Universidad de los Andes

Facultad de Humanidades y Educación

Escuela de Educación
Educación Básica Integral
Asignatura: Arte y Expresión

Trabajo Individual
Técnica Muppets – Aplicación de Formación Estética
Auditiva

Br. Andrea Dávila

C.I: 26.052.183
Animadora Pedagógica: Betty Osorio
Mérida, Marzo, 2018
 Índice
Introducción

1 Técnica
1.1 Técnica Muppets
1.2 Materiales
1.3 Instrumentos
1.4 Procedimiento
2 Aplicación Formación Estética
2.1 Aplicación Formación Estética Auditiva
2.2 Teoría – Solfeo
2.3 Instrumentos Musicales
2.3.1 Clasificación de los instrumentos musicales
2.4 Composición
2.4.1 Patrimonio Cultural
2.5 Agrupaciones Musicales
2.6 Sonidos
3 Texto Creativo
3.1 Guion Micro de Radio
4 Medios de Comunicación
4.1 Medios de Comunicación Auditivos
4.2 La Radio
4.3 Medios de Comunicación Auditivos y Educación
4.3.1 La música
5 Artes Escénicas
5.1 ¿Qué es el Teatro?
 5.2 ¿Qué es la Opera?
5.3 Teatro Opera
6 Tratamiento Curricular
6.1 Proyectos
6.1.1 Proyecto Educativo Integral Comunitario
6.1.2 Proyecto Pedagógico de Aprendizaje
6.1.3 Proyecto Canaima
7 Tratamiento Pedagógico
7.1 Diseño Hermenéutico
7.1.1 La Investigación o Comprensión
7.1.2 La Interpretación
7.1.3 La Aplicación
7.2 Diseño Instruccional
7.2.1 ¿Por qué el Diseño instruccional?
7.2.2 ¿Cómo desarrollar diseño instruccional?
7.2.3 ¿Para qué sirve el diseño instruccional?
7.2.4 ¿Qué son los modelos de diseño instruccional?
7.2.5 ¿Cuáles son las fases del diseño instruccional?
 La fase de Análisis

 La fase de Diseño

 La fase de Desarrollo

 La fase de Implantación e Implementación

 La fase de Evaluación

7.2.6 Tipos de evaluación en el modelo instruccional addie:

 La Evaluación Formativa

 La Evaluación Sumativa
 7.2.7 Importancia del Diseño Instruccional al crear un programa
de formación en línea

7.2.8 Diseño Educativo

8 Sistema de Inteligencia Aplicada
8.1 Elaboraciones mentales
8.1.1 Asimilación
8.1.2 Acomodación
8.1.3 Adaptación
8.1.4 Equilibrio Conclusión
Referencias Bibliográficas
 Introducción
Los bocones, también llamados modernas marotas o muppets se han
convertido en una de las técnicas de expresión titiritera con más
aceptación y mejores resultados en todo el mundo. Su origen radica en el
teatro de guante pero, a diferencia de éste, las modernas marotas
moverán la boca.

Conocer este tipo de técnica es muy importante ya que en ella se combina

la expresión titiritera junto al marionetismo, dándole al docente un amplio
repertorio de conocimientos que por medio de diversas estrategias pueden
ser aplicadas en el aula.

Por otro lado el desarrollo de la percepción auditiva a través de una

adecuada formación estética auditiva llevara a los niños a perfeccionar las
capacidades relacionadas con la audición, la interpretación y la
composición.

Es importante que los niños crezcan en un ambiente de aprendizaje integral,

donde se integran todas las áreas de aprendizaje y este pueda relacionar
sus conocimientos previos con nuevos aprendizajes, por ello en el presente
trabajo hablaremos sobre el Guion Micro de Radio, el Teatro Opera, los
Medios de Comunicación Auditivo, haciendo una relación de cómo se
podrían integrar estos temas en las áreas de aprendizaje para así ir creando
un aprendizaje integral.

Todo ello englobado dentro del diseño Hermenéutico del cual también
hablaremos, así como también se conocerá sobre el diseño Instruccional y
el educativo, que son base fundamental para el quehacer
educativo. Así también dentro de nuestra presentación indagaremos sobre
los distintos proyectos de aprendizaje, que son importantes ya que en ellos
se planifican las metas para el desarrollo y mejoramiento educativo.
 1. Técnica

1.1 Técnica Muppets

Los muñecos a través de la historia y el lugar en que les toca vivir y

desarrollarse, han derivado en diferentes y múltiples técnicas, así mismo
estilos.
Muppets: De “Marionetts” y “Puppets” son el tipo de marionetas creadas
por Jim Henson y conocidas sobre todo por los programas de televisión
“Sesam Street” y “The Muppets Show”.

La diferencia más notable en relación con otro tipo de marionetas es el

movimiento de sus bocas que se articulan con el movimiento de una de las
manos del titiritero. Esta característica dota a ésta marioneta de una gran
expresividad en rostro, y ésa es una de las razones para su utilización en
televisión. El cuerpo del muppets está soportado por el brazo del titiritero. Y
los brazos son movidos por varillas, desde abajo. En otra variante, una de las
manos del manipulador entra en un guante que forma la mano de la
marioneta.

El títere en escena es visualmente una mezcla de plástica aplicada y un

buen manejo o manipulación, la que no nace por sí sola, sino que se
aprende y se practica es por ello que “la aparente confusión entre causa y
efecto, se disocia en plantear esta unidad entre el objeto (títere) y sujeto
(manipulador), entre el instrumentista y el instrumento he allí el secreto de
éste arte”(Cerda; 1965)De allí que se le pide al manipulador estar
mimetizado hasta ser uno con el muñeco, donde no sabemos dónde
comienza uno y donde termina el otro, es una complicidad que se refleja
en la escena. El cuerpo erguido y las piernas ligeramente abiertas, los
músculos completamente relajados, la mirada del títere siempre en función
del espectador y aludiéndolo a él en primer lugar, es entonces que se tiene
la posición ideal para el animador, Marcel Temporal alude al moviendo
como: “armonía óptica”, esto se refiere a la armonía organizada de cada
movimiento titiritesco, todo gesto en función de una idea o tema central,
ellos no deben ser desvinculados los unos de otros.

Toda manipulación responde a la técnica que se esté aplicando o por la

finalidad práctica que se le desee otorgar, es por ello que debe haber una
complicidad entre lo práctico y lo artístico, es decir, eliminando las
inhibiciones que impidan un manejo fresco, fluido y sin temor al ridículo por
parte de quién opera, al despertar las fantasías del manipulador se puede
fluir en la confección del guion y en la escena misma practicar la
improvisación, e interacción con quién ofrece de público, esto
indudablemente enriquece la imaginación, el movimiento del muñeco se
regula por quién le da vida, por tanto los límites del espacio los define el
operador.

Un buen sistema de manejo requiere de gran sensibilidad del aquel que

imprime la vida sin este ingrediente lo que se desee transmitir no será
efectivo, y por más que se tenga un excelente muñeco y de muy buena
factura no logrará llegar al espectador por el contrario si el manipulador
escoge una piedra y le otorga vida su manipulación sumado a la
sensibilidad que le imprima será sorprendente su efecto en el público. Un
aspecto de suma importancia para un buen desempeño en la
manipulación es sin lugar a dudas la perseverancia
del ensayo frente a un espejo con el manipulador mirando cada gesto con
el muñeco, se sugiere la mirada fija en el títere de esta forma el muñeco
tomará vida.

Los Muppetses una película estado unidensede género comedia estrenada

en 2011, y la primera de los Muppets en el cine después de 12 años. En la
cinta, Walter el aficionado de los Muppets más grande del mundo, su
hermano Gary (Jason Segel) y su novia Mary (Amy Adams) deben recaudar
$10 millones para salvar el Teatro Muppet de Tex Richman (Chris Cooper),
un empresario que planea demolerlo para perforar en busca de petróleo.

La película fue dirigida por James Bobin, escrita por Segely Nicholas Stoller,
producida porMatrtin Baker, David Furnish, Segel, David Hoberman, Todd
Lieberman y John Scotti, y contó con Bret McKenzie como supervisor de la
música. La distribuye
Walt Disney Pictures y fue lanzada en Norteamérica el 23 de noviembre
de2011. La producción se comenzó en septiembre de 2010; se anunció por
primera vez en marzo de 2008 y se estrenó en el Festival de Cine de 6
Savannah, 2011. Además Disney ya está planeando una secuela llamada
"Los Muppets 2".

CARACTERÍSTICAS COMUNES

 Ojos saltones

 Boca grande que se abre y cierra como si de una mano se tratara y que
es totalmente plana por dentro.
 No tienen garganta.

 Tener una sola ceja.

  Caminar como brincando.

 Brazos extremadamente delgados.

 Piel o recubierta de colores (a veces también tienen plumas o pelos).

1.2 Materiales

- Goma espuma (esponja) de 1 cm. de espesor.

- Pegamento de contacto

- Cartulina ilustración

- Tela

- Cartón

- Detalles para decorar (ojos, botones, entre otros)

1.3 Instrumentos

- Cutter
 - Tijeras

- Marcador

-Cinta métrica

-Regla o escuadra

- Aguja e hilo

1.4 Procedimiento

1. Dibuja un molde circular e una de las partes de la

espuma de poliestireno y recórtala con el cuter curvo. Esto
sera la cabeza de tu Muppet.

2. Haz un agujero donde ira la boa y en el cuello donde

gira tu mano. También deberás cortar la mandíbula, la cual
ira separada de la cabeza así podes controlarla con tus
manos.
Puedes cortar la nariz en este paso y luego retocarla para hacerla única.

 Recorta los ojos

 Si quieres que tu mandíbula se mueva libremente, corta del todo la sección

donde ira la misma y has un solapa de cartón.
 3. Colócale la piel. Puedes usar la pistola
encoladora o un spray adhesivo, éste último hará
que se pegue mejor pero es bastante difícil de
trabajar. Corta un retazo de paño del tamaño de la
cabeza y comienza a pegarlo desde el centro de la
cara. Asegúrate de pegar el paño en el sector de los
ojos, siguiendo hacia los extremos, asegúrate que todo el paño quede
pegado al rostro de manera uniforme. Deberás dejar un poco para el
cuello.
 Si has cortado la nariz, deberás colocarla después de haber puesto el paño
en el rostro. Cubre la nariz con paño y luego pegala
 Usa el paño para sostener la mandíbula a la cara

4. Agrega las tapitas de botellas que serán los ojos.

5. Agrégale un poco de cabello utilizando la pistola

encoladora. Pégale un poco de paño negro dentro de
la boca y sobre el un retazo de paño rojo para simular la
lengua.

 Puedes ponerle un sombrero en lugar de cabello si lo

 deseas
6. Para la parte superior del cuerpo, puedes colocarle una camiseta y
encima de la misma una camisa lo cual le dará algo de fuerza al cuerpo.
Pega el cuello a la parte interior de la camiseta y el cuello de la camisa
pegalo al cuello de la marioneta. Si quieres darle más
cuerpo, arruga un poco de periódico y colócalo dentro
de la camiseta o puedes usar algo de espuma de
poliestireno que te haya sobrado para crear el cuerpo
de la Marioneta Muppet.
 También puedes agregarle orejas, cejas, bigote o
cualquier otro detalle que quieres que tu marioneta
tenga. ¿Tal vez un parche en el ojo?

7. Coloca tu mano en paño (asegúrate de colocar tus

dedos juntos o separados dependiendo cuantos dedos quieres que tu
marioneta tenga) Usando una lapicera traza tu mano sobre espuma de
poliestireno, coloca el paño de forma doble y recórtalos. Coselos junto. Has
lo mismo para la otra mano y habrás terminado tu marioneta Muppet.

2. Aplicación Formación Estética

2.1 Aplicación Formación Estética Auditiva

La música es utilizada en la mayoría de las culturas en situaciones sociales
concretas: En la magia, religión, fiestas, ritos, trabajos, en la muerta, guerra y
en el cortejo para cada cosa de estas se provee la música.
La cultura occidental ha creado dos situaciones extremas: El concierto en
que la música solo sirve de oyente, y la invasión musical de los espacios y
ambientes públicos, donde se ha perdido su valor significativo para
convertirse en ruido de fondo. Estos dos casos no impiden si no que
realzan la relación estrecha con situaciones sociales.

Existe por lo tanto la posibilidad de usar la música como signo teatral, pues
las funciones practicas (como crear el ambiente de notar sentimientos
colectivos).

En el concierto, encontramos las funciones simbólicas, por ejemplo, no es lo

mismo interpretar en un concierto que en un funeral, como no es lo
mismo; si se interpreta en una representación teatral. Los griegos crearon
dos mitos acerca de la invención de la música por los dioses: Atenas
inventan a música para expresar el dolor de la hermana de medusa
(expresión de sentimientos humanos). Hermes creo la liria a partir de
caparazón de una tortuga, como resonador del mundo, como el sonido
perceptible de la armonía universal.

Una clasificación de los significados de la música tendría que diferenciar

entre:

 Lo que alude al espacio y al movimiento

 Lo que indica objetos y sucesores en un lugar

 Lo que alude al carácter, al estado de ánimo, a las emociones Lo

que representa y refieren una idea
Culturas ideas, es decir sus valores pueden variar de una
cultura a otra. Para los occidentales los tonos agudos son
claros, alegres y vitales mientras que los graves indican tristeza ocurrida.

2.1 Teoría – Solfeo

El lenguaje musical es el conjunto de signos sonoros y escritos que permiten
la comunicación a través de la música. El lenguaje musical es para la
música lo que la gramática y el vocabulario son para una lengua. El
lenguaje musical es una expresión artística en la que existe una melodía, un
ritmo y un pulso, que en conjunto crean una composición musical o
canción. El lenguaje musical nos ayuda a comprender la música, a leerla e
interpretarla, a escribirla y crearla, pero sobre todo, el lenguaje musical
ayuda a trasmitirla fielmente a través del tiempo y compartirla con todos.

Se denomina solfeo al proceso y al resultado de solfear. Este verbo, por su

parte, refiere a entonar una canción pronunciando las notas y marcando el
compás. El solfeo, por lo tanto, es una forma de entrenamiento que se
desarrolla con el objetivo de aprender entonación mientras se lee una
partitura. De esta manera, no sólo se practica la entonación, sino que
también se adquiere destreza para leer música de manera rápida.

A través del solfeo, la persona entona y recita los nombres de cada nota de
una melodía, teniendo en cuenta el tempo y los valores rítmicos (es decir, la
duración de la nota). De forma simultánea, el sujeto debe marcar el
compás con una mano. Los especialistas afirman que el solfeo ayuda a
comprender la teoría musical, a perfeccionar el reconocimiento de los
intervalos de la música, a determinar la altura de cada nota mientras se las
lee por primera vez y a respetar el ritmo y la dinámica, todos puntos
fundamentales para una correcta ejecución.
 2.2 Instrumentos Musicales

Un instrumento musical es un objeto compuesto por la combinación de uno

o más sistemas resonantes y los medios para su vibración, construido con el
fin de reproducir sonido en uno o más tonos que puedan ser combinados
por un intérprete para producir música.

2.2.1 CLASIFICACIÓN DE LOS INSTRUMENTOS MUSICALES

La clasificación más usada de manera convencional es la de viento,
cuerda y percusión. Viento: saxofón, flauta, clarinete, trompeta, oboe, etc.
 Cuerda: guitarra, arpa, violín, piano (el piano es de cuerda
percutida), etc.
 Percusión: timbal, tambor, platillos, bombo etc.
 Instrumentos eléctricos: bajo eléctrico, guitarra eléctrica, theremín,
sintetizador, etc
2.3 Composición
Se emplea el verbo "componer" para expresar el proceso de creación
musical. Por tanto el compositor es la persona que crea (inventa, escribe,
hace) la música.

La creación musical es una labor muy complicada, pues implica el control

de todos los elementos que participan en la música: el sonido en todos sus
caracteres, la armonía, el ritmo, la estructuración formal, la tímbrica u
orquestación.

A pesar de todo cualquiera puede inventarse una melodía, tararear con

ritmo, dominar alguno de los elementos antes citados pero no controlar
otros. Por eso, dentro de la creación musical encontramos
diversos términos y funciones alrededor de la composición.
Las siguientes entradas simplifican la cuestión,
aproximándose al uso general que reciben estas palabras.

No queremos entrar en cuestiones de calidad; se puede ser un magnífico

artista en uno sólo de los aspectos que tratamos, sin que sea descalificado
por no dominar otros.

- Compositor: Propiamente dicho es quien domina todos los ámbitos de la

creación musical

- Autor: Literalmente es "el que hace". Puede entenderse igual que

"compositor". Sin embargo, en muchas ocasiones, también se dice del que
tiene la idea básica, especialmente la melodía, y deja el resto del trabajo a
otros.

Es el caso de Charles Chaplin, que fue autor de la música de muchas de sus

películas aunque no sabía de música. Cantaba o silbaba las melodías a un
ayudante que las arreglaba y las escribía.

- Arreglista: Implica la transformación de una idea musical. "Arreglo" se

aplica especialmente a transformar una obra para ser interpretada por
otros instrumentos o voces diferentes a las originales. También un "arreglo"
simplifica una obra difícil para poder ser interpretada por aficionados, o con
fines pedagógicos. Y viceversa, se arregla una obra simple dándole una
mayor densidad o desarrollo.

Franz Liszt realizó magníficos arreglos de las nueve sinfonías de Beethoven

para piano solo. Muchas bandas de música tocan arreglos de música
popular; y es costumbre habitual hacer popurrís "arreglando" óperas, ballets,
o bandas sonoras de películas.

- Armonizador: Dentro del "arreglo" implica la

armonización de una melodía, es decir, crear el acompañamiento sonoro
con las técnicas de la armonía. Se encuentra mucho en la música coral,
adaptando canciones populares o ligeras (que son a una sola voz) para ser
interpretada a las cuatro voces de un coro. La mayor parte de la música
ligera y popular actual debe ser armonizada para los grupos o bandas que
las interpretan.

- Orquestador: También dentro del "arreglo". Sólo atañe a la adaptación

para ser interpretado por una orquesta (más o menos).

El ejemplo más famoso es la orquestación que hizo Maurice Ravel de la

obra Cuadros de una exposición de Modest Mussorgski, originalmente para
piano solo.
• Patrimonio Cultural
La música de Venezuela se caracteriza por mezclar elementos españoles,
indígenas y africanos, típico de ser perteneciente a un pueblo
predominantemente mestizo.

• Música folklórica Gaita zuliana

Una música muy popular en Venezuela es la Gaita. Este género, originado
en el estado Zulia, es muy popular durante la época navideña. La gaita,
unida al aguinaldo, conforma la representación nacional de la Navidad
venezolana. Esta música folklórica es una de las principales en este país.

Joropo Llanero

Manifestación musical oriunda de los estados Apure, Barinas, Cojedes,

Guárico, Portuguesa también presente en la parte centro-sur de los estados
Anzoátegui y Monagas. De la misma forma, el joropo
llanero forma parte de la tradición folklórica de los
departamentos del Meta, Arauca, Vichada y Casanare en la vecina
Colombia. La palabra «joropo» viene del arábigo «xarop» que significa
«jarabe» y está emparentado con los jarabes tapatíos y sones jarochos de
México.

Merengue venezolano

En Venezuela existe una enorme gama de merengues -desprendidas, en su

origen rítmico, de la simplificación de las variadas fulías negras de la costa
central del país- que se pueden agrupar en tres grandes grupos: el
caraqueño, el oriental y el larense.

Siendo un género bailable, el merengue venezolano -y sobre todo el

caraqueño- tiene letras de corte costumbrista y picaresco, algunas de ellas
muy subidas de tono, que son el reflejo de las tradiciones, los personajes y
las historias de la época. Cuatro instrumentos solistas conforman la orquesta
que ejecuta el merengue rucaneao: trompeta, trombón, saxo y clarinete;
los cuales son acompañados por el cuatro, el contrabajo, el redoblante y la
charrasca de tapara. La rítmica fue variando y del reglamentario compás
de 2/4, organizado en dos corcheas y un tresillo de negra, a fuerza de baile
y sobre todo de rucaneo, se llegó al singular compás de 5/8 (5 corcheas),
extraña medida que le da esa cadencia característica que lo diferencia de
sus primos caribeños.

Vals venezolano
Aun cuando el vals es un ritmo proveniente de los grandes salones europeos
de los siglos XVII y XIX, una nueva forma de valse surgió durante la primera
década del siglo XIX en Colombia, Ecuador y Venezuela.
Esta nueva forma de vals devino en un aceleramiento en el
 ritmo lo que a su vez produjo vertiginosas formas coreográficas en su baile.
Mientras que en Colombia y Ecuador recibió el nombre de pasillo, en
Venezuela conservó el nombre de Valse o Vals venezolano.

Entre los más relevantes valses venezolanos de están, Dama Antañona

(Francisco De Paula Aguirre), El Diablo Suelto (Heraclio Fernández),
Conticinio (Laudelino Mejías), Brisas del Zulia (Amable Espina), Pluma y Lira
(Telésforo Jaimes), Como llora una estrella (Antonio Carrillo), El Jarro Mocho
(Federico Vollmer) y los mundialmente aclamados valses de Antonio Lauro
(Nº2 "Andreina", Nº3 "Natalia" entre otros).

Música andina

• Bambuco andino: Siendo típicamente andino (estados Táchira, Mérida y

Trujillo), este género musical se localiza también en los estados Zulia, Lara y
Distrito Capital, encontrándose en éstos últimos bajo formas de melodías
románticas. La sonoridad de la palabra «bambuco» evoca en la mente del
oyente cierta cercanía con las melodías africanas. Sin embargo, la realidad
es otra: el bambuco es un ritmo acompasado y cadencioso que tiene su
origen en España y América. Su profunda raigambre en el territorio
neogranadino hace que el bambuco trascienda las fronteras y se arraigue en el
occidente venezolano, específicamente en los Andes y Zulia, donde sufre algunas
modificaciones en los compases y estructura. Cabe destacar que en cada región
adquiere un acento propio de la geografía y las tradiciones.
• Música campesina: Hombre cantando, acompañado de un cuatro, en las
cercanías del Hotel Humboldt, Caracas, Venezuela. La música campesina
es una expresión cultural de los Andes venezolanos (Estados Mérida, Táchira,
Trujillo y parte de Barinas). Se diferencia de la música
llanera en que el güiro sustituye a las maracas y la guitarra
remplaza al arpa. Tanto el cuatro como el bajo son
 utilizados en ambas manifestaciones. Alrededor de la década de 1970, el
género se fue formando con las primeras agrupaciones y fue a través de las
disqueras Divensa en Mérida, Potosí en Táchira y Tamarindo en el Vigía, que
fue evolucionando y se fue dando a conocer. Hoy existe una cantidad
interesante de agrupaciones representativas del género en su mayoría en el
estado Mérida, la zona del Mocotíes y los pueblos del sur, aunque existen
nuevas tendencias en la zona del Táchira, destacándose las agrupaciones
de Pregonero, y San Cristóbal, su instrumentación consiste tradicionalmente
en requinto, guitarra, violín, cuatro venezolano y güiro, algunas
agrupaciones fusionan este estilo acompañándolo con percusión como
congas y timbales.
• Música Tachirense de Raíz: El término “música tachirense de Raíz” fue
implementado a partir del año 2015 por el Músico Miguel Ángel Chacón
Acevedo, Director de la agrupación Los Montañeros y activista del impulso
de los instrumentos Tachirenses y su música; este término se refiere
principalmente a la música de finales del siglo XIX y principios del siglo XX
que marcó la época de oro del bandolín tachirense.
La música tachirense de raíz se compone de varios géneros que se
identifican principalmente por el círculo armónico, el ritmo y el “canto firme
del bandolín”, siendo este último, la melodía característica del género. En
este sentido la podemos dividir en dos grandes grupos; los géneros que se
ejecutan a ritmo de Merengue Campesino y los géneros que se ejecutan a
ritmo de Joropo Andino. Entre los merengues campesinos más destacados
está el pato bombiao, manzanares y bombarda mientras en el ritmo de
joropo andino están la perra baya, el macayao, guariconga, molinera y
guacharaca.
Calipso Guayanés o de El Callao
Ritmo que llegó a la Guayana Venezolana (Estado Bolívar) de la mano de
inmigrantes antillanos que fueron a trabajar a las minas de oro del Callao en
el siglo XIX. El Calipso guayanés de El Callao, cantado tradicionalmente en
inglés, se hace a partir de una batería rítmica de percusión basada en el
bumbac, acompañada de charrasca, campana o cencerro y cuatro
venezolano. Comúnmente se adiciona teclado, bajo eléctrico, instrumentos
de viento, voces masculinas y femeninas. Woman del Callao es
indiscutiblemente el Calipso del Callao más reconocido dentro y fuera de
Venezuela. Serenata Guayanesa junto Un Solo Pueblo y Convenezuela han
sido las agrupaciones que han difundido el Calipso tradicional venezolano
fuera de la región del Callao en las últimas décadas.

Música clásica
Venezuela también ha producido compositores clásicos, tales como Teresa
Carreño12 (renombrada pianista de talla mundial), Felipe Larrazábal,
Reynaldo Hahn (director de la Opera de París), Augusto Brandt, Prudencio
Esaá, Juan Bautista Plaza, Juan Vicente Lecuna, Franco Medina, José
Antonio Calcaño, Víctor Guillermo Ramos Rangel, Jose Clemente Laya,
Evencio Castellanos, Gonzalo Castellanos Yumar, Inocente Carreño,
Modesta Bor, Ángel Sauce, Nazil Baez Finol, Daniel Milano,13 Rafael Rengifo,
Moisés Moleiro, Antonio Estévez, y Vicente Emilio Sojo (conocido por sus
contribuciones a la musicología y la educación musical). Roberto Ruscitti
siguió los pasos de Sojo. Entre los cultores del vals venezolano se encuentra
Antonio Lauro, considerado uno de los mejores a nivel mundial
interpretando y componiendo obras para la guitarra al
igual que Raúl Borges, Alirio Diaz, Rodrigo Riera, Ruben
Riera, Luis Zea, Luis Quintero y Rómulo Lazarde.
Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela
El Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela es una obra del
Estado venezolano fundada por el maestro José Antonio Abreu, en el año
de 1975, para la sistematización de la instrucción y la práctica colectiva de
la música a través de la orquesta sinfónica y el coro como instrumentos de
organización social y desarrollo comunitario. Conocido también como El
Sistema, comprende una red de 120 orquestas juveniles y 60 orquestas
infantiles, con un número de aproximadamente 350.000 jóvenes dedicados
a la música.
Entre los prominentes músicos y compositores que han estudiado, fundado
o impartido clases en estas instituciones se encuentran: Alberto Grau, María
Guinand (una de las fundadoras y coordinadoras de la Maestría de Música
de la Universidad Simón Bolívar), Diana Arismendi, Ricardo Teruel, Adina
Izarra, José Francisco Del Castillo, Gabriela Montero, Sir Augusto Ramírez,
Judith Jaimes, Carlos Riazuelo, Inocente Carreño, Maurice Hasson, Gonzalo
Castellanos Yumar, Eric Colon, Felipe Izcaray, Jesús Hernández, Frank di
Polo, Humberto Bruni Lamanna, Josefina Benedetti, Alfredo Rugeles,
Abraham Abreu, Aquiles Baéz, Jaime Martínez, Alexis Cárdenas, Carlos
Duarte, Cecilia de Majo, Juan Carlos Núñez, Huáscar Barradas, Pedro
Eustache, Edicson Ruiz, José Antonio Abreu, Benjamín Brea, Carmelo
Cacioppo (músico).
 2.4 Agrupaciones Musicales

Las agrupaciones musicales pueden clasificarse según el número de

integrantes de esta, siendo los más importantes los siguientes:

Dúo: se habla de dúo cuando hay una agrupación de dos intérpretes que
tocan dos instrumentos. En el caso del canto, a esta agrupación se le llama
Dueto.

Trío: el trío musical es una agrupación de tres personas que interpretan un

instrumento cada uno. También se le llama trío cuando uno o más de los
integrantes es vocalista, y no necesariamente toca un instrumento.

Cuarteto: es una agrupación formada por cuatro instrumentos.

Habitualmente se refieren a cuartetos de cuerda, formados por 2 violines, 1
viola y 1 cello. Esta formación es una de las más habituales.

Orquesta: Conjunto de instrumentistas que interpretan obras musicales,

sinfónicas o de cámara, siguiendo las indicaciones de un director,
normalmente en auditorios.

Orquesta Sinfónica: Orquesta formada aproximadamente por cien músicos

que tocan instrumentos de cuerda, de madera, de metal y de percusión.

Coro: Se denomina Coro a una agrupación de personas que interpretan

una pieza musical al unísono. Una de sus características principales es que si
el número de integrantes es elevado, se hace indispensable la guía de un
Director. La interpretación se puede llevar a cabo a una voz (monódica) o
a varias voces (polifónica).

Los coros se pueden componer por diferentes tipos de

voces ordenados en cuerdas:
  Soprano: es la voz más aguda de la mujer y que generalmente da
soporte a la melodía.

 Mezzo-Soprano: es la voz habitual de la mujer y se sitúa entre Soprano

y Contralto.

 Falsetto: es la voz del hombre que canta imitando el registro de una

soprano.

 Contralto: es la voz grave de las mujeres.

 Contratenor: es la voz más aguda del hombre que alcanza el registro

de una contralto. No suele ser una voz habitual en ningún coro.

 Tenor: es la voz aguda del hombre

 Barítono: es la voz más habitual del hombre, su registro oscila entre

bajos y tenores.

 Bajo: es la voz grave de los hombres.

 Bajo Profundo: es una voz de los hombres más grave que los bajos.
Habitualmente, los coros están compuestos por cuatro cuerdas: soprano,
contralto, tenor y bajo y cada una interpreta una melodía diferente,
consiguiendo los efectos deseados por el autor.

2.5 Sonidos
El sonido es una sensación percibida por el oído que llega al cerebro.
Cuando un cuerpo vibra, las moléculas que lo forman se propagan en
círculos concéntricos a través del aire. La dimensión de la música es el
tiempo y su medio de expresión es el sonido. Cada sonido
presenta sus propias características que lo hacen peculiar y
diferente.
Las cualidades del sonido son cuatro: intensidad, altura, timbre y duración.
 La Intensidad: Es la fuerza con que se produce el sonido; es decir, si es
fuerte o suave. En la intensidad influye la amplitud de las ondas, o sea la
magnitud de las vibraciones; además se puede comparar con el volumen.
 La Altura: Es una propiedad por medio de la cual el sonido puede
clasificarse en agudo, medio y grave; constituye el tono del sonido. En el
canto de los pájaros destacan los sonidos agudos, mismo que contrasta con
el rugido de un león caracterizado por sonidos graves.
 Timbre: Se le considera como el sonido característico de una voz o
instrumento. De acuerdo con las vibraciones se produce el timbre, puede
ser de muy variadas formas, gracias a él se nota la diferencia de los sonidos
en las voces de varón y de mujer, en los ruidos de la naturaleza y en la
melodía producida por instrumentos musicales.
 Duración: Comprende el tiempo que se escucha un sonido; éste puede ser
largo o corto.

3. Texto Creativo

3.1 Guion Micro de Radio

El Guion radiofónico es la herramienta fundamental para hacer posible la
coordinación de todo el equipo técnico y humano. En este se detallan
todos los pasos a seguir.

Aspectos relacionados con el guion:

 Todo programa radiofónico, sea cual sea su género, necesita un
guion, ya que la confección del programa exige un trabajo en
equipo.

 Cada tipo de programa requiere un guion de

 distintas características.

 El guion debe estar escrito con un lenguaje claro.

a) El Guion Técnico Literario: En este aparece el texto verbal completo y

las anotaciones técnicas, es el guion más completo. Contiene toda la
información posible

Dentro del Vocabulario Técnico Tenemos:

 PP: Pasa a primer plano una música durante un tiempo
determinado, lo que se calcula en segundos.

 PF: Pasa a fondo. La música queda en el fondo mientras hablan

los locutores. RAFAGA: Sube la música durante unos segundos y
vuelve a bajar.
 FUNDE: Se mezcla una música con otra suavemente
 CESA: Se va bajando poco a poco la música hasta que
desaparece.
 Escaleta: Es el esqueleto del guión, es una especie de resumen
que marca la pauta de lo que va a hacer un guión. Es un
boceto, lista o minuta donde los productores escriben en orden,
los pasos, segmentos o secciones que componen un programa.

La Radio es un instrumento de educación y cultura popular que se

constituye en promotora de auténtico y original desarrollo. El reto es realizar
programas radiales, que sean capaces de atraer la atención e interés de
grandes audiencias populares, a la vez que respondan a sus necesidades.
Este medio o recurso se caracteriza por su gran potencialidad para la
información, comunicación y revalorización de la cultura
oral y la palabra hablada. Pero es importante considerar
que la radio es un medio que solo emite sonidos, y por
razones obvias presenta limitaciones de carácter natural, pues la imagen
auditiva es más imprecisa que la imagen visual; depende en gran medida
de la estructura psicológica y cultural del oyente, motivo por el que evoca
lo que el receptor desea imaginar.

4. Medios de Comunicación

4.1 Medios de Comunicación Auditivos

Son aquellos recursos y materiales que emplean el sonido como la
modalidad de codificación predominante. La música, la palabra oral, los
sonidos reales de la naturaleza, las onomatopeyas, representan los códigos
más habituales a través de los cuales se presentan los mensajes en estos
medios.

El sonido ofrece múltiples posibilidades para el desarrollo de la imaginación,

la evocación, la creatividad, la sugestividad, la sensibilidad estética, etc. En
un mundo de innumerables ruidos y de tormentas visuales, es necesario
potenciar también otros mensajes sonoros más armoniosos, que permitan un
desarrollo más equilibrado de la personalidad de los alumnos.

4.2 La Radio
La radio es un tipo de medio masivo de comunicación, como también lo
son la televisión, la prensa escrita, los libros, los cómics o historietas; el cine,
internet y la publicidad.

La radio es el medio comunicativo que se transmite vía ondas sonoras y

combina el lenguaje emitido de forma oral con elementos musicales y otros
sonidos, así como con la interacción con los radioescuchas.
Su función principal y fundamental es la de informar y
entretener, ya que sirve de compañía constante al destinatario.

En sus orígenes, la radio fue un descubrimiento electromagnético del siglo

XIX, de la mano del investigador Marconi, quien juntó su experiencia con la
de Hertz y Popov, quienes también habían hecho descubrimientos y
trabajos con ondas. Más adelante, en 1909, la radio nació de la fusión entre
el teléfono de Graham Bell y la telegrafía sin hilos, de esta forma se dio paso
a la radiodifusión.

La comunicación radial se da gracias a la transmisión de señales eléctricas,

a través de cables hasta un aparato emisor, las que son conducidas por
ondas de una antena emisora hacia una receptora y, de esa forma, llegan
hasta los distintos destinatarios.

4.3 Medios de Comunicación Auditivos y Educación

Las aulas están inmersas en un universo acaparador de ruidos y sonidos; sin
embargo, un simple análisis nos permite descubrir que pocas veces éstos
son analizados reflexivamente y que menos aún permiten el desarrollo de la
capacidad de los alumnos de expresarse libre y espontáneamente, de
adecuar su potencial expresivo a los distintos entornos cotidianos; en
definitiva, de conseguir un nivel de verbalización, óptimo para su desarrollo
madurativo.

Ventajas:
 Facilita el aprendizaje de los alumnos
 La enseñanza se vuelve más dinámica
 Estimula la imaginación del alumno
 Toma en cuenta a las personas que tienen discapacidad visual
Desventajas:
 Se requiere que el alumno este tranquilo para poder
 escuchar
 Se necesita de un lugar silencioso para poder apreciar los contenidos
que se manejan.

 Muchos de los niños son inquietos y se pueden distraerse fácilmente y

distraer a sus compañeros.

4.3.1 LA MÚSICA

Es un medio de comunicación universal en el que se desarrolla un proceso básico

de entendimiento en el que forman parte los valores, conocimientos, sentimientos,
edades etc. Sin necesidad de un aprendizaje previo. La educación juega un papel
primordial para su trasmisión y comprensión oral.

La música es una de las expresiones más fabulosas del ser humano ya que
logra transmitir de manera inmediata diferentes sensaciones que otras
formas de arte quizás no pueden. La música es un complejo sistema de
sonidos, melodías y ritmos que el hombre ha ido descubriendo y
elaborando para obtener una infinidad de posibilidades diferentes.

Se estima que la música cuenta con gran importancia para el ser humano
ya que le permite expresar miedos, alegrías, sentimientos muy profundos de
diverso tipo. La música permite canalizar esos sentimientos y hacer que la
persona aliviane sus penas o haga crecer su alegría dependiendo del caso.

5. Artes Escénicas

5.1 ¿Qué es el Teatro?

El teatro (del griego: θέατρον, theátron o «lugar para contemplar» derivado
de θεάομαι, theáomai o «mirar»). El teatro es una de las
artes escénicas más reconocida mundialmente, consiste en
puesta en escena totalmente en vivo frente a miles de
espectadores, debido a que comentan de forma progresiva un relato al
teatro lo conjugan diferentes elementos, los actores, la música, el sonido, la
escenografía, y sobre todo la gestualidad a la hora de interpretar cualquier
emoción. El nombre de teatro no solo se otorga a las piezas dramáticas que
se presentan al público, también se describe como teatro a la instalación o
edificio en donde se produce dichas puestas en escenas.

En la historia se relata que el teatro tuvo sus inicio para la época de la

antigua Grecia, en una época específica del año los habitantes de esta
nación hacían fiestas y celebraciones en honor al dios Dioniso (Dios del
vino), manera puntual en el momento que se realizaba la vendimia algunos
habitantes realizaban representaciones en vivo del ditirambo. El ditirambo
era una especie de himno que se entonaba en honor a este dios, este se
recitaba de manera cantada y con interpretación en vivo con la utilización
de disfraces. Y así de manera sucesiva esta técnica fue implementada para
la celebración de cada Dios en específico, donde se exhibían las batallas
más importantes que libraron en su momento terrenal.

El teatro al ser una interacción actoral entre varios individuos que

representan una historia frente a los ojos del público, estos deben ser
sumamente emotivos, todas las emociones deben ser totalmente marcadas
así como también el momento de pasar de una emoción a otra, por tal
razón la preparación otorgada a cada actor debe ser exhaustiva para que
así se aprenda proyectar todo lo actuado de forma creativa y eficaz, la
meta de toda obra de teatro es despertar emociones en su público
espectador. Para poder representar una obra se necesita un libreto, a las
personas dedicadas a la escritura de estas obras teatrales
se les otorga el nombre de dramaturgos.
En la época de la antigua Grecia se observan solo dos tipos de obras: las
sumamente melancólicas, donde se relataban historias dramáticas con
finales sombríos, en la cual se exponían las intervenciones místicas de los
dioses, y las obras de comedia en donde se imitaban a los gobernantes de
la época.

5.2 ¿Qué es la Opera?

Ópera proviene de la lengua italiana y hace referencia a la obra teatral
cuyo texto se canta con acompañamiento de una orquesta. El término se
aplica para nombrar a la obra, al poema dramático destinado a este tipo
de representación, al género que agrupa estas obras, a la música típica del
género y al teatro construido para representar óperas.

El concepto de ópera comenzó a utilizarse alrededor del año 1350. El

género forma parte de la tradición de la música clásica occidental e
implica diversos tipos de composiciones, entre los que encontramos el aria,
el recitativo y la canción.

La ópera puede ser cantada por dúos, tríos u otras formaciones, y pueden
requerir la presencia de un coro, tanto para piezas exclusivamente corales
como para acompañar ciertas arias, por ejemplo. Con el tiempo, surgieron
varios géneros vinculados a la ópera aunque con algunas características
particulares, como el musical británico y estadounidense, la zarzuela
española y la opereta vienesa.

Italia es uno de los países con mayor tradición en la ópera. Los

compositores Gioacchino Rossini (1792–1868) y Giuseppe
Verdi (1813–1901) y los tenores Enrico Caruso (1873–1921) y
Luciano Pavarotti (1935–2007) son algunos de sus principales exponentes.

La ópera es una de las manifestaciones artísticas más completas que

existen. Se desarrolla como una obra de teatro, en la que la acción
transcurre en los recitativos (momentos en los que los cantantes narran la
historia) y en las arias los personajes expresan sus sentimientos y
pensamientos. La poesía, música, canto y decoración en la ópera, se unen
entre si tan íntimamente, que no puede considerarse una sin que se
consideren las otras. La opera es una imitación o representación teatral de
una acción, con la finalidad de deleitar no solo al ánimo, sino también a la
imaginación y al oído. La acción pude ser vulgar y común como la
Comedia, o ilustre y grande como en la Tragedia.

Son muchos los elementos y las personas que dan forma a una ópera: tiene
que haber un compositor (que crea la música), el libretista (a veces pude
ser el mismo compositor), los intérpretes (cantantes protagonistas, cantantes
acompañantes y la orquesta con su director), y los que trabajan en la
escenografía y vestuario.
5.3 Teatro Opera
Un teatro de ópera es un edificio especialmente concebido para la
representación de piezas de ópera, aunque la interpretación de otras artes
escénicas también es posible. Un ejemplo de ello es la Ópera de Sídney,
ubicada en la Bahía de Sídney. En muchos teatros de ópera, la temporada
de ópera es seguida de la temporada de ballet.

La primera sala de ópera pública fue el Teatro San Cassiano de Venecia,

Italia, que abrió sus puertas en 1637. Italia, país cuya tradición de ópera es
popular desde hace siglos, tiene aún un gran número de
ellos. En la época de Henry Purcell, no había uno solo en
Londres.1 En Alemania, la primera sala se abrió en 1678. Los primeros teatros
de ópera de los Estados Unidos servían a una variedad de funciones,
albergando también bailes comunitarios, ferias, piezas de teatro, vodevil y
otros eventos musicales.2

Características típicas de un teatro de ópera:

Ya que muchas óperas demandan producciones de gran escala, los
teatros de ópera son amplios— generalmente más de 1000 plazas, a
menudo varios miles de ellos. Muchas óperas no requieren producciones de
gran tamaño y pueden ser presentadas en teatros más pequeños.

En una sala tradicional, el auditorio tiene forma de herradura, su

envergadura define pues el aforo. En sus costados, hay filas de balcones y
palcos. Tiene por lo general un foso, en el que se puede alojar una orquesta
con los músicos sentados a un nivel inferior al del auditorio, para que su
interpretación no acalle la de las voces en el escenario. El tamaño de una
orquesta de ópera varía, pero para ciertas óperas, oratorios y para algunas
obras del periodo romántico, el número de intérpretes puede alcanzar los
100.

Una ópera puede tener un extenso elenco de personajes, coros, bailarines y

supernumerarios. Por ello, un teatro de ópera debe tener muchos
camerinos. A menudo, también acogen sus propios talleres de confección
de vestuario y de escenografía, y otros espacios de reserva y preparación
de maquillaje, máscaras e incluso espacios consagrados a los ensayos.
 6. Tratamiento Curricular
6.1 Proyectos
El término proyecto se deriva de los términos latinos PROICERE y PROIECTARE
que significan arrojar algo hacia delante. Entonces, proyecto en sentido
genérico significa la planeación y organización de todas las tareas y
actividades necesarias para alcanzar algo. Diseñar un proyecto educativo
significa planear un proceso para alcanzar una meta educativa, objetivos
de aprendizaje. Esto implica desde la selección del problema surgido en un
contexto educativo particular, su tratamiento hasta la presentación del
informe. En otros términos, corresponde la realización de varias etapas
interrelacionadas de concepción, planeamiento, formulación de acciones,
implementación y evaluación. El objetivo principal de un proyecto es
resolver, en forma organizada y planificada, un problema previamente
identificado en su realidad educativa, aprovechando para ello los recursos
disponibles y respetando ciertas restricciones impuestas por la tarea a
desarrollar y por el contexto. Los proyectos vigentes en Venezuela son:

a) Proyecto Educativo Integral Comunitario: Es un plan de acción

combinado con principios pedagógicos que busca mejorar tanto la
educación impartida como el funcionamiento del plantel, elaborado por
los actores del plantel, tomando en cuenta las características del mismo,
del entorno social y de las intenciones de los mismos actores. También se
puede de definir como un proyecto, tanto educativo como político y se
relaciona como un proyecto de sociedad en el que se pasa democracia
participativa y se establecen espacios para que los actores pasen a ser
constituyentes y no solo instituidos en su práctica profesional
y con respecto a su responsabilidad social especifica.
b) Proyecto Pedagógico de Aprendizaje: Es un instrumento de
planificación que utilizan los colectivos escolares en el proceso de
enseñanza-aprendizaje, para abordar necesidades e intereses a través de
herramientas pedagógicas que permiten en el educando, familia y
comunidad la construcción del conocimiento desde la especificidad de
cada contexto local, involucrando los espacios que propone el sistema
Educativo Bolivariano, para la formación del ser social en los ejes integrados
como continuo humano del ser, saber, hacer y convivir.
c) Proyecto Canaima: El Proyecto Canaima Educativo es un proyecto
desarrollado por el Gobierno de la República Bolivariana de Venezuela con
el objetivo de garantizar el acceso de los venezolanos y las venezolanas a
las Tecnologías de información, mediante: la dotación de una
computadora portátil a los estudiantes y los docentes de las escuelas
nacionales, estadales, municipales, autónomas y las privadas subsidiadas
por el Estado; la conexión de escuelas a la red de Internet; la formación
para el buen uso de estas tecnologías

7. Tratamiento Pedagógico

7.1 Diseño Hermenéutico

Es muy importante resaltar que la hermenéutica es una propuesta filosófica
realizada por Gadamer. Donde se hace referencia a la comprensión e
interpretar textos no está sólo referido al ámbito científico, sino que
pertenece a la misma vivencia humana, en el mundo y en la historia. La
hermenéutica ha permitido rastrear la experiencia de la verdad, buscarla,
indagar sobre ella, como experiencia realizativa de cada
persona. Es una visión que hace de la hermenéutica una
metodología universal y una manera lógica que antecede
u absorbe los métodos particulares de la ciencia. Esta visión trasciende la
oferta de su maestro Heidegger, que es su propio punto de partida. Por
esto, la hermenéutica ha pasado a ocupar un puesto relevante en la
reflexión filosófica actual. El diseño no es igual al método original de
Gadamer, pero tiene que ver con los momentos de trabajo. Consta de tres
partes:
7.1.2 LA INVESTIGACIÓN O COMPRENSIÓN:
Es el primer momento. Se da al momento de la investigación para la
realización de las actividades de las Situaciones Vivenciales de Formación
por parte del animador pedagógico. La comprensión es el proceso de
elaborar el significado por el sendero de aprender las ideas relevantes del
texto y relacionarlas con las ideas que ya se tienen: es el proceso a través
del cual el lector interactúa con el texto. La hermenéutica es la intuición
que opera en los niños, pues es la capacidad que tienen para entender y
conocer las cosas, ya que forma una actitud de tolerancia y entendimiento
donde aprenden e incorporan los conocimientos previos. Para la
comprensión de cualquier texto debe tener primero su aceptación y
asimilación. La comprensión sería un proceso cognoscitivo, o el resultado de
un conjunto de estos procesos, consiguiendo la integración correcta de un
nuevo conocimiento a los preexistentes de un individuo.
7.1.3 LA INTERPRETACIÓN
Es el segundo momento. Sucede al momento de la elaboración del
material pedagógico (las Situaciones Vivenciales de Formación) para el
taller. Es el segundo paso del diseño hermenéutico en el que la teoría ya no
queda solo como una información acumulada en el cerebro, sin el más
mínimo entendimiento sino que se produce una
transformación de la información para ser adaptada al
presente y con proyecciones al futuro, es decir, que la información se
convierte como parte del ser en el que se le da el propio punto de vista. Es
aquí donde el niño expone, traduce, comenta, todo lo aprendido. En este
proceso los niños tratan de darle significado a las palabras mediante las
cuales se ha expresado un pensamiento crítico y reflexivo, donde luego de
haber adquirido un conocimiento más amplio sobre determinado
contenido de manera contextualizada relaciona los conocimientos
confrontados con su entorno social.
7.1.4 LA APLICACIÓN
Es el tercer momento. Se da en el momento en que se aplica el taller a los
participantes. Consiste en que el docente debe proporcionar estrategias y
dinámicas de enseñanza para transmitirle a los alumnos conocimientos
eficaces; los cual deben llevar a la práctica, dando una valoración
significativa transfiriendo así la comprensión obtenida por el docente,
participando la comunidad, padres y representantes. Está referida a poner
en práctica los conocimientos o procedimientos adecuados para conseguir
un fin, por lo que se convierte en la fase final de la hermenéutica, en la todo
lo aprendido va directamente a la práctica y se producen nuevos
materiales didácticos de apoyo para lograr un aprendizaje efectivo y
atractivo para el niño, (como por ejemplo el módulo para niños que más
adelante describiremos).

7.2 Diseño Instruccional:

Diseño Instruccional, en su definición más sencilla, es un proceso
sistemático, planificado y estructurado donde se produce una variedad de
materiales educativos atemperados a las necesidades de los educandos,
asegurándose así la calidad del aprendizaje.

El Diseño Instruccional se nutre de las:

 Ciencias Sociales
 La psicología- a través del estudio de las diferencias individuales.
 Teorías de la conducta humana- a través de las teorías conductistas,
cognoscitivistas, y constructivistas.

Es el elemento esencial para planear, diseñar, implementar y evaluar

contenidos educativos digitales.

El diseño instruccional es un proceso en donde se analizan, organizan y

presentan competencias, información, estrategias de enseñanza
aprendizaje y el proceso de la evaluación, que al conjugarse entre sí e
integrando de manera racional el uso de la tecnología conforman la
esencia de un contenido educativo digital, el cual trasciende hacia la
generación de experiencias satisfactorias de aprendizaje en el estudiante.

7.2.1 ¿POR QUÉ EL DISEÑO INSTRUCCIONAL?

Evidentemente el aprendizaje se puede dar sin una planeación; sin
embargo, no podemos subestimar su importancia dentro del proceso de
creación de un contenido educativo digital. Planear ayuda a determinar
metas y los caminos para llegar a ellas. Precisamente el diseño didáctico es
esencialmente una tarea de planeación que tiene los siguientes propósitos:

 Describir el destino al que se quiere llegar y las rutas que se pueden

seguir.
 Determinar y organizar los contenidos esenciales a desarrollar.
 Decidir qué tipo de actividades diseñar así como el proceso de
evaluación.
 Elegir y combinar material didáctico, desde los
tradicionales hasta las Tecnologías de Información y
Comunicación (TIC) como herramientas
 indispensables para el proceso de interacción e interactividad.

 Y el más importante: Propiciar que los estudiantes consoliden y

construyan y conocimientos, habilidades y actitudes para el largo de
su vida.

7.2.2 ¿CÓMO DESARROLLAR DISEÑO INSTRUCCIONAL?

Desarrollar diseño didáctico requiere de inspiración y creatividad, también
es importante tener claro que es un proceso y por lo tanto implica tiempo,
dedicación, además del dominio completo del tema a desarrollar como
contenido educativo digital.

El diseño instruccional puede ser abordado desde diferentes teorías de

aprendizaje - Conductismo, Cognocitivismo, Constructivismo, etcétera- pero
intentar atarlo a una teoría en particular es restringirlo y alejar la práctica
docente del mundo real, lo importante es que cada una de ellas
proporciona elementos valiosos, es decir, nos enfrentamos ante la
posibilidad de integrarlas.

1. Los conocimientos previos del estudiante – Cognocitivismo.

2. Definición de los objetivos – Conductismo.
3. Definición de habilidades – Estructuralismo.
4. Sistema motivacional – Conductismo.
5. Evaluación – Conductismo, Cognocitivismo.
6. Instrucción correctiva – Constructivismo.
7. Transferencia de aprendizaje – Constructivismo.
7.2.3 ¿PARA QUÉ SIRVE EL DISEÑO INSTRUCCIONAL?
Gracias a él un docente planifica unidades de aprendizaje
(temas/tópicos), establece enfoques, determina tareas y
actividades. Finalmente, define una variedad de materiales
educativos adecuados a las necesidades de los participantes.

Cuando se diseña un programa de formación/capacitación del personal

de una organización, el diseño instruccional (DI) es clave ya que puede ser
la diferencia entre el estruendoso fracaso y el éxito más amplio.

El Diseño Instruccional, como ya vimos, es una guía para el docente. Pero

también para quienes diseñan programas de formación. Y aunque algunos
prefieren considerarlo una camisa de fuerza, nosotros lo consideramos un
mapa de orientación para tu curso.

Empleando un buen Diseño Instruccional, cualquier docente puede

retomar el camino señalado originalmente o simplemente, reorientar el
sentido del curso si lo considera necesario.

En todo caso, un Diseño Instruccional permite sobre todo planificar la

actividad en línea más adecuada, seleccionar material de apoyo, diseñarlo
y ajustarlo. Permite además, equilibrar las cargas de contenido y prever
todo lo necesario para la fluidez del proceso de aprendizaje.

7.2.4 ¿QUÉ SON LOS MODELOS DE DISEÑO INSTRUCCIONAL?

Los modelos de diseño instruccional son el conjunto de habilidades y
estrategias que se utilizan en los proceso de enseñanza y aprendizaje. Son
considerados la base en donde nace la instrucción de forma sistemática.

Estos incorporan los principios fundamentales del proceso de Diseño

Instruccional tales como son: el análisis de los participantes, propuestas de
metas y objetivos, diseño e implementación de estrategias y la evaluación.
 7.2.5 ¿CUÁLES SON LAS FASES DEL DISEÑO INSTRUCCIONAL?
Estas son las fases del Diseño Instruccional conocido como modelo
instruccional addie:
 La fase de Análisis es la base de las demás fases del diseño
instruccional. Aquí se define el problema, se identifica la fuente del
mismo y se determinan las posibles soluciones.

 La fase de Diseño utiliza el resultado de la fase de análisis para

planificar la estrategia que nos servirá para crear la instrucción y así
alcanzar las metas instruccionales. En la fase de diseño se lleva a
cabo una serie de análisis que nos permiten redactar objetivos,
divulgar la instrucción, e implementar un plan que nos permita
avanzar a la fase de Desarrollo.

 La fase de Desarrollo es donde creamos el plan para ejecutar la

instrucción diseñada. Aquí planeamos la lección y elaboramos la
instrucción para preparar a los estudiantes.

 La fase de Implantación e Implementación es donde ejecutamos la

instrucción ambientada de acuerdo al caso: en el aula de clases, en
laboratorios, en oficinas, etc. Aquí se analiza el material, el manejo de
habilidades, alcance de objetivos y manejamos la transferencia de
conocimiento del ambiente instruccional al ambiente de trabajo.

 La fase de Evaluación es donde evaluamos la efectividad y eficiencia

de la instrucción.
7.2.6 TIPOS DE EVALUACIÓN EN EL MODELO INSTRUCCIONAL ADDIE:
 La Evaluación Formativa es una evaluación de tipo continua y su
objetivo no es otro que mejorar la instrucción antes
de que llegue a su etapa final.
  La Evaluación Sumativa se da cuando se ha implantado la versión
final de la instrucción. En este tipo de evaluación se verifica la
efectividad total de la instrucción y los hallazgos se utilizan para tomar
una decisión final, tal como continuar con un proyecto educativo o
comprar materiales instruccionales.

Existen un sin fin de aplicaciones para los modelos de diseño instruccional,

como por ejemplo crear cursos online, capacitación de personal en línea,
clases en vivo, adiestramiento de empleados, etc.

7.2.7 IMPORTANCIA DEL DISEÑO INSTRUCCIONAL AL CREAR UN

PROGRAMA DE FORMACIÓN EN LÍNEA

Cuando nos planteamos el desarrollo de programa de formación presencial

para nuestro personal, el Diseño Instruccional es necesario. Pero, más lo es
aún cuando se trata de un programa en línea. La razón es evidente: una
vez iniciado es a veces complicado hacer que las cargas se enderecen, así
que vale comenzar con todo a punto.

Diseñar y desarrollar acciones formativas de calidad es el fin último de todo

DI. Por ello, es fundamental que si un programa de formación en línea nos
hagamos algunas preguntas estratégicas que nos guiarán en todo
momento:

 ¿A quién va destinado el programa?

 ¿Cuál es el propósito del programa?
 ¿Cuánta profundidad deseo brindar?
 ¿Cuáles son los temas básicos que debo cubrir y en qué orden?
 ¿Con qué tipo de material de apoyo puedo contar?
 ¿De qué modo debo evaluar el desempeño de los
 participantes?
Las respuestas a esas preguntas son la base de un buen DI. De cada una de
ellas se desprenderán todos los detalles que, debidamente organizados, nos
brindarán ese mapa de orientación para todo lo demás. Es de hacer notar
que esas preguntas deben hacerse específicamente para cada uno de los
cursos que conforman el programa de capacitación de nuestro personal.

Un buen Diseño Instruccional, hará que cualquier programa de formación

en línea sea eficiente. No improvises. El diseño instruccional ayuda en la
planificación del más mínimo elemento y organiza el proceso de
enseñanza/aprendizaje para hacerlo eficiente y aumentar la productividad
de tu empresa u organización.

7.3 Diseño Educativo

La educación se configura como una tarea y un rendimiento orientado a
desarrollar experiencia valiosa y conseguir el uso de las formas de expresión
más adecuadas para ella, con objeto de imprimir en la educación, en
cada intervención pedagógica, el carácter propio que determina el
significado de “educación” y el sentido pedagógico acorde a nuestro
marco socio-histórico, que cualifica el significado de “educación”, de
manera tal que, en cada intervención, se manifieste la diferencia entre
ámbito general de educación, ámbito de educación general y ámbito
educativo de carácter vocacional y profesional desde cada área cultural.
Y esa diferencia no la otorga la cantidad y calidad de la materia propia del
área cultural, sino la construcción rigurosa de ‘ámbito’ de educación en el
diseño educativo de cada área de experiencia.

El diseño educativo hace referencia a la implementación

de los rasgos propios del significado de educación en la
acción educativa y se ajusta a la diferencia específica de la función de
educar que no se la otorga -lo reitero- la cantidad y calidad de la materia
propia del área de experiencia cultural que utilizamos como recurso en la
instrucción, sino la construcción rigurosa del ‘ámbito’ de educación en el
diseño educativo de cada intervención.

La intervención pedagógica siempre está orientada a la acción desde el

diseño educativo, que es representación del ámbito de educación
construido (valoramos el área de experiencia como educativa). El diseño es
ordenación de los componentes de ámbito de educación ajustado a los
elementos estructurales de la intervención en cada acción pedagógica
singular para formar la condición humana individual, social, histórica y de
especie.

El diseño educativo es compatible con y necesario para hacer un diseño

instructivo coherente en cada intervención pedagógica bajo principios de
educación y de intervención pedagógica. Y para hacer el diseño
educativo, no solo tenemos que entender los componentes de ‘ámbito de
educación’, sino que tenemos que implementar una acción educativa
concreta, controlada y programada desde la actividad común de los
educandos, usando los medios pertinentes.

Hay que asumir sin prejuicios que la pedagogía es conocimiento de la

educación y este se obtiene de diversas formas, pero, en última instancia,
ese conocimiento sólo es válido, si sirve para educar; es decir, para
transformar la información en conocimiento y este en educación, desde
conceptos con significación intrínseca al ámbito de educación. Cualquier
tipo de influencia no es educación, pero cualquier tipo de
influencia puede ser transformada en una influencia
educativa, si construimos el ámbito de educación pertinente y ejecutamos
el diseño educativo que le corresponde, atendiendo al conocimiento de la
educación y a los principios que fundamenta.

El diseño educativo queda definido como la ordenación racional de los

componentes de ámbito de educación para intervenir contando con los
medios internos y externos pertinentes en cada circunstancia y nivel escolar
(Touriñán, J. M., 2016. Pedagogía general. Principios de educación y
principios de intervención pedagógica).

El Diseño Educativo consta de varios pasos a seguir para la elaboración de

un proceso de diseño y desarrollo de una propuesta Educativa, los cuales
serían:

Elaboración de los Contenidos del cual el responsable es el profesional a

cargo del curso, la información se estructura según un instructivo, luego
viene la adaptación de los contenidos que tiene como responsable al
equipo didáctico, los contenidos se estructuran en un formato educativo
virtual en función del aprendizaje significativo, luego continua con la
Incorporación de Tecnología Multimedia siendo responsable el equipo
tecnológico, los cuales insertan recursos para optimizar la construcción de
los conocimientos en forma significativa para luego Implementarlo en la
Web, siendo esta vez los responsables el equipo didáctico y tecnológico,
aquí se concreta el diseño de la propuesta educativo, ya que después
viene la etapa de Seguimiento y monitoreo, que en conjunto con los
profesionales a cargo del curso como los tutores y docentes dará un
informe final del feedback del proyecto.
 8. Sistema de Inteligencia de Arte y Estética

8.1 Elaboraciones Mentales

La teoría del desarrollo cognitivo del psicólogo suizo Jean Piaget (1896-
1980), explica cómo los niños construyen un modelo mental del mundo.
Piaget no estaba de acuerdo con la idea de que la inteligencia era un
rasgo fijo, y consideraba el desarrollo cognitivo como un proceso que se
produce debido a la maduración biológica y la interacción con el medio
ambiente.

Para Piaget, el desarrollo cognitivo es una reorganización progresiva de los

procesos mentales como resultado de la maduración biológica y la
experiencia ambiental.

8.1.1 ASIMILACIÓN
El proceso de incorporar nueva información a nuestros esquemas ya
existentes se conoce como asimilación. Este proceso es algo subjetivo
porque tendemos a modificar las experiencias y la información ligeramente
para que encajen con nuestras creencias preexistentes. Teniendo en
cuenta el ejemplo anterior, ver a un perro y etiquetarlo “perro” es un caso
de asimilar al animal en el esquema “perro” del niño. En esta fase lo que se
percibe en el mundo exterior se incorpora en el mundo interno, sin
cambiar la estructura de ese mundo interno. Esto se logra a costa de
incorporar dichas percepciones externas dentro en los estereotipos
infantiles, para lograr de alguna forma que encajen en su mentalidad.

8.1.2 ACOMODACIÓN
Otro proceso importante de la adaptación consiste en
cambiar o alterar nuestros esquemas existentes a la luz de
la nueva información, lo cual es conocido como acomodación. La
acomodación implica la modificación de esquemas existentes, o ideas,
como resultado de nueva información o nuevas experiencias. También se
pueden desarrollar nuevos esquemas durante este proceso. En esta fase, el
mundo interno tiene que acomodarse a la evidencia externa con la que se
enfrenta y, por lo tanto, adaptarse a ella, lo cual puede resultar un proceso
más difícil y doloroso.

8.1.3 ADAPTACIÓN
La adaptación está siempre presente a través de dos elementos básicos: la
asimilación y la acomodación. El proceso de adaptación busca en algún
momento la estabilidad y, en otros, el cambio.

En sí, la adaptación es un atributo de la inteligencia, que es adquirida por la

asimilación mediante la cual se adquiere nueva información y también por
la acomodación mediante la cual se ajustan a esa nueva información. La
función de adaptación le permite al sujeto aproximarse y lograr un ajuste
dinámico con el medio. La adaptación y organización son funciones
fundamentales que intervienen y son constantes en el proceso de desarrollo
cognitivo, ambos son elementos indisociables.

8.1.4 EQUILIBRIO
Piaget creía que todos los niños tratan de encontrar un equilibrio entre la
asimilación y la acomodación, lo cual se logra a través de un mecanismo
que él denominó como equilibrio. En la medida en la cual los niños van
progresando a través de las diferentes etapas del desarrollo cognitivo, es
importante mantener un equilibrio entre la aplicación de conocimientos
previos (asimilación) y el cambio de comportamiento que
implica adoptar nuevos conocimientos (acomodación). El
concepto de equilibrio ayuda a explicar cómo los niños pueden pasar de
una etapa del pensamiento a la siguiente.
 Conclusión
La hermenéutica ha permitido rastrear la experiencia de la verdad,
buscarla, indagar sobre ella, como experiencia realizativa de cada
persona. Es una estrategia que se orienta al cambio, en donde el docente
en su rol de investigador debe indagar al respecto, impartir las enseñanzas
desde una realidad contextualizada y siguiendo los lineamientos del diseño
curricular.

Por medio de la técnica de los muppets podemos desarrollar la sensibilidad

artística de los niños así como trabajar todas las áreas del diseño curricular,
es hora de que como futuras docentes iniciemos el cambio para de esta
manera poder brindarle a los niños un aprendizaje integral, un aprendizaje
liberador como nos menciona Freire, donde ellos aprendan haciendo y que
todos estos aprendizajes les sirvan para la vida, pero esto se logra si nosotras
como docentes investigamos y aplicamos estrategias por medios de las
cuales ellos tengan la oportunidad de recibir un aprendizaje integral,
significativo y productivo para sus vidas.
 Referencias Bibliográficas
 http://operlocbolivarianos.blogspot.com/p/elaboracion-de-micros-
radiales.html http://la-radioenvenezuela.blogspot.com/2012/03/el-
guion-radiofonico.html http://www.escolares.net/lenguaje-y-
comunicacion/la-radio/

 http://www.definicion.co/radio/#ixzz5A2AQfyuM

 https://es.wikipedia.org/wiki/Teatro
 http://conceptodefinicion.de/teatro/
 http://conceptodefinicion.de/opera/
 https://definicion.de/opera/
 https://es.wikipedia.org/wiki/Teatro_de_%C3%B3pera
 https://www.uv.es/~bellochc/pedagogia/EVA4.pdf
 http://disenoinstruccionalmbch.blogspot.com/2010/08/diseno-
instruccional.html
 https://organizaciones.teachlr.com/blog/diseno-instruccional/
 http://bethelradio.fm/br_includes/img/forfamily.jpg
 https://png.pngtree.com/element_origin_min_pic/17/03/10/a04afbaa
5bfb25dce38e8c9d 3ae6c0e8.jpg

 http://www.agenciasdecomunicacion.org/wp-
content/uploads/Grupos-de-Linkedin.jpg

 http://www.kiskeya-alternative.org/limon/imagen/organiza3.jpg

 https://www.todomanualidades.net/2012/06/como-
hacer-una-marioneta-muppet/
 https://www.guioteca.com/educacion-para-
 ninos/lenguaje-musical-que-es-y-cual-es-su- importancia/

 https://definicion.de/solfeo/

 http://enciclopedia.us.es/index.php/Composici%C3%B3n_musical

 https://es.slideshare.net/MaricrisPrieto/clase-patrimonio-musical-
venezolano

 http://agrupacionesmusicales.blogspot.com/

 http://www.dondestalaeducacion.com/conceptos/37-diseno-
educativo-y-diseno- instructivo.html

 https://www.didactic.cl/component/content/article/40-notas/53-
diseno-educativo.html

 https://www.actualidadenpsicologia.com/piaget-cuatro-etapas-
desarrollo-cognitivo/