Tarkovsky

Andrei Tarkovsky acreditava que a imagem do filme não era um composto de diferentes
tomadas organizadas em uma estrutura dentro de uma sequência específica que progredia no
tempo. Ele pensava que o fator dominante do filme era seu ritmo. O ritmo está no cerne do
“filme poético”. Mas a ideia de ritmo de Tarkovsky não é a mesma de Eisenstein, em vez disso
ele imaginou o ritmo cinematográfico como um tipo de movimento dentro do quadro, e não
como uma sequência de tomadas no tempo. Por isso, a principal característica do filme
poético é o processo de “Esculpir o Tempo”, em oposição à montagem de atrações de
Eisenstein.

Enquanto a montagem da atração produz uma explosão de significado, despertando o

espectador com o propósito de sugerir ideias e conceitos específicos, os ritmos do tempo de
Tarkovsky ilustram uma maneira de ver a vida em sua essência, os movimentos da vida. Além
disso, essa expressão poética do mundo material pode ir além da intenção do artista e ser
recebida de maneira diferente por cada espectador.

Ingmar Bergman chamou-o de grande diretor. Lars Von Trier o chama de "Deus". O lendário
cineasta russo Andrei Tarkovsky, que morreu em 1986 com apenas 54 anos, é um dos mais
influentes na história do meio, um filósofo cinematográfico que estava constantemente em
conflito com o governo soviético. Tarkovsky chamava seu estilo de fazer cinema de “esculpir o
tempo”. Considerava- se um criador de filmes metafóricos e visava conscientemente à
indefinição de significados. Seus filmes estão muito enraizados na época em que os fez, mas
também oferecem muito espaço psicológico e emocional para ressoar conosco hoje.

No nosso acervo cultural disponível na bio desse perfil se encontra o livro “Esculpir o Tempo” e
filmes como: “Solaris” e “Espelho” desse grande diretor.

O grande cineasta russo Andrey Tarkovsky (1932-1986) morreu exilado em Paris aos 54 anos.
Neste livro de memórias, publicado no ano de sua morte, Tarkovsky quebra o cinema através
do prisma de sua percepção. É um trabalho notável por motivos que tentarei articular. É
também um trabalho necessário, de uma forma que todos nós entendemos.
Diretora de sete longas-metragens, cinco sob o olhar atento dos regimes soviéticos, a obra de
Tarkovsky oferece o epítome da espiritualidade da arte. Hoje, em tempos em que o
conhecimento cultural ressoa com avisos de política de privacidade do Facebook, a noção de
articulação poética no cinema clama como uma profecia maia incompreendida.
Tarkovsky influenciou muitos cineastas, e um não tem necessariamente que passar por ele
para chegar a, digamos, Hou Hsiao-Hsien ou Lars von Trier. Mas Sculpting in Time mapeia uma
rota para novas formas de ver esses cineastas e outros.

Partes da realidade de Tarkovsky são familiares para nós através das lentes dos filmes e livros
de propaganda da Guerra Fria. Enquanto o Ocidente traficava em grossas caricaturas de
espiões russos e políticos dúbios, Tarkovsky mirou em uma guerra interna de idéias que
precisava satisfazer os censores do governo e fugir das convenções formalistas. As sutilezas ...
e a desonestidade ... necessárias para satisfazer ambas as condições levaram a prêmios,
condenação e até mesmo exílio para muitos artistas. Essas condições também prepararam o
palco para as idéias de Tarkovsky sobre o cinema.
Quando a Revolução convulsionou a Rússia czarista em 1917, o cineasta pioneiro Sergei
Eisenstein tinha 19 anos. O famoso ditado de Lenin, “… para nós, o cinema é o mais
importante de todas as artes”, pode ser entendido como uma acusação, bem como uma
ambição.
Os bolcheviques investiram pesadamente na produção cinematográfica e deram carta branca
para as despesas e inovações a Eisenstein, Vertov, Pudovkin e outros cineastas. O resultado:
uma fruição incrível do cinema experimental na década de 1920 que, apesar de encerrada nos
anos 30, produziu filmes com grande popularidade que permanecem no centro de qualquer
currículo de estudos de cinema. Na época de Stalin, o realismo socialista dominou a tela como
o principal cinema doutrinário.
Além do açougue e da cosmonáutica, o amor de Stalin e o patrocínio de musicais bobos como
as comédias de Busby Berkeley também marcaram a época. E onde Eisenstein sinalizou as
origens do corte de pulos, edições rápidas e montagens tão familiares para nós hoje, Tarkovsky
nos entregou ao olhar sustentado do longo tempo, em oposição absoluta ao que era então
corrente no filme (e o que veio antes).
Este livro mostra que Tarkovsky incorporou elementos em seus filmes para satisfazer as
políticas stalinistas, mas também incorporou uma espécie de segunda onda de produção
experimental de filmes dentro da Rússia Soviética nos anos 50.
Isso significa que sua produção na era soviética possui uma verdadeira vantagem dupla:
satisfaz a necessidade da ideologia comunista e, ao mesmo tempo, no caso de Andrei Rublyov
(1966), experiências com um retrato simpático da religião.

Tarkovsky conseguiu financiamento para seus filmes, apesar de terem sido muito mal
recebidos em casa. Depois que Andrei Rublyov ganhou o Prêmio FIPRESCI no Festival de
Cinema de Cannes em 1969, Tarkovsky retornou à URSS e passou quase 10 anos defendendo a
ampla circulação da obra nos cinemas russos. Considerado controverso pelas autoridades,
Andrei Rublyov também ganhou condenação pelo escritor e dissidente soviético Alexander
Solzhenitsyn, cujos romances trouxeram a realidade dos gulags de Stálin para o resto do
mundo. (O ganhador do Prêmio Nobel se irritou com Rublyov, rejeitando em termos morais
uma cena em que um fabricante de sinos ordena a flagelação de trabalhadores.)

Os críticos soviéticos odiavam o naturalismo excessivo de Andrei Rublyov e, de fato, Tarkovsky

pressionou muitos botões, tanto para fazer seus filmes quanto para desafiar o público limitado
que os via. Mas sua visão do cinema tomou forma no estranho cadinho soviético que mesclou
censura, formalismo, pressões de financiamento e expectativas do público e a rica história
literária da Rússia. Para um artista cujo meio realmente se tornou tempo, todos esses
elementos serviram como ferramentas para sua arte.

Aqueles de nós no Ocidente, criados com as métricas de bilheteria e com o blockbuster de

Hollywood, podem achar difícil entender como algo bom veio de uma existência tão opressiva.
Parece paradoxal pensar em um discurso elevado sobre criatividade vindo da sociedade
comunista. Mas a história está repleta de exemplos em que os constrangidos desenvolvem
uma compreensão mais profunda da liberdade, incluindo a liberdade artística. Nós sabemos
porque o pássaro engaiolado canta… e a beleza de sua música nos agita.

Assista ao Solaris de Tarkovsky. Ou considere esta passagem de Sculpting in Time:

Obras-primas nascem da luta do artista para expressar seus ideais éticos. De fato, seus
conceitos e sensibilidades são informados por esses ideais. Se ele ama a vida, tem uma
necessidade imensa de conhecê-lo, mudá-lo, tentar torná-lo melhor - em suma, se ele
pretende cooperar no aumento do valor da vida, não há perigo no fato de que a imagem de a
realidade terá passado através de um filtro de seus conceitos subjetivos, através de seus
estados mentais. Pois o seu trabalho será sempre um esforço espiritual que aspira a tornar o
homem mais perfeito: uma imagem do mundo que nos cativa pela sua harmonia de
sentimento e pensamento, a sua nobreza e contenção.
O stalinismo, um milênio da história russa e a luta para produzir em um meio caro,
consorciado para criar a realidade de Tarkovsky. Suas memórias mostram que uma resposta a
essa realidade - os filmes que Tarkovsky concebeu e executou - invariavelmente uniu uma
visão bastante diferente daquelas forças que conhecemos no Ocidente.
Se você pensar sobre isso, você pode realmente permitir que essa idéia contrafactual o liberte
de todas as restrições impostas por uma vida inteira de cortes de saltos, histórias
tridimensionais e de comédia romântica. Em um mundo onde os filmes exigem orçamentos
enormes para criar mundos que nos transportam, onde a própria fuga se tornou um meio, na
verdade ainda encontramos espaço para descobrir o que somos, pensamos e sentimos.
Sculpting in Time mostra que ainda temos muito a aprender sobre cinema… e que o que
aprendemos se aplica a nós como leitores, espectadores e pessoas. Para artistas,
independentemente do meio, este livro oferece instruções.

Tarkovsky começa suas memórias com uma simples admissão: ele não conseguiu encontrar
um livro sobre o filme que expressasse as idéias que ele preferia sobre sua arte. Então ele
começou a escrever um.
Trabalhando profissionalmente sob regimes comunistas, ele não tinha muita idéia sobre a
recepção popular de seus filmes dentro da Rússia. Mas em seu primeiro capítulo ele
compartilha trechos de cartas de admiradores entre seus compatriotas que confirmam sua
compreensão de seu trabalho. Eles clamam por novos filmes. Essas comunicações, como se
verificassem seus próprios palpites, reforçaram Tarkovsky e abriram caminho para discussões
sobre arte e responsabilidade.
Desde o início, as memórias de Tarkovsky oferecem uma opinião crítica, lúcida e perspicaz
sobre todos os aspectos de seu ofício - os aspectos literários dos cenários, as necessidades
cinematográficas da poesia, a inspiração sem limites que percorre o arco da fé em uma
audiência. Tarkovsky acreditava na sede de substância e emoção genuína de um espectador,
tanto quanto a sua própria. Na linguagem moderna, ele exige muita audiência; em seu
fraseado, ele deixa espaço para a imaginação. Acreditava que o cinema, embora jovem e
vulnerável ao mercado, como nenhum outro meio, era uma forma de arte por si só.
Ele escreve sobre tudo isso, traduzido do russo por Kitty Hunter-Blair, no mesmo contexto.
Tempo significa intemporalidade, qualidade significa persuasão. Seu julgamento é sempre o
prêmio, e não sua satisfação.
Todos nós precisamos desse lembrete. A vida pode ser esmagadora, implacável, curta ... mas
poética em sua abundância ao mesmo tempo. Alcançamos essa abundância através de formas
de arte que, como explica Tarkovsky, desenvolvem conjuntos distintos de convenções:
Classifico cinema e música entre as formas de arte imediatas, já que não precisam de
linguagem mediadora. Este… parentesco entre música e cinema… distancia o cinema da
literatura, onde tudo é expresso por meio da linguagem, por um sistema de signos, de
hieróglifos. A obra literária só pode ser recebida através de símbolos, através de conceitos -
pois é isso que as palavras são; mas o cinema, como a música, permite uma percepção
completamente direta, emocional e sensual do trabalho.

Então, dependendo do poder da nossa imaginação, um livro pode significar uma de mil coisas,
como um autor passa uma história para nós e nossos poderes de percepção. Nós trazemos o
que já somos para toda pintura ou romance que encontramos. O cinema é a única forma de
arte em que o autor pode se ver como o criador de uma realidade incondicional - uma
realidade emocional. Uma segunda realidade.
Aprendendo a linguagem do cinema nos filmes de Tarkovsky e neste livro de memórias
atordoante, reaparecemos com a função da arte: nas palavras do autor, “virar e afrouxar a
alma humana”. Encontramos a alegria na máquina de movimento perpétuo entre artista e
público . Artistas criam consciência na sociedade. Em troca, a sociedade cria novos artistas.
Esta troca profundamente texturizada deve ser um padrão. Devemos continuar a desenvolver
expectativas - de nós mesmos, da nossa arte e dos nossos artistas.

Sculpting in Time serve como um guia - um conjunto de instruções fáceis de entender sobre
apresentações de imagens em movimento ... em todos os sentidos dessas palavras.