ARTISTAS PICTORICOS BOLIVIANOS

Roberto Mamani Mamani: pintor Aymara

de Bolivia

MAMANI MAMANI de nacimiento quechua y de sangre

aymara. Nace en Bolivia el 6 de diciembre de 1962.Artista
autodidacta que ha desarrollado su plástica a partir de la
visión y sentimientos originarios de su pueblo, una tierra
vibrante, vital, llena de colores, carácter, texturas y
emociones.

Mamani Mamani a partir de 1983 ha realizado más de 58

exposiciones, de ellas 52 individuales. Su obra ha merecido
numerosos Premios y Distinciones Nacionales e Internacionales.

Sus obras se encuentran en colecciones privadas en varias partes del mundo; Argentina, Brasil, Ecuador,
Colombia, Venezuela, Cuba, México, Canadá, Estados Unidos, Japón, Alemania, Dinamarca, España,
Holanda, Australia, Italia, Francia e Inglaterra.

PREMIOS Y DISTINCIONES

2011
·Distinción Maestro de Maestros en el Arte Pictórico, Universidad
Tomás Frías. Potosí-Bolivia.
·Distinción Castillo de Oro, por destacar la cultura, costumbres y
valores del país. Colegio Militar del Ejército de Bolivia Gualberto
Villarroel. La Paz- Bolivia.

2004

·Distinción Persona Ilustre y hombre de la cultura de las Naciones Uma - Agua

Originarias por el gobierno municipal de Villa Tunari, Cochabamba.

2002

·Medalla al mérito cultural. Prefectura del departamento de La

Paz, Bolivia
1998
·Invitado especial en la conferencia de Primeras Damas de
América, Santiago de Chile.
1991
·1er. Premio en dibujo, Salón Pedro Domingo Murillo
·1er. Premio en Fotografía. Día Mundial de la Población, Naciones
Unidas.
Pueblos con Lunas ·Invitado Especial por el Gobierno de USA a visitar y exponer su obra
en ocho estados, y dar conferencias sobre la Cosmovisión Andina.
Raúl Lara Torrez

Raúl Lara Torrez (17 de diciembre de 1940 - 22 de agosto de 2011) fue un pintor y muralista Boliviano
cuyas obras tienen alto contenido social. Ganó diferentes premios entre ellos el "Bicentenario del
nacimiento del libertador Simón Bolívar" y el primer lugar de la II Bienal de Arte INBO.

Biografía

Raúl Lara Torrez nació el 17 de diciembre de 1940 en el centro minero San José de Oruro. Se inició en las
artes a los 11 años dentro del taller de su hermano Gustavo Lara, nueve años mayor que él, quien le
prestó unas acuarelas y le dio un paisaje para pintar. Raúl Lara Torrez le demostró a su hermano su
talento inmediatamente. A los 14 años se trasladó al norte de Argentina donde hizo una exposición con
el tema del folclore de Oruro y Jujuy. Gracias a esta muestra el poeta Domingo Zerpa lo invitó a vivir con
él en Buenos Aires. En 1957 estudió en los talleres de la Asociación Estímulo de Buenos Aires y en 1959 se
integró al Grupo Espartaco. Ganó una beca por el Fondo Nacional de la Artes en la escuela superior de
Bellas Artes "Ernesto de la Cárcoba" donde se especializó en pintura mural experimentando con
diferentes técnicas para después convertirse en profesor en la misma.

Durante la década de 1970 su hermano Rafael Lara fue asesinado por la dictadura Argentina lo que
ocasiona que Raúl Lara Torrez y su hermano regresen a Bolivia.

Raul Lara Torrez falleció el 22 de agosto de 2011 de cáncer.

Estilo.-La forma de pintar de Raúl Lara Torrez, es imaginativa, un poco simbólica, como si todo lo sacado
de un sueño, las pinturas que Raúl Lara Torrez dibuja reflejan un sufrimiento no ajeno a la realidad, su
inspiración fue Vincent van Gogh al que le dedico homenaje.

Obras

Tarde de domingo El viaje imaginario de Don Estanislao

De Quillacas a Toro Toro

MARIA LA PLACA SAAVEDRA

LA PLACA SAAVEDRA, María Ángela (La Paz, Bolivia,

1962). Pintora.
Hija del pintor potosino Alfredo La Placa. Estudió diseño
de modas y dibujo en Leiden y Utrecht, Holanda (1981-
1983). Siguió en Bolivia con talleres a órdenes de María
Sunniva Geuer (1974) y León Saavedra Geuer (1984-1986).
También recibió clases de xilografía en el taller de Magda
French y de pintura al óleo con su padre. Expone su obra
desde 1985 en galerías de La Paz, Cochabamba, Santa
Cruz. Participó de la Bienal de Mérida (Venezuela, 1992).
Vive y trabaja en Cochabamba, donde también hace diseño
de vestuario y escenografías teatrales.
Armando Soriano comentó: “Su auténtica capacidad, favorece la elaboración refinada de las imágenes,
asociadas en un mundo de evocación onírica y de fascinante inventiva, donde la aplicación del color
limpio y transparente, confirma la dignidad técnica de una auténtica labor profesional”.

PREMIOS: Segundo Premio en pintura del Instituto de Cooperación Internacional ICI (LP, 1991).

El diseño
Pero la música y la pintura no son las únicas pasiones
de María La Placa, pues ella también adora el diseño
de modas. La Placa estudió en el colegio Loretto de
La Paz y cuando egresó se fue a Holanda, donde
estudió diseño de modas. Así, ella empleó aquellos
estudios para diseñar vestuarios para presentaciones
de ballet y de danza contemporánea.
Como diseñadora, María trabajó con directoras y
coreógrafas bolivianas como Mónica Camacho, con
quien presentó en el Lincoln Center de Nueva York la obra Suite Andina. Asimismo, diseñó el vestuario
para las obras dirigidas por Norma Quintana, como La Pasión de Cristo y La Consagración de la
Primavera.

En Barcelona, María La Placa y su hija Ambar Gavilano han creado una empresa llamada Ballet Papier
(balletpapier.com), que crece poco a poco y está dirigida a la gente que ama la danza.
"He creado una línea de dibujos que firmo con mi otro nombre, que es Berenice, separando así ambos
mundos artísticos”, dice la empresaria al referirse a su "mundo pictórico de exposiciones en galerías de
arte y museos”, y a la línea exclusivamente "hecha para la danza, con motivos de dibujos naifs, dentro
de otro estilo”.
Así, la artista en los últimos años se ha dedicado sobre todo a Ballet Papier. Por ello, La Placa se dio un
tiempo con la pintura; sin embargo, como ahora su empresa comienza a marchar, pronto piensa pintar
nuevamente.
"Es una llamada interna, uno tiene la necesidad de plasmar algo”, dice la polifacética artista María La
Placa. La Amazonia ejerció una particular influencia en la artista, porque ella siempre ha estado ligada
a la naturaleza, la selva, el verde y la biodiversidad.
Orlando Arias Morales

Orlando Arias Morales nació el 23 de diciembre de 1954 en Potosí. Es el

tercero de siete hermanos, hijo de Constantino Arias Toro y de Maritza
Morales Mosquera. Estudió en el Colegio San Agustín de Cochabamba,
luego ingresó a la Universidad San Andrés de la ciudad de La Paz a la
carrera de Ingeniería Civil y luego, por motivos de trabajo, se cambió a
Economía en la Universidad Técnica de Oruro “UTO”, carrera que no
concluyó para dedicarse al arte.

Se inició pintando clásico y realismo, pero pronto se dio cuenta que

este tipo de pintura llevaba siglos desarrollándose, por lo que dio el
salto al neofigurativismo, abstracto, expresionismo y surrealismo.
Siluetas atmosféricas

A los 21 años participa en el Concurso del VII Salón Nacional de Artes Plásticas, Oruro- Bolivia; a partir de entonces,
comenzó una fructífera carrera como pintor, participando en varias exposiciones individuales y colectivas, así
como en diversos salones y concursos de pintura en su Bolivia natal. En 1986 viajó a Perú y allí conoce al escultor
peruano Víctor Delfín. Ese mismo año llega a Ecuador y conoce a Oswaldo Guayasamín. Durante los próximos
años recorre Colombia (1988), Costa Rica (1993) y Panamá (2001).

En diciembre del año 2003, dio el salto trasatlántico a Europa, viajando a Italia, para participar en la IV Bienal
Internacional de Arte Contemporáneo en Florencia. Luego continuando con su incursión en el arte de ese país. En
febrero del año 2004, es invitado para realizar una exposición individual en la Asociación Italiana de Cultura y
Deporte, (AICS), del Palazzo Pretorio di Sesto Fiorentino en Florencia. De su periplo artístico en esas tierras, se
hizo eco la prensa del lugar, donde recibió una buena crítica y cálidos elogios.

Su estancia le sirvió para recorrer algunas ciudades en busca de espacios artísticos, visitando ferias importantes
como la de Bolonia, donde tomó contacto con artistas del lugar, como el afamado escultor Ciro Cipollone que vive
en Loppiano, La Toscana, Florencia, a quien conoció personalmente y visitó su taller.

Más datos

El artista recibió su premio en el Salón Espejos del Gran Teatro del Liceo, que es el ambiente más activo,
antiguo y prestigioso de Barcelona, además uno de los más importantes del mundo.
MARIA LUISA CASTRO MENDEZ

CASTRO MÉNDEZ, María Luisa (Sussy) (Santa Cruz, Bolivia, s. XX).-

Pintora. Estudió en el Camdem Institute of Art de Londres,
Inglaterra. Luego siguió cursos de dibujo arquitectónico y
fotografía, y fue docente de dibujo en YMCA. También estuvo en
establecimientos educativos. Desde 1982 realizó 37 exposiciones
colectivas e individuales, en Bolivia y en el exterior, principalmente
en Buenos Aires, Argentina.
Un comentario del diario ‘Presencia’ decía: "Sobre la artista
cruceña, lo comentarios hablan sobre la belleza manifiesta de sus
cuadros, muy ligados por cierto a lo social y referido a un pasado aún
presente de nuestra vida apacible pero cargada de una problemática
particular".
Cruceña, artista plástica profundiza el repertorio temático del desnudo femenino y encamina sus
primeros pasos por el acuoso territorio de la acuarela dentro del marco del paisaje urbano.
Obras

Naturaleza de Mujer
La Bailarina

La Boda Desnudo Femenino

Sonia Falcone

Sonia Falcone (Santa Cruz de la Sierra, Bolivia, 27 de marzo de

1965) es una pintora y artista plástica boliviana.

Biografía

Nació en Santa Cruz de la Sierra, Bolivia, pero desde muy

temprana edad se trasladó a los Estados Unidos, donde
comenzó a pintar. De pequeña, Sonia Falcone quería ser
dentista, estudió enfermería sin embargo, escogió el arte para
seguir su camino. Falcone fue invitada como voluntaria por el
Scottsdale Museum Center for the Arts (Arizona, Estados
Unidos) y siendo Presidenta y Fundadora de la (OLU
Organización de Latinos Unidos) dedicó su tiempo a proyectos
comunitarios relacionados y a favor del arte: mejora y mantenimiento de la Ópera, el Teatro y el Museo
de la ciudad. Como miembro de la Junta Directiva, promovió la vinculación de las comunidades latinas
marginadas a tareas relacionadas con el arte.
Es fundadora de Essante Corporation, una entidad multinacional creada específicamente para personas que
buscan una mejor salud y mayores oportunidades en sus vidas. Sonia es activista de la educación para la salud,
partidaria y promotora de los derechos de los niños y protectora de mujeres que sufrieron maltrato en sus vidas.
En otra faceta de Sonia, está la representación de su país natal en Japón con el título de Miss Bolivia Internacional
1988. Sonia es esposa de Pierre Falcone y madre de tres hijos: Perrine, Eugenie y Pierre Philippe.

Obras

Sonia Falcone en su corta carrera ha realizado obras muy significativas, a continuación se detalla una
lista de algunas de sus obras importantes:

 Pasiones del Alma (2010)

 Creación (2010)
 Llama (2010)
 Ventanas del Alma Video Instalación 3D (2010)
 Instalación Gotas de Sangre (2010)
 Instalación Ventanas del Alma (2010)
 Agua Azul (2008)
 Amanecer (2008)
 Sol de justicia (2008)
 All eyes on you (2011) Mixed media installation – 160x60 cm
 Walking on Eggshells (2011) Mixed media installation – 200 aluminum cubes and 300 stainless
steel eggs - Dimensions variable
 Self-portrait I, II, III (2011) 3D scanning printed on translucent photographic paper – 76x121 cm
 See no evil, Hear no evil, Speak no evil (2011) 3D scanning printed on translucent photographic
paper – 76x121 cm
 Vertigo (2011)Oil on linen – 180x108 cm
 Vertigo (2011) 200x120 cm – Oil on linen
Arturo Borda

Arturo Calixto Borda Gozálvez (La Paz, 14 de octubre de 1883 - La Paz 17 de

junio de 1953): pintor, retratista, paisajista, escritor y activista boliviano. Sus
obras pictóricas se encuadran en el movimiento simbólico prevaleciente a
principios del siglo XX; la creación literaria suya vierte una pócima frenética
de poemas, narraciones y ensayos; Borda participó activamente en la vida
sindical obrera del país guiado por el credo anarquista y socialista.

Vida

Borda comenzó a pintar a los 16 años siendo autodidacta; sus

primeras obras son retratos y paisajes de estilo modernista y
ecléctico. Fue conocido también como el Toqui o Calibán. Arriba los corazónes (1939).

Arturo Borda tenía una preocupación e interés por los temas sociales, lo que lo llevó a fundar la
sociedad Obreros del Porvenir. Su interés por los temas sociales lo motivó a desarrollar obras en los que
incluía al indígena, en forma conjunta con una crítica a la sociedad a la que acusaba de hipócrita e
insensible.

Su arte se entronca en el simbolismo siendo un excelente retratista; como se puede apreciar en los
retratos de su hermano Héctor y de su madre regando plantas. El retrato de sus padres, está
considerado una de las obras más destacadas del género en América, al respecto John Canaday del The
New York Times uno de los críticos más importantes de la época, la calificó como “una de las obras más
significativas del arte latinoamericano.”

—Aquí, en este caos, siembro la colecta de mi existencia. A. Borda, El Loco,

Obra (Pintura)

La galería de sus lienzos comprende cerca a cinco mil cuadros y dibujos, que podrían clasificarse en
cuatro salas: paisajes, retratos, obras simbólicas y bodegones. Borda es reconocido por la expresividad y
simbolismo con los que expresó sus particulares ideas sobre el arte y la vanguardia, cuestionando la
sociedad de La Paz en su época y por su aproximación existencial hacia el oficio artístico en Bolivia. En
cuanto a su obra simbolista la misma está influenciada por elementos locales como el Illimani, la kantuta
y la estética en La Paz a principios del siglo XX.
Descuellan entre sus lienzos:

 El Yatiri (1918)

 La Madre del Pintor (1930)

 Leonor Gozálvez y José Borda (1943)

 El Despertar de la Naturaleza (1943 - 1950)

 Illimani (1943)

 El Triunfo del Arte (1948)

María Luisa Pacheco

María Luisa Mariaca Dietrich de Pacheco, conocida simplemente como María Luisa Pacheco (22 de septiembre de
1919 en La Paz 23 de abril de 1982 en Nueva York), fue una pintora indigenista boliviana que emigró a los Estados
Unidos y a España.

Sans titre,1962

Biografía

Nacida en La Paz, hija del arquitecto paceño Julio Mariaca Pando,

estudió en la Academia de Bellas Artes «Hernando Siles», luego ingresó
a la facultad. A fines de la década de 1940 y hasta 1951, trabajó en el
diario La Razón como ilustradora y como editora de la sección literaria.
María Luisa Pacheco realizó su primera exposición individual en el Salón
Municipal de La Paz. Una beca del Gobierno de España le permitió a Pacheco continuar sus estudios en
1951 y 1952 bajo la tutela del artista español Daniel Vázquez Díaz, y como estudiante de posgrado en la
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid.

Un año después retornó a Bolivia, para enseñar en la Escuela de Artes de La Paz,formando parte del
grupo de los «Ocho contemporáneos» ó «Generación del 52», entre los que se encontraban los artistas
Mario Campuzano, Jorge Carrasco Núñez del Prado y María Esther Ballivián.

En 1956, y durante tres años consecutivos, es adjudicada con becas Guggenheim de la John Simon
Guggenheim Memorial Foundation en la ciudad de Nueva York. La primera beca concedida coincidió con
una invitación a exponer en el Museo de la Organización de los Estados Americanos (OEA), en
Washington. En su primer año en Nueva York obtuvo la ciudadanía estadounidense. Como resultado de
esas dos oportunidades, María Luisa Pacheco permaneció en Nueva York hasta su muerte, donde
falleció en 1982.María Luisa comenzó su trabajo artístico a finales de los años 1930, dentro del realismo
académico, retratando principalmente en sus obras el paisaje y la figura humana.La pintura abstracta de
María está inspirada por la cultura quechua y aimara de Bolivia, en la vida de la mujer rural, y en los
glaciares y los picos de la Cordillera de los Andes. Sintetizó y renovó la figura de la campesina con formas
cubistas, demostrando la enseñanza recibida de parte de sus primeros maestros.

A su llegada a Nueva York, comenzó a pintar imágenes geográficas —tanto neoyorquinas como
andinas— que le permitió convertirse en una pensadora y distribuidora del espacio y la forma, e hizo
que su obra se transforme en algo particular. Tras la obtención de su ciudadanía estadounidense, su
lenguaje se tornó totalmente informal y abstracto, enfatizando el expresionismo. Se la reconoce por ser
la boliviana más destacada representante del expresionismo abstracto. A finales de la década de 1960,
amplió el concepto indigenista. Sus obras se transformaron en formas
imaginarias que se puede identificar con estructuras arquitectónicas
modernas, tanto de Nueva York como con el paisaje andino

Premios

 Primer Premio en pintura del Salón Murillo con la obra Siembra

(1953);
 Premio de Pintura de la Bienal de Sao Paulo (Brasil, 1959).
"Mallasa" 1974
Gil Imaná

Gil Imaná Garrón (Sucre, nace el año 1933) pintor muralista

boliviano. Es un pintor figurativo con una estética peculiar y que
ha realizado una interesante obra que gira en torno a los
campesinos del altiplano, sus soledades, angustias y miseria.

Vida

Gil Imana Garrón, nació en Chuquisaca, Bolivia el año 1933. Es un

pintor y muralista boliviano, que expone su obra desde el año
1949.

Estudio en la Escuela de Artes Zacarías Benavides, y continúo en el Taller Rimsa, siendo alumno de Juan
Rimsa. El año 1950 fundó el Grupo Anteo, junto a Walter Solón Romero, Jorge Imaná y Lorgio Vaca.
También, se desempeñó como docente en la Escuela Superior de Bellas Artes en La Paz y la Escuela de
Artes Plásticas de la Universidad de los Andes en la república de Venezuela; Director de la Escuela de
Artes Plásticas de Sucre; Presidente de la Asociación Boliviana de Artistas Plásticos; Presidente de la
Asociación Boliviana de Artistas Plásticos; Presidente de la Fundación Núñez del Prado La Paz;
Vicepresidente Regional del VI Congreso Internacional de Artistas Plásticos 1969.

De su obra destacan los murales: “Historia de la telefonía” Sucre, 1955; “Marcha al futuro”, Sucre 1957;
“Obra civil” del Mariscal Andrés de Santa Cruz, La Paz, 1965; “Tierra y vida, Técnica y espacio y Marcha
de los universitarios” La Paz, 1965; “Tránsito en el tiempo” La Paz, 1981; “Fiesta de la salud” La Paz,
1982.

Gil Imana ha realizado más de 80 exposiciones de manera individual y otras 200 exposiciones de forma
colectiva.

Premios y distinciones

 1961 Primer Premio del X Salón de la ‘Revolución Nacional’ La Paz

 1961 Primer Premio en pintura del Salón Murillo por su obra ‘Paisaje de La Paz’
 1973 Primer Premio en grabado del Salón Murillo. La Paz
 1985 Primer Premio de grabado Salón Pedro Domingo Murillo y medalla de oro en mérito a toda
su obra artística.
 1994 Premio de Cultura de la Fundación ‘Manuel Vicente Ballivián’
 1994 “Caballero de la Orden de Artes y letras del Gobierno de Francia”.
 2002 Nominado por la Cruz Roja Internacional como ‘Artista por la Humanidad’ Argentina
 2004 Premio a la Obra de vida por la Alcaldía de La Paz
 2004 Premio Nacional de Cultura por el Estado Boliviano
 Medalla al mérito, Pablo Neruda, Ministerio de Cultura de Chile.
 2014 Orden del Cóndor de los Andes en el grado de Caballero.

Su casa-taller en La Paz ha sido declarada patrimonio cultural de La Paz, y en Sucre, mediante ley
municipal, todos sus murales han sido declarados como patrimonio histórico de nuestro país.
En Abril del año 2017, Gil Imaná dona todo su patrimonio a la Fundación Cultural del Banco Central de
Bolivia (FCBCB) todo su patrimonio artístico, que incluye un inmueble ubicado en el barrio de Sopocachi
de la ciudad de La Paz (calle Aspiazu y 20 de Octubre) y varias colecciones que suman aproximadamente
seis mil piezas. Una mitad corresponde a la obra en cerámica, escultura y pintura de Inés Córdova, su
esposa, y del propio Gil Imaná; y la otra, pertenece a colecciones de pintura contemporánea de
creadores bolivianos y latinoamericanos, objetos coloniales, cerámicas y tejidos andinos prehispánicos.

Gil Imaná Garrón, sentado en su vieja silla Luis XV, a los 84 años ha perdido casi completamente la visión,
pero no se equivoca nunca al señalar dónde están colocados los objetos artísticos que rodean su casa,
desde una pintura colonial de autor anónimo que muestra a José, María y Jesús, hasta pequeñas piezas
talladas que él y su esposa, Inés Córdova, fueron reuniendo durante toda su vida. Además de máquinas
de coser de diferentes épocas, candeleros y vasijas que a ambos les gustaba coleccionar. Gil Imaná vive
en La Paz desde hace más de 50 años. Nació en Chuquisaca en 1933. Habita una casa que construyó a su
gusto con su esposa, Inés, una importante artista ceramista que nació en Potosí. En la chimenea hay un
pequeño mural que ambos crearon. Inés falleció en 2010 y fue el golpe más duro que ha recibido en su
vida. Ahora vive bajo los cuidados de Grecia, que entró en el hogar Imaná Córdova hace 22 años. La
última semana de abril, Gil anunció que donaría todo su patrimonio artístico, consistente en 6.000
objetos, y su casa-taller de la calle Aspiazu y 20 de Octubre, en La Paz, a la Fundación Cultural del Banco
Central de Bolivia. Una donación que también puede sonar a una despedida, así pareció cuando Imaná
dio su discurso en el acto organizado el 26 de abril, donde hizo oficial la donación. Entonces, el artista
chuquisaqueño dijo, con la voz quebradiza: “En este acto se nos adelantó Inés. Me hubiera gustado que
Inés, mi esposa, esté senta-da a mi lado. Toda nuestra obra se ha hecho con amor. Ahora son sus obras
las que hablan y serán muy pronto las obras mías”.

“Tiempo de soledades” (1977) “Cumbres de los Andes” (1987)

“El fondo del tiempo” (2000) “Mujer boliviana” (1999)