecuciones hay tiempo para reflexionar
sobre luchar por los intereses propios y
comunes, del cuidado al medio ambiente y las
bases irracionales que suelen tener los conflictos
bélicos, así como la facilidad con la que el bien y
el mal pueden diluirse. En resumen, hará pensar
a los más chicos como pocos filmes de
clasificación A lo han logrado.
La animación hace lo suyo para aportar al
sentido de aventura y a las expresiones de los
personajes —no necesitas un motion capture 3D,
Steven Spielberg—. Inspirada en el universo
gráfico de Jacques Tardi, quien aparece en los
créditos del filme como diseñador gráfico, la
imagen es más tradicional y tiene un trazo
sencillo pero con mucho cuidado al detalle.
Habrá tomas que te harán sentir como si
estuvieras leyendo un libro ilustrado, deseando
con ansias pasar a la siguiente página.
Y sí, el rol protagónico aquí cae sobre los
hombros de una mujer, pero no por ello te
encontrarás en absoluto con el cliché de
princesa. Al mero estilo de Coraline (Coraline) y
Marjane (Persépolis, que comparte productores
con la cinta de la que aquí hablamos), Abril está
dispuesta a ensuciarse las manos para defender
su ideología y su lugar en el mundo.
ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Funciona muy bien para presentarle
a los niños una animación que los saque de su
zona de confort. Una película que no juega
con las emociones pero sí con las ideas, por lo
que puedes ir libre de pañuelos y con la mente
muy despierta.
DICIEMBRE 2017 39
 CINE
BATTLE OFTHE SEXES
ESTRENO 24 DE NOVIEMBRE/
++++ 121 MINUTOS
DIRECTORES Jonathan Dayton y Valerie Faris
ELENCO Emma Stone, Steve Carell, Andrea
Riseborough, Bill Pullman y Elisabeth Shue
SINOPSIS Enojada con razón por no recibir el
mismo sueldo que los hombres, la estrella del
tenis, Billie Jean King (Stone), y otras jugadoras,
forman su propia gira a manera de protesta.
Viendo la oportunidad, la exestrella masculina
Bobby Riggs (Carell) las reta a una “batalla de los
sexos”: un partido para resolver el debate de una
vez por todas.
40 DICIEMBRE 2017
LAS PELÍCULAS DE TENIS SON
COMO LOS AUTOBUSES. Nada durante
años, luego dos en el espacio de dos meses:
primero Borg vs McEnroe y ahora Battle of the
Sexes. Jonathan Dayton y Valerie Faris
dramatizaron el recuento del partido de 1973
entre la reina del tenis, Billie Jean King, y el
exganador del US Open, Bobby Riggs: una
escaramuza histórica en la lucha políticamente
cargada por los derechos de las mujeres.
El partido alcanzó una asombrosa audiencia
global de 90 millones de personas y se le atribuye
ampliamente el aumento de tenistas en el
mundo.
Pero el cambio estaba en el aire: en el mismo
año (y en el punto de partida para esta cinta), con
King al frente y al centro, se encontraban las
principales jugadoras que abandonaron la
Federación Internacional de Tenis, dominada
por hombres hasta entonces, para formar la
Asociación de Tenis Femenino. Y como resultado
directo de esta hazaña, ese año el US Open
premió con el mismo monto económico tanto a
los campeones masculinos como a las femeninas.
Estos hilos de la historia se entrelazan en la
película junto con otra revolución más personal
en la vida de King: la constatación de que, a pesar
de tener un matrimonio feliz, ella es gay.
Hasta ahora y con tan buen tino, Dayton y
Faris —quien dirigió la encantadora Little Miss
Sunshine— han creado otro filme muy agradable,
tan ligero como su figura central. Gran parte del
encanto proviene del estudiado reparto.
Emma Stone, la modesta pero motivada
Billie Jean, es muy atractiva, capturando el
carisma y la inteligencia de una estrella del tenis
mientras persigue con pasión su causa y la
confusión privada sobre sus sentimientos hacia

Las chicas y su gira
de cero tornillos /
Se establece la
batalla / Billie Jean
King tiene confusión
en el corazón por el
bombón que es
Marilyn, la estilista /
No por ser femenino
no merece ser
remunerado por
igual.
la peluquera Marilyn (Riseborough). Steve
Carell, mientras tanto, es perfecto como el
colorido y controvertido Bobby. En realidad no
tiene ningún sentido político a pesar de sus
insolentes exclamaciones (“Volveré a poner el
‘chou’ en chovinismo”). En su lugar, está
aburrido de ser un fantasma y sólo hace todo lo
posible por llamar la atención.
Visualmente se aprovechan del color de los
años 70: desde los vestidos de tenis hechos a
medida del estilista Ted Tinling (Alan Cumming)
hasta el cielo azul y el sol dorado de los
escenarios.
Y a pesar de todos los problemas serios que
se exploran, los directores y el guionista, Simon
Beaufoy, mantienen un descarado sentido del
humor.
Una escena destacada es la desastrosa
reunión de Riggs en Jugadores Anónimos en la
cual, para horror del líder del grupo, pone sobre
la mesa la muy mala idea de que el problema para
los asistentes a la institución es que simplemente
“no son muy buenos en eso”.
Es una cinta que comunica de forma
verosímil el sentido de la posibilidad: incluso el
ridículo espectáculo del partido, con un cerdo
(para los autoproclamados machistas) corriendo
por la arena, aumenta la sensación de que algo
bueno está por pasar. Estamos frente a la
celebración de una época en donde un partido de
tenis y un puñado de mujeres decididas podrían
cambiar el mundo para bien. Si tienes corazón,
amarás este filme que trata simplemente de
juego, set y partido. LIZ BEARDSWORTH.
VEREDICTO Un tema ligero, gracioso y felizmente
entretenido sobre temas complicados aunque,
por desgracia, todavía relevantes.
CAMINO A MARTE
++++
DIRECTOR Humberto Hinojosa
ELENCO Luis Gerardo Méndez, Tessa Ía
y Camila Sodi
ESTRENO 1 DE DICIEMBRE / 95 MINUTOS
SINOPSIS Dos amigas emprenden un viaje a
Balandra, una playa en el norte de México,
teniendo en su contra la amenaza de una
tormenta y la enfermedad de una de ellas.
En el camino se encuentran a un joven de
personalidad extraña con quien vivirán
aventuras que podrían ayudarlas a adoptar
una nueva perspectiva de la vida.
“ES RARA”, DICEN ALGUNOS. “Es
conmovedora”, comentan otros. Lo cierto es
que es una película que aporta frescura a la
oferta actual del cine mexicano en medio de
la vorágine de comedias románticas que casi
cada semana llegan —y no es queja— a la
cartelera, por lo que una historia como ésta
se agradece.
La nueva propuesta del cineasta
Humberto Hinojosa se vuelve aún más
arriesgada que en anteriores trabajos, como
I hate love u Oveja negra, pues en este filme
las protagonistas —Tessa Ía como Emilia y
Camila Sodi como Violeta— se enfrentan a
Mark (Luis Gerardo Méndez), un personaje
del que, de inicio, no sabes ni de dónde
viene ni qué pretende, pero gracias a su
inocencia plantea preguntas y situaciones
para reflexionar.
En una atmósfera que revela el desierto
y las playas de Baja California de manera
hermosa pero al mismo tiempo apocalíptica,
a través de unos cielos y horizontes
trabajados con sutiles efectos especiales,
cada personaje y su importancia parece
cambiar de un momento a otro sólo para
invitarte a pensar sobre el presente, acerca
de la importancia del ahora.
Camino a Marte no deja de lado la
sensualidad, el poder de la juventud, la
libertad de la sexualidad, la vitalidad de la
amistad y la belleza de lo humano y lo que,
aún sin entenderlo, rodea su existencia y sus
decisiones. ANA LUCÍA ALTAMIRANO
VEREDICTO Tiene que estar dentro de tus
planes si quieres acercarte a una visión
conmovedora y nostálgica, pero diferente,
en las propuestas nacionales de cartelera
y que, por serlo, puede tomar elementos
casi absurdos con el único fin de hacerte
testigo y cuestionar acerca de tu felicidad
y tiempo.
DICIEMBRE 2017 41
 CINE

UNABELLALUZ “TE ADMIRO. Eres encantadora, pero mi

mujer es extraordinaria”, son algunas de las
artista plástica de París, dan pie a reflexiones
serias acerca de la soledad, la compañía y el

INTERIOR frases con las que se debe topar la Isabelle de

++++ ESTRENO 15 DE DICIEMBRE /
94 MINUTOS
DIRECTORA Claire Denis
ELENCO Juliette Binoche, Xavier Beauvois
y Nicolas Duvauchelle
SINOPSIS Isabelle (Juliette Binoche) es una pintora
parisina y madre que, luego de su divorcio, desea
encontrar el verdadero amor. Entre sus citas con
viejos romances, encuentros fortuitos con nuevos
rostros y lecciones de desconocidos, la artista se
encuentra en un ir y venir de emociones.
Juliette Binoche en el nuevo filme de la directora
Claire Denis (Una bella luz interior / Un beau
soleil intérieur).
Y no es que sus compañeros de elenco no
admiren su belleza y talento, sino que la actriz
ganadora del Óscar (The English Patient)
encarna a una mujer que intenta dejar atrás un
divorcio con la ayuda de diversos amantes de
ocasión... pese a que ella busca algo verdadero y a
largo plazo.
Retomando algunas ideas de Fragmentos de
un discurso amoroso, de Roland Barthes, Denis y
su coguionista, Christine Angot, conducen a
Isabelle por una serie de meollos que le dejan
algunas lecciones amorosas, aunque no siempre
las conserva. Las vivencias del personaje, una
enamoramiento, pero —y es lo que hace única a
esta pieza de Denis— a partir de situaciones de
elegante comedia que se insertan cuando menos
lo imaginas.
Las risas aparecen al encontrarte con lo
absurdo de un momento casual y cotidiano: una
confesión dentro de un baño que provoca llanto
y éste se convierte en carcajada en sólo cuestión
de segundos, para luego volver al desasosiego del
personaje de Binoche.
Las contrariedades de la inquieta
protagonista y las de sus affairs igualmente son
algo que te hará reír; bien dice el dicho: “Es
gracioso porque es real”.
La elegancia de Un beau soleil intérieur no
sólo reposa en su ejecución del humor y la
contundencia de los diálogos: su técnica también

42 DICIEMBRE 2017

Ni Juliette Binoche
aguanta la
carcajada nerviosa
en una cita /
Isabelle (Binoche)
descansando de los
tacones / El duelo
con el amante / La
protagonista
recibiendo consejo
de un amigo.
va en concordancia. Hay una escena, por
ejemplo, donde Isabelle conversa con su amante
Vincent (Xavier Beauvois): mientras el lente se
mueve horizontalmente frente al rostro de cada
actor, como un péndulo que avanza y regresa
despacio, de forma tan cadenciosa como la
música que escuchan los personajes en el bar, las
palabras del sujeto intentan marear a la artista,
pero la determinación de Isabelle le pone un alto
a ese ir y venir de la cámara y a una relación que
no va hacia ningún lado.
Por fortuna, tú no querrás detener la trama.
Claire (White Material) te convence de seguir al
lado de Isabelle gracias a sus ocurrencias,
disparidades y tropezones. Ese personaje se
quedará por un buen rato en tu cabeza, tanto por
sus prendas favoritas —una chamarra de piel y
unas botas de licra larguísimas y de tacón alto,
son su must para seducir—, como por la propia
interpretación de la actriz. Binoche, con las risas
ligeras y los puntos de quiebre que aquí te regala,
se convierte en la luz interior del filme.
Es posible que la Isabelle de esta cinta te
haga recordar por momentos a la Gloria de
Paulina García (Gloria, de Sebastián Lelio), otra
mujer que, luego de una separación, vive su
“segundo aire” como toda una adolescente. La
diferencia entre una y otra la da el contexto que
las rodea: una chilena y otra francesa, pero
ambas mujeres, en su búsqueda de una alegría
liberadora, te contagian de su energía y
satisfacción. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Prepárate para reír y hacer catarsis
con escenas que te muestran lo absurdo que
llegas a hacer por amor, y también para una
interesante lección en voz de un oportuno
Gérard Depardieu.
WONDER
+++
ESTRENO 8 DE DICIEMBRE / 113 MINUTOS
DIRECTOR Stephen Chbosky
ELENCO Jacob Tremblay, Julia Roberts
y Owen Wilson
EL NUEVO PROYECTO DE Stephen
Chbosky, Wonder, presenta a Auggie (Jacob
Tremblay), un niño que parecería tener la
vida perfecta: una familia amorosa y todos
los juguetes que desea, pero quien sufre una
deformidad facial que lo ha obligado a
estudiar en casa. El filme arranca justo
cuando da el gran paso de continuar su
educación en el sistema escolarizado.
El director muestra aquí su habilidad
para contar historias sobre madurez y
crecimiento pero, al tratarse de una cinta
familiar, extrañarás el sello ácido y atrevido
que mostró en The Perks of Being a
Wallflower. Se trata de una “feel good
movie” en toda la extensión de la palabra:
entretenida, esperanzadora y emotiva. SDT
CÓMPLICES
++
ESTRENO 15 DE DICIEMBRE / 90 MINUTOS
DIRECTOR Luis Eduardo Reyes
ELENCO Arath de la Torre, Jesús Zavala
y Marina de Tavira
JUAN (ARATH DE LA TORRE) es un
conquistador imparable; su sobrino,
Mauricio (Jesús Zavala), prefiere el
romanticismo. Cuando se ven obligados a
viajar juntos a las playas del Caribe empieza
un choque de personalidades, y no es difícil
predecir que uno aprenderá del otro, pero
Reyes se ve ágil al no ofrecerte un desenlace
por completo rosa.
Seguro en las primeras escenas te
toparás con algunos discursos un tanto
machistas, pero luego Reyes intenta
reivindicarse con la oportuna llegada de
Susana (Marina de Tavira). El resultado
entretiene, pero no contiene la comedia que
promete o pareciera tener. AR
DICIEMBRE 2017 43
 CINE
SUBURBICON
++ ESTRENO 24 DE NOVIEMBRE/
104 MINUTOS
DIRECTOR George Clooney
ELENCO Matt Damon, Julianne Moore, George
Clooney, Noah Jupe y Oscar Isaac
SINOPSIS En los Estados Unidos de los 50, el
vecindario de Suburbicon se estremece con la
llegada de una familia negra, los Meyers (Karimah
Leith M. Westbrook, Burke y Tony Espinosa), que
serán discriminados. Del otro lado de la calle,
Gardner Lodge (Matt Damon) sufre un
allanamiento de morada y necesita convencer a
un muy profesional y entregado investigador de
seguros peor que uno de los de Hacienda.
44 DICIEMBRE 2017
EL PRINCIPIO DE SUBURBICON, de
George Clooney, es familiar pero divertido: un
promocional de un vecindario estadounidense
de los 50, descrito como “una mezcla de
diversidad”, pero exclusivamente blanco,
donde los niños juegan a atrapar la bola, las amas
de casa chismean y el cartero conoce a todos
por su nombre de pila.
Dentro de este lugar idílico, el filme de
Clooney entreteje dos líneas narrativas: una
basada en un guion medio noir y de poca monta
de los hermanos Coen y otra de un drama sobre
los derechos civiles inspirada en un incidente de
la vida real en Levittown, Pennsylvania.
El resultado es un híbrido raro, con los
corazones negros de los Coen mezclándose con
el corazón liberal de Clooney, y el resultados es a
veces entretenido pero va de un lado a otro
tonalmente y termina por ser desconcertante.
La película inicia con la trama del racismo de
pueblo chico. El cartero arquetípico le entrega
una carta a la Sra. Meyers (Westbrook),
horrorizándose cuando se da cuenta de que es
negra (inicialmente cree que es la sirvienta). La
llegada de los Meyers desata oprobio, una
reunión de emergencia en la alcaldía y, en una
reacción de proporciones Trumpianas, una cerca
construída alrededor de la casa de los Meyer (sí,
huele a muro).
Clooney entrega algunos momentos de la
vida de los Meyers —al ir a la tiendita, la señora
Meyers descubre que el precio de la leche
aumenta de súbito a 20 dólares sólo para
ella— pero ultimadamente su historia es dejada
de lado por la de los Coen.
Excepto por su hijo Tony (Espinosa), los
Meyers nunca son personajes por derecho
propio. Son dignificados y estoicos ante el odio,
pero no se les da dimensión ni matiz alguno. Al
final sabemos de ellos tan poco como al principio.
Del otro lado de la calle está Gardner Lodge
(Damon), casado con Rose (una rubia Moore),
amargada y en silla de ruedas debido a un
accidente de auto, su hijo Nicky (Jupe) y
comparten la casa con la hermana de Rose (una
castaña Moore). Sus vidas son alteradas por un
allanamiento de morada que da inicio a un
desgastado nexo de decepción, planes frustrados
y partes corporales acumuladas. Esta sección es
el problema. Clooney no tiene nada nuevo que
decir sobre lo que se esconde tras las cercas de
los años 50.
También es un trabajo parchado en cuanto a
tonos y emociones, desde una comedia (Damon
en la bici de un niño) hasta un drama social (un
disturbio racial) vía el sadomasoquismo del
personaje del mismo Damon.
El tenor irónico de los Coen sale a
momentos, pero en otros parece como si hubiera
sido dirigida por Douglas Sirk, Alfred Hitchcock,
Stanley Kramer y el David Lynch de la época de
Blue Velvet. Sin embargo, la mayor falla de la
película es que Clooney nunca logra unir ambas
historias, ya sea narrativa, tonal o
temáticamente, y la mayor perdedora es la
historia sobre intimidación racial soltada en un
mundo claramente “Coenesco”, sin espacio para
desarrollarse, que representa el tipo de
marginalización que sientes que Clooney
aborrece. Los eventos reales de Levittown
merecían algo mejor.
Hay cosas rescatables: Clooney muestra
hábilmente la desconfianza de un niño (Jupe es
excelente) —una pelea violenta vista desde bajo
la cama de Nicky es particularmente efectiva—.
La realización es pulida, desde los visuales
atractivos de Robert Elswit hasta la pista sonora
de Alexandre Desplat.
Y Oscar Isaac como el investigador de una
aseguradora, un “escéptico profesional”
buscando pistas de Moore, es una delicia. Pero es
una lástima que esté en un filme diferente a los
demás, porque en el que está se ve excelente.
Entenderíamos a un Clooney buscando su
propio estilo pero perdió a Suburbicon. Con
buenas intenciones hubieran descoenizado el
guion y después clooneyzarlo para tener algo
decente que ver. IAN FREER
VEREDICTO Suburbicon es una bestia extraña:
un film noir de los 40, estilo Coen, catapultado
a un drama racial de los 60 estilo Clooney,
envuelto con una sátira estadounidense de los
50 como ninguna otra. Un ejercicio interesante
con un resultado inesperado.
DICIEMBRE 2017 45
 cine
LOVING VINCENT
++++ AHORA EN CARTELERA /
94 MINUTOS
DIRECTORES Dorota Kobiela y Hugh Welchman
ELENCO Douglas Booth, Robert Gulaczyk
y Saoirse Ronan
SINOPSIS Armand Roulin (Booth), hijo del
cartero de Vincent van Gogh, tiene la misión de
entregar la última carta que el recién fallecido
escribió, sin saber que en el camino se
involucrará en el misterio del repentino suicidio
del artista neerlandés.
QUÉ MEJOR FORMA de rendir
homenaje a Vincent van Gogh que con una
animación imitando su técnica en óleo e
involucrar en ese relato, de manera esencial,
uno de los más importantes ejercicios en la
cotidianidad del pintor: escribirle cartas a su
hermano Theo.
La biopic del pintor es un cuadro muy
ambicioso de los realizadores Hugh Welchman
y Dorota Kobiela. Por un lado está el aspecto
técnico, el cual implicó que 125 pintores —entre
ellos, la mexicana Mayra Hernández—
realizaran juntos alrededor de 65 mil piezas de
46 DICIEMBRE 2017
óleo sobre lienzo para sustituir con ellas las
imágenes que, previamente, se habían capturado
con actores reales sobre green screen.
El resultado es de tal calidad que hay escenas
en las cuales incluso percibes el empaste del óleo.
Te será inevitable abrir más los ojos con el
movimiento de cada escena o la suma y resta de
luz y sombra, lo cual implica detallados, pero
notorios, cambios de saturación en la pintura.
Quizá también fue un desafío la forma en que
se podía abordar la historia de van Gogh (Robert
Gulaczyk en esta versión).
Entre las ya varias cintas biográficas acerca
del mismo personaje era necesario hacer una
distinción narrativa. Aquí no conoces sus
aventuras a través de sus propios ojos, más bien se
cuentan desde la perspectiva de un tercero,
Armand Roulin (Douglas Booth).
Recorrer la vida de Vincent de esa forma,
guiado por el hijo de su cartero, encuentra su
“pretexto” en una asignación del propio empleado
del servicio postal: Joseph Roulin (Chris O'Dowd)
le pide a Armand entregarle a Theo (Bartlomiej
Sroka), directamente en su mano, la última carta
que escribió el pelirrojo.
La misión se convierte en un odisea para el
joven Roulin: va de un lado a otro y lidia con varios
personajes, cada uno describiéndole un
fragmento en la vida de van Gogh.
Los diálogos que van armando este
rompecabezas funcionan para confundir a
Armand (y a ti como espectador) con la finalidad
de jugar con los prejuicios, pero también para
eliminarlos paulatinamente: “La vida puede
acabar hasta con el más fuerte”, dice en una de sus
líneas el mayor de los Roulin.
Así que más que al óleo, esta película
biográfica huele a una cinta de crimen que fluye
como las pinceladas del artista. En Loving Vincent
no hay cábida para los diálogos de relleno, pero sí
para los flashbacks que se presentan en cuadros de
escala de grises y para dimensionar las lecciones
personales que el pintor dejó entre quienes lo
rodearon en vida.
Este tipo de relato permite asimismo que la
técnica de animación aporte nostalgia al filme.
Hay escenas que lucen como si los cuadros de van
Gogh cobraran vida o fueran sutilmente invadidos
por los personajes que arman esta historia
—muchos de ellos fueron retratados por el propio
artista—; te emocionará ver “La habitación de van
Gogh en Arles” o uno de sus tantos autorretratos,
por ejemplo.
Sin embargo, seguro los momentos que más te
fascinarán serán las transiciones que hilan una
pintura con otra, tanto que casi podríamos apostar
que se te saldrá una lágrima traicionera cuando a
“La noche estrellada” le llegue el turno de
“diluirse”. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Si buscas una película que toque tus
emociones, debes considerar Loving Vincent al
formarte en la taquilla; convierte el arte y vida
de van Gogh en una experiencia en movimiento.
THE FOREIGNER
+++
ESTRENO 29 DE DICIEMBRE / 113 MINUTOS
DIRECTOR Martin Campbell
ELENCO Jackie Chan, Katie Leung
y Pierce Brosnan
¡JACKIE CHAN ESTÁ DE REGRESO! De
nuevo se presenta en el rol del hombre
inteligente y que las puede todas para lograr
su objetivo; en este caso, vengar el
asesinato de su hija, que ocurrió en un
ataque terrorista. Así inicia una persecución
entre su personaje, Quan Ngoc Minh, y Liam
Hennessey (Brosnan), un trabajador del
gobierno británico relacionado con los
ataques que Londres ha estado enfrentando.
Como se esperaría de una cinta
protagonizada por Chan, es él quien tiene
los planes maestros y el que supera
cualquier escena de acción, haciendo que el
público quede en suspenso y espere la
vuelta de tuerca entre las historias
secundarias de traición e intriga. ALC
120 LATIDOS POR MINUTO
++++
ESTRENO 1 DE DICIEMBRE / 140 MINUTOS
DIRECTOR Robin Campillo
ELENCO Nahuel Pérez Biscayart, Arnaud
Valois y Adèle Haenel
CON ESTA PRODUCCIÓN conocerás al
grupo de activistas Act Up, iniciado en París
a principios de los 90 para crear conciencia
en la sociedad acerca del VIH, combatir la
negligencia gubernamental al respecto y
exigir derechos médicos a los portadores.
En medio de esto te conviertes en testigo de
la relación que surge entre Nathan (Arnaud
Valois) y Sean (Nahuel Pérez Biscayart),
quien es seropositivo.
El cine ya ha contado el tema, pero lo
que logra Campillo es único: te sumerge en
los debates para vivirlos como si estuvieras
ahí, y sus movimientos de cámara (llenos de
energía) te hacen sentir el arrojo de los
jóvenes luchando contra las injusticias. SDT
CINE
AGHOSTSTORY
+++ ESTRENO 15 DE DICIEMBRE /
92 MINUTOS
DIRECTOR David Lowery
ELENCO Casey Affleck, Rooney Mara
y Will Oldham
SINOPSIS La mudanza que planean el músico C
(Affleck) y su esposa M (Mara) provoca algunas
riñas. Un día él fallece y su espíritu sigue a M
hasta su casa, donde C queda atrapado para
atestiguar el paso del tiempo.
UNA CITA DEL CUENTO A Haunted
House, de Virginia Woolf, es el prólogo de la
nueva película de David Lowery: “Whatever hour
you woke there was a door shutting”; así que,
aunque es el relato de un fantasma, no esperes la
nueva aventura de Gasparín, sino el deambular
de una sábana en busca de su tesoro y de darle
sentido a su (no) existencia.
Nominada en el Festival de Sundance y
ganadora de varios premios en Sitges y Deauville,
la cinta te acerca a la pareja conformada por C y
M en medio de una serie de discusiones y
desacuerdos respecto a su próxima mudanza. Las
escenas de la intimidad de los enamorados
concluyen con una toma de él sobre el volante de
su carro, ensangrentado, y después con una de M
reconociendo el cuerpo de su esposo sobre una
plancha de la morgue.
Luego de que el muertito se endereza
cubierto por la tela blanca que lo tapaba en el
sanatorio, empieza a seguir los pasos de su pareja
hasta su casa. A partir de ahí, el filme se convierte
en una especie de odisea, pero en lugar de
moverse el fantasma hacia otros destinos, estos
llegan a él.
El comienzo del viaje es el duelo de M:
prepárate para ver a una Mara sobriamente
deprimida, en escenas de composiciones simples
pero llenas de emotividad, sobre todo por los
sonidos de fondo. Y es que el fallecimiento de C
provoca que los diálogos se suplan
metafóricamente por la banda sonora; seguro
entenderás al ente, quien en vida fue músico, por
cada canción que acompaña su lamento.
La necesaria huida de M provoca el
“abandono” de C en el hogar, pues él no puede
salir de la construcción. De esta forma llega una
familia latina. Luego, algún otro inquilino
sorprende al espectro con un festín masivo y un
discurso —del tipo honesto y filosófico que a
veces destapa el alcohol— acerca de la
permanencia y la trascendencia: “Pero haces lo
que puedes para asegurarte de que seguirás ahí
después de que te hayas ido”, recita el invitado.
Todo transcurre con un uso mínimo de los
diálogos. Sin embargo, esa ausencia se compensa
por las reacciones de los personajes ante lo que
ocurre más allá de tu alcance visual: los extraños
sonidos de la medianoche y la manera en que los
personajes se dirigen y dan referencia a lo que
existe fuera del encuadre. Sin palabras te hacen
sentir angustia, miedo y tristeza.
Te atrapará también el estilismo de la
imagen, tanto por la iluminación como por la
simetría que prevalece en la mayoría de los
encuadres y el escaso movimiento de la cámara,
muy al estilo de Terrence Malick.
Si los silencios son efectivos, se debe a la
expresividad de los actores. Digamos que Affleck
y Mara ya dominan el estilo de Lowery, pues
antes estelarizaron el tercer filme del cineasta,
Ain’t Them Bodies Saints.
Seremos sinceros y te advertimos que habrá
momentos contemplativos dignos de retar a tu
paciencia, incluso pensarás que el relato pudo
contarse en muchísimo menos tiempo —y eso
que apenas dura una hora y media—, pero luego
de superar esas secuencias, que se concentran en
el primer tercio de la cinta, verás que valió la
pena. Será como disfrutar de una rebanada de
pay cocido a fuego lento. ANAID RAMÍREZ
Veredicto Para quienes gustan de filmes
efectivos en emociones y reflexiones. Hay
momentos en los que la fusión de las
imágenes con las canciones te erizarán la piel.
DICIEMBRE 2017 47
 CINE

SNOWMAN DOS VECES EN LOS ÚLTIMOS 12

++ AHORA EN CINES /
119 MINUTOS
DIRECTOR Tomas Alfredson
ELENCO Michael Fassbender, Rebecca Ferguson,
Charlotte Gainsbourg, J.K. Simmons, Val Kilmer,
Toby Jones y Chloë Sevigny
SINOPSIS Basada en una novela del autor noruego
Jo Nesbø, es una pieza más de la escena
scandinoir. Mientras investiga un caso de
personas desaparecidas, el detective noruego
Harry Hole (Michael Fassbender) se da cuenta
de que en realidad está tras un asesino serial
que ha dejado cadáveres como paletas heladas
por todo Noruega.
MESES Michael Fassbender ha intentado
iniciar una franquicia —Assassin’s Creed y The
Snowman— y en ambos casos parece que la cosa
no pasará de la primera producción.
Fassbender es Harry Hole, una mala figura
paterna, ebrio y el mejor detective de la policía
de Oslo. Sólo necesita un caso en el cual
centrarse. Corte a la recluta Katrine Bratt
(Rebecca Ferguson), quien lo deja acompañarla a
su caso de personas desaparecidas que, obvio,
resulta ser más de lo que parece, particularmente
su relación con una buena cantidad de casos no
resueltos y una tarjeta de presentación inusual:
cada víctima es encontrada junto a un hombre de
nieve recién hecho.
Basada en la séptima novela de la serie del
autor noruego Jo Nesbø (que ya va en la
undécima) y dirigida por Tomas Alfredson (Let
The Right one In, Tinker Tailor Soldier Spy),
parecía muy buena en inicio. Agrégale a eso un
elenco que incluye a Val Kilmer, Chloë Sevigny y
Toby Jones y el creciente interés en el género
escandinoir, y apuntaba a ser cosa segura. Por
desgracia, no logra mantenerse.
Una buena parte de sus problemas se
encuentran en la narrativa, que toma muchos
rumbos disparejos, algo muy peligroso para una
historia de detectives y no logra entretejer en un
conjunto cohesivo —dos líneas distintas en
flashback, una puja para la sede de la Copa
Mundial de los Deportes de Invierno liderada
por Arve Støp (J.K. Simmons), otra la
investigación de Hole y su vida familiar—.
El resultado es que ver este largometraje se
siente como una caminata en nieve profunda y
cuando llegan sus revelaciones, no logran el
impacto deseado.

48 DICIEMBRE 2017

Fassbender
pensando en nieve
de limón / Malo
hasta para dibujar /
En Noruega los
asesinatos son a
sangre fría / Para
resolver el misterio
hace falta cabeza
helada / Este
detective tiene buen
ojo para las chicas.
Alfredson parece conocer el género, o al
menos la versión de David Fincher —elementos
de Seven, Zodiac y The Girl with the Dragon Tatoo
son identificables—.
Tristemente, ésta no llega al nivel de dichas
películas y, como la historia no nos atrapa, sus
elementos más extraños sobresalen de manera
ridícula: las nuevas cámaras portátiles y
“ocultas” de la policía que son tamaño laptop;
una escena rara de sexo sin sexo entre
Fassbender y Gainsbourg (su ex); Val Kilmer
disparando un arma para espantar unos pájaros
en una zona que se ve propicia para las
avalanchas —y no hablamos del carro deslizador
Avalancha—...
Claro que tiene sus momentos. Sobre todo te
podemos recomendar una escena brutal donde
una cabeza decapitada está colocada sobre el
cuerpo del hombre de nieve, pero en realidad,
tan sólo sirven para resaltar el potencial no
realizado del filme. Sería una sorpresa ver a
Fassbender vestir el abrigo verde otra vez.
JONATHAN PILE
VEREDICTO Es una oportunidad perdida. Hace
referencia a las películas correctas, pero The
Snowman no es, sino una mala imitación.
DADDY'S HOME 2
+++
ESTRENO 1 DE DICIEMBRE / 100 MINUTOS
DIRECTOR Sean Anders
ELENCO Will Ferrell, Mark Wahlberg,
Mel Gibson y John Lithgow
PARECÍA QUE NO HABÍA razones para darle
continuidad a Daddy's Home: la crítica no la
favoreció y no era para menos. La comedia
descansó en pastelazos y situaciones tan
forzadas que apenas dejaban una ligera
sonrisa en el público; además de que el
director, Sean Anders, desgastó pronto el
estira y afloja entre el Brad de Will Ferrell y el
Dusty de Mark Wahlberg. Conforme avanzó
la cinta, la risa fue cada vez menos efusiva.
¿Entonces para qué hacer una secuela?
Se lo debemos al efecto taquilla —con un
presupuesto estimado de 50 millones de
dólares, lograron recaudar más de 242.7
mdd a nivel mundial—. Y todo apunta a que
saldrá bien librada.
Daddy's Home 2 (Guerra de papás 2)
tiene, de entrada, un tema alrededor del cual
ejercer su comedia: la estigmatización de
cómo los hombres deben (o no) mostrar sus
sentimientos. Así ves a un Ferrell besando a
su padre y esperando sus abrazos,
momentos que se adornan con los diálogos
y circunstancias necesarias como para que
sueltes la carcajada en más de una ocasión.
Asimismo se agradece que, justamente,
la película te haga "cosquillas" con las líneas
de sus personajes, sobre todo los infantiles.
Al estar un poquito más grandes Megan
(Scarlett Estevez) y Dylan (Owen Vaccaro),
así como la adicta a la tecnología Adrianna
(Didi Costine), se les concedan diálogos más
hilarantes que en la anterior cinta.
Gibson, como el padre de Wahlberg, y
Lithgow, como el progenitor de Brad,
aparecen para agregar química al elenco y
provocarte más carcajadas. Tampoco hay
que demeritar la breve participación de John
Cena: ¡vas a querer cantarle una canción
navideña! Cada uno tiene un objetivo en la
trama y se les da continuidad.
Gracias a esto, todo fluye más en la
nueva entrega de Daddy's Home. Y sí, los
chicos, los buenos y los malos, también
lloran. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Seguro no querrás una Navidad
tan desastrosa como la de los
protagonistas de esta película, pero si le
pides a Santa Claus una secuela digna y
un montón de carcajadas, seguro Guerra
de papás 2 aparecería debajo de tu árbol.
DICIEMBRE 2017 49
 CINE
LADYMACBETH
++++ ESTRENO 29 DE DICIEMBRE/
89 MINUTOS
DIRECTOR William Oldroyd
ELENCO Florence Pugh, Cosmo Jarvis, Paul
Hilton, Naomi Ackie, Christopher Fairbank, Golda
Rosheuvel, Anton Palmer y Rebecca Manley
SINOPSIS Es Northumberland, en 1865.
Resintiendo un matrimonio arreglado con el viejo
Alexander (Paul Hilton), heredero de una mina de
carbón, Katherine (Florence Pugh), de 17 años,
se embarca en una aventura con un novio más
estable, Sebastian (Cosmo Jarvis), y recurre al
asesinato cuando su romance es descubierto.
50 DICIEMBRE 2017
A PESAR DEL TÍTULO, no hay nada de
escocés o shakespeariano sobre esta historia de
asesina pasión victoriana. La dramaturga Alice
Birch basó el argumento principal en la novela
de Nikolái Leskov, Lady Macbeth of the Mtsensk
District, de 1865, pero su primer guion también
invoca el espíritu de heroínas nefastas como
Madame Bovary, Thérèse Desqueyroux y Lady
Chatterley. Sin embargo, la influencia más clara
del debut del director teatral William Oldroyd es
la sombría interpretación de Andrea Arnold, en
2011, en Wuthering Heights, de Emily Brontë,
que exploró las actitudes históricas británicas
sobre el género, la clase y la raza que persisten
hasta hoy.
Una pieza noir escrita con inteligencia e
imponentemente ejecutada. Aunque ella ha sido
vendida al matrimonio para cumplir con una
deuda familiar, Katherine nunca es una damisela
angustiada en un cuento de hadas gótico. Ella
puede ser rechazada por Alexander, un hombre
que le dobla la edad, en su noche de bodas, pero
también rechaza la simpatía de su criada negra y
casi muda, Anna (Naomi Ackie), y se resiente
profundamente de su desaprobación temerosa
de Dios cuando comienza a alardear de su
aventura con Sebastian. Además, cuando es
reprendida por su imprudente adulterio,
Katherine recurre al asesinato, revelando el
largo alcance de su despreciada y contenida furia
hasta el momento.
Gran parte del poder de esta imagen
duramente austera proviene de la actuación
deslumbrante de Florence Pugh, de 19 años de
edad. Su transición de novia renuente a una
astuta psicótica puede deberse tanto a una forma
de maldad... llamémosle clásica, como al
excesivamente conveniente mutismo de Anna,

#LadyTeDejoSinAsiento /
#LadyTodosMíos /
#LadyVenenoEnArroz /
#LadyApretada.
pero el autoconfiado desafío de Katherine hacia
Alexander y su saturnino suegro, Boris
(Christopher Fairbank), es tan natural como su
deleite en los páramos y su deseo emancipatorio
por Sebastian.
En sólo su segundo papel, el cantante y
compositor, Jarvis, es más persuasivo que un
cordero sacrificado, pero es tan víctima como los
juguetes que Kika Magalhaes mantiene
encadenados en Los ojos de mi madre, de Nicolas
Pesce. De hecho, las dos cintas tienen mucho en
común a través de su elevado uso del sonido y
restricción visual. El eco sordo de las botas en las
tablas desnudas muestra con claridad la
lamentable grandeza del entorno (en realidad, el
castillo de Lambton en Durham) tan hábilmente
como la espartana decoración de Jacqueline
Abrahams. Los vestuarios enlistonados de Holly
Waddington refuerzan la naturaleza restrictiva
de la existencia de Pugh, pero la simetría formal
de los muebles se contrasta con el romanticismo
indómito del campo circundante de la misma
manera que la autoexcitación de Alexander se
yuxtapone con el salvaje abandono de Katherine
al hacer el amor con Sebastian.
A pesar de estar enamorada de él, Katherine
aún usa a Sebastian como un peón en su juego de
poder. Y al final no sólo ha desafiado el
patriarcado: parece que la única forma de
superarlo es adoptando su hipocresía como
herramienta. DAVID PARKINSON
VEREDICTO Fantasía noir con guion inteligente e
imponentemente interpretada; el mejor
pretexto para revisitar las convenciones del
melodrama victoriano y para comentar sobre
las actitudes modernas frente a la opresión,
los prejuicios y la moralidad.
ESCALA SUICIDA
++
ESTRENO 1 DE DICIEMBRE / 138 MINUTOS
DIRECTOR Nikolai Lebedev
ELENCO Vladimir Mashkov, Danila Kozlovsky
y Agne Grudyte
TRAS SER EXPULSADO de la Fuerza Aérea
Militar, el incorruptible y joven piloto Alexey
(Danila Kozlovsky) tiene la nueva
oportunidad de regresar a los cielos en una
aerolínea bajo las órdenes del capitán Leonid
(Vladimir Mashkov), cuyo motor profesional
es seguir las reglas al pie de la letra.
Después de varios desacuerdos ambos se
enfrentan a una situación límite que supone
rescatar sobrevivientes de una serie de
fenómenos naturales dentro de una isla.
Llena de lugares comunes y partiendo
de los peores clichés del cine comercial,
este filme es la respuesta rusa al cine
industrial norteamericano: está repleta tanto
de errores de continuidad como de
personajes estereotipados. JC DURÁN
47 METERS DOWN
++
ESTRENO 15 DE DICIEMBRE / 89 MINUTOS
DIRECTOR Johannes Roberts
ELENCO Mandy Moore, Claire Holt
y Matthew Modine
LISA (MANDY MOORE) Y KATE (Claire Holt)
están de vacaciones en una playa mexicana
y aceptan hacer un tour clandestino para
sumergirse en el mar dentro de una jaula y
ver de cerca a unos tiburones. Johannes
Roberts intenta crear una atmósfera
aterradora a partir de la inmensidad del
océano, la incapacidad humana de respirar
bajo el agua y un depredador acuático. Se
lograría de no ser por la deficiente
construcción de los personajes y la mala
toma de decisiones de estos. Digamos que
si hubiera una carrera de supervivencia entre
Lisa, Kate y Nancy (Blake Lively), de The
Shallows, esta última tendría un poquito más
chance de sobrevivir y de caerte mejor. AR
DICIEMBRE 2017 51
 TV & Streaming
THE CROWN
++++ ESTRENO 8 DE DICIEMBRE /
2ª TEMPORADA EN NETFLIX
EPISODIOS VISTOS 3 / 52 MINUTOS
CREADOR Peter Morgan
ELENCO Claire Foy, Matt Smith
y Victoria Hamilton
SINOPSIS Con un poco de más experiencia al
frente del Palacio de Buckingham, la reina
Elizabeth (Foy) se enfrenta a una guerra contra
Egipto, su tambaleante matrimonio y un dolor
de cabeza llamado Anthony Eden, el nuevo
Primer Ministro del Reino Unido.
¡QUE ALGUIEN SALVE A LA REINA!
Es muy probable que pienses eso después de
vver los primeros capítulos de la segunda
temporada de The Crown. La reina Elizabeth
II de Claire Foy ya había tenido suficientes
momentos dignos de una gastritis
monumental —por fortuna sólo toma té— en
su aparición anterior: el amorío de la princesa
Margaret (Vanessa Hamilton), su hermana,
52 DICIEMBRE 2017
con Peter Townsend (Ben Miles); el carácter de
Winston Churchill (John Lithgow) y su
renuencia a dejar su cargo como Primer
Ministro, y los berrinches de un marido que,
poco a poco, saca a relucir su sentimiento de
inferioridad ante las responsabilidades de su
célebre esposa.
Elizabeth le exige a su esposo poner las
cartas sobre la mesa y “hablar con honestidad
por primera vez”. No entiendes qué ha llevado a
la pareja real hasta una discusión de esa
magnitud, menos si consideras la forma en que
arrancaron la serie; pero lo descubrirás por
medio de un flashback que abarca algo así como
tres capítulos.
Esa licencia temporal funciona para
presentarte la crisis matrimonial de la
protagonista, pero por fortuna no se limita a eso.
Como ya te acostumbró el programa creado por
Peter Morgan —experto en retratar la realeza
inglesa con piezas como The Other Boleyn Girl y
The Queen—, cada capítulo es un equilibrio entre
el aspecto personal de la reina Elizabeth y una
clase de historia. Por ejemplo, si en la temporada
anterior te encontraste con una de las mayores
catástrofes ambientales del Reino Unido, en ésta
te toparás con el comienzo de la Guerra del Sinaí
y lo complicado que resultó para Anthony Eden
(Jeremy Northam) sustituir en el cargo a
Winston Churchill.
En el tercer round te ubicas otra vez en la
escena de arranque de la segunda temporada. Y
entonces todo tiene más sentido.
Llegar hasta ese punto también implicó
hablar del contexto social: un divorcio que tiene
eco en la familia real da pie para hablar acerca de
las complicaciones de las separaciones y de las
trabas que una mujer tenía si prefería estar sola,
por mencionar un caso. Igualmente son
indispensables y se agradecen las pistas visuales
para que termines de crear la atmósfera que
requiere el programa: las cámaras, las texturas
del vestuario, los sillones y cada detalle de
utilería te ayudan en ese viaje al pasado.
Además de la maestría de Morgan para
trenzar con aciertos los dramas personales,
pasionales, nobles y bélicos, en The Crown aún es
vital y destacable la actuación de Foy. La
intérprete le hace justicia a la compleja y
elegante construcción de su personaje, así que no
dudes en apostarle nuevamente a esta serie en la
próxima temporada de premios. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Amerita un maratón, pero
acompañado de té y scones. Es indispensable
que hayas visto la temporada anterior para no
perder el hilo de la historia. Los diálogos de Foy
están permeados de tal distinción y fuerza que,
con este personaje, se merece el trono de las
actrices de Netflix.

tv & streaming
THE PUNISHER
++ AHORA EN NETFLIX /
44 MINUTOS
CREADORSteve Lightfoot
ELENCOJon Bernthal, Amber Rose Revah, Ebon
Moss-Bachrach, Ben Barnes, Jaime Ray
Newman y Jason R. Moore
SINOPSIS Frank Castle (Jon Bernthal) cree que ya
fue suficiente de ser The Punisher. Pero seis
meses después es arrastrado de vuelta como
vigilante por un hacker y un agente de seguridad
nacional, ambos determinados a exponer una
conspiración de la CIA en la que Frank podría
estar involucrado.
NO ES DE SORPRENDER QUE
MARVEL Y NETFLIX decidieran sacar a
The Punisher de su agenda para Comic-Con
Nueva York en vista del tiroteo ocurrido en Las
Vegas el pasado 1 de octubre. Virtualmente cada
episodio muestra una violencia similar, usando
armas que no estarían fuera de lugar en una
película de John Wick.
A pesar de compartir el mismo mundo que
Daredevil, Jessica Jones y Luke Cage, Frank
Castle no es un superhéroe. Ni siquiera es un
héroe. Es un psicópata dañado, peligroso y
solitario cuyo rígido sentido de la justicia lo hace
juez, jurado, torturador y verdugo. Todo en uno.
Lo vemos de francotirador dando disparos
perfectos a criminales a la distancia, ametrallar
habitaciones atascadas de gente y balear el
cerebro de sujetos. Considerando los eventos
recientes y la aterradora facilidad con que los
estadounidenses se tirotean a muerte, tienes que
preguntarte si The Punisher es de verdad el
antihéroe que ese país necesita en este momento.
Se siente que estas preguntas surgieron
entre los escritores del director de la serie, Steve
Lightfoot, pero para el episodio 13 es obvio que
no hay respuestas sólidas —o no pueden darlas—.
Karen Page (Deborah Ann Woll), de Daredevil,
aparece para oponerse al control de armas,
debatiendo insulsamente el tema con un senador
antiarmas a quien llama hipócrita. Después de
eso se convierte en damisela en peligro que
necesita rescate en una situación donde se
sugiere que pudo evitarse si hubiera traído su
pistola en la bolsa.
Al mismo tiempo, la serie trata con
misericordia a los veteranos de guerra: hombres
entrenados a matar por su país pero enviados a
otras naciones para asesinar en nombre de
agendas políticas bastante oscuras antes de ser
traídos a casa y abandonados a su suerte y con
sus traumas.
Frank Castle es el producto de este maltrato
sistemático, como lo es otro personaje que toma
la posición antagonista, un tipo entre Timothy
McVeigh y el Unabomber.
La línea entre él y Frank no es clara a
propósito, pero ¿será ésta la razón de la
diferencia en la que canalizan su violencia
asesina o sólo una excusa?
Es una serie problemática; pocas veces
puedes aprobar los métodos de Frank aunque los
pases, pero si dejas de lado esta parte, hay mucho
para disfrutar. La coreografía de la acción es
excelente, sobre todo en el episodio 10, que
mezcla elementos de Léon y la película japonesa
de 1950, Rashômon.
Bernthal es el actor más fuerte de Marvel/
Netflix, tan cautivador durante sus momentos de
ternura como cuando está que arde en modo
hombre-ejército.
A los fans del personaje del cómic les
encantará que The Punisher presente su historia
más fuerte hasta ahora —incluyendo el debut de
Bernthal como Castle en la temporada 2 de
Daredevil—, pero como es una serie de Marvel/
Netflix de 13 episodios, se siente demasiado
delgada, mientras que otros podrían preguntarse
si es un personaje que debió llevarse a la pantalla
en esta frágil y sensible época. DAN JOLIN
VEREDICTO Vale la pena que veas la
interpretación de Jon Bernthal. Hay que ver
qué sigue ahora para el violento castigador.
JEAN-CLAUDE VAN JOHNSON
+++
ESTRENO 15 DE DICIEMBRE / PRIME VIDEO
DIRECTOR Peter Atencio
ELENCO Jean-Claude Van Damme, Kat Foster
y Moisés Arias
NO ES LO MISMO LOS TRES
MOSQUETEROS que 20 años después, pero
como este personaje vale por tres, la cosa
está más interesante: Jean-Claude Van
Damme sabe cómo tomar al toro por los
cuernos en su regreso a los reflectores,
burlándose de los hombres de acción del
cine —sobre todo de sí mismo— y con ello
regalando momentos que te darán más risa
que su meme bailador, todo intencional.
El actor da vida a una estrella de cine
que ya pasó sus años de gloria. Cuando un
viejo amor reaparece en su vida crece su
necesidad de regresar a los escenarios y a
su vida alterna como espía. Verás a JC
fracasando en los splits pero “triunfando”
como maestro del disfraz. AR
¡AY GÜEY!
++
ESTRENO: 24 DE DICIEMBRE / BLIM
DIRECTOR Ben Stassen y Jeremy Degruson
ELENCO Cinda Adams, Bob Barlen
y Laila Berzins
¿QUÉ HARÍAS SI te encuentras una maleta
repleta de dinero? Esto es lo que les sucede
a Susana y Verónica, dos chicas que
trabajan mesereando en un food truck. Sin
caerse bien, se encuentran en el lugar
incorrecto y en el momento menos indicado
cuando ocurre un crimen en el cual se ven
involucradas. Por ello terminan con una
maleta con 10 millones de dólares que se
llevan con ellas.
Esta serie es producida por Rodolfo de
Anda, mismo que ideó El Pantera y, quien
durante 13 capítulos, hace de Acapulco el
escenario de una persecución en torno del
dinero y de estas dos estereotipadas
chavas. EN
DICIEMBRE 2017 53

cómics
SECRETEMPIRE:
¿ELFIN DELCAPITÁN
AMÉRICA?
++++ SALE 18 DE DICIEMBRE
SINOPSIS: Red Skull, el enemigo más importante
del Capitán América, logra manipular un arma
moldeadora de la realidad, el Cubo Cósmico, y
como consecuencia el héroe es reemplazado en
secreto por una versión malvada de sí mismo: el
más terrible agente de Hydra, con una agenda
propia de dominación mundial.
EL CAPITÁN AMÉRICA llegó a los 75
años con uno de los cambios más radicales de su
accidentada existencia: Steve Rogers se volvió el
más terrible villano del Universo Marvel.
Poco antes de Secret Empire vimos al
portador original del suero del supersoldado
perder sus poderes aumentados y envejecer, y se
dio paso a Sam Wilson, el héroe conocido como
Falcon y frecuente aliado de Steve, como un
nuevo Capitán América, y quizás el único digno
de serlo.
Tras algunos sucesos por los que Steve
recupera su juventud y el manto del héroe
americano, el villano Red Skull, con el control del
arma conocida como Cubo Cósmico, logra
reescribir el pasado de Rogers para convencerlo
de que es un doble agente cuya lealtad pertenece
a Hydra, la organización terrorista que busca
imponer al mundo una agenda totalitaria y la
principal razón de ser de los superespías y
agencias de seguridad del Universo Marvel.
Así inicia Secret Empire, cuya cabeza
principal fue el escritor Nick Spencer. Suponer a
Steve Rogers como parte de Hydra es algo
similar a que se descubriera que John F. Kennedy
54 DICIEMBRE 2017
era un agente nazi o el arma definitiva de la URSS
para infiltrarse en Estados Unidos.
La gran capacidad y reconocimiento a la
figura de Rogers lo lleva a dominar Hydra, a la
agencia de defensa del gobierno gringo
S.H.I.E.L.D. y a unir a los héroes Marvel en su
contra. El resultado: la muerte de algunos
personajes importantes de la Casa de las Ideas.
Marvel Comics México trae este evento en
tres ediciones de lujo que ofrecen el panorama
completo de la saga que cuenta la caída y regreso
del Capitán América. Un primer tomo que reseña
los eventos previos nos muestra la pérdida del
suero del supersoldado y los motivos del
resultante encumbramiento de Sam Wilson —tal
vez el compañero más leal de Steve Rogers—
como el nuevo Capitán, además de lo ocurrido en
Pleasant Hill y la forma en que el justiciero
recupera su juventud.
El siguiente tomo consta de los 11 números
centrales de Secret Empire, además de los títulos
unitarios Omega y Free Comic Book Day 2017.
Por último, el tercer tomo da cuenta de los
tie-ins de la saga, presenta los tres one shot
titulados Uprising, United y Underground, el
epílogo a la segunda Guerra Civil de Marvel
llamado Civil War II: The Oath que conecta este
evento con Secret Empire, y también incluye
Captain America #25, que marca el
enfrentamiento de Sam Wilson con su amigo e
inspiración, Steve Rogers.
Es temprano para saber si el público lector
perdonará a Rogers la estela sangrienta que deja
tras de sí. Esta saga pone al centro del debate la
idea del Capitán América: si ésta reside en el
escudo, en la persona o en un conjunto de ideales
por los que vale la pena luchar. La respuesta no
es sencilla, pero Secret Empire da algunas luces
para conocerla. JORGE SALVADOR JURADO
VEREDICTO: Un evento largo y polémico en tres
ediciones que permiten conocerlo a cabalidad.
A pesar de los detractores de la etapa de Nick
Spencer al frente del destino del Capitán
América, se trata sin duda de una pieza
importante en toda la historia del héroe
patriota de Marvel Comics.
PUNK ROCK JESUS
+++++
SALE 18 DE DICIEMBRE
LA CAPACIDAD del mundo del espectáculo
para trivializar la realidad es una idea que
nos ha inquietado por décadas.
Por ello, no es extraño que se reciclara
el leitmotiv que animó el musical setentero
Jesus Christ Superstar: imaginar a Jesucristo
funcionando en la sociedad moderna. Pero
ante la profunda mirada de Sean Murphy,
sus alcances son imponentes.
Punk Rock Jesus, nueva joya de Vertigo
Comics México, narra la historia de un
polémico programa de TV que pretende
mostrar en directo la vida de Cristo, y para
ello crea a Chris, un clon del salvador, al
extraer ADN del Santo Sudario.
Tras un debate moral y religioso a nivel
global, Chris acabará declarándose ateo y
liderando una banda de punk con mensajes
antirreligiosos, razón por la cual la vida del
hijo de Dios peligra. JORGE SALVADOR JURADO
THE PUNISHER MAX: MADRE RUSIA
+++++
PUBLICADO YA A LA VENTA
UNA HISTORIA FUNDAMENTAL del rey de la
violencia y las malas palabras ya disponible
gracias a Marvel Comics México. Y no nos
referimos a Punisher, sino al escritor Garth
Ennis, cuyo trabajo en títulos como Preacher,
Hellblazer y Judge Dredd lo calificaron para
guionizar la historia de Frank Castle.
En Madre Rusia, realizado con el
dibujante Dougie Braithwaite, Nick Fury
vuelve patriota a Castle y lo lleva a infiltrarse
en una base rusa en Siberia para recuperar a
una niña portadora de un virus caníbal.
Sabedor de la libertad que daba el
subsello MAX de Marvel, cuyos títulos eran
clasificación R, Ennis presentó al antihéroe
recuperando la vieja rencilla EUA vs. Rusia
para despojar a Punisher de uno de sus
lastres: el dilema moral que implica ejercer la
violencia para buscar la paz. J.S. JURADO
SUPER MARIO ODYSSEY
+++
DISPONIBLE PARA SWITCH
DIRECTOR Kenta Motokura
VOCESKate Higgins, Charles Martinet,
Samantha Kelly y Kenny James
SIENDO UNA RANA CON BIGOTE, un
tanque, una bala o un T-rex, los jugadores de
Odyssey pasarán mucho tiempo habitando
los cuerpos de sus enemigos. Gracias a la
cabeza sensible de Cappy, Mario (Martinet)
ahora puede engañar a sus enemigos
utilizando sus habilidades para atravesar los
diversos mundos del juego, coleccionar
naves estelares que energicen lunas y salvar
a Peach (Kelly) de las garras de un Bowser
(James) inusualmente bien vestido. Este es
Mario en su forma más libre. Explorar los
niveles evoca el júbilo de Super Mario 64
mientras le arrebata el gorro al original de
1985, con secciones en 2D bellamente retro.
JD
ECHO
+++
DISPONIBLE PARA PC Y PS4
DIRECTOR Martin Emborg
VOCES Rose Leslie y Nick Boulton
UN HORRIPILANTE Y ENFERMO
aislamiento espacial, una clase magistral en
tensión. Tú eres En (Leslie), una mujer joven
perdida en un laberinto, cazada por clones
insaciables que aprenden de sus errores y se
vuelven cada vez más peligrosos. Pero hay
un respiro. A medida que exploras, el mundo
cambia entre fases oscuras e iluminadas: los
clones desaparecen durante la fase oscura,
lo que te permite moverte con libertad;
cuando regresen se habrán adaptado para
contrarrestar tu estilo de juego. Si te sentías
confiada disparando la última vez, por
ejemplo, tus enemigos se regenerarán con
sus propias armas. La velocidad de
movimiento de En es frustrante en general y
la animación es algo burda, pero dadas sus
raíces indie, Echo es un logro espectacular.
MK
Juegos
MIDDLE-EARTH:
SHADOW OFWAR
DISPONIBLE PARA PC, PS4
++++ Y XBOX ONE
DIRECTORES J.B. Blanc, Michael de Plater
VOCES Troy Baker, Alastair Duncan, Laura Bailey,
Robin Atkin Downes, Jennifer Hale y Steve Blum
 
SINOPSIS El Ranger Talion (Baker), Celebrimbor
(Duncan) y el espíritu elfo que lo posee forjan un
nuevo Anillo de Poder para tratar de derrotar a
Sauron (Blum).
CON LA PROMESA DE PASAR
VARIAS HORAS en Middle-Earth: Shadow of
War, Talion, el personaje del jugador, tiene la
oportunidad de montar un drake (básicamente
un dragón) para inspeccionar desde el cielo una
fortaleza ocupada por orcos, antes de comandar
a su montura para lanzar abajo una corriente de
ame sobre sus enemigos de piel verde.
Mientras estos adversarios son cocinados
desde una distancia segura, los aliados orcos de
Talion —a quien lavaron el cerebro para unirse a
su causa unas horas antes—, luchan contra la
muerte en tierra.
Entre sus filas se encuentra un ogro que
convierte las fortificadas puertas de la
resistencia en mondadientes, mientras que un
uruk que cabalga en busca de caña corta las
cabezas de cualquier cosa que se cruce en el
sendero de su gruñido.
Engullir la fortaleza desde una bestia que
haría envidiar a la Madre de los Dragones,
mientras observas a tus tropas desgarrar las
cosas en la superficie, te recuerda el tipo de
enfrentamientos épicos a los que nos
acostumbramos en la conclusión de un juego.
En Shadow of War, sin embargo, este tipo de
cosas suceden todo el tiempo. De hecho, la
escaramuza de arriba no era más que una
pequeña muestra de una batalla mucho más
grande, una en la que podremos apreciar cómo se
teletransporta a una docena de adversarios antes
de abrirlos desde el vientre hasta el tallo
cerebral, enjambres de arañas sobre sus
enemigos y el esperado enfrentamiento con el
poderoso señor supremo de la fortaleza, un
combate empapado de sangre.
Aunque les dan forma los diversos sistemas
de configuración de historias del juego, tales
encuentros no tienen guiones y más bien
resultan sorprendentes, dinámicos y
fuertemente dirigidos por el jugador.
Matar incluso al orco más humilde durante
el juego significa que ese enemigo subirá de
nivel, será promovido en el ejército de Sauron y
te recordará la próxima vez que te encuentres
con él y mantengan una charla inútil antes de
llegar una segunda (o tercera o cuarta)
posibilidad de matarlos. Mientras asesinas,
reclutas, humillas y manipulas a los adversarios,
te permite personalizar tu encuentro y la
narrativa general.
En la parte superior de las fortalezas hay
numerosas misiones de historia y tareas
secundarias que abordar, botines por asegurar y
mejorar y ejércitos para amasar.
Donde Shadow of War tropieza es en su
narración. El juego ofrece una visión muy
adecuada y madura del universo de Tolkien (cosa
que se agradece), pero también avanza
liberalmente en acción empapada de gore o
cambios innecesarios, como los hechos a la araña
gigante, Shelob, siendo la más buscada por los
fanáticos de la franquicia.
La trama se extiende en numerosas
direcciones, lo que sí le ayuda a tener sentido,
incluso en las misiones más mundanas, aunque
también divide el enfoque y puede volverse
confuso mientras saltas de una tarea a otra.
Si intentas no sufrir con los errores
canónicos y nada más andar el camino, de
preferencia encima de una montura que escupe
fuego, descubrirás una secuela muy satisfactoria
que no sólo es uno de los lanzamientos
destacados de este año, sino que podría decirse
que es el único juego de Lord of the Rings que los
gobierna a todos. MATT CABRAL.
VEREDICTO Un juego más grande, más profundo
y mejor que su predecesor, con un sistema
Nemesis más avanzado y grandes piezas de
acción.
DICIEMBRE 2017 55
 gadgets
POR FIN: ¡TU SABLE
LÁSER!
Si te preocupaba el título del
Episodio VIII, con Star Wars: Jedi
Challenges tendrás para entrenar
y empoderarte con el accesorio
que siempre soñaste arrebatarle
a la pantalla: el sable láser.
¿LISTO PARA, POR FIN, empuñar el sable
que más se acerca a lo que has visto en la saga?
La solución para materializar este ansiado
sable fue sencilla: traerlo al ambiente de realidad
virtual. Te colocas las gafas, calibras un módulo
de seguimiento, prendes la app en tu teléfono y el
resto dependerá de tus habilidades en la defensa
y ataque o de qué tan grande sea el pollo que vas
a cortar en pedacitos.
Podrás perfeccionar tus habilidades en
combate con Kylo Ren y Darth Vader o, si lo
prefieres, jugar una partida de Holochess, el reto
de estrategia en el tablero. También hay un modo
en donde asumes el rol de comandante rebelde y
guías a todas tus unidades en diferentes misiones
de ataque estratégico.
Parece nuevo, pero lo has jugado toda la vida,
es sólo que ahora las proyecciones holográficas
provienen del smartphone, no de tu imaginación.
Ya, cierra la quijada y asegúrate de tener un
teléfono compatible en Android o iOS.
$200 dólares en lenovo.com.
56 DICIEMBRE 2017
ADHIERE ESTOS
THE MOON, BY1-RING, ALIADOS A TU BATALLA
ES LAPRIMERA CONTRA EL LADO
CÁMARAFLOTANTE OSCURO
Sip, levita de verdad.
ES REAL: UNA CÁMARA redonda que
levita para brindarte una visión de 360º, suave,
silenciosamente, estable y fácil de controlar a
distancia.
Imagina una videollamada con una cámara
que rota hacia la persona que está hablando, con
dos micrófonos para eliminar ruidos y una bocina
HQ para una comunicación de dos vías.
En tu casa puedes ver remotamente lo que
sucede con su Smart Event Detection, y su
rotación automática tiene Smart Alerting y Smart
Voice Recognition.
Con esto te avisará quién llegó, si ladró el
perro o se rompió una ventana. Obvio, puedes
saludar a tu cachorro de ciempiés desde la oficina,
entre varias útiles aplicaciones.
Detecta cambios en la temperatura, si se
derramó algún líquido tóxico o si algo se quema.
Funciona con Android, iOS y Windows.
$209 dólares en 1-ring.net, en marzo de 2018.
Porque tu carita lo merece,
Philips acaba de entregarnos dos
nuevas rasuradoras con el tema
de la saga más amada: Star Wars.
SI AÚN NO DECIDES A QUÉ LADO de
la fuerza perteneces pero ya pareces Bud
Spencer por no rasurarte, puedes elegir entre los
dos modelos que representan, cada uno, un lado
opuesto de la fuerza, no sólo ostentan tecnología
nivel espada láser sino que tienen un diseño
súper cool.
La rasuradora del lado de la luz inspirada en
el genial BB8 (SW5700) está especialmente
diseñada para un afeitado rápido y cómodo, y la
del lado oscuro, inspirada en Kylo Ren (SW9700)
ostenta la tecnología exclusiva V-track Pro,
cómoda y con esa rasurada al ras con la que
sueña Chewbacca.
$5,499 (SW 9700) y $2,999 (SW5700). De venta
en Liverpool, Palacio de Hierro, Best Buy,
Sanborns y Amazon.
WHAT’S THE MATRIX?
Aquí es donde le ponemos título
alternativo y clasificamos todo lo
que verás en cartelera este mes.

sorprendente A GHOST STORY

Los fantasmas saben
THE GRATEST todos tus passwords
SHOW MAN
Wolverine se escapo EPISODE VIII:
con el circo THE LAST JEDI
¿El último de este año? ABRIL Y EL MUNDO
47 METROS
EXTRAORDINARIO
Aunque la jaula
THE FOREIGNER Animación para pensar
sea de oro, no
Sale Jackie Chan
deja de ser
prisión UNA BELLA LUZ LA MARCHA DE LOS
INTERIOR PINGÜINOS
CAMINO A MARTE
Un segundo aire con ¿Para cuándo la de los
Amores marcianos
sabor a croissant chocoroles?

JEAN CLAUDE VAN

JOHNSON
Y varios splits después LA BATALLA DE
LA BÓVEDA LOS SEXOS
120 LATIDOS WONDER
¿Algo más Que gane la raqueta
POR MINUTO A nadie le gusta Zucarita
monstruoso que
los banqueros? We found love in
a hopeless place
GUERRA DE PAPÁS 2
LADY MACBETH
Sale Mel Gibson
OLÉ, EL VIAJE #LaLadyDeTodasLasLadies
SUBURBICON
DE FERDINAND
palomera

Como de los Cohen, pero TODO LO DEMÁS

clavada
Es de un toro o
más barato Como la flor, tanto amor
de Del Toro

JUMANJI
Como Africam CÓMPLICES THE PUNISHER
Safari en Cyrano naco ROSTROS DE
Mátalas callando
M
esteroides UNA MUJER
Para casos de la vida real
LA CORDILLERA
PERFECTOS
Política ficción
DESCONOCIDOS
Prefiero que
e ttiemble
¡AY GUEY! ACTOS DE VENGANZA
Las Kardashians Bruce Willies llamó para
de Acapulco que le regresen su
película

NO VAYAS A COLGAR THE CROWN

EL HIJO DE PIE La broma duró hasta que Tomando la corona por
GRANDE se le acabó el saldo los cuernos
INCONVENIENT
No alcanza para zapatos
SEQUEL
LA MELODÍA
Mejor que nos echen
Mejor una marimba
DDT
TERROR EN LA
LA NAVIDAD DE LAS OSCURIDAD
BING BANG MADE: Peor que si naciera
MADRES REBELDES
LA PELÍCULA en un eclipse
En Navidad, TODAS las RODIN
Otro maldito reencuentro
madres son rebeldes Rodin, las piedras
CUANDO LOS HIJOS
se encuentran
REGRESAN
Chavorrucos mantenidos
LA ESTRELLA
DE BELÉN
El burrito sabanero predecible

DICIEMBRE 2017 57
58 DICIEMBRE 2017
 “ÉSTE SERÁ UN DÍA POR SIEMPRE RECORDADO", DIJO TARKIIN.
ASÍ COMO CADA VIAJE COMIENZA CON EL PRIMER PASO,
EL DE LA SAGA MÁS IMPORTANTE DEL CINE FUE TORPE, PEROO LA
RESISTENCIA DE SU CREADOR CAMBIARÍA EL CINE PARA SIEM PRE.
POR MARIO P. SZÉKELY ILUSTRACIÓN ALETS KLAMROTH

ESPE

EPISODIO 1

DICIEMBRE 2017 59
ESPECIAL
EPISODIO 1
EL VIAJE DEL PADRE
DE LAS GALAXIAS
de 1944 nació George Walton Lucas Jr., hijo de Dorothy Ellinore
Bomberger y George Walton Lucas, quien era dueño de una papelería que
proveía de material a las grandes tiendas de su poblado en Marin County.
El pequeño George se refugiaba en los cómics y los maratones de
televisión que incluían la primera era de Disneylandia y Dimensión
desconocida, así como en escuchar su colección de discos de rock and roll.
A Lucas nunca le fascinó mucho la idea de crecer en Modesto, y mucho
menos cuando supo que su padre tenía pensado entrenarlo para heredarle
su papelería. Pronto el volante y la velocidad se volvieron sus aliados:
fascinado con asistir a las carreras de autos en el norte de California, incluso
se volvió parte del equipo de pits de un piloto de la región.
Pero todo cambió el 12 de junio de 1962 cuando George, pilotando su
Bianchina, derrapó frente a un Chevy Impala en una curva pronunciada,
estrellándose a toda velocidad contra un árbol. El destino obró aquí con
maestría, pues el cinturón de seguridad de Lucas se abrió en el aire
milagrosamente, arrojando al adolescente al piso mientras su vehículo
perecía con la forma de un acordeón.
Lucas quedó inconsciente y despertó en una cama de hospital. La calma
llevó a la meditación, mientras que leía para no aburrirse. Ahí descubrió que
el promedio de edad para que un hombre pueda dejar su marca en el mundo
era de 30 años. George se comprometió a lograrlo.
Con un padre que atesoraba la seguridad económica como un todo,
Lucas tuvo que desafiarlo y apostar primero por enfocarse en su
60 DICIEMBRE 2017
preparatoria a los temas de sociología e historia.
Luego, cuando pudo, acompañó a un amigo a hacer
su examen de admisión a la Universidad del Sur de
California, USC, donde aprovechando la oportunidad
también llenó una aplicación.
Lucas pensó que la carrera más cercana a sus
gustos era la de fotografía —producto incluso del
hobby de su padre y de sus centenas de fines de
semana yendo a San Francisco a ver cine europeo y
de animación experimental— así que solicitó espacio
ahí, para toparse con que también se impartía el
grado en producción de cine.
Ante la incredulidad de su padre y amigos de
Modesto, George comenzó a callar bocas mostrando
que no habría marcha atrás, llevando a la facultad de
Los Ángeles todo su legado de la cultura pop. Su
fascinación por la abstracción lo llevó a que sus
primeros cortometrajes tuvieran por nombre letras
y números, siendo el más famoso THX 1138 4EB.
Lucas consiguió una beca para invertir en una
producción para la Warner Bros., donde se topó con
aquel que lo tomaría bajo su tutela, cual maestro
Jedi: Francis Ford Coppola. Invitó a George a
asociarse con él para crear American Zoetrope.

La primera gran lección de Hollywood vino
para Lucas cuando, ya graduado y bajo el apoyo
del intrépido Coppola, filmó THX 1138 8 (1971)
basándose en el cortometraje de su universidad y
con una de las estrellas de The Godfather, Robert
Duvall.
El filme fracasó en taquilla y puso al borde de
la quiebra a la recién nacida compañía . George
respondió haciendo una película comercial,
inspirada curiosamente en el ambiente de su
adolescencia en Modesto, llamada American
Graffiti (1973), que fue un gran éxito en taquilla y
obtuvo nominaciones al Óscar de la Academia,
incluyendo Mejor Película y Mejor Director,
además del guion.
George se dio cuenta de que había un grupo
de jóvenes afuera listos para compartir su
fascinación por la cultura pop y la nostalgia de ser
del país del norte, en un tiempo donde las brasas
de Vietnam les quemaban las plantas de los pies a
los estadounidenses y donde volver a soñar era
muy urgente.
Y si alguien podía poner a soñar no sólo a
Estados Unidos, sino al mundo, era Lucas.
George con su debut
de ciencia ficción que
nadie entendió: THX
1138 / Dirigiendo su
primer éxito
comercial y de crítica:
American Graffiti /
Frente al diner donde
todo sucede en
American Graffiti.
ELLARGOVIAJEASTARWARS
El dinero obtenido por American Graffiti le
permitió a Lucas dedicarse al cien por ciento a
arrastrar el lápiz en sus libretas amarillas. El
título que encabezaba todo era The Journal of the
Whills e iniciaba así: “Esta es la historia de Mace
Windy, un venerado Jedi-bendu de los Ophuchi,
como nos lo presenta C.J. Thorpe, aprendiz
padawan del famoso Jedi”. Nadie, excepto su
autor, entendía qué tipo de personajes y
escenarios insinuaba esto.
Imposibilitado de filmar una nueva aventura
de Flash Gordon por no poder obtener los
derechos de la serie que enmarcó las matinées de
la infancia de Lucas, tuvo que crear entonces a su
propio héroe espacial. A nombres como el mismo
Jedi-Bendu se sumaron Luke Starkiller y la
princesa de Ondos. Sus personajes habitaban una
galaxia con sabor al cine de aventuras de los 50,
pero cortadas en viñetas cual cómic, no
necesariamente contándose desde sus orígenes,
sino en medio de la aventura. También aparecían
los sobrevivientes de una antigua religión.
Para presentar a sus personajes y conocer sus
orígenes, Lucas tuvo que bocetar las historias de
donde procedía cada uno. Así quedaron
guardadas en un cajón las semillas de las historias
para una nueva trilogía.
Pero antes de sagas, secuelas y precuelas,
Lucas tenía que filmar su cinta, que terminaría
bautizando inicialmente como The Star Wars,
donde el autor primero tenía que entender cómo
descifrar el rompecabezas que había gestado. Ahí
había dos robots que caminaban al lado de los
héroes, como también exguardianes del Imperio
Galáctico. Luke era un hombre sabio y anciano y
el héroe era un adolescente llamado Anakin. Los
Jedi-Bendu se enfrentaban a los asesinos Sith y
había que ayudar a la princesa Leia, de 14 años, a
reclamar su trono. ¡Ah!, también se les unía una
criatura tipo el monstruo de la laguna verde
llamada Han Solo.
En 1974, con borrador en mano, Lucas
comenzó a tocar puertas en Hollywood,
obteniendo sólo como aliado al productor de la
20th Century Fox, Alan Ladd Jr., quien tampoco
entendía esta aproximación a personajes tipo rey
Arturo en el espacio, pero que tenía amplia fe en
el talento de Lucas. En pocas palabras, estaba el
ejecutivo pagando por ver, esperando que George
regresara con una maravilla mientras le apoyaba
monetariamente para terminar su primer guion
de The Star Wars.
Para acabar de entender el universo que
gestaba, y también para vender mejor su visión,
Lucas contrató a Ralph McQuarrie, quien había
sido diseñador del Boeing 747. El artista dibujó
algunas escenas del guion, incluyendo criaturas y
naves. Esas imágenes tradujeron la imaginación
de George y se lo agradecería reclutándolo para
visualizar toda la cinta una vez que la 20th
Century Fox dio luz verde al proyecto.
LOSHÉROES
Luke Skywalker.- El héroe de la historia. Un
granjero de 20 años de edad que trabaja en el
planeta desértico de Tatooine, el cual está alejado
del corazón del Imperio Galáctico. Sin saberlo,
Luke porta en su sangre el legado Jedi, que puede
convertirlo en un poderoso guerrero.
Dato curioso: es el alter ego de Lucas y su
semblante nos recuerda a Flash Gordon.
Obi-Wan Kenobi.- Guerrero místico que
perteneció a la orden Jedi; estos podían
comunicarse con la Fuerza (energía que une al
universo y que puede hacer a una persona leer
pensamientos, levantar objetos con su mente, ver
el futuro y hacer acrobacias impresionantes,
además de manejar un sable de luz como arma).
Kenobi está refugiado en Tatooine y se volverá
mentor de Luke para enseñarle los caminos de la
Fuerza y ayudarlo a encontrar su destino.
Dato curioso: Lucas imprimió en Kenobi la
personalidad de su mentor, Francis Ford Coppola.
Princesa Leia Organa.- A sus 20 años, es hija
adoptiva del Senador Organa, del planeta
Alderaan. En misión secreta para llevar a la base
DICIEMBRE 2017 61
ESPECIAL

EPISODIO 1

secreta de la Alianza Rebelde los planos de la

estación espacial Estrella de la Muerte, es
capturada por el Imperio y encarcelada en la
misma mortífera estación.
Dato curioso: Lucas imaginó su peinado
como las adelitas mexicanas revolucionarias.
Han Solo.- Es un pirata espacial coreliano, quien
pilotea su nave, el Millennium Falcon.
Representa el cinismo en esta historia de Star
Wars, muy propio de la era pos-Vietnam.
Dato curioso: Lucas imaginó de copiloto para
Han Solo a un ser peludo, como su perro Alaskan
Malamute, al que llamó Chewbacca.
C-3PO y R2-D2.- En Star Wars los robots son
llamados droides y éste par sirve de coro —o
compañía— de los héroes. El primero es un droide
entrenado para el protocolo (“sabe seis millones
de formas de comunicación”) y el segundo se
especializa en funciones de navegación de naves.
Dato curioso: En homenaje al Gordo y el
Flaco por sus formas características, Lucas
concibió que estos droides podrían traer mucho
humor a la historia.

LOSVILLANOS
Lord Darth Vader.- Caballero oscuro y señor
del Sith, Vader es lo único que públicamente
queda visible de los Jedi, quienes perecieron dos
décadas atrás por su mano. Su misión es
asegurarse de que los designios del Emperador
se cumplan y la Alianza Rebelde, a la que
pertenece la princesa Leia, sea asfixiada de una
vez por todas.
Dato curioso: La palabra “vader” en
neerlandés significa “padre”, dato que servirá
para entender el futuro del personaje. En el
momento de Star Wars, Lucas quiso representar
la corrupción del espíritu cuando apuesta por la
tecnología y se olvida de lo humano.
Moff Tarkin.- Gobernador de la Estrella de la
Muerte, estación espacial que puede desintegrar
a un planeta entero. No está cómodo con tener a Hollywood capturó la atención de Lucas, quien Kenobi).- Veterano del gran cine espectacular de
Darth Vader a bordo y cree que el miedo será la deseaba un rostro no conocido para su héroe. la era de oro de Hollywood con películas como
manera de poner a todos los sistemas planetarios Carrie Fisher (Princesa Leia).- Hija de la Bridge over River Kwai, Oliver Twistt y Doctor
en línea con el Imperio. realeza de Hollywood: Eddie Fisher (cantante) y Zhivago, Guinness validó con su presencia el
Dato curioso: Tarkin había sido imaginado Debbie Reynolds (actriz de Singing in the Rain), filme de princesas y criaturas peludas en el
antes por Lucas como un hombre santo. En el Carrie sólo había hecho una película previa a Star espacio de Lucas. El británico pasaría el resto de
guion de Star Wars el personaje cambió a Wars, Shampoo (1975) con Warren Beatty. Su sus días pidiendo ser no sólo reconocido por Star
representar lo peor del Imperio. humor, belleza de 19 años y actitud bravucona se Wars, pero el impacto de la misma en la cultura
Stormtroopers.- Soldados entrenados en la ganaron a Lucas de inmediato. La actriz se pop era indiscutible. Nominado a Mejor Actor
Academia, la tropa de uniformados con quejaría años después de que Leia, en esta Secundario, Alec fue el único candidato al Óscar.
armaduras blancas son los centuriones que primera cinta, pasa mucho tiempo enojada o Peter Mayhew (Chewbacca).- Con su altura de
manda el Imperio a toda la galaxia para controlar, regañando, que era la forma de presentarla como 2.20 m, Peter era la persona ideal para actuar
conquistar y poner orden. una mujer fuerte. El filme sería el inicio de una como una criatura espacial. El actor inyectó de
Dato curioso: Lucas imaginó a estos soldados amistad de por vida entre Fisher y Lucas. personalidad al ser de la raza Wookie, al que se le
como la milicia nazi. Harrison Ford (Han Solo).- A sus 34 años, el agregaron después sus gruñidos tipo oso. Años
actor que había tenido un pequeño rol en después, la cadena de videos MTV le daría su

LASCARAS
Mark Hamill (Luke Skywalker).- Tenía 25
años cuando filmó Star Wars. Llegó a la audición
porque su mejor amigo actor, Robert Englund
(futuro Freddy Krueger), prácticamente lo obligó.
Su aspecto ingenuo y de alguien recién llegado a
American Graffiti, de Lucas, y en The
Conversation, de Coppola, captó la atención de
George cuando éste le pidió de favor que ensayara
los parlamentos con los actores para Star Wars.
Ford tenía entre sus talentos ser carpintero y
trabajaba en las oficinas en esos momentos.
Sir Alec Guinness (Obi-Wan
medalla tan merecida al final de Star Wars.
Peter Cushing (Grand Mofff Tarkin).-
Emblema del cine de Hammer, donde interpretó
a personajes clásicos como el Barón
Frankenstein, Sherlock Holmes y Dr. Van
Helsing. El actor vivió aterrado por guardar el
secreto de la historia 18 meses antes del estreno.

62 DICIEMBRE 2017

La carita de menso
de Luke, con el viejo
Ben (Obi-Wan)
Kenobi y el pirata
coreliano Han Solo,
de los Solo de toda la
vida / Harrison Ford,
David Prowse, Peter
D Los actores pasaban muchas horas
h w, Carrie
Fisher, M k Hamill y
Kenny Baker.
David Prowse ( rth Vade .- Cua o conoció
a Lucas, éste le dijo q tenía dos pe onajes que
él podría vestir por su al ra una suerte
de perro espacial (Chewie) y o el villano de la
cinta. David eligió ser el villano, pues es el
personaje que la gente siempre recuerda.
Kenny Baker y Anthony Daniels (R2-D2 y
C-3PO).- Ambos tuvieron que soportar los
calores de más de 50 grados en Tunez para filmar
Tatooine. El primero era encerrado en la
carrocería de R2-D2 y el segundo tuvo que
colgarse en su armadura dorada un letrero que
dijera: “Hay una persona dentro” para que no lo
empujaran como objeto.
LACREACIÓN
Si bien 20th Century Fox no pudo mandar a
Lucas al espacio, si le dio un boleto directo a
Inglaterra para usar los estudios Elstree, donde
John Huston filmó Moby Dick y Stanley Kubrick
Lolita. Ahí, George se topó con un choque
generacional. Él, vestido con jeans y tenis,
enfrentando a un staff repleto de técnicos con la
tradición del cine clásico, ceñidos a horarios
regidos por un sindicato.
Lucas se la pasó frustrado gran parte del
rodaje al no poderse concretar algunas de sus
escenas más anheladas, particularmente la de la
cantina en Mos Eisley, donde los maquillistas no
pudieron crear muchas máscaras convincentes.
El guion de Lucas contaba con muchos
tecnicismos que debían decirse rápido, como si
fuera parte de la conversación habitual. Harrison
Ford llegó a decirle a George: “Una cosa es
escribirlo y otra poder decirlo”.
esperando poder ser filmados, dados los
esfuerzos de Lucas y su staff por iluminar bien las
escenas o preparar vestuarios y coreografía. Las
órdenes que más se escuchaban por parte de
George eran: “¡Más rápido!”, “¡Más intenso!”.
Los escenarios, vestuarios, maquillaje y
utilería (armas) fueron raspados y maltratados
u Para los moradores de arenas, Tusken, el
para cumplir la idea de Lucas de un “universo
usado”, creando la sensación al espectador de que
esos personajes y mundos ya existían desde siglos
antes de que iniciara la película.
Y mientras el staff de técnicos locales en
Inglaterra se reía a espaldas de Lucas pensando
que estaban ante la peor cinta de la historia, en
California la recién fundada empresa de efectos
especiales Industrial Light & Magic (creada por
Lucas para Star Wars) se peleaba con el
presupuesto para poder crear los efectos de las
naves espaciales.
Contratado por su habilidad de hacer
comerciales para la Comisión de Agua usando
animación con objetos (stop motion), John
Dykstra inventó una cámara conectada a una
computadora que podría retratar más de una vez
los movimientos alrededor de naves ensambladas
a escala. Así nacieron los famosos TIE Fighter y
los X-wing.
Recordando su experiencia como editor en
documentales para el ejército, Lucas ensambló
una serie de imágenes de la Segunda Guerra
Mundial con aviones en pleno combate para
comunicar su idea de que con edición podrían
crear el sentido de velocidad en la pantalla, que
realmente se viera volar a esas naves espaciales.
Quería que Star Wars tuviera la adrenalina del
circuito Fórmula 1.
En California, ILM sumó cuanta técnica de
efectos visuales existiera, desde animación con
objetos (stop motion) para escenas como las
figuras tipo alien que pelean en el ajedrez del
Millennium Falcon, hasta animación,
requiriendo que una persona dibujara fotograma
por fotograma el sable de luz.
Los fondos en varias escenas que requerían
planetas y espacio fueron pintados sobre vidrio,
en un proceso conocido como matte painting. El
mismo Ralph McQuarrie, quien había ayudado a
Lucas a vender Star Wars a los estudios, pintó
todos esos escenarios.
ELRUIDOYLAFURIA
Al igual que Star Wars se separó de otras cintas
de ciencia ficción por no tener escenarios y
vestuarios pulcros, Lucas quiso darle un diseño
de sonido y música totalmente distinto.
El sonidista Ben Burtt entró a escena cuando
Lucas vio su cortometraje que ganó un premio
nacional titulado Vape God, d donde compartía su
fascinación con George por la aviación clásica.
Burtt entendió al leer Star Wars que
necesitaban crearse centenas de sonidos para
computadoras, droides, naves, sables de luz y la
máscara del villano principal. Igualmente tenía
que inventar lenguajes alienígenos.
El primer acierto de Burtt fue buscar sonidos
naturales para no alienar por completo a la
audiencia y hacerle sentir que estaba visitando un
universo cuyas criaturas respiraban en verdad,
con cierta familiaridad al entorno natural de
nuestra Tierra.
sonido de un burro fue mezclado para crear su
grito de guerra, mientras que para Chewbacca se
grabó a osos. Burtt encontró que apuntando su
micrófono a la bobina de un proyector y
combinándolo con un televisor descompuesto se
creaba el sonido del sable de luz, totalmente
manipulable según se desenvainara en escena.
Para los sonidos de las pistolas tipo blaster,
Burtt, en un accidente, descubrió que podía
golpear con una llave de metal los cables que
sostenían las torres de alta tensión.
En cuanto a la música, Lucas sabía que su
Star Wars era una aventura épica y que debía ser
narrada con una orquesta completa. Su amigo
Steven Spielberg le recomendó contratar al
compositor John Williams, quien se había
dedicado más a hacer televisión, pero que ya le
había orquestado su The Sugarland Express
(1974) y Jaws (1975).
Williams primero pensó en Richard Wagner
para impregnar a Star Wars de ese espíritu de
guerra entre el cielo y la tierra, pero también le
agregó su amor por Richard Strauss, Gustav Holst
y Antonin Dvorak. Incluso su admiración por el
compositor cinematográfico Max Steiner (King (
Kong, 1933).
Para dividir su partitura, Williams innovó
creando temas para distintos personajes de Star
Wars, a la leitmotiv, creando así una narrativa
DICIEMBRE 2017 63
 melodiosa que provocaría distintas emociones y
contaría de forma distinta el viaje de Luke
Skywalker y sus amigos.
“La música de Star Wars es lo único que
sobrepasó mis expectativas en todo el proceso de
filmación y edición”, dijo un orgulloso George
Lucas al momento de estrenarse el filme.
El soundtrack de Star Wars marcó un hito al
volverse el más vendido de la historia en su
momento, incluso teniendo una versión pop del
tema, que se escuchaba en las discotecas, cortesía
la banda Meco.
BIENVENIDOAOTROMUNDO
Star Wars se estrenó el 25 de mayo de 1977 en
sólo 32 salas de Estados Unidos, siendo su propio
creador el primer sorprendido de la euforia que
provocó. La fila de gente que llegaba a la entrada
del famoso Teatro Chino en Hollywood daba
vuelta a la cuadra, con recién iniciados a este
universo que al salir de la experiencia del
celuloide volvían a formarse para entrar.
Fox entendió pronto el fenómeno que tenía
en las manos y expandió a 900 salas la proyección
de Star Wars entre Estados Unidos y Canadá;
luego vendrían los estrenos escalonados en el
resto del mundo. En México sería para la Navidad
de 1977 bajo el adecuado nombre de La guerra de
las galaxias.
Star Wars había llegado y con ella un nuevo
inicio para la historia del cine. La manera de
concebir una producción cambiaría al enterarse
los grandes estudios de cine que eran los
jovencitos quienes podían conformar un éxito de
taquilla completo.
Los fans de Luke, Leia y Han Solo pronto
desarrollaron un sentido de pertenencia sobre el
filme de Lucas, quien aprovechó el trato que
había conseguido con la 20th Century Fox de
cederle todos los derechos de la mercancía para
poder licenciar juguetes, pósters y demás.
“Yo pensaba que si a la película le iba
medianamente bien podía, con estos derechos de
propiedad, vender algunas camisetas y pósters
que me permitieran sacar un extra de dinero”,
afirmó Lucas en su momento, viendo cómo el
frenesí se desataba y que la juguetería Kenner era
rebasada, teniendo que dar cupones a los
compradores con la promesa de que para Navidad
les enviarían a casa las figuras y naves de plástico.
Star Wars se convirtió en el filme más
taquillero de la historia, rebasando los 300
millones de dólares. La película consiguió seis
premios Óscar y uno extra especial por el diseño
de sonido de Burtt. Lucas fue nominado como
director y guionista. Era apenas el inicio de una
historia que se volvería mito en Hollywood y en el
mundo, abanderando una nueva cultura pop y
tocando a millones de personas al sugerir con su
optimismo que todo podía ser posible.
VIÑETASDEANEWHOPE(1977)
La entrada triunfal: En sólo unos segundos
Star Wars se insertó en nuestra imaginación con
una introducción de letras de oro flotando al
infinito —hablándonos de los eventos que
antecedieron al inicio de esta aventura—,
para de inmediato ver cómo un Star Destroyer
enorme y con forma de triángulo zurca sobre
64 DICIEMBRE 2017
nuestras cabezas con una lentitud y marcialidad
muy difíciles de olvidar.
Los droides: En el interior del transporte
diplomático Tantive IV descubrimos a un par de
personajes de metal, cuya forma delgada-dorada
y pequeña-regordeta nos hacen sentir de ya un
calor humano. ¿Quién no confiaría la libertad de
la galaxia a esos seres?
Darth Vader y la princesa: El Imperio entra a
escena tras el semblante de Darth Vader,
respirando de manera forzada bajo su armadura
oscura. Al recorrer los pasillos blancos del
Tantive IV, Leia llega atada como presa. Mal y
bien frente a frente y Leia mostrándose
calzonuda as usual.
La puesta de los soles: En Tatooine, el joven
granjero Luke Skywalker desea enlistarse a la
Academia para algún día aliarse a la Rebelión. Su
tío le pide quedarse en casa a ayudar en la granja.
En el horizonte, los dos soles, Tatoo 1 y Tatoo 2 se
ocultan, como sus sueños yéndose a dormir. La
aventura está a punto de llegar a su vecindario
para sacarlo de ahí para siempre.
El llamado de la princesa Leia: De uno de los
apéndices de R2-D2 se proyecta el pequeño
holograma de la princesa Leia pidiendo ayuda,
hablando de unas guerras del pasado y
suplicando: “Tú eres mi única esperanza”. Ella C-3PO / “Jala mi
confiaba en que los Caballeros Jedi de la antigua dedo”, dice Lord
República podían volver en su auxilio. Vader a la princesa y
Han Solo y Greedo: En la cantina del puerto de senadora Leia Organa
Mos Eisley, el pirata Han Solo recibe la visita del / Leia queriendo
cazarrecompensas Greedo, amenazándolo. echarle una moneda
Greedo es abatido por Han, que disparó primero. a la rockola.
El Millennium Falcon: Anclado en un puerto de
Mos Eisley, la nave de Han Solo aguarda. Al verla,
Skywalker exclama: “¡Qué pedazo de basura!”.
La muerte de Obi-Wan Kenobi: “El círculo está
ahora completo”, espeta Darth Vader a su antiguo
maestro Jedi, confirmándonos que ambos tenían
cierta historia detrás de este momento. Luego
viene un duelo de sables de luz y el noble
sacrificio del héroe.
La destrucción de la Estrella de la Muerte:
Creyendo únicamente en la Fuerza, donde se
simboliza y concentra el poder del espíritu sobre
la tecnología, Luke Skywalker destruye de un tiro
certero a la imponente Estrella de la Muerte.
La entrega de medallas: No hubo medalla para
Chewie, pero sí para Luke y Han Solo, quienes
reciben además la sonrisa coqueta y complacida
de la princesa Leia.
Taquilla Episodio IV en
1977: $307,263.857 USD
(en Estados Unidos) + 314
mdd a nivel mundial.
Número de efectos
visuales: 365.
Días totales de
rodaje: 84.
País latinoamericano
en DONDE se filmó una
escena: Guatemala (base
de Yavin).
Número de días para
filmar la escena del
duelo entre Vader y
Obi-Wan Kenobi: 3.
Para filmar la escena
de la trinchera de la
Estrella de la Muerte
se construyó un modelo a
escala en pleno
estacionamiento de ILM.
En uno de sus
primeros conceptos,
George Lucas imaginó a
Star Wars usando sólo
actores enanitos.
El diseño aplanado
del Millennium Falcon
proviene de que Lucas
sugirió a sus modelistas
que podían usar la forma de
la carne de una
hamburguesa como
inspiración.
Hasta la fecha, ninguno
de los actores ha recibido ni
un sólo dólar por la venta
de mercancía en relación a
sus personajes. Por
contrato, los derechos le
pertenecen a Lu
Lucasfilm.
En los años 80, el
presidente Ronald
Reagan bautizó a su
sistema de defensa espacial
como Star Wars, mismo
que fue criticado por Lucas,
por no querer ver
relacionada su marca con
algo bélico.
Fue hasta el
relanzamiento de
Star Wars, cerca del
estreno de su secuela a El
Imperio Contraataca (1980),
que Lucas colocó antes de
la introducción el subtítulo
Episodio IV.
El museo Smithsonian,
en Washington, ha
expuesto más de una vez
en sus salas el arte de Star
Wars y sus influencias bajo
el título El poder del mito.
En 1997 se hizo una
edición especial de
Star Wars, donde Lucas
enfureció a muchos por
alterar algunas escenas,
sobre todo la de Han Solo y
Greedo donde se revelaba
que el alienígena dispara
primero. De ahí se creó la
campaña: “¡Han Solo
disparó primero!”.
En Los Ángeles existe
un bar abierto al público
que recrea la experiencia de
la cantina de Mos Eisley. Y
sí, hay leche azul.
DICIEMBRE 2017 65
 DESPUÉS DEL INUSITADO ÉXITO DE A NEW
HOPE , GEORGE LUCAS SE REIVINDICÓ
CONSIGO MISMO Y EMPEZÓ A DISFRUTAR
MIENTRAS FUNDABA UN IMPERIO.
POR JESÚS CHAVARRÍA ILUSTRACIÓN ALETS KLAMROTH

66 DICIEMBRE 2017
DICIEMBRE 2017 67
ESPECIAL
EPISODIO 1
tiempo (en 1977), en una galaxia
nuestra), una gran perturbación se
ue el estreno de Star Wars. Así,
nque hoy es más que sabido que el
cinta es Star Wars Episode IV: A
tonces se popularizó simplemente
gó para cambiar para siempre la
e fantasía y, por supuesto, los
deran una obra de culto, aunque no
s principales reglas para serlo: no
atención en las salas de cine. En
ontrario. Esto fue algo que ni el
vaticinado. La película fue
su realización; aquellos que
or el lugar de filmación veían todo
ensando: “Están haciendo otra
película de monitos y naves”, pero
seguro se atragantaron cuando
vieron el recibimiento que tuvo el
filme, lo que, por cierto, sí
predijeron algunos de los
primeros que pudieron verla.
68 DICIEMBRE 2017
Como maestros Jedi, amigos cercanos y colegas de George Lucas que
asistieron a una proyección especial le dieron el visto bueno, entre ellos
Steven Spielberg, el famoso Rey Midas de Hollywood, que aseguró: “Es
fantástica y va a recaudar millones”.
En contraste, sólo un par de invitados expresaron lo contrario, como el
caso de Brian De Palma, quien se mofó de ella. A él se unió después Robert
Altman, quien declaró que la película que algunos catalogaban como “un
parque de diversiones” era la muerte del cine. Eso no sucedió, pero siempre
debe haber alguien que traiga equilibrio a la Fuerza.
En cuanto a la crítica internacional, la manita arriba fue la tendencia.
La lista de críticos fascinados con el resultado la encabezó el legendario
Roger Ebert, quien en su momento dijo que Star Wars había traído de
regreso las queridas visiones pulp perdidas en la memoria colectiva, que su
verdadera Fuerza estaba en cómo la narrativa reactivaba las viejas
emociones y, finalmente, la comparó con 2001: Odisea en el espacio, lo cual
no es poca cosa.
En el caso de la revista Variety el comentario fue que Lucas conseguía
una brillante aventura de fantasía con base en las series y películas de
acción que marcaron su infancia. Otro que vistió la túnica de Jedi e hizo
declaraciones que se convirtieron en certeras predicciones fue Vincent
Canby, quien en las páginas de The New York Times escribió: “Es una
película que mantendrá entretenidas a muchas generaciones futuras, que
desde ahora guardan un trato sensible hacia los rituales virtualizados con
los que se crean las aventuras del cómic”. ¿Qué tal?
Con el paso de los años está situación no ha cambiado. Por el contrario,
la cinta ha sido revalorada, motivando a interminables interpretaciones
que han incrementado los halagos: “Un magnífico ejercicio de imaginación
 George Lucas, Irvin
Kershner y Steven
Spielberg / La
prensa recibe con
elogios a Star Wars
/ La primera
camada de
merchandising
creada por Kenner
para Lucasfilm.
que se ha convertido en clásico”, son las palabras con las que se refiere a ella
Fernando Morales del diario El País, por ejemplo.
En contraste a lo anterior, un fatalista Francis Ford Coppola señaló en
entrevista a Vanity Fair: “George es una especie de genio, pero es una pena
que acabara tan absorto en esa franquicia. Espero que George no se ofenda,
pero lo cierto es que Star Wars nos ha costado 10 películas suyas que
hubieran sido maravillosas”.
A pesar de estas duras declaraciones y de que no podemos basarnos en
el “hubiera”, queda claro que no sólo fueron los excelentes resultados en
taquilla lo que convirtió a Star Wars en un más que exitoso inicio para una
saga que hoy parece no tener fin, sino que los diversos valores fílmicos que
posee fueron reconocidos por los especialistas, quienes no pudieron
resistirse a la influencia Jedi.
LA CONSTRUCCIÓN
DE UN IMPERIO
Una regla de todos conocida y que Hollywood suele seguir puntualmente
es que si una película consigue excelentes resultados en taquilla debe tener
una secuela. Principalmente si, además, cuenta con la venia de la crítica
especializada.
Ése fue el caso de Star Wars: Episode IV - A New Hope, que no sólo se
convirtió en el primer filme de la historia en recaudar más de 300 millones
de dólares, además recibió alabanzas por todos lados e incluso alcanzó 10
nominaciones a los premios de la Academia de Artes y Ciencias
Cinematográficas, de los que se quedó con seis.
Con tales antecedentes, la producción de Star Wars: Episode V - The
Empire Strikes Back tendría que haber comenzado en mucho mejores
condiciones que su predecesora. Sin embargo, el siempre visionario George
Lucas, en lugar de exigir a los estudios, decidió hacer algunos sacrificios y
confiar en el éxito obtenido por la primera entrega, apostando por
financiarla a través de Lucasfilm; es decir, usó las ganancias obtenidas por
la misma como garantía de un préstamo bancario. Todo con tal de no verse
en la necesidad de compartir los derechos de autor.
Por otro lado, ya muy consciente de lo absorbente que había sido el
proceso anterior y que le desencadenó problemas de salud, también optó
por ceder la silla de director a Irvin Kershner. Éste fue su profesor en la
University of Southern California y, hasta ese momento, contaba con una
trayectoria bastante gris —sobre todo con títulos para televisión—, y eso lo
convertía en alguien manejable, pues otra de sus consignas era mantener el
control total de su obra.
Para ese entonces, al quedar muy insatisfecho con un primer guion
que realizó la escritora Leigh Brackett —con base en las novelas de Alan
Dean Foster, pensadas como secuelas por si Star Wars era un éxito—,
Lucas ya tenía listo un nuevo tratamiento. El encargado para revisar y
trabajar nuevamente el guion fue Lawrence Kasdan.
Kasdan y Brackett siempre estuvieron bajo la atenta mirada y la
estricta supervisión del creador de todo el concepto. Quizá fue tal
conjunción lo que hizo que esta segunda parte encontrara mayor cohesión
dentro de la trama, que aterrizó los rasgos planteados en el Episode IV
y de paso se volviera más oscura y adulta.
John Williams brindó continuidad mediante el que debe ser el segundo
gran tema distintivo de la saga, “La Marcha Imperial”.
DICIEMBRE 2017 69
ESPECIAL
EPISODIO 1
Fue así como se gestó la que, después de un rodaje accidentado,
recaudó 538 millones de dólares en las taquillas de todo el mundo,
convirtiéndose en la película más taquillera del año y una de las mejores
secuelas de la historia. Pero lo más importante es que fue el paso definitivo
para que George Lucas lograra la independencia que tanto deseaba y
redundó en un notable avance de su empresa de efectos especiales,
Industrial Light & Magic, amén de la fundación del por igual legendario
Skywalker Ranch.
UN MERCADO ESPACIAL
Si la película de Star Wars se convirtió, en su momento, en un ejemplo de
innovación en el uso de los efectos especiales y la forma de ver la fantasía
en el cine, del mismo modo representó una revolución del mercadeo al
replantear las bases para la negociación de derechos sobre su contenido e
implementar estrategias de explotación que ni la misma Federación de
Comercio y su relación con la vieja República hubieran imaginado.
Todo empezó cuando el buen Lucas, luego de estrenar American
Graffiti (1973), renegoció las condiciones bajo las cuales comenzaría la
filmación de su siguiente trabajo. Haciendo oídos sordos a aquellos que le
aconsejaban que buscara un pago mayor por su trabajo, pidió a los estudios
20th Century FOX conservar los derechos de cesión de las licencias y
demás merchandising —incluyendo los de las posibles secuelas—, a lo cual
de inmediato accedieron pensando que las ganancias no serían
significativas. Un grave error, pues ese fue el detonante para que, tras el
éxito de Star Wars, se lanzaran toda clase de productos relacionados con la
futura saga y se vendieran como pan caliente.
70 DICIEMBRE 2017
Una de las más
grandes franquicias
de todos los
tiempos /
Oficialmente, la
trilogía más famosa
/ El Early Bird era
un vale que Kenner
otorgaba cuando se
le terminaron los
primeros juguetes /
Halcón Milenario/ El
láser que usó
Samuel L. Jackson
en Episode II / La
primeras figuritas
de Star Wars.
Ese movimiento ya Disney lo había puesto en práctica —de hecho, ellos
fueron los pioneros entre los años 30 y 40— pero que esta vez, apoyándose
en un previo estudio de segmentación del mercado y la consigna de que
hubiera productos para toda la familia, fue llevado a otro nivel de
inmediatez, variedad y consumo: libros, pijamas, mochilas, playeras, tazas,
juguetes, libros y mucho, mucho más, incluyendo por supuesto figuras de
acción, llegaron hasta el último rincón de la galaxia, logrando que lo que
antes era una forma de promover las películas adquiriera entonces un
propósito independiente.
De esta forma, la primera oleada de productos llegó apenas siete meses
después de la cinta, para Navidad. Dado que la compañía Mego, responsable
de producir las figuras basadas en Star Trek y el universo DC Comics no
mostró interés, Lucas decidió lanzarlo bajo el ahora clásico sello Kenner.
La pequeña empresa encontró un gran reto. En su momento se vio
abrumada por la demanda y tuvo que replantear su estrategia y métodos de
trabajo para tener sus productos “listos” para la temporada decembrina.
Por ello implementaron estrategias un tanto insólitas, como lanzar 600 mil
paquetes con escenarios galácticos de cartón, estampas, una suscripción a
un “club” y cupones para cambiar las figuras posteriormente, ya cuando
Kenner tuviera los monitos listos. La campaña se denominó Early Bird
Certificate Package.
Pero lo mejor es que lo que comenzó como un puñado de réplicas de los
personajes protagonistas se extendió cuando fabricaron las de los
secundarios, y posteriormente hasta las de aquellos que apenas aparecían
segundos en pantalla. Además de que todos venían acompañados por
algunos accesorios —cascos, espadas, pistolas, lanzas y otras armas— y
correspondían con los vehículos, que por supuesto resultaban muy
atractivos al tratarse de diversas naves, como el legendario Halcón
Milenario y la fastuosa Estrella de la Muerte. Por si fuera poco, y para
acentuar el deseo de los fans de tener todas y cada una de las piezas, se
diseñaron coleccionadores tan atractivos que algunos tenían, incluso, la
apariencia de Darth Vader.
No todo quedó ahí. Con el paso el tiempo, aquellos niños que morían
de ganas por tener en su poder la línea completa de figuras y demás
chucherías, crecieron manteniendo este afán y luego lo transmitieron
a sus hijos.
El gusto de las nuevas generaciones por el merchandising de la
franquicia ha logrado trascender el paso del tiempo. No por nada este 2017,
por el 40 aniversario de la llegada del Episode IV, la juguetería Hasbro —
que terminó por absorber a la ya mencionada Kenner— lanzó una línea de
12 figuras basadas en las que se vendieron en 1977. Lo que diferencia a las
nuevas de las originales son algunos detalles, como que son un poco más
estilizadas, con agregados de tela en lugar de plástico y nuevas
articulaciones.
De esta forma, George Lucas construyó un Imperio y con él sustentó
durante mucho tiempo su estatus de “Hombre dueño de su sueños”, hasta
que en 2012 vendió a The Walt Disney Company la franquicia espacial que,
en ese entonces, en productos derivados, generaba mucho más que las
propias películas y los videojuegos subsiguientes —algo así como 200
millones de dólares—.
Hagamos un recuento: la empresa del ratón también posee Marvel,
además de las creaciones propias y las de Jim Henson —The Muppets y
compañía—, así que puedes considerarla como la dueña de casi toda
nuestra infancia.

DICIEMBRE 2017 71
 CAMBIOS DE DIRECTOR, NUEVOS PERSONAJES Y PLOT
TWISTS CON REVELACIONES FAMILIARES LOGRARON
QUE LOS EPISODIOS V Y VI CONSOLIDARAN LA TRILOGÍA.
POR JACQUELINE WAISSER ILUSTRACIÓN ALETS KLAMROTH

72 DICIEMBRE 2017
ESPECIAL
EPISODIO 1
Luego de haber batallado con la realización de A New Hope, la singular
ópera galáctica que le costó salud y por poco lo lleva a la quiebra, George
Lucas comenzó a recibir los frutos de su arduo trabajo. Pero en ese
momento aún no le era posible medir el alcance de lo que había creado ni
comprender que había cambiado las reglas del juego de la industria de
Hollywood. Su única inquietud era terminar de contar su historia, que por
cuestiones de logística y viabilidad tuvo que dividir en tres partes.
Dado el enorme éxito de A New Hope, Lucas supo que las secuelas de
Star Wars serían un hecho. Así como también que para tener el control
absoluto de ellas debía autofinanciarse. Esto constituía razón suficiente
para que cediera la batuta a otro director y entrara de lleno en sus
funciones como productor. Su compañía Lucasfilm se encontraba en un
momento coyuntural: era tiempo de que la empresa diera un gran salto y,
como su líder, tenía que dedicarle el cien por ciento.
Para la ambiciosa labor de capitanear The Empire Strikes Back eligió a
Irvin Kershner, quien fuera uno de sus maestros en la University of
Southern California. La designación fue inesperada, pues Kershner era un
director de bajo perfil cuya carrera se había enfocado en cine
independiente, por no mencionar su edad: 57 años. La apuesta resultó ser
justo lo que se requería para plasmar la complejidad narrativa y desarrollar
los arcos dramáticos de los personajes que exigía esta segunda historia.
Con las palabras de aliento “nothing’s gonna work”, Lucas le dio la
bendición a su director. Y en efecto, casi desde el inicio del rodaje, las cosas
se complicaron.
74 DICIEMBRE 2017
Se pretendía comenzar la filmación en un glaciar de Noruega, locación
que serviría para recrear el nevado planeta Hoth. Para los estándares del
arriesgado Lucas, que se tratara de un territorio literalmente inexplorado
era peccata minuta… hasta que el crew arribó al lugar. Se toparon con una
temperatura de 32 ºC bajo cero y las peores condiciones climatológicas
registradas en 50 años, situación que pedía a gritos un plan B.
El pragmatismo de Kershner sacó a flote la enrevesada filmación. Su
capacidad de resolución contrarrestó la “Ley de Murphy” referida por
Lucas, que decretaba el caos por default en proyectos de esa magnitud
(bueno, casi: la cinta terminó excediéndose en presupuesto y tiempo).
Al menos en cuanto a elenco, ya había pasado la parte más difícil. El
cast principal —probado y aceptado— estaba de vuelta. Trabajar con un
nuevo director les resultó un plus inesperado. Kershner, a diferencia de
Lucas, tenía un estilo afable y directo. En tanto que su predecesor era
reservado y arisco, Kersh disfrutaba la interacción con sus actores.
La producción trajo consigo diversos retos. Uno de ellos era rodar las
escenas en las que Luke y R2 quedan varados en Dagobah. Para ello, Mark
Hamill estuvo semanas filmando, sin ningún otro humano a cuadro, en un
set de los estudios Elstree, entre props, puppets, animatronics y animales
cuyas voces o sonidos serían añadidos posteriormente.
Poco antes del estreno de A New Hope, Hamill estuvo involucrado en
un accidente automovilístico que le fracturó la cara. Tuvo que someterse a
una cirugía para reconstruirse la nariz y una parte del pómulo. La
diferencia en las facciones del joven actor en esta segunda parte era
 evidente. Se podían distinguir las cicatrices debajo de la reparada nariz, lo
que dotaba a su rostro —antes angelical y perfectamente simétrico— de una
apariencia más dura. Esto, lejos de interferir con la historia, jugó a su favor:
aludía a un Luke Skywalker más curtido, cuya inocencia inicial había
desaparecido por la experiencia de vida y las lesiones adquiridas.
En lo que respecta al otro par, Leia y Han Solo, cumplieron a cabalidad
con su función de sacarle chispas a la pantalla —y no de las que a cada rato
brotan del averiado Millennium Falcon—. La narrativa de su atracción
contenida regala los mejores momentos, o al menos los más cómicos, a lo
largo de la cinta. Ahora sabemos, gracias al libro The Princess Diarist,
escrito por Carrie Fisher, que Harrison Ford y ella tenían un pasado. La
tensión sexual entre la princesa rebelde y el contrabandista espacial no era
actuada, pues la disímil pareja —con una diferencia de edad de 14 años—
vivió un tórrido romance mientras rodaban A New Hope.
Dentro de las novedades de esta segunda entrega desde luego figuraron
nuevos personajes, entre ellos uno que hoy en día es de los más
emblemáticos y queridos: Yoda.
Cuando conocimos a la criatura, se asemejaba más a un viejito senil
gruñón que a un maestro Jedi. Al igual que Skywalker, el público ignoraba
su verdadera identidad. Para dar vida a este puppet, el maquillista de
efectos especiales, Stuart Freeborn, tuvo la ocurrencia de basarlo en su
propia cara, lo que resultó una decisión afortunada tomando en cuenta la
curiosa apariencia del diseñador. Frank Oz sería el manejador y la voz de
Yoda, por lo que pasó largas horas debajo de una tarima para manipular
adecuadamente al muñeco.
La otra adición fue Lando Calrissian, interpretado por Billy Dee
Williams, un antiguo conocido de Han Solo y administrador de Cloud City,
cuyas lealtades son inciertas en un principio. Su personaje tenía la
complejidad y claroscuros requeridos para una cinta en la que se deseaba
mostrar una gama moral más allá del blanco y negro.
Hablemos ahora de esa escena final, quizás una de las más recordadas
del cine contemporáneo. La vuelta de tuerca se mantuvo en total
confidencialidad hasta un día antes de filmarla. Como se sabe, Darth Vader
era interpretado por el actor y fisicoculturista David Prowse. Sin embargo, la
Irvin Kershner voz pertenecía a James Earl Jones. La logística era que, aunque a la postre
dirigiendo a sus fuera doblado, Prowse decía sus parlamentos al filmar sus escenas como
personajes / Lando cualquiera de los actores. Los diálogos que le dieron para esa secuencia en
Calrissian y Han Solo / particular no eran los finales (ni revelaban el gran secreto). A Mark Hamill,
La escena más en cambio, lo llamó Kershner poco antes de rodar para explicarle de lo que
reveladora de la saga. trataría en realidad el encontronazo. Hamill, como el resto del mundo, no lo
esperaba y se quedó pasmado. Con esa información, que sólo él sabía, actuó
su parte. En posproducción agregaron los diálogos correctos de Vader.
El 21 de mayo de 1980 se estrenó The Empire Strikes Back, para muchos
la mejor película de la saga con todo y que no tenía un final feliz.
La cinta ingresó alrededor de 300 millones de dólares tan sólo en la
taquilla estadounidense. Gracias a esas ganancias y a los tratos de
merchandising que había negociado Lucas con 20th Century Fox, el joven
director y productor se convirtió en un millonario certificado.

Irónicamente, George Lucas se había transformado en lo que tanto

repudiaba: un poderoso productor de blockbusters. No obstante, era la
única forma de ejercer el control total sobre sus proyectos.
Después del estreno de The Empire Strikes Back, el californiano estaba
en la posición de dar otro salto cuántico. Adquirió 800 hectáreas en el
condado de Marin para construir Skywalker Ranch, un complejo alejado de
Hollywood donde diversos creadores podrían trabajar con todas las
facilidades y tecnología a la mano. Sería la sede de Lucasfilm y otras filiales
como Industrial Light & Magic. El guion de Return of the Jedi fue reescrito
por Lawrence Kasdan. Kershner declinó la oferta de dirigir, por lo que
Lucas contrató al galés Richard Marquand. Se rumora que los motivos
detrás respondían al deseo de Lucas por un director al que pudiera
controlar con facilidad.

DICIEMBRE 2017 75
ESPECIAL

EPISODIO 1

La presencia del creador original de Star Wars en el set se alzaba

amenazante sobre Marquand. A pesar de ello, el nuevo cineasta logró dejar
su sello en el producto final: un tono sentimental y optimista rociado de
guiños cómicos que no se habían visto en las anteriores. No es casualidad
que algunas secuencias se sientan ligeramente fuera de lugar, como el
número musical en la guarida antro de Jabba the Hut o el baile de los
Ewoks hacia el final de la cinta.
La trama arranca justo después de que Han Solo es entregado a Jabba,
uno de los personajes nuevos en la saga. La criatura anfibiana llamó la
atención por su desagradable aspecto que reforzaba su corrupta naturaleza.
Han Solo quedó congelado en carbonita y se desconocía su suerte. A
estas alturas de la trilogía, Harrison consideraba prudente matar a su
personaje, pues ya no tenía cabida en la historia, aunado a que no estaba
contractualmente obligado a participar en ella. Por fortuna, Lucas ignoró
esa idea. ¿Se imaginan el filme sin el malencarado y sarcástico galán de Leia
quien, las más de las veces, tenía los mejores diálogos? Sin mencionar los
lamentos de Chewy que nos habríamos chutado si se hubiera muerto su
compañero en ese entonces.
En su intento por rescatar a su amado de las babas del moluscoso
gángster intergaláctico, la lideresa de la rebelión termina metida en
aprietos y en un diminuto bikini metálico. Ver a Carrie Fisher como la
esclava/objeto de Jabba alimentó las enardecidas fantasías de los fans de
Star Wars. Si bien la joven de 25 años lucía espectacular, el revelador
vestuario la hacía sentir muy incómoda por varias razones. La primera, su
endeble autoestima y pobre autoimagen. La segunda, la muy real presión
que sentía por parte del estudio de verse delgada. Desde A New Hope, los
productores le habían “sugerido” que bajara unos kilos. Fisher misma narra
que temía ser sustituida por Jodie Foster.
Si Lucas no tenía pensado matar a Han Solo, Yoda y Darth Vader
correrían con otra suerte. En un afán por encontrarle una resolución a la
historia de Luke era preciso sacrificar algunas cabezas y soltar más giros
familiares del calibre: “No. Yo soy tu padre”. Ahora el turno de revelar el
gran secreto de: “Soy tu hermano” le tocaba a Luke.
Pero vayamos al clímax de la trilogía, el momento en el cual el amor de
un hijo redime a su padre y lo extrae del lado oscuro. Por más de seis años el
público esperó con ansia ver al hombre debajo de la máscara. Cuando por
fin sucedió, el mito del villano se rompió dejando al descubierto el rostro de
un viejo disminuido.
Aún más triste que presenciar a Luke perdiendo a su padre justo
cuando se había contentado con él es la historia detrás de quien
interpretara a Vader, David Prowse. Este actor, a diferencia del resto del
elenco, terminó en la ignominia y tal vez haya sido víctima de una de las
más grandes injusticias en la industria.
Según relata Prowse, a Marquand no le simpatizaba. Poco a poco el
director lo fue ignorando al grado de que prefería trabajar con su stunt que
con él. La estocada máxima fue enterarse, por rumores, que los productores
no tenían ninguna intención de que él filmara la escena final. Lo que era
más, ya tenían al actor que prestaría su cara al moribundo Lord Sith,
robándole así la merecida gloria que correspondía a Prowse después de seis
pacientes años. Sólo se puede especular —Lucas nunca ha hecho
declaraciones al respecto— que la medida se tomó como represalia a
Prowse por hablar de más con la prensa. Se le acusó de filtrar el spoiler de la
muerte de Darth Vader. Sin embargo, la incriminación era infundada.
El gran estreno se llevó a cabo el 25 de mayo de 1983. La respuesta fue
apoteósica y la cinta rompió record en taquilla.

GEORGE LUCAS,
GENIO SOLITARIO
Para George Lucas, el adagio de “buena suerte en el dinero, mala suerte en
el amor”, resultaría cierta. Después de concluir su anhelado proyecto y
enriquecerse más de lo que jamás imaginó, su matrimonio de 14 años con
Marcia Lucas colapsó. Fue un duro golpe para el realizador, pues además de
la pérdida sentimental que implicaba, Marcia tenía gran influencia creativa

76 DICIEMBRE 2017

El final de la película
más aclamada / El
artista del escape,
Han Solo, vuelve a
sacar a sus amigos
sanos y salvos de un
brete espacial.
sobre George y había desempeñado un papel crucial en la elaboración de
esos primeros episodios de Star Wars como editora.
Con la conclusión de su saga, Lucas desaparecería un rato de los
reflectores para criar a la hija que había adoptado un par de años atrás. Eso
no significaba un retiro. Al contrario, Lucas se dedicó a crecer su compañía
ILM y a trabajar en otros proyectos como productor o guionista, tales como
Indiana Jones (1981). Eso sí, no volvería a dirigir una cinta en 22 años.
Antes de cumplir los 40 su patrimonio neto rondaba los dos billones de
dólares, pero los lujos jamás fueron su estilo de vida. Todo el dinero
generado se reinvirtió en la compañía, sobre todo en el avance de
tecnologías de efectos especiales, por lo que Lucas se convirtió en pionero y
líder del ramo y se consolidó como el principal proveedor de efectos
digitales de Hollywood.
Recluido en su santuario al norte de California llevaría una existencia
de bajo perfil, prefiriendo la vida en familia —adoptó dos hijos más— a las
apariciones públicas.
MARK HAMILL,
EL JEDI DE LAS MIL VOCES
Cuando Mark Hamill fue elegido como el héroe de Star Wars era un actor
de 25 años con una aceptable —mas no estelar— trayectoria. El acierto de
contratarlo como Luke se evidenció desde el principio. La inocencia y
pureza de espíritu que requerían el personaje compaginaban perfecto con
el fenotipo de Hamill y su benévola personalidad. El público lo aceptó con
los brazos abiertos y lo colocó en el pedestal de icono cinematográfico.
Irónicamente el papel de su vida fue la causa del estancamiento de su
carrera actoral. Encarnar a Luke lo encasilló sin retorno: no había forma de
separar al personaje del histrión. Después de terminar con la trilogía no
hay una sola película en la que salga digna de mencionar; cintas de serie B
intrascendentes de las que nadie se acuerda ni vio. ¿Fue entonces una
maldición velada tener tanto éxito y tan temprano?
Antes de pronunciarse un one hit wonder, Hamill tomó la hábil
decisión de incursionar en el mundo del doblaje, un medio en donde podía
demostrar sus verdaderos dotes histriónicos sin que su rubia melena y cara
de Jedi interfirieran. Resultó poseer un extraordinario don para las voces.
Desde entonces ha prestado su voz a infinidad de personajes animados,
entre ellos el Joker de las series animadas de Batman.
No fue sino hasta 2015, con el estreno del Episodio VII, que volvió a
tener relevancia en la pantalla grande.
HARRISON FORD,
EL CASCARRABIAS CON TOQUE MIDAS
De todos los protagonistas, sin duda Ford sería quien gozaría de la carrera
actoral más fructífera. Su carisma y áspera galanura lo perfilaban como un
leading man de Hollywood desde sus pininos como Han Solo.
La leyenda urbana en torno a sus comienzos cuenta que, de humilde
carpintero, saltó a superestrella. Lo anterior es un tanto exagerado. Sí era
maestro carpintero y en ciertos periodos vivía de ese oficio, pero cuando se
puso el traje de Han Solo ya tenía 33 años y varias cintas y programas en su
haber, incluyendo American Graffiti, del mismo Lucas.
La trilogía sólo fue el empujón que le faltaba para propulsarse a la
estratósfera y convertirse en uno de los actores más cotizados. Entre The
Empire Strikes Back y Return of the Jedi dio vida a Indiana Jones, otro
personaje que sería tanto o más icónico que Solo.
Los 80 constituyeron una prolífica década para él, con al menos un
filme de alto perfil al año. Por si parecía poca cosa haberle pegado al gordo
con dos personajes memorables, Ford lo consiguió una tercera vez con
Blade Runner y su Rick Deckard. En 1986 recibió una nominación al Óscar
como Mejor actor por Único testigo y, aunque no ganó ni ha vuelto a ser
nominado, sí recibiría numerosas preseas por sus filmes de enorme
atractivo comercial. Harrison se convirtió en el perfecto héroe de acción,
presidente, agente de la CIA, fugitivo y arqueólogo.
CARRIE FISHER,
DETRÁS DE LOS CHONGOS
La existencia de Carrie Fisher culminó de la misma manera en que fue
vivida: de forma precipitada y rodeada de adicción. A diferencia de sus
coactores, la princesa Leia provenía de una verdadera realeza: la de
Hollywood. Hija de Debbie Reynolds y Eddie Fisher, la joven había vivido
inmersa en un mundo VIP donde su madrastra era Elizabeth Taylor.
Pero estar familiarizada con el funcionamiento de la industria y
relacionarse con grandes estrellas desde que tenía uso de razón no
contrarrestaba sus inseguridades en el set de Star Wars.
Después de todo, vivía bajo la sombra de sus legendarios padres, a los
que difícilmente podía superar. También abusaba de las drogas en un afán
de mitigar su trastorno bipolar, entonces aún no diagnosticado.
Es probable que el cauce de su carrera se haya desviado debido a su
problemática personal. Aún así participó en múltiples producciones con
papeles secundarios o cameos, en muchas instancias burlándose de sí
misma. Su cáustico sentido del humor siempre la acompañó y borró de un
plumazo la refinada imagen de Leia Organa.
Fisher demostró tener un gran talento en la escritura, ámbito en el que
destacó con diversas novelas y libros de no ficción. Quizás el más famoso de
ellos sea Postcards from the Edge, escrito semibiográfico que más adelante
se convirtió en película con Meryl Streep y Shirley MacLaine. Otra de sus
actividades fue escribir guiones... o más bien, reescribirlos de manera
anónima en calidad de script doctor.
Al igual que su gemelo ficticio, Carrie jamás pudo rebasar al personaje
que la volvió una celebridad.
DICIEMBRE 2017 77
78 DICIEMBRE 2017
A GEORGE LUCAS SE LE OCURRIÓ DARLE UNA MANITA
DE GATO A SU PRIMERA TRILOGÍA, PERO SE PASÓ POR
MÁS DE DOS RAYITAS. HAN SHOOT FIRST.
POR STIVI DE TIVI ILUSTRACIÓN ALETS KLAMROTH

DICIEMBRE 2017 79
ESPECIAL

EPISODIO 1

efinitivamente vivimos
en una época gloriosa
para los fanáticos de la
ciencia ficción. En
especial de Star Wars:
información hasta por
d omnipresencia en la
c s que en los últimos
años se han hecho. Lo curioso es que entre las
nuevas entregas y el anuncio de spin offs, seguro
olvidas que este 2017 se cumplieron 20 años del
relanzamiento de la trilogía original.
Para quienes nacimos después del estreno
de las primeras tres entregas, saber que
podíamos ver en cine A New Hope, The Empire
Strikes Back y Return of the Jedi en los 90, fue un
acontecimiento único.
Fue en enero de 1997 cuando regresó a la
pantalla grande la ahora conocida como Episode
IV
V y no sólo era verlas en cine: se presentaban
con mejor calidad de imagen y sonido.
Tampoco ibas a toparte con la misma versión
que tus papás vieron a finales de los 70, eran
versiones con escenas mejoradas y con la adición
de nuevas que antes no se pudieron realizar. Jurassic Park, descubrió que Industrial Light &
Estábamos por conocer la visión que Lucas soñó Magic ya contaba con la tecnología para realizar
desde un principio y que, por presupuesto, el filme galáctico que siempre soñó. Como ya
tecnología y tiempo, no pudo hacer. nada era impedimento y se acercaba el 20
aniversario de A New Hope, tenía más de un

DE VUELTA EN UNA GALAXIA, pretexto para retocar a sus retoños.

No sería barato. Se invirtieron 10 millones

MUY,PEROMUYLEJANA
Las presiones que 20th Century Fox ejerció
sobre Lucas para que entregara en 1975 A New
Hope eran tan fuertes que creó Industrial Light
& Magic, una empresa dedicada a producir
efectos especiales y visuales para cintas.
Retrasos en la edición provocaron que Star
Wars aplazara su estreno de la Navidad de 1976
al verano de 1977, dándole al cineasta seis meses
para coordinar y controlar que todo quedara de
la manera en que él había imaginado. La película
fue aprobada por Fox y, tiempo después, se
convirtió en el suceso que todos conocemos. En
1994, cuando Lucas salió de la premiere de
en la reedición de Episode IV y gran parte del
presupuesto se repartió en efectos visuales, otra
en la mejora del audio —se le aplicó tecnología de
audio Dolby Digital, pues la primera era Dolby
Stereo— y el formato de película fotográfica pasó
de los 35 mm, como se rodó originalmente, a 70
mm para conseguir mejor rango visual.
Al final, la cinta contaba con cuatro minutos
y medio adicionales entre las escenas mejoradas
digitalmente y nuevas tomas, como una
confrontación entre Han Solo y Jabba the Hutt.
A finales de 1996 cada una de las entregas de
la trilogía original de Star Wars tenía una nueva
versión y con ello un presupuesto un poquito
más elevado: la reedición de A New Hope costó lo

80 DICIEMBRE 2017

mismo que el presupuesto de la cinta en 1975;
mientras que The Empire Strikes Back y Return
of the Jedi requirieron una inversión de 2.5
millones de dólares cada una.
¡CA$HING,CA$HING,CA$HING!
El 31 de enero de 1997 reestrenó Star Wars:
Episode IV, A New Hope y logró recaudar 35
millones de dólares en su primer fin de semana,
convirtiéndose de inmediato en el estreno
lanzado en enero con más ingresos en la historia
del cine hasta ese momento.
El fervor por esta saga estaba más fuerte que
nunca y logró mantenerse en el primer sitio de
taquilla por tres semanas, hasta que llegó
Episode V, The Empire Strikes Back, que se
estrenó el 21 de febrero del mismo año y recaudó
21 millones en sus primeros días de exhibición.
Originalmente, Episode VI, Return of the Jedi
estrenaría el 14 de marzo del 97, pero el público
pedía más tiempo en cartelera para las otras
Luke Skywalker amenaza
a Jabba the Hutt /
Selfie del mal / C-3PO
impide que Han Solo
llegue a tercera base / Los
hermanos Luke y Leia
ensayando su lambada.
entregas, así que la retrasaron siete días. Durante
siete semanas consecutivas, un episodio de Star
Wars conservó la corona de la taquilla y eso
provocó que ningún título —ni la esperada cinta
de desastre natural Dante´s Peak— pudiera
debutar en primer lugar. Todo por la Fuerza de
los Skywalkers.
Al final, la reedición de la trilogía logró 892
millones de dólares alrededor del mundo. Esta
cifra dio luz verde a las tres precuelas que Lucas
quería realizar.
EL DESPERTAR
DELFORMATOCASERO
De donde más dinero puede sacar el cine es de
la ventas de películas en formatos para ver en
casa. Y la gente de Lucasfilm ha ordeñado esa
vaca desde hace tres décadas. ¿Para qué limitarse
a sacar una cinta a la venta si se puede lanzar por
separado, en paquete, en ediciones especiales y
versiones de aniversario? Las reediciones de
1997 también han sido exprimidas varias veces
para... “complacer a los fans”.
VHS – 1997
En aquellos tiempos sin-video-bajo-demanda
todo el mundo tenía una videocasetera, por lo
que las ediciones enVHS fueron de lo más
vendido en Navidad ese año. Venían en paquete
especial de tres que contenía material extra con
entrevistas y detrás de cámaras que mostraba
todos los cambios hechos.
DVD – 2004
Luego del éxito en ventas de The Phantom
Menace y Attack of the Clones en DVD, era
momento de sacar la trilogía original por
primera vez en esos discos, y ello sucedió el 21 de
septiembre. Aunque no se vendía como la
versión de 1997, era lo que encontrabas.
Aparte de incluir las nuevas escenas en
mejor calidad de video, el paquete de DVD
contaba con un cuarto disco, y en éste iba el
documental Empire of the Dreams: The Story of
Star Wars, que cubría el rodaje de la trilogía, así
como información adicional, entrevistas, el
nacimiento del sable de luz y otras curiosidades
para enamorar a los fans de la saga, pero también
a los que llegaran recién.
En esta edición podías encontrar audios con
comentarios de varias figuras de la franquicia.
DICIEMBRE 20 81
ESPECIAL
EPISODIO 1
DVD – 2006
No pasaron tantos años para que otra vez saliera
a la venta esta trilogía en DVD, pero sólo estaría
disponible de septiembre a diciembre de 2006.
¿Qué tenían de especial? Cada entrega se vendía
por separado y con dos discos: Si comprabas A
New Hope te llevabas la edición de 1997 y la de
1977. Por primera vez podías tener ambas con la
mejor calidad audiovisual.
DVD – 2008
Ese año, por primera vez, salió a la venta el
paquete de Episode I, II y III y, aprovechando,
también Episode IV, V y VI. No había nada en
especial en estas versiones, nada más la caja era
muy bonita... y había que sacar dinero.
BLU-RAY – 2011
Las seis películas llegan en Blu-ray por primera
vez en septiembre de 2011. El paquete incluía
nueve discos (uno por película) y tres con
materiales extra: el primero dedicado a Episodes
I, II y II;
I el segundo a las tres entregas iniciales;
el tercero era un documental con duración de 84
minutos, un compilado de las parodias de Star
Wars y un detrás de cámaras de A New Hope.
BLU-RAY Y DVD – 2013
¿Y de qué otra forma podían convencer a los fans
de comprar más y más de Star Wars? En 2013
salió la trilogía completa en ediciones de
colección en Blu-ray y DVD. De nuevo, no hay
alguna sorpresa para presumir. Uno que otro
comentario extra y nada especial.
EL PEOR ENEMIGO
DESTARWARS
En 1997, mientras que Hollywood presenciaba
el poder de la Fuerza de Star Wars, el público
descubrió el lado oscuro de quien pensaron
era un aliado y que resultaría ser todo lo
contrario: George Lucas.
Miles de fanáticos entendieron que a quien
alguna vez llamaron “padre” era tan sólo un
comerciante que buscaba la manera de explotar
económicamente su franquicia. Con el pretexto
de regresar la trilogía al cine por su aniversario le
hizo unos “arreglos”, que, en su mayoría, eran
bastantes innecesarios.
Sí, técnicamente hizo mejoras para
aumentar la calidad de las imágenes, pero era
algo que iba a suceder tarde o temprano porque,
para poder ajustarse a las nuevas tecnologías y
formatos caseros, tenían que hacer la conversión.
La idea era mejorar el producto sin tocar la
narrativa, pero eso a Lucas le valió.
Visualmente hasta los prostéticos se vieron
beneficiados, pero agregar más personajes y
situaciones se sintió como besar a un guardia
Gamorrean.
Por ejemplo, los cambios en la escena de la
cantina Mos Eisley en Episode IV V es algo
imperdonable hasta la fecha. Un momento clave
82 DICIEMBRE 2017
en la franquicia es cuando, con una acción de
Han Solo, describen por completo su
personalidad. El cazarrecompensas se encuentra
en la cantina y es acorralado por Greedo, por lo
que decide matarlo para que no le ocasione
problemas. El público lo entendía y hasta
disfrutaba ese momento. ¿Qué decidió hacer
Lucas en la reedición? Inventar un forzado
disparo de Greedo para que Solo disparara en
defensa propia y tuviera “justificación”.
¡Nadie la necesitaba! Todos querían ver a
Solo disparar primero. Fue tan comentado el
caso que salieron playeras a la venta con la
leyenda “Han Shot First”. Es como si de repente
Leonardo da Vinci decide ponerle una pestaña
extra a la Mona Lisa: NADIE QUIERE ESO. Ya sé
que la comparación se lee exagerada, pero para
muchos eso dolió porque no veían a Star Wars
como un producto, sino como algo propio que
ellos dominan y protegen porque crecieron con
esta saga.
Así es como inició la caída de George en el
ojo público, y la razón por la que éste celebró
cuando se anunció la venta de los derechos de la
franquicia a Disney, en 2012.
UNA MANITA DE GATO...
OUNZARPAZODEWOOKIE
George Lucas y Steven Spielberg protagonizan el
bromance más famoso de Hollywood. Por esta
razón, cuando Lucas obtuvo toneladas de dinero Así se filmó la icónica
al estrenar su reedición de la trilogía original de escena de la confesión de
Star Wars le aconsejó al realizador de Tiburón Darth Vader a Luke / Shmi
que hiciera lo mismo con sus filmes. Y como
resultado obtuvimos, en 2002, una versión de ET
y Anakin comparten el pan
con una mascota y una
en la cual cambiaron las armas de los agentes del
FBI por walkie-talkies.
La furia de los fanáticos no se hizo esperar, y
princesa / Han Solo
disparo primero.
hasta se promovió un boicot contra estos dos
gigantes cinematográficos. Incluso la serie
animada South Park se subió al tren del mame y
en el episodio “Free Hat” de la sexta temporada,
Stan, Kyle, Cartman y Tweek tratan de salvar sus
películas de la manos de Spielberg, Lucas y hasta
Francis Ford Coppola mientras son perseguidos
por policías que usan walkie-talkies como armas.
Pero no todos los cambios son malos. Hay
algunos directores que han logrado mejorar su
producción en la reedición.
BLADE RUNNER - RIDLEY SCOTT
¿Qué puedes reeditar de una pieza perfecta? Al
parecer muchas cosas, y es que existen varias
versiones editadas de este clásico de la ciencia
ficción. Scott realizó en 1992 el primer
“Director’s Cut” donde mejora la calidad de
imagen, los sonidos y hasta elimina momentos
cursis que no le agradaban. Pero no quedó
satisfecho y volvió a hacer otra edición en 2007
llamada “Final Cut”. En éste, la tecnología se
pone al servicio de la película, visualmente es
más impactante, el aspecto futurista se percibe y
no se siente acartonado. La incorporación de
ciertas imágenes por computadora provocan que
no se sienta que ha pasado el tiempo por ella y
hace perfecta conexión en todos los sentidos con
la secuela, Blade Runner 2049.

WATERWORLD - KEVIN REYNOLDS

En su momento se consideró como la cinta más
cara de la historia del cine (175 millones de
dólares, en 1995) y también el fracaso más fuerte
de la década. Fue una producción que sufrió el
ataque de la naturaleza, las complicaciones de
trabajar con gigantescos sets acuáticos y el final
de la amistad entre el propio realizador y el
protagonista, Kevin Costner.
El estudio forzó a Reynolds a cortar la cinta
para que tuviera una duración de 135 minutos,
así que lo que vimos en pantalla era un caos
absoluto. Por esta razón el director peleó para
después sacar la versión que él quería,
añadiéndole un extra a su aventura acuática y,
para sorpresa de muchos, se convirtió en una
cinta mejor ejecutada, cargada del humor que le
hacía falta y con secuencias de acción que tienen
sentido. Gustó tanto la versión final de Reynolds
que cuando transmiten la cinta en TV pasan la
“Director’s Cut”.

ALMOST FAMOUS - CAMERON CROWE

Uno de los filmes más queridos del año 2000, y
que es una especie de biografía del realizador, al
relatar su adolescencia como reportero mientras
seguía el tour de una banda por todo Estados
Unidos. La fuerte carga musical y la excelente
recreación de la década de los 70 emocionó a los
críticos y al público.
Crowe decidió sacar la versión “No
autorizada” de su propia película en lugar del
“Director’s Cut”, y el resultado fue una emotiva
cinta con 30 minutos extra que sabe sacar
provecho a la nostalgia. Al final todos queremos
ser roadies.

LÉON: THE PROFESSIONAL - LUC BESSON

Una de las razones por las que amamos esta cinta
de acción es por la excelente química entre Léon
(Jean Reno) y Mathilda (Natalie Portman), y la
reedición de esta película nos da 23 minutos
extras concentrados en esta relación. Aquí no
meten escenas de relleno: cada momento
agregado ayuda para entender más la psicología
de los personajes. Más que una cinta de acción,
es sobre encontrar alguien que te comprenda y
los lazos que se crean.

DAREDEVIL - MARK STEVEN JOHNSON

Este filme es la razón por la que gran parte de los
cinéfilos odian a Ben Affleck y es considerada
como una de las peores adaptaciones de cómics
en la historia. Sorprendentemente, la versión de
Steven Johnson que no llegó al cine tiene más
carnita y es un poco más oscura. Hace buena
balanza entre las ridículas escenas de acción y la
poca pasión del guion. No estoy diciendo que
este “Director’s Cut” es una joya, pero si te quita
el mal sabor de boca que dejó la primera.

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84 DICIEMBRE 2017
DICIEMBRE 2017 85
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88 DICIEMBRE 2017
O DE CÓMO GEORGE LUCAS ENCONTRÓ LOS PLANOS
PARA ACABAR CON SU PROPIA ESTRELLA.
POR MARIO P. SZÉKELY ILUSTRACIÓN ALETS KLAMROTH

DICIEMBRE 2017 89
ESPECIAL

EPISODIO 1

Anakin algún día será

Darth Vader / El
maldito Palpatine se
saldrá con la suya /
Jake Lloyd y George
Lucas / La boda de
Anakin y Amidala en
Las Hadas.
"You can't stop the
any
more than
you can stop the
from
-Shmi Skywalker
Parece que sucedió hace tiempo, en un cuadrante de la historia del cine
donde no parecía posible escuchar este anuncio entre las constelaciones de
películas del fin del siglo XX. Pero pasó: George Lucas afirmó su regreso a la
mesa de escritor para forjar los argumentos de tres nuevas cintas de Star
Wars que fungirían como precuelas de la saga que filmó entre 1977 y 1983.
“Cuando escribí la original Star Wars tuve que desglosar una historia
del pasado de los personajes, con su entorno político, aventuras, así como la
explicación de la procedencia de los Jedi y la presencia de la República”,
declaró Lucas por ahí de 1997, en pleno aniversario de la primera incursión
de Luke Skywalker en la pantalla.
El cineasta explicó que por fin la tecnología estaba lista para filmar una
nueva trilogía, la cual tendría como objetivo principal averiguar cómo
Anakin Skywalker había crecido como Jedi y caído al Lado Oscuro de la
Fuerza para ser Darth Vader.
Siendo Vader el villano más famoso en la historia del cine y teniendo a
Lucas como precursor, escritor y director de las nuevas cintas, no había
nada que podría salir mal... ¿o sí?
Como si se tratara del mismísimo Pentágono, Lucasfilm LTD guardó
con celo cada secreto de la edificación del entonces sólo llamado Star Wars:
Episode I. Pronto, hordas de clubes de fans comenzaron a especular sobre
el contenido del filme y sus dos secuelas, a estrenarse en 2002 y 2005.
A medida que se anunciaban los nombres de los actores de personajes
nuevos como la reina Padmé Amidala (la futura esposa de Anakin y madre
de Luke y Leia) o del nuevo villano, Darth Maul, se daba por entendido que
su consagración en la historia del cine era un hecho.
También se generó gran expectativa alrededor del niño que encarnaría
los primeros años de Anakin, así como quién sería el afortunado que daría
rostro a los años juveniles del Jedi Obi-Wan Kenobi.
Los fans acudieron a sus conocimientos de árboles genealógicos y de
antemano supieron que un personaje como Yoda podría aparecer, siendo
que para el Episode VI: Return of the Jedi tenía 900 años y el Episode I
sucedería 32 años antes de cuando conocimos a Luke, en Episode IV.
Los rumores sobre si Lucas acudiría a algunas de las historias del
universo expandido de Star Wars en libros, cómics y videojuegos se
disiparon cuando el autor dijo que él siempre señaló que podría hacer lo
que le diera en gana en sus historias cinematográficas, sin ser coherente
con lo que otros escritores o artistas imaginaron con sus personajes.
Cuando 20th Century Fox anunció, en noviembre de 1998, que el
primer teaser del ya rebautizado Star Wars: Episode I - The Phantom
Menace aparecería en la cinta romántica de Brad Pitt Meet Joe Black, jamás
imaginaron que centenas de fans iban a pagar un boleto para una cinta que
no les interesaba: sólo querían ver las primeras imágenes de Star Wars en
más de una década. Lo mismo sucedió con el lanzamiento del tráiler, que se
proyectó previo a la intrascendente Wing Commander en marzo de 1999.
Fue en abril, en Denver, Colorado, que la megaconvención Star Wars
Celebration I se llevó a cabo por el club oficial de Star Wars y el soporte de
Lucasfilm. Varios actores atendieron el llamado y se dio la oportunidad de
ver un video musical de MTV con el primer tema musical del legendario
John Williams acompañado escenas del Episode I.
Ese mismo fin de semana, las jugueterías de
todo Estados Unidos inundaron sus estantes
—como nunca antes— con mercancía de la
franquicia. Darth Maul, en figuras, pijamas y
juguetes, era el personaje a coleccionar por su
presencia en los avances que prácticamente lo
ponían como el villano del filme.
El actor Ahmed Best se convirtió en
celebridad de la noche a la mañana, aún sin
estrenarse la cinta. Su personaje de Jar Jar Binks
prometía ser un ente simpático y digno de
ocupar un sitio en los corazones de los fans.
AHORA SÍ EL INICIO
Fiel a su tradición de nunca empezar a contar la
historia por el principio, George Lucas arrancó
su Episode I en el vértice de la antigua República,
cuando la corrupción minaba los pasillos del
senado y una Federación de Comercio cobraba
impuestos en toda ruta sideral, además de
hacerle la guerra a quien no pagara.
Es en esa era que los Caballeros Jedi son
guardianes de la galaxia y su cuartel general está
en el mismo planeta donde el Senado de la
República se reúne: Coruscant. En ese lugar, el
maestro Mace Windu dirige la asamblea de los
servidores de la Fuerza y el sabio Yoda tiene un
asiento en la Torre del Concilio.
Lejos de ahí, en el planeta Naboo, la reina
Amidala ve con malos ojos las amenazas de la
Federación de Comercio, que intenta obligarla a
firmar un tratado con riesgo a invadir y someter
a su reino. Al pedir ayuda, los Jedi Qui-Gon Jinn
y su aprendiz, Obi-Wan Kenobi, llegan al rescate,
pero terminan huyendo con la monarca para
buscar auxilio en Coruscant.
El destino daña la nave de Amidala y los Jedi,
y terminan varados en el planeta Tatooine,
donde habita un niño amable y virtuoso llamado
Anakin, quien es esclavo y vive con su madre,
Shmi Skywalker. Qui-Gon descubre que el chico
merece un entrenamiento, aunque el mentor
Yoda dirá que es demasiado grande para iniciarse
en los caminos de la Fuerza, pues el miedo anida
en su corazón.
En Episode I Lucas se volvió más político que
nunca, incluso emulando la crisis de credibilidad
entre los partidos Demócrata y Republicano en
Estados Unidos, con la amenaza del juicio
político al presidente Bill Clinton por su
infidelidad y mentiras en la Casa Blanca.
Pero más allá de eso, el cineasta deseaba
crear una fábula espacial sobre la importancia de
trabajar en conjunto, conviviendo distintas razas
por el bien común, incluyendo la protección del
medio ambiente.
UNIVERSO I
En la nueva entrega Lucas pudo explorar
visualmente su concepto de “universo usado”
que había planteado en los episodios anteriores,
DICIEMBRE 2017 91
ESPECIAL
EPISODIO 1
en los que era evidente que las glorias del pasado
habían sucumbido con el surgimiento del
Imperio Galáctico.
El concepto de que el Millennium Falcon era
una chatarra o que las naves X-Wing estaban
hechas de partes de otros maltrechos vehículos
por la Alianza Rebelde, incluso que los TIE
Fighters llevaban en su chasis el sello de una
línea de ensamblaje en masa y sin preocupación
por la estética, quedó palpable al darle un vistazo
al diseño de Episode I.
Lucas recurrió una vez más a su infancia y
adolescencia, cuando los autos Chevrolet Impala
y Ford Thunderbird eran sinónimo de ingeniería
automotriz y la cima de una industria interesada
en hacer arte con sus máquinas.
Como Lucas era quien dirigía el proyecto de
inicio a fin, se dio el lujo de poner a su
departamento de arte y diseño de Industrial
Light & Magic —productora de efectos visuales
de Lucasfilm— a confeccionar planetas, razas
alienígenas, vehículos y naves, aún sin haber
terminado de escribir el argumento.
En lugar del retirado artista Ralph
McQuarrie, que ayudó a Lucas y a ILM en la
visualización de la ahora llamada trilogía clásica
de Star Wars (1977-1983), George contrató al
taiwanés Doug Chiang para trazar los diseños de
las precuelas.
Entre lo más notable: las naves de combate
de Naboo y el transporte personal de la reina
Amidala, se asemejaban a lo plateado de las
vistas y salpicaderas de los autos que tanto
admiraba Lucas en sus tiempos de rock and roll.
Se hizo un elaborado mapeo sobre qué
arquitecturas y escenarios naturales podrían ser
aprovechados. Por ejemplo, para el palacio de
Naboo se viajó al palacio de Caserta, en Italia,
por sus cúpulas y escalinatas en mármol
construidas en el siglo XVIII.
Para el hogar de Anakin, Tatooine, se regresó
a la antigua locación en Túnez donde se filmaron
las escenas en 1976 de Luke con un vecindario
enterrado entre las piedras del desierto. Igual se
levantaron los escenarios para crear Mos Espa,
donde Anakin tiene a su amo y protector.
La mayoría de los interiores de naves y
muchos paisajes se dejaron para pintarlos
después digitalmente, pasando los actores la
mayoría del tiempo en sets virtuales —green
screens— en los estudios de Leavesden.
Lucas, quien fue precursor de la era digital
con su empresa ILM con cintas como Terminator
2 y Jurassic Park, estaba listo para dar el
siguiente paso al crear personajes enteramente
digitales con aspecto humanoide que pudieran
interactuar con los actores principales. Así nació
Jar Jar Binks.
Entre los aciertos de Episode I estuvo la
confección de la carrera de vainas, o podracing.
Lucas fusionó el concepto de competencia de
92 DICIEMBRE 2017
autos en su natal Modesto, California, con su
fascinación por los Fórmula 1 y la secuencia de
carruajes de la cinta Ben-Hur.
El vehículo de carreras tipo pod que Anakin
pilota cruza trincheras de roca —que se parecen a
las de la original Estrella de la Muerte— mientras
su sistema de propulsión era jalado por dos
turbinas tipo jumbo 747.
Cerca de mil 950 tomas de The Phantom
Menace requirieron efectos visuales.
Lucas terminó explicando que filmar Episode
I fue como producir dos películas a la vez: una con
actores y sus acciones, otra con puros personajes,
naves y escenarios digitales y animados.
PORTANDO
LAS TÚNICAS
Anakin Skywalker (Jake Lloyd).- Tras una ardua
búsqueda entre miles de niños, el actor Jake
Lloyd fue reclutado basándose en su trabajo en
cintas como El regalo prometido (1996) y una
intervención en TV, en un episodio de E.R.
Lloyd encarna a Anakin de nueve años,
esclavo en el planeta Tatooine e hijo único de
Shmi Skywalker, con habilidades en la Fuerza al
poder manejar maquinaria, pilotar vehículos y
naves, además de vislumbrar el futuro.
Qui-Gon Jinn (Liam Neeson).- Nominado al Óscar por
Schindler’s List, mostró que podía manejar bien la
espada en su Rob Roy (1995). Neeson tenía la
presencia, altura y voz para ser el Maestro Jedi de
Obi-Wan Kenobi.
La filosofía de Qui-Gon es que el Jedi debe
prestar atención “a la forma de vida” que contiene
y convive con la Fuerza. Sus métodos poco
ortodoxos lo meten en problemas con el Concilio
Jedi, pero está dispuesto a morir por darle a
Anakin la oportunidad de ser instruido en su
orden de protectores.
Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor).- Desde su debut en
Trainspotting (1996), el escocés captó la atención
de los grandes públicos. Su estilo pícaro y
divertido, pero igual dispuesto a ser formal y
alguien en quien confiar, provocaron que le
ofrecieran la versión joven del personaje que
antes interpretó Sir Alec Guinness.
McGregor había crecido con Star Wars como
parte de su vida, pues su tío Denis Lawson
interpretó al piloto rebelde Wedge Antilles en la
trilogía clásica.
Natalie Portman (Reina Amidala).- Niña prodigio desde
su debut en Léon: The Professional (1994), Natalie
fue reclutada por Lucas al sorprenderle su
sentido de liderazgo y autonomía, sumado a su
belleza monumental, en plena postadolescencia.
Amidala rige al planeta pacífico Naboo y es
quien enfrenta a la Federación de Comercio. El
planeta con filosofía ecológica tiene en el Senado
de la República al Embajador Valorum.

Sin saberlo, Amidala está por conocer al niño virtuoso Anakin, quien en
el futuro será su esposo y padre de sus gemelos, Luke y Leia.
Ian McDiarmid (Senador Palpatine/Darth Sidious).- Brazo derecho de Amidala en
Naboo, se gana su confianza para después colocarla en trayectoria directa a
sembrar la desconfianza en el Senado de la República y así destituir a sus
líderes en el futuro. Él es la amenaza fantasma de la historia y el futuro
Emperador del Imperio Galáctico.
McDiarmid, actor de teatro clásico británico, poco imaginaba que al
tomar el rol de Emperador para Return of the Jedi (1983) estaba aceptando
ser el jefe de Darth Vader y su mentor en las precuelas a filmarse 15 años
Mace Windu amenaza después de aquella ocasión.
a Jango Fett / Darth Ray Park (Darth Maul).- Experto en artes marciales y presto para roles que
Maul jugando requirieran expresarse físicamente y con pocas palabras, Park también hizo
chocaditas con su nombre fuera de Star Wars al interpretar a Toad en la serie de X-Men.
Qui-Gon Jinn / El Anthony Daniels (C-3PO), Kenny Baker (R2-D2) y Frank Oz (Yoda).- Los actores
Emperador y los clásicos de las primeras tres cintas de Star Wars regresaron a las precuelas.
despojos de Anakin De hecho, Lucas anunció que los droides C-3PO y R2-D2 aparecerían en
Skywalker. todas, pues son los únicos personajes que servirían como hilo conductor y
testigos de los hechos.
La novedad fue descubrir que a C-3PO lo ensambló Anakin Skywalker y
que R2-D2 era parte de los asistentes mecánicos de la nave de Amidala.
Oz regresó manipulando al Yoda tipo muppet y prestando su voz, ya
para la edición de Blu-ray el muñeco fue sustituido por un personaje digital.
Cameos.- Como trivia queda saber que la actriz Keira Knightley (Pirates of
the Caribbean) y la directora Sofia Coppola (Lost in Translation) fungen
como damas de compañía tipo señuelo de Amidala.
TROZOS DE LA LEYENDA
Al saber que contaba con un producto que todo Hollywood deseaba tener,
George Lucas primero puso a los grandes estudios a disputar su
distribución y proyección. La ganadora fue su casa original —20th Century
Fox— y parte del argumento fue que “nadie podría imaginar una cinta de
Star Wars iniciando sin las fanfarrias de la productora del logo dorado”.
Luego, el realizador arremetió con todo en la industria del
merchandising al hacer negocio con cuanta marca quisiera pagar por la
franquicia de Star Wars. Entre las más célebres están la línea de juguetes
Hasbro, Lego y Pepsi Co.
Lo que era escaso en 1977 con la primera Star Wars ahora desbordaba
los anaqueles. Los personajes de Episode I eran lo mismo figuras de acción
que shampoos, cepillos de dientes, ropa, relojes, toallas y un muy, muy
amplio etcétera. Tanta oferta afectó la demanda. No todo el mundo salió
contento del trato con Lucas.
LA AMENAZA O LA ESPERANZA
“Es imposible darle gusto a todos. Cada quien trae en la cabeza la película
de Star Wars que desea ver”, comentó George Lucas cuando las primeras
reacciones a su Episode I comenzaron a publicarse el 19 de mayo de 1999.
En esos tiempos todavía no existían los teléfonos inteligentes con su
internet para propagar rumores y juicios. Tampoco las redes sociales de
Facebook y Twitter. Ni siquiera los trolls pintaban en escena... ¡de la que se
salvó, sin querer!
Pero la controversia surgió desde la primera proyección. Star Wars se
había vuelto una experiencia rígida y acartonada, con personajes que
hablaban de alianzas, líneas de comercio y
burocracia gubernamental.
El cinismo de Han Solo de la primera serie
no existía. No había novatos héroes que se
cuestionaran los métodos de un Jedi ni tampoco
un punto de vista rebelde y fresco.
Parecería que el sistema que tanto criticó
Lucas se había apoderado de él cual Darth Vader.
No pasó mucho sin que los primeros titulares
dijeran que George era el nuevo Emperador de
Hollywood y que su sed de vender juguetes eran
el “beso de la muerte” de su marca.
La crítica y el público se sintieron
desconectados emocionalmente de Episode I,
extrañaron el humor de la trilogía clásica y se
quedaron fríos con los escenarios digitales.
Incluso, aquellos amantes de la filosofía de
Star Wars de que toda mujer u hombre puede
desafiar al sistema confiando en sí mismos, se
sintieron algo traicionados cuando Lucas puso a
explicar a Qui-Gon Jinn que cada ser nace con
una cantidad de organismos microscópicos
(midiclorianos) que lo vuelven más o menos
susceptible a la Fuerza.
Para terminar con el desencanto, el tan
prometido villano Darth Maul aparecía sólo unos
minutos, sin mucha presencia y trascendencia. Y
claro está, Jar-Jar Binks se volvió de inmediato el
personaje más odiado del universo Star Wars,
dado su sentido del humor infantil, de payasito
corriente y totalmente ingenuo. Lucas quiso
hacer de él una especie de cómico y mimo de la
era de cine mudo y no le funcionó.
“La gente esperaba que Episode I fuera sobre
una versión más joven de Darth Vader matando
gente a diestra y siniestra, pero ésa no era la
historia. Tenía que contar el origen de este niño
talentoso y soñador que al crecer pierde su
camino. La idea es que el público sienta el dolor
de verlo convertirse en Darth Vader”, comentó el
realizador.
El realizador también justificaba su
precuela, recordando que la original Star Wars
era dedicada a los niños y que el público que
experimentó su cinta en 1977 ya había crecido
para 1999. El argumento fue que el Episode I era
para sus hijos.
Pero al final no todo salió tan mal. Incluso
para Lucasfilm y la 20th Century Fox fue un
éxito, volviéndose The Phantom Menace la cinta
más taquillera del año y sumando 474 millones
de dólares tan sólo en Estados Unidos.
Aunque los escenarios digitales fueron
criticados, Lucas innovó con un sistema de
transferencia de datos para que editores, artistas
y el director de la película pudieran trabajar en
conjunto. La posproducción se empezaba hacer
desde la filmación.
Episode I dejó la mesa puesta para que
Episode II se filmara en digital por completo.
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94 DICIEMBRE 2017
 POR SI A ALGUIEN LE HUBIERA PREOCUPADO
QUE LA SAGA MÁS HERMOSA DEL UNIVERSO
COMENZARA EN EL CUARTO EPISODIO, UN DÍA
GEORGE LUCAS DECIDIÓ CONTARNOS LOS TRES
PRIMEROS CAPÍTULOS DE SU ÓPERA FANTÁSTICA.
¿CUÁL SERÍA EL COSTO DE LAS PRECUELAS?
POR ALF NORIEGA ILUSTRACIÓN ALETS KLAMROTH

DICIEMBRE 2017 95
ESPECIAL
EPISODIO 1
EORGE LUCAS, con su Industrial Light & Magic y
Skywalker Sound, hizo posible que los cineastas
de la época pudieran contar, al fin, sus historias
en la pantalla grande como ellos deseaban
hacerlo. Desde James Cameron hasta Peter
Jackson, Christopher Nolan y Robert Zemeckis,
todos estos directores le deben parte de su éxito
a las compañías fundadas por Lucas.
Además, Pixar fue en origen un proyecto con
George detrás de su desarrollo junto con Ed
Catmull y Alvy Ray Smith formando parte de
The Graphics Group, la rama propia de
animación de Lucasfilm.
Una nueva esperanza, El imperio contraataca
y El regreso del Jedi llegaron en un momento
y situación perfectas para el pueblo
norteamericano. Los rezagos de la Guerra de
Vietnam seguían en boca de todos, el cine
mantenía una visión desesperanzadora del
mundo y los artistas cada vez eran menos
valorados por una industria cinematográfica que,
96 DICIEMBRE 2017
en vez de pensar en el arte, se concentraba en los
números e ingresos.
Además de traer la “esperanza” de vuelta a
las salas de cine, el elenco irradiaba una empatía
difícil de conseguir, máxime en los nuevos
talentos (sin importar de qué época hablemos):
Harrison Ford, quien ya había trabajado antes
con Lucas, fue el actor más cotizado durante y
después del estreno; Carrie Fisher era una mujer
de otra galaxia, con mentalidad y personalidad
muy avanzadas para cualquier chica de su época,
mientras que Mark Hamill cargaba plenamente y
sin problemas con el peso de ser el protagonista
del proyecto más ambicioso del cine hasta aquél
momento.
Tendrían que pasar 20 años para volver a
visitar esta lejana galaxia repleta de caballeros
Jedi, soldados de asalto y criaturas de otros
mundos. La nueva trilogía acertó, entre otras
cosas, en recuperar ese trío de personajes que
encabezan las aventuras de la República
Galáctica. Si bien muy criticadas, las precuelas
fueron una experiencia que la industria del cine
jamás olvidaría, no tanto por sus aportes a las
nuevas técnicas digitales de producción, sino
más bien por los desaciertos a la hora de revivir
una marca tan importante como es Star Wars,
pues a pesar de todos sus errores, la historia de la
familia Skywalker sigue viva y ahora aparece más
fuerte que nunca antes.
¡SEGUNDO ROUND!
EL ATAQUE DE LOS CLONES
Tras el inicio de su nueva trilogía, Lucas cambió
la percepción del cine moderno. La era de los
efectos prácticos estaba muerta: llegó el tiempo
de ceder el camino a nuevos mundos digitales.
Pantallas verdes, personajes completamente
animados y mundos creados y confinados a una
mera sala de edición.
“La gran aventura de Jar Jar”, nombre clave
de producción con el que titularon a la segunda
entrega de Star Wars en esta nueva trilogía, tuvo
que pagar los pecados de su predecesora: George
Lucas, ahora más un hombre de negocios que
cineasta, había asumido el control total de la
cinta en curso; su aliado más cercano respondía
al nombre de Rick McCallum, productor al que le
debemos todas las libertades creativas que Lucas
se tomó durante el desarrollo del filme. Él sería
su primer gran error.
GEORGE LUCAS, ¿SITH O NOTH?
Si hay un nombre causante de las amenazas a
Star Wars desde 1997, es el de McCallum. El
productor y amigo de George es la mente detrás
de las ediciones especiales, remasterizaciones,
escenas eliminadas y cambios digitales que se
hicieron a los episodios cuatro, cinco y seis.
¿Alguna razón en específico? Negocio. El
relanzamiento de la trilogía original en 2004,
2006 y 2011 otorgó a Lucasfilm los recursos
suficientes para posicionarse, de nuevo, como
una de las empresas más rentables del mundo.
A causa de esto, la ambición del director se
centró en tener el control absoluto de los
personajes, escenarios y desarrollo en la historia
de Anakin Skywalker, rompiendo con una de las
promesas que se había hecho mucho tiempo
atrás, en 1977. Un plan maravilloso para
cualquiera en Hollywood: heredar la saga al
futuro del cine, permitiéndose dirigir la primera
película y entregando la batuta de director a
nuevos talentos que pudieran experimentar con
sus creaciones más cercanas con el objetivo de
volver mucho más rica, artística y culturalmente,
a la galaxia.
El ataque de los clones hizo a un lado todo
esto y se convirtió en una obra llena de ambición,
excesos y poderío por dominar la tecnología de la
época sin considerar los elementos clave que
volvieron a la franquicia un referente en la
cultura pop.
Los errores no sólo recayeron en los
aspectos técnicos: cada decisión tomada por los
encargados de llevar a la pantalla grande el
comienzo de La Guerra de las Galaxias: La
amenaza fantasma fue un desacierto tras otro. El
elenco, encabezado por Ewan McGregor y
Natalie Portman, perdía su fortaleza al mostrar a
cuadro la poca habilidad histriónica de Hayden
Christensen, actor que interpretó a Anakin en su
versión adulta.
El Episodio III al igual que su predecesora,
falló al establecer quién era el protagonista: por
un lado está el maestro Obi-Wan enseñando a su
aprendiz cómo lidiar con las pruebas que la
galaxia le ponía enfrente y, en contraste, la lenta
caída de Skywalker rumbo al lado oscuro. La
relación entre maestro y aprendiz es forzada,
gris en sus interacciones, sin provocar nada más
que una sensación de extrañeza e incomodidad
en el espectador al introducirlo en una supuesta
“amistad” basada en algo sin precedentes (pues
Kenobi, a pesar de ser un buen líder, tiene una
personalidad distante y solemne con su pupilo, a
quien vemos volverse más arrogante hasta el
punto de romper con su dogma Jedi).
Existen algunos momentos dignos de
recordar con una sonrisa en El ataque de los
clones: la batalla final en la arena de gladiadores,
lejos de ser un momento innecesario previo al
gran final, nos muestra todo lo que el personaje
de Alec Guinness contaba a Mark Hamill en la
primera entrega: caballeros Jedi luchando por la
paz y la justicia en la galaxia en secuencias que
recuperaban el heroísmo de la visión de George
Lucas y, a su vez, explotando cada avance
tecnológico que su empresa había logrado
dominar con esfuerzo.
El largo y complejo contexto político de la
historia fue otro factor que afectó la percepción
del público respecto a la cinta. El corazón de
estas obras tenía su base en las aventuras de
fantasía espaciales y la simpleza de éstas: un
joven aventurero con su mentor rescatando a la
princesa de la tiranía de un gran villano.
La historia de amor entre Padmé Amidala y
el joven caballero Jedi nunca existe de forma
verosímil. En El ataque de los clones se distrae al
público con arcos elaborados que pretenden
establecer una base real del conflicto
intergaláctico. Senadores, cancilleres, debates y
votos de no confianza eran algo con lo que la
audiencia infantil no iba a poder simpatizar.
LA VENGANZA DE LOS SITH:
LA PRECUELA QUE DEBIÓ SER
Tras la crítica negativa por parte de los fans, el
público y los medios hacia sus primeras dos
cintas, Lucas tuvo que reconsiderar su estrategia
para la última entrega: La venganza de los Sith.
Sith
Con una sola oportunidad restante para
establecer los vínculos narrativos entre
episodios tres y cuatro, el ahora odiado cineasta
debía, en un filme no mayor a tres horas, mostrar George Lucas dirigiendo a sus protagonistas, Mark y Harrison,
la verdadera tragedia de Anakin Skywalker y su vestidos de Stormtroopers / Hayden Christensen, Lucas e Ian
transfiguración al personaje más icónico de la McDiarmid / Lucas, master of his domain / Los tres héroes
historia del cine: Darth Vader. originales / Aquel que un día será Darth Vader / Lo fuerte de la
Aquí, muchos de sus errores pasados fueron Fuerza / Ni el amor pudo con la muina suprema de Anakin.
resueltos de manera agradable y amistosa. La
película tuvo un modo más oscuro, dejando atrás
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ESPECIAL
EPISODIO 1
el tono infantil que se había manejado desde la
presentación de los personajes en el capítulo
uno. La acción se centró en el protagonismo de
Anakin, convirtiéndolo por primera vez en la
figura central de la trama.
La política no tuvo un papel primordial
en la cinta, aunque sí fue una inteligente crítica
al gobierno de George W. Bush y sus relaciones
con Irak en aquél entonces.
En cuanto al elenco, Ewan McGregor como
antagónico logró reflejar el espíritu noble
y paciente de Sir Alec Guinness en su
interpretación como Obi-Wan Kenobi. Aunque la
mención honorífica se la llevó el villano de la
trilogía original, McDiarmid, histrión de teatro
que había dado vida al Emperador Palpatine
desde 1983.
Además de la impecable banda sonora a
cargo de John Williams, el diseño de los efectos
de sonido fue clave en Star Wars: desde el rugir
de los enormes wookies hasta el choque de los
sables de luz, las batallas espaciales y los
androides de otra época demostraron que no
necesitabas viajar a otro universo para ser parte
de los extraños mundos dentro de la mente
de su creador.
A pesar de que el uso de la tecnología
persistió en cada minuto de La venganza de los
Sith, fue uno de los recursos más alabados de
toda la producción gracias a la secuencia final,
98 DICIEMBRE 2017
pues replicar escenarios volcánicos repletos de Ya más para allá que para acá / El Emperador / Obi-Wan, Jar Jar
lava y montañas ardiendo que fluían Binks y Qui-Gon Jinn / Darth Maul se lanza desde la tercera /
naturalmente en un ambiente hostil para los Amidala Asaltacunas / Cuando vas por tu papá a la cantina.
personajes nos entregó escenas de lo más
memorable en toda la saga.
Todo esto convergió en una de las
conclusiones más esperadas en el mundo
cinematográfico: desde una fría sala de
operaciones, rodeado de androides y seres
mecánicos, con el malvado Emperador a su lado
contemplando su dolor, Darth Vader, señor
oscuro de los Sith, nacía. Mientras que en su
cálido rancho en Nicasio, California, George
Lucas terminaba con la franquicia que le había
arrebatado su primer matrimonio, varios miles
de dólares y su vida entera.
El futuro estaba sellado. Aquella historia
iniciada en mayo de 1977 en una galaxia muy,
muy lejana, había terminado, temporalmente.
JAR JAR BINKS: EN
DEFENSA DEL PERSONAJE
Todos lo odian. Eso es a menudo lo que
escuchamos sobre Jar Jar Binks, un gungan
perteneciente a la ciudad submarina de Otoh
Gunga. Esta criatura, ideada por un dibujo del
hijo menor de George Lucas en su infancia, tuvo
un desarrollo tan pobre que se quedó en la
memoria colectiva como el causante de todos los
males en la galaxia. Su especie, una que podría
considerarse como “inferior” a los humanos,
jugó un papel clave en la guerra contra los
invasores, pero fue él quien unió a las diferentes
razas del planeta, logrando por primera vez la
paz en Naboo.
Irónicamente, como suele jugar Lucas en su
franquicia, este ser fue el único que mantuvo la
esencia de los personajes originales del género
fantástico: los caballeros, las princesas y los
mentores rompieron los esquemas, mostrando a
un maestro Kenobi duro y sin fe en su aprendiz,
aquél joven y arrogante piloto que cometía error
tras error.
Jar Jar Binks fue fiel a su papel en la saga: un
antagónico con alma de niño, lleno de comedia,
dispuesto a hacer lo que sea por salvar a sus seres
amados, deseando aprender lo más posible de
sus superiores y arriesgándose cuando la
situación lo ameritaba.
Además, como modelo de negocios, Jar Jar
Binks era perfecto. No como ejemplo a seguir,
sino como producto para invadir la ropa, los
juguetes y el resto de la mercancía. Para cuando
el primer episodio estrenó, Jar Jar era el ser más
popular de la galaxia, empatando en fama con el
villano, Darth Maul. Su rostro, voz y figura eran
referentes de los años 2000, por lo que se
convirtió en tema de mesas de debate para
expertos en cine, arte e incluso sociología.
Como si esto no bastara, Jar Jar fue
explorado póstumamente en otros proyectos
de Lucasfilm, buscando la “redención” entre el
sector adulto. Es cierto que se vuelve pesado y
molesto en las series animadas por su forma de
expresar sus intereses, pero haciendo eso a un
lado podemos conocer a Jar Jar como lo que
realmente era: un acto de amor de un padre a su
hijo y un negocio redondo. ¿Quién dijo que una
está peleada con la otra?
Gracias a Jar Jar Binks una nueva
generación mantuvo viva a la franquicia de
Lucas. Las ventas de juguetes de Star Wars
aumentaron en las tiendas departamentales, los
Jedi por fin regresaban de manera empática y
con un agradable aliado naranja, Darth Vader
poseía un pasado y la franquicia se mantuvo a
flote durante 10 años más, hasta que fue
comprada por de The Walt Disney Company.
A él es a quien debemos en realidad el éxito
de toda la saga. A él le debemos todo lo que
tenemos ahora, así que... ¡gracias por todo y por
tanto, Jar Jar Binks!
Ahora que ya lo dijimos, por favor, que no se
te ocurra regresar nunca más, Jar Jar.
DICIEMBRE 2017 99
 RASÚRATE
COMO
UNJEDI
SABEMOS QUE ESTÁS LISTO PARA
RECIBIR EL EPISODE VIII,, THE LAST
JEDI ESTE MES PERO, ¿ESTÁS
REALMENTE LISTO, LIMPIO,
RASURADITO?

STAR WARS ES UNA SAGA que habla

acerca de la cercanía entre el bien y el mal,
aunque se piense lo contrario. Efectivamente la
Alianza Rebelde no podría estar más lejos de la
esencia del Imperio o de la Primera Orden pero
en la Fuerza, cualquier mínimo desequilibrio te
puede conducir hacia el lado oscuro; es una línea
muy delgada la que divide el mal del bien en la
Fuerza. Del mismo modo el bienestar de tu piel
está vinculado a una rasurada perfecta, al ras,
mediante un equipo que combine la fuerza para
acabar con la barba pero siendo suave con la piel
dejándola impecable.
Philips es la propuesta más avanzada en cuanto a
tecnología para obtener esa rasurada con el
poder de la Fuerza. Justo esa combinación es la
que nos brinda ahora lo último en cuidado de la
apariencia masculina; la aplicación de tecnología
de galaxias lejanas inspirada por la fantasía exagonal de las huestes imperiales. El botón de
espectacular de la saga más grande del universo. encendido ostenta el logo de la Primera orden
Así como Star Wars es una celebración del arte y que brilla cuando está en uso. Si eres avezado en
la vida, Philips conmemora la continuidad de la las artes de la fuerza, el botón lo oprimirás con la
saga con una edición no especial, única en la mente y tu cara brillará aunque tu corazón
galaxia, con rasuradoras que representan valores permanezca oscuro.
y personajes de Star Wars.

EL PODER DE LA OSCURIDAD EL NUEVO ENTENADO

En el balance de la fuerza existe una atracción
por la oscuridad; representada en el modelo
SW9700 que ofrece el confort excepcional de
una rasurada al ras, digna de quien no puede
tener vello entre su rostro y la máscara que le
permite respirar para dominar la galaxia. Ese
corte único proviene de la tecnología V-Track
Pro, creada por el Imperio y con un diseño
acorde con su marcialidad; drámatico color rojo
y degradados a negro con el característico patrón
El símbolo de la evolución de la saga y la
tecnología, además del consentido de la nueva
trilogía, BB8, se hace presente en esta edición
exclusiva en el SW5700, ergonómico, naranja y
blanco y con el sistema Philips MultiPrecision
Blade que levanta y corta cada bello para una
rasurad fuera de esta galaxia.
ESTA NAVIDAD HAZ QUE LA FUERZA DE LA SUAVIDAD
ESTÉ CONTIGO, SIEMPRE.

100 DICIEMBRE 2017

 PROMOTION

¿Por qué oculta su

rostro ese muchacho?
/ Kylo Ren tiene esa
presencia por el
desdén que siente
por todos esos Jedis
barbados / La
SW9700, con su
tecnología exclusiva
V-Track Pro que
asegura confort
excepcional / BB8 se
asoma a nueva era en
rasuradoras / BB8
ahora es una máquina
perfecta de afeitado,
la SW5700 con
tecnología Philips
Multiprecisión.

DICIEMBRE 2017 101

 ASÍ COMO QUIEN GANA EN UN PROGRAMA
DE CONCURSOS, PARECE QUE LOS PERSONAJES
DE STAR WARS , UNA VEZ QUE TRIUNFARON, LO
ÚNICO QUE QUE RÍAN ERA IR A DISNEYLANDIA.
POR MARIO P. SZÉKELY ILUSTRACIÓN ALETS KLAMROTH

102 DICIEMBRE 2017

DICIEMBRE 2017 103
ESPECIAL

BB8 y Rey esperando

EPISODIO 1 que les caiga la
respuesta del cielo /
Kylo Ren y su ejército de
huachicoleros / Finn
Chewbacca y Han Solo
con Storm Troopers
bailando la Macarena /
Finn tratando de
convencer a Poe de que
no quiere sus
pertenencias.

5 se estrenó Star Wars:

enge of the Sith, George Lucas
que ya no habría más películas de
s para él la pantalla grande sólo
lbergar la historia de Anakin Skywalker,
enso, caída y redención con la Fuerza.
Lucas permitió que cómics, videojuegos y
sobre todo) novelizaciones, exploraran a sus
personajes consentidos, así como que crearan
otros nuevos; incluso muy motivado produjo la
serie animada de The Clone Wars —con eventos
entre los Episode II y Episode III—, explorando
más allá de la familia Skywalker.
Llegó el año 2012 y, de pronto, el estudio
Disney anunció con bombo y platillo que
adquiría Lucasfilm LTD y, con ella, los derechos
de los personajes de Star Wars. El cheque a
nombre de George Lucas estaba acuñado con la
cantidad de 4.06 mil millones de dólares, cifra
récord para una transacción de este tipo.
Disney de inmediato anunció que a partir de
2015 se estrenaría una película al año dentro del
universo Star Wars y que se gestaría una nueva
trilogía de cintas, llenando los espacios de una experiencia similar con Star Wars. El
episodios VII, VIII y IX. proyecto punta de lanza tendría que ser el
La transacción de Lucas con Disney no debió Episodio VII, al cual le urgía un director y Ubicada 30 años después de los eventos del
verse con ojos de sospecha. El autor de Star escritores. Sin complicarse la existencia, Disney Episode VI: Return of the Jedi, el Episodio VII
Wars, desde sus inicios en los años 70, había llamó a J.J. Abrams, famoso por salvar al nos situaría en una galaxia donde el Imperio no
imitado el modelo de Walt Disney (con su venta universo de Star Trek con sus modernas cintas desapareció sino, mermado por el triunfo
de relojes de Mickey Mouse) para exigir los en el 2009 y 2013, así como su poderosa serie de Rebelde, se reagrupó para convertirse en la
derechos de la mercancía relacionada con sus televisión Lost. Nueva Orden.
películas del espacio. Abrams, autocalificado como el más grande La princesa Leia ahora ya es General y
Atracciones como Star Tours se edificaron fan de Star Wars, expresó de inmediato su Harrison Ford se ha autodesterrado por
en los parques de Disney a raíz de la confianza preocupación por hacerle justicia al universo de razones familiares desconocidas, dejando a su
ciega que Lucas tenía en el estudio tras Lucas. Para eso contrató al guionista Lawrence pareja guerrera atrás con todo y sus peinados
Blancanieves y La cenicienta. Kasdan, quien coescribió The Empire Strikes particulares y liderazgo incondicional a la
Para los seguidores del estilo de Lucasfilm, la Back y Return of the Jedi. Alianza Rebelde, ya transformada en la
confianza llegó al saber que en lugar de George se No había duda que los Skywalker regresarían Resistencia.
quedaba su exsocia productora en los proyectos al cine, ahora con Mark Hamill y Carrie Fisher Y mientras el lado oscuro de la Fuerza se
de Indiana Jones, Kathleen Kennedy, brazo pasando los 60 años. Al lado de ellos, Harrison manifiesta en un Jedi que ya se ha sumido en él,
derecho también de Steven Spielberg en sus Ford (con 73), aún podría sentarse en los de nombre Kylo Ren, nuevas alianzas han de
memorables E.T. y Jurassic Park, entre muchas controles del Millennium Falcon. formarse entre un piloto de la Resistencia, Poe,
otras producciones. Y, ¡claro!, John Williams vuelve como junto con un soldado que renuncia a la Nueva
Disney, ya con la experiencia de crear el compositor de la serie, creando nuevos temas Orden, Finn, quien cruza su camino con Rey,
Universo Marvel en el cine tras adquirir la casa musicales y trayendo consigo las tonadas del una joven abandonada en el planeta Jakuu y
de cómics que Stan Lee levantó con Spider-Man, pasado al ritmo de “hace mucho, mucho tiempo, con amplias habilidades provenientes de la
Iron Man y The Avengers, sabía que podía crear en una galaxia muy, muy lejana”. Fuerza, aun cuando no está entrenada para

104 DICIEMBRE 2017

usarlas. Juntos deberán hacer equipo para
buscar a Luke Skywalker e intentar detener a
Kylo y a la Nueva Orden.
Todo esto en el rebautizado Episode VII:
The Force Awakens.
REY (DAISY RIDLEY).- Aunque Star Wars cuenta
con un gran grupo de seguidoras,
generacionalmente se le ha relacionado con
todos esos niños y adolescentes que
coleccionaban naves y figuras de acción. Con la
llegada del estudio Disney la atención se volcó
en crecer la audiencia identificada con la
princesa Leia. Rey nació para abanderar esta
nueva generación de heroínas.
El misterio alrededor de Rey es su
procedencia, donde las pocas claves indican que
fue abandonada en el planeta Jakuu, decidiendo
no escapar de ahí por esperar que sus padres
regresaran un día a recogerla.
Además de las manifestaciones de la
Fuerza, acrobacias perfectas, piloter naves (no
tan) sofisticadas como el Millennium Falcon y
empuñar un sable de luz de manera natural, han
hecho que Rey sea considerada la heredera de
un poder tan significativo como para cambiar el
curso de la historia, así como para enfrentar la
maldad de Kylo.
La actriz Daisy Ridley fue reclutada por J.J.
Abrams buscando replicar el espíritu de la saga
original, donde no había estrellas de Hollywood
representando a los protagonistas centrales. Ella
surgió de pequeñas intervenciones en programas
británicos de televisión.
Abrams hizo varias pruebas con Ridley y sus
posibles compañeros de reparto, buscando una
química entre ellos a la Luke, Han y Leia. Los
esfuerzos de la nacida en Londres fueron
recompensados con una llamada del propio J.J:
“Tu vida va a cambiar para siempre. ¡Bienvenida
a Star Wars!”
Durante meses, Ridley (de 23 años) tuvo que
guardar el secreto sin decirle a sus padres
siquiera. Nadie sospechó esa Navidad que en un
año los niños de todo el mundo tendrían a Daisy
bajos sus pinos.
FINN (JOHN BOYEGA).- Para el actor de origen
inglés pelear contra seres alienígenas no fue una
novedad en The Force Awakens, pues ya lo había
hecho en la cinta de ciencia ficción
independiente Attack the Block (2011).
En Episode VII el personaje de Boyega es
Finn, un soldado Stormtrooper que deserta de la
Nueva Orden para unirse a la Resistencia. En su
aventura conoce a Poe y luego a Rey, por quien
siente afinidad y deseos de aliarse, siendo ambos
aficionados a la historia de Luke Skywalker como
líder Jedi.
POE DAMERON (OSCAR ISAAC).- Actor nacido en
Guatemala que escuchó en su niñez que una de
sus locaciones piramidales se usó para Star
Wars: Episode IV (1977). Oscar tenía un récord
de papeles menores en cintas, luego protagonizó
Inside Llewyn Davis y A Most Violent Year; pero
es su papel de piloto de la Resistencia, pilotando
un X-Wing, el que lo presentó formalmente a la
escena internacional.
Poe es el soldado de más confianza de la
General Leia Organa, quien tiene ahora la misión
DICIEMBRE 2017 105
ESPECIAL
ESPE

EPISODIO
EPISODIO 11

de seguir el rastro de un mapa que pueda indicar
el paradero de Luke Skywalker, elemento clave
para el triunfo de la rebelión.
HAN SOLO (HARRISON FORD).- El hombre que
resolvía todo con una pistola blaster dejó su
hogar y a Leia, su pareja, para junto con su fiel
amigo wookie, Chewbacca, vivir del contrabando
lejos de las narices de la Nueva Orden y buscando
sanar viejas heridas del pasado. En algún
momento su impulso de buen padre lo lleva a
querer rescatar al casi convertido al lado oscuro
de la Fuerza, Kylo Ren.
El regreso de Ford a la franquicia de Star
Wars encabezó las mejores noticias. Él había
deseado que Han Solo muriera en sacrificio
dentro de la trama de Return of the Jedi y ahora
podrían darle gusto en Episode VII.
personificó con tecnología de captura de
movimiento al siniestro personaje.
BB-8.- Desde el inicio, Abrams propuso que
debería existir para esta nueva trilogía un droide
distintivo y que éste pudiera en verdad
interactuar con los actores. El resultado fue el
operado a control remoto BB-8, que utiliza una
tecnología de magnetos.
CAMEOS.- El evento de rodar The Force Awakens
atrajo a muchos fans del mismo medio. Abrams
permitió que el actor y director Kevin Smith
(Clerks) apareciera en un papel de extra
disfrazado, mientras que al moderno 007, Daniel
Craig, se le dio un papel de Stormtrooper en la
escena del interrogatorio con Rey.

CARRIE FISHER (GENERAL LEIA ORGANA).- Como

hermana de Luke Skywalker y expareja de Han
Solo, Leia debe enfocarse en ser líder y pilar de la
Resistencia, pero su corazón está en el horizonte,
sabiendo que su hijo Kylo Ren sigue los pasos que
su padre, Anakin, caminara alguna vez y que lo
convirtieron en un ser corrupto y lleno de rabia.
Fisher, quien muriera en diciembre de 2016
después de terminar la secuela Episode VIII: The
Last Jedi, dejó en The Force Awakens un legado
importantísimo al abrazar, como Leia, a la nueva
heroína, Rey.
MAZ KANATA (LUPITA NYONG’O).- Todo aprendiz
Jedi se cruza con personajes sabios en su vida,
siendo Maz Kanata un personaje femenino
milenario estacionada en los entretelones de una
cantina del planeta Takodona. Ahí llega Rey para
recibir de sus manos el gran trofeo del sable de
luz de Luke Skywalker.
La mexicanokeniana Lupita Nyong’o,
ganadora del Óscar como Mejor actriz de reparto
por 12 Years a Slave, fue invitada por su mirada
expresiva y voz que invoca sabiduría de la
naturaleza.
Tanto los avances tipo teaser y los tráilers de
Star Wars, Episode VII: The Force Awakens
rompieron récord en vistas en las redes sociales,
volviendo al filme el evento obligado a
experimentar la Navidad de 2015.
A diferencia de la trilogía de 1977-1983,
donde Lucasfilm hizo directo sus alianzas de
negocios, ahora la empresa comprada por Disney
en conjunto con los ejecutivos de la casa matriz
consiguieron licenciar centenas de productos
relacionados con la marca de Star Wars. Entre
los aciertos se encontró el traer de vuelta en
juguetes e imagen a los personajes de las cintas
clásicas, como Darth Vader, aun cuando no
aparecían en el Episode VII.
La nueva entrega de Star Wars tuvo una
buena aceptación por parte de la crítica
especializada y, aunque hubo fans que se
quejaron de que su estructura dramática se
asemejaba mucho a la de 1977, no impidió que
familias enteras vieran el Episode VII más de
una vez, convirtiéndola en la película más

CAPITÁN PHASMA (GWENDOLINE CHRISTIE).-

Comandante de la legión de Stormtroopers de la
Nueva Orden. Aunque no ha revelado su rostro,
sabemos que hay una figura femenina con
autoridad y poder debajo.
Los aficionados a la teleserie Game of
Thrones saben bien que Christie es la guerrera
con armadura Brienne de Tarth.

R2-D2 (KENNY BAKER), C-3PO (ANTHONY DANIELS),

CHEWBACCA (PETER MAYHEW).- Los actores de la
trilogía clásica de Star Wars regresaron a sus
personajes tras las máscaras y armaduras.
Algunos de manera más simbólica, como Baker
(R2-D2), que aparece en una escena, y otros más
a cuadro, como Daniels.
Como el malvado Líder Supremo Snoke, el
actor Andy Serkis (famoso por darle vida a
Gollum en Lord of the Rings) prestó su voz y

106 DICIEMBRE 2017

 taquillera de la historia en Estados Unidos con
936 millones de dólares recaudados. Star Wars
estaba de vuelta y nada podría detenerla.

REY Y BB-8.- El escenario es familiar: dunas de

desierto, una figura beduina y un robot
achaparrado y redondo. La joven pepenadora de
basura, con los ojos puestos en el horizonte,
camina a paso firme sobre la arena que intenta
tragarla. A su lado, el recién llegado BB-8 rueda
indicándole, rodada tras rodada, que su vida está
por cambiar.

EL MILLENNIUM FALCON PERSEGUIDO POR CAZAS TIE

FIGHTER.- En el planeta Jakku se encuentran las
ruinas de un Star Destroyer, mientras que Rey
pilota la nave insignia de Han Solo, librando
obstáculos en corredores profundos y usando la
Fuerza sin saberlo.

EL REENCUENTRO CON EL PASADO.- Han Solo y

Chewbacca, a bordo de una nave de carga, se
cruzan con el Millennium Falcon. Al recuperarla
y entrar en su cabina sólo se escuchan estas
nostálgicas palabras por parte del expirata
espacial: “¡Chewie, estamos en casa!”.

REY ES LA NUEVA ELEGIDA.- De las manos de la sabia

Maz Kanata, la recién iniciada Rey recibe el sable
de luz de Luke Skywalker, que perdiera en el
duelo mítico de la Ciudad de las Nubes de The
Empire Strikes Back.
Rey y su negocio de
autopartes del espacio / PAREJA LEGENDARIA.- Han Solo y la princesa Leia,
C-3PO atestigua el ahora General, se funden en un abrazo. No hay
reencuentro entre el mucho qué decir. Ambos saben se pertenecerán
pirata y la princesa / Los por siempre.
malos aquí también son
todos rubios / Poe es el MUERTE EN LA FAMILIA.- Una vez más, las
nuevo héroe de la saga. dimensiones épicas y de un destino trágico
estallan. Kylo Ren asesina a su propio padre y te
deja bien claro que su consagración al lado
oscuro de la Fuerza es inminente. No fue una
escena fácil para los fans.

EL DUELO: RAY Y KYLO son los dos lados de una

moneda que aún no tiene calibradas sus
energías. La primera se descubre hábil y
poderosa, el segundo débil por primera vez en
mucho tiempo pero con el deseo de guiar los
pasos de esta joven que ha llegado recién al
vecindario Jedi.

LA ENTREGA DE ESTAFETA.- En un momento épico

sin diálogo, Rey encuentra a Luke Skywalker y le
devuelve su sable de luz. No sabemos si ha caído
el telón del pasado para dar la bienvenida a la
nueva sangre Jedi o si apenas inicia el reclamo de
los antecesores por aquello que se perdió y no se
desea soltar.
Y como todo buen cuento, lo más
emocionante está apenas por comenzar.

DICIEMBRE 2017 107

 KY L O R E N E S S O B R I N O
DE LUKE SKYWALKER
Y TIENE MÁS FURIA
QUE DARTH VADER.
PENSAMOS QUE SÓLO
SU TÍO ES CAPAZ DE
DETENERLO, PERO
¿P ODRÁ LA PADAWAN
RE Y PERSUADIRLO DE
REGRESAR A LA PELEA?
RIAN JOHNSON Y MARK
HAMILL NOS HABLAN DE
S TA R WA R S : T H E L AS T
JEDI.
POR JAMES DYER

108 DICIEMBRE 2017

DICIEMBRE 2017 109

AN QUENTIN, LA PRISIÓN donde Johnny
Cash hizo una presentación y que fuera hogar
tanto de Charles Manson como de Danny Trejo,
es el lugar más famoso del condado Marin, en
California. Está construida alrededor de una casa
color gris y crema con toldos a rayas azules. Si
hay un centro en el universo de Star Wars, sin
duda es esta propiedad con vista al lago Ewok.
110 DICIEMBRE 2017
El Rancho Skywalker ha sido la residencia
espiritual de Star Wars desde que George Lucas
lo compró en 1978. Hogar de las oficinas de
Lucas, de Skywalker Sound y un pequeño viñedo
que produce un Pinot Noir sorprendentemente
bueno, el rancho ha incubado casi todos los
proyectos de la saga desde The Empire Strikes
Back. Se rumora que Lucas pagó por él 100
millones de dólares, pero su valor real se
encuentra en un granero detrás de los establos.
Dentro de esa construcción están los
archivos de Lucasfilm y casi todos los props,
vestuarios y artefactos que se han usado en la
saga Star Wars a lo largo de 40 años. Entre sus
múltiples repisas hay modelos de X-Wings como
si fueran juguetes infantiles entre maquetas de
varios prototipos para el Halcón Milenario.
Entre un arsenal de sables de luz y otras armas
reluce el Arca de la Alianza de Raiders of the Lost
Ark y, tras ella, Harrison Ford todavía congelado
en carbonita gris. Busca y encontrarás el último
casco de Vader, aún crujiente de la pira de Endor
—una escena filmada de último minuto justo en
este rancho en 1983 —.
Si desearas inspirarte para continuar con la
trama de Star Wars, no hay un lugar en toda la
galaxia con más potencial que éste.
“Pasé días enteros aquí”, se maravilla Rian
Johnson. “Estar solo entre todos estos modelos y
props, ¡fue increíble! La percepción de estas
películas es que están planeadas por adelantado
en alguna hoja secreta de papel, pero no es así. Ni
siquiera me dieron un esbozo sobre a dónde ir o
una lista de temas para tocar. Fue algo así como:
‘Ok, ¿y ahora qué sigue?’”.
A diferencia de Luke Skywalker, el director
de The Force Awakens, J.J. Abrams, no dejó
ningún rastro críptico de la siguiente locación de
la historia, ningún mapa escondido en la
memoria de algún androide catatónico. Después
de presentar a una nueva miembro de la Fuerza
—Rey (Daisy Ridley)—, la historia de Abrams
terminó en el planeta acuático-archipelágico
Ahch-To, con un maestro Jedi desgastado por el
 Rey
hace salir al
abue Luke para que se
oree / Rian Johnson le
explica a la Generala Organa
cómo se usa la lavadora de
monedas / Johnson y
Chewbacca intercambiando
memes.

tiempo y mirando a los ojos de esta joven cuando
ella le muestra un artefacto que creía perdido
desde hacía mucho. Eso fue todo. Una toma
filmada desde un helicóptero, una fanfarria de
John Williams y 10 minutos de créditos. No es
una gran pista para lo que pueda ocurrir después.
Con ese final de Abrams como punto de
partida, Johnson se forzó a mirar al renuente
héroe de Star Wars bajo una nueva luz.
“¿Quién es Luke Skywalker? Pero más que
eso, ¿quién es él ahora? Crecí con una idea sobre
quién es Luke y la pregunta era: ‘¿Por qué está en
esa isla? Luke no es un cobarde, no se esconde de
alguna batalla, así que debe haber una razón que
tenga sentido para él’. Eso fue lo primero que
tuve que responder. La semilla de toda la historia
estaba ahí, sólo tenía que ir por ella”.
Más de tres décadas después de darle la
espalda a la galaxia, Luke Skywalker lleva una
existencia muy diferente. Cansado y canoso, es
un hombre que se separó de la vida que conocía y
lucha con los demonios de su pasado hasta que,
sin anunciarse, una posible aprendiz lo localiza.
Al final de un largo peregrinaje ascienden los
infinitos escalones de su casa en Malibú y
encuentran al Jedi solo en su ensoñación.
Skywalker, confrontado por este peticionario,
plantea una tarea muy específica.
“Me hizo ver Sgt. Bilko”, indica Johnson.
“Había ido a casa de Mark para conocerlo y no
podía creer que nunca la hubiera visto. Así que
me llevó a su cueva y pasamos un rato juntos
viendo viejos programas de tele”.
El episodio en cuestión —donde el
chimpancé Zippy es reclutado por accidente en
el ejército y después enfrenta una corte
marcial— no es, uno podría pensar, el sitio más
obvio para empezar un curso relámpago para
escribir episodios de Star Wars. Pero mientras
miraban, Hamill contó historias de Peter
Cushing y Sir Alec Guinness; de largos días en los
Elstree Studios y noches locas en Londres; de la
arena tunisia al limo dagobahno y ese final en los
cielos de Endor —Hamill recordó la saga desde la
perspectiva de Luke—. Johnson escuchó y,
mientras lo hacía, una historia comenzó a surgir.
“Tenía un par de ideas claves y después
comencé a escribir libremente sobre cada
personaje”, rememora. “¿Qué sé de ellos? ¿A
dónde veo que van? ¿Qué sería lo más difícil que
cualquiera de ellos enfrentaría? Comencé con un
documento que crecía y crecía, y entonces una
línea comenzó a hacerse clara”.
Si Luke hubiera encontrado el primer
templo Jedi entre las rocas de Ahch-To, ¿qué
significaría ello? ¿Qué habría dentro? Y lo más
importante: ¿por qué él lo necesitaba?
Traicionado por su pupilo —su sobrino Ben
Solo— y con todos los Jedi corrompidos o
asesinados, ¿podría Luke, como hizo Obi-Wan,
buscar tranquilidad en el exilio?
“Estaba aterrado pensando que iba a ser
como Barton Fink, con un guion que debía
entregar hace seis meses y apenas voy en la
página tres”, ríe Johnson. “Pero nunca me había
divertido tanto al escribir algo. La vivencia total

DICIEMBRE 2017 111

 fue increíble, desde regresar a mi yo de 10 años.
Aunque sea Star Wars, me siento como cuando
hice Looper o Brick o The Brothers Bloom”.
El director de 43 años, conocido por ese trío
de filmes independientes y realizador del mejor
episodio de Breaking Bad (“Ozymandias”), armó
The Last Jedi momento a momento. Tenía un
título —“Eso me llegó muy al principio, parecía
muy obvio”—, una historia y a Luke Skywalker:
un personaje central que era familiar y, adelanta,
por completo inesperado.

“OH, BABY, ¡VAYA QUE ME

ENCANTARÍA interpretar a mi gemelo
malvado!”, declara Mark Hamill, saltando con
gusto ante el prospecto. “Sería genial porque
podrías no revelar que es el Luke malvado hasta
que el verdadero Luke aparezca. Podríamos ver a
este tipo terminar con los buenos en secreto,
quizás hasta asesinando a algún personaje de
reparto sólo para que todos se pregunten qué
diablos pasa. ‘¡Está loco!’. Y después, claro, el La
buen Luke aparece”. Capitana
Ésta, debemos enfatizar, NO es la trama de Phasma con su armadura
The Last Jedi ni la respuesta de Johnson al recién chaineadita con Brasso,
misterio de Skywalker. Es la visión de Hamill escoltada por Stormtroopers
sobre dónde debió terminar el héroe de la sospechosamente chaparros.
Alianza Rebelde.
“Cuando sugerí esa línea narrativa me
dijeron que ya se había hecho”. Se le nota de
verdad desilusionado, y luego hace de lado la
objeción con un gesto. “Aparentemente en una
de las novelas de Star Wars clonan a un Luke
malvado a partir de la mano que le cortó Vader. A
lo largo de los años ha habido tantas
transformaciones de estos personajes que ya no
queda mucho. ¡Eso es muy limitante!”.
Hamill es, por admisión propia, “una fuente
de ideas terribles”, desde tratar de que George
Lucas hiciera que Boba Fett fuera la madre de
Luke disfrazada —“Ella era una doble agente,
¿ves?”— hasta un clímax más realista para The
Force Awakens —“Leia me contacta
telepáticamente, yo llego, me enfrento al peligro
y me apresuro al lado de Solo”—. Pero aunque no
le sorprende que sus ideas alocadas hayan sido
dejadas de lado, sí esperaba que J.J. Abrams le
diera un poco más qué hacer.
Después de casi un año de entrenamiento
intensivo y una dieta que daría envidia a la Jedi. Ella busca a Skywalker para que la guíe y él de tratar de reinventar la obra espacial de Lucas,
mayoría de los velocistas olímpicos —“No he acepta entrenarla. Hamill nos dice que no es el Abrams eligió revitalizarla actualizando al
visto una papa frita desde el verano de 2012”—, a tipo de entrenamiento al que estamos Imperio con la Primera Orden y continuando el
Hamill le dieron un papel que consistió de una acostumbrados —“Rey no corre cargándome en legado de Vader a través del volátil Kylo Ren. Los
escena, dos tomas y ningún diálogo. su backpack”— ni Skywalker es el maestro que Stormtroopers fueron estilizados, los X-wings
“J.J. es un sádico”, gruñe. “Si me hubiera Rey esperaba. mejorados, y con Rey y Finn (John Boyega) llegó
confiado que toda la película trataría de ellos “Él ha cambiado mucho”, afirma Hamill. una nueva generación de héroes.
buscándome, habría estado bien. En lugar de ello “Fue un shock para mí leer lo que Rian había Para la vieja guardia, el golpe emocional fue
me dijo: ‘Te voy a mandar el guion. Léelo desde la escrito y estoy seguro de que lo será para la un trancazo: viejos amigos volvieron y fueron
página uno e imagínalo como una película’. Te audiencia. Me sorprendió la manera en que vio a arrancados abruptamente. Y Luke, el chico al
diré esto: cuando me llegó el guion de Episode Luke —escucharlo decir algo como: ‘Es hora de que conocimos hace 40 años, era ahora un viejo
VIII me fui a la última página y comencé a leer de que los Jedi se acaben’— y ni siquiera estaba ermitaño y silencioso en un promontorio
atrás para adelante”. seguro de estar de acuerdo con eso. Al ser el azotado por el viento. ¿Emoción? ¿Aventura? Un
cuidador del personaje, tengo una actitud Jedi no ansía eso, pero para las audiencias
THE FORCE AWAKENS PUDO SER posesiva hacia él, pero aunque no es el camino Episodio VII fue todo lo que esperaban del
una cinta sobre Luke Skywalker, pero The Last que yo habría seguido, entre más me adentré en regreso de Star Wars.
Jedi sí lo es. Desaparecido desde hace décadas, el trabajo, más noté que estaba equivocado”. Y ahora Rian Johnson tiene que darle
con su confiable X-Wing oxidándose y llenándose The Force Awakens, con sus planos robados, seguimiento. Porque si The Force Awakens fue la
de percebes bajo las olas, Luke encuentra su valiente huérfana y su arma mortal con fallas Star Wars de Abrams, entonces The Last Jedi
redención en Rey: una pepenadora de Jakku, una estructurales fue un homenaje a la Star Wars tiene que ser el Empire Strkes Back de Johnson.
posible padawan en quien la Fuerza ya se original: una carta de amor de J.J. Abrams a la “Esta es la segunda entrega de la trilogía, así
muestra, es autodidacta y tiene el poder de los película que le dio forma a su infancia. En lugar que es fácil dibujar paralelismos con The Empire

112 DICIEMBRE 2017


en términos de una sensación más oscura”,
reflexiona Johnson. “Y escarbamos en los
personajes: los retamos y las cosas serán muy
difíciles para todos. Pero no quería que fuera
demasiado oscura. Una de las cosas que noté en
la cinta de J.J. fue que era juguetona y divertida, y
eso es tan Star Wars como el ‘Yo soy tu padre’”.
La primera adición a la cartografía de Star
Wars involucra a un montón de luces brillantes y
un horizonte que pulsa como la avenida de
casinos de Las Vegas. De hecho, si el Bellagio se
expandiera para cubrir la mitad del desierto de
Mojave, reemplazando cada autopista con salas
de juegos y apostadores de altos vuelos, podría
acercarse a la opulencia de Canto Bight. Esta
ciudad casino, adonde la élite de la galaxia llega
para gastar sus cuestionables créditos, es uno de
los escenarios de The Last Jedi.
“Quería un ambiente nuevo que fuera como
un balde de agua fría a la mitad de la historia”,
agrega Johnson. “Aparte de las precuelas, todo lo
que hace que algo se sienta como Star Wars
involucra polvo y mugre. Yo quería algo diferente
en absoluto. Me pregunté cómo sería el Monte
Carlo del universo Star Wars”.
En una de sus casas de juego, un alien con
cara de perro hace rodar dados a lo largo de una
mesa de felpa roja mientras una criatura con
cara de yak muestra una mano ganadora de
sabacc. Con una amplia gama de apostadores
nacidos en el taller de criaturas de Neal Scanlan
y no en los servidores de ILM, Canto Bight era
tan vibrante en pantalla como fuera de ella.
“Es como Mos Eisley, pero todos ahí son
patanes ricos en lugar de tipos del bajo mundo.
De hecho, ellos son peores: son patanes del bajo
mundo que visten smokings y tienen yates”.
Menos limoso pero igual de turbio es D.J.
(Benicio del Toro), una gran adición al elenco,
con su comportamiento peligroso y su gabardina
de cuello alto como un Deckard venido a menos.
También es presentada la vicealmirante Amilyn
Holdo, una oficial de la Resistencia interpretada
por Laura Dern. La valiente mecánica Rose Tico
CINCO ÚTILES TEORÍAS
SOBRE EL LÍDER SUPREMO,
ANTES DE QUE ENTRES AL CINE
Darth Plagueis
La reina de las teorías de Snoke. Palpatine le
cuenta a Anakin la historia de Darth Plagueis
en la burbuja flotante en Revenge of the Sith.
Impregnado de la Fuerza, Plagueis es un
Muun, no muy diferente a Snoke.
ASÍ LO VIMOS EN: Looper.com
Mace Windu
Windu se fue al lado oscuro como revancha
para matar a los hijos de Anakin Skywalker,
y la Fuerza del rayo de Palpatine alteró su
apariencia. Porque tener a Andy Serkis en
lugar de a Samuel L. Jackson para la
captura de movimiento es el misterio real.
ASÍ LO VIMOS EN: Inverse.com
Vaneé
Vaneé es el aliado de Darth Vader que le
informa al Lord Sith de la llegada de
Krennic en Rogue One. Supuesto acólito de
Vader, se especula que Vaneé juró
manipular al nieto de Vader hacia el lado
oscuro, lo que explica que Ren tenga la
máscara de Vader.
ASÍ LO VIMOS EN: Fandom.wikia.com
El padre de Anakin
Anakin es producto de una concepción
inmaculada. Pero una teoría predice que
Snoke será revelado como el padre ausente
de Anakin, dándole a The Last Jedi una
revelación onda The Empire Strikes Back.
ASÍ LO VIMOS EN: Cheatsheet.com
Un personaje nuevo
Aftermath, la novela precuela de Force
Awakens, de Chuck Wendig, sugirió que
luego de la era Jedi, los últimos leales al
Imperio huyeron a las Regiones
Desconocidas. ¿Pudieron toparse ahí con
Snoke, quien los convirtió en la Primera
Orden? ¿O sólo se trata de Mike Snoke?
ASÍ LO VIMOS EN: Screenrant.com
DICIEMBRE 2017 113
 (Kelly Marie Tran) y su hermana Paige (Veronica
Ngo). Johnson habla sobre expandir los rangos
de Star Wars, desarrollar a los jóvenes héroes del
filme y pelar las capas del Jedi erosionado de
Hamill. Pero entre todo eso, hablar de un rol en
particular hace que el director se avive. Todo
mundo adora el lado oscuro.
“Escribir a Kylo Ren es una gran diversión”,
señala incapaz de suprimir una sonrisa pícara.
“Star Wars se reduce a la transición de la
adolescencia a la adultez. Eso es lo que hay en el
corazón de estas películas y Rey es la más obvia.
Pero también es Kylo. En las originales lo
proyectas en Luke, mientras que Vader es el otro
aterrador, el minotauro. Lo fascinante de Kylo y
Rey es que son dos lados de algo. Todos podemos
identificarnos con Kylo, con el enojo del
tormento adolescente y tratar de decidir quién
va a ser como hombre; lidiar con la rabia y querer
separarse de su familia. No es Vader —al menos
no es Vader todavía— y eso es algo en lo que de
verdad quería clavarme”.
114 DICIEMBRE 2017
Con cicatrices por dentro y por fuera
después de su duelo en el bosque con Rey, Kylo
Ren (Adam Driver) inicia The Last Jedi llamado
por su maestro. En cuanto al Líder Supremo de la
Primera Orden, visto hasta ahora a través de un
holograma gigantesco, Episode VIII por fin
revelará a un Snoke (Andy Serkis) de carne y
hueso. Pero no esperes atisbar al interior
desnudo del personaje. Johnson es de la opinión
de que tratándose de villanos, menos es más.
“En las precuelas tenemos toda la historia
del ascenso de Palpatine al poder, pero en los
filmes originales es lo que necesita ser,
simplemente ‘el Emperador’. Es una fuerza
oscura. Así fue exactamente mi acercamiento a
Snoke. No me interesaba explicar de dónde venía
ni contar la historia de su vida, excepto si le
servía a la trama”.
Lo que descubriremos es lo que pasa con
Finn después de su herida de sable casi fatal, si la
Nueva República sobrevive la destrucción de su
capital, Hosnian Prime, y cómo la Primera Orden
se sobrepone a la pérdida de su arma suprema.
Veremos ecos de Episode V cuando Rey comience
su entrenamiento y los Assault Walkers
enfrenten a los Skimmers de la Resistencia en las
planicies de sal de Crait. También regresaremos
a Ahch-To para obtener por fin la respuesta sobre
Skywalker que dio inicio a todo esto.
“FUE UNA COSA EPISODE VII, donde no
tengo que hacer mucho”, reflexiona Hamill. “Si
era un fracaso, no sería mi culpa. Pero la presión
en ésta es enorme. Me encanta actuar en el
teatro fuera de Broadway o el anonimato de la
animación. Hay un nivel de comodidad en ello.
Con Star Wars, ¡dios mío! Es demasiado y nunca
termina. Es aterradora y a veces ya no quiero
lidiar con ella. Fue divertido cuando estaba en
mis veintes, pero ahora…”.
Con una taquilla de más de dos mil millones
de dólares, The Force Awakens tiene una sombra
muy larga. Ahora que sale al frente es fácil ver
por qué Hamill se siente ansioso sobre el futuro
 Finn y
Rose (Kelly
Marie Tran) en la ciudad
casino de Canto Bight / Poe
Dameron es intolerante a la lactosa
/ Kylo Ren se pregunta en soledad:
“¿Ser o no ser del lado oscuro?”.
inmediato. Él, como el mismo Skywalker, ha
estado en el exilio durante mucho tiempo. Sin
embargo, cuando la conversación gira hacia el
pasado, se relaja visiblemente y cualquier signo
de ansiedad se disuelve en los gratos recuerdos.
Escuchar a Hamill contar anécdotas sobre la
realización de la trilogía original debe ser uno de
los mayores placeres de la vida; es fácil ver cómo
atizó el entusiasmo de Johnson hace meses.
“¿Recuerdas cuando Han Solo voltea hacia
mí desde una torreta del Halcón Milenario y me
dice: ‘Grandioso, chico. Pero no te vuelvas
arrogante’? Eso fue un invento total de Harrison.
Cada vez que yo quería cambiar un diálogo en
Star Wars le preguntaba primero a George y él
me decía que no, que lo dijera como estaba
escrito. Pero Harrison me dijo: ‘No le preguntes,
¡sólo hazlo! ¡Muchas veces ni siquiera se da
cuenta!’. Así que eso hicimos. Esa parte en la
Estrella de la Muerte cuando suelto: ‘No veo
nada con este casco’, fue un diálogo que dije en
los ensayos”.
Después de 40 años, la barra y las apuestas
son bastante más altas. Los fans se cuelgan como
mynocks a cualquier clave sobre la trama,
quieren un vistazo de Finn y Rose en uniformes
de la Primera Orden y de los porgs.
Las expectativas son enormes pero Johnson,
a diferencia de Hamill, parece tranquilo por
completo, dejando que todo se le resbale con una
despreocupación casual.
“Estoy muy zen”, responde calmadamente.
“Espero con ansia la reacción de la audiencia
después de que vean el resultado. He sido parte
de los fans de Star Wars desde hace 40 años y
siempre hay reacciones complicadas. Pero
espero éstas con ansias: las buenas y las malas”.
En un mes podremos ver la visión de
Johnson del último Jedi. ¿Quién es de verdad?
¿Cuando destrone al Emperador y desarme al
Señor Oscuro de los Sith, en qué se convertirá?
“Esa es la pregunta con la que empecé y la
manera más interesante de responderla fue
haciendo esta cinta”, nos comparte parándonos
en seco. “Es lo que quiero que la gente llegue
preguntándose y lo que espero que descubra a lo
largo del filme”.
Y luego, como Abrams antes de él, Johnson
se irá felizmente dejando que J.J. termine la saga
como la Fuerza le dé a entender.
“No me dirigieron y no le he dado a Colin un
esbozo de hacia dónde creo que deba seguir. Él
reaccionará a lo que considere emocionalmente
importante y descubrir qué tiene sentido para él
a partir de ello”.
¿No hubo palabras de sabiduría? ¿Ningún
consejo antes de irse? ¿Podría Johnson
convertirse en el maestro Jedi de Trevorrow
como Hamill lo fue de él?
“No lo sé. Ya veremos”, ríe. “Sólo espero no
ser su Greedo”.
Al menos en este caso sabemos con
seguridad quién disparó primero.
STAR WARS: THE LAST JEDI ESTRENA
EL 15 DE DICIEMBRE.
DICIEMBRE 2017 115
Con Suburbicon, George Clooney se embarcó en
una atrevida misión: descongelar una historia de
hace 30 años de Joel e Ethan y realizarla él
mismo. Esta es su guía para ser un Coen.

POR IAN NATHAN

DICIEMBRE 2017 117

 eorge Clooney
está haciendo una imitación de los
hermanos Coen. No de Joel o Ethan,
sino un combo típico de Ethan y Joel,
unidos en la diversión. “Eso es chistoso.
Ok. ¿Por qué no? Ja, ja, ja…”. Después de
casi 20 años de ser el hazmerreír de sus
chistes en pantalla, los llamó para
pedirles un favor. ¿Qué pensarían si
dirigiera su siguiente película?
El guion que tenía en mente se
llamaba Suburbicon y mostraba la típica
infusión de múltiples venenos, fraudes a
aseguradoras, asesinos ineptos y
venalidad sin sentido ubicada, como el
título sugiere, en un suburbio pristino
estadounidense. Él haría los arreglos
necesarios, elenco, filmación, edición y
deshacerse de los cuerpos. Ellos podían
quedarse en la cama. Otra cosa: ¿les
importaría si cambiaba un poquito su no
realizada trama de un allanamiento de

MIRA EN TU CORAZÓN BUSCA EN EL FONDO DEL

morada? Bueno, más bien un montón.
Quería que fuera relevante. Clooney

CAJÓN DE LOS COEN

enciende su motor Coen de nuevo:
“Claro. Adelante. Ja, ja, ja…”.
En el revuelo del Venice Film
Festival, donde Suburbicon está
debutando, Clooney es un oasis de
carisma. La estrella de 56 años es
imperturbable aun cuando lo
bombardean con preguntas sobre el
actual presidente de su país. De hecho,
esas preguntas son más relevantes para
su nueva cinta de lo que te podrías
imaginar: después de todo, los hermanos
Coen podrían haber inventado a Donald
Trump, otro idiota estadounidense con
cabello raro. Y el Estados Unidos de
Trump es la razón principal por la que
Clooney quiso realizar Suburbicon.
Pero aunque George Clooney es
George Clooney, no es un Coen. Lo que
tenía que hacer era pensar como un
Coen, actuar como un Coen y dirigir
como un Coen. A continuación están
todas las reglas que siguió para armar su
nuevo filme.
“Había pasado como un año buscando algo que
dirigir”, nos cuenta la estrella. “Mi agente me
dice que leí 80 guiones”. Niega con la cabeza. “La
mayoría no deberían ser convertidos en filmes, y
en cuanto a las megaproducciones de acción, yo
no soy el indicado para ellas. En resumen: no
encontraba una trama”.
Corte a las elecciones presidenciales en
Estados Unidos cuando el impensable bufón
tomó el escenario central bajo un montón de
pelos anaranjados, como indica Clooney,
amenazando con “construir muros y
convirtiendo a las minorías en chivos expiatorios
y toda esa mierda”.
Tembló al pensar en las semejanzas con la
época de McCarthy que mostró en su segunda
producción como director: Good Night, and
Good Luck. También había resonancias con la
sucia campaña de The Ides of March, su cuarta.
Pero para capturar este nuevo nivel de
locura necesitaba buscar en el oscuro pozo de los
hermanos Coen.
Suburbicon no es un guion recién salido del
horno. Los Coen lo escribieron a mediados de los
80, cuando Blood Simple ardía con un rastro
irónico de misantropía tejana. Se quedó atorado
en Warner Bros. durante 30 años, hecho menos
por demasiados productores y estrellas
potenciales. “Esta es una enfermedad que a veces
sufren los buenos proyectos”, suspira Clooney.
“Toda esta gente acepta y luego exige una
cantidad ridícula de dinero. De pronto resulta
que es prohibitivamente caro hacer la película”.
Ocasionalmente, los hermanos lo
intentaban. Sus guiones permanecieron
durmientes varias veces: The Hudsucker Proxy
tenía una década, Fargo había sido dejado de
lado durante años mientras que A Serious Man
comenzó su vida como parte de una propuesta de
cortos locos. Clooney leyó Suburbicon por
primera vez en 1999, cuando los Coen pensaron
en él para el papel de un investigador sucio de
una aseguradora que huele la corrupción en el
ambiente. Pero no llegó a nada.

118 DICIEMBRE 2017


Gardner (Matt
Damon) con Bud, el
tipo del seguro
(Oscar Isaac).
Como es un “coenista” jurado, Clooney
admite que Suburbicon todavía necesitaba
trabajo. “No había un acto final bien formado y
habían hecho cintas con los mismos temas.
Como que se estaban pirateando a ellos mismos:
Fargo y Burn After Reading tienen los mismos
tipos de desventurados malandrines y así”.
Seguro ya sabes cómo Suburbicon te lleva a
otra trama de los Coen. Detrás de las cercas de
madera de un suburbio impecable, un asesinato
bastante ordinario se sale de control. El poco
excepcional contador Gardner Lodge (Matt
Damon), su esposa malgeniuda, Rose (Julianne
Moore), y su hijo de nueve años, Nicky (Noah
Jupe), deben sobreponerse a que un par de
villanos ineptos (Glenn Fleshler y Alex Hassell)
invadan su casa y ocurra una tragedia. Como esta
es otra historia de los Coen donde los niños son
mucho más inteligentes que los adultos
adultos, Nicky
comienza a sospechar que el crimen pudo haber
sido tramado, sobre todo cuando aparece
Margaret, la hermana gemela de Rose (también
interpretada por Moore). Aparte del incrédulo
de Nicky, todos son horripilantes en esencia.
Otra comedia estadounidense tan dulce
como un lobo acorralado.
APRENDEDELOSMEJORES
No fue sin trepidación que Clooney y
su socio en guionismo y producción
Grant Heslov (el Ethan de su Joel) se pusieron a
rehacer Suburbicon. En los diálogos agudos
como navajas de los Coen, ninguna sílaba está
fuera de lugar. La improvisación no es motivada.
Mantente apegado al plan. “Cuando hice O
Brother, si cambiaba ‘damn’ por ‘darn’, que es lo
mismo, me caían encima”, ríe Clooney. “Son muy
estrictos”.
Sin embargo, si pasas el tiempo suficiente
metido en esto, lo captas. “Esa naturaleza
repetitiva, ciertas palabras que usan con
frecuencia. No digo que yo sea los hermanos
Coen, ese no es el punto. El punto era que
teníamos que encontrar la manera de expresar
su forma de hablar
hablar, y eso no es fácil”
fácil , explica
Clooney.
Además, ellos siempre estaban del otro lado
del teléfono si quería probar una idea: “Ajá, ajá,
ajá”. Y ya.
Cuando les mostró la película terminaba
—“lo cual, como te puedes imaginar, fue
enervante”—, lo primero que mencionaron fue
A Margaret (Julianne
Moore) no le gustan
los términos de Bud /
El director y guionista
George Clooney
canaliza su mejor
Joel en el set.
una escena suya que había sobrevivido lla
textualidad. En ella el investigador de laa
aseguradora (Oscar Isaac) amarra a Moore con
nudos verbales. “¡Oye, esa escena funcio ona!”,
dijeron los hermanos. Después le dieron n una
crítica más amplia. “De verdad amaron la
película”, recuerda un aliviado Clooneyy.
El filme recibió una recepción mixtta por
parte de los críticos en Venecia. Sin emb bargo,
siguen siendo disfrutables los temas obvvios de
los Coen, incluyendo el par de asesinos que
llegan a la historia en un vocho destartaalado para
hacer un trabajo sucio. “De inmediato p piensas en
Fargo”, responde Damon. La cámara su uele estar
detrás de un par de tacones voladores o en un
primer plano sin fin de una cara sonrien nte. Pero
si algo hizo Clooney fue subirle a la maldad de la
historia. Con orgullo admite que una escena en la
que el cada vez más perturbado Damon amenaza
con asesinar a su propio hijo mientras come
ruidosamente un sándwich de queso es
confección completamente suya y de Heslov.
“Esa escena es una locura”, admite Damon.
“Aunque bromeaba con Noah entre tomas para
tratar de aligerar el ambiente, después me enteré
de que regresó a su tráiler y lloró porque no
DICIEMBRE 2017 119
 logramos lo que queríamos de él. Al día siguiente
George dijo: ‘Mira esto…’. Me puse los audífonos
y George lo estaba regañando y él lloraba a gritos.
Y al final de la escena Noah le sonríe y le da esos
cinco”.
Los Coen estaban tan impresionados por la
habilidad de Clooney de imitarlos que insistieron
en compartir el crédito del guion. “Créeme,
Grant y yo no queríamos figurar en ningún
momento como guionistas”, nos asegura
Clooney. “Lo último que quieres es tu nombre
junto al de los hermanos Coen, no soy estúpido.
Pero ellos insistieron: ‘No hay jodida manera.
Ustedes hicieron esto así que pónganle su
nombre’. Insistieron tanto que terminó por ser
algo irritante”.
MANTENLO EN FAMILIA
Mientras que Clooney podría haberse
quedado sólo en la seguridad tras la
cámara, su elenco tenía un nombre de por medio.
Damon (True Grit), Moore (The Big Lebowski) y
Isaac (Inside Llewyn Davis) han pululado por el
Coeniverso. De hecho, Damon, más llenito y con
lentes, fue la única elección de Clooney para su
homicida común. Es una estrella de cine que
fácilmente puede parecer “el papá de alguien”.
Habiendo terminado cinco películas al hilo,
Damon había planeado pasar un tiempo con su
muy funcional familia, así que cuando Clooney
requirió su presencia en Suburbicon, lo rechazó.
“Se filmaría en Atlanta, así que le escribí y le
dije que prefería que me torturaran antes que
decir que no a una de sus películas, pero quería
estar con mi familia”.
Media hora después Clooney volvió a
escribirle: “¿Y si filmamos en Los Ángeles?”.
Josh Brolin (No Country for old Men) era
otro veterano de los Coen que aparecía en el
filme como un entrenador de beisbol que enseña
a quienes tiene a su cargo lo que significa la
palabra “joder”. Pero terminó en el piso del
cuarto de edición. “Cuando hicimos
proyecciones de prueba era la escena más
chistosa, pero le daba al niño un adulto a quien
podía acudir. Tuvimos que sacarlo de nuestro
120 DICIEMBRE 2017
mundo”, revela Clooney. Invasion of the Body
Snatchers nos viene a la mente.
Mientras tanto, Moore estaba encantada de
volver a los personajes “elevados” de los Coen.
Aunque no está tan en tu cara como Maude en
The Big Lebowski, Rose es muy espinosa y
Margaret una violeta marchita con un corazón
de piedra. “Cuando estás filmando te preguntas
dónde habita la cinta, cuál es la realidad de su
mundo”, agrega.
UBÍCALA EN UN ESTADOS
UNIDOS MENTAL
Cuando vio por primera vez la notoria llamada
de Trump (“Haz a Estados Unidos grande otra
vez”) en su tele, a Clooney se le ocurrió que se
refería a los míticos Estados Unidos de los 50. El
sueño americano de prosperidad, alegría y
electrodomésticos siempre que fueras blanco,
heterosexual y hombre.
“Cuando de hecho sabes que todos cogían en
el asiento trasero de sus autos y todo mundo se
embarazaba y los negros no podían sentarse en la
barra de un restaurante”, suelta. “Todo eso
ocurría justo bajo la ilusión de lo hermoso que
era el país entonces”.
Para alimentarse del fervor nacionalista de
Trump, a Clooney le resultó relativamente fácil
redirigir el drama del guion original de la era
consumista Reagan de los 80 a los “tiempos
mejores” de los 50 de Eisenhower, cuando los
suburbios surgieron por todo el país.
Era una década que pudieron haber
inventado los Coen: una visión hiperrealista y
casi herméticamente sellada de Estados Unidos.
“Son tan específicos en lo que escriben que crean
un mundo en sus guiones, en los personajes, en el
diálogo. Pero debajo fluye una corriente
subterránea…”.
BÁSALO EN UNA HISTORIA
REAL... SÍ, EN SERIO
Clooney se topó con un corto documental
titulado Crisis In Levittown, dirigido por Lee
Bobker y Lester Becker en 1957. Con pietaje en
blanco y negro muestra la mudanza de una
familia afroestadounidense a un suburbio. “En

¿Está a punto de
enloquecer Gardner?
/ La joven estrella
Noah Jupe se
pregunta cuándo es
su turno.
seis horas había 500 personas enojadas en su
jardín”, Clooney mueve la cabeza con
desaprobación. “El tema no es nuevo. Es nuestro
pecado original”.
Se dio cuenta de que los tiempos exigían más
que una imitación de los Coen. “Sólo déjame
decir que mis directores favoritos de todos los
tiempo son quizá los Coen. Estos tipos le han
dado al blanco durante treinta y tantos años”,
dice. “Pero sus películas no siempre tienen una
razón. Les gusta que no tengan un motivo.
Tienden a tener un poco menos corazón en
ciertas áreas. Eso es parte de lo que los hace mis
realizadores favoritos. Pero yo sentí que era
importante mostrar lo que pienso
personalmente sobre algunas cosas”.
Así que Suburbicon podría ser mejor descrita
como “Cl
“Clooneyesca”” porque ell actor-director
di
mezcla la visión satírica de los hermanos con esta
rebanada vil de historia real, hasta incluyendo
escenas del documental. Una súplica pasional
directa del corazón, la dramacomedia salta del
asesinato clasemediero a la siguiente calle, donde
una familia negra acaba de mudarse, aguantando
estoicamente las reacciones racistas de sus
vecinos. La ironía es que los crímenes se apilan
en la casa blanca mientras que es la familia negra
—inocente— la culpada. “Crecí en Kentucky
durante el movimiento por los Derechos
Civiles”, rememora Clooney. “Puedo hablar de
hombres blancos pensando que su mundo se
acaba y culpando a las minorías por ello”.
El suburbio venenoso del filme nunca es
ubicado con precisión, pero como Levittown
estaba en Pennsylvania, en el noreste de Estados
Unidos, Clooney estaba decidido a mostrar el
racismo lo más alejado del sur. “Todas las
películas que ves sobre racismo son Mississippi
Burning. Por eso quería un filme que tuviera una
sensación muy noreste”, ríe.
Cuando estaba clavado en la edición de
Suburbicon, y con Trump instalado en la Casa
Blanca, imágenes de supremacistas blancos
marchando en Charlottesville dejaron
sorprendido
did a Clooney.
Cl V
Volviendo
l i d a su cinta,
i vio
i
un mar de caras blancas en el césped de sus
nuevos vecinos —la vida imitando al arte
imitando a la vida. Diablos: la vida imitando a los
hermanos Coen—.
“Las mejores películas reflejan su lugar en la
historia”, concluye Clooney. “Esta es una
película de los Coen muy enojada”.
SUBURBICON ESTÁ AHORA EN CINES COMERCIALES.
Más guiones de Joel y Ethan
que los hermanos no han realizado
TO THE WHITE SEA
Adaptación de una historia de James Dickey
sobre un tirador aéreo estadounidense. Iba
a realizarse en 2002 con Brad Pitt.
62 SKIDOO
En esta misteriosa comedia de la Guerra
Fría iba a salir el verdadero Henry Kissinger.
Nos imaginamos que el título está inspirado
en el dicho “23 skidoo”, que se traduce
como “sal de ahí mientras todo va bien”.
THE CONTEMPLATIONS
Antología de cortos filosóficos enmarcada
por un viejo en una librería polvosa leyendo.
Cada corto es un capítulo. O Brother, The
Man who wasn’t There y A Serious Man
comenzaron como parte de Contemplations.
THE YIDDISH POLICEMEN’S UNION
Del autor Michael Chabon, sigue un
homicidio en Alaska, inventando un slang
basado en yiddish. Sin embargo, en 2012
Chabon dijo que “parece que los hermanos
siguieron con otra cosa”.
PELÍCULA SIN TÍTULO SOBRE
UNA ÓPERA
Promoviendo Inside Llewyn Davis, los Coen
sugirieron que trabajaban en un filme del
mundo de la ópera. “Tiene piezas musicales
tradicionales”, indicó Joel, lo cual no
significa que sea un musical.
THE SONS OF BEN COFFEE
¿Podría ser este el origen de The Ballad of
Buster Scruggs, su próximo western en
Netflix? Fue, afirmó Ethan, un “tipo de
contemplación del paso del hombre en la
Tierra en el Viejo Oeste”.
BLACK MONEY
Adaptación de la obra noir y violenta de
Ross Macdonald, que estaba en planes de
realizarse con Warner Bros. en 2015. Hubo
una versión en 1966, Harper, con Paul
Newman como el detective Lew Harper.
DICIEMBRE 2017 121
122 DICIEMBRE 2017
LOS REGALOS Y BUENOS DESEOS DE ESTAS FECHAS
NO LLEGAN A TODO EL MUNDO. EL CINE
NOS HA DEMOSTRADO QUE LAS TRAGEDIAS
TAMBIÉN PUEDEN APARECER
EN LA BOTA DE LA CHIMENEA.
POR JESÚS CHAVARRÍA

DICIEMBRE 2017 123

 HORA RESULTA QUE EN ESTAS FECHAS todo el mundo
está feliz y regala paz y amor. No puede uno salir y dar
unos cuantos pasos en la calle sin encontrarse a personas
que van por ahí repartiendo asfixiantes abrazos y
quesque buenos deseos. Y lo que es peor: se la pasan
cantando villancicos mientras preparan fiestas con luces
de bengala y piñatas, salpicando todo con su espíritu.
Pero si algo nos ha enseñado el cine es que detrás de esa
fachada, sólo se esconde una serie de jornadas que con
facilidad pueden convertirse en recuerdos trágicos. Para
constatarlo, el espíritu grinch de EMPIRE te invita a dar
una vuelta por algunos casos que son para llorar.

Rebelióndelospingüinos
Batman regresa
Tim Burton, 1989
Nadie pone en duda que se trata de una
de los mejores filmes que se han hecho
sobre el Vigilante de Ciudad Gótica, pero
eso de que en plenas posadas, un sujeto
con aspecto de pingüino esté rondando
la urbe para secuestrar niños, colocando
murciélagos en el árbol de Navidad de la
plaza principal y matando de paso a
Miss Gotham hace que a cualquiera se le
atragante el pavo. Por eso no ponemos
arbolito, aunque lo haríamos si una gatita
como la que sale ahí lo pide.

SIEMPRE PUEDE SER PEOR Con un

Batman cuyo traje marcara intensamente
sus pezones y, luego de este episodio,
dejar que la saga la dirija Joel
Schumacher. O sea, a partir de la
siguiente entrega sí fue peor.

Secuestro terrorista
Duro de matar
John McTiernan,1988
¿Qué pensarías de un sujeto que, un día cualquiera, cuando
va a recoger a su esposa al trabajo, se encuentra con que el
edificio está tomado por terroristas? Así la sufrida historia del
detective John McClane (Bruce Willis) que, mientras suenan
villancicos, debe introducirse en respiraderos, evitar
explosiones y saltar por las ventanas con tal de llegar al piso
30 del Nakatomi Plaza. Por suerte se la pasa haciendo
comentarios sarcásticos y hace más llevadero todo el lío.

SIEMPRE PUEDE SER PEOR Capaz que el tipo llega a la

hora de los aguinaldos y, al ver el de su esposa, él mismo
secuestra el edificio gritando: “Yippee-ki-yay, motherfucker!”.

124 DICIEMBRE 2017

Abandono
Mi pobre angelito
Chris Columbus, 1990
El famoso “¡Kevin!” que enuncia Kate McCallister (Catherine O'Hara) al notar que dejó
en casa a uno de sus hijos esconde algo aún peor: ¿a quién le parece linda una familia
que está más preocupada por un viaje que por uno sus miembros? A nadie, por
supuesto. Podría justificarse el asunto si tomas en cuenta que el tal Kevin (Macaulay
Culkin) sólo tiene la pinta de angelito, porque por dentro es un sádico que se la pasa
atormentando a un par de ladrones idiotas que insisten en ser víctimas de cada una de
las absurdas trampas que les pone —como si no hubiera más casas que robar—.

SIEMPRE PUEDE SER PEOR Culkin, al más puro estilo de Xavier López “Chabelo”,
pudo quedar atrapado toda su vida en ese papel, alargando de forma infinita su saga
insoportable. De haber ocurrido, uno de los títulos bien pudo ser Solo en casa con
Michael Jackson. ¿O eso sí pasó?

Crisis matrimonial
Ojos bien cerrados
Stanley Kubrick, 1999
La última obra del genial Kubrick empieza justo
con una fiesta de Navidad e incluye escenas de
sexo grupal entre personas enmascaradas,
Nicole Kidman desnuda y… un momento, eso
no suena nada mal: así hasta podríamos dejar
de odiar estas fechas. ¿Entonces por qué la
incluí en la lista? Por Tom Cruise, esposo de
Kidman en la cinta, que en el papel de William
se sumerge en un casi febril infierno mental con
todo y su sonrisa que es capaz de arruinar toda
la Navidad.

SIEMPRE PUEDE SER PEOR El mencionado

actor pudo salir en casi cada cuadro, como en
otras de sus cintas; eso sí sería una verdadera
pesadilla navideña.

DICIEMBRE 2017 125

 Rituales satánicos
El bebé de Rosemary
Roman Polanski, 1968
Mientras más intenso sea el espíritu
navideño de tu vecino, toma mayores
precauciones hacia él. Hay quienes, por
estas fechas, empiezan a ser más
metiches que de costumbre, mostrando
un extraño interés por los inquilinos
nuevos. Pero detrás de su supuesta
amabilidad suelen ocultar oscuras
intenciones. Si no nos crees, pregúntale
a Rosemary (Mia Farrow), quien al
mudarse junto a su mejor amigo terminó
en medio de los rituales de un grupo de
dementes religiosos que pensaban que
ella estaba destinada a dar a luz al
Anticristo en plena Nochebuena.

SIEMPRE PUEDE SER PEOR

Por ejemplo, que en lugar de un niño, la
pobre Rose estuviera embarazada de
gemelos y entonces la señalaran de ser
madre de dos posibles Anticristos. Eso
se pondría muy feo.

Intercambio
Cazafantasmas
Ivan Reitman, 1984
¿Creías que los chocolates rancios eran lo peor
que podías recibir en Navidad? Ahora piensa
que tu amigo secreto es un fantasma mala
onda. Aquí toda la energía negativa de los
neoyorkinos hace que los espectros aparezcan
para darle su Nochebuena a nuestros viejos Invitados inesperados
amigos cazadores de fantasmas, incluyendo al Gremlins Joe Dante, 1984
hombre de malvavisco gigante de regalo. Ahora hablemos de quienes se sentarán a compartir los romeritos contigo: está la tía regañona, el
sobrino inquieto y también los monitos que se reproducen con el agua y no deben comer después
SIEMPRE PUEDE SER PEOR En lugar de la tan de la medianoche porque se transforman en monstruos. Basta un puñado de esos invitados para
esperada tercera parte pudieron regalarte un que todo se vuelva un sangriento desastre.
poco acertado reboot con Melissa McCarthy SIEMPRE PUEDE SER PEOR Imagina que invitaran a sus amigos más gordos, sanguinarios y menos
como protagonista. chistosos: los Critters. ¡Ese crossover hay que verlo! De hecho nos recuerda la cena familiar del 97.

126 DICIEMBRE 2017

La cola del diablo
Pastorela ¿QUÉ
RECIBIR ÁN
Emilio Portes, 2011
No hay nada más navideño que las pastorelas, aunque muchas veces
pueden traer la desgracia para ciertas personas, como en el caso del padre
Edmundo que, por andar de acomedido montando una de ellas, termina en EN NAVIDAD?
el féretro. A eso hay que sumar que ya tenía una rivalidad con un agente
judicial, detonando el enfrentamiento entre hordas de civiles disfrazados de 1.QUENTIN TA R A NTINO
diablos y policías disfrazados de ángeles. Una cubeta de pintura Pantone©
rojo sangre (187, 10, 30).
SIEMPRE PUEDE SER PEOR Algunos partidos políticos pudieron haberse
involucrado, de esos que usan infiltrados y grupos de choque. ¿Sí hay de 2.H A RVEY W EINSTEIN
esos, no? Un DeLorean para viajar al
pasado y pedirle a su mamá que
le amarre las manos.

3.GUILLER MO
DEL TORO
Asesinatos seriales Él quiere un monstruo
Jack Frost que sea su amigo.
Michael Cooney, 1997
Nunca confíes en un muñeco de nieve, su sonrisa falsa y 4.BEN A FFLECK
ojos impávidos que siempre están ahí tan… quietos. Uno Batirrepelente para los haters
nunca sabe, en cualquier momento pueden cobrar vida y en su baticinturón.
convertirse en un asesino serial como Jack Frost (Scott
MacDonald), que usa a una persona como árbol de 5.DIEGO LU NA
Navidad y ataca a una chica con su nariz de zanahoria. Que George A. Romero haga
Rogue 2: Living Dead Rebels.
SIEMPRE PUEDE SER PEOR El muñeco de nieve pudo
protagonizar un aburrido cortometraje animado que se 6.EIZA GONZÁ LEZ
proyectara antes de la cinta Coco. Otra portada de EMPIRE.

7.GA L GA DOT
Nada. No le hace falta nada.

8.K EVIN SPACEY

Tener el poder de Francis J.
Underwood para salirse con la
suya... y con la de los demás.

9.GEORGE A. ROMERO
Día de Muertos, todo el año.

10.EUGENIO DER BEZ

Celebrar Navidad rodeado
de puras caras familiares.

DICIEMBRE 2017 127

128 DICIEMBRE 2017
La
IMPUNIDAD
delos
GENIOSEl asunto de Harvey Weinstein lleva 30 años: que
hoy al fin esté pagando las consecuencias resulta
un parteaguas. Sin embargo, la victoria tiene
un sabor agridulce. Primero, por lo tarde que lleg
y, segundo, por lo que revela, no sólo de Hollywood,
sino de la realidad cotidiana que viven las mujere
en la mayoría de los ámbitos. Ref lexionemos en torno
a la permisividad y doble moral que hay cuando
se trata de hombres talentosos, cuyo arte es innegable.
POR JACQUELINE WAISSER

DICIEMBRE 2017 129

 unos días de la ceremonia del Óscar en la que
Casey Affleck se llevó la estatuilla como Mejor
actor, posteé este comentario en Facebook:
“Casey Affleck está excelso en Manchester by
the Sea. Y sí, merece el Óscar. Sin embargo, me
conflictúa lo que se dice de su persona: que es un
misógino, un ojete y que, además, dos mujeres
que trabajaron con él en uno de sus proyectos
como director, lo hayan denunciado por acoso
sexual (verbal y físico). Sé que la Academia no es
hermanita de la caridad y su labor no consiste en
premiar la calidad moral de las personas, sus
valores o su tipo de vida. Aún así, ¿cómo ignorar
la bajeza moral del comportamiento de Casey
Affleck y por qué celebrarlo? Es el eterno dilema
y el doble estándar de condonar la transgresión y
las faltas por tratarse de hombres talentosos y
con genio artístico”.
Algunas de las reacciones obtenidas fueron:
“Su vida personal no es problema de nadie”.
“Debe separarse su conducta de su obra”. “Su
comportamiento en la vida real no está
relacionado con su actuación”.
Tal vez no hablamos de asesinato, en muchos
casos ni siquiera de violencia física visible, pero
no nos engañemos: el acoso sexual, en todos sus
niveles, es un delito. Y aunque en demasiadas
esferas es normalizado, quizás en ninguna tanto
como en Hollywood. La pregunta aquí sería: si
una persona decide llevar una vida delictiva,
¿merece vivir como si nada y además ser
premiado? Eso fue lo que sucedió con Casey
Affleck el 26 de febrero de 2017. El mensaje fue:
“Tu trabajo es tan extraordinario que cancela el
daño perpetrado a terceras personas”.

ElescándaloHarveyWeinstein
Al cierre de esta edición, las agraviadas por
Weinstein sumaban 82. El efecto dominó sigue
en curso y no se sabe aún en qué va a parar. El
nivel de abuso de este productor ha escalado a
territorios insospechados; lo suyo no eran
deslices ocasionales, sino una forma de vida.
La cloaca se destapó cuando el New York
Times publicó un artículo de investigación
llamado “Harvey Weinstein Paid Off Sexual
Harassment Accusers for Decades” en el que
varios testimonios,, incluidos los de las actrices

130 DICIEMBRE 2017

 Cuando el peso de las imputaciones era insostenible, Georgina
Chapman, esposa de Weinstein, anunció que se separaría de él. Pero no sólo
eso: el escándalo abrió la puerta a una avalancha de confesiones por parte
de distintos actores sobre sus propias experiencias de abuso a manos de
otros productores, pintando un panorama bastante sombrío de Hollywood.

Unaverdadincómoda
Pensemos en la filmografía de este productor y distribuidor. Seguro muchas
de sus cintas estarán entre tus favoritas y no concibes el mapa
cinematográfico actual sin ellas. Es innegable el talento y la visión de
Weinstein, uno de los productores más poderosos y revolucionarios de la
escena indie. A él debemos títulos como Sex, Lies and Videotapes,
Shakespeare in Love, Pulp Fiction, The English Patient, Good Will Hunting,
Gangs of New York, Chicago y Scream, por mencionar sólo algunos.
Aquí es donde afloran los sentimientos encontrados. Estas películas
nos han marcado de tal forma que no queremos asociarlas con el hombre de
aspecto desagradable que utilizaba su corpulencia y autoridad para
intimidar. ¿Quedan inválidas todas estas obras que definieron la cultura
pop y el cine de arte de las últimas tres décadas?
Pero la ironía crece. ¿Cómo debemos interpretar que Weinstein fuera
el productor del documental The Hunting Ground, excelente pieza que
devela la rampante epidemia de violación en prestigiadas universidades y la
impunidad que cobija a los agresores? ¿O que fuera un férreo impulsor de
Hillary Clinton?
Weinstein será el caso más notorio, pero no es el único. A lo largo de la
historia del cine abundan. ¿O creen que las
patrañas de Alfred Hitchcock eran simples
excentricidades? Revisemos los casos más
mediáticos de los últimos tiempos.

Ashley Judd y Rose McGowan, la modelo Ambra Battilana y exempleadas
de Miramax y The Weinstein Company, exponen la conducta del individuo.
El reportaje desencadenó el despido del ejecutivo de su compañía.
A la par, The New Yorkerr preparaba su propia investigación: “From
Aggressive Overtures to Sexual Assault: Harvey Weinstein’s Accusers tell
their Stories”, bajo autoría de Ronan Farrow. Ésta salió unos días después.
Farrow es un reconocido periodista con especial sensibilidad por el tema
del acoso sexual. En el informe relata las historias de otras víctimas, entre
ellas Mira Sorvino y Asia Argento.
Ambas publicaciones dejan en claro el modus operandi del depredador:
citar a una joven en un cuarto de hotel bajo falsas pretensiones, recibirla en
bata —o en su defecto, desvestirse después—, meterse a bañar, solicitarle un
masaje o forzarse sobre ella. En algunas instancias se habla de violación. La
premeditación implícita en estos encuentros es evidente: Weinstein
utilizaba a sus empleadas femeninas como señuelo. Al iniciar la “reunión”
estaban presentes para bajar la guardia de la víctima y hacerla sentir
segura, pero al poco rato se retiraban, dejándola a merced del victimario. El
perfil de las agredidas es otra constante: todas ellas, en el momento de la
vejación, eran jóvenes actrices aspirantes con el deseo de participar en
algún proyecto de este monstruo (literal y metafórico) del cine.
Lo que sucedió tras la divulgación de estos trabajos periodísticos es
algo sin precedentes. Mujeres a diestra y siniestra levantando la mano
diciendo: “Sí, también fui abusada por Harvey Weinstein”. Hasta actrices
de tan alto perfil como Gwyneth Paltrow, Angelina Jolie, Kate Beckinsale,
Lupita Nyong´o, Léa Seydoux o Cara Delevingne, que al pronunciarse sólo
ganan recobrar el poder que años atrás les fue robado por este hombre.
Incluso miembros de la industria de Hollywood que no fueron víctimas
comenzaron a admitir que esto era un secreto a voces.
WoodyAllen-Papitoquerido
El drama generado por la relación entre el
director y su hija adoptiva, Soon-Yi, es conocido
por todos. Si bien es indignante que un hombre
de 56 años se fije en su hijastra de 21 y que a la
fecha haga declaraciones como: “Mi relación con
Soon-Yi Previn funcionó por nuestra relación
padre-hija previa. Ella respondió a mi
comportamiento paternal”, no es eso lo más
polémico en su vida.
Allen fue acusado de abusar sexualmente de
La aplaudida su hija Dylan Farrow. En 2014, año en que lo
producción de premiaron con el Cecil B. DeMille Award, Dylan
Weinstein dirigida publicó una carta en donde afirmaba haber sido
por Quentin abusada sexualmente por él desde los siete años.
Tarantino, Pulp Las acusaciones datan de 1993, pero se exoneró a
Fiction / Padre e Allen por falta de pruebas.
hija tras convertirse Para ese momento ya se había desatado la
en marido y mujer / tormenta del affair incestuoso con Soon-Yi, y
Casey Affleck en el decir que la relación entre Mia Farrow —su
personaje que le entonces pareja— y Woody Allen era hostil, es
dio el Óscar, Lee, quedarse cortos. En parte, esa “Guerra de los
de Manchester by Roses” en la que estaban inmersos desvirtuaba el
the Sea. testimonio de la niña. Allen afirmaba que sólo se
trataba de una venganza urdida por Mia.
No obstante que la culpabilidad nunca fue
probada, el incidente ensombreció la integridad
del director neoyorquino.
La postura de Ronan Farrow —único hijo
biológico de Allen— es tajante. En un ensayo
para The Hollywood Reporterr que salió el mismo
día del estreno de Café Society en Cannes dijo:
“Actores, incluyendo varios que admiro,
continúan haciendo fila para estelarizar sus
películas. ‘No es personal’, me dijo uno de ellos.
Pero mi hermana sufre cada vez que uno de sus
héroes, como Louis C.K., o una actriz de su edad,
como Miley Cyrus, trabajan con Woody Allen. Es
precisamente personal —para mi hermana y para

DICIEMBRE 2017 131

 aquellas mujeres cuyos alegatos de abuso sexual
jamás han sido reivindicados por una condena…
Hoy arranca el Festival de Cannes con una
película nueva de Woody Allen. Habrá
conferencias de prensa y desfiles por la alfombra
roja… Las estrellas estarán a su lado. Estarán
confiadas de que la prensa no les hará preguntas
difíciles. No es el momento ni el lugar,
simplemente no es apropiado. Ese tipo de
silencio es nocivo, peligroso”.
Allen es un favorito del público. Sus cintas
van de lo genial a lo cómico. Sus estilo es
inconfundible. Un autor hecho y derecho. ¿Cómo
conciliar su ignominia personal con sus obras?

RomanPolanski-Directorfugitivo
Pocas cintas relatan el triunfo del espíritu
humano ante la adversidad con mayor
emotividad y fuerza que El pianista.
Naturalmente, Polanski se llevó el premio a
Mejor director en los Óscar de 2003. La ausencia
del realizador polaco en la ceremonia fue
notoria, más no sorprendente. Y es que Polanski
no ha ingresado a Estados Unidos desde 1978 por
ser considerado prófugo de la justicia.
Su caso es bastante conocido. Incluso se ha
explorado a profundidad en documentales como
Roman Polanski: A Film Memoir y Roman
Polanski: Wanted and Desired.
Cuando el director tenía 43 años sostuvo
relaciones sexuales con Samantha Geimer, una
menor de 13 años. Que se trató de una violación
no hay duda, por la edad de la niña y las
circunstancias en las que sucedió. Polanski
manipuló una cita de trabajo —un estudio
fotográfico para Vogue— para armar el perfecto
escenario; además le administró alcohol y
metacualona a la joven para facilitar su objetivo.
Al director le imputaron cinco cargos:
violación con uso de drogas, perversión, El argumento de Polanski es que ha pagado por el crimen que cometió. Un jovencito Bill
sodomía, actos lascivos con un menor de 14 años Aunado a que recibió el perdón de la víctima, quien retiró los cargos y Cosby / Björk al
y administración de sustancias controladas a un obtuvo una compensación de más de medio millón de dólares. lado del director
menor de edad. Lo cierto es que hay otras tres mujeres que lo acusan de violaciones Lars von Trier /
Sí, Polanski estaba deprimido; acababa de sucedidas durante los 70 y 80, siendo también adolescentes. Con todo eso, Tarantino posando
perder a su esposa Sharon Tate y a su futuro bebé ¿cuántos de nosotros correremos a ver Based on a True Story, su más con su entonces
a manos del asesino serial Charles Manson. Sí, reciente cinta? ¿Cuántas veces hemos dicho: “Pobre viejito, ya déjenlo novia, Mira Sorvino,
aún lidiaba con sus traumas de infancia en el entrar a Estados Unidos”? quien también
gueto de Cracovia, la pérdida de su madre en sufrió abuso por
Auschwitz y la asimilación de otra identidad para
sobrevivir. Sí, eran los revoltosos 70, década en la BillCosby-Dr.HuxtableyMr.Hyde parte de Weinstein
/ Polanski con unos
que las costumbres sociales, el sexo y la droga Para los que crecimos en los 80, el doctor Heathcliff Huxtable años menos.
tenían distintos matices a los de ahora. Nada de (irónicamente, un ginecólogo), era el padre que todos queríamos tener. La
lo anterior, empero, justifica la deplorable y muestra de que se podía ser estricto y cariñoso a la vez, que las familias
bestial conducta del director. podían reñir y molestarse sin dejar de amarse, que el sentido del humor era
A diferencia de otros agresores, Polanski se suficiente para resolver cualquier conflicto. Con sus estrafalarios suéteres,
entregó, aceptó su culpa y un acuerdo gesticulaciones exageradas y gran timing cómico, Bill Cosby era adorado.
conciliatorio que le prometía 90 días de cárcel y Detrás de esa imagen se escondía un peligroso depredador sexual.
libertad condicional. Cumplió la condena inicial Nada más 60 mujeres lo han acusado de abuso entre 1965 y 2008. De ser
de 42 días. Poco antes de que el juez dictara su ciertos los reclamos —y no tendrían por qué no serlos, es inexplicable que
sentencia final, Polanski se enteró de que había tantas agraviadas mientan o tengan algo personal en contra del actor—,
cambiado de parecer y le endilgaría 50 años. estamos ante uno de los peores violadores seriales contemporáneos.
Convencido de que el juez fue manipulado y que El método más recurrente del comediante: drogar a sus víctimas para
tenía una vendetta personal contra él, se dio a la después violarlas. En ocasiones les prometía papeles o ser su mentor.
fuga. Años más tarde lo arrestaron en Suiza por En abril de 2017 por fin procedió un juicio en su contra, con
petición de las autoridades estadounidenses. acusaciones formales de cerca de 30 mujeres. El juicio se llevó a cabo entre
Pasó dos meses en la cárcel y después seis meses junio y julio de este año. El jurado no pudo llegar a un veredicto y el caso
de arresto domiciliario. sigue pendiente.

132 DICIEMBRE 2017

 “Una vez que comenzó la filmación me di cuenta de que en verdad
quería que le diéramos todo. La mayoría de los directores jamás se
atreverían a pedir lo que él nos pidió y son más respetuosos”, confesó Adele
Exarchopoulos respecto a las escenas sexuales que las obligó a recrear. En
suma, ambas se sintieron explotadas y utilizadas por su director y, a pesar
de las alabanzas y premios que les trajo la película, jamás volverían a
trabajar con él.
Ni hablar de Bernardo Bertolucci y su Last Tango in Paris. Maria
Schneider tenía 19 años cuando, tanto el director como Marlon Brando, en
aras de obtener el mayor realismo posible, la obligaron a participar en una
escena que no estaba en el guion: la infame violación con mantequilla.
Schneider quedó traumatizada de por vida. Bertolucci no parece entender
las implicaciones de sus actos a estimar por su declaración en una
entrevista de 2013 en La Cinémathèque Française: “Me siento culpable,
pero no me arrepiento”.

The Cosby Show marcó un antes y un
después al retratar a una familia afroamericana
de clase media alta alejada de los estereotipos
raciales. Ni modo: el epítome del sueño
americano se convirtió en pesadilla.
Bajosinstintos
A juzgar por la cantidad de actrices, celebridades
y simples ciudadanas de a pie que han alzado la
voz de sus propias historias de abuso a raíz del
destape (sin albur de por medio) de Weinstein,
uno pensaría que el acoso sexual no es algo
aislado que sucede en lo oscurito, sino una grave
pandemia fuera de control.
Nos exhorta a preguntarnos: ¿qué sucede
con la sociedad? ¿Se vale utilizar el concepto de
“adicción sexual” como justificación? ¿El grueso
de los hombres es incapaz de controlar su libido
o necesidad de dominar a las mujeres? ¿Es algo
genético o cultural?
Específicamente en el cine, un arte en donde
el cuerpo y las emociones son la herramienta de
trabajo, los límites se tornan borrosos. ¿Dónde
termina la instrucción de un director en una
escena de cama y comienza algo más siniestro? Si
una actriz debe hacer un desnudo, ¿está abriendo
la puerta a un proceso de cosificación?
Conelaguahastaelcuello
Lo que distingue el caso de Harvey Weinstein de los anteriores es que, al
Con algunos directores europeos se ha
traspasado esta ambigüedad moral laboral. Lars
von Trier se dedicó a sobajar a Björk durante la
filmación de Dancer in the Dark, que trata, justo,
de una mujer sobajada.
El director danés es famoso por sus métodos
crueles y controversiales para obtener el
realismo absoluto que busca, llevando a sus
actores al límite y a un verdadero sufrimiento.
Durante el rodaje de Dancer in the Dark el
cineasta colocó a la cantante islandesa en tal
estado de angustia que ella escapó unos días del
set. Un par de semanas después del escándalo
Weinstein, Björk declaró que von Trier la hostigó
sexualmente. Cuando puso un alto a sus
impropiedades comenzó el maltrato sistemático.
El realizador niega el acoso, pero lo que sí
reconoce es haber sido malvado con ella. Fue la
primera y última película de Björk.
Lo mismo pasó con Blue is the Warmest
Color, ganadora de la Palma de Oro en 2013. Las
protagonistas no temieron externar su sentir
sobre el director Abdellatif Kechiche. “Francia
no es como Estados Unidos. Aquí el director
tiene todo el poder. Cuando eres actor en Francia
y firmas tu contrato, te entregas y, de alguna
manera, estás atrapado”, explicó Léa Seydoux en
una entrevista en el Festival de Telluride.
parecer, ahora no ganará la impunidad. Es poco
factible que el productor logre salir de este
berenjenal. Eso, si no termina en la cárcel.
Podría deberse al poder de las redes sociales.
A que por fin se muestra cero tolerancia a estas
prácticas. A tantas marchas feministas. Por
desgracia, es más factible que se deba a otro
motivo: a últimos tiempos, Weinstein ha perdido
su toque de Midas, provocando la devaluación de
su marca. La gente a su alrededor dejó de
protegerlo porque la ganancia obtenida por
hacerlo dejó de ser atractiva.
Qué gran decepción escuchar a Quentin
Tarantino decir que sabía lo que ocurría con su
socio, productor y amigo, pero jamás hizo nada.
Prefirió ser leal a Weinstein antes que a su
propia novia, Mira Sorvino, quien le confesó los
abusos sufridos a manos del productor.
Esto nos lleva a pensar que quizá sí haya una
manera de prevenir y detener estos perniciosos
actos. Una de ellas es quitándole el poder,
reconocimiento y dinero a estos hombres para
mermar su campo de acción.
El“castingcouch”
Desde la creación de Hollywood existe el mito de
que las audiciones se llevan a cabo en posición
horizontal, en el sillón del productor o director.
Gajes del oficio, podría decirse, pero subestimar
esta práctica es fruto de la sociedad patriarcal
machista en la que vivimos (ojo, también los
hombres han sido sometidos a ella). ¿Por qué
existe ambivalencia en torno a este concepto? En
diversas ocasiones se piensa que la mujer no es
una víctima, sino que se trata de una transacción
en la cual ambas partes se verán beneficiadas.
La trampa está en asumir que los
involucrados están en igualdad de circunstancias.
No es así. El productor siempre tiene el poder, las
conexiones, el dinero, los abogados... Puede
construir o romper una carrera y, al final, las
estrellitas le son intercambiables.
¿Un Óscar por cinco minutos de fingir
placer? ¡Por Dios, no parece un precio tan alto a
pagar!, podría suponerse, pero la dinámica del
abuso es mucho más compleja que eso y sus
secuelas, más duraderas.

DICIEMBRE 2017 133

 ALERTA:
SPOILERS

V U E LV E A V E R L O Q U E YA V I ST E C OM O S I F U E R A L A P R I M E R A V EZ

134 DICIEMBRE 2017

 LAGUÍADE
EMPIRE
PARAVER
EN CASA
BABY DRIVER
Bajo el capó del éxito de verano,
le pedimos al guionista y director
Edgar Wright, que te cuente sus
secuencias favoritas de la cinta.

POR NICK DE SEMLYEN

EL
VEREDICTO DE
Nuestra humilde opinión:
“Una sorprendente e
00:05:07
inspiradora obra que VIENDO ROJO ___ Huyendo del peligro, Baby
funciona como un musical (Ansel Elgort) ve una oportunidad en la autopista
visto como un thriller de 85 en forma de otros dos autos que van en
BABY DRIVER acción. Dulce, divertida y dirección opuesta. Wright cita este paneo de alta
+++++ definitivamente original”. velocidad como la toma de acción de la que está
CERT 15 Extras notables: Escenas más orgulloso. “Fue increíblemente complicada”,
eliminadas y extendidas, asegura Wright. “Volver a realizar la toma llevaría
10 featurettes, pietaje de media hora, así que piensas: ‘Por favor no la
audición. eches a perder’”.

DICIEMBRE 2017 135

 00:06:25
__
_ Los créditos iniciales
muestran a Baby bailando en una calle de Atlanta
durante dos minutos 45 segundos, desde el
edificio Healey a la ficticia cafetería Octano. “El
Healey era el hotel de Tom Hanks en Sully”, dice
Wright. La canción (“Harlem Shuffle”, de Bob &
Earl) se escucha a través de bocinas escondidas,
excepto dentro del Octano, donde los personajes
la oyen con audífonos.
00:26:28
BUENA ONDA, BABY __
_ Un trío con
escopetas y disfraces de Austin Powers
caminando hacia un banco. Wright era amigo de
Mike Myers, así que pudo llamarle para pedirle
permiso. “Tuve que actuar la escena en el
teléfono para él”, ríe Wright. “Me contó de una
vez que fue al banco antes de ser famoso y que
la chica de la ventanilla le dijo: ‘¿Michael Myers?
Oh, ¿vas a apuñalarme?’”.
01:02:40
REUNIÓN CARNOSA ___ Paul Williams, de
Smokey and the Banditt y Phantom of the
Paradise, se roba la escena como traficante con
monólogos cárnicos. La idea para la escena
surgió por un artículo de The New York Times
sobre narcos adolescentes que usan claves que
tienen que ver con carnes. Y resulta que hay otra
película de 2017 que usa la frase “todo excepto
el hocico”: Okja.
136 DICIEMBRE 2017
00:13:33
EL DEPA DE JOE ___ Después de una reunión MALDITOS SEAN ___ La pista asesina de
en la bodega de Doc, Baby regresa a casa con su
padre adoptivo sordo, Joe (CJ Jones). “CJ es un
comediante que sí es sordo, pero es 20 años
menor de lo que parece en pantalla y no necesita
silla de ruedas”, explica Wright. “Es algo
sorprendente trabajar con un actor sordo, porque
hace que te des cuenta de la cantidad de
palabras que dices y que son incomprensibles”.
00:34:02
BABY BABY ___ Se revela la razón del
zumbido de oídos: un choque de autos durante
un viaje con sus padres cuando era muy
pequeño. Baby era adicto a los audífonos aun
antes de que comenzara a conducir. Wright
confirma que es un hábito de toda la vida para el
personaje. “Le quita el sonido a lo que le moleste,
ya sean sus padres discutiendo o una huída. Lo
usa para escapar en todos aspectos”.
01:21:55
ADIÓS, MURCIÉLAGO ___ El Bats de Foxx
acaba como brocheta a causa de una pieza de
metal mal puesta, dando inicio al tercer acto.
“Tanto Kevin Spacey como Jamie Foxx dijeron lo
mismo: que no querían morir”, recuerda Wright.
“Casi me da un infarto”. Por fortuna pudo
convencerlos de tener una muerte espectacular,
citando el poder de muertes sorpresivas en cosas
como Django Unchained.
00:25:54
Baby para el segundo asalto es “Neat Neat Neat”,
de la banda inglesa de punk rock The Damned.
Confía tanto en el ritmo que hay un momento en
que la para y la regresa. El mismo Wright es así de
fan. “En el documental sobre The Damned del año
pasado, el cantante Dave Vanian se queja: ‘¿Por
qué nadie nos usa en una película?’. Y tenía
ganas de decirle que yo los tenía”.
00:37:31
TREX ___ Baby y Debora se conocen hablando
de canciones, y Baby cree que la banda T-Rex se
pronuncia “trex”. “El estudio quería que cortara
ese chiste”, comparte Wright. “Alguien dijo que
hacía que pareciera un bobo, pero les dije que
eso es lo que lo hacía tan encantador”. Quentin
Tarantino sugirió la canción “Deborah”, de Dave
Edmunds, para la escena. “¡Pero la ‘Deborah’ en
esa canción es una maldita!”.
01:40:31
CRISIS EN EL ESTACIONAMIENTO __
Buddy (Jon Hamm) se vuelve loco. Algunas
tomas fueron capturadas después de que George
Miller viera una de las primeras ediciones y diera
su opinión. “La cirugía con el Dr. Miller fue
increíble”, dice Wright. “Agregamos la línea de
Jon: ‘Aquí está, Baby: tu rola asesina’”.
BABY DRIVER ESTÁ DISPONIBLE EN DVD Y BLU-RAY.
 BUENA TARDE |MALA TARDE
SAM CLAFLIN POR JOHN NUGENT

MOMENTO
Fácil: la primera vez que hice una película, que fue Pirates of the
Caribbean: On Stranger Tides, en Hawái. Recuerdo haberme sentado
a leer con Johnny Depp a mi derecha y Penélope Cruz a mi izquierda
y pensar: “¿Qué está pasando?”. ¡Tenía un año de haber salido de la
escuela de actuación!
En My Cousin Rachel tuve que nadar desnudo en el Canal de la Mancha
y había un barco lleno de gente mirando —principalmente hombres—.
Era un día frío y el océano estaba helado. Recuerdo salir del agua y
preguntarles: “¿Vieron todo?”. Me respondieron que sí.
Y desde luego, fue horrible.

AU
Hubo una de la que me enorgullezco y no obtuve el papel:
The Green Goblin en The Amazing Spider-Man 2. Le di todo,
hice una prueba de pantalla con Andrew Garfield y estuve
allí durante horas interpretando varias escenas. Recuerdo
que me fui sintiéndome muy contento conmigo mismo. No
fue suficiente, pero me sentí muy bien.
ÓN
Estaba en un pub por el cumpleaños de un amigo cuando
recibí una llamada de mi agente diciendo que iban a
audicionarme en ese momento. Además me dijo: “¿Qué tal tu
acento estadounidense? ¿Y te sabes la Declaración de la
Independencia? Es para Abraham Lincoln”. Sobra decir que
no me fue nada bien, aunque el filme no fue realizado.

LOCACIÓN
Hawái: He trabajado allí Acabo de terminar de filmar The
dos veces. La primera Nightingale, de Jennifer Kent, en
vez en Pirates of the Tasmania, en lo alto de una
Caribbean y la segunda montaña y el viento era una
en Hunger Games. locura. No podía hablar porque
Hawái es mi lugar feliz. mi cara estaba congelada.

ENCUENTRO CON FANS

Me gustan las cosas dulces y algunos seguidores lo saben porque lo he
dicho en entrevistas. Hubo un momento, en París, en que un grupo de fans
me llevó un frasco enorme lleno de dulces y de regreso en el Eurostar me
los comí todos. Esas chicas son increíbles y van a todas la premieres, es
algo que realmente valoro.
En una premiere de The Hunger Games una fan italiana muy dulce me pidió
matrimonio y me puso un anillo en el dedo antes de que pudiera decir nada.
Después su padre recitó lo que imagino, son los votos de matrimonio
italianos y terminó con un: “¡Ahora besa a la novia”. Respondí: “No te
ofendas, ¡pero no voy a besar a tu hija de 12 años!”.

VESTUARIO
Por lo fácil que era ponérmelo y Sólo porque nunca supe si iba a la izquierda o a la
quitármelo, el traje de neopreno de derecha —obviamente tengo asuntos con mi pene—
The Hunger Games era muy ese mismo traje de neopreno era difícil en cierta zona.
conveniente. No había problema.
Además tenían tinas calientes en el set MY COUSIN RACHEL ESTÁ DISPONIBLE ON DEMAND.
para que no muriéramos de frío.

DICIEMBRE 2017 137

 OBRAS
MAESTRAS
DE EMPIRE
PRESENTA:

SEÑORA VENGANZA
2005
PARK CHAN-WOOK
La visión de una vida en cauti-
verio supone el contrapeso
natural de la venganza, que para
que realmente sepa, ha de
llevarse a cabo con minuciosa
elegancia.
POR EDUARDO NAVARRETE
SEÑORA PELÍCULA. Señora trilogía.
Señora lección de vida en que, a la merced de un
inclemente invierno, el director Park Chan-wook
escarba emociones abisales sólo factibles (y
replicables) en la nieve (y en la especie humana).
Es el inicio de la cinta y ya estás siendo
advertido de que tratará de algo, en palabras de
Mario Hugo, “hermoso y desconocido”. Un grupo
de religiosos liderados por su pastor hacen
guardia a las puertas de una prisión disfrazados
de Santa Claus. Corrección: “Absurdo y
desconocido”. La tradición local marca que al
salir de prisión, si es que uno quiere expiar y
purificar sus actos, coma tofu, pero Geum’-Ja Lee
responde a quien se lo ofrece, como las grandes:
“¿Por qué no, mejor, te vas al carajo?”.
No hay la más tibia intención de purificarse
ni de acercarse a esa idea, y de eso va este tratado
que pendula entre el pecado y su expiación. Park
Chan-wook no hizo Sympathy for Lady
Vengeance pensando ganar Mejor película ni
Mejor dirección en el Festival de Venecia. Quiso
transmitir la colección de emociones
celosamente almacenadas durante 13 años de
prisión, así como el indecible placer de estar
libre sólo para entender esa condición como la
manera más humana de traducir una nueva
oscura y paradójica misión de vida. Si el jurado
tuviera a bien ofrecer el premio Mejor verdugo,
lo hubiera ganado bostezando.
Esta cinta cierra una trilogía que tiene los
elementos para marcar un antes y un después en
la vida de un cinéfilo y lo hace con una
teatralidad seductora, una atmósfera envolvente
y una actuación que hace a uno olvidar que
alguien está actuando. Si bien Oldboy hizo que el
mundo cuadrara los ojos ante los rasgados de
este director, Lady Vengeance cierra con una
aplastante fuerza femenina, determinante pero
encantadora, la oscura y deliciosa serie.
Pudiera en ocasiones recordar a Gloria
(1980), de John Cassavetes, al pagarle a la mafia
con su propio método, pero Señora Venganza
aborda a Geum’-Ja Lee de una manera más fría y

138 DICIEMBRE 2017


calculadora. Aún más oscura y estereotipada
Luego de un embarazo no pensado busca
protección en Mr. Baek (Min-Sik Choi,
protagonista de Oldboy),y quien más bien figura
como una fábrica de pulsiones torcidas, como
involucrarla en el secuestro y homicidio de
Geun, un pequeño de seis años.
Lo insólito: Geum’-Ja asume la autoría del
crimen. Lo interesante: lleva a cabo esto, sólo
para salvar a su hija recién nacida y para expiar
de manera personal sus culpas. Lo fuera de serie:
la frialdad seductora con la que se arma de valor
para encarnar una versión invencible de sí.
Si acaso la única debilidad que puede llegar a
experimentar es el fantasma de Geun, con quien
visiblemente se desmorona y cae.
Vivimos una existencia en la que creemos
necesario acreditar la posibilidad de ser felices
y vivir en franca paz. Los fantasmas encarnados,
los miedos y castigos autoimpuestos a partir
de premisas moralinas y concepciones del ser
a partir del pecado o de los “y si sólo”, nada más
hacen que compartamos el ser tocados por el
dolor y ver en cualquier señal una esperanza que
irremediablemente termina en el mismo lugar.
La asesina, quien purgó su condena y se
tiende como Magdalena posmoderna en la
puerta de un reclusorio, es también la heroína
que balancea las cuentas vitales en esta historia.
Conforme avanzan los minutos navegarás
por diversos flashbacks de su historia en prisión:
la convivencia con sus compañeras y su conexión
empática, como aporte para su cometido final.
No sólo hay rabia en la venganza, también hay
amor a una hija; después de todo, se hace lo que
sea por un vástago. Incluso, dar la vida. O lo que
queda de ella.
El fondo aquí siempre será el sufrimiento. La
emoción básica de la cual uno buscaría por
naturaleza huir, pero en este mundo, eso ni es
tan básico, ni es tan fácil. Se sufre para hacer que
sufra quien generó el dolor. Se sufre porque no
hay de otra. Se sufre para encontrar sentido
cuando parecía no haber otra cosa. Y el pecado
supone un boleto para abandonar momentá-
neamente ese sufrimiento para luego hundirse
en el fondo del mismo. ¿Sufrir para pretender
estar realizado en el momento en el que se cobra
venganza?
Ni por asomo cuenta con el ritmo incansable
de Kill Bill, pero tiene una línea narrativa y una
estética monumental que Tarantino sólo podría
haber soñado. El público se sienta a ver una línea
punteada de revelaciones y motivaciones
acontecidas en el pasado que sirven para
justificar —acaso vitorear— las, en principio
inexplicables, acciones de la protagonista. La
línea acción–motivación–circunstancias es
dibujada como caligrafía oriental a modo de
argumento y ahí está el secreto de su delicia.
Los colores y la música son dos personajes
protagónicos que fungen como materia prima en
la estética de la desesperación, del encierro y del
crimen. Los espacios fuera del encuadre te
involucran como aliado. Estás viendo,
participando, padeciendo y hasta disfrutando, la
conducta más salvaje y básica del hombre, pero
envuelta en seda y perfumada en empatía.
El final de la cinta es también el de la trilogía
de Park Chan-wook. Marca el profundo suspiro
que sólo puede dar un anhelado acto de venganza
y la consecuente absolución ante la mirada de un
ser que en verdad aprecia y entiende el valor de
lo que supone el soltar.
El director es un todoterreno que, si algo
sabe hacer, es proponer temas con emociones
contundentes y problemáticas en apariencia
simples, contados de una manera cruda y
original. Esta cinta no sólo es sabia en su
planteamiento de fondo, sino en la forma en la
que es ejecutada. Señora Película. Con todas las
de la ley.
DIEZ REGLAS DE
EMPIRE PARA
LAS PELÍCULAS
NAVIDEÑAS
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
En EMPIRE encontramos ciertas
reglas de cintas navideñas que en
veces aplican y en veces no:
1. No hay Navidad sin nieve
Si vives de Chihuahua pa’ abajo,
tu Navidad carece de sentido.
2. Los gatos son enemigos de los
árboles de Navidad
Suficientes gatos en internet
legitiman este feudo milenario.
3. No hay maldad que sobreviva
a una lección navideña
Si Javidú y su esposa hubieran
recibido un gesto desinteresado del
pequeño Timmy... Nah, no es cierto.
4. Todos los gringos están
obsesionados por adornar sus casas
Y entre más luces y más adornos
y más porquerías, más nos queda claro
que no han entendido todavía
el sentido.
5. La Navidad sólo se trata de
una cosa: regalos
La altura de la pila de regalos es
directamente proporcional a la alegría.
6. Volar a casa para Navidad: la
última aventura
Un vuelo para ver a la autora de tus
días: la perfecta película de Navidad.
7. La cena es la medida
de la integración de las clases
Si eres pobre pero tu corazón
es puro, tienes tu pavo asegurado.
8. Santa Claus es magia
y sabiduría
Y a veces sólo es un negro
pestilente y malhumorado.
9. El perdón es más fuerte
que la sangre
En Navidad todo se perdona.
10. Las compras navideñas
generan encuentros
y desencuentros
El mall es uno de los mejores
escenarios para vivir en pleno el
espíritu de las fiestas.
DICIEMBRE 2017 139
 ¡APÚNTELE!
Isabelle Huppert habla de Elle,
directores maleducados y la
política en Hollywood.
POR PHIL DE SEMLYEN
ISABELLE HUPPERT FUE
NOMINADA A —sorprendentemente por
primera vez— para el Óscar por su interpretación
de Michèle Leblanc en Elle, de Paul Verhoeven.
El personaje es directora de una empresa de
videojuegos y reacciona de forma nada ortodoxa
a una agresión sexual. Ese giro con agallas es
emblema de toda una carrera, no sólo de las
interpretaciones que ha realizado, sino de su
actitud refrescantemente honesta.
Sobre interpretar a Michèle,
la protagonista de Elle
“Michèle tiene una mezcla de fortaleza y
vulnerabilidad. Trabajar con Paul fue la
colaboración perfecta. Hice lo que quería hacer
por mi parte y él hizo lo que quería por la suya.
No en cada rol puedes sentarte y decir: ‘Ok, ¿por
qué crees que hizo esto?’. Pienso que la historia
habla por sí misma”.
Sobre las reacciones mixtas de
la película
“Esperaba que provocara a la gente, de lo
contrario la cinta hubiera fallado su propósito.
No hay sentimentalismo o dulzura en Michèle,
140 DICIEMBRE 2017
sólo una frialdad en la manera en que enfrenta
los eventos. Quiere entender algo sobre sí
misma, sobre los hombres, sobre el deseo y la
violencia. Quiere que ese episodio se convierta
en una experiencia”.
Sobre que el filme fue llamado
“una comedia de violación”
“Creo que es una confusión. La violación es un
asunto muy importante en la trama, aunque por
otro lado hay mucho sentido del humor. Pero
¿comedia de violación? Ni siquiera sé qué
significa eso. El filme es chistoso porque ella lo
es, pero es más irónico que chistoso”.
Sobre Paul Verhoeven
“Lo he admirado desde el principio de su carrera.
Me gustó mucho Turkish Delight, t después vi sus
grandes producciones de Hollywood y me gusta
Showgirls. Fue rechazada en su época, pero ahora Isabelle Huppert como
todos admiten que es buena. Como director es Michèle Leblanc en
Elle / Con el director
muy preciso —casi delicado—. Sus películas son
de Heaven’s Gate,
brutales a veces, pero él es justo lo contrario:
Michael Cimino / En
muy generoso y dedicado”.
Rosebud, de 1975,
Sobre su nominación al Óscar Joyce (Kim Cattrall),
Sabine (Brigitte Ariel),
“Todo el viaje hacia las nominaciones del Óscar y
Helene (Huppert) y
el Golden Globe fue increíble. No esperábamos
Gertrude (Debra
recibir tanta atención y reconocimiento porque
no buscábamos poner a la película sobre ese Berger) / Como la
camino, pero le dio legitimidad. Me senté junto a tutora Erika Kohut con
su pupilo Walter
Jeff Bridges en la ceremonia de premiación de
Klemmer (Benoît
los Óscar. Hice Heaven’s Gate con él y no nos
Magimel) en The Piano
habíamos topado desde entonces”.
Teacher.
Sobre participar en el infame
fracaso Heaven’s Gate
“Es uno de mis mayores recuerdos profesionales.
Michael Cimino siempre dijo que tuvo que
luchar para que me dieran el papel, pero en
realidad luchó por todo desde el principio. Claro
que hubiéramos deseado que fuera un éxito, pero
no puedes desligar la grandeza del filme de
semejante rechazo. Michael nunca se recuperó
de ello”.
Sobre trabajar con Otto
Preminger
“Rosebud, en 1975, fue una experiencia para mí a
una edad muy temprana. Interpreté a una de las
cinco chicas secuestradas. Kim Cattrall también
era una de ellas y aún somos buenas amigas. ¿Me
gusta Otto? Era muy grosero con todos. Todos los
días decía con su acento austriaco: ‘Si no les
parece, regrésense a París’. Era su mantra. Lo
admiraba mucho. Era un gran director, aunque
ésa no fue su mejor película”.
Sobre la escena donde se
apuñala en The Piano Teacher,
que requirió 52 tomas
“No me molestó hacer múltiples tomas. El libro
de Elfriede Jelinek describe la expresión del
rostro de mi personaje en esa escena como la de
un caballo relinchando. Tanto Michael (Haneke,
el director) como yo tratábamos de dar con ella.
No sé cuál toma se usó al final”.
Sobre no protagonizar
The Piano
“Nunca audicioné para ella, pero Jane Campion
vino a verme. Yo estaba haciendo Measure for
Measure en el teatro Odéon, llegó a mi camerino
y me habló del proyecto. No me di cuenta de lo
que era, si no me habría abrazado a sus pies para
rogarle hacerla. Pero no lo lamento. No
habríamos tenido a Holly Hunter: fue increíble”.
Sobre las limitadas
oportunidades en Hollywood
para las realizadoras
“Cuando estoy en Estados Unidos escucho lo
difícil que es para las mujeres hacer películas y
que el porcentaje de realizadoras es mucho
menor. En Francia no es un tema: cualquiera
puede hacer filmes”.
ELLE ESTÁ DISPONIBLE EN DVD, BLU-RAY Y DESCARGA.
Nuestra humilde opinión:
EL
VEREDICTO DE “Huppert siempre ha sido
buena, pero este trabajo
suspera todo lo anterior.
Emocionante,
ELLE sorpresivamente divertida y
++++ poderosa, la película es
CERT 18 intensa y fascinante”.
Extras notables: Un
tributo del American Film
Institute Huppert.
XAVIER VELASCO
LAS FUNCIONES VITALES
Amada replicante...
Nadie entiende al amor, pero al final El amor está lleno de efectos
de eso se trata. No se le ve venir más especiales, sólo que estos nos pasan
que cuando ya es tarde y sólo queda inadvertidos porque tal es su modus
rendirse a sus pies, por absurdo que operandi. Vamos de la ilusión a la
sea. Entre menos sentido creas que desilusión, y de ahí hasta la alucinación,
tiene, mayor será el mazazo que te dé. asumiendo que es todo realidad porque
Pocos afanes hay tan gratificantes así le conviene a la historia encantada
como el de apasionarse por lo que uno quiere vivir. ¿Qué
irracional, mirarse pensar, pues, de una
desafiado por la MI superproducción cuyo
adversidad y lanzarse RECOMENDACIÓN gran atractivo no es
de todas formas al Esperando la carroza tanto su poder para
vacío. (1985). Cora se pierde y sus engañarnos sino, ay,
Sin decirlo, el hijos la dan por muerta. sus notorios efectos
romántico espera del Nunca antes tantas risas especiales? ¿Disfruta
amor que sea inocente, malsanas cupieron en uno del cine porque
arduo, heroico, febril, un sólo velorio. parece verdad o porque a
intrincado, fanático, cada tanto exhibe el
dañino... y en general, idiota mecanismo de sus mentiras?
como un lemming delante de un Si alguien quiere quitarme el interés
precipicio. Por eso se enamora uno en por una película, empiece por hablar de
el cine, donde nada es más fácil que sus efectos.
solidarizarse con las causas perdidas y Entiendo que Blade Runner 2049
verse en el pellejo de sus defensores. supere en calidad y recursos técnicos a
Fue justo así como, varios años atrás, su predecesora, pero no hay que ir muy
me uní al equipo de un cazador de lejos para encontrar que se trata de un
androides que respondía al nombre de distinto animal. Si continuar una
Rick Deckard y cuyo mero oficio — historia de amor es de por sí un
blade runner: matancero de empeño peliagudo, ir del romance a la
autómatas— daba nombre a la historia. aventura épica implica un rompimiento
La acción tenía lugar en un futuro por que no admite ya enmienda.
entonces distante, donde ya los robots En sus 35 años como filme de culto,
serían tan perfectos que para Blade Runner ha ejercido influencia
distinguirlos de los seres humanos planetaria, tanto que el puro intento de
habría que someterlos a un examen enumerar las huellas de esa deuda
profundo y puntilloso. Ciertamente era sería ocioso e iluso. Ahora bien, si se
osado situar la historia en 2019, mas si trata de hallar una secuela clara,
de atrevimiento se tratara, nadie iría brillante y memorable de la trama de
más lejos que Harrison Ford en el papel amor de Ridley Scott y Philip K. Dick,
del intrépido Deckard. ¿No es la mayor ahí está Her, de Spike Jonze, cuyo
audacia del verdugo caer enamorado protagonista no se apasiona por una
de la víctima, quien por si fuera poco no humana, sino por un sistema operativo.
es gente sino máquina? Algunos años antes de Blade Runner,
Quien todavía no haya visto Blade Luis G. Berlanga dirigió a Michel Piccoli
Runner, o la recuerde poco, tendría que en Tamaño natural: la historia de un
dejar ahora mismo estas líneas y correr obseso que abandona a su esposa por
a gozarla de una vez. Urgencia que, por una muñeca de plástico. Por eso digo,
cierto, se multiplica para quien asistió ¿quién entiende al amor, con todos sus
ya a Blade Runner 2049 sin haberse absurdos? ¿Quién sabría sustituirlo,
acercado a la original. Como quien dice, rescatarlo, arreglarlo, continuarlo? ¿Era
sin haber amado. tan complicado dejarlo como estaba?
DICIEMBRE 2017 141
 SOBREDOSIS
DE TV
Nuestro maratonista no sale a la calle
porque los maratones que le gustan no
cierran avenidas.

este mes:
BLADE RUNNER
POR SIMON CROOK
ILUSTRACIÓN PETER STRAIN

¿QUÉ PASA CUANDO VES cinco

versiones de Blade Runnerr al hilo? Después de
diez horas sumergido en su opresivo retrofuturo
he perdido el sentido de la realidad. Ha llovido
todo el día afuera y en la pantalla; no tengo idea
de si es el Londres de 2017 o Los Ángeles del
2019 y mi mente está pasando por un exprimidor
existencial.
Irónicamente, a una película sobre la
identidad le ha tomado 30 años y cinco ediciones
encontrar su sentido verdadero, pero sigue
habiendo sólo una sencilla pregunta: ¿es
Deckard humano? O para ponerlo de otro modo,
¿es replicante o no?
Arrancada de las manos de Ridley Scott, el
estudio editó el corte de 1982 para los cines
estadounidenses; ése identifica a Rick Deckard
(Harrison Ford) como de carne y hueso. No hay
nada de malo con esta interpretación —es como
Philip K. Dick escribió a Deckard—. Lo que no
funciona es esa voz superpuesta que Ford hizo
muy mal, dicen algunos, con la esperanza de que
no fuera usada. Cierto,, establece a Deckard como
un Philip Marlowe cyberpunk, pero al igual que
el vacío final feliz con Deckard y Rachel (Sean
Young) perdiéndose hacia el atardecer, lo único
que hace es sacarte de su mundo. Algunos dicen
que el final es un sueño de Deckard, pero no me
dobla ese origami.
Ahora sigue la “Edición Internacional”, casi
idéntica excepto por tres escenas con una
violencia amplificada que fue cortada por los
censores estadounidenses. La más notable es la
de Roy Batty (Rutger Hauer) arrancándole los
ojos a Tyrell (Joe Turkel) con lujo de detalles.
Llevo dos versiones y ya estoy transformándome
en máquina: prácticamente escucho el clic de
mis pestañas mientras escaneo pistas. Y ahí
están. Checa el unicornio escondido en el
departamento de Sebastian (en 1:01:07) —una
premonición críptica de los cortes siguientes—.
Los puristas de la pantalla grande me odian por
esto, pero con un dedo forense en el control
remoto, Blade Runner funciona mucho mejor en
la pantalla chica.
Esto va a ser un tanto meta: cada edición es
como un recuerdo alterado, y el “Corte de
Trabajo” sólo lo confirma. Desenterrado a finales
de los 80,, la función usada en las pruebas
p ofrece
una mirada a las intenciones originales de Scott.
No hay final feliz. No hay voz en off hasta el
clímax. Roy no es baleado por los policías. Bajo la
mirada de Deckard se marchita en su lecho de
muerte en el tejado. “Lo vi morirse toda la noche
y luchó hasta el final”, dice Ford. Es por mucho
mi final favorito. Pero esta no es la manera de
experimentar Blade Runnerr —los visuales son
borrosos por una copia degradada y la música de
Jerry Goldsmith (de Planet of the Apes) s resalta lo
vital que fue la música electrónica de Vangelis—.
Estamos en el cuarto corte y mi corteza
cerebral se está licuando. Podría llamarse “Brain
Runner”. Para confundir las cosas, la “Director’s
Cut” de 1992 fue aprobada por Scott pero no es la
edición del director. Por último, sin embargo,
aparece el famoso unicornio —cinco segundos de
pietaje que ponen de cabeza la experiencia Blade
Runner. Una vez que aceptas que Deckard es un
replicante cazando a sus similares, varias
cuestiones molestas son resueltas: siempre me
pareció que el romance de Deckard y Rachel era
ilógico y un poco escalofriante, pero si ambos son
replicantes, la conexión androi-gena cobra un
sentido total.
Editada por
p Scott ppara su aniversario 25,,
“The Final Cut” de 2007 es una versión más
limpia de “The Director’s Cut”: la secuencia del
unicornio ha sido restaurada por completo, la
sacada de ojos es reinstalada. Sin embargo, aquí
está la cosa: habiendo inhalado la película cinco
veces, he cambiado de bando. Dullard Deckard
no es el centro emocional del filme. Es el triste y
enojado hijo sin padre Roy quien lentamente se
vuelve humano, buscando la vida eterna: una
estrella convirtiéndose en polvo estelar. En una
película tan carente de emociones, en cualquier
edición que veas será el soliloquio “lágrimas en la
lluvia”, de Rutger Hauer, el único momento
donde encuentres emoción. Es tan poderoso, de
hecho, que me quedo con una duda que hace que
mi cabeza dé vueltas: tal vez Roy sea el héroe y
Deckard el villano. Oh, no. Tendré que echármela
de nuevo. Estoy viendo cosas que no creerías…
BLADE RUNNER: THE FINAL CUT AHORA A LA VENTA
EN BLU-RAY.

142 DICIEMBRE 2017

 Te lo dice un experto
autoridad en su ramo sus tres
más grandes recomendaciones
para que tú no te gastes.
MANUEL FERNÁNDEZ JARAMILLO
DIRECTOR DE CONTENIDOS ONLINE
AUTOMÓVIL PANAMERICANO
NO SON PELÍCULAS que tienen que
ver con autos, pero cada fanático las
recordará por las persecuciones, por un coche
icónico que marcó a una generación o por la
mezcla de ambos elementos.
BULLITT (1968)
Si amas los V8 no puedes ignorar la
película del gran Steve McQueen, en la
que trata de alcanzar en su Ford Mustang
Fastback del 68 a un no menos
espectacular Dodge Charger R/T.
THE ITALIAN JOB (1969)
Michael Caine y Benny Hill liderando el
robo de un cargamento de oro: tres Mini
Cooper modificados por las calles de
Turín son perseguidos por una patrulla
Alfa Romeo.
RONIN (1997)
Una masacre de autos europeos en las
calles de Niza: desde un raro Citroën XM
y un BMW Serie 5 de quienes huyen,
pasando por los Audi S8 y Mercedes-
Benz Clase S del equipo de ladrones.
UNACHICA
PARASALVAR
BACKSTAGE HOLLYWOOD.
POR MARIO P. SZÉKELY
POR DIFÍCIL QUE PAREZCA, el
Universo Marvel, producido por Disney,
aprendió una lección de los filmes de DC
Comics a cargo del estudio Warner Bros.
cuando este 2017 se estrenó Wonder Woman y
se comprobó que una película con una
protagonista femenina podría arrasar con todo,
además de que tener a una mujer en los
controles del filme, como la directora Patty
Jenkins, era una gran idea.
La cinta con Gal Gadot es el filme más
exitoso para una historia de origen con más de
820 millones de dólares recaudados alrededor
del mundo.
Ahora la escritora de cintas de corte
independiente, Anna Boden, es llamada por
Marvel-Disney a debutar como realizadora,
haciendo mancuerna con su colega de varios
años, Ryan Fleck, para darle vida en pantalla a
Captain Marvel.
Ocupando la posición 29 en la lista de las
heroínas más sexys de los cómics, Capitán
Marvel fue creada por Roy Thomas y Gene
Colan en 1968, contando la historia de Carol
Danvers, piloto de la Fuerza Aérea de Estados
Unidos cuyo cuerpo muta al ser expuesta a una
explosión con carga genética alienígena,
obteniendo habilidades sorprendentes como
volar, manipular la gravedad, controlar campos
de energía y viajar a la velocidad de la luz.
Aunque no es novel para la audiencia
mundial, como lo fue Gal Gadot, la ganadora del
Óscar Brie Larson (Room
( , 2015), tiene ahora la
oportunidad de trascender al mundo de la
cultura pop vistiéndose de Capitán Marvel y
estrenando su cinta en marzo de 2019. Larson
mostró su valor humano cuando, tras el
reciente terremoto del 19 de septiembre en
México, de inmediato puso su cuenta de Twitter
a disposición de quien necesitara que ella le
replicara para ayudar al pueblo mexicano.
Otra rubia que está dando de qué hablar
por su talento y belleza es Margot Robbie,
quien para fines de este 2017 es considerada
con fuertes posibilidades de nominación al
Óscar por encarnar a la patinadora olímpica y
desalmada Tonya Harding en I, Tonya. La
actriz regresará en la secuela de Suicide Squad
con su sexy Harley Quinn.
La también protagonista de El lobo de Wall
Streett será parte del proyecto Gotham City
Sirens que se cocina ahora, donde Quinn será
parte del trío con Poison Ivy y Catwoman,
mientras Joker les sonríe en el vecindario.
Surgiendo de su incursión en Star Wars:
The Last Jedi (2017), la mexicanokeniana
Lupita Nyong’o está en pláticas formales para
ser una de los Ángeles de Charlie acompañada,
por lo pronto, por Kristen Stewart y esperando
a su tercer colega.
Para julio de 2018 veremos a otra dupla con
una heroína de carácter cuando Ant-Man and
The Wasp salven al mundo y el personaje de
Evangeline Lilly suelte más de una patada en el
trasero de los malos.
Sony Pictures y sus derechos con
Spider-Man no se quiere quedar sin el poder
femenino, y desarrollan Silver & Black, sobre
las mercenarias Silver Sable y Black Cat como
las chicas malas del barrio. Y cruzamos los
dedos para una historia de Black Widow con
Scarlett Johansson.
En un 2017 donde Emma Watson fue de las
actrices más taquilleras, el lazo dorado de
Wonder Woman conquistando lo más altos
puestos de popularidad y Rey (Daisy Ridley)
arrancando chispas en The Last Jedi,
Hollywood todavía nos debe más cintas de
heroínas, pero podremos decir, viendo el
panorama del futuro, que las chicas están listas
para reclamar su merecido sitio en pantalla que
nadie les arrebatará jamás.
DICIEMBRE 2017 143
 CASA DE
MUÑECAS
Stephanie Sigman te da las
razones por las que Annabelle:
Creation te dejó temblando
hasta hoy... Y a ella también.
POR ANAID RAMÍREZ
ESTA VEZ NO FUE A MITAD DEL
BOSQUE, sino en el desierto despoblado. De
nuevo te topaste con una casa pero no
abandonada: de hecho, sus dueños siempre han
vivido ahí. Sin embargo, ese lugar te provocó
terror a causa de la muñeca diabólica que tiene
como inquilina y a las travesuras que les hizo a sus
nuevas amigas humanas.
Hablamos de Annabelle: Creation (Anna( - gracias al joven elenco de la cinta.
belle 2: la creación), la película que superó a su
antecesora en cuanto a tensión y sustos se refiere.
Además de una historia más atractiva, por la con-
strucción de sus personajes y la forma en que se
vincularon los eventos con los de la primera cinta,
las actuaciones y escenarios fueron claves para
hacer de esa segunda entrega una más terrorífica.
El filme cuenta la llegada de un grupo de
niñas huérfanas que son auspiciadas por una
pareja madura y solitaria. En el hogar del matri-
monio se educan bajo la guía de una monja cuya
labor se extenderá cuando la muñeca empiece a
torcer el cuello.
Stephanie Sigman, integrante del elenco, se
confesó con EMPIRE acerca del reto de reaccio-
nar a sustos imaginativos en el set, para con ellos
aterrorizar al público en salas. El resultado fue tan
144 DICIEMBRE 2017
efectivo que los gritos se tradujeron en la modesta
cantidad de 305.1 millones de dólares recaudados
en las taquillas de todo el mundo.
TODO ESTÁ EN LA MENTE
De acuerdo con Sigman, encargada de darle vida
a la hermana Charlotte, lograron horror en el
foro con “mucha imaginación”, y eso no fue difícil
Con los hábitos puestos, la histrión tiene la
responsabilidad de guiar a un grupo de pequeñas
huérfanas que encuentran refugio en la casa de la
familia Mullins, pero fueron las chiquillas quienes
aleccionaron a la actriz mexicana.
“Siempre estoy con las niñas y la verdad ellas
son... no sé cómo lo hacen, supongo que también
influye mucho el hecho de ser niño. Tienen la
imaginación a todo lo que da, podían hacer lo que
sea, creen muchísimo en ellas mismas y eso es
algo que no sé por qué perdemos con la edad, pero
es muy bonito ver”, cuenta la actriz.
PRESENCIA DEL MÁS ALLÁ
Durante el rodaje, para no dejar todo los elemen-
tos terroríficos en la imaginación de Sigman y de
las niñas Talitha Eliana Bateman y Lulu Wilson —
en los roles de Janice y Linda, respectivamente—,
la producción optó por efectos prácticos y no
agregarlos después en CGI. Eso también ayudó a
que el cast reaccionara de forma más espontánea
a lo que ocurría en el lugar.
“Cuando el set se mueve, las escaleras y las
paredes de verdad se movían, todo temblaba.
Fue increíble ver eso porque la diseñadora de
producción (Jennifer Spence) realmente creó una
iluminación y un ambiente perfecto para poder
interpretar”, explicó Sigman.
HASTA LOS ACTORES TIENEN
MIEDO
Eso que cuenta Sigman (el apoyo visual en loca-
ciones), en los cines dio pie a sobresaltos de los
que ni el elenco se libró. “Terminada la película,
la vi.
Y a pesar de que sabía lo que iba a suceder,
porque leí el guion e hice la película, existe el
factor sorpresa y hay muchas cosas que me hacen
saltar del asiento y sentir miedo”.
De toda la cinta, el espacio que más horror
le causa a la actriz es la habitación de su propio
personaje. “Tiene un elevadorcito en la pared.
Cuando me asomaba por ahí no sabía qué es lo que

iba a salir de ese hueco, porque estaba muy oscuro
y se movía. Fue un momento de mucho miedo
verdadero para mí”.
Tal fue el ambiente que se creó en las habita-
ciones que la intérprete llevó a un sacerdote al
set para que echara agua bendita y en el camerino
tenía siempre cerca una Biblia. Además de que
ha confesado que sí cree en energías y espíritus,
Sigman prefirió tomar sus precauciones — ¡quién
no!— ante los mitos que hay alrededor de las
filmaciones de películas de horror.
FÁBULAS DEL HORROR
Pese a ser un filme de horror, después de
participar en Annabelle: Creation Sigman no se
queda con miedo, sino con valiosas lecciones; no
se lleva consigo las secuencias de posesiones y
puertas que se abren solas, sino aquellas en las que
lucha por las niñas. “Me conmueven mucho por la
relación que tengo con ellas, de lo que la hermana
Charlotte pude hacer por ellas y de lo que no pude
lograr por ellas (...). Ahora tengo nuevas y muy
jóvenes amigas”, reflexiona.
ANNABELLE 2: LA CREACIÓN ESTÁ DISPONIBLE EN DVD
Y BLU-RAY.
POP TIMES
¿Creías tener suficientes referencias del cine y TV?
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
La película Watchmen, de Zack
Snyder, es un prodigio de referencias,
en particular en la secuencia de
créditos de entrada, donde se
presentan eventos previos en la
historia de la película. Se ve a Mick
Jagger y a David Bowie saliendo del
Studio 54, pero también ves al Nite
Owl original dándole un puñetazo
Existe un libro editado en 1978 por
Edinorma en Colombia, avalado por The
Star Wars Corporation, llamado La Guerra
de las Galaxias que presenta nombres
“traducidos” de los personajes. Aquí,
Luke Skywalker es Lucas Trotacielos y
vive en el planeta Tatuín. C3PO es Trespo
¿A qué se debe el color esmeralda de
este famoso personaje de Marvel?
Nuestro muy buen amigo Hulk fue
creado por Jack Kirby y Stan Lee,
basados en la novela El extraño caso
del Dr. Jekyll y Mr. Hyde, de Robert
Louis Stevenson. En un principio,
Stan Lee no quería darle a su
personaje ningún tipo de etnicidad,
a un ladrón mientras atrás de él hay
pósters del cómic de Batman y al lado
están sus padres saliendo del cine. De
ahí deducimos que, como los Wayne
no murieron esa noche, Batman no
tiene necesidad de existir en el
universo de los Watchmen y por eso
nada más es un personaje de ficción
en el universos de las historietas.
y, por muy obvio que suene, R2D2 es
Artu-rito; Chewbacca es el buen Masca y
Darth Vader es Dar Vader. El libro es
hermoso y está profusamente ilustrado
con fotos de la película. La copia en poder
de EMPIRE literalmente se está
deshaciendo: le falta la parte final.
por lo que lo creó gris, como color
neutral, pero en esa época era en
realidad imposible hacer la tinta de
un gris que siempre fuera igual, por lo
que el monstruo podía aparecer en
múltiples variaciones de ese color.
A partir de ahí, Stan Lee decidió que
Hulk sería del color que ahora todos
conocemos.
DICIEMBRE 2017 145
 Parece que Kevin
McCallister lee el
periódico, pero en
realidad traza su plan
para deshacerse de
unos ladrones en Mi
pobre angelito 2.
TOP 10 EMPIRE: CINTAS
NAVIDEÑAS OBLIGADAS
Listas muy listas. Nuestro crítico
te confía su top 10 mensual de
temas ultraespecíficos.
POR ÓSCAR URIEL
LAS FIESTAS NAVIDEÑAS pueden
convertirse con facilidad en experiencias
sumamente extremas. Vayamos por partes. Se
trata de una fecha feriada que sirve de pretexto
para reunir a la familia, sin importar cuan
disfuncional sea ésta, en una festividad que
requiere de la convivencia obligada entre sus
miembros. Los ingredientes exactos para una
catástrofe doméstica. El cine ha retratado esta
celebración y sus consecutivos fiascos en varias
ocasiones. A continuación nuestro listado de
películas que sugerimos revisitar en estas fechas.
MI POBRE ANGELITO (1990)
Han transcurrido 27 años desde que los padres
de Kevin McCallister (Macaulay Culkin) lo
abandonaron en casa y se fueron de vacaciones...
¿Qué tipo de tutores son esos que olvidan a sus
vástagos en el hogar? Viéndola a destiempo, en la
actualidad esta cinta sería considerada
políticamente incorrecta.
146 DICIEMBRE 2017
THE REF (1994)
Se trata de una cáustica comedia dirigida por Ted
Demme en donde un ratero (Denis Leary) es
hostigado por la misma pareja que pretende
atracar (Judy Davis y Kevin Spacey), todo
teniendo como marco las fiestas decembrinas.
THE FAMILY STONE (2005)
Nos encontramos con una amena cinta sobre
cómo un grupo de antipáticos personajes
celebran la Navidad en familia. La anécdota es
estelarizada por un reparto coral (Diane Keaton,
Sarah Jessica Parker, Rachel McAdams y Luke
Wilson, entre otros) y las ocurrencias van desde
diferencias políticas entre integrantes del clan
hasta la liberación sexual de otros. Poco a poco,
The Family Stone se ha convertido en un clásico
contemporáneo que se revisita cada temporada.
HOME FOR THE HOLIDAYS (1995)
La celebración aquí no es precisamente Navidad,
sino el Día de Acción de Gracias. Aún así
decidimos incluir este entrañable título porque
es dirigido por la consentida Jodie Foster y
estelarizado por Holly Hunter y la legendaria
Anne Bancroft, aunque la revelación la dió
Robert Downey Jr. hace algunos años al confesar
que no recordaba nada del rodaje de la cinta
debido a su constante estado ‘inconveniente’ en
el set. ¿La trama? Claudia (Hunter) opta por
pasar las fiestas en compañía de su familia en
lugar de su novio. No es precisamente la mejor
decisión; sin embargo, con ella, Claudia confirma
que los lazos consanguíneos son más sólidos que
la disfuncionalidad.
LESS THAN ZERO (1987)
Basada en el bestseller de Bret Easton Ellis,
narra el regreso a casa de Clay (Andrew
McCarthy), quien retorna a pasar Navidad en
Beverly Hills en compañía de sus amigos Blair y
Julian (Jami Gertz y Downey Jr.). Se trata de los
80, por lo que las melodías de The Bangles y la
cocaína pululan en las fiestas de los hijos de los
acaudalados. La invitación que recibe Clay
inscribe categóricamente ‘Let’s Fuck Christmas’.
UN CONTE DE NOËL (2008)
Cargada de una fuerte dosis de humor galo,
Arnaud Desplechin nos presenta a la familia
anómala glorificada. Catherine Deneuve
interpreta a la matriarca, quien requiere de un
trasplante en calidad de apremio. Melvil
Poupaud, Mathieu Amalric y Chiara Mastroianni
completan el reparto de excéntricos personajes
de una historia agridulce en donde se mezcla la
tragedia con situaciones hilarantes.

FOUR CHRISTMASES (2008)
Reese Witherspoon y Vince Vaughn
protagonizaron una pareja en conflicto, dentro y
fuera de la ficción, al interpretar a un
matrimonio que decide visitar a sus respectivos
padres divorciados justo el día de Navidad. No
fue secreto para nadie que los actores tuvieron
pronunciadas diferencias durante el rodaje, lo
que provocaría que Vaughn no hiciera publicidad
durante el estreno. El director, Seth Gordon,
insiste en que la premisa de esa historia está
basada en sus propias experiencias en la época
decembrina; ¿le creemos?
THE LION IN WINTER (1968)
Peter O’Toole es el rey Eduardo II. Katharine
Hepburn caracteriza a Leonor de Aquitania. Sólo
ver a estrellas de este calibre en los roles
estelares en la adaptación cinematográfica de la
dramaturgia de James Goldman es motivo
suficiente para echarle un vistazo a esta fastuosa
producción. Lo que también resulta gratificante
es observar que lo ambiguo de las relaciones
familiares no es exclusivo de nuestros tiempos.
PETER’S FRIEND (1992)
Hay un dicho común que reza: “Los amigos son
la familia que uno escoge”, pero ¿qué sucede
cuando repetimos nuestras patologías y
regresamos a lo disfuncional? Esto es justo lo
que sucede en la comedia con tintes dramáticos
que dirige Kenneth Branagh, quien reunió a sus
amistades en la vida real para protagonizar una
emotiva historia sobre seis amigos unidos en la
dicha y la adversidad.
UNA HISTORIA DE NAVIDAD (1983)
Ésta es mi película favorita de la temporada. Va
de una fantasía por demás americana situada en
la década de los 40 donde Ralphie (un
sensacional Peter Billingsley) sueña con tener
como regalo navideño una escopeta con la
finalidad de enfrentar al enemigo. Habría que
replantear esta misma situación a nuestro
contexto sólo para darnos cuenta de que la
anécdota no tendría cabida en los parámetros
sociales actuales, pero que, paradójicamente, es
la misma ingenuidad de la historia lo que hace de
la cinta un clásico de la época.
FERNANDO RIVERA
CALDERÓN
LA GARGANTA MECÁNICA
La peor película de la historia
Hablar de la peor cinta que uno ha protagonizada por Nicolas Cage, aquí
visto es tan complicado y llamada El aprendiz de brujo, y en la
deliciosamente ocioso como hablar de frustrante versión de Alicia en el país
la mejor. Depende del gusto de cada de las Maravillas que dirigió Tim
quien y a veces, lo que para uno es una Burton en su peor momento, así como
joya, para otro es una basura. Además en cualquier película protagonizada
hay filmes malísimos que resultan por Vicente Fernández.
inolvidables, pero esta vez no Todas estas historias
voy a hablar de Ed Wood ni MI son radicalmente malas
de Juan Orol, sino de RECOMENDACIÓN y además muchas
producciones asquerosas Destiny. (Alemania, 1921) fueron un fracaso en
de las que hay que Fritz Lang es conocido por taquilla, pero debo
alejarse a toda costa. Metrópolis, pero aquí mencionar dos que no
Lo primero que viene presenta una fantasía sobre soporto ver más de
a mi mente es el vomitivo la vida y muerte a la que cinco minutos y han
bodrio de Frozen. Un “corto” mucho le debe sido quizá las más
larguísimo retacado de Macario. exitosas de los últimos
cursilería y canciones gazmoñas tiempos en México. No puedo
que te hacen odiar la existencia por con Nosotros los Nobles ni con No se
unos minutos. aceptan devoluciones. No me dan risa
Otra aberración cinematográfica y me declaro intelectualmente incapaz
muy reciente que me puso de muy mal de acceder al mensaje de dichos
humor fue Geotormenta. Infame éxitos, aunque también tengo claro
película de Dean Devlin quien, pese a que el que no me guste algo que a
su apellido, tuvo muy mala visión para mucha gente sí, no me otorga ningún
dirigir esta historia sin pies ni cabeza tipo de superioridad moral; nada más
que, para acabarla de amolar, cuenta me parecen pinchísimas. Si estuviera
con la actuación especial de Eugenio en una isla desierta con un cine y sólo
Derbez (que no sé cómo le hace para pasaran Nosotros los Nobles, No se
mantener el tonito de Burro de Shrek aceptan devoluciones y El Garañón II,
en todos sus personajes). Los efectos con Alfonso Zayas, les juro que nada
especiales parecen hechos desde un más vería El Garañón II hasta el final
teléfono celular y la película en general de mis días.
te hace pensar que Gerard Butler, Andy Ver las malas cintas es tan
García y Ed Harris realmente necesario como ver los clásicos para
necesitaban mucho el dinero para formarnos un criterio cinematográfico,
aceptar hacer el ridículo de la forma en y además algunas de ellas tienen
que lo hicieron. detrás historias en verdad dignas de
Además de estos dos ejemplos de contar o directores sobre los que vale
que la evolución de la tecnología no la pena detenerse un poco más. Ya ha
implica necesariamente que se hagan sucedido con Orol y con Wood, y ahora
mejores cintas, no puedo dejar de el genial James Franco ha hecho un
mencionar otros esperpentos que van homenaje al locazo de Tommy Wiseau
apareciendo aleatoriamente en mi y su cinta The Room, considerada la
memoria. Pienso en El Chanfle, de peor película de la historia, en The
Chespirito; en Fando y Lis, de disaster artist, poniendo en evidencia
Alejandro Jodorowsky; en Vacaciones una vez más que las malas cintas
de terror, de René Cardona III; en también tendrán su espacio en la
Verano peligroso, con Alejandra historia de la cinematografía, aunque
Guzmán; en esa porquería sean horribles.
DICIEMBRE 2017 147
 LAÚLTIMA ESCENA
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
En EMPIRE sabemos que llevar
las cosas a un buen fin es virtud
de pocos directores. Aquí una
última escena que nos dejó con
el ojo cuadrado.
THE EMPIRE STRIKES BACK, 1980
IRVIN KERSHNER
148 DICIEMBRE 2017
HACIA EL FINAL DEL Episodio V tiene lugar
la traumática batalla entre Luke y Anakin
Skywalker, ahora envestido de su sagrado poder
como Lord del lado oscuro de la Fuerza y temible
guardián de las Fuerzas del Imperio Galáctico, en
la que este último, Darth Vader, le pone en su
madre a su hijo... física, psicológica y
espiritualmente.
Mientras trata de defenderse, Luke aprende
que tiene una hermana y que a su papá no lo
mató Darth Vader, sino que ES Darth Vader, o
sea, su papá versión el lado oscuro de la Fuerza.
Maltrecho y habiendo perdido su mano derecha,
su sable de luz y la esperanza de vencer a Vader,
Luke recibe la oferta de su padre para pasarse al
lado oscuro y manejar juntos el destino de la
galaxia entera. Si no acepta, Vader ira por su bella
hermana.
Luke utiliza lo último de sus fuerzas para
lanzarse por una ventila y queda colgado de una
antena de la base en Cloud City. Con sus
incipientes poderes de Jedi, de la embarradita
que recibió apenas por el maestro Yoda, Luke
llama a Leia, su hermana, quien ya huía con
Lando y Chewbacca en el Millennium Falcon.
Ella los obliga a regresar y encuentran a Luke
malherido y sin sentido.
Estos son los hechos que conducen al final de
una de las películas más importantes de la
historia, no sólo para nostros, los ñoños de Star
Wars. En esta entrega, primera que no dirigió su
creador George Lucas, ganan los malos y no
dejan de suceder cosas imporantes para la saga,
además de que todos los actores entregan lo
mejor en cada uno de sus papeles. Esto porque
Kershner, a diferencia de Lucas, si sabía y
disfrutaba al dirigir a actores.
Nuestros héroes escapan de Cloud City
mientras Luke estrena la comunicación
telepática con su padre y recrimina suavemente
a Ben (Obi-Wan) Kenobi por no haberle dicho la
verdad en vida.
La última escena representa claramente lo
que este episodio trajo a la ecuación completa.
Asimismo presagia lo que aún faltaba por contar.
Después de que Lando deja a un Luke
convalesciente, a Leia, C-3PO y R2-D2 en un
convoy de la Alianza Rebelde que escapa hacia
una nueva base, él se lanza con Chewbacca en
busca de Boba Fett para intentar rescatar a Han
de las garras de Jabba the Hut.
Quedan de encontrarse en Tatooine una vez
que ellos hayan ubicado al monstruoso maleante.
A Luke le han colocado una mano cibernética en
lugar de la que perdió contra su padre, algo que,
irónicamente, lo acerca más a él.
El último en expresar algo en la película es
R2, al que C-3PO mira con “tristeza”. Los droides
y Leia observan por un ventanal de la nave
rebelde cómo el Millennium Falcon se marcha
hacia Tatooine; a ellos se une Luke, en bata, aún
vapuleado, y los cuatro miran hacia las estrellas
en uno de los finales más hermosos de toda la
saga.
Al concluir, la cámara los observa desde
afuera y se aleja de ellos mientras John Williams
nos regala un subidón de notas de despedida que,
a quienes la vimos en el cine, nos hizo un nudo
en la garganta que precedió a una sorpresa
satisfecha, a una paz incómoda cuando apareció
en la pantalla el crédito de Kirshner y sabíamos
que no seríamos los mismos jamás.
Todavía tendríamos que esperar tres años
más para conocer el desenlace... y éste sería
simplemente extraordinario.
DICIEMBRE 2017 149
 KENNETH BRANAGH:
NUESTRO LAURENCE OLIVIER
POR SUSANA MOSCATEL
MUCHOS LO CONOCEN COMO “el
inglés que nos regresó a Shakespeare”, pero la
realidad es que Kenneth Branagh es irlandés. Y
aunque sí, ha jugado un rol indispensable en hacer
que las nuevas generaciones se enamoren del gran
dramaturgo, lo cierto es que basta un paseo por su
filmografía como director para ver qué es lo que le
atrae de llevar estos grandes textos a públicos
acostumbrados a pocas palabras y mucha acción.
Platicamos con Branagh por el estreno de su
versión de Asesinato en el Expreso Oriente, de
Agatha Christie, y justo por ahí empezamos. “¿El
amor a estas cintas es un tema de formación o una
respuesta al deseo de tantos de volver a lo bien
hecho y básico?”.
150 DICIEMBRE 2017
“Esa es la razón por la que amo a los clásicos,
no pierden vigencia”, contestó con la emoción de
un director orgulloso de lo que ha logrado. “A
veces parece fácil y la gente da por sentado que
manejar 15 personajes principales es algo simple,
pero de hecho es un toque de genialidad en un
misterio de asesinato porque entre más hay, es
incluso más difícil averiguar quién lo hizo. Ella fue
muy audaz en darse cuenta de ello y, si puedes
rodar una película donde llenas esos roles con
actores fascinantes, ya la hiciste”.
Que se refiera a Agatha Christie como “ella”
es un deleite, porque de verdad te hace sentir que
en algún extraño plano los dos coincidieron para
platicar sobre las adaptaciones que hizo de uno de
sus más clásicos misterios. E igual que
Christopher Nolan (con quien tiene mucho en
común) posee la convicción de que una buena
película debe ser hecha de la manera clásica.
“¡Sí, filmamos en 65 milímetros!”, respondió
ante el cuestionamiento del cómo logró algunas
de las tomas panorámicas más bellas que hemos
visto en mucho tiempo, al menos en el cine
comercial. “Todas mis producciones han sido en
celuloide, y ésta en particular, con el negativo más
amplio, te permite capturar el detalle de manera
especial. Sientes más detalles cuando vas a lugares
como Estambul o Israel, pero también logras más.
Mucho más en esos closeups, cuando tratas de
proyectar las particularidades que hacen que
alguno de ellos parezca culpable, todas esas cosas
del lenguaje corporal que te hacen preguntarte:
‘¿Eso es culpa?’, ‘¿acaba de mentir?’”.
Clásicos o no, Branagh siempre encuentra la
manera de imprimir su estilo en las cintas que
está dirigiendo y, en (muchas) ocasiones, como la
más reciente, también protagonizando. Quizás esa
ha sido la crítica más constante en su amplia
trayectoria. Algunos hasta de megalómano lo han
acusado. No en el trato personal, donde siempre
se ha destacado por ser uno de los hombres más
queridos del teatro y el cine anglo, sino en el
escenario. ¿Pero a quien no le pasaría eso si la
primera vez que das el salto de las tablas al
celuloide es con tu propia adaptación de Enrique
V, de William Shakespeare, por la cual te nominan
al Óscar como actor protagónico y director?
OLIVIER Y BRANAGH
Si bien apareció como intérprete y no como
realizador en My Week with Marilyn, Kenneth
hizo algo que sacudió a muchos, pero generó una
increíble satisfacción en la mayoría: interpretó a
Laurence Olivier, el gran histrión que muchos
 EDITORS’ ¡ANÓTALAS PARA VERLAS
LO MÁS PRONTO POSIBLE!

aseveran había portado la corona que

naturalmente heredó Branagh. “Ya era hora”,
publicaron varios críticos en su tiempo.
CHOICE
EMPIRE te dice qué ver.
En el pasado, las comparaciones entre los
dos, también directores, llegaron a tal grado que 1 AMERICAN VANDAL
la familia de Lord Olivier vetó la propuesta de DISPONIBLE EN NETFLIX
que Branagh se presentara en el funeral en 1989. ¿De qué va?
Sentían que llamaría demasiado la atención la Un día aparecen 27 autos
presencia del joven actor que todos señalaban graffiteados con imágenes fálicas EDUARDO
como sucesor de la gloria de Olivier. en el estacionamiento del Hanover NAVARRETE
High School. Mientras Peter
LAS NUEVAS MITOLOGÍAS Maldonado (Tyler Álvarez) trata de dar con el
Si bien como director Kenneth Branagh se ha responsable, Dylan Maxwell (Jimmy Tatro) figura
dado el dudoso gusto de sacar adelante partes como el principal sospechoso.
de franquicias como Jack Ryan (Shadow
Recruit), también ha tacleado un par de retos ¿Por qué la recomiendo?
que francamente eran para preocuparse. En Pocas series combinan de forma ingeniosa el
retrospectiva, esa preocupación no pudo estar suspenso, el dramedy y el falso documental.
más equivocada, como pudimos ver en Compartirás risas involuntarias con un genuino
Cenicienta (2015), con Lily James, donde interés por la trama y sus personajes. No creerás
mostró de nuevo su enorme talento por darle que en la misma plataforma en la que aparece
un leve giro a los clásicos. Con Cate Blanchett Making a Murderer puedas ver esta especie de
como la madrastra, la cinta superó todas las innovadora mofa hacia ella.
posibles expectativas al mostrar que un clásico
tiene varias capas que se pueden seguir
descubriendo... si el director se lo propone. 2 LOS NIBELUNGOS
Por el otro lado, Thor (con Chris DISPONIBLE EN DVD
Hemsworth) es probablemente uno de los ¿De qué va?
éxitos más importantes del director Basada en el Cantar de los
shakespeariano, quien seguro no busca sus nibelungos, este clásico del
ANAID RAMÍREZ
proyectos con base en el potencial de lo que expresionismo alemán cuenta la
pueden lograr en la taquilla. Pero, por el otro premisa sencilla del príncipe (Sigfrido) que lucha
lado, 440 millones de dólares en 2011 no contra un dragón para recuperar a la princesa
pudieron caerle mal al hombre que de por sí, a (Krimilda), no sin tener un traidor en el camino
puros golpes de calidad, siempre se ha dado el (Hagen) y desatar en la doncella una implacable
gusto de hacer lo que ama. sed de justicia.
Eso, por supuesto, incluye joyas
cinematográficas como Much ado about ¿Por qué la recomiendo?
Nothing (con el horrible título en español —de Es una de las cintas imperdibles de Fritz Lang y
origen— Mucho ruido y pocas nueces) o su también de las primeras historias del cine en
Hamlet de cuatro horas, cosa que ni Olivier tener dos entregas —cada una de 90 minutos
logró en la pantalla grande (existe una versión aproximadamente—. Indispensable y
corta de la misma producción). emocionante título para entender cómo llegan al
Branagh es, a fin de cuentas, un seductor cine los relatos de venganza.
que sabe traducir los clásicos para las nuevas
generaciones y que logra la perfecta
combinación entre lo comercial (ha transmitido 3 IMPRACTICAL JOKERS
obras de teatro de su compañía a miles de salas DISPONIBLE EN TRUTV
de cine simultáneamente) y lo tradicional. ¿De qué va?
Siempre con un toque personal que los puristas Cuatro amigos de la universidad se
rechazan y que los demás apreciamos. Sobre hacen bromas desde sus años
todo cuando tienes la oportunidad de escolares y han construido un CÉSAR
HERNÁNDEZ
escucharlo platicar de sus pasiones y te contagia exitoso programa de ello. En cada
su entusiasmo al narrar su enamoramiento por episodio, Murr, Q, Joe y Sal se ponen retos y
el celuloide de esta manera: “Es todo un ritual quien no logra completarlos sufre un castigo al
cuando tienes que cambiar el film y gritar final, que siempre involucra avergonzar al
‘corte’. Es un ritmo distinto cuando haces una perdedor o enfrentarlo con una de sus peores
producción en cinta y creo que los actores fobias o aversiones.
responden a ello. ¡Me encanta!”.
¿Por qué la recomiendo?
LAS TRES DE BRANAGH A veces hace falta desconectarse un poco de la
(COMO DIRECTOR) realidad y estos cuatro bobos te aseguran horas
Mucho ruido y pocas nueces de diversión. Si eres de los que disfrutan ver
Hamlet gente en posiciones incómodas y embarazosas,
Los amigos de Peter vas a gozar muchísimo con este programa.

DICIEMBRE 2017 151

 MIS FAVORITAS
EMPIRE le pide cada mes a una figura del cine,
la sociedad o la cultura que enliste sus cinco movies
favoritas. Algunos aplican la presidencial y no
las recuerdan; otros las tienen muy presentes.

ELEGIDAS POR
De ahí, EMPIRE emite un diagnóstico de la salud
cinematográfica del pacientito.

PACO AYALA
POR ANAID RAMÍREZ

E DEL
REMIER
DE LA P de peda y
FIEST OV : D ía s
N T A L MOLOT lr edo
e d r,
E
DOCUM whisky a
y, a u n que hay s tá n i p edo ni STAR
TAR WARS
WARS: EL IMPERIO CONTRAATACA
cruda nda no e uy (1980)
de la ba alibra m
el bajista m o s p orque c a rn os
o nota s DIR
DIRIGIDA POR Irvin Kershner
crudo. L de confe
id e a s a la hora e n la h istoria: EMPIRE
PIR DICE Aunque sólo figuró en los
bien sus ritas
sus cinc
o pelícu
las favo
s e g undos e
ntre su TIBURÓN (1975)
TIBURÓ Óscar poror sus efectos visuales y sonido, su
a n u n o s . ¿Su DIRIGIDA POR Steven e Spielberg historia es un
una de las mejores de la saga. En
a s lo
apenas
p otro títu
ia c ió n de uno y K u b ri ck. EMPIRE DICE La c cinta que convirtió a una este episodio tooca ver a Luke Skywalker
enun c y
v o ri to ? Stanle especie marina en unu monstruo del que no se comenzando su ueentrenamiento para
fa
director
puede escapar
apar. Lo
Loss efectos especiales que convertirse en tod
co do un Jedi gracias a la guía y
aplicó
có Spi
Spielberg enn esta cinta siguen
sigue tan sabiduría
abid de Yoda.
frescos y vigentes q
fre que todavía “vas a
necesitar un bote mmás grande”.

TRAINSPOTTING (1996)
DIRIGIDA POR Danny Boyle
EMPIRE DICE El segundo filme de este
director inglés se convirtió en EL ícono de los NARANJA MECÁN
Á ICA (1971)
90, tanto por su historia de amistad y drogas DIRIGIDA POR Stanleya Kubrick
como por su selección musical y de elenco. EMPIRE DICE Junto n con Lolita, es una de
Nadie olvida al Renton de Ewan McGregor o las películas más controversiales de Kubrick.
al Spud de Ewen Bremner, ni si quiera a la El cineasta recibió decenas de cartas —de
Diane de Kelly Macdonald. ¿Alguien puede sacerdotes y civiles— que le pedían
no pensar en esta producción al escuchar a reconsiderar el estreno de esta cinta y parar
Underworld? Y qué decir del resto de bandas, su filmación. Basado en la obra de Anthony
como Blur, Pulp e Iggy Pop. Burgess, el filme retrata las vivencias de Alex
—fascinado por la violencia y el sexo—, así
que las escenas explícitas de violaciones y
asesinatos eran indispensables. Por si fuera
poco, tiene un póster hipnótico.
EL RESPLANDOR
NDOO (1980)
DIRIGIDA APPOR Stanley Kubrick
EMPIRERE DICE
D Cuando las casas
abandonadas
and ya daban miedo, llegó el Hotel
Overlook para decirles “quítate que ahí te
Ov
voy”. Olas de sangre, niñitas fantasma,
máquinas de escribir que funcionan solas...
papás psicópatas. ¿Hay algo que no dé
miedo en esta película basada en una novela
de Stephenn King?
Kin
DIAGNÓSTICO Paco prefiere las
tramas oscuras y directores que no se
miden a la hora de retratar sangre o dar
espacio a diálogos aniquiladores.
Aprecia aquellos trabajos que crean
atmósferas completas y abarcan tanto
lo visual como lo sonoro. Si quieres una
recomendación de ciencia ficción,
Ayala te la da sin titubeos.

1
152 DICIEMBRE 2017