Beruflich Dokumente
Kultur Dokumente
Una de las primeras fuentes de música griega que nos encontramos es "El epitafio de Seikilos" que se trata
de una canción inscrita en una columna funeraria que data del siglo I D.C. En esta inscripción podemos ver
cómo era esa notación musical alfabética de la Antigua Grecia. Aquí puedes ver la columna con el epitafio y
una trascripción con los sonidos el ritmo y la letra.
CUERDA
LIRA: Especie de arpa primitiva. Las primeras liras estaban hechas con el caparazón de una tortuga
como caja de resonancia. También se hacían con cuernos de cabra sobre los que se tensaban las cuerdas
(que eran tripas de animal secas). Al principio la lira tenía 4 cuerdas y poco a poco se le fueron
sumando más. Existieron instrumentos desarrollados a partir de la lira como el Barbitón o la cítara.
PERCUSIÓN
CRÓTALOS: Pequeños platillos que se entrechocaban. En principio eran dos piezas cóncavas de
madera y más tarde de metal.
TYMPANUM: Era una membrana de piel de animal tensada sobre un marco de madera. Se golpeaba
con la mano.
AUDICIONES DEL TEMA
A continuación se exponen una serie de audiciones sobre la música de este tema.
ORESTES STASIMON (Eurípides).
EPITAFIO DE SEIKILOS (Anónimo del S. I d.c.).
HIMNO A NÉMESIS
IN DULCI JUBILO (Mike Oldfield) Fragmento moderno de una melodía de danza griega.
LA EDAD MEDIA
INTRODUCCIÓN
La Edad Media es un periodo muy largo que se extiende desde el siglo V hasta el siglo XV. Esta etapa está
encuadrada entre La Antigüedad y El Renacimiento. Hay dos hechos que los historiadores marcan como el
inicio y el fin de la Edad Media, que son la Caída del Imperio Romano en el año 476 y el Descubrimiento de
América en 1492.
Es un período muy largo que se divide en dos etapas:
La Alta Edad Media: (siglos V a X). Es una época de pobreza, llena de guerras y enfermedades, en la
que la sociedad sufre constantes epidemias como la de la peste negra que asolarán toda Europa.
La Baja Edad Media: (siglos XI al XV). Época de gran prosperidad económica, política y también
cultural. Es la época del feudalismo, en la que el rey concede poder a algunos nobles que se convierten
en terratenientes y que en ocasiones llegarán a tener más poder que el propio monarca. Aquí se
desarrollarán los estilos artísticos más importantes de este periodo, que son el Románico (S. XI) y el
Gótico (S. XIII) con los que llegaremos a la gran revolución musical de la época: El nacimiento de la
polifonía.
En la Edad Media, la Iglesia Católica se convierte en el eje
fundamental de la sociedad. El canto Gregoriano, será durante gran
parte de este período la música que gobernará todos los territorios,
ya que en esta época, el poder y la cultura van a estar en manos de
los monjes y religiosos, que se harán con el poder de una sociedad
casi analfabeta.
No obstante, la música profana siempre va a tener un sitio, sobre
todo en la Baja Edad Media con el nacimiento de los juglares y los
trovadores que actuarán en castillos, palacios, plazas o calles de
cualquier lugar.
MÚSICA RELIGIOSA
Introducción
En el año 313, el emperador Constantino se convierte al cristianismo y se redacta el Edicto de Milán, que
reconoce la libertad de culto para los cristianos, que hasta ahora habían realizado sus ceremonias religiosas
escondidos. A partir de este momento la música religiosa va a comenzar a desarrollarse y extenderse.
La Iglesia pronto contará con un gran poder político y cultural, por lo que todas las artes de esta época harán
referencia a temas religiosos. Hay que tener en cuenta que tanto la música, como la pintura y las demás artes
del medievo tienen como únicas finalidades la alabanza a Dios y
la transmisión de la doctrina religiosa.
La música religiosa de la Edad Media será eminentemente
vocal, ya que cualquier elemento que distraiga a los fieles del
culto a la doctrina cristiana puede ser desechado. Por ello, la
música instrumental es tratada como algo vacío y que sólo sirve
para adornar y distraer a los creyentes, por lo que es apartada de
los oficios litúrgicos.
Dentro del desarrollo que va a tener la música religiosa a lo
largo de la Edad Media, podemos distinguir dos grandes grupos
que estudiaremos a continuación:
EL CANTO GREGORIANO: que ocupará buena parte de la Alta Edad Media.
EL DESARROLLO DE LA POLIFONÍA: que surgirá a finales del siglo IX y se desarrollará durante
el resto de la Edad Media.
EL CANTO GREGORIANO
En la Iglesia del antiguo Imperio Romano, en cada lugar se realizaba una
liturgia con cantos diferentes. De esto tomó buena nota el Papa Gregorio
Magno (Gregorio I) y realizó una unificación de los cantos que se daban en
las diferentes liturgias de toda Europa, razón por la cual este tipo de canto
recibirá el nombre de CANTO GREGORIANO. Esta recopilación tuvo
lugar hacia finales del S. V y principios del VI. A partir de este momento,
este tipo de música será el protagonista en todos los centros religiosos hasta
finales del siglo IX, a partir de entonces, será relegado poco a poco por el
surgimiento de la polifonía.
CARACTERÍSTICAS DEL CANTO GREGORIANO:
Es el canto oficial de la Iglesia Católica.
Es música vocal sin acompañamiento instrumental.
Es canto monódico, ya que aunque lo interprete un coro de monjes, todos cantan la misma melodía.
Es canto en latín, ya que ese es el idioma oficial de la Iglesia Católica.
Tiene ritmo libre, que viene marcado por el propio texto.
TIPOS DE CANTO GREGORIANO:
Según las formaciones de los cantores:
ANTIFONAL: dos coros de monjes alternaban el canto.
RESPONSORIAL: coro y solista alternan el canto.
DIRECTA: No hay alternancia. Siempre canta un coro o un solista.
Según la relación de texto y notas:
SILÁBICO: a cada nota le corresponde generalmente una sílaba del texto.
NEUMÁTICO: dos a tres notas por cada sílaba de texto.
MELISMÁTICO (adornado): muchas notas para una sílaba de texto.
En cuanto al sistema musical del Gregoriano, se basa en ocho modos (escalas) derivadas de los modos griegos
que veíamos en el tema anterior. Estos ocho modos surgen de cuatro modos marcados por una nota final (RE,
MI, FA, SOL). Cada uno de los mismos se subdivide a su vez en un modo auténtico y otro plagal, en función
de la nota de recitado, que es la que más se repite (también conocida como dominante salmódica o tenor).
Pincha aquí para ver la Tabla de los modos gregorianos.
EL NACIMIENTO DE LA POLIFONÍA
A finales del siglo XI aparece en la música occidental la polifonía (varias voces que suenan a la vez
realizando melodías distintas). Este hecho marcará el desarrollo de la música a partir de ese momento. En el
desarrollo de la polifonía se distinguen tres periodos
que vamos a ver a continuación:
POLIFONÍA PRIMITIVA
ARS ANTIQUA
ARS NOVA
Esta
primera
partitura
vemos que es muy primitiva. Está escrita con neumas, que eran
esos signos que se mueven hacia arriba y hacia abajo indicando los
movimientos que el cantor debe hacer con su voz.
En este ejemplo, posterior al siglo XI, ya se han introducido las
líneas que guían al cantor, y está escrito en notación cuadrada
típica del canto gregoriano. Aún así, en la parte superior y en la
inferior se conservan los primitivos neumas.
Esta música está escrita en sólo cuatro líneas, es decir en
tetragrama.
En este ejemplo,
vemos una gran
evolución, ya que se
usan cinco líneas en
vez de cuatro, es
decir, hemos llegado
al pentagrama.
Otra característica
distintiva es el uso
del color, tanto en
las líneas del pentagrama como en los adornos de la
página.
VIENTO:
PLATERSPIEL: Es una especie de gaita con forma de cuerno. Está hecho de madera y tiene seis
agujeros.
CHIRIMíA: Especie de oboe de mayores dimensiones muy usado en los desfiles y actos relevantes.
CORNAMUSA: Parecido a las gaitas actuales.
PERCUSIÓN:
PANDERO: Compuesto por un arco de madera y una o dos membranas tensas. Se percutía con la
mano.
TEJOLETAS: Rudimentarias castañuelas hechas con trozos de teja que se entrechocan.
DARBUKA: Tambor con forma de copa y una membrana tensa en la parte superior. Normalmente
está hecho de cerámica y se golpea con la manos.
MÚSICA RELIGIOSA:
"STELLA SPLANDENS"
LA MÚSICA INSTRUMENTAL
Una de las características más importantes del Renacimiento fue el resurgir de la música instrumental que
hasta entonces había estado marginada. Ahora poco a poco irá ganando prestigio y relevancia debido en gran
medida a la laicización de la música promovida por el pensamiento humanista. Por primera vez en la historia
se va a componer música instrumental pura, sin ningún otro fin que el deleite del oído. Este tipo de música
evolucionará en campo profano ya que la Iglesia continúa con su prohibición del uso de instrumentos en los
actos religiosos.
Otro aspecto importante es que con la invención de la imprenta se van a difundir muchos libros con partituras
y teoría musical, por lo que mucha gente va a poder acercarse al mundo de la música y aprender a tocar un
instrumento.
Podemos hablar de cuatro apartados en los que clasificar la música del
Renacimiento:
PIEZAS ADAPTADAS DE OBRAS VOCALES: Son obras que
primitivamente estaban escritas para varias voces y que serán
adaptadas para poder interpretarlas con instrumentos polifónicos
como el órgano y otros instrumentos de teclado. Destacan en este
grupo formas como el ricercare o la canzona.
PIEZAS BASADAS EN LA IMPROVISACIÓN: Estas piezas podían
ser de dos tipos: o bien se improvisaba a partir de una melodía dada o
se improvisaba sin ningún tipo de referencia, inventando todo sobre
la marcha. A este tipo de música corresponden géneros como
la fantasía o la toccata.
PIEZAS BASADAS EN LA VARIACIÓN: Se trata de que el intérprete parte de un tema sencillo que
va repitiendo sucesivamente incorporando variaciones de todo tipo. Dentro de este grupo destacan las
diferencias; éste fue el nombre que recibió en España el tema con variaciones en el cual destacó el
compositor español Antonio de Cabezón.
PIEZAS CREADAS PARA LA DANZA: Para este tipo de música vamos a crear una apartado especial
titulado la danza renacentista.
LOS INSTRUMENTOS DEL RENACIMIENTO
Algunos instrumentos de la época medieval siguieron utilizándose durante el Renacimiento,
perfeccionándose y adaptándose a las nuevas exigencias de los compositores. Como hemos visto en el punto
anterior, durante el Renacimiento se compone mucha música instrumental, esto va a hacer que muchos
instrumentos adquieran una gran importancia.
A continuación citamos algunos de los más importantes:
AERÓFONOS:
Flauta de pico o flauta dulce: hoy en día se usa con fines educativos; fue uno de los instrumentos más
populares de la época. También existían las flautas traveseras de madera.
Cromorno: es un instrumento de madera, de lengüeta doble (como la dulzaina) que termina en forma
de U.
Trompetas rectas y enrolladas: Eran fabricadas en metal y se usaban con fines militares y en desfiles.
Chirimía: instrumento formado por un tubo de madera y lengüeta doble (parecido a los oboes pero de
mayor tamaño).
Sacabuche: es el antecedente del trombón de varas actual. es fabricado en metal.
CORDÓFONOS:
La viola da gamba: Es un instrumento de arco que parece una mezcla de guitarra y violonchelo. En
España recibió el nombre de vihuela de arco.
La guitarra: Se estableció en España procedente de los países árabes y pronto se extendió por toda
Europa. Las primitivas tenían cuatro cuerdas.
La vihuela: Es un instrumento típico español parecido a la guitarra. Gozó de gran prestigio en nuestro
país de la mano de compositores como Luis de Narváez o Luis de Milán, los cuales se especializaron
en este instrumento.
El laúd: Es un instrumento que llega de la Edad Media, pero en el Renacimiento se convierte en uno
de los más importantes.
El clavicémbalo: Es un instrumento de teclado con cuerdas punteadas. Se comenzó a fabricar en Italia
en el siglo XVI.
COMPOSITORES DESTACADOS
A continuación se exponen las vidas y obras de algunos de los compositores más destacados de esta etapa.
Pincha sobre el nombre del que quieras conocer:
GABRIELI, Andrea y Giovanni
DI LASSO, Orlando
PALESTRINA, Giovanni Perluigi da
DE VICTORIA, Tomás Luis
AUDICIONES DEL TEMA
A continuación se exponen una serie de audiciones sobre la música de este tema. Pincha sobre el altavoz de
la pieza que quieres escuchar.
MÚSICA RELIGIOSA
COMPOSITORES DESTACADOS
A continuación se exponen las vidas y obras de algunos de los compositores más destacados de esta etapa.
Pincha sobre el nombre del que quieras conocer:
BACH, Johann Sebastian
CORELLI, Arcangelo
FRESCOBALDI, Girolamo
HAENDEL, Georg F.
LULLY, Jean-Baptiste
MONTEVERDI, Claudio
PERGOLESI, Giovanni Battista
LA MÚSICA DE ORQUESTA:
Durante el Clasicismo, la orquesta evoluciona hasta convertirse en uno de los medios de expresión más
utilizados por los compositores.
La constitución de las orquestas va a seguir dependiendo de las posibilidades económicas y de la
disponibilidad de instrumentistas. Sin embargo, las orquestas poco a poco se fueron uniformizando, de
manera que hacia finales del siglo XVIII ya podemos hablar de un modelo de orquesta clásica con una
sección de cuerda (violines, violas, violonchelos y contrabajos), una de viento (flautas, oboes, clarinetes,
fagots, trompas,…) y una de
percusión (timbales,
platillos,…)
En esta concreción de la
orquesta hubo un personaje que
influye en gran medida: Johann
Stamitz. Este hombre fue
promotor y director deLa
Escuela de Mannheim, una
escuela de música situada en
esa localidad alemana que en su
época contó con la mejor
orquesta del mundo.
Dentro de las novedades que
Stamitz introduce en el mundo
de la orquesta podemos
destacar las siguientes:
o Disciplina en el
estudio: a su
orquesta se le
conocía con el
sobrenombre de
“Ejército de generales”
o Trabajo por secciones instrumentales: antes de comenzar con los ensayos generales.
o Búsqueda y desarrollo del color orquestal: la orquesta se debe comportar como un solo
instrumento, no como un conjunto de instrumentos.
o Incorporación de nuevos recursos que aumentan las posibilidades tímbricas de la orquesta
como el Crescendo y el Diminuendo.
Muchas de estas y otras innovaciones que Stamitz introduce en el mundo de la orquesta siguen vigentes
hoy en día.
LAS FORMAS INSTRUMENTALES
Durante el Clasicismo, los compositores van a trabajar innumerables formas musicales, que adaptaban
a las necesidades de sus pedidos o a sus gustos. Algunas formas que destacaron fueron el divertimento, la
serenata o la casación. Sin embargo, las tres formas más importantes de la época fueron las siguientes:
LA SONATA:
Esta forma instrumental surgida en el Barroco,
se convertirá durante el Clasicismo en el principal
modelo de composición para la música
instrumental de la época.
Se trata de una obra musical compuesta para un
teclado o para otro instrumento acompañado
normalmente por un instrumento de teclado. La
sonata consta de cuatro partes denominadas
movimientos. Cada uno de esos movimientos se
distingue por su tempo y por su estructura, distinta
de los demás.
1. Rápido (Allegro) En la
tonalidad principal
2. Lento (Andante o largo) En
una tonalidad vecina.
3. Ligero (suele ser un Minueto)
Tonalidad libre.
4. Rápido (Allegro o presto)
Tono principal.
LA SINFONÍA:
Otros instrumentos,
sobretodo los de viento,
mejorarán sus posibilidades ya
que serán mejorados
técnicamente por los
constructores. Esto permitirá ampliar registros, mejorar timbres,…
Una de las grandes aportaciones del Clasicismo fue la mejora e
incorporación del clarinete a la orquesta. Este instrumento de
viento fascinó a Mozart, que compuso para él uno de sus más bellos
conciertos.
COMPOSITORES DESTACADOS
A continuación se exponen las vidas y obras de algunos de los compositores más destacados de esta etapa.
Pincha sobre el nombre del que quieras conocer:
BEETHOVEN, Ludwig van
BOCCHERINI, Luigi
GLUCK, Christoph W.
HAYDN, Franz Joseph
MOZART, Wolfgang Amadeus
AUDICIONES DEL TEMA
A continuación se exponen una serie de audiciones sobre la música de este tema.
ÓPERA
EL POST-ROMANTICISMO
La etapa nacionalista coincide en el tiempo con los últimos coletazos del
Romanticismo, que se produjeron sobretodo en Alemania. A este movimiento se
le conoce con el nombre de Post-Romanticismo, que tanto en el ámbito expresivo
como en el técnico constituye una prolongación del lenguaje romántico.
Los autores post-románticos buscan llevar hasta el límite la exaltación de la
individualidad y los estados anímicos personales. El resultado es un sonido
amplio y, a menudo, grandioso, que se logra mediante orquestas muy numerosas
y una rica y variada utilización de los instrumentos.
Entre los compositores más destacados del post-romanticismo podemos
nombrar a Gustav Mahler (Sinfonía nº 1 "Titán"), Richard Strauss (Así hablaba
Zaratustra) y Sergei Rachmaninov (Sinfonía nº 1 en re menor). Todos los artistas
post-románticos se verán muy influidos por la obra de R.Wagner y tendrán a su
vez influencia en las primeras corrientes vanguardistas.
COMPOSITORES DESTACADOS
A continuación se exponen las vidas y obras de algunos de los compositores
más destacados de esta etapa. Como el Romanticismo es la etapa más abundante en músicos, los hemos
dividido en tres grupos dependiendo de sus características. Pincha sobre el nombre del que quieras conocer:
"ESTUDIO". F. Liszt
INTRODUCCIÓN
Desde el punto de vista cronológico, a la música de este periodo se le llama música contemporánea y tiene
su origen en los movimientos nacionalistas del último Romanticismo que darán lugar a otras tendencias, en
cierto modo continuistas, como el Impresionismo o el Expresionismo.
CONTEXTO HISTÓRICO:
El siglo XX es un periodo de cambios
acelerados. El desarrollo de las
comunicaciones y de las tecnologías van
a influir en gran medida durante el
transcurso de este periodo. Sin embargo,
los problemas socioeconómicos y
políticos derivados de la Revolución
Industrial culminan a principios de siglo
con la Primera Guerra Mundial (1914-
1918) y la Revolución Rusa (1917) y más
tarde con la Segunda Guerra Mundial
(1939-1945). Estos hechos sacuden hasta
lo más íntimo las conciencias de la
población. El panorama europeo es
desolador ya que las guerras trajeron
millones de muertos y muchas personas se vieron obligadas a abandonar sus países.
Sin embargo, nada más terminar 2º Guerra Mundial se inicia una reconstrucción que abarcará todos los
ámbitos: político, económico, social, ético y, por supuesto, artístico. El auge de la tecnología, los medios de
transporte y las telecomunicaciones convierten a nuestro planeta en una aldea global que conoce casi con total
inmediatez lo que ocurre en el mundo entero.
CONTEXTO CULTURAL:
El siglo XX es un periodo en el que los cambios y las
novedades en el mundo del arte se van a dar con gran
velocidad. Nunca antes, en la historia se había visto
proliferar tal cantidad de escuelas, movimientos y
novedades como ahora. Los cambios y las tendencias se
suceden de forma acelerada. Estamos ante una época de
replanteamiento estético y formal del arte. Todos los
movimientos que surjan tendrán un nexo común: el deseo
de ruptura con el pasado.
El contacto de la sociedad europea con culturas lejanas,
propiciado por el avance de las comunicaciones y las
exposiciones universales aportará nuevos horizontes a la
creación artística. Desde finales del siglo XIX la pintura
asume un liderazgo indiscutible en el terreno artístico, ya
que encabezará todos los cambios y vanguardias que vayan surgiendo en el transcurso del siglo XX.
CONTEXTO MUSICAL:
El mundo de la música también se verá influido por ese cambio social y cultural. La música, cuyos recursos
tradicionales habían sido explotados hasta la saciedad por los autores románticos, busca abrirse nuevos
caminos y romper con el pasado. Gran cantidad de estilos vanguardistas musicales se irán yuxtaponiendo en
el transcurso del siglo en busca de la novedad y la experimentación, a través de un cambio estético que dará
lugar a las composiciones más variopintas.
La aparición de nuevos géneros como el jazz o el rock y sus derivados
arrebatará a la música culta el protagonismo, casi exclusivo, del que había
gozado durante siglos. Poco a poco se irá convirtiendo en una música de
minorías, ajena al éxito y a los intereses comerciales. En la segunda mitad
de siglo, la llegada de la tecnología alterará la forma de componer e
interpretar la música. Por primera vez en la historia los medios electrónicos
e informáticos tendrán una función importante dentro del fenómeno musical.
CARACTERÍSTICAS MUSICALES
Aunque es complicado establecer unas características generales al abordar la multitud de corrientes que se
van a dar en este siglo, cada una de ellas con sus propios fundamentos, vamos a destacar algunas ideas
generales:
La pérdida de unidad estilística y técnica se hace evidente ya que no
hay un lenguaje y un tipo de expresión únicos, sino una pluralidad de
movimientos. Cada compositor busca su propio lenguaje musical para
expresarse.
La ruptura con el pasado se manifiesta en el progresivo abandono del
lenguaje tonal, que parece haber llegado a su fin. El ritmo adquiere gran
protagonismo.
Búsqueda de la novedad, ninguna obra puede parecerse a otra y para
ello hay que experimentar con todo lo que se tenga a mano. Cualquier
objeto puede ser capaz de producir música.
El compositor no busca la belleza de melodías, sino llamar la atención
del oyente, por lo tanto nos encontraremos ante piezas extrañas
que no tienen nada que ver con la música que se había realizado
hasta entonces.
En algunas corrientes, sobre todo en la 2º mitad de siglo, el
compositor acompaña su obra con textos explicativos propios
para que la obra se pueda interpretar y entender, ya que a
menudo se usan sistemas de notación no convencionales.
Además, en esta época, entrarán en juego los avances
electrónicos e informáticos.
MÚSICA EN LA 1ª MITAD DE SIGLO XX
A comienzos de siglo, los nuevos lenguajes se fueron imponiendo de manera gradual, y con mucha
dificultad, en un mundo aún dominado por los últimos grandes compositores del Postromanticismo y
del Nacionalismo. Compositores que, a pesar de componer en el umbral del siglo XX, tuvieron una
gran influencia posterior.
La nueva concepción de componer vino de dos ciudades
diferentes, que fueron París y Viena. En el primer caso con
las aportaciones del Impresionismo de la mano de C.
Debussy, que supone un punto de partida para la música de
vanguardia; en el segundo con la ruptura que suponía la
música de Arnold Schoenberg y sus discípulos en la
Escuela de Viena.
Hubo otras rupturas, incluso más radicales, como la del
Futurismo en Italia, que aunque no tendrán mucha vigencia
como corriente estética, influirán en los movimientos que
tendrán lugar en la 2ª mitad de este siglo. Otros
movimientos, como el Neoclasicismo, intentarán devolver
a la música a sus cauces tradicionales.
IMPRESIONISMO
El
Impresionismo
puede considerarse como la primera
manifestación contemporánea del siglo XX. En las
últimas décadas del Romanticismo, un grupo de pintores
franceses se interesaron por el trabajo al aire libre. Un
lienzo de Claude Monet titulado "Impresión, sol naciente"
será el origen del movimiento impresionista, estilo que
adoptarán otros pintores y que más tarde se trasladará al
mundo de la música. Se trata de pinturas que plasman
paisajes y ambientes difuminados, en las que no se
busca la perfección y realismo del cuadro, sino la
impresión que produce en los ojos de quien lo observa.
El impresionismo musical será un movimiento típicamente francés, relacionado con la tendencia pictórica.
Posiblemente es la corriente más novedosa y original de todas las que se dan en esta época. El compositor más
destacado de este movimiento es Claude Debussy, con obras como "Preludio a la siesta de un fauno" (1894).
Al igual que la pintura impresionista, la música de Debussy es una música de atmósferas y de sentimientos
sutiles, carente de la grandiosidad post-romántica. Las características de esta música son:
Melodías desdibujadas (igual que en pintura), sin líneas ni cadencias claras, que utilizan escalas
modales, pentatónicas, cromáticas o de tonos enteros.
Armonía libre, con acordes incompletos a los que Debussy llama flotantes, que toman su valor por su
sonoridad, no por su función tonal, para convertirse en líneas y manchas que se desvanecen en el
tiempo y el espacio.
Nuevo concepto de timbre, utilizando los instrumentos de forma individual y no como conjunto
orquestal (collage).
Incorporación de elementos musicales orientales, tanto melódicos o rítmicos como armónicos.
Uno de los continuadores de la obra impresionista de Claude Debussy será el francés Maurice Ravel,
conocido por su obra "El bolero".
EXPRESIONISMO
El término Expresionismo aparece a partir de 1911 para designar un estilo pictórico en el que, poco a poco
forma y color dejan de estar obligados a imitar la realidad. Este
movimiento es predominantemente alemán y afectará a la música y
literatura, además de a la pintura. Se caracteriza por buscar la
expresión del alma del ser humano de forma dura y pesimista. El tema
principal del Expresionismo es el hombre y su vivencia interior llena
de conflictos y temores, que muestra una realidad distorsionada
marcada por el dolor y la angustia.
La obra "El grito", de Edward Munch, es considerada como la
primera manifestación expresionista. En música, el compositor más
representativo de esta tendencia es Arnold Schoenberg, que considera
la música como medio para expresar la personalidad del hombre. Las
principales características del Expresionismo son:
Búsqueda de lo dramático mediante el uso constante de
disonancias que producen una tensión continua, sin
momentos de reposo.
Utilización de un sistema atonal, que rompe con todas las reglas tradicionales de organización
melódica y armónica.
Pérdida del concepto de melodía en favor de un canto recitado (sprechgesang), que tiene como objetivo
la expresión violenta y agresiva del texto.
Normalmente son obras para pequeñas formaciones de cámara, en las que cada instrumento tiene el
papel de solista.
Una de las obras más destacadas de esta corriente es "Pierrot Lunaire", ciclo de 21 melodramas compuestos
sobre poemas de Albert Giraud.
ATONALISMO
Este movimiento se funde con la corriente expresionista. Durante la primera década del siglo XX, los excesos
de los post-románticos en el plano de la armonía, hicieron que poco a poco la
tonalidad, que hasta entonces organizaba y era la base de las obras musicales,
perdiera su papel.
El Atonalismo nace cuando una serie de compositores, con Arnold Schoenberg a
la cabeza, deciden otorgar a la disonancia la misma importancia que a la consonancia
y escribir sus obras con una tonalidad concreta. Esto implica que todas las notas
tienen el mismo valor, sin jerarquías. De ahí la sensación de que se han perdido los
puntos de equilibrio y de orientación, por lo que para nuestros oídos, la música
atonalista suena desafinada.
Entre las obras en las que Schoenberg recurre al Atonalismo, podemos destacar
"Cuarteto nº 2" y "La noche transfigurada". Esta ruptura con la tonalidad influiría
también en artistas como Richard Strauss, Gustav Mahler, Edgar Varese o Charles
Ives, entre otros. Sin embargo, la corriente del Atonalismo como tal tuvo una vida
efímera, ya que se trataba de componer sin ningún tipo de normas, sumiendo a la música en una especie de
caos.
DODECAFONISMO
Los fundamentos de la música dodecafónica fueron elaborados y desarrollados a comienzos del siglo XX
por el compositor austríaco Arnold Schoenberg y dos de sus discípulos y amigos: Alban Berg y Anton Webern,
que son conocidos en conjunto como Escuela de Viena. Este método fue creado en 1923 y también fue
conocido como Serialismo.
Después del periodo atonal y tras varios años de
inactividad, el mismo Schoenberg dio un paso de
gigante al inventar un sistema de organización para las
obras, que, en cierto modo, vino a cumplir el papel que
durante siglos había representado la tonalidad.
La técnica dodecafónica consistía en definir una serie
con las doce notas de la escala cromática (distancia de
medio tono entre notas), que podían ordenarse de la
forma que el compositor decidiera. Sin embargo, una
vez establecido el orden, éste debía mantenerse a lo
largo de toda la obra; era precisamente esta serie la que
se erigía como la estructuradora de toda la composición. Desaparece, por tanto, la jerarquía entre los grados
de la escala, originando una música atonal que podríamos asociar a la pintura abstracta de autores como V.
Kandinsky.
Pronto, los compositores dodecafónicos se dieron cuenta de que una sola serie limitaba enormemente las
posibilidades compositivas; por ello, para disponer de un mayor margen de acción, se empezaron a utilizar en
la misma obra otras series derivadas de la primera, retrógrada (hacia atrás), invertida (en espejo) o retrógrada
invertida.
FUTURISMO
Es un movimiento estético nacido en Italia en 1909. Se trata de la corriente más radical del siglo XX, y su
principal precursor es Tómmaso Marinetti, artista y escritor que tuvo gran repercusión en las artes plásticas.
Su incidencia en el terreno musical fue más bien escasa, afectando casi exclusivamente a la obra de los italianos
Luigi Russolo y Balilla Pratella.
El movimiento futurista se basa en la introducción de los ruidos y las
máquinas en la música. Los futuristas se inspiran en el ambiente industrial
de la sociedad del siglo XX. Buscan enriquecer el sonido y desvincularse
del pasado, declarando la guerra a la tradición y a los timbres limitados de
los instrumentos convencionales. Russolo, en 1913, publica "El manifiesto
de los ruidos", obra en la que se dan a conocer los fundamentos de esta
corriente. En este libro, el autor clasifica los instrumentos de la orquesta
futurista en seis familias, en las que podemos encontrar gruñidos, silbidos,
risas, gritos, golpes... Russolo, fue capaz de crear un instrumento capaz de
producir ruidos variados. A este artefacto lo denominó "entonarruidos"
La corriente futurista, en su sentido más estricto, no duró mucho tiempo,
pero su idea de conectar la música con la realidad utilizando los ruidos de la vida moderna, tendrá una gran
influencia en muchos compositores contemporáneos y anticipará las técnicas de la música concreta.
Entre los músicos más influenciados por el Futurismo podemos citar a Edgar Varese, con obras como
"Ionization" (primera obra en la historia escrita únicamente para instrumentos de percusión) o Arthur
Honegger, con "Pacific 231" (obra que describe el movimiento de una locomotora).
NEOCLASICISMO
El Neoclasicismo (nuevo Clasicismo) surge entorno a 1920 como reacción al Post-Romanticismo, el
Impresionismo y el Expresionismo. Es quizá el movimiento que menos novedades aporta durante este periodo;
supone una vuelta a la claridad formal del Clasicismo, y el rechazo a una concepción expresiva de la música
cargada de significados subjetivos.
Se vuelve al cultivo de las formas y géneros clásicos, buscando una nueva
sencillez, ya que aspira a devolver a las obras musicales la comprensibilidad y el
placer para el oído. Por esa razón, la mayoría de las obras de este movimiento
recuperan la tonalidad clásica.
Entre los principales representantes de esta tendencia se encuentra el francés Erik
Satie y el llamado "Grupo de los Seis", cuyos ideales fueron expuestos en 1918:
"basta ya de nubes, olas, ondas y fragancias nocturnas. Necesitamos una música con
los pies en la tierra, una música cotidiana,...". Una conocida obra de Satie es la
titulada "Gymnopédie nº 1". Otro conocido autor de inspiración neoclásica fue el
ucraniano Sergei Prokofiev que compuso obras como "La Sinfonía clásica op. 25" o
el ballet "Romeo y Julieta"
COMPOSITORES DESTACADOS
A continuación se exponen las vidas y obras de algunos de los compositores más
destacados de esta etapa. Pincha sobre el nombre del que quieras conocer:
BERG, Alban
DEBUSSY, Claude
HONNEGER, Arthur
MESSIAEN, Oliver
RAVEL, Maurice
SATIE, Erik
SCHOENBERG, Arnold
STOCKHAUSEN, Karlheinz
STRAVINSKI, Igor
WEBERN, Anton von
AUDICIONES DEL TEMA
A continuación se exponen una serie de audiciones sobre la música de este tema.
MÚSICA INSTRUMENTAL
1ª mitad de siglo