MUSICA

1. DEFINICION DE MUSICA

2. ELEMENTOS DE LA MUSICA
2.1. LA ARMONIA
2.2. LA MELODIA
2.3. EL RITMO

3. CLASES DE SONIDO
3.1. EL DETERMINADO O MUSICAL
3.2. EL INDETERMINADO O RUIDO

4. CUALIDADES DEL SONIDO

4.1. ALTURA
4.2. DURACION
4.3. INTENSIDAD
4.4. EL TIMBRE

5. CULTURA MUSICAL
5.1. EVOLICION DE LA MUSICA
5.2. EPOCA BARROCA
5.3. EPOCA CLASICA
5.4. ADVIENTO DE LAS ESCUELAS NACIONALISTAS
5.5. PANORAMA DE LA MUSICA CONTEMPORANEA

6. GENEROS MUSICALES
6.1. LA OBERTURA}
6.2. LA OBERTURA DE CONOCIMIENTO

7. MUSICO-TERAPIA

8. APRECIACION MUSICAL BEETHOVEN

9. MUSICA Y AMBIENTE FOLKLORICO

9.1. LA ORATORIA, OPERA, ZARZUELA
9.2. EL POEMA SINFONICO
9.3. MUSICA BALLET

10. PRESENTACION DE LOS SONIDOS

11. PRACTICA MUSICAL

 MUSICA
CAPITULO I
1. DEFINICION DE MUSICA.

SEGÚN: A. Martín Lutero:

" La música gobierna al mundo, endulza las costumbres, consuela al hombre en la

aflicción. Es hija del cielo. Es el más bello y el más glorioso don de Dios. Es una
disciplina; es una educadora; hace a las gentes más dulces, más amables, más
morales, más razonables ". 1949 (REVISTA TRIBUNA EVANGELICA)

Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las
expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales,
culturales e históricas. De esta forma, surgen múltiples y diversas definiciones que
pueden ser válidas en el momento de expresar qué se entiende por música.
Ninguna, sin embargo, puede ser considerada como perfecta o absoluta.

Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad organizada

(según una formulación perceptible, coherente y significativa). Esta definición parte
de que —en aquello a lo que consensualmente se puede denominar "música"— se
pueden percibir ciertos patrones del "flujo sonoro" en función de cómo las
propiedades del sonido son aprendidas y procesadas por los humanos (hay incluso
quienes consideran que también por los animales).

La definición más habitual en los manuales de música se parece bastante a esta: «la
música es el arte del bien combinar los sonidos en el tiempo». Esta definición no se
detiene a explicar lo que es el arte, y presupone que hay combinaciones "bien
hechas" y otras que no lo son, lo que es por lo menos discutible.

Algunos eruditos han definido y estudiado a la música como un conjunto de tonos

ordenados de manera horizontal (melodía) y vertical (armonía). Este orden o
estructura que debe tener un grupo de sonidos para ser llamados música está, por
ejemplo, presente en las aseveraciones del filósofo Alemán Goethe cuando la
comparaba con la arquitectura, definiendo metafóricamente a la arquitectura como
"música congelada". La mayoría de los estudiosos coincide en el aspecto de la
estructura, es decir, en el hecho de que la música implica una organización; pero
algunos teóricos modernos difieren en que el resultado deba ser placentero o
agradable. https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica
2. ELEMENTOS DE LA MUSICA

2.1. LA ARMONIA

- Es la superposición de sonidos que se producen simultáneamente, el arte

de conformar acorde.
- Es ciencia y arte a la vez. Es ciencia porque enseña a combinar los sonidos
de acuerdo a las reglas inmutables con el fin de construir acordes, y es arte
porque de la habilidad y el buen gusto de la conducción de las voces
armónicas resultará el trabajo realizado más o menos musical.

2.2. LA MELODIA

- Es una sucesión coherente de sonidos y silencios que se desenvuelve en

una secuencia lineal y que tiene una identidad y significado propio dentro
de un entorno sonoro particular. La melodía parte de una base
conceptualmente horizontal, con eventos sucesivos en el tiempo y no
vertical, incluye cambios de alturas y duraciones, y en general incluye
patrones interactivos de cambio y calidad. La palabra llego al castellano
proveniente del bajo latín “melodia”, que a su vez proviene del griego
“moloidia” (canto, canto coral), formada por “melos” (canción, tonada,
música, miembro de una tonada) y el griego “oidía” (canto), de aeídein
(canción).
- Es el arreglo significativo y coherente de una serie de notas, este arreglo
(en la música tonal) se realiza según la tonalidad en la cual se diseña la
melodía. La melodía también puede tener un significado emocional, es
difícil señalar cómo se produce ese sentimiento, combinaciones de ritmos,
alturas de los sonidos, cadencias, velocidad y otros elementos técnicos que
pueden ser analizados en las melodías mismas pero no expresados en la
definición.
- Es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro
particular— que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción
horizontal), y que se percibe con identidad y sentido propio. También los
silencios forman parte de la estructura de la melodía poniendo pausas al
“discurso melódico”.
- Es la sucesión ordenada de sonidos para conformar frases musicales de
acuerdo con ls leyes de la tonalidad.
2.3. EL RITMO

- Es la distribución de las duraciones sonoras en el tiempo y en el espacio.

- Es la pauta de repetición a intervalos regulares y en ciertas ocasiones
irregulares de sonidos fuertes o débiles, y silencios en una composición.
- Es la división regular del tiempo. El ritmo está relacionado con cualquier
movimiento que se repite con regularidad en el tiempo, en la música se lo
divide por medio de la combinación de sonidos y silencios de distinta
duración.
- Es la distribución de los sonidos y silencios en unidades métricas
establecidas.
El compositor cuando decide crear una obra cuenta con los cuatro elementos,
de los que hemos hecho mención en otro capítulo, que son el ritmo, la
melodía, la armonía y los matices. El artísta trabaja con ellos como lo haría
cualquier otro artesano con los suyos. El escucha que no tiene formación en el
campo musical o ésta es muy poca, rara vez los percibe de forma separada,
para él sólo hay un todo que le produce un efecto o le genera una respuesta.

Es importante que el escucha que quiera entender mejor el hecho musical

profundice sobre estos temas y comprenda así el por qué el compositor usa o
no determinados elementos.

la mayoría de los historiadores concuerdan en que si la música comenzo de

algún modo, lo hizo con la percusión de un ritmo. Basta con observar las
culturas primitivas e indígenas para comprobar esta hipótesis, ya que el ritmo
es lo primero que nuestro cuerpo percibe y al cual reacciona de forma natural;
por ejemplo, cuando escuhamos música nuestro primer impulso es
acompañarla con las palmas o con movimientos corporales marcando el pulso
o simplemente siguiendo el ritmo como tal.

La base de la música se encuentra pues en el ritmo, es éste quien da los

cimientos para que todo este contructo mantenga un orden y equeilibrio, es
quien da el sentido temporo espacial que es complementado por los aportes
que hacen los otros elementos.

https://oscrove.wordpress.com/teoria-musical/los-elementos-de-la-musica/
3. CLASES DE SONIDOS

En la música podemos decir que hay dos clases de sonidos:

• Los sonidos determinados o musicales, los cuales generalmente son agradables y

se pueden cantar.
• Ej: el canto de un ave, un instrumento musical, el timbre del teléfono, etc.

• Los sonidos indeterminados o ruidos, son desagradables y no se pueden cantar,

sólo imitar.
• Ej: El motor de un carro, un avión, la aspiradora, etc.

3.1. DETERMINADO O MUSICAL

Los instrumentos de sonido determinado son llamados también melódicos,

lineales o tonales.

La característica principal de estos instrumentos es que se pueden afinar.

Producen un sonido determinado (notas). Lo que significa que es posible medir
la altura.

3.2. INDETERMINADO O RUIDO

Los instrumentos de sonido indeterminado son llamados también no

melódicos, no lineales o no tonales.

Su característica principal es que no se pueden afinar porque son instrumentos

que no producen un sonido determinado (notas). No es posible medir la altura

https://sites.google.com/site/gustavoyllusoto/3-el-sonido/3-1-clases-de-sonido
4. CUALIDADES DEL SONIDO

El sonido ha estado siempre presente en la vida cotidiana del hombre. A lo largo de

la historia el ser humano ha inventado una serie de reglas para ordenarlo hasta
construir un lenguaje musical. Dadas las características fisiológicas del oído y de las
zonas auditivas en la corteza cerebral, existen cuatro cualidades fundamentales
que determinan el carácter de un sonido.

4.1. ALTURA
Es la propiedad de lo agudo o grave que tiene un sonido. La altura depende de
la frecuencia de la onda sonora, de la velocidad de vibración del cuerpo sonoro.
Entre más vibre, más agudo será el sonido, entre menos vibre más grave.

4.2. DURACION
Es el espacio temporal que ocupa un sonido desde su aparición hasta su
extinción.
Es equivalente al tiempo que transcurre entre el comienzo y el fin de un
sonido. Existen sonidos largos, que se prolongan en el tiempo, sonidos de
mediana duración, y sonidos cortos.

4.3. INTENSIDAD
Es el grado de fuerza con que un sonido llega a nuestro oído. La intensidad
depende de la amplitud de la vibración.
De esta manera tendremos sonidos fuerte o débiles.

4.4. TIMBRE
Es la característica propia de cualquier sonido o grupo de sonidos.
Es la cualidad del sonido que acompañan a la frecuencia. La voz propia de cada
instrumento que distingue entre los sonidos y los ruidos.

https://sites.google.com/site/gustavoyllusoto/3-el-sonido/cualidades-del-sonido
5. CULTURA MUSICAL
5.1. EVOLUCION DE LA MUSICA

Los orígenes de la música se desconocen, ya que en su origen no se utilizaban

instrumentos musicales para interpretarla, sino la voz humana, o la percusión
corporal, que no dejan huella en el registro arqueológico. Pero es lógico pensar
que la música se descubrió en un momento similar a la aparición del lenguaje.
El cambio de altura musical en el lenguaje produce un canto, de manera que es
probable que en los orígenes apareciera de esta manera. Además, la distinta
emotividad a la hora de expresarse, o una expresión rítmica constituye otra
forma de, si no música, sí elementos musicales, como son la interpretación o el
ritmo. Es decir, la música nació al prolongar y elevar los sonidos del lenguaje.

5.2. EPOCA BARROCO

La música barroca o música del Barroco es el estilo musical europeo,

relacionado con la época cultural homónima, que abarca aproximadamente
desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600 hasta la muerte de Johann
Sebastian Bach, en 1750. Es uno de los estilos de la generalmente llamada
música clásica o culta europea, antecedido por la música del Renacimiento y
seguido por la música del Clasicismo. Caracterizada por la aparición de la
tonalidad y el uso del bajo continuo, la barroca fue la época en la que se
crearon formas musicales como la sonata, el concierto y la ópera. Entre los
músicos del Barroco destacan Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel,
Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste
Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi, Jean-Philippe Rameau y Henry
Purcell. El Barroco conoció la transformación de los instrumentos renacentistas
hacia modelos dinámicamente más flexibles y vio aparecer la orquesta en el
sentido moderno del término. Nacida durante el siglo XVI en ambientes
populares, la familia del violín (violines, violas, violonchelos) alcanzó su grado
máximo de perfección constructiva en el XVII, hasta el punto de que entonces
quedaron fijados los modelos que, en lo fundamental, han sido reproducidos
durante los trescientos años siguientes, gracias a la labor de familias de
artesanos como los Stradivari y los Amati. Paralelamente a ella sobrevivió a
pleno rendimiento la fabricación de violas da gamba, extinguidas sin embargo
hacia el final del periodo. Los instrumentos de madera fueron radicalmente
transformados por la familia Hotteterre en la corte francesa de Versalles,
apareciendo entonces el oboe, el fagot y la flauta travesera barroca.
5.3. EPOCA DEL CLASISMO

Clasicismo es el estilo de la música culta europea desarrollado

aproximadamente entre 1750 y 1820 por compositores como Wolfgang
Amadeus Mozart y Joseph Haydn. Coincide con la época cultural y artística hoy
denominada, en la arquitectura, la literatura y las demás artes, Neoclasicismo.
Tuvo sus grandes centros de difusión en Berlín, París, Mannheim y, sobre todo,
Viena. Se caracteriza por la claridad de las texturas, la simetría de las frases, la
consolidación de la tonalidad plena y el establecimiento de las formas
musicales clásicas (sinfonía, sonata, cuarteto...). Este es un periodo clave
también para la orquesta porque se configura la orquesta sinfónica como tal,
por influencia de Mozart, Haydn y la escuela de Mannheim. De la orquesta de
cámara heredada del Barroco se mantiene la sección de cuerdas como base,
aunque esta es ampliada en número y suele complementarse con al menos un
par de oboes y de trompas. Al avanzar el siglo queda fijada la sección de
instrumentos de madera a dos: dos flautas traveseras, dos oboes, dos
clarinetes y dos fagotes. La sección de metal solía incluir entre dos y cuatro
trompas, dos trompetas (con timbales) y, ocasionalmente, uno o varios
trombones. Se abandona la práctica del bajo continuo, y con ello el clavecín en
la orquesta, salvo para los recitativos operísticos.

5.4. EPOCA DEL ROMANTICISMO

En la música, el Romanticismo fue un periodo que transcurrió,

aproximadamente, entre principios de los años 1820 y la primera década del
siglo XX, y suele englobar toda la música escrita de acuerdo a las normas y
formas de dicho período.

El Romanticismo como movimiento global en las Artes y la Filosofía tiene como

precepto que la verdad no podía ser deducida a partir de axiomas, y que en el
mundo había realidades inevitables que sólo se podía captar mediante la
emoción, el sentimiento y la intuición. La música del Romanticismo intentaba
expresar estas emociones. Por la actitud ante la sociedad y el mundo,
Beethoven se convirtió en el modelo del movimiento romántico, que a la vez
no dejaba de ser un modelo peligroso. Fue, ciertamente, la figura de éste la
que proporcionó a la era romántica el paradigma para su concepto de "Artista".
Esto no hizo desaparecer la idea que se tenía de "músico" que prestaba a la
sociedad un servicio directo, es decir, el canto, organista de iglesia, cantante de
coro, director de orquesta de teatro y un largo etcétera. Lo que sí está claro es
que la etapa romántica dio lugar al enfrentamiento entre el "artista" y el
"filisteo".
5.5. ADVIENTO DE LAS ESCUELAS NACIONALISTAS

El Nacionalismo se divide en dos períodos: el primero surge en pleno

Romanticismo, de 1850 a 1900; el segundo se extiende hasta mediados del
siglo XX.

Debemos tener presente que el método de composición extraído del folclore

nacional no siempre evocaba con claridad su lugar de origen.

La ubicación de este fenómeno fue preferentemente europea. Surgió de la

evolución del Romanticismo, fundado en una toma de conciencia que abogaba
por la identidad nacional.

Reaccionó el Nacionalismo, haciendo resaltar aquellas características que la

invasión musical extranjera había relegado casi al olvido. La música de los
campesinos fue valorada de nuevo, aunque tuvo que esperar hasta el siglo XX
para que adquiera carácter de ciencia.

Las escuelas nacionalistas:

Rusia: Es la nación de riquísimo folclore, por lo que los músicos tienen un arma
muy fácil para el resurgimiento nacional.

Surgió con Mijail Glinka, nacido en el seno de una familia noble. Despertó el
interés de sus colegas más jóvenes por el canto popular autóctono.

Bohemia: Esta región centroeuropea tuvo gran importancia en la época clásica,

hasta que los austriacos la conquistaran en la guerra de los Treinta Años.

Gracias al impulso que el Romanticismo dio a las escuelas nacionales, la música

bohemia llegó a ser conocida en el resto de Europa. Su auge estuvo
relacionado con las reivindicaciones políticas contra las imposiciones del
dominio austriaco: censura, policía, impuestos y oficialidad del idioma alemán.

Este clima fue propicio para toda expresión nacionalista; aparecieron dos
figuras importantes de música autóctona: Smetana y Dvorak, que hacen
posible el desarrollo de las diversas escuelas nacionales.

http://www.abc.com.py/articulos/las-escuelas-nacionalistas-711951.html
https://prezi.com/dxgftgu8xtta/escuelas-nacionalistas-del-siglo-xix/
 5.6. PANORAMA DE LA MUSICA CONTEMPORANEA

6. GENEROS MUSICALES

6.1. LA OBERTURA

La obertura es una forma de composición de origen francés y cuya

traducción literal significa apertura. Consiste en una pieza,
generalmente para orquesta, destinada a su ejecución en
conciertos como obra independiente, o bien a preceder y preparar
a una ópera, oratorio, ballet, o alguna otra obra de carácter teatral.
http://www.melomanos.com/la-musica/formas-
musicales/obertura/

6.2. LA OBERTURA DE CONCIERTO

La obertura -entendida como una pieza orquestal de apertura de

un espectáculo teatral, ópera o ballet-, vivió un periodo de intenso
desarrollo en los primeros tiempos del Romanticismo. Frente la
declinante sinfonía, la obertura ofrecerá un marco idóneo para el
desarrollo de un lenguaje sinfónico acorde con los nuevos tiempos,
realzado en este caso por el trasunto dramático del espectáculo
subsiguiente.
https://bustena.wordpress.com/tag/obertura/

7. MUSICO-TERAPIA

Existen varias definiciones de musicoterapia que explican claramente en que

consiste nuestra profesión.
Hemos seleccionado de forma representativa tres definiciones que reúnen el
carácter general, a nuestro entender, sobre nuestra profesión.

Ellas te describen en sus lí-neas la importancia y la existencia de un profesional

cualificado y formado constantemente.

La Asociación Internacional de Musicoterapia define a nuestra profesión de la

siguiente forma:

"Musicoterapia es la utilización de la música y/o de sus elementos (sonido, ritmo,

melodí-a y armoní-a) por un Musicoterapeuta calificado, con un paciente o grupo,
en un proceso destinado a facilitar y promover comunicación, aprendizaje,
movilización, expresión, organización u otros objetivos terapéuticos relevantes, a
fin de asistir a las necesidades fí-sicas, psí-quicas, sociales y cognitivas.

La Musicoterapia busca descubrir potenciales y/o restituir funciones del individuo

para que el / ella alcance una mejor organización intra y/o interpersonal y,
consecuentemente, una mejor calidad de vida. A través de la prevención y
rehabilitación en un tratamiento."

La Asociación Catalana define a nuestra profesión de la siguiente forma:

Es la aplicación científica del arte de la música y la danza con finalidad terapéutica

y preventiva, para ayudar a acrecentar y restablecer la salud mental y fí-sica del ser
humano, mediante la acción del profesional musicoterapeuta.

Es una profesión del ámbito sanitario. Humaní-stica y creativa porque actúa sobre
las emociones, la creatividad, los valores humanos, etc.

Pertenece al grupo de les terapias creativas junto con la danza terapia, el arte
terapia, la poesí-a terapia y el psicodrama.

No es una terapia alternativa ni una terapia adjunta, sino que tiene entidad propia.
Está considerada como una de las 100 carreras con más futuro en este siglo.
La musicoterapeuta Gabriela Guaglione define a la musicoterapia como:

Podemos empezar definiendo a la Musicoterapia como: Una terapia no verbal, que

utiliza la base Cóporo sonoro musical como medio o elemento clave en su
abordaje, tendente a abrir canales de comunicación, logrando a través de los
mismos un proceso de crecimiento, el cual favorece la adaptación social y optimiza
la calidad de vida.

El musicoterapeuta no solo utiliza la música para escucharla y disfrutarla, sino que

utiliza sus componentes (melodí-a, armoní-a, ritmo, letra...), el cuerpo, el silencio y
varias técnicas y recursos para abordar a las personas o grupos, según sus
necesidades.

https://www.lamusicoterapia.com/definiciones-de-musicoterapia/
8. APRECIACION MUSICAL

Ludwig Van Beethoven, además de ser un parte aguas en la historia del arte y
principalmente de la música fue un músico que ha aportado mucho en mi vida. Él
ha escrito dos de las obras de la música clásica y de la música en general que yo
más disfruto: la Quinta Sinfonía la cual cuenta, al menos en mi opinión y
basándome en lo que he escuchado de amantes de mencionada obra maestra, con
un humor negro, de muerte. Esto se puede observar por la forma en la que el
ritmo decrece. La otra obra de Beethoven que se encuentra enlistada en las
canciones que producen un erizamiento de mi piel es la Novena Sinfonía que en mi
opinión es la obra maestra de Beethoven.

Uno de los aspectos de la vida de Beethoven que más me impresionan es el hecho

de que haya compuesto obras de ese calibre, de esa importancia y de esa calidad
sin tener la posibilidad de escucharla debido a su incapacidad de escuchar por
sordera. Esto prueba lo familiarizado que estuvo Beethoven con la música y
especialmente con el piano, su instrumento de preferencia. Beethoven, debido a la
práctica sabía cómo sonaría cada tecla del piano al ser oprimida y era capaz de
formar cualquier movimiento musical según su deseo. Es debido a esto, que
Beethoven era un magnífico improvisador de la música.

“Beethoven está muerto pero su música aún vive. Es un compositor en

descomposición. No hay mucho que nadie pueda hacer. Aun puedes escuchar a
Beethoven, pero Beethoven no te puede escuchar a ti”. Esto continuará,
posiblemente, por el resto de la historia de la humanidad. Beethoven será
recordado por el resto de los tiempos y considerado uno de los íconos musicales
más importantes, incluso después de su muerte.

https://apreciacionmusicalitesm.wordpress.com/2013/11/30/377/

9. MUSICA Y AMBIENTE FLOKLORICO

9.1. LA ORATORIA, OPERA Y ZARZUELA

El oratorio es un género musical sin puesta en escena, ni vestuario, ni

decorados. Compuesto generalmente para voces solistas, coro y orquesta
sinfónica, a veces con un narrador, su tema es frecuentemente religioso
(historias bíblicas, de la vida de Jesús, vidas de santos, etc..). Generalmente
consta de coros, arias, recitativos y pasajes instrumentales. El oratorio tenía
generalmente un asunto religioso: historias de la Biblia o vidas de santos, pero
también puede ser profano (héroes mitológicos, temas históricos, himno a la
naturaleza,1 etc.). Formalmente es cercano a la cantata y a la ópera, el oratorio
comprende generalmente una obertura, recitativos, arias y coros.

Ópera (del italiano opera, 'obra musical') designa, desde aproximadamente el

año 1617, un género de música teatral en el que una acción escénica, se
armoniza, se canta y tiene acompañamiento instrumental. Las
representaciones suelen ofrecerse en teatros de ópera, acompañadas por una
orquesta o una agrupación musical menor. Forma parte de la tradición de la
música clásica europea y occidental.

La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgido

en España que se distingue principalmente por contener partes instrumentales,
partes vocales (solos, dúos, coros...) y partes habladas, aunque existen
excepciones en las que estas últimas, las partes habladas, están
completamente ausentes. El término «zarzuela», aplicado al género musical y
teatral, procede del Palacio de la Zarzuela, palacio real español situado en las
proximidades de Madrid y en el que se hallaba el teatro que albergó las
primeras representaciones del género.

https://es.wikipedia.org/wiki