2/5/2018 Caravaggio - Wikipedia, la enciclopedia libre

Caravaggio
Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán, 29 de
septiembre de 1571-Porto Ércole, 18 de julio de 1610) fue un Michelangelo Merisi da
pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia Caravaggio
entre 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran
exponente de la pintura del Barroco.

Índice
Introducción
Biografía
Primeros años (1571-1594)
Roma (1592-1600)
El más famoso pintor de Roma (1600-1606)
Exilio y muerte (1606-1610)
Caravaggio como artista
El nacimiento del Barroco
Los «Caravaggistas»
Muerte y renacimiento de su reputación
Influencia en la pintura moderna Retrato del pintor Caravaggio, dibujado por
Obras existentes y perdidas Ottavio Leoni
Obras de Caravaggio en España Información personal
Caravaggio en el cine Nombre de
Michelangelo Merisi
Véase también nacimiento
Referencias Nacimiento 29 de septiembre de 1571
Bibliografía utilizada Milán,1 2 Italia
Enlaces externos Fallecimiento 18 de julio de 1610, (38 años)
Porto Ércole, Italia
Nacionalidad italiana
Introducción Educación
Alumno de Simone Peterzano
Después de varios años de trabajo, Caravaggio Información profesional
pasó de una ciudad a otra sirviendo a varios Área Pintura
señores importantes. Es una persona
Género Pintura religiosa
trabajadora, pero a la vez orgullosa, terca y
Obras Los discípulos de Emaús
siempre dispuesta a participar en una discusión
notables (Caravaggio, Londres)
o a enfrascarse en una pelea, por lo que es difícil
llevarse bien con él. El amor victorioso
Cabeza de Medusa
Floris Claes van Dijk.3
Cesto con frutas
Salvo en sus principios, Caravaggio produjo La buenaventura
mayoritariamente pinturas religiosas. Sin embargo, a Siete obras de misericordia
menudo escandalizaba y sus lienzos eran rechazados por Baco enfermo

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sus clientes. Dos de los reproches habituales eran el Baco

realismo de sus figuras religiosas rozando el naturalismo
Firma
temprano, así como la elección de sus modelos entre la
gente de más baja condición.4 En lugar de buscar bellas
figuras etéreas para representar los actos y personajes de la
Web
Biblia, Caravaggio prefería escoger a sus modelos de entre
Sitio web caravaggio.ru (http://caravaggi…
el pueblo: prostitutas, chicos de la calle o mendigos posaron
a menudo para los personajes de sus cuadros. Para La [editar datos en Wikidata]

Flagelación, compuso una coreografía de cuerpos en

claroscuro con un Cristo en movimiento de total abandono y de una belleza carismática. Para el San Juan Bautista con
el carnero, muestra a un jovenzuelo de mirada provocativa y en posición lasciva —se decía que el modelo era uno de
sus amantes—.5 La posición de la Iglesia al respecto da testimonio de cierta esquizofrenia:[cita requerida] por una parte,
este tipo de vulgarización de la religión le interesa mucho en una época en la que la Contrarreforma se extiende por la
Italia católica, con el fin de mostrarse bajo una apariencia humana en contraste con la austeridad pregonada por el
protestantismo; por otra parte, la representación de los santos bajo rasgos vulgares de golfos salidos de los bajos
fondos fue juzgado incompatible con los valores de pureza y de santidad quasiaristocráticos que transmitía la Iglesia
de aquella época.4 Este sentimiento se reforzó por la elección de Caravaggio de preocuparse enormemente por el
realismo en la ejecución de sus figuras: rechazaba corregir las imperfecciones de sus modelos para representarlos más
«bellos» o de un modo más acorde a las visiones que la Iglesia tiene de sus santos. Por ejemplo, la primera versión de
su San Mateo y el ángel fue rechazada no sólo por la sensualidad del ángel, que fue juzgada como trivial, sino también
por la suciedad de los pies del santo, minuciosamente reproducida del modelo.4 La pintura de Caravaggio que causaría
el mayor escándalo a los ojos de la Iglesia fue La muerte de la Virgen, por la representación tan realista del cuerpo de
la Virgen María con el vientre hinchado —acompañado de sulfurosos rumores según los cuales el modelo habría sido el
cadáver de una prostituta encinta ahogada en el Tíber—. Así, la consideración de la Iglesia católica hacia Caravaggio y
sus cuadros oscilará de un extremo a otro de su carrera entre el acogimiento entusiasta y el rechazo absoluto. El pintor
encontrará en ella sus mayores protectores —como el cardenal Del Monte— así como a sus más grandes enemigos.6

En 1606 asesinó a un hombre durante una reyerta, por lo que huyó de Roma pues las autoridades habían puesto precio
a su cabeza. En 1608 se vio nuevamente envuelto en otra riña, lo que se repitió más tarde en Nápoles hacia 1609,
ocasionado posiblemente por un atentado en su contra, realizado por sus enemigos. Tras estos incidentes, su carrera
fue decayendo, lo que le ocasionó una depresión que degeneró en su muerte dos años más tarde.7 La Contrarreforma
motivó la necesidad de crear más iglesias para difundir la doctrina, por lo que las pinturas fueron imprescindibles para
su decoración. La Contrarreforma necesitaba buscar un nuevo arte que expresase de mejor forma la doctrina católica
en contraposición al protestantismo. Tomando como base las reglas del manierismo, Caravaggio creó una nueva forma
de naturalismo, en la que combinó figuras cerradas con la observación física, dramática y teatral de los objetos, a lo
que sumó el aprovechamiento del claroscuro, es decir, el uso de luces y sombras.8

En su tiempo, Caravaggio fue famoso, apreciado, reconocido y además ejerció gran influencia sobre sus
contemporáneos. Sin embargo, en siglos posteriores su fama fue eclipsada por otros pintores de su época como
Poussin, Rubens o Rembrandt, si bien todos ellos acusaron su influencia en mayor o menor medida. Sin embargo, su
figura recobró importancia en el siglo XX al estudiarse nuevamente el arte barroco italiano. Desde el estudio del
barroco, se pudo apreciar nuevamente al manierismo, y con él a Caravaggio. Andre Berne-Joffroy, secretario de Paul
Valéry, dijo acerca del artista italiano: «Caravaggio comenzó con su arte algo simple, la pintura moderna».9

Biografía

Primeros años (1571-1594)

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Caravaggio nació en Milán,10 donde su padre, Fermo Merisi, trabajaba como administrador y arquitecto decorador
del Marqués de Caravaggio, ciudad de la que más tarde tomaría el nombre. Su madre Lucía Aratori provenía de una
familia adinerada del mismo lugar. En 1576 la familia se mudó a Caravaggio debido a la peste que azotó Milán. El
padre de Caravaggio falleció en 1577. La cercanía con las familias Colonna y Sforza ayudó más tarde a Caravaggio en su
carrera.11

En 1584 entró a trabajar como aprendiz del pintor lombardo Simone Peterzano, quien fue descrito en el contrato como
pupilo de Tiziano. Tras concluir su aprendizaje comenzó a moverse en el circuito Milán-Caravaggio, y probablemente
visitó Venecia, donde debió conocer las obras de Giorgione (las que Caravaggio fue acusado de copiar) y de Tiziano. Su
familia le mostró el patrimonio artístico y cultural de Milán, su ciudad natal, donde tuvo la oportunidad de conocer la
obra La última cena de Leonardo da Vinci. El arte milanés era, en sus propias palabras, «un estilo en el que valoraba
"la simplicidad y la atención al detalle naturalista", y que estaba más próximo al naturalismo de Alemania que a la
formalidad y la grandeza del manierismo romano».12

Roma (1592-1600)
Hacia mediados de 1592 Caravaggio llegó a Roma, «desnudo y
extremadamente necesitado, sin una dirección fija y sin provisiones...
además corto de dinero».13 Pocos meses después comenzó el trabajo
exitoso que no concluiría hasta dejar Roma. Contactó con Giuseppe Cesari,
pintor de cámara de Clemente VIII, «pintor de flores y frutos»,14 quien le
ofreció trabajo en su taller de pintura. Caravaggio pintó varios cuadros
durante esa época, entre los que se incluyen Muchacho pelando fruta (su
primera pintura conocida), Cesto con frutas y Baco, supuestamente un
autorretrato realizado tras una convalecencia posterior a su salida del taller
de Cesari.

Estas tres obras demuestran una particularidad física —un aspecto de su

realismo—, por el cual Caravaggio adquirió renombre: las frutas de la
canasta en Cesto de frutas fueron analizadas por un profesor de
horticultura, quien logró descubrir cultivos particulares en el cuadro: «una
La crucifixión de San Pedro, 1601.
gran hoja de higuera, con una mancha causada por un hongo, que parece
Cappella Cerasi, Santa Maria del
ser antracnosis».15 Popolo, Roma.

Caravaggio abandonó el taller de Cesari en enero de 1594, decidido a

abrirse paso por su propia mano. Su fortuna económica estaba en su punto más bajo pero fue entonces cuando
comenzó a forjar importantes amistades, como el pintor Próspero Orsi, el arquitecto Onorio Longhi y el joven siciliano
Mario Minniti. Orsi, establecido en las altas esferas de la ciudad, le introdujo con los grandes coleccionistas; Longhi,
más hostil, le llevó al mundo de las peleas callejeras romanas, mientras que Minniti le sirvió de modelo y años más
tarde fue su ayudante en Sicilia.16

La buenaventura es su primera composición con más de una figura, en la que muestra a Mario engañado por una niña
gitana. Este tema fue un poco nuevo para la sociedad romana y además demostró una increíble influencia sobre el arte
italiano, pero eso ocurrió en el futuro pues en su época Caravaggio lo vendió por una pequeña suma de liras. Los
jugadores de cartas —que muestra otra poco sofisticada forma en que un chico cae en la trampa de los jugadores de
cartas— es psicológicamente más compleja que sus anteriores obras y por ello fue considerada como su primera obra
maestra. Al igual que La buenaventura, fue inmensamente popular, y de ella sobreviven alrededor de cincuenta
copias. Más importante aún, fue atraída por el patronato del cardenal Francesco María Del Monte, en Roma. Para el
cardenal y su círculo amante del arte, Caravaggio ejecutó un gran número de obras de cámara, como Los músicos,
Apolo tocando el laúd, una copia de su Baco y una alegoría realista, Chico mordido por una lagartija, en la que Mario

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destaca como modelo.17 La posibilidad de un ambiente homoerótico de

esas pinturas ha sido centro de disputas entre los estudiosos de su figura,
desde que esta teoría fue planteada a mitad del siglo XX.18

Caravaggio adquiere una nueva

forma de realismo, pues por
primera vez le son encargados
trabajos religiosos. La
Contrarreforma necesitaba
adornar sus vistosos templos, y
Caravaggio fue uno de los
comisionados para ilustrar sus
Niño con un cesto de frutas, h. nuevos templos. La primera de Los jugadores de cartas, h. 1594.
1593. Óleo sobre lienzo,
estas pinturas fue Magdalena Óleo sobre lienzo, 107 x 99 cm.
67 x 53 cm. Galería Borghese,
Penitente, en la que muestra a Museo de Arte Kimbell, Fort Worth,
Roma.
Texas.
la pecadora bíblica
abandonando su vida de
cortesana y sentándose a llorar en el piso, mientras sus joyas se encuentran tiradas a su alrededor. «No parece una
pintura religiosa del todo, ¿una chica sentándose a llorar en el piso mientras seca su cabello? ¿Dónde queda el
sufrimiento, la redención, la promesa de salvación?».19 Esto es entendido a la manera lombarda, no tan
histriónicamente como los romanos. Este estilo de pinturas fue repetido en sus siguientes trabajos, también
eclesiásticos: San Francisco de Asís en meditación, San Francisco de Asís en éxtasis, Los músicos, Descanso en la
huida a Egipto, Marta y María Magdalena y David con la cabeza de Goliat. Al ser presentados públicamente, estos
cuadros catapultaron la fama de Caravaggio en el pueblo y en el gremio artístico. Pero esta reputación dependía
totalmente de los encargos públicos, que eran necesarios para mantener satisfecha a la Iglesia.

El más famoso pintor de Roma (1600-1606)

En 1599, presumiblemente bajo la influencia del cardenal Del Monte,
Caravaggio fue contratado para decorar la Capilla Contarelli, en la iglesia
romana de San Luis de los Franceses. Los dos trabajos hechos para este
encargo fueron: El martirio de San Mateo, y La vocación de San Mateo,
entregados en 1600. El tenebrismo se mostró una vez más en estos
trabajos, aumentando el claroscuro y un realismo barroco muy emocional.
Este claroscuro se realizaba mediante el contraste de luces proyectadas
sobre los elementos de la obra, otorgándole mayor importancia a unos
sobre otros. De ahí que mediante esta técnica le aplicase cierta esencia
tenebrosa a la obra. Fue criticado por su excesivo realismo y por no usar
dibujos preparatorios. Mientras que algunos de los pintores italianos
La vocación de San Mateo. Óleo
aclamaron a Caravaggio por estas obras, que lo encumbraban, siempre
sobre lienzo, h. 1599-1600. Capilla
Contarelli, San Luis de los desde su punto de vista, como maestro del arte religioso italiano: «Los
Franceses, Roma. pintores romanos de la época fueron sorprendidos grandemente por estas
pinturas, principalmente los jóvenes. Estos se reunieron en un círculo en
torno al pintor, aclamándole como el mejor artista de la naturaleza y
considerando su obra como un milagro».20 En La vocación de San Mateo, Caravaggio muestra un haz de luz entrando
por una ventana, que expresa simbólicamente la conversión de Leví en Mateo. Otras alegorías a la redención del
cobrador de impuestos son la bisagra de la puerta sostenida por los ángeles, a partir de nubes u otros artefactos.

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Caravaggio siguió haciendo durante algún tiempo encargos religiosos, en

los que destacaba la muerte en figuras grotescas de martirios,
decapitaciones y asesinatos. Para la mayoría de la gente romana, estas
obras aumentaron la popularidad del pintor, mientras que para algunas
personas les parecía violento y sin el verdadero sentido de la doctrina
católica, por lo que Caravaggio debió rehacer algunas pinturas sin el
sentido violento característico de su obra. La esencia del problema
consistía en que Caravaggio tenía una forma bastante explícita de
representar el dramatismo, visto muchas veces como vulgar.21 Justo en
ese año surgió el primer gran escándalo de su carrera: Caravaggio debía
pintar a San Mateo inspirado para escribir su evangelio, junto a un ángel
que supuestamente le dictaría las divinas enseñanzas. Pero Caravaggio,
joven y sin experiencia en trabajos religiosos, representó al santo como un
hombre viejo, parecido a un jornalero, con la frente arrugada y sosteniendo
torpemente el libro, como si estuviese cansado. El ángel fue pintado como
un adolescente, casi niño, que llevaba la mano de Mateo cual maestro que
enseña a escribir al alumno. Como era de esperarse, la obra fue rechazada
Muerte de la Virgen (1601-1606).
por el clero y el pueblo, por considerarla una falta de respeto hacia el santo.
Óleo sobre lienzo, 396 x 245 cm.
Caravaggio debió pintarla de nuevo, ateniéndose a los cánones más
Museo del Louvre, París.
ortodoxos de la pintura sacra. El primer cuadro se conservó, hasta que fue
destruido en el siglo XX.22 De forma similar, La conversión de San Pablo
tampoco fue aceptada, pero otra versión pictórica del mismo tema bíblico, (La conversión de San Pablo en el camino a
Damasco), sí lo fue. La primera mostraba al santo empequeñecido ante el caballo, lo que no gustó al pueblo de Roma.
Un soldado y Caravaggio discutieron bruscamente por este tema: «¿Por qué has puesto al caballo en medio y a San
Pablo en el suelo. ¿Es acaso el caballo Dios? ¿Por qué?», a lo que Caravaggio respondió: «No, pero el animal está en el
centro de la luz de Dios».23

Otros trabajos incluyen El entierro de Cristo, la Madonna de Loreto (también conocida como Madonna de los
peregrinos), Madonna con el niño y Santa Ana y la Muerte de la Virgen. Las últimas dos pinturas atestiguaron, de
forma especial, un recibimiento poco cálido entre el pueblo de Roma. La Madonna con el niño y Santa Ana, conocida
como Madonna dei palafrenieri fue pintada para un pequeño altar de la basílica de San Pedro, sólo permaneció en su
lugar dos días, y fue retirada. El secretario de un cardenal escribió al respecto: «En esta pintura todo es vulgaridad,
sacrilegio y disgusto. Una cosa puedo decir, es un trabajo hecho por un pintor que no pinta bien, con un espíritu
oscuro y que ha estado alejado de Dios durante mucho tiempo, y también de cualquier otra cosa buena». La muerte de
la virgen, le fue encargada a Caravaggio por un acaudalado jurista, quien pensaba ubicar el cuadro en su capilla
personal, mantenida por carmelitas. Estos rechazaron terminantemente el cuadro en 1606, y el contemporáneo de
Caravaggio, Giulio Mancini recuerda que el hecho que motivó tal rechazo fue que el pintor usó a una reconocida
prostituta como modelo para la Virgen;24 Giovanni Baglione, otro contemporáneo, relata que otro punto por el que la
obra no obtuvo aceptación fue que la virgen tenía las piernas desnudas25 —un problema de decoro en cualquier caso
—. John Gash, estudioso de Caravaggio, sugiere que el problema para los carmelitas era que tenían una visión más
teológica que estética, y que por ello Caravaggio falló al plasmar de manera errónea la doctrina de la Asunción de
María, en específico la idea de que la Madre de Dios no murió en forma ordinaria sino que fue llevada al cielo. El
reemplazo para el altar fue hecho por uno de los más conspicuos discípulos de Caravaggio, Carlo Saraceni, en la que
mostraba a la Virgen viva y sentada, al igual que Caravaggio, pero en actitud casi moribunda. Nuevamente rechazada,
en el trabajo que la sustituyó la Virgen ya se veía siendo llevada al cielo por ángeles. La muerte de la Virgen, fue
comprada por el Duque de Mantua por consejo de Rubens, como un obsequio para el monarca Carlos I de Inglaterra.
Finalmente entró en la corte francesa en 1671.

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Una de las pocas pinturas de carácter secular y no religioso de aquella

época fue El triunfo del amor, pintada en 1602 para Vincenzo Giustiniani,
miembro del círculo social del cardenal Del Monte. En un diario que data
del siglo XVII, el modelo es llamado «Cecco», en italiano, diminutivo de
Francesco. Posiblemente se trató de Francesco Boneri, artista italiano
activo entre 1610 y 1625, y conocido popularmente como Cecco del
Caravaggio.26 La obra muestra a un Cupido desnudo, cargando un arco y
unas flechas, mientras pisotea los símbolos de las artes, las ciencias y el
gobierno. El modelo está desvestido, y es difícil aceptar que se trate de uno
de sus siervos. El punto culminante que relaciona esta pintura con las
religiosas es la intensa ambigüedad con la que el pintor maneja los
modelos de diferentes posturas, ya sea sacra o profana.

Exilio y muerte (1606-1610)

El amor victorioso (1602-1603). Caravaggio tuvo una vida
Óleo sobre lienzo. 156 x 113 cm. tumultuosa. Con una gran
Gemäldegalerie, Berlín. Caravaggio capacidad de enfrascarse en
muestra a Cupido por encima de
riñas, muchas de ellas fueron
todos los poderes terrenales:
en los mismos lugares e incluso
guerra, música, ciencia, gobierno.
se le llegó a procesar por esto.
La noche del 29 de mayo de
1606 mató, probablemente por accidente, a un hombre llamado Ranuccio
Tomassoni.27 Anteriormente, sus mecenas le protegieron de posibles
acciones judiciales en su contra motivadas por riñas, pero esta vez fue
diferente.

Con una orden de aprehensión a sus espaldas y fuera de la ley, Caravaggio

huyó a Nápoles. Allí, bajo la protección de los Colonna, la autoridad
romana veía mermado su poder. Pronto se convirtió en la estrella de la
pintura napolitana. En esta etapa realizó Siete obras de misericordia y la
Madonna del Rosario, entre otros.
Siete obras de misericordia (1607).
El cuadro de la “misericordia“ es el retablo del altar mayor de la iglesia que
Óleo sobre lienzo, 390 x 260 cm.
se encuentra en la "Pio Monte della Misericordia" en Nápoles. Los "siete Pio Monte della Misericordia,
obras de misericordia corporales" se juntan en una única composición . En Nápoles.
la parte superior de la pintura, contemplando toda la escena que tiene
lugar en la parte inferior, está la Virgen con el Niño acompañado por dos
ángeles. En cuanto a los agudos contrastes del claroscuro, se puede
interpretar la luz brillante de Caravaggio como una metáfora de la
misericordia, que “ayuda al público a buscarla en sus propias vidas”.28

Luego de este suceso, Caravaggio permaneció unos meses más en Nápoles

y finalmente marchó a Malta, sede de los Caballeros de Malta. Se piensa
que su viaje fue patrocinado por Alof de Wignacourt, Gran Maestre de la
Orden, quien colaboró al indulto del pintor en el caso Tomassoni. De
San Jerónimo escribiendo, La
Wignacourt estaba tan satisfecho con el trabajo del pintor que le propuso
Valeta, Malta (1608).
como caballero de la Orden. Uno de sus biógrafos, Bellori, señala que
Caravaggio estaba contento con su nueva distinción. Además, se le nombró
pintor general de la misma.

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Los principales trabajos de esta época fueron La decapitación de San Juan

Bautista (la única pintura de Caravaggio con su firma) y Retrato del gran maestre
de la Orden de Malta Alof de Wignacourt, así como retratos de otros caballeros de
la Orden. Las circunstancias que rodean un nuevo y brusco cambio de fortuna del
pintor no han sido reveladas del todo, pero se señala que se debió a una riña
callejera en la que una casa resultó con serios daños y un caballero fue herido de
gravedad.29 El 1 de diciembre de 1608 fue expulsado de la Orden por «faltas a la
moral y ser un miembro non grato».30

Luego de su huida de Malta, Caravaggio se asentó en Sicilia, con el apoyo de su

viejo amigo y discípulo Mario Minniti, quien ahora estaba casado y vivía en
Siracusa. Juntos realizaron una gira de trabajo por Siracusa, Mesina y la ciudad
La flagelación de Cristo
capital, Palermo. En esos años Caravaggio continuó realizando trabajos bien
(1607). Óleo sobre lienzo,
pagados, como La sepultura de Santa Lucía, La resurrección de Lázaro y La
286 x 213 cm. Museo de
Capodimonte, Nápoles. adoración de los pastores. Su estilo siguió evolucionando, con la particularidad de
que ahora se mostraban en sus cuadros figuras aisladas ante un enorme vacío. «Sus
grandes obras sicilianas demuestran sombras aisladas. Al contrario de opacar
pobremente a los personajes, la obra sugiere temores y fragilidades del hombre, a la vez que transmite la belleza y
sencillez de los humildes, mansos y sencillos, que recibirán por herencia la tierra».31 Las críticas contemporáneas han
definido al Caravaggio de esa época como hosco e insociable, que dormía armado y estaba inseguro de su suerte. Su
vida se vio muchas veces reflejada en su obra, la de ese tiempo es burlona y satírica, especialmente con los pintores
locales.32

Después de nueve meses en Sicilia, Caravaggio regresó a Nápoles. De acuerdo a una

de sus más recientes biografías, en Nápoles estaba a salvo del acecho de sus
enemigos, bajo la protección de los Colonna. Además, ya había obtenido perdón,
gracias al nuevo papa, el cardenal Camilo Borghese (posteriormente Paulo V) y
pudo regresar a Roma.33 En Nápoles realizó La negación de San Pedro y El
martirio de Santa Úrsula, su última pintura. Nuevamente, el estilo de Caravaggio
evolucionaba. En El martirio de Santa Úrsula la santa atraviesa uno de los
momentos de mayor intensidad, acción y drama en su martirio, cuando la flecha
disparada por el rey de los hunos, la hiere en sus senos. Todo esto diferencia
especialmente el cuadro de otros, caracterizados por la inmovilidad de sus modelos.
La vivacidad del cuadro abrió una nueva etapa en la carrera del pintor.

La resurrección de Lázaro En Nápoles fue víctima de un intento de

(1609). Museo Nacional, asesinato, por personas desconocidas.
Mesina. Primeramente hubo rumores en Roma
acerca de «la muerte del famoso artista
Caravaggio» y más tarde se supo que
había salvado la vida, pero tuvo serias heridas que le desfiguraron el rostro.
Al recuperarse pintó Salomé sostiene la cabeza de Juan el Bautista,
mostrando su propia cabeza en el plato, obra enviada a Wignacourt para
conseguir el perdón.
El martirio de Santa Úrsula (1610).
En ese mismo tiempo pintó David con la cabeza de Goliat, mostrando al
Óleo sobre lienzo,
joven David con un aura de tristeza al mirar la cabeza del vencido gigante 140.5 x 170.5 cm. Palacio Zevallos
Goliat, algo repetitivo en la obra caravaggista. Este cuadro le fue enviado al Stigliano, Nápoles.
cardenal Scipione Borghese, sobrino del papa, conocido por su falta de
escrúpulos y por sus mecenazgos. Algunos críticos consideran a David con
la cabeza de Goliat, como un pago de Caravaggio por la ayuda prestada por Borghese para obtener el perdón papal.34

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Una de sus obras más conocidas de la época es La negación de San Pedro.

La negación de San Pedro (1610).
Óleo sobre lienzo, 94 x 125 cm.
Museo Metropolitano de Arte,
Nueva York.
En el claroscuro de esta pintura, una mujer señala con sus dedos a Pedro,
mientras que un soldado completa el trío. De esta manera, Caravaggio
representó simbólicamente las tres negaciones de Pedro hacia Cristo. En el
verano de 1610 tomó un barco rumbo a Roma para poder ser indultado, lo
que consiguió gracias a sus influyentes amistades romanas.35 Los extraños
sucesos acontecidos en Roma fueron objeto de muchas suspicacias
populares. El 28 de julio un «avviso» (periódico privado de Roma para la
corte de Urbino) anunció que Caravaggio había muerto. Algunos días más
tarde otro «avviso» afirmó que el pintor había muerto de fiebre en Porto
Ércole. Las confusiones generadas por el segundo aviso fueron tan grandes
que nunca se supo a ciencia cierta la verdad, pero el cuerpo no se encontró.
36 Un poeta, amigo íntimo del pintor, dio como fecha de su muerte el 18

de julio, víctima de fiebre en Porto Ércole,37 cerca de Grosseto, en

Toscana.

Caravaggio como artista

El nacimiento del Barroco

Caravaggio «colocó la oscuridad (sombras) en el claroscuro».38 El
claroscuro llegó a escena mucho antes del arribo de Caravaggio a la
pintura, pero fue éste quien le dio la técnica definitiva, oscureciendo las
sombras y transformando el objeto en un eje de la luz, cada vez más
penetrante. Con este tipo de pintura, los artistas comenzaron a plasmar el
físico y la psicología de los personajes de una forma cada vez más real y
aguda. Esto le ocasionó varios problemas por su forma de interpretar
algunos trabajos religiosos que eran requeridos en encargos. Caracterizado
por su rapidez para ejecutar obras marcando las líneas básicas
directamente sobre el lienzo con el extremo del mango del pincel, El prendimiento de Cristo (1602).
Galería Nacional de Irlanda, Dublín.
Caravaggio pronto se convirtió en un anatema para los ortodoxos, pues se
negaba a idealizar las figuras y tampoco hacía bocetos ni dibujos
preparatorios. Pero los modelos son parte esencial de su trabajo,
Caravaggio emplea a dos que a la postre serán pintores, pero siempre a la sombra de su maestro. Ellos fueron Mario
Minniti y Francesco Boneri. Al primero le usó para sus figuras de carácter secular, el segundo fue su inspiración para
realizar obras religiosas, como David con la cabeza de Goliat y varias representaciones de ángeles. Las figuras
femeninas aparecen en menor medida, pero con una presencia sorprendente. Ejemplos son Fillide Melandron, Anna
Bianchini y Maddalena Antognetti («Lena» y testigo en el famoso «caso alcachofa»),39 quien muchas veces es
nombrada como concubina del pintor. Otras modelos son algunas prostitutas, quienes posaban para figuras de
vírgenes o santas, algo muy criticado en Caravaggio.40 Caravaggio se autorretrató de una manera sutil y poco
perceptible en varias de sus obras. Uno de los más evidentes casos es El entierro de Santa Lucía, donde aparece en el
extremo derecho.41 Destaca en este período El prendimiento de Cristo, donde la aplicación del claroscuro va más allá
de las caras y las armaduras, a pesar de la evidente falta de luz. El personaje de la extrema derecha es, evidentemente,
un autorretrato.

Caravaggio tuvo una notable habilidad para expresar en determinadas escenas de insuperable viveza la llegada de un
momento crucial. En Los discípulos de Emaús, expresa el momento en que Cristo, haciéndose pasar por un viajero, se
reúne con sus discípulos para compartir su alegría. El cuadro se centra en los ojos de Jesús, puesto que no perciben
sus seguidores la verdad. Al final, se descubre que Él es el Salvador resucitado, con lo que Caravaggio logró su más

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grande acierto en materia de pintura sacra. La vocación de San Mateo,

plasma el momento en que Cristo llama a Leví, cobrador de impuestos,
quien hace un gesto similar a «¿quién, yo?». Pero a la vez, sus ojos señalan
a Jesús diciendo: «Sí, te seguiré». Con La resurrección de Lázaro, el
cuerpo del muerto está aún putrefacto, pero al sentir la mano del Mesías, la
vida vuelve a su ser.

Los «Caravaggistas»
Los discípulos de Emaús (1601).
Óleo sobre tela, 139 x 195 cm. La instalación del conjunto de
National Gallery de Londres. pinturas referidas a San Mateo
en la Capilla Contarelli tuvo un
inmediato impacto entre los
jóvenes artistas romanos, y el caravaggismo se convirtió en la moda para
los incipientes artistas. Entre los primeros «caravaggistas» se encontraban
Giovanni Baglione (aunque su etapa «caravaggista» duró poco) y Orazio
Gentileschi. A pesar de la barrera generacional, Gentileschi fue quien
mejor se adaptó al estilo de su maestro y logró hacer una carrera artística Judit y Holofernes 1598-1599.
propia, que le llevó a la corte de Carlos I de Inglaterra. Su hija Artemisia Galería Nacional de Arte Antiguo,
Gentileschi estuvo cerca de Caravaggio y logró crear su propio estilo, con Roma.
mucha influencia de éste. Otros pintores como Annibale Carracci,
adaptaron el caravaggismo, que mezclaba elementos del Alto Renacimiento
y del realismo lombardo. Este estilo terminó triunfando.La estancia de Caravaggio en Nápoles produjo una escuela
notable para el caravaggismo napolitano, que incluyó a Battistello Caracciolo y Carlo Sellitto. El caravaggismo tuvo su
final durante la terrible plaga de 1656, pero las conexiones con España —al ser Nápoles posesiones española, durante
Felipe IV— fue básica para el nacimiento del caravaggismo español. Un grupo de artistas católicos de Utrecht,
conocido como «Los caravaggistas de Utrecht», viajaron a Roma a principios del siglo XVII, y fueron profundamente
influenciados por la obra de Caravaggio, como describe Bellori. Al regreso a su ciudad, esta tendencia no duró mucho,
pero durante la década de los 20 renació en la persona de pintores como Hendrick ter Brugghen, Gerrit van
Honthorst, Andries Both y Dirck van Baburen. En la siguiente generación, el caravaggismo influyó en varios pintores,
como Peter Paul Rubens (quien realizó una copia de El entierro de Cristo), Rembrandt Harmenszoon van Rijn y Diego
Velázquez, quien durante su estancia en Italia tuvo la oportunidad de conocer y estudiar sobre el arte de Caravaggio.

Muerte y renacimiento de su reputación

La fama de Caravaggio apenas sobrevivió a su muerte. Pero su influencia en el claroscuro y en la interpretación del
realismo psicológico perduró a través de los tiempos. Ejerció una influencia muy directa sobre su compañero Orazio
Gentileschi, y la hija de éste, Artemisia Gentileschi. Décadas más tarde, su obra inspiró a los franceses Georges de La
Tour y Simon Vouet, y al español José de Ribera. Sus obras, con el tiempo, fueron atribuidas a otros pintores más
conocidos o simplemente se pasaron por alto. El Barroco, a cuyo desarrollo tanto había contribuido Caravaggio, le fue
dejando en el olvido poco a poco. Otra de las razones de este olvido fue el hecho de que Caravaggio no crease su propio
taller (como sí hizo su rival, Carracci) para difundir su estilo. Tampoco escribió nunca sobre su particular visión del
arte, el realismo psicológico, que solo puede conocerse de las pinturas suyas que se han conservado. Todo esto le hizo
proclive a ser denostado por sus primeros biógrafos, como Giovanni Baglione, un pintor rival que albergaba
resentimiento hacia él, y el influyente crítico del siglo XVII Giovanni Bellori, que nunca conoció a Caravaggio, pero que
escribía bajo la influencia del francés Nicolas Poussin, quien detestaba su obra, aunque tampoco llegó a conocer a
Caravaggio.42 Es también representativa la crítica del italiano instalado en España Vincenzo Carducci (Vicente
Carducho), quien consideraba a Caravaggio el «anticristo» de la pintura, con "monstruosas" aptitudes para el engaño.
En la década de 1920 el crítico de arte Roberto Longhi llevó el nombre de Caravaggio a las altas esferas del arte
europeo y le colocó en el centro de la atención pública con esta frase: «Ribera, Vermeer, La Tour y Rembrandt nunca
https://es.wikipedia.org/wiki/Caravaggio 9/14
2/5/2018 Caravaggio - Wikipedia, la enciclopedia libre

podrían haber existido sin él. Y el arte de Delacroix, Courbet y Manet

habría sido totalmente diferente».43 El crítico de arte Bernard Berenson
afirmó que sólo Miguel Ángel había ejercido tanta influencia en el arte
italiano como Caravaggio.44

Influencia en la pintura moderna

Muchos importantes museos albergan salas en las que pueden verse
numerosos cuadros, obra de otros tantos artistas, en los que se puede
apreciar el estilo característico de Caravaggio: ambientación nocturna,
iluminación dramática, personas corrientes utilizadas como modelos,
descripción honesta de la naturaleza. Además, en tiempos modernos,
pintores como el noruego Odd Nerdrum y el húngaro Tibor Csernus
emularon a Caravaggio en su afán de ver la naturaleza de otra manera. El
artista estadounidense Doug Ohlson ha rendido homenaje a la influencia
de Caravaggio en el arte con su propia obra. El director de cine Derek
Jarman llevó la leyenda del artista al séptimo arte en la película
El entierro de Cristo (1602-1603).
Caravaggio, y el falsificador de arte holandés Han van Meegeren utilizó Museos Vaticanos.
modelos caravaggistas para sus obras falsas.

Obras existentes y perdidas

Solo alrededor de 50 pinturas de Caravaggio sobreviven. Una de ellas, La
vocación de los santos Andrés y Pedro ha sido identificada y restaurada en
2004. Se encontraba almacenada en Hampton Court (Royal Collection),
considerada por error una copia. En el siglo XIX Richard Francis Burton
afirmó que existía una pintura de Caravaggio en la Galería del duque de
Florencia que representaba el Santo Rosario en la que estaban pintados en
La decapitación de San Juan
un círculo treinta hombres desnudos «turpiter ligati» ("indecorosamente
Bautista (1608). Oratorio de la
enlazados").45 La primera y rechazada versión de San Mateo y el ángel, es concatedral de San Juan, La
otra de las obras perdidas de Caravaggio. Fue destruida durante el Valletta, Malta.
bombardeo de Dresde —ciudad a la que el cuadro había sido llevado en
1811 por Jerónimo Bonaparte. De este cuadro existen, únicamente, varias
fotografías en blanco y negro.

Obras de Caravaggio en España

Actualmente existen cinco pinturas de Caravaggio en España, catalogadas como autógrafas del artista: David vencedor
de Goliat (Museo del Prado), Santa Catalina de Alejandría (Museo Thyssen-Bornemisza), Salomé con la cabeza de
Juan el Bautista (Palacio Real de Madrid), San Jerónimo (Museo de Montserrat) y San Juan Bautista con el cordero
(catedral de Toledo), si bien esta última suscita dudas y algunos expertos la asignan a Bartolomeo Cavarozzi.
Antiguamente existieron en colecciones españolas al menos dos obras más, ahora en el extranjero: Martirio de san
Andrés (Museo de Arte de Cleveland) y El sacrificio de Isaac (hasta hace pocos años, en la Colección Barbara Piasecka
Johnson).

Caravaggio en el cine
1941. Caravaggio. Dirigida por Goffredo Alessandrini. Producida por Elica Film.
1985. Caravaggio. Dirigida por Derek Jarman, con Nigel Terry, Sean Bean, Dexter Fletcher, Spencer Leigh, Tilda
Swinton, Michael Gough. Producida por Channel Four/BFI.

https://es.wikipedia.org/wiki/Caravaggio 10/14
2/5/2018 Caravaggio - Wikipedia, la enciclopedia libre
2007. Caravaggio. L'ombra del genio. Dirigida por Angelo Longoni. Producida por Ida di Benedetto y Stefania
Bifano, para Titania Produzioni. Miniserie para televisión en dos partes.
Véase también
Anexo:Cuadros de Caravaggio
Pinturas atribuidas a Caravaggio
Barroco
Manierismo
Caravaggismo
Artemisia Gentileschi
Historia del arte occidental
Referencias
1. O'Neill, John P., ed. (1985). «Michelangelo Merisi da
Caravaggio. A Documentary Survey of His Life» (http
s://books.google.com.ar/books?id=7f6ZdCR_DbgC&p
g=PA198&dq=%22Michelangelo+Merisi+da+Caravag
gio%22+born+%22probably+in+Milan%22&hl=es&sa
=X&ved=0ahUKEwjjvbKEk63OAhWDE5AKHRS1BD0
Q6AEIMjAA#v=onepage&q=%22Michelangelo%20M
erisi%20da%20Caravaggio%22%20born%20%22pro
bably%20in%20Milan%22&f=false). The Age of
Caravaggio (en inglés). Nueva York, N.Y.: The
Metropolitan Museum of Art. p. 198. ISBN 0-87099-380-
1. «Michelangelo Merisi da Caravaggio [...] born —
probably in Milan—[...]».
2. Zirpolo, Lilian H. (2010). Historical Dictionary of
Baroque Art and Architecture (https://books.google.co
m.ar/books?id=Tm4qUqU_EhgC&pg=PA114&dq=%2
2Caravaggio+was+born+in+1571,+probably+in+Mila
n,%22&hl=es&sa=X&ved=0ahUKEwig1_G8la3OAhW
CFZAKHXxSA6IQ6AEINDAA#v=onepage&q=%22Ca
ravaggio%20was%20born%20in%201571%2C%20pr
obably%20in%20Milan%2C%22&f=false) (en inglés).
Lanham, Maryland: The Scarecrow Press. p. 114.
ISBN 978-0-8108-6155-8. «[...] Caravaggio was born in
1571, probably in Milan [...]».
3. Contemporáneo de Caravaggio en Roma, hacia
1601. citado en GASK, John: Caravaggio, p. 13. La
cita original aparece en VAN MANDER'S, Carl (o
Karel): Het Schilder-Boek de 1604, traducida
completamente al inglés en HIBBARD, Howard:
Caravaggio. La primera referencia a Caravaggio en
un documento contemporáneo de Roma es la
inclusión en una lista de su nombre, en la que
también aparece Próspero Orsi como su compañero
y asistente en una procesión de octubre de 1594, en
honor a San Lucas, (ver WAGA, H: Vita nota e ignota
dei virtuosi al Pantheon (en italiano, sin traducción al
español. Roma, 1992, Apéndice I, pp. 219 y 220ff).
Pero la más reciente información apareció en los
archivos de transcripción de un acta de la corte
romana, que data de 1597. En este documento,
aparecen citados Caravaggio y Orsi como testigos de
un crimen perpetrado cerca del barrio de San Luigi
de' Francesi. (Ver: CORRADINI, Sandro
(colaboración de Maurizio Marini): "La vida de
Caravaggio en Roma", The Burlington Magazine, pp.
25-28).
4. Gombrich, página 390.
5. Gombrich, páginas 392-394.
https://es.wikipedia.org/wiki/Caravaggio
6. Gombrich, página 397.
7. Gombrich, páginas 405-407.
8. Gombrich, página 427.
9. Citado en LAMBERT, Giles: Caravaggio, p. 8.
10. Confirmado por el hallazgo de su acta de bautismo
en la parroquia italiana de Santo Stefano in Brolo: Rai
International Online. (http://www.italica.rai.it/index.ph
p?categoria=bio&scheda=caravaggio_prima_parte)
Archivado (http://web.archive.org/web/200904161
23558/http://www.italica.rai.it/index.php?categoria
=bio&scheda=caravaggio_prima_parte) el 16 de
abril de 2009 en la Wayback Machine.
11. Los Colonna eran una de las más aristocráticas
familias romanas, y al matrimoniarse con los Sforza
juntaban aún más vínculos con Caravaggio y su
familia, lo que le ayudó en puntos cruciales de su
vida. Hacia 1606, luego de la muerte de Tomassoni, a
quien Caravaggio mató, éste decidió refugiarse en el
sur de Roma, donde los Colonna eran señores del
lugar, pero más tarde viajó a Nápoles, señorío de
Constanza Colonna Sforza, viuda de Francesco
Sforza. En estos lugares, Caravaggio consolidó su
posición de hombre de familia y pintor, que lo
mantuvo con ganancias durante mucho tiempo. El
hermano de Constanza, Ascanio, era Cardenal
Protector del Reino de Nápoles, mientras que otro
hermano, Marzio, era consejero del virrey español,
además de que una hermana de Constanza estaba
casada con un importante miembro de la familia
Caraffa. Estas conexiones ayudaron a que
Caravaggio consiguiese más encargos. El hijo de
Constanza, Fabrizio Sforza Colonna, caballero de
Malta, facilitó la huida del pintor en 1607, y le brindó
alojo en el palacio de su madre hasta 1609. Todas las
relaciones de Caravaggio y su influencia en su arte
han sido estudiadas en las biografías y tratados
sobre su vida. Ver PUGLISI, Catherine: Caravaggio,
p. 258. Para una breve reseña LANGDON, Helen,
Caravaggio: A Life, capítulos 12 y 15, y ROBB, Peter
M, pp. 398ff y 459ff, quienes ofrecen un panorama
completo de su vida y relaciones públicas.
12. Rosa Giorgi, Caravaggio: Master of light and dark -
his life in paintings, p. 12.
13. Citado sin atribución en ROBB, p. 35, aparentemente
basado en tres fuentes primarias: Mancini, Baglione y
Bellori, quienes describen a Caravaggio en sus
momentos de pobreza al llegar a Roma. Además,
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existe un retrato del pintor (hoy perdido) donde se le
muestra con pocos ánimos debido a sus problemas
económicos.
14. Giovanni Pietro Bellori, Le Vite de' pittori, scultori, et
architetti moderni, 1672: «Michele (Caravaggio) fue
forzado debido a la necesidad de entrar a trabajar en
los talleres del caballero Cesari, quien era empleado
para pintar flores y frutas, pues lo hacía de una
manera tan bella y realista, lo que causaba
admiración y belleza en sus mecenas, y la sigue
causando hasta ahora».
15. Caravaggio's Fruit: Una mirada a la horticultura
barroca (Jules Janick, Departamento de Horticultura
y Arquitectura del Paisaje, Purdue University, (http://w
ww.hort.purdue.edu/newcrop/caravaggio/caravaggio_
l.html) West Lafayette, Indiana) (en inglés).
16. PUGLISI, Catherine, Caravaggio, p. 79. Longhi
estaba con Caravaggio durante la noche en que éste
mató a Tomassoni; Robb, M, p. 341, opina que
Minniti también presenció la riña Caravaggio-
Tomassoni.
17. El crítico de arte Robert Hughes describe a los chicos
modelos de Caravaggio como «maduros
sobremanera, como diamantes en bruto y el pelo
negro como un helado».
18. POSNAR, Donald: Caravaggio's Early Homo-erotic
Works (Art Quarterly 24 (1971), pp. 301-26). Este
autor fue el primero en señalar una posible
homosexualidad del pintor y su repercusión en el
arte. Algunos biógrafos de Caravaggio dan por
sentada esta teoría sobre su homosexualidad, pero
aún no ha sido comprobada. Para una nueva
perspectiva, ver: TOVAR, Brian: «Pecados contra
natura: El homoerotismo de Caravaggio» (en inglés)
(http://web.archive.org/web/http://emedia.art.sunysb.e
du/britov/ess2.html). Para un punto de vista opuesto
ver: CALVESI, Maurizio Caravaggio (ArtDossier,
1986, en italiano). Calvesi arguye que la primera fase
de la obra caravaggista es fruto del punto de vista
artístico del cardenal del Monte, justo en la era
anterior al advenimiento del moderno concepto de la
auto-expresión.
19. Robb, p. 79. Este autor concuerda con Bellori, en el
sentido de que el uso de colores por parte de
Caravaggio da pie al nacimiento del naturalismo
ofensivo: «Él (Caravaggio) estaba satisfecho con [las]
representaciones vivas de la naturaleza, porque así
ejercitaba su mente».
20. Bellori. El pasaje continúa: «[Los jóvenes pintores] no
pensaron en la opción de copiar el arte caravaggista,
sino que se inspiraron en el maestro para encontrar
modelos de la naturaleza en cualquier lugar, ya fuere
en las calles, en las plazas, o consigo mismo».
21. Para una discusión sobre la política contrarreformista
del decoro en el arte, ver Gash, p.8ff; y para un
panorama del papel jugado por las nociones de
decoro en el arte manierista y el rechazo de San
Mateo y el ángel, ver Puglisi, pp.179-188.
22. Historia del Arte, por E. H. Gombrich, página 30 y 31.
23. Citado sin ninguna atribución en: Lambert, p. 66.
24. Mancini: «Así se pueden entender las calamidades
del arte moderno, por ejemplo, con el deseo de
retratar a la Virgen Nuestra Señora, Caravaggio usó
a la prostituta Ortaccio, lo que hizo que los buenos
padres carmelitas rechazasen su pintura».
https://es.wikipedia.org/wiki/Caravaggio
25. Baglione: «Para [la iglesia] de Santa María in
Trastevere había pintado La Muerte de la Virgen, y
de no ser porque lo hizo con poco decoro y las
piernas desnudas de la Virgen, hoy en día este
cuadro estuviese en la mejor galería de los
carmelitas«
26. Gianni Papi establece ciertas conexiones entre
Bonieri y Caravaggio, de tipo siervo-amo, que
comienzan a partir de 1600. Ver Robb, pp. 193-196.
27. Las circunstancias de la riña aún no han sido
esclarecidas del todo. En el juicio posterior los
testigos afirmaron que la pelea fue producto de una
deuda y de la derrota de Caravaggio en un juego de
tenis, y esta versión ha quedado asentada en la
imaginación popular como la causa verdadera.
Reportaje sobre un documental de la BBC aclarando
las causas (2002) (http://www.telegraph.co.uk/news/w
orldnews/europe/italy/1396127/Red-blooded-Caravag
gio-killed-love-rival-in-bungled-castration-attempt.htm
l).
28. Ralf van Bühren, Caravaggio’s ‘Seven Works of
Mercy’ in Naples (http://www.tandfonline.com/doi/full/
10.1080/23753234.2017.1287283) 2017, pp. 79-80.
29. El descubrimiento de la evidencia de esta pelea fue
reportado por el doctor Keith Sciberras, de la
Universidad de Malta, en «Razones del arresto de
Caravaggio en Malta» (en inglés), The Burlington
Magazine, CXLV, abril de 2002 (en inglés), pp. 229-
232, y Riflessioni: Malta en la época de Caravaggio,
Paragone Arte, Anno LII N.629, julio de 2002, pp. 3-
20 (en italiano). Los hallazgos de Sciberras están
resumidos en Caravaggio.com (en inglés) (http://cara
vaggio.com/preview/attach/data01/D000199.htm)
Archivado (http://web.archive.org/web/200603101
51813/http://caravaggio.com/preview/attach/data0
1/D000199.htm) el 10 de marzo de 2006 en la
Wayback Machine..
30. Esta fue la expresión real usada por los caballeros de
la Orden de Malta, que celebró sesión solemne para
dictaminar sobre la expulsión del pintor. La Orden
votó unánimemente a favor de expulsar a su
"membrum putridum et foetidum". La verdadera razón
por la que Caravaggio fue echado de los Caballeros
de Malta fue que salió de la isla sin su previo
consentimiento, y no la riña en la que hirió a otro
caballero.(artículo de Ph. Farrugia Randon, 2005 (htt
p://www.orderofmalta-malta.org.mt/publications/Carav
aggio-%20from%20persona%20virtuosissima.pdf)).
31. Langdon, p. 365.
32. Caravaggio fue una persona extraña y de carácter
difícil desde sus primeros años. Su amigo Mancini le
describe como «muy loco», así como varias cartas de
Del Monte en el mismo sentido. Uno de sus biógrafos
(1724) señala que la quiebra de su amistad con
Mario Minniti fue por su comportamiento
pendenciero. Hacia principios del siglo XIX Susinno
escribió Le vite de' pittori Messinesi y Lives of the
Painters of Messina (en italiano e inglés,
respectivamente). En estas obras se detallan
anécdotas de la vida siciliana del pintor, reproducidas
siglos después en los libros de Robb y Bellori. Estos
autores afirman la inseguridad de Caravaggio en
Nápoles, que sentía que «le estaban persiguiendo
sus enemigos», pero ninguno detalla a quién se
refería.
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2/5/2018 Caravaggio - Wikipedia, la enciclopedia libre

33. Según Baglione, Caravaggio en Nápoles, «sólo
esperaba la trampa del enemigo», de su siempre
oculto enemigo.
34. Según un escritor del siglo XVII, la cabeza de Goliat
es un autorretrato de Caravaggio, mientras que David
es «su pequeño Caravaggio». Esta frase ha sido
interpretada como un retrato del pintor mucho más
joven, o más bien, a Cecco (modelo para El amor
victorioso). La hoja de la espada tiene una frase
titulada «La humildad vence al orgullo». El cuadro en
principio fue atribuido a la época romana, pero Bellori
afirma que fue concebido durante el segundo período
napolitano.
35. Una carta del obispo de Caserta (por entonces en
Nápoles), dirigida al cardenal Scipione Borghese en
Roma, de fecha 29 de julio de 1610 señala al
cardenal que la marquesa de Caravaggio estaba
presta a a enviarle dos obras de Michelangelo Merisi
(Caravaggio), como pago a su indulto.
36. El periódico detallaba la muerte de Caravaggio en
camino de Roma a Nápoles. Nuevamente, el obispo
de Caserta informó a Borghese que el pintor no murió
en Procida, pero sí en Porto Ércole. En un diario
(perdido) el obispo declaró que la muerte de
Caravaggio se produjo en Porto Ércole, su barco fue
anclado en Palo y poco después regresó a
Nápoles.Caravaggio, ya libre, marchó a Porto Ércole
donde halló la muerte. Palo era un puerto cerca de la
desembocadura del Tíber y Porto Ércole se
encontraba al norte del puerto de Civitavecchia. Ver:
Robb, M, p. 473ff.
37. BBC News : Artes: Se ha encontrado el certificado de
defunción de Caravaggio. (http://news.bbc.co.uk/2/hi/
entertainment/1723833.stm). BBC. Consultado el 22
de diciembre de 2005. (en inglés). Esta noticia no
tuvo una confirmación posterior.
38. Lambert, p. 11.
39. Muchos testimonios sobre la vida del pintor provienen
de archivos judiciales en Roma. El «caso alcachofa»
se refiere a un incidente Caravaggio lanzó un plato
de alcachofas ardientes a un mesero, por razones
desconocidas.
40. Robb realiza un esfuerzo por identificar a las modelos
en diferentes lienzos, y examinar su relación personal
con el pintor, más allá del ámbito laboral.
41. La carrera de discretos autorretratos del pintor va
desde El joven Baco hasta David con la cabeza de
Goliat. Algunos de sus biógrafos han querido ver una
imitación de pintores manieristas (como Tiziano),
pero se señala que Caravaggio no quiso imitar a
nadie, sino que se incluyó a sí mismo como un
participante más de la corriente de aquel entonces.
42. Caravaggio y Poussin (http://www.academon.com/lib/
paper/97534.html) (en inglés).
43. Roberto Longhi, citado en Lambert, op. cit., p.15
44. Bernard Berenson, en Lambert, op. cit., p. 8.
45. Burton, Richard Francis. "Terminal Essay", de su
traducción de The Arabian Nights, 1885 (http://www.f
ordham.edu/halsall/pwh/burton-te.html) (en inglés).

Bibliografía utilizada
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CARRASAT, Patricia, Maestros de la pintura, Spes Editorial, ISBN 84-8332-597-7
BÜHREN, Ralf van, Caravaggio’s ‘Seven Works of Mercy’ in Naples. The relevance of art history to cultural
journalism (http://www.tandfonline.com/doi/full/10.1080/23753234.2017.1287283), in Church, Communication and
Culture 2 (2017), pp. 63-87
FRIEDLAENDER, Walter, Caravaggio Studies, Princeton, [[Universidad de Princeton|Princeton University Press]],
1955
GASH, John, Caravaggio, Chaucer Press, (2004) ISBN 1-904449-22-0
GIORGI, Rosa, Caravaggio, Master of light and dark - his life in paintings, Dorling Kindersley (1999) ISBN 978-0-
7894-4138-6
KOCH, Pietro, Caravaggio - The Painter of Blood and Darkness, Gunther Edition, (Roma - 2004)
LAMBERT, Gilles, Caravaggio, Taschen, (2000) ISBN 978-3-8228-6305-3
LANGDON, Helen, Caravaggio, A Life, Farrar, Straus y Giroux, 1999 (edición original en el Reino Unido, 1998)
ISBN 978-0-374-11894-5
MACCHI, Alberto, L'uomo Caravaggio - atto unico / prefazione di Stefania Macioce, AETAS, Roma, 1995, ISBN
88-85172-19-9
MOIR, Alfred,The Italian Followers of Caravaggio, [[Universidad de Harvard|Harvard University Press]] (1967)
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MONGUILOT BENZAL, Félix , "Luces y sombras: adaptaciones cinematográficas de la vida de Caravaggio", en
Gloria Camarero (ed.), La biografía fílmica: actas del Segundo Congreso Internacional de Historia y Cine, T&B
editores, Madrid, 2011, [cd-rom], ISBN 978-84-694-3147-4
PUGLISI, Catherine, Caravaggio, Phaidon (1998) ISBN 978-0-7148-3966-0
ROBB, Peter, M, Duffy & Snellgrove, edición corregida de 2003 (edición original, 1998) ISBN 978-1-876631-79-6
SCHÜTZE, Sebastian, Caravaggio. Obra completa, Taschen, (2009) ISBN 978-3-8365-1911-3
SPIKE, John, Caravaggio (incluye catálogo de pinturas en CD-ROM), Abbeville Press, Nueva York (2001) ISBN
978-0-7892-0639-8
TRIADO TUR, Juan Ramón, Caravaggio, España, Susaeta Ediciones, ISBN 84-305-3645-0.

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Enlaces externos
Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre Caravaggio.
Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Caravaggio.
«Artistas del barroco (en orden alfabético)» (https://web.archive.org/web/20041206040230/http://boj.cnice.mecd.e
s/~aalamill/artistas.htm) (HTML). Archivado desde el original (http://boj.cnice.mecd.es/~aalamill/artistas.htm) el 6
de diciembre de 2004. Consultado el 19 de mayo de 2008.
Junta de Gobierno de Castilla y León. «Biografía de Caravaggio» (https://web.archive.org/web/20080526111811/h
ttp://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/1493.htm) (HTML). ArteHistoria.com. Archivado desde el original (htt
p://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/1493.htm) el 26 de mayo de 2008. Consultado el 19 de mayo de
2008.
«Obra y vida de Michelangelo Merisi da Caravaggio» (http://www.spanisharts.com/history/barroco/barroco_carav
aggio.html) (HTML). Breve historia del Arte. Consultado el 19 de mayo de 2008.
«Caravaggio y la pintura barroca» (http://www.telecable.es/personales/angel1/pinbar/caravaggio/) (HTML).
Consultado el 19 de mayo de 2008.
«Obras de Caravaggio» (http://www.epdlp.com/pintor.php?id=207) (HTML). Consultado el 19 de mayo de 2008.
«Lista de pinturas de Caravaggio, en detalle» (http://www.artelista.com/288-caravaggio.html) (HTML). Consultado
el 19 de mayo de 2008.
Pintores italianos 4 (del XV al XIX), 200 págs. (https://web.archive.org/web/20070927004246/http://www.porroartc
onsulting.it/pdf/porro_asta_29.pdf)
Biografía en español e información de sus principales obras (https://web.archive.org/web/20041215052538/http://
www.iespana.es/legislaciones/Caravaggio.htm)
«Italian art historians 'find 100 Caravaggio paintings'.» (http://www.telegraph.co.uk/culture/art/art-news/9379713/It
alian-art-historians-find-100-Caravaggio-paintings.html) The Telegraph

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