Universidad de Panamá

Facultad de Arquitectura y Diseño

Lic. En Diseño de Modas

Diseño de Modas I
Investigación #2

Prof. Bredio Mendieta

Nombre: Berenice Poveda
Cedula: 8-929-558

2018
 Introducción

Sabemos que el arte es una manifestación humana con la que el hombre toca fibras
sublimes, El artista expresa una realidad que él vive y en su propia codificación regresa al
mundo, desde su propia perspectiva creadora y muestra un lenguaje que le es propio.
Al enfocar el arte necesitamos una visión filosófica y al profundizar veremos que una de
muchas formas es la que presenta la siguiente investigación. Tratando de enfocar en una
pintura la “expresión, la estructura y la composición”
El artista para crear, requiere ante todo tener imaginación, creatividad, a través de la cual
responde al vasto y multiforme mundo externo expresando sus sentimientos por medio de
signos, contornos, formas y colores. Por eso lo que determina el valor de una obra de arte
no depende del tema, sino del carácter peculiar de la expresión inspirada y de sus
contenidos sublimes
 Infografía

 https://www.significados.com/diseno/
 https://definicion.de/diseno/
 http://conceptodefinicion.de/diseno/
 https://www.significados.com/creatividad/
 https://www.significados.com/belleza/
 https://definicion.de/inspiracion/
 http://articulos.corentt.com/la-inspiracion/
 https://pablogui.blogspot.com/2016/10/la-composicion-artistica.html
 http://www.pinturayartistas.com/el-ritmo-en-dibujo-y-pintura/
 http://arsvisui.blogspot.com/2012/04/equilibrio.html
 http://www.glencoe.com/sec/art/art_talk/students/chapter9Spn.php/al
 http://lasdunasdelaschapas.blogspot.com/p/estructura-y-composicion.html
 http://viridianasalper.com/que-es-el-boceto/
 https://www.definicionabc.com/comunicacion/boceto.php
 https://definicion.de/boceto/
 https://www.ecured.cu/Boceto
 https://ludi-arte.webnode.es/blog/sexto/luz-y-sombra/
 https://www.arteneo.com/blog/definicion-de-ilustracion-y-tipos-de-ilustraciones/
 http://vistelacalle.com/135277/la-deconstruccion-en-la-moda-desde-comme-des-
garcons-hasta-ropa-docenada/
 https://pipiveroylaulenguajedigital.wordpress.com/2013/10/31/8/

 ¿Qué es el Diseño?

En su forma más general, diseño es el arte de lo posible. En

términos más técnicos, diseño es el proceso consciente y
deliberado por el cual elementos, componentes, potenciales,
tendencias, etc. se disponen de forma intencionada en el
continuo espacio-tiempo con el fin de lograr un resultado
deseado. En su expresión más potente, diseño es imaginar y
alumbrar nuevos mundos. Podríamos decir que el diseño es
una actividad muy humana.

Un diseño se trata básicamente de las diferentes formas que

puede tomar un objeto, tomando en cuenta que el mismo
debe contar con armonía visual, sin perder de vista las funciones que debe cumplir el mismo.
Hay quienes dicen que el ingrediente secreto de un buen diseño es la belleza con la que
cuenta, haciendo que el producto trascienda en todas las formas posibles para que de este
modo su usuario sienta un gran placer gratificante al poder experimentar su uso, sin
embargo, no debe olvidarse que la funcionalidad del mismo es sumamente importante.
La mayoría de las veces lo que se busca al crear algún diseño es resolver las necesidades
que se pueden presentar en ciertas situaciones, y aparte de ello la belleza que se le aplique
puede verse como un concepto que de algún modo es subjetiva y cultural.
En el momento de diseñar, el individuo toma en cuenta los aspectos estéticos y los asuntos
funcionales, para ello debe de tener en cuenta las siguientes etapas:
 observar y analizar el medio en el cual se
desenvuelve el ser humano,
 evaluar las necesidades del individuo,
 planear y proyectar con el fin de solucionar la
necesidad del sujeto a través de maquetas,
planos, entre otros y, por último
 ejecutar la idea plasmada en la fase anterior.
En este sentido, tampoco podríamos pasar por alto la figura del diseñador, aquel
profesional que desarrolla estas citadas funciones creativas en diversos ámbitos. No
obstante, es cierto que en la mayoría de las ocasiones cuando hacemos referencia a dicho
experto estamos hablando de aquel que trabaja en el campo de la moda.
En aquella área lo que hace es llevar a cabo la creación tanto de ropa como de joyas y
complementos adecuadas a las tendencias que existen en la sociedad del momento o bien
a las que él mismo impone. Básicamente podemos establecer que tres son los principales
tipos de diseño de moda: la alta costura, la moda prêt-à-porter y la llamada “mercado de
masa”.
Con respeto a la primera categoría podemos subrayar que
existen figuras muy importantes en la misma, diseñadores
y diseñadoras, que se han convertido en un referente a
nivel mundial e histórico. Entre ellos se encontrarían Coco
Chanel, Carolina Herrera, Christian Dior, Giorgio Armani,
Domenico Dolce & Stefano Gabbana o Gianni Versace.
No obstante, actualmente entre los más admirados y
seguidos habría que hablar de Valentino, Jean Paul
Gaultier, Yves Saint Laurent, Ralph Lauren, John Galliano, Paco Rabanne o Marc Jacobs.
Cabe destacar, por último, que la noción de diseño también puede hacer mención a la
disposición de los colores o los dibujos que brindan las características distintivas a un animal,
una planta o un objeto.
 ¿Qué es la Creatividad?

La creatividad, denominada también pensamiento original,

pensamiento creativo, inventiva, imaginación constructiva o
pensamiento divergente, es la capacidad de crear, de innovar, de
generar nuevas ideas o conceptos, o nuevas asociaciones entre
ideas y conceptos conocidos, que normalmente llevan a
conclusiones nuevas, resuelven problemas y producen soluciones
originales y valiosas. La creatividad es la producción de una idea o
un concepto, una creación o un descubrimiento que es nuevo,
original, útil y que satisface tanto a su creador como a otros durante
algún periodo.
La creatividad o el pensamiento original, es un proceso mental que nace de la imaginación
y engloba varios procesos mentales entrelazados. Estos procesos no han sido
completamente descifrados por la fisiología. La cualidad de la creatividad puede ser
valorada por el resultado final y esta es un proceso que se desarrolla en el tiempo y que se
caracteriza por la originalidad, por la adaptabilidad y por sus posibilidades de realización
concreta.

Capacidad y personalidad creativa

Aunque existen individuos altamente creativos y otros

relativamente no creativos, todos nacemos con una
capacidad creativa que luego puede ser estimulada o
no. Por tanto, la creatividad puede ser desarrollada y
mejorada, como pueden serlo también todas las
capacidades humanas. Existen muchas técnicas para
desarrollar y aumentar la capacidad creativa, por
ejemplo, la lluvia de ideas (en grupo), el pensamiento
lateral, los mapas mentales, la selección de ideas, la cuantificación de ideas, la clasificación
de ideas, los mapas conceptuales y los diagramas de Ishikawa.
La inteligencia no es la diferencia que existe entre los que son altamente creativos y los que
son relativamente no creativos. Los rasgos de la personalidad del individuo creativo es lo
que lo diferencia de los demás. En general, se ha comprobado que una persona creativa o
un genio, necesita largos periodos de soledad, tiende a ser introvertida, y tiene poco tiempo
para las relaciones sociales y también para lo que ella propia llama las trivialidades de la
vida cotidiana. Los creativos tienden a ser enormemente intuitivos y a estar muy
interesados por el significado abstracto del mundo exterior además de ser muy sensibles.
Pueden distinguirse, a grandes rasgos, dos tipos de personas creativas, los artistas (músicos,
escritores, pintores, escultores) y los científicos, aunque, como ya se ha pronunciado, no
existe mucha relación entre la creatividad y el cociente intelectual (CI). A menudo, el genio,
en este tipo de personas, se relaciona y se confunde con la locura.
 ¿Qué es la Estética?

Estética es la disciplina que estudia lo bello en el arte y en la naturaleza y su asimilación por

parte de los individuos. Estética también se refiere a la rama de la filosofía del arte.
En el arte, se denomina como estética a los elementos que acostumbra a emplear un artista
en sus obras, en cualquiera de sus expresiones.
Estética también se usa para referirse a la apariencia de una persona, decoración o espacio,
por ejemplo, “La estética de este lugar se relaciona con el verde de su alrededor”. En este
sentido, tiene que ver con el sentido de la belleza externa, la coherencia de elementos,
entre otros.

Estética y arte
En el arte, la estética es la disciplina filosófica que estudia el
significado de la belleza y que permite realizar los juicios
críticos sobre la creación y apreciación de la obra artística en
sus diversas expresiones. Por tanto, como disciplina evalúa las
características y las respuestas sensoriales que generan las
obras en el receptor.
Por su parte, el arte son las diferentes actividades que realiza
el ser humano empleando recursos plásticos, lingüísticos,
musicales, entre otros, con la finalidad de expresar ideas y
emociones.

Valores estéticos
Los valores estéticos son aquellas cualidades que destacan de una persona, animal, objeto,
obra de arte, lugar, entre otros. A través de estos valores se pueden generar opiniones o
críticas sobre el aspecto de algo o alguien y de las emociones provoca. Algunos valores
estéticos son la elegancia, lo sublime, lo trágico, lo equilibrado, entre otros.
 ¿Qué es la Belleza?

La belleza es el atributo que reconocemos en lo bello. Como tal,

algunas de las cualidades que tradicionalmente se han concedido a
lo bello son la armonía, la proporción, la simetría y la perfección, así
como la capacidad para agradar a la vista y al oído, y para cautivar
al espíritu.
La palabra se deriva de bello, que proviene del latín bellus, que
significa hermoso.
En este sentido, una de las características de la belleza es que se
experimenta a través de los sentidos, principalmente la vista y el
oído. Como tal, la belleza es una experiencia subjetiva, que puede variar no solo de un
individuo a otro, sino entre culturas y épocas. Así, no necesariamente dos hombres
evaluarán la belleza de la misma manera: para un alemán una morena latinoamericana
puede resultar mucho más atractiva que las mujeres de su país, mientras que para un
latinoamericano la belleza exótica de una alemana puede ser probablemente más
subyugante.
No obstante, se coincide en que aspectos como la armonía y la proporción de las formas, la
simetría de los rasgos y la ausencia de defectos físicos son característicos de la belleza física
en una persona, entre otras cosas, porque denotan buena salud. La juventud, en este
sentido, es también asociada frecuentemente al concepto de belleza.

Belleza exterior e interior

La belleza exterior se relaciona con el atractivo físico de la persona, y está sujeta, por lo
general, a los cánones de belleza de la cultura donde se desenvuelva el individuo. El canon,
en este sentido, comprende el conjunto de características que una sociedad considera,
convencionalmente, como bellas.

Por otro lado, se ha desarrollado un concepto de belleza interior como contrapuesto al de

belleza exterior. La belleza interior sería aquella que valora factores de índole psicológica,
como la inteligencia, la gracia, la simpatía, la personalidad, la elegancia y el encanto, que no
son evidentes a la vista, pero que son igualmente apreciados como aspectos que otorgan
integridad al atractivo de una persona.

Belleza natural y artificial

Hoy en día es también común hablar de belleza natural para referirse a aquella que se
ostenta naturalmente, sin que se haya tenido la necesidad de pasar por el quirófano para
ajustar ningún desperfecto. En este sentido, se dice que tener belleza de traza es tener
belleza física natural. Lo opuesto es la belleza artificial, en auge actualmente, que implica el
empleo de la cirugía estética para corregir o aumentar algunos aspectos de cuerpo para
hacerlo más bello.

Belleza en el Arte
En el arte, la belleza es aquella que se asocia a un conjunto de principios estéticos
intrínsecos a determinada disciplina artística. En este sentido, la belleza es la mayor
aspiración artística, pues conjuga armonía de formas, impacto expresivo, potencial
simbólico y verdad filosófica dentro de los recursos que ofrecen disciplinas como la música,
la literatura, la danza, la arquitectura, la escultura, la pintura y el cine, con la finalidad de
conmovernos, impresionarnos y deleitarnos.

¿Qué es la Inspiración?

Por un lado, se refiere al aire que se inhala para llenar los pulmones. En un sentido poético,
artístico y del uso de la creatividad se dice que la inspiración proviene de una fuerza divina
que en un momento de éxtasis una persona se expresa de diversas formas de manera genial.
En el segundo caso, la inspiración está vinculada al estímulo espontáneo que surge en el
interior de un artista o creativo. La inspiración no aparece por esfuerzo o voluntad; por lo
tanto, se diferencia del trabajo o del entrenamiento.
Esta acepción del término que estamos abordando es lo que da lugar a la llamada
inspiración artística, la cual tiene su origen en la cultura helénica. En ella existía la figura de
la musa que se consideraba que era la diosa que “llevaba” a los artistas a realizar sus
distintas composiciones y trabajos.
En concreto, en Grecia tenían nueve musas que eran las fuentes de inspiración para poetas,
músicos o pensadores, entre otros. Así, aquellas eran las siguientes:
 Calíope, la musa de la poesía épica y la elocuencia.
 Erato, la de la canción amatoria.
 Melpómene, la de la tragedia.
 Talía, la fuente de inspiración para la poesía bucólica y también para la comedia.
 Urania, la musa de la astronomía y las ciencias.
 Clío, la de la epopeya.
 Euterpe, la de la música.
 Polimnia, la de la poesía sacra y los cantos sagrados.
 Terpsícore, la inspiración para la danza.
Más allá de lo espontáneo de la inspiración, el sujeto puede contribuir a que ésta aparezca.
Cada persona tiene sus rituales o costumbres que lleva a cabo con el deseo de hacer surgir
a la inspiración. Preparar un espacio en la casa, escuchar música, aromatizar el ambiente,
visitar un determinado lugar o viajar son algunas de las conductas habituales para fomentar
la inspiración.

Composición Artística
Es el factor fundamental de un cuadro, en donde el artista
hace juego de su sensibilidad y de su buen ojo para lograr una
distribución armónica y equilibrada de los elementos que la
componen considerando principios y reglas para comunicar y
expresar ideas y sentimientos con efectos agradable al
receptor.
Hablando sobre composición, Matisse decía: “La composición
es el arte de disponer en forma decorativa los distintos
elementos de que dispone el artista para expresar sus
sentimientos”, pero el que resume en pocas palabras y el que
acierta con su definición, fue Platón, que dijo: “Componer
consiste en hallar y representar la variedad dentro de la
unidad”, a esto agregare, que la “Composición en un sentido
más amplio, indica la ordenación de todos los elementos de
un cuadro, en sentido más estricto, suele entenderse como
ordenación de las diversas figuras; es decir, como disposición de masas y líneas que estas
producen y que se halla en el espacio representado”.
La importancia de la composición es absoluta, agrega Jordán.
“Los diversos elementos de la obra, líneas, luces, colores,
tienen que estar preparados en determinado equilibrio para
que produzcan esa belleza: tienen que ordenarse
armónicamente, para que la pintura sea considerada como
tal”. El objetivo de la composición no sólo es buscar armonía y
ordenar los elementos visuales, también pueden ser
discordantes, y producir igualmente belleza y ser realizadas en
diferente formato como los Formatos planos: vertical,
horizontal circular, cuadrado, rectangulares irracionales, en
cruz, triangulares, rómbicos, hexagonales, irregulares,
paraboloides hiperbólicos, y los Formatos tridimensionales.
Actualmente la composición no admite reglas rígidas en el
tema y la forma ya sean bidimensional o tridimensional su
finalidad es transformar en imágenes la impresión que
queremos trasmitir con sensibilidad pura, como también
puede ser opuesto. Miguel Ángel opinaba que la calidad de una obra de arte se debía a la
inventiva y a la rapidez con que se ejecutaba.
CLASES DE COMPOSICIÓN:

La Composición Simétrica: Es cuando el peso visual se reparte

sobre un elemento central que sirve como eje a cuyo lado se
organiza los elementos secundarios que generan proporción y
equilibrio perceptible, esto quiere decir que toda obra se
organiza a base de un eje de simetría central, que divide el
cuadro en dos mitades idénticas, en las que se distribuyen de
forma equilibrada los objetos y figuras. Se pueden mencionar
los tipos de Simetría como: Simetría Axial, Simetría Radial y
Simetría de Traslación.
La Composición Asimétrica o Libre: Es cuando las obras adquieren movimiento y
dinamismo en un sentido de variedad y equilibrio, reduciendo así, la impresión de rigidez
sin perder la unidad y la armonía de la imagen. Su inestabilidad causa mayor atracción en
el espectador porque se percibe que el eje de simetría está corrido hacia uno de los lados
de la composición. Piet Mondrian fue célebre por su composición asimétrica de forma
geométrica rectilínea y tinta plana en bello equilibrio.
La Composición Piramidal: Consiste en la agrupación de
elementos con orientación lineal oblicua abierta hacía la
derecha consiguiendo que sus figuras fuesen el centro de
atención del cuadro, de tal manera que sus conjuntos
crean dinamismo y se asemeje a una forma triangular, de
esta manera generamos mucha fuerza que se convierten
en focos de atención para las miradas provocando
inestabilidad.
Composición de Forma Triangular: Composición clásica
que da una sensación de equilibrio facilitando el sentido
de unidad visual y que va ordenado hacía una cima
dando la forma triangular. Ejemplos de este tipo de
composición se aprecia en las obras: Leonardo da Vinci.
“Virgen de las Rocas”. En escultura la composición
piramidal de La Piedad de Miguel Ángel.
Composición en X: Son disposiciones compositivas muy
simples, simétricas y armoniosas que aportan fuerza,
dinamismo y llena movimiento, de elasticidad y profundidad en
su recorrido visual que le da profundidad visual. Ejemplos de
obras con la composición en forma de X tenemos: “Rapto de
las hijas de Leucipo” de Rubens, “El columpio” en 1767 de
Fragonard, y el “Martirio de San Felipe” de Losé de Rivera.
Composición en Diagonal: Son dinámicas que rompe con la
simetría que trazada de forma correcta juegan un papel
importante, ya que la imagen se verá más dinámica,
interesante, de sorpresa, como llena de tensión y profundidad
en su recorrido visual con fuerza visual expresiva. Esta
composición mal elaborada puede generar desequilibrio y ser
poco atractivo. Ejemplos de este tipo de composición
tenemos: composición suprematista de Kazimir Malevich,
supremos nº 56 con una clara diagonal, la Santa Cena de
Tintorretto, La Parábola del ciego de Peter Brueghel, etc.
Composición de Forma de Óvalo: Tienden a crear sensación de
descanso sobre el que se organizan los espacios agrupándola o
situando en su interior los elementos visuales ordenadamente.
Ejemplos sería la pintura: “Descendimiento”, 1436, del pintor
Roger Van der Weyden.
 Ritmo

Se define el ritmo como un flujo de movimiento, generado por la repetición de elementos

visuales iguales o diferentes. Dicho de otro modo, una repetición continua de líneas genera
un ritmo lineal, que dirige la mirada en una dirección. Tipos de ritmos visuales:

1. Una repetición de formas genera un ritmo formal,

donde las formas que ocupan el espacio marcan el
ritmo visual.
2. Una repetición de colores genera un ritmo
cromático, donde la vista es llamada hacia los
diferentes puntos donde los colores se repiten y
llaman más la atención.
3. Y por último tenemos una repetición de
luces/sombras, que generan un ritmo lumínico
(tengan formas y colores diversos, los tonos marcan el ritmo de luces y sombras).
Además, el orden en el que los elementos visuales sean ordenados marcará la velocidad
o intensidad del ritmo que representa.

El Ritmo y La Figuración
La figura humana en movimiento es un tema con mucha
belleza. Puede tratarse de una danza, del modo de
caminar de una persona, de un ejercicio deportivo o
muchas otras actividades que el cuerpo humano puede
hacer. En la representación de estas escenas hace falta
comprender el concepto de ritmo. Son las figuras las que
tienen que dar la idea de movimiento, pero hará falta
una repetición para poder generar el movimiento.

El Ritmo y La Naturaleza
En la representación de la naturaleza también
podemos aprovechar la idea del ritmo y generar
imágenes muy interesantes y bellas.
Una obra de David Hockney, con líneas azules que se
repiten por la imagen y hacia el fondo en un suave
ritmo lumínico y de color, más fuerte en primer
plano, y que se suaviza al fondo por la reducción del
contraste.

El Ritmo y El Arte Abstracto

En la pintura abstracta hay mucho juego de ritmo con
repeticiones de formas, luces, colores, etc. Uno de los
objetivos de Kandinsky en su creación de obras abstractas
era precisamente poder representar visualmente el ritmo
y la música. Encontró en las formas abstractas la mejor
manera de expresarlos, pues el ritmo se puede marcar
mucho mejor si la forma es más sintética.

Cómo darle vida a una Obra añadiendo Ritmos en la Composición

Nuestras decisiones al colocar las formas, luces y colores
deben reflexionarse conforme al concepto de ritmo. En una
obra puede haber más o menos ritmo, desde un ritmo nulo,
por ser una obra muy plana, hasta un ritmo muy frenético, a
base de miles de formas y repeticiones. Según como es el
ritmo que deseamos transmitir, más rápido o lento,
necesitaremos dibujar o pintar esas formas que se repiten.
El ritmo no debe entenderse sólo de un modo global, de todo
el tema, sino también como los pequeños elementos dentro
de la imagen que se irán repitiendo: por ejemplo, las
pequeñas pinceladas que se repiten para representar las
hojas de un árbol, o como en la siguiente obra, las espinas de
un cactus, que al repetirse general un ritmo por toda la imagen.
 Equilibrio
El equilibrio es el principio del arte que se preocupa por igualar las fuerzas visuales, o
elementos, en una obra de arte. El equilibrio visual te hace sentir que los elementos han
sido bien distribuidos, mientras el desequilibrio causa una sensación de inquietud. Las
fuerzas visuales se pueden distribuir igualmente a cada lado de un eje central. Un eje central
es una línea divisora que funciona como el punto de equilibrio en una balanza. Este eje
puede ser vertical u horizontal.

El equilibrio formal
El equilibrio formal sucede cuando elementos muy
similares están colocados a lados opuestos del eje. Es el
tipo de equilibrio más fácil de reconocer y de crear. La
simetría es un tipo especial de equilibrio formal en el que
las dos mitades de una composición equilibrada son
reflejos idénticos. La simetría nos atrae, pero puede ser
rígida y formal. Muchos artistas evitan aburrir al
observador al añadir pequeñas diferencias, creando una
simetría aproximada. Una variación compleja de la
simetría es el equilibrio radial, en el que las fuerzas o los
elementos de un diseño se extienden desde un punto
central. El equilibrio radial aparece mucho en la
naturaleza y se usa frecuentemente en la arquitectura y
en la cerámica.

El equilibrio informal
El equilibrio informal parece más realista que el equilibrio
formal porque está más cerca a lo que aparece en la
naturaleza. En vez de consistir en mitades o lados iguales,
cuenta con una distribución artística de objetos que los
hace parecer equilibrados. El equilibrio informal, o la
asimetría, supone un equilibrio entre objetos disimilares.
Para lograr el equilibrio informal o un efecto más casual,
los artistas deben considerar el peso visual, o la atracción,
que tienen los elementos en una obra de arte para los ojos
del observador. Hay seis factores que afectan el peso
visual.
1. El tamaño: Una forma grande parece más pesada
que una chica.
 2. El contorno: Un objeto con un contorno complicado parece más pesado que uno
con contorno sencillo.
3. El color: Colores de alta intensidad tienen más peso visual.
4. El valor: Cuanto más fuerte que sea el contraste de valor entre un objeto y el fondo,
más peso visual tiene el objeto.
5. La textura: Un objeto con una textura áspera parece más pesada.
6. La posición: Un objeto chico que está lejos del área dominante de una obra puede
parecer igual de pesado como un objeto grande cerca del área dominante. Al
mantener en cuenta estas diferencias, los artistas pueden crear obras que parecen
naturalmente equilibradas.

Las calidades expresivas del equilibrio

El tipo de equilibrio que usa un artista para organizar una obra de arte afecta los
sentimientos que expresa la obra. Para expresar un mensaje de dignidad y de estabilidad,
un artista puede usar el equilibrio formal. Los edificios oficiales muchas veces están
organizados con equilibrio formal, para dar a entender que los negocios que se conducen
allí son serios y solemnes. Con el uso la simetría aproximada, los artistas pueden comunicar
la estabilidad, pero evitan la formalidad rígida de la simetría pura. La simetría radial
normalmente aparece en las artes decorativas, pero se puede usar en la pintura para atraer
atención a una parte importante de la obra. El equilibro informal se usa para dar una calidad
natural a ciertas obras, por ejemplo, a los paisajes. Los arquitectos también usan con más
frecuencia el equilibrio informal. Cuando se usa en el diseño de casas de una familia, este
tipo de equilibrio comunica la idea de una vida informal.
 Estructura

La estructura consiste en una disposición organizada de líneas que tienen como fin la
distribución de masas, tonos y colores con un efecto unitario y preconcebido. se disponen
los elementos para que obtengan mayor valor estético. su función es parecida al esqueleto
humano, sin ella la obra se derrumbaría.

Estructura Formal
Uno de los componentes de la estructura formal es la Sintaxis de la Imagen, y se refiere a la
composición, ésta nos ayuda a dar lectura rápida a una obra, por la organización y el orden
que encierra, en la sintaxis están presentes la geometría y el número, el color, la forma, la
línea etc.
Otro componente de la estructura formal es la morfología, o estudio de las proporciones.
De acuerdo a la historia de los cánones humanos en la proporción del cuerpo humano ha
habido una constante a través de los tiempos que permanece vigente, de ahí la necesidad
de que el artista estudie y domine las proporciones como parte del alfabeto visual antes de
cualquier intento de creación artística, el artista crea un lenguaje, pero debe aprenderlo
antes de poder hablarlo
Dentro del análisis formal es necesario el estudio del color y sus significados, conocer la
métrica del color, las escalas, la armonía y contraste, las superficies proporcionadas de
acuerdo a la longitud de onda, etc., para poder aplicarlo. La forma es la parte de las artes
visuales que se relaciona con las ciencias, sobre todo con las Matemáticas, la Geometría, la
Anatomía, la Fisica, etc.

Estructura Significativa
La estructura significativa, por su parte, encierra la propuesta o el contenido del producto
artístico, y está relacionada con la realidad, es en la estructura significativa donde el
conocimiento teórico nos lleva a tomar conciencia del momento histórico y social que
vivimos, a concebir ideas y a conceptualizar, añadiendo aquello que hace que una obra sea
trascendental, las constantes que Aristóteles llama esencias o universales, y que J. Carlo
Argán ubica el pasado en el presente, es decir, aquello que le da a la obra de arte un carácter
de universalidad y vigencia a través de los tiempos, es aquí donde experimentamos
reacciones sensitivas; donde forma y contenido se complementan entre sí para dar
nacimiento a la creación artística.
 Boceto

el concepto de boceto refiere al esquema o el proyecto

que sirve de bosquejo para cualquier obra. Se trata de
una guía que permite volcar y exhibir sobre un papel una
idea general antes de arribar al trabajo que arrojará un
resultado final.
En un boceto los detalles no están definidos, solamente
insinuados de manera que al realizar la obra definitiva
pueda saberse cuál es la base que se desea plasmar,
digamos que un boceto es sólo la guía de una idea general.
Un boceto puede estar ejecutado a mano alzada sobre papel, utilizando instrumentos de
dibujo básicos como la pluma o el lápiz y la goma de borrar, generalmente sin instrumentos
de dibujo auxiliares; ser un apunte rápido de lo que luego llegará a ser un dibujo definido o
la obra de arte final en sí pero aún no totalmente definida, que se realiza ya con materiales
que nos ayudan a detallar más como pueden ser los pinceles, brochas o espátulas.
Cuando un dibujante o un pintor inicia su actividad creadora
tiene que partir de una idea inicial, la cual se plasma en unos
trazos básicos, es decir, en un boceto. Así, para hacer el
dibujo de una persona de cuerpo entero, un boceto podría
estar formado por un círculo que representa la cabeza, una
línea que representa el tronco y unas líneas
complementarias para esbozar las extremidades. Con estos
trazos se realiza un dibujo base o boceto. A partir de este "esqueleto" inicial, el dibujante
puede ir dando forma y volumen al dibujo. De esta manera, el boceto se convierte en una
referencia que sirve como guía a un dibujante.
Así, de esta manera, nos encontramos documentos gráficos de este tipo en campos como,
por ejemplo, la moda. Y es que es frecuente que los diseñadores y los modistos se
encarguen de plasmar de una manera previa las ideas que les van surgiendo para luego
acometer de una forma mucho más exhaustiva y compleja el conjunto de sus confecciones
que conformarán los modelos de sus nuevas colecciones.
Si bien un boceto no es una obra acabada, en algunos casos pueden llegar a alcanzar un
gran valor artístico y económico, tal y como sucede con los bocetos de los genios de la
pintura.
Clasificación
El boceto se encuentra clasificado en tres formas: Burdo, Comprensivo y Dummy.

 Burdo: Es la primera idea que visualizamos en la mente y la dibujamos a mano sobre

cualquier papel y sin ningún contenido técnico. Su finalidad es plasmar las ideas que
se tienen acerca del trabajo a desarrollar.
 Comprensivo: Aquí las ideas se van ajustando para hacerlas más comprensibles y de
mayor calidad, se utilizan para su elaboración instrumentos técnicos para delimitar
los espacios que ocuparán los textos y las fotografías e ilustraciones.
 Dummy: Boceto de arte final que alcanza un alto nivel de calidad y composición
mecánica de todos los elementos visuales que se usarán en la reproducción, como
fotografías, esquemas a color, tipografía sugerida e incluso el papel que se utilizará
en la reproducción final.
 Dibujo Luz y Sombra

La luz que incide sobre un objeto influye directamente determinando su forma, su volumen,
su textura, su color y su ubicación en el espacio.
Existen 2 clases de iluminación:
La luz Natural.
Es la luz reflejada por el sol y la luna. Se propaga en línea recta y en
sentido paralelo debido a que la fuente de luz está lejos. La luz natural
se proyecta sobre los cuerpos en un ángulo de 45° y arroja formas y
extensión igual es a los cuerpos iluminados, dentro de una habitación.
La luz Artificial.
Es la que produce la luz eléctrica proyectada por lámparas, linternas,
bombillas y la luz de una vela. La luz se propaga en línea recta y en
sentido radial

Las Sombras:
Dan la sensación de volumen en Dibujo y pintura, pueden clasificarse en Propias, Reflejadas
y proyectadas:
Sombra Proyectada de un objeto: La que refleja un objeto sobre la superficie en que se
encuentra ubicado.
Sombra Reflejada: Las que proyecta un objeto sobre otro, son vecinas entre objetos y se
producen sobre la luz reflejada.
Sombras Propias de un objeto: la encontramos en parte donde no alcanza a incidir la luz
directamente, en la cual se crea un area de penumbra y generalmente es menos intenso el
color.
La Luz: permite la visión del contorno, la
textura y el color de los objetos y su
ubicación en el espacio.
Luz Directa: Luz directa es la que procede
de una fuente que tiene energía luminosa
propia. Por ejemplo, la luz del Sol, la de un
bombillo, una antorcha, una linterna.
Luz Reflejada: también llamada luz
indirecta, es la que procede de un cuerpo
que no la tiene propia, sino que la recibe
de otro, al rebotar la luz en él

Brillo: Luz que emite o refleja un cuerpo.

 Ilustración

La ilustración en el mundo del arte es la “estampa, grabado o

dibujo que adorna o documenta un libro”. Esa es la definición
de la RAE, pero una más completa podría ser esta:
La ilustración es un dibujo, pintura u obra impresa de arte que
explica, aclara, ilumina, visualmente representa, o
simplemente decora un texto escrito, que puede ser de
carácter literario o comercial.
Los orígenes de la ilustración – antes de la invención de la “escritura” – se remontan a la
pintura rupestre en Chauvet, Lascaux y Altamira, cuando los artistas paleolíticos utilizaban
carbón y ocre en sus cuevas para ilustrar lo que veían a su alrededor. Históricamente, la
ilustración de libros, revistas y periódicos han sido las formas predominantes de este tipo
de arte visual, aunque los ilustradores también han utilizado sus habilidades gráficas en las
áreas de creación de carteles, anuncios, libros de historietas, animación, tarjetas de
felicitación, tiras etc.

Tipos de ilustraciones
Existen muchos tipos de ilustraciones, pero para empezar podemos describir dos grandes
clases:
Ilustraciones conceptuales: son representaciones metafóricas (no realistas) de escenas,
objetos, ideas o teorías. Las imágenes pueden contener elementos de la realidad, pero en
su conjunto tienen una forma o significado diferente.Ejemplos de ilustración conceptual
incluirían historietas, gráficos, dibujos abstractos…
Ilustraciones literales: estas ilustraciones tienden a representar verdades pictóricas. Aquí
hay generalmente una descripción exacta de la realidad, e incluso si la imagen representa
la ficción narrativa de carácter fantástico o dramática, se hace hincapié en la creación de
una escena que sea creíble. Ejemplos de ilustración literal incluirían los siguientes: foto
realismo, hiperrealismo…
En cuanto cómo se realizan las ilustraciones, volvemos a encontrar dos grandes tipos:
Ilustración tradicional: es el tipo “clásico” de ilustración, en el que se dibuja y pinta a mano.
Ilustración digital: la ilustración digital, en cambio, usa las nuevas tecnologías (a través de
diferentes tipos de software) para la producción de imágenes.
Por último, los campos en los que se emplea la ilustración son muchos y muy variados. Por
poner algunos ejemplos tendríamos:

 Ilustración infantil
 Ilustración editorial
 Ilustración fantástica
 Ilustración para cine
 Ilustración para Videojuegos
 Comic
 Humor gráfico
 Ilustración de portada
 Ilustración para Concep Art
 Ilustración publicitaria
 Ilustración técnica
 Ilustración de moda
 Deconstrucción (Deconstruccionismo)

El deconstructivismo es un movimiento arquitectónico que nació a finales de la década de

1980. Se caracteriza por la fragmentación, el proceso de diseño no lineal, el interés por la
manipulación de las ideas de la superficie de las estructuras y, en apariencia, de la geometría
no euclídea”, El nombre también deriva del constructivismo ruso que existió durante la
década de 1920 de donde retoma alguna de su inspiración formal.
Deconstrucción es un término utilizado por el filósofo postestructuralista, nacido en Argelia,
Jacques Derrida.
Se basa en el estudio del método implícito en los análisis del ensador Martin Heidegger,
fundamentalmente en sus análisis etimológicos de la historia de la filosofía.
Consiste en mostrar cómo se ha construido un concepto cualquiera a partir de procesos
históricos y acumulaciones metafóricas (de ahí el nombre de deconstrucción), mostrando
que lo claro y evidente dista de serlo, puesto que los útiles de la conciencia en que lo
verdadero en sí ha de darse, son históricos, relativos y sometidos a las paradojas de las
figuras retóricas de la metáfora y la metonimia.
Deconstrucción en Moda
Desde el campo de la filosofía, hasta las actuales
pasarelas, el concepto acuñado por el filósofo
Jacques Derrida, que habla de la
“deconstrucción” como el desmontaje de un
concepto o de una construcción intelectual por
medio de su análisis, también encuentra su
efecto en la industria de la moda, con
diseñadores y marcas de indumentaria que desde
la década de los 80 y hasta ahora, se han dedicado a desarmar o descomponer las
estructuras clásicas de una pieza de ropa —tanto en términos de silueta, materiales o
funcionalidad, como en términos de concepto— para descubrir nuevos significados.
La deconstrucción en Moda, consiste en cambiar el
concepto y la funcionalidad de las prendas, salir de
los camones y estereotipos, cuestionarse porque
una manga debe ir cubriendo el brazo y no puede
ser una parte de otro tipo de prenda, mezcla piezas
de sastrería con ropa de punto, revoluciona, el
diseño tradicional y da libertad de molderia para
cubrir cualquier parte del cuerpo.
Revaloriza el uso de las prendas usadas, cambando
su funcionalidad y estructura, creando una nueva conciencia ecológica, todo se puede
transformar y convertirse en algo nuevo y con valor.
La moda deconstructivista se pregunta ¿Por qué un guante solo debe cubrir las manos?
Al utilizar piezas usadas, cada prenda es única e irrepetible, tiene el sello de diseño de autor
 Conclusión

El arte ha sido desde siempre uno de los principales medios de expresión del ser humano,
a través del cual manifiesta sus ideas y sentimientos, la forma como se relaciona con el
mundo.
Su función puede variar desde la más práctica hasta la ornamental, puede tener un
contenido religioso o simplemente estético, puede ser duradero o efímero.
En este trabajo se tocó algunos términos y conceptos importantes del arte y diseño que al
comprenderlos y profundizarlos nos ayudaran al desarrollo de nuestras obras y diseños
futuros.