1.- Explica el origen y las características del Romanticismo.

¿Porque puede
considerarse la primera vanguardia artística, según Calvo Serraller? Señala los
artistas más representativos en Francia, Inglaterra y Alemania.

Con la crisis del Clasicismo, se comienza a desarrollar el arte de nuestra época que en
sentido general llamamos arte contemporáneo, el cual comprende todo lo acaecido desde
aproximadamente los principios del siglo XIX hasta la actualidad. La belleza dejo de ser
objeto principal del arte y las reglas empezaron a cambiar de una forma constante, al solo
dictado de las modas.

Para entender esta revolución permanente del gusto artísticos tenemos que descifrar el
significado del término “moderno”, que significa “lo hecho al modo de hoy”. Un arte
moderno es el que cambia constantemente, pero no cree que haya otros valores más allá
del tiempo o la sucesión de modas. Otro término el de “vanguardia”, alude originalmente
a la parte más adelantada de un ejército, y comenzó a usarse en el mundo del arte a partir
del Romanticismo.

El arte romántico es la primera vanguardia de nuestra época.

Características:

1.- Amplitud cronológica, pues, dependiendo de los países y de la propia personalidad de

los artistas, se pueden extender sus límites cronológicos desde el último tercio del siglo
XVIII hasta casi la primera mitad del siglo XIX... A pesar de ello, el triunfo social del
gusto romántico hay que situarlo en torno a 1830.

2.- Confusión del romanticismo. Actitud de reacción frente al optimismo racionalista de

la ilustración, es decir, frente a la idea de una humanidad definitivamente autosuficiente
gracias a la aplicación de las leyes de la razón. Los románticos desconfían del poder de
la sola razón porque creían que en el hombre ejercía una mayor influencia lo irracional,
los instintos, o lo transracional, los prejuicios, frente a la Razón. Estaban convencidos de
que la inspiración artística solo se producía bajo la influencia de esas fuerzas oscuras.
Dejaron de considerar negativamente las religiones, las tradiciones populares, las
costumbres primitivas, los instintos y los afectos.

3.- Los románticos no solo rescataron el mítico pasado histórico nacional, sino que
también se entusiasmaron con otras civilizaciones y cultural no occidentales, cuyas
marcas diferencias dejaron de considerarse asimismo como rasgos primitivos de
inferioridad.

Calvo Serraller lo considera la primera vanguardia artística por la voluntad imperiosa de

renovación constante de concebir el arte por su capacidad de ruptura con lo
inmediatamente anterior y nada más que por ello. Desde el romanticismo vemos como la
historia del arte avanza a través de sucesivas rupturas organizadas llamadas “movimientos
de vanguardia”, cuyo ritmo se hizo más cada vez más vivo.

Francia: Gericault ( “ La balsa de la Medusa”)y Delacriox ( “ Muerte de Sardanapalo”)

Alemania: Caspar David Friedrich( “El monje junto al mar”)

Inglaterra: Turner y Constable

2.- A partir de su trayectoria artística, explica por qué Francisco de Goya es

considerado precursor del arte contemporáneo.

Goya fue educado e inicio su carrera artística dentro de los presupuestos artísticos y
estéticos del arte tradicional y , tras una ardua y muy apasionante evolución, se convirtió
en pionero de nuestra época.

A Goya, dada la complejidad de su evolución y la potencia de su ingenio, simplemente

no se le adscribe a ningún estilo ni forma pues, habiéndolos experimentados todos, su
obra se proyecta básicamente hacia el futuro.

Goya , aparte de su modesto origen familiar, no fue un artista precoz, ni le fue fácil
triunfar. Fracaso varias veces en el intento de obtener una de las plazas del pensionado de
Roma, por lo que se marchó a Roma con sus propios medios en 1770.

Al regresar con 26 años a Zaragoza, comenzó a abrirse paso profesionalmente en España.

En 1775, se fue a Madrid e intento lograra un reconocimiento en la Corte, porque era la

única forma de triunfar de verdad. La década de su consagración fue la de 1790, que es
también la de su madurez biológica y artística.

La obra de Goya dio muestras de genialidad a partir de entonces, donde no solo

perfecciono sus conocimientos artísticos entre los mejores , sino que también trabo
relación con el núcleo de intelectuales de la ilustración española.

Desde el punto de vista artístico, la primera tarea que le fue encomendada era la modesta
de pintar cartones para tapices, donde la temática erra impuesta y había que atender a las
limitaciones técnicas que imponía una obra pensada para trasladarse al tejido.. Goya
comenzó a dar muestras de sorprendente brillantez. Por otra parte, los temas propuestos
por la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara estaban cambiando. Se trataba, de
escenas populares de naturaleza lúdica donde se buscaba mostrar el lado más positivo de
la vida de la gente común. Era una temática que convenía bien a Goya, hombre de pueblo
y que se sentía cerca de él. Entre la última serie de estos cartones nos encontramos con
verdaderas obras maestras del género: La nevada, El albañil herido, La gallina ciega.
Durante esta primera fase madrileña se hace muy consciente de su genio que va a estallar
en la década de 1790.

Antes de esta fecha obtuvo un puesto en la Academia de San Fernando y el nombramiento

como pintor de cámara del rey.
En 1792, coincidiendo con una grave crisis de salud, Goya manifestó el deseo de hacer
una obra completamente personal. Comenzó a parecer un judo de fantasía inspirado en
la realidad, Todo ello lo vemos en los grabados titulados Caprichos.

Pero ¿ porque esta súbita irrupción del genio goyesco?, las razones podrían ser: su terrible
enfermedad ( perdió el oído), desengaño amoroso que padeció con la duquesa de Alba,
crisis biológica de la madurez del artista ( cumplía 50 años), la revolución francesa (
persecución política de los defensores de los cambios y novedades, entre los que se
encontraba Goya.)

Goya es nombrado director de pintura de la Academia de San Fernando, primer `pintor

de cámara del rey y se erige en la figura capital del arte español de ese momento., pero
estos honores lo disfruta en medio de unas circunstancias ambientales frustrantes y
peligrosas : invasión napoleónica, Guerra de la independencia, regreso de Fernando VII
al trono español. En 1823 se marchó al exilio muriendo en 1828 en Burdeos..

La obra realizada por Goya durante este primer cuarto del siglo XIX fue de tal calibre que
no solo adelanto muchos de los temas del entonces naciente Romanticismo, sino que
ilumino el arte y la conciencia de toda nuestra época contemporánea. En este tiempo
realiza las otras tres series de grabados que completan la primera de Caprichos y pinto las
sobrecogedoras escenas de la sublevación del 2 de mayo de 1808 y la posterior masacre
del 3 de mayo. Es el momento también en que pinto las espeluznantes Pinturas negras
que decoraban los juros de su casa y el de muchos retratos de sorprendente modernidad.

La obra de esta última etapa de su vida influyo en las sucesivas vanguardias artísticas
posteriores, empezando por la de los románticos, pero llegando hasta los impresionistas.

3.- Explica el nacimiento y desarrollo del Realismo en su contexto social.

En 1848, Karl Marx publica el Manifiesto comunista, donde proclama la futura
hegemonica del proletariado y define al socialismo como una doctrina científica basada
en el materialismo histórico. En ese mismo año se produjo en Francia la llamada
Revolución de 21848, que se caracterizó por el protagonismo que tuvieron los grupos
obreros organizados. Aunque esta termino con la subida al poder de luisa Bonaparte, que
constituyo el segundo Imperio, se inició la era de las agitaciones sociales revolucionarias.

En el terreno del arte, estaba dominado a partir de la década de 1840 por grupos que se
autoproclamaban “ realistas”. En la exposición Universal de Paris de 1855, el más
señalado representante de estos nuevos artistas, Courbet, se construyó un pabellón
particular y puso en el cartel de la entrada : “El Realismo”.

Courbet y todos aquellos que usaron dicho termino en la época, entiende por realismo una
reacción frente al movimiento romántico que, en principio, se evadió de la realidad en
pos de la imaginación y se declaraba rabiosamente subjetivo.

Pero si el realismo fue anti romántico, una de sus preocupaciones fundamentales fue
cumplir con uno de los preceptivos generales que se había planteado el arte de la época
contemporánea en su lucha modernizadora, fue la que califico Baudelaire como “ el
heroísmo de la vida moderna”. Este demandaba que los artistas se ocuparan de la realidad
contemporánea cuyo escenario privilegiado era ya la ciudad, en vez de seguir
inspirándose en épocas del pasado y considerar que los protagonistas de los cuadros
debían vestiré con túnicas griegas. Lo que planteaba era la modernización de los
contenidos. La obra de arte se inspirara en la vida presente.

Estos realistas querían para su arte la realidad toda y no solo algunos de sus aspectos más
amables o singulares.

En el realismo, convergieron muchos aspectos: el positivismo filosófico, la ciencia, el

socialismo, el nuevo estilo de vida urbano o la fe ciega en el progreso. Era el arte de una
sociedad que veía, sentía creía, pensaba y soñaba de una forma nueva.

Cuando se consulta un Manuel de arte o de literatura de la segunda mitad del siglo XIX
se encuentra con una sucesión de movimientos: Realismo, Naturalismo, Impresionismo
y Posimpresionismo. Todos estos movimientos giraron polémicamente sobre una misma
cuestión: el realismo. Pretendieron defender la primacía de la realidad en el arte, aunque
su forma de enfocarla fuera distinta. La realidad y el realismo son los términos modernos
claves para entender la evolución de las vanguardias artísticas de esta segunda mitad del
siglo XIX.

Courbet: prefirió relacionarse con los grupos de la bohemia rebelde y frecuentar los cafés
donde se discutían las nuevas ideas. Fue allí donde no solo adopto el credo realista, sino
que congenio con los revolucionarios socialistas y anarquistas.
Fue un notable pintor, cuyas obras estuvieron siempre rodeadas de polémica. Infatiglable
estudioso del arte, empleándose con denuedo en la copia de los viejos maestros, en
especial los naturalistas del siglo XVII como Caravaggio y Velazquez. Su paleta
cromática, basada en el predominio de colores negros y pardos, fue española.

Esta técnica pictórica se trasluce desde sus primeras obras, pero irrumpió con fuerza en
el mundo artístico al presentar una serie de obras monumentales en el salón de Paris de
1850, entre las que se encontraba “ Un entierro en Ornans”.

Aunque muchas de sus composiciones eran de asuntos campesinos, no rehuyó los temas
urbanos dándoles una soterrada significación política.

Fue también un formidable paisajista y un no menos audaz y brillante pintor de desnudos

femeninos.

4.- Explica las diferencias entre los artistas franceses más representativos del
Realismo (Courbet,Daumier y Millet)

COURBET MILLET DAUMIER

Más áspero y rebelde Filtro idealista Simplificación grafica
Retrata el espíritu de la Retrata a la gente humilde Sus temas se relacionan
clase burguesa provinciana y campesina en un gesto de con la sátira social,
con todos sus agobiantes admiración por la gente especialmente con la crítica
valores morales e pobre del mundo rural al funcionamiento de la
ideológicos. justicia
“Entierro en Ornans”
Pinta sin teatralizar Tono a ratos sentimental de Utiliza la caricatura
sus obras
Su ojo se comporta como el Menos comprometido con Muy comprometido con la
de un fotógrafo la situación social que situación social
Courbet y Daumier.

“El Angelus”
Pintura sombría y dolorosa
“Los picapedreros”
Muy comprometido con la
situación social

5.- A partir de su trayectoria artística, explica la importancia de Manet como figura

clave en el arte moderno.
La trayectoria de la pintura moderna comienza con Manet.

A Manet debemos atribuir el nacimiento de la pintura sin otra significación que el arte de
pintar y que es la pintura moderna.

Manet se separa del realismo en que prescinde del contexto, tiene el poder de situarlo en
otra parte. Los golpes de color acentúan la cualidad de naturaleza muerta”. No importa
quien, no importa que, sea lo que es, es la fuerza de la pintura.

Manet ignora el espacio, rompe con la representación, inventa un lugar más allá del
espacio físico, cerca de lo onírico he imaginado. Sus sujetos pertenecen a una atmosfera
propia.

Manet encarna una versión muy distinta, virtualmente opuesta al realismo. Manet
representa una visión distanciada y analítica. Para Manet lo moderno estriba, más que en
determinados temas, en disminuir la importancia del tema. Tratará las figuras humanas
como objetos de un bodegón.

“ Un bar del Folies-Bergère”

6.- Explica el origen y las características de Impresionismo. Señala los artistas más
representativos.

Es el “ismo” del arte moderno con el que todo el mundo se siente cómodo. Dentro del
contexto del arte moderno, ,os más tradicionales consideran que los impresionistas fueron
el último grupo de artistas que produjeron arte “como es debido. En realidad, eso no es
del todo cierto.

Los impresionistas fueron el grupo de artistas más radical, rebelde, combativo y rompedor
de toda la historia del arte. Arrastraron penurias en vida, humillaciones en su labor y
fueron perseguidos por su modo de entender el arte. Rompieron las reglas, se bajaron
metafóricamente hablando los pantalones antes de ponerse manos a la obra como
instigadores de esa revolución que ahora llamamos arte moderno. Con ellos llego el
escandalo al arte. A los artistas modernos les interesaba experimentar con lo nunca hecho
antes, ir a contracorriente.

Los que de un modo genuino podemos considerar técnicamente impresionistas eran,

quienes continuando con la actitud de los paisajistas del >Realismo, centraron toda su
atención en los aspectos lumínicos, en captar al instante.

El impresionismo y su entorno, fue el primer movimiento que modernizo la forma. El arte

de vanguardia pasado a ser un ejercicio formal. También cerraron la etapa realista
llevando hasta las últimas consecuencias al realismo y Naturalismo.

Características:
1.- fugacidad: El impresionista se interesó por aquello que cambia, la fugacidad de la luz.
La importancia no es la idea o el objeto, es reflejar el momento. Captar la sensación de
un instante fugaz, sin afán realista. Sentido de lo mutable.

2.- No representan escenas concebidas a priori. No piensan el cuadro, sino que van al
lugar y lo pintan

3.- temática moderna. Representan momentos de placer y diversión.

4.- Pintura al aire libre. Renoir destaca la aparición de los tubos de pintura, los colores al
óleo, lo que facilitaba la fugacidad de la pintura. “ sin tubos no hubiera habido
impresionismo”. Atención preferente a la luz, al aire y a la atmosfera.

5.- Pincelada rápida y abocetada. No trazo matizado sino rápidos para captar el momento.

6.- Sensación de experimentar la obra en lugar de contemplarla.

7.- Grandes investigadores del color. Trabajaban el color de forma científica, de manera
consciente. Los colores no son realidades estables, inmutables, dependen de la
percepción, es una experiencia subjetiva. El color cambia en función de la luz.

- Pintores más representativos:

Claude Monet , Pisarro y Sisley, impresionistas puros

Del resto de los artistas de la época:

- Los nacidos entre 1830 y 1840: Los impresionistas circunstanciales:

manet, degas,Renoir,Cèzanne,Bazille,Morisot
- -Los nacidos posteriormente: Gauguin, Van Gogh,Seurat,Signac y
Toulouse-Lautrec, son claramente posimpresionistas o anti
impresionistas.

7.- ¿ Por qué Degas, Renoir o Cèzanne fueron impresionistas “circunstanciales”

frente el impresionismo “puro” de Monet?

Los impresionistas evolucionaron hacia distintos estilos individuales y compartieron

como grupo sus experimentos sobre el color. Todos, sin ser propiamente impresionistas,
por lo menos durante algunos momentos tuvieron concomitancias más o menos directas
con el impresionismo.

Sólo Monet fue ortodoxo en la aplicación de la teoría impresionista.

Degas: Trabajaba a partir de estudios previos, con deliberación académica. Lo que hago
es el resultado de la reflexión y del estudio de los grandes maestros; de la inspiración, la
espontaneidad, el temperamento, no sé nada”.

Participo en la mayoría de las exposiciones del grupo impresionista, aunque su estética

poco tiene que ver con el paisaje al aire libre ni su estilo se puede considerar impresionista
en sentido estricto.

Dedico muchos estudios y cuadros a los espectáculos: el ballet y la ópera, el music-hall y

el circo., y las carreras de caballos. No muestra casi nunca a los animales al galope.

Destaca a menudo en su pintura la presencia del suelo, visto desde arriba.

La composición asimétrica en diagonal y el desplazamiento de las figuras hacia el rincón,

crea un efecto inestable, de impresión casual, instantánea. Tal efecto suele atribuirse a la
influencia de la fotografía y de las estampas japonesas

Degas nunca dejo de experimenta materiales.

Renoir: Aplico la visión impresionista a la figura humana, y especialmente al desnudo.

En sus desnudos, le interesan sobre todo los efectos de la luz sobre la piel. Renoir juega
con una iluminación irregular, con las manchas de luz salpicadas a través de las hojas,
que fragmentan las formas y modifican los colores locales.

Cezanne: pertenece a la generación de monet y Renoir, pero su obra de madurez no puede

considerarse impresionista. Fue el primero en volver al autorretrato. Suele pintar paisajes
sin figuras.

Desde comienzos de los años setenta la pincelada o el toque de espátula tiende a ser
rectangular y regular. Hacia 1877-1878, las pinceladas son de forma y tamaño constantes,
ordenadas en la misma dirección. Aunque dedico al paisaje la mayor parte de su obra, la
inmovilidad del bodegón era el terreno más doneo para su interés por la composición y
su lento proceso de trabajo. Como en sus paisajes, el espacio tiende a estructurarse en
planos superpuestos, en severas horizontales y verticales.

Monet: sus elementos son el agua y los aires. En los escenarios rústicos de Monet pululan
turistas y domingueros.

La Grenouillere era un paraje cercano a parios, cuyo embarcadero y restaurante

frecuentaban los habitantes de la capital. Allí pinto varios cuadros Monet, y allí cristalizo
la visión impresionista. En estas obras , ele elemento principal es la superficie del agua.
Los reflejos acuáticos se convierten en el principio mismo de la visión impresionista. Ese
ambiente vibrante no puede expresarse con tintas uniformes: requiere toques sueltos de
colores, una pincelada fragmentada.

Monet acentuó la disolución de las formas.

La cotización y la fama de Monet crecieron sobre todo desde su exposición con Rodin en
1889. Por entonces, iniciaba también sus grandes series, culminación de su interés por lo
instantáneo y la atmosfera. Monet convierte la práctica de pintar un mismo paraje a
distinta hora o en diversas estaciones.

8.- Explica la reacción anti impresionista en el arte

Último tercio del siglo XIX, revisión completa de valores burgueses: optimismo y fe ciega
en el progreso. En torno a 1880, reacción contra el binomio Naturalismo-Impresionismo.
Defensa de lo espiritual=EL SIMBOLISMO.

En 1884 se publica la novela Al Revés de Huysmans, que puede considerarse casi el

manifiesto del nuevo clima de pesimismo y decadentismo.

Una obra de arte simbólica es la que tiene un mensaje, por tanto, no es pura en cuanto a
basarse exclusivamente en sus valores plásticos. Vuelve sobre la relación tradicional entre
arte y literatura. Se pretendía que el mensaje fuer, además, espiritual y transcendente,
evocador de otros mundos diferentes al real que no podía controlarse con la razón y la
ciencia.

- Renovación de valores religiosos.

- -interés por lo misterioso y esotérico, oleada de irracionalismo.
- - se cultiva el mundo interior, subjetivo, individualismo y aristocrático.
- -cruzada contra la vulgaridad, la odiosa cultura de masas y su feroz
igualitarismo, su culto al dinero.
- - clima de pesimismo, que llevo a muchos al suicidio, la locura, la bebida.

Artista que poco tiene en común más que la época y rechazar la imitación de la realidad:
Moreau, Redon, Munch, Klimt

Otras formas de reacción antiimpresinista a partir de 1880.

El termino posimpresionismo lo invento el conservador y crítico de arte Roger Fry en

1910, para poner título a una exposición en Londres de artistas franceses: Manet y los
posimpresionistas (Cezanne,Gauguin, Seurat, Van Gogh).
El posimpresionismo era según Fry, el descubrimiento del lenguaje visual de la
imaginación.

9.- ¿En qué consistió el Neoimpresionismo o divisionismo? ¿Quiénes lo practicaron?

Consistió en una división del tono.

La división del tono pretende basarse en un análisis riguroso de sus componentes:

1.- El color local de cada objeto(es decir, el color que tomarían la luz blanca y visto de
cerca)

2.- la parte de luz coloreada que se refleja, sin alteración, sobre la superficie (normalmente
un naranja solar)

3.- la pequeña cantidad de luz coloreada que es absorbida en parte por la superficie y se
refleja modificada

4.-los reflejos proyectados por los cuerpos vecinos

5.- los colores complementarios ambientes.

Todos estos constituyentes cromáticos se ponen en toques separados y yuxtapuestos sobre

la tela, esperando que se mezclen en la retina del espectador. Tal seria la mezcla óptica,
que permitiría ganar luminosidad respecto a la mezcla de los pigmentos en la paleta.

A los neo impresionistas de les llamo “puntillistas” ( nombre que rechazaba), por su
ejecución a base de pequeñas pinceladas en forma de punto. Con ella querían , ante todo,
normalizar las dimensiones de la pincelada, reduciéndola a una especie de unidad atómica
constante. Esta especie de pincelada digital, numérica, tenía que permitir, dosificar con
exactitud las proporciones de los componentes cromáticos.

El pequeño tamaño de los puntos estaba destinado a favorecer la mezcla óptica y la

vibración en la retina del espectador. Lo que podrían aparecer inconvenientes de la
ejecución “puntillistas”, no lo eran al aparecer para los neo impresionistas, que se jactaban
de haber erradicado el virtuosismo manual de la pintura, en arar de la pura visión.

Lo practicaron los siguientes pintores: Seurat (Circo), Paul Signac (Puerto de Marsella),
Pisarro, Matisse.

10.- Explica la evolución del paisaje como género pictórico desde el Romanticismo
hasta el Impresionismo.
La enorme proliferación del paisaje en la pintura del Romanticismo británico, nórdico y
alemán es un síntoma claro de la nueva relación que establece el artista con su entorno
natural. Cuando en 1824 Constable expuso en el Salón de Paris, su técnica vibrante y
luminosa fue admirada por Gericault y Delacroix.

En Constable vieron una naturaleza antes nunca vista. De su pintura brotaban los placeres
del paseo rustico, de la contemplación de la realidad común y de las sensaciones físicas
que esta nos produce. Constable hacia que el observador del cuadro fuera descubriendo
las escenas representadas, tal y como el paseante pintoresco descubría las delicias del
campo.

Constable defiende que la fuente esencial de un artista debe ser la naturaleza, de donde
directamente ha de elaborar sus bocetos al aire libre sobre los que luego compondrá el
cuadro.

Que el pintor se ocupara de representar lo efímero, amorfo y circunstancial, era entonces

casi un atrevimiento con la tradición académica, que evitaba precisamente aquello que
define el comportamiento de la naturaleza, su carácter mutante, transitorio y,
aparentemente caótico.

Constable concibió la pintura de paisaje bajo esta óptica: “una ciencia que debía ejercerse
investigando en las leyes de la naturaleza. Pero si esta actitud empírica abre las puertas
del arte a la verificación, no llega a evolucionar hacia una naturaleza plenamente
romántica, esto es, la que desestabiliza, caótica o sobrenatural, apostada por
desmaterializar al objeto representado por convertirlo en una percepción del sujeto
creador. A ello se llegara a través de lo sublime.

Los pintores emprendieron una larga búsqueda de lo sublime en la naturaleza. Lo sublime

se vino a relacionar con todo aquello que por su magnitud o carácter era capaz de
impresionar sobremanera a la imaginación, despertando sentimientos de miedo, vértigo,
vacío e infinitud en el sujeto. Que las montañas y precipicios fueran uno de los temas
favoritos de los paisajistas románticos (Turner, Blechen, Koch), se explica por la
disparidad de emociones que surge de la contemplación de lo sublime, pues el vértigo tan
pronto nos repele como nos atrae al abismo. Friedrich, añade un valor místico y simbólico
a la naturaleza, a la que representa mediante imágenes-concepto. En su “Abadía en un
robledal”, divide el cuadro en varios planos, atribuyendo a cada uno de ellos una
naturaleza distinta.

La aportación mas importante que este pintor hizo a la pintura de paisaje se resume con
sus palabras: “un pintor debe pintar no solo lo que ve ante sí, sino también lo que ve en
el interior de sí mismo”.

De esta, manera y al contrario que la mayoría de los paisajistas románticos, no muestra la

sublimidad en los paisajes que pinta, sino en los efectos subjetivos que estos producen en
el espectador. Para ello exige que el observador real (nosotros) se identifique con el
representado y sienta con él. (El monje frente al mar).
El paisaje cobro una importancia excepcional a partir del Romanticismo, convirtiéndose
en el tema pictórico más relevante. Según fue transcurriendo el siglo XIX, no solo no se
cambió esta orientación sino que se multiplicaron cada vez más los paisajistas. Ahora
bien, si la importancia del paisaje como género no disminuyo, si cambio por completo
respecto a la interpretación que hacían los románticos y en su forma de representación
pictórica. Para el pintor romántico, la naturaleza era divina y, cuando se enfrentaba
directamente con ella, no le interesaba tanto lo que físicamente veía, sino lo que
emocionalmente sentía y lo que se creía capaz de descifra en ella del lenguaje inscrito
ello por dios, los mensajes de éste, sus símbolos. Por ello, nada tiene de extraño que el
paisaje romántico no tuviera mucho parecido con la realidad física que lo había inspirado
y que, por tanta, más que proporcionarnos un conocimiento exacto de un paraje nos
revoque sensaciones y sentimientos místicos y subjetivos.

Lo que va a ocurrir a continuación como reacción frente a este tipo de paisaje no puede
medirse solo por la recuperación de una visión y una vivencia comparativamente más
exactas de la realidad tal y cual o por darnos una visión más natural de la naturaleza, sino
también porque despoja al paisaje de todo simbolismo y con ello lo convierte
progresivamente en un tema insignificante, neutro, sin contaminación literaria alguna,
resultando así algo muy adecuado para la exportación de los valores plásticos puros. De
ahí viene la importancia estratégica fundamental que va a tener el paisaje en el desarrollo
del arte moderno inmediatamente anterior a las vanguardias del siglo XX, cuyo
formalismo se apoyó, en lo que al respecto lego el Impresionismo, un movimiento
esencialmente de paisajistas. Pues bien, un eslabón fundamental en esta historia lo
constituye la corriente de paisaje realista y pre impresionista, el de los miembros de la
Escuela Barbizón y el de los llamados pintores de las Escuelas de Le Havre y de
Provenza...

Corot es una figura artística excepcional, un paisajista cuya obra en cierta manera llena
todo el siglo XIX. Su prolongada existencia le permitió conocer y aprovechar algo de
todos los sucesivos movimientos vanguardistas del siglo XIX, desde el neoclasicismo al
Impresionismo. Pero su aportación principal consiste en haber servido de enlace entre la
desaparecida tradición del paisaje clasicista, la del paisaje naturalista y todos los
complejos y variados modernos avatares del paisaje contemporáneo. Pero tenía además
un sentido moderno de la naturaleza, que recorría sin cesar tomando apuntes del natural,
y fue un portento en la captación de la luz, lo que le cualifico en particular para adelantarse
en muchas cosas a la revolución de los impresionistas.

De todas formas, el núcleo esencial del paisaje realista es el que formaron los paisajistas
de la Escuela Barbizón.

En la segunda mitad de la década de 840 el paisajista Rousseau, que tuvo la iniciativa y

actuó como jefe de grupo, decidió instalarse en ese bello y áspero paraje junto a un grupo
de seguidores (Troyon, Dupre, Diaz de la Peña...)

Contrarios a la enseñanza clasicista y a la idealización romántica, estos pintores no solo

aprovecharon la lección naturalista de Constable, sino que se sumergieron en medio del
paisaje e inauguraron esa costumbre de “pintar sobre el motivo”, directamente del natural.
En su pintura son frecuentes las grandes panorámicas de valles majestuosos, los tupidos
bosques invernales de árboles deshojados y con formas expresionista y dramáticas, las
charcas pantanosas de aspecto muy salvaje, o bien monumentales perspectivas del cielo
crepuscular. Dos estos motivos mantiene algo de romántico.

Las circunstancias obligaron a estos pintores a agudizar la observación directa y empírica,

extrayendo la anónima vida del bosque, sus cambiantes luces y feraz fertilidad orgánica,
tan rica en variados aspectos, así como otras dimensiones de la vida cotidiana rural, sus
gentes y sus ganados. En cualquier caso, llevaron a cabo una genuina aproximación
directa a la naturaleza y es muy significativa la atracción que por ellos sintieron los
jóvenes representantes de la generación impresionista que, como otros muchos artistas
contemporáneos, creyeron necesario vivir ellos mismos personalmente la experiencia.

No mucho después se produjo un fenómeno parecido con otros paisajistas que aplicaron
esta experiencia de vivencia directa de la naturaleza y su correspondiente pintura sobre el
motivo al paisaje de la costa.

No formaron ningún grupo, pero la coincidencia de su temática, y la búsqueda conjunta

de parajes era pintar, explica por qué después se les ha encuadrado con el nombre de
escuela. La más importante es la escuela de Le Havre.