Justificación

El hecho de hacer una monografía sobre los remakes fotográficos, es por la razón de
que vivimos en un mundo visual, donde todo lo vemos, pero muchas veces no se tiene
conocimiento sobre tal. ¿Qué ha pasado con el arte actualmente?, ¿Porqué se dice que
una fotografía es arte, si es una copia de una pintura, pero reinterpretada de una forma
no agradable?, justamente se resolverán estas cuestionantes, así como el hecho de
explicar un poco la idea de arte actual, más aún, basado en la fotografía, que es un
elemento que con la actualidad ha tenido innumerables alcances, posicionándose al
alcance de casi todos.

La necesidad de explicar términos actuales llega a un punto tal que la gente ha dejado de
tener ese contacto directo o conocimiento con el arte, rechazándole o haciéndole elitista;
pero en base a una ignorancia no tratada, ya sea por mera falta de interés, tiempo o mala
difusión del mismo arte.

Es necesario conocer un poco del arte actual y su íntima relación con la fotografía, para
comprender su esencia, independientemente de que nos agrade o no, pero que su
estética no se pierda, pudiéndonos causar tranquilamente reacciones tanto positivas
como negativas. Y tratar de diferenciar una fotografía apropiada de porque es arte,
porque en el fondo es algo bello, y es el arte último de nuestros días, tanto que podemos
encontrarlo en una campaña social, de algún producto o idea, y nos sigue causando ese
mismo impacto.

El diseño es uno de las principales vías para la apropiación de ideas o remakes, de ahí la
importancia de conocerlos, pues muchas veces solo se retoma, y se suele pensar que se
está copiando, o comúnmente una retroalimentación, pero teniendo un conocimiento
mejor del tema se puede llegar a comprender y hacer un mejor uso de a idea o cita que
se apropia; ya sea a manera de sátira, o de fragmento. El diseño siempre va adecuado a
la necesidad que se tiene, por ello un estudio de las diversas apropiaciones en imágenes
principalmente es de gran utilidad.
El remake en el retrato fotográfico actual.

Pintura fotográfica

Introducción

La creciente contradicción que los inicios de la fotografía provocaron sobre la pintura, es el

mismo juego que la pintura resentida estimula a la fotografía a querer ser pintura nuevamente.
Todo está diseñado, todo está hecho actualmente, y en un intento de supervivencia del arte, éste
comienza a aceptar el reciclaje, por así mencionarse, de las ideas establecidas, y obras ya
hechas.
La innovación que en su tiempo produjo la fotografía sobre el vicio de la vanidad humana para
retratarse, es increíble, la pintura por miedo a la extinción comenzó su proceso de abstracción
impresionista, puesto que pintar con luz era la moda, la pintura en su intento de sobrevivir, trato
de superar a la fotografía, compitiendo fuertemente con ella, y lo logró por mucho tiempo, en lo
que la foto se perfeccionaba.
Las ventajas fotográficas, hicieron de las suyas, por cuestiones de eficiencia técnica, siendo el
retrato uno de sus fuertes, que hasta la actualidad se lleva a cabo.
La pintura se torno abstracta, y hoy en día no sigue una línea formal. El realismo pasó de
vanguardia.
Ambas técnicas perfeccionadas, innovadas, sometidas a vanguardias y estilos siguen
compitiendo entre sí. Con la excepción de que la fotografía en ocasiones pretende ser
pintoresca, retomando temáticas o épocas que la pintura en su momento obtuvo.
Un medio del arte actualmente es el “apropiarse de las obras”, y la foto no es la excepción, ya
que se le puede agregar cierto toque representativo, y por consecuencia se obtiene un “remake”.
La importancia de un medio cotidiano al convertirse en arte, y retomar la pintura trae como
efecto un comportamiento social, principalmente de agrado o desacato.
Esta investigación pretende acercar al lector a las vanguardias actuales, ayudándole a
comprender el arte de hoy en día, para que pueda crear sus propios juicios y puntos de vista,
concernientes al arte.
Un remake fotográfico necesita de un conocimiento previo de la pintura, d eso dependerá la
reacción del espectador. Los fotógrafos del remake son tan especialistas en el retrato que
muchas veces no son considerados artistas, sino sólo fotógrafos que pretenden imitar una
pintura. Los retratistas de la foto son alejados del arte, porque trabajan con modelos, y sus
fotografías son popularizadas, y algunos remakes no quieren ser tomados como tales, por el
hecho de llevar una manipulación digital.
Al aclarar los puntos anteriores y no apostar por si es arte o está más casado con el diseño, un
remake puede ser visto de una forma nata y pura para que la respuesta sea dada por el lector,
debido a que las vanguardias digitales comienzan a hacer de las suyas hoy en día.
Conociendo a algunos autores se puede entender mucho mejor esta vanguardia, además de que
se retomarán algunos de los puntos de esta guerra intelectual a lo largo de la historia en la que el
choque de imitar la realidad y parecer pintoresco algo, han dado lugar a una fusión mimética, lo
que se convierte en arte.
En la presente monografía se explicará mejor la apropiación y/o cita de las cosas, llámense
ideas, imágenes, textos… y los diversos elementos que la conforman. La apropiación
duchamente retoma los géneros literarios para atribuirlos a la obra. La necesidad de conocer este
recurso nos hace sacar mayor provecho.
Índice

1. El retrato a lo largo de la pintura

Pintura
Características de la pintura
La iluminación, aspecto fundamental
Características del retrato
Historia
Inicios del retrato
Movimientos más representativos y sus retratos
La iluminación a lo largo de la historia del retrato
Los impresionistas, la guerra con la cámara
Las vanguardias actuales

2. La fotografía
Historia
Inicios
Ventajas sobre la pintura
Primeros retratos, características
La evolución del retrato fotográfico, y el color

3. La apropiación
Características del arte a partir de los 80s
Apropiación en América
Término Readymade
Uso del término por primera vez
Término remake y su relación
Primeros remakes

4. Remakes fotográficos
Primeros remakes
Características
La iluminación y el color como base
Remake actual
Evolución del remake hasta nuestros días
Pinturas o estilos mayormente retomados
Los remakes actuales y sus autores
El retrato a lo largo de la pintura

Pintura

Una de las bellas artes, conocidas desde la antigüedad más remota, es sin duda la
pintura, con uno de sus temas: el muralismo, muestra de ello son las grutas que los
primeros hombres crearon, con las pinturas rupestres. Claro está que no con el fin
práctico de la pintura como tal, sino con un aspecto más de apropiación y estudio del
alma de los animales en caza.

La pintura ha cambiado a lo largo de la historia, pasando de lo técnico a lo conceptual; a

éste proceso artístico corresponde el fenómeno del tiempo y el pensamiento.
Una definición como tal de pintura, no vamos a encontrar, si se recurre al diccionario
habrá de pintar, pero no de pintura como tal, cambiará con el movimiento o vanguardia
al que se enfrente.

En cuanto a la técnica de la pintura se puede definir según los diccionarios como el arte
de representar o plasmar personas o cosas en una superficie con pigmentos, por medio
de líneas o colores, pero aún así parece un poco obsoleta, incompleta, debido a los
tiempos en que se encuentra; pero funciona bastante bien para definirla por ahora, ya
que con las apropiaciones e intervenciones esto cambia, y es algo que se definirá más
adelante.

Características de la pintura

La pintura es la expresión del artista, y no necesariamente con un pincel, pues puede

contarse con un aerógrafo.

“La pintura puede ser representativa de formas reales o la llamada pintura figurativa,
y la pintura no figurativa o abstracta. Los dos elementos esenciales de toda obra
pictórica son la línea y el color; mediante éstos elementos aparecen las formas, los
ritmos, las distancias, etc. La línea y el color son elementos vitales que hacen que la
fantasía llegue a ser una obra objetiva”.1

De entre las clases de pintura, podemos recurrir a las técnicas más utilizadas: acuarela,
pastel, temple, fresco, encáustica, acrílicos, que con el tiempo van cambiando, y dejando
algunos más atrás, ya que actualmente se puede pintar con lo que se desee y hasta donde
la imaginación alcance, sin esa rigurosa técnica.

La pintura cuenta con un asunto, los más recurridos son: la historia, ya sea que se base
en algún hecho real, en un mito; el desnudo, el retrato, el paisaje, el folklor, entre otros.
También puede clasificarse por el tema al que esta destinada.
La pintura de acuerdo al tema puede ser figurativa (si representa los seres reales o que
aun siendo producto de la fantasía podrían existir), abstracto (cuando se renuncia a la
realidad y sólo entra la fantasía) y semiabstracta (cuando se desfigura, geometriza o
estiliza la realidad).

1
Lozano Fuentes, José Manuel, Historia del Arte, ed. CECSA, México, 2004, p.32
Actualmente una obra artística, y por ende la pintura, debe contener una carga técnica
de un 50% y un 50% de teoría o crítica, ya que si estamos hablando de un porcentaje
mayor de técnica, se convierte en ilustración, o contiene mayor teoría, el artista termina
convirtiéndose en un crítico.

La iluminación, aspecto fundamental

La ausencia de iluminación plasmada, colorido y técnica para el relleno de las figuras

participantes, nos da el dibujo, lo que hace una diferencia mucho menor con la pintura,
no por menospreciarla, si no por que el dibujo es parte de la pintura, incluso juega un
papel fundamental en el proceso de la misma, cuando existe un boceto previo.

La luz es un factor plástico muy importante en la pintura a lo largo de la historia, lo

mismo que es el color y la forma. El principal empeño aquí en que la iluminación juega
un papel muy importante, al menos en los retratos, es porque es uno de los elementos
más notorios en éste tipo de pinturas. La iluminación nos revela los rasgos del retratado,
y dependiendo del momento en que se focalice a lo largo de la historia, nos va a revelar
significados tanto de pensamiento, como de influencia de la época.

Características del retrato

Se puede entender como retrato, primordialmente a toda imagen que representa a alguna
persona o cosa. Las características del retrato varían de una época a otra; pero
personalmente puedo afirmar que por muy abstracto que sea siempre resaltará las
cualidades o defectos reconocibles de lo retratado, independientemente de que se
parezca o no al físico, que también para otros tantos el que sea reconocible es otra gran
facultad característica.

Entre los aspectos formales de un retrato nos encontramos con la técnica, antiguamente
la más conocida: el óleo, seguida de los temples, los gouaches, los pasteles, entre otras.
El estilo característico del pintor, está dado por su dibujo, su pincelada y en general la
obra a la que pertenece y de cierta forma refleja en cada obra.

Dentro de los retratos, y más apegados a la actualidad, con lo que respecta a la

fotografía y al cine, se cuenta con diversidad de encuadres, con respecto al modelo; de
entre los cuales:
• Plano entero, donde se muestra la figura entera del personaje
• Tres cuartos o americano, recorta la figura por la rodilla
• Plano medio, recortando la figura debajo del ombligo
• Busto o medio corto, desde la cabeza hasta la mitad del pecho
• Primer plano, donde se muestran los hombros y el rostro
• Close up, capta el rostro desde la base del mentón hasta la punta de su cabeza
• Extreme close up, solo capta un detalle, como un ojo.

Entre las posiciones más recurrentes están el frente, el perfil y ¾, los brazos también
juegan papeles importantes así como las piernas, y qué decir de los objetos y las
escenografías, además del colorido.
Historia

Inicios del retrato

El ser humano siempre tiende a inmortalizarse, en este caso con los retratos y los
avances que éste presente. Todas las culturas pasan por el retrato, y se tiene como
muestra a las pinturas prehistóricas de Tassiri, Sáhara, que son retratos, pero más que
nada en esencia, pues no se llega a una representación realista; seguidos de la cultura
mesopotámica, el primer retrato mesopotámico fue un busto de escultura, aunque se
encuentran relieves asirios y códigos, que nos muestran características de los habitantes
de ese lugar; continuando con las pinturas murales de los templos en las que yacen
gobernantes de Egipto, aquí hay muestras de color; cero perspectivas y ausencia de
escala humana con respecto a los objetos y animales, en éstas dos últimas culturas,
predominan los perfiles, aunque el fin aquí era histórico y social, no como retrato.

En cuanto a Grecia los retratos eran bastante realistas, y se untaban a la cera sobre
maderas de ciprés, las representaciones eran idealizadas en términos universales para ser
representados ante la eternidad. En Roma, como capital del mundo antiguo, y con parte
en su filosofía contrataron a artistas griegos, para alimentar su egolatría y su afán de
postergarse a la eternidad, aunque fueron retratos más exactos, tanto en frescos, como
en el ejemplo cotidiano de las monedas. El perfil sigue siendo prioridad.

Movimientos más representativos y sus retratos

Un inicio más cercano a los retratos como actualmente se conocen, son los que
surgieron durante la Edad Media, con el surgimiento de la clase burguesa en la Baja
Edad Media. El más antiguo retrato fisonómico de la Edad Media se cree que fue el
retablo de San Luis de Tolosa que corona al hermano Roberto de Anjou de Simone
Martini (1317). En la clase media, frecuentemente se financió las obras que habrían de
ir en las iglesias y capillas, por lo que es muy común encontrar a los financiadotes
retratados como la Virgen, Jesús, o algún santo.

En el siglo XIV, la popularidad se ganó sobre los retratos en medallas y medallones,

como los de Pisanello, dominantes en perfil.
El primer paso hacía el retrato del siglo XV, se da en el Renacimiento, con los
profesores flamencos. Emerge el óleo, que al secarse en un lapso de tiempo más
prolongado permite alcanzar mayor detalle y realismo en la obra, a diferencia de los
frescos. El retrato ya no es un pase a la inmortalidad, si no un recuerdo fiel. Comienzan
a moverse los modelos, siendo usado el clásico perfil, y la posición de ¾, tanto en
planos completos como medios. Los primeros fondos eran obscuros, posteriormente se
añadieron elementos. La perfección y el cuidado del cuerpo humano y de los elementos
partícipes en la obra, los hacen armónicos, a parte del gran cuidado y empeño en los
planos. Algunas obras más representativas fueron La Gioconda y sus variadas madonas
por daVinci (1452-1519), las Venus de Botticelli (1445-1510) y Tiziano (1476?-1576),
la Capilla Sixtina de Miguel Ángel (1475-1564), El matriomonio Arnolfini y los
retablos de Jan Van Eyck (1390-1441), los senos descubiertos en las pinturas de Jean
Fouquet (1420-1481) y los retratos de Rafael Sancio (1483-1520).

El Barroco en el siglo XVII, trajo consigo retratistas conocidos, y por tanto el retrato
tuvo una importancia crucial, y por tanto una demanda de la clase burguesa mucho
mayor. El retrato se usa para expresar y relazar la categoría social, poder, influencia y
virtudes del retratado. Por otro lado, surge el retrato burgués, intimista y psicológico
que más tarde desemboca en la pasión romántica.
Algunos artistas que cultivaron el retrato fueron Velázquez (1599-1660) con su Venus
del espejo, que pasó del claroscuro a un estilo basado en el color que anuncia la
pincelada impresionista, Caravaggio (1580-16620) con el mito de la cabeza de Sn Juan
y su Chico con la canasta de fruta, además de su autorretrato, Rubens (1577-1640) y sus
actos de rapto y el Greco (1451-1614) con sus retratos. La iluminación característica
que Rembrandt (1606-1669) dio al mundo es muy conocida, por sus oscuros de fondo y
el triángulo de luz formado en las mejillas de sus modelos.

El Neoclasicismo, a mediados del s. XVIII, tiene como cómplice, la Revolución

Francesa, marcando el inicio de una nueva era social, política y económica. Busca la
elevación moral del hombre, por medio de la representación de personajes que puedan
convertirse en modelos de conducta, retrata lo individual y el parecido de manera muy
intensa, algunos pintores de esta época fueron Goya (1746-1828) con su maja desnuda,
Ingres (1780-1867) con su bañista y La gran odalisca, además de Bouguerau (1825-
1905) con sus innumerables retratos, todos ellos muy conocidos, además por su gama
cromática.

El Romanticismo, surge a finales del s. XVII, con temas más sociales, retratos de tonos
apastelados, encontramos a Delacroix (1798-1863) con su Libertad guiando al pueblo,
Elizabeth Le Brun (1755-1842) con sus innumerables retratos de Maria Antonieta y
autorretratos, entre muchos otros.

La iluminación a lo largo de la historia del retrato

La iluminación cambia en cada momento de la historia, los retratos lucen diferente, y

gran parte es debido a la iluminación, que en un principio ni existía, posteriormente se
fue perfeccionando, exagerando, y después solo como un elemento al que se debe
respetar.
El manejo de la luz en la Edad Media fue simbólico, mínimo, pues sólo nos daba la
sensación de volumen; en el Renacimiento se comienza a hablar de un claroscuro y un
esfumato (consiste en distribuir sombras tenues en una composición pictórica, para
darle un aspecto de difuminado, sin las bruscas transiciones de color); En el Barroco, la
iluminación es teatral, muy orillada al tenebrismo; en el Romanticismo es muy
importante, porque la iluminación está dada por los contrastes del color, así hay
innumerables tonalidades en la obra; en el impresionismo es fundamental, ya que
además de espacio, el tiempo; en el cubismo representa los planos, en el hiperrealismo
la copia idéntica de la figura; en el abstraccionismo es esencial para la composición.

Los impresionistas, la guerra con la cámara

Surgido en la segunda mitad del s. XIX, el impresionismo fue la guerra directa de los
inicios fotográficos, irónico, porque ambos surgen en base a la luz. Aparecen nuevas
innovaciones sobre la técnica, el manejo de la luz, siendo una ruptura con los estilos
académicos hasta el momento, y es aquí cuando se pintan más retratos que nuca.

Surgido en París, con tendencias antiacadémicas y antirománticas, tiene sus raíces en

DaVinci, los pintores venecianos Velásquez y Goya. Su Bautismo ocurrió en 1874
 cuando Monet (1840-1926), Manet (1823-1883), Renoir (1841-1919), Pisarro (1830-
1903), Degas (1834-917) y otros innovadores exponían en el Salón des Refusés. Monet
presentó un cuadro que tituló Impresión, sol naciente; y a él y sus compañeros los
llamaron burlonamente los impresionistas.
Los impresionistas al tener como un enemigo a la cámara, tanto como para tomar
paisajes, como retratos, tenían que diferenciarse, además influenciados por el escritor
Baudelaire y sus ensayos, comenzaron temáticas nuevas, muchas de ellas con
acontecimientos cotidianos en exteriores. Todo debía captarse en un momento, en el que
incidía la luz, de una manera natural, influenciados en parte por estampas japonesas.

“[…] Pero estas influencias no bastaron por sí solas para crear la técnica
impresionista del color. El estímulo básico fue el estudio de la naturaleza realizado por
los propios artistas, ya que los precedentes artísticos sólo sirvieron para enseñarles
como trasladar sus experiencias de la naturaleza a colores de una manera fresca y
directa. En las postimetrías de la década de 1870, a medida que la década de la
pincelada se iba haciendo más compleja, los impresionistas empezaron a introducir
una gama mayor de pequeños toques de color en la superficie pictórica, incluso en
escenas iluminadas de una manera menos brillante[…] Esto fue en parte un intento de
perfeccionar la representación de los efectos de la naturaleza, pero también sirvió para
acentuar las relaciones internas del color en la superficie del cuadro y en la obra de
Monet de comienzos de la década de 1880 las secuencias de pequeñas oposiciones de
color dan a todo el cuadro una estructura de contrastes, de rosas y anaranjados en
oposición a verdes y azules”.2

El impresionismo intenta reflejar la verdad del objeto artístico a través de la impresión

que causa en el artista en un momento dado, usando sólo los colores fundamentales del
espectro y superponiéndolos a brochazos sobre el lienzo, en vez de mezclarlos antes en
la paleta, lograron los impresionistas admirable luminosidad. La luz fue para ellos el
verdadero objeto de su arte, y cualquier cosa era digna de pintarse si daba ocasión de
destacar los efectos de la luz sobre la naturaleza.

El parecido del retratado no importa, sino la calidad plástica: composición, forma, color,
invención. La única intención es captar la esencia del momento, dejarse llevar por
sensaciones visuales. En su intento por diferenciarse de la fotografía, haciendo única
cada pintura, algunos pintores de la época se aliaron a ella, para realizar pinturas
basadas en tomas de posiciones de sus personajes.

No se puede mencionar a algún pintor más importante que otro en éste movimiento,
pero también lo fue Van Gogh (1853-1590), Cezanne (1839-1906), y Tolousse Lautrec
(1864-1901) además de Gauguin (1848-1903).

Las vanguardias

El retrato moderno del s. XX, Es el siglo del psicoanálisis y el retrato se convierte en

una herramienta para desvelar las zonas más oscuras del alma humana.
Las obras se crean a partir de visiones internas del artista, teniendo más en cuenta las
relaciones entre formas, colores, líneas y planos, que la figura real.

2
Gowing, Laurence, Enciclopedia de las Bellas Artes, Editorial Cumbre S.A., México, 1984, p. 1507
Las amorfias y libertades utilizadas por el arista actual no deben tomarse como
caprichos del artista, sino como un medio para conseguir una representación más
contundente de la expresión del retratado.

Algunas de las corrientes artísticas fueron el Fauvismo, dónde se hacía un tratamiento

revolucionario del color sin hacer referencia a la realidad natural, como ejemplo esta
Matisse (1869-1954).
En el cubismo se analiza al objeto, para posteriormente descomponerlo y convertirlo en
planos más simples, sus representantes fueron Picasso (1881-1973) y Mondrian (1872-
1944).
En el expresionismo rechazó la naturaleza, se alejaban de lo real y de la reproducción,
los estilos de expresionismo dependían de cada personalidad, y lo único que los unía era
la idea. Sus precursores Kandinsky (1860-1949), Klee (1879-1940), entre otros.
El suprematismo y constructivismo, defienden que el arte no debe ser una imitación
sino una creación, nos dan un gusto por la velocidad y lo dinámico.
El surrealismo, otra gran corriente, derivada del dadaísmo intenta liberar el
subconsciente irracional y se desarrolló en 2 direcciones: Fantasía pura y la
reconstrucción del mundo de los sueños como lo representó Dalí (1904-1989) y Miró
(1893-1983) con sus tonalidades características y sus retratos.
En el abstraccionismo, se trata de sustraer la esencia de las colas, y plasmarla, no
importa que no sean reales, el colorido importa mucho surge aproximadamente de 1910
a 1914, sus ponentes son Kandinsky, Malevic h(1878-1935), Mondrian (1872-1944) y
Klee.
El Pop Art, subraya el valor iconográfico de la sociedad, toma del pueblo los intereses y
la temática. Los objetos industriales, los carteles, los embalajes y las imágenes son los
elementos de los que se sirve. Tenemos Lichtenstein (1923-1997) y Warhol (1928-
1987) como ponentes.
La práctica posmoderna es la que nos rige actualmente, en la que ya no existen las
vanguardias, y cada quién rige su corriente y de quién retoma para crear, la filosofía
individual es la mera importante.
La fotografía

Se debe entender primeramente, la fotografía no sólo cómo el acto de tener una cámara
en las manos, dar un clic y tomar un momento, sino como una serie de conocimientos
tanto técnicos como sensibles para poder hablar de fotografía en sí.

Muchos teóricos así como fotógrafos se encuentran peleados actualmente con la

tecnología, puesto que como ellos defienden, una foto no la toma cualquiera, postulando
que para tomar una foto se debe ser fotógrafo (amateur o especializado). Lo que la gente
común entonces está haciendo son tomas, imprimiendo momentos.
Pero ¿qué decir de los inicios de la fotografía?, cuando los pintores decían lo mismo de
las primeras heliografías, y daguerrotipos, que posteriormente llegaron a tornarse una de
las bellas artes.

Historia

Los principios de la misma se remontan directamente a la cámara oscura, y no a las

heliografías como muchos creen. La cámara oscura tiene sus primeros registros desde el
mundo antiguo, comenzando a popularizarse en el Renacimiento, y fueron más que
nada tomadas como un artefacto que ayudaba al dibujo. “Leonardo da Vinci describió
su mecanismo y Durero la recomendaba como un método idóneo para los profanos del
arte, para los que no están seguros”3

Inicios

Como bien se sabe la fotografía no surgió espontáneamente, pero sólo se mencionarán

algunos de los referentes que más marcaron a la fotografía.

En 1816 el francés Joseph Nicéphore Niépce, un terrateniente con afición a los

experimentos de laboratorio logró fijar sobre un papel emulsionado sus primeras
imágenes negativas, a las que llamó heliografías, y fueron realizadas con la ayuda de la
cámara oscura.

A la par Louis-Jacques Mandé Daaguerre en París, intentó a la par trabajar fijando las
imágenes de la cámara oscura, pero tanto él como Niépce intentaban trabajar fijando sus
imágenes con la cámara oscura, pero ambos compraban sus aparatos en París en la
ópticade Chevalier, y fue él quién los puso en contacto. Cerraron un contacto de
asociación y prosiguieron trabajando por su cuenta. Tras la muerte de Niépce, Daguerre
Modificó el contrato para que la paternidad del invento fuera sólo de él.

El apogeo del daguerrotipo fue de 1839 a 1860, cuando fue desplazado por otros
procedimientos, como la fotografía en papel de Hippolyte Bayard, mejorada por el
inglés Henry Fox Talbot, que para 1841 patento el Calotipo. Talbot denominaba a sus
fotografías Sun pictures, puesto que sólo la mano de la luz era la que las creaba.

3
Vega, Carmelo, Historia de la Fotografía, Islas Canarias, ed. Colección de Textos Universitarios, s/a, p.
12
La fotografía no sólo es el hecho de tomar la cámara, sino que a la fotografía se le
atribuye la producción de la misma, comenzando así una época dónde el retrato fue la
fascinación y principal uso de la fotografía, después de las revueltas que tanto causó.

Ventajas sobre la pintura

La fotografía surgió como un auxiliar científico, pues la fidelidad y la rapidez de su

ejecución le daban un plus en cuanto a ventajas, que la posicionaron como un auxiliar
inmediato de la arqueología. François Arago, un portador de la comisión de la
Academia de Ciencias francesa la defendió demasiado, no sólo en la arqueología, sino
también en el ámbito de las Bellas Artes, fue célebre por su famosa sentencia “Desde
hoy –desde la invención de la fotografía- la pintura ha muerto”4 Arago no discute si la
foto es una obra de arte o no, pero si su funcionalidad servicial para el arte mismo.

Como todo invento, no era muy aceptado, no tanto en el hecho social, si no en el ámbito
artístico. El descontento por parte de los artistas fue muy basto.

Uno de los grandes críticos del invento fotográfico fue el escritor Charles Baudelarie,
quién no sólo estaba en contra de la fotografía, sino de las máquinas en general, pues
eran muy mecánicas, y una fotografía tenía limitaciones artísticas, pues no tenía
demasiado valor la imagen.

Se cuestionó tanto la articidad de la fotografía, debido a que en 1859 por vez primera se
colocó una fotografía en una exposición de Bellas Artes en París. Cabe aclarar que para
la época el arte era considerado algo manual, una intimidad entre el artista y su obra,
refiriéndonos principalmente a la pintura, que se encontraba en un momento Romántico,
y Realista.

La foto al ser mecánica, y una copia de lo real, Baudelarie la tomó como una industria
nueva, y la industria no tiene lugar en el arte, por tanto es un declive en cuánto a gustos
artísticos, era un proceso mal aplicado y con pretensiones excesivas, pues era un arte
para los pintores incapacitados, o malos pinotes. Así, bien menciona, que la fotografía
tiene un lugar para el arte, siendo sólo la sirva de la pintura, y hace una relación
comparativa con la imprenta y la taquigrafía, que bien sólo son subordinadas de la
literatura, pero jamás van a ser de gran importancia como la literatura, después de todo
sólo están para servirla.

Otro escritor, como Jules Girardin(1832-1888), nos decía que el pintor llega a lo
verdadero, mientras que el fotógrafo sólo a lo real. La gran revuelta que la fotografía dio
en sus inicios, era la de la reproducción parcial de una escena, más no el impregnarle la
visión que el pintor consideraba como verdadera, después de todo no podía rescatarse
los rasgos que daban esencia a algo en una foto.

Delacroix, pintor romántico que influenció al impresionismo, hace diferencias de los

fotógrafos contra los pintores diciéndonos, que los pintores imaginativos son idealistas,
y los otros son fríos copistas. Aclaremos que la fotografía no era totalmente rechazada
del arte, siempre y cuando sólo estuviera a su servicio, pero no iba a ser una obra como
tal, si no una vaga copia de lo real. De esta manera Courbet(fundador de la pintura

4
Vega, Carmelo, s/a:17
realista) y Delacroix contrataron a profesionales en el ámbito fotográfico para realizar
series de desnudos, que son tomados como modelos para las pinturas mismas.

William Bouguereau un pintor tradicional realista, con temas mitológcos; optó por
tomar fotografías de sus obras, para dar a conocer su trabajo e incluso asegurarse unos
beneficios, mediante la venta de la reproducción de sus cuadros, mediante las tarjetas de
visita. Una tarjeta de visita era una sección de varias tomas fotográficas pegadas en un
cartón, son un vuelco importante para la historia del retrato, creadas por Adolphe
Disdéri, quién uno de los responsables directos de la expansión comercial del retrato.

La expansión comercial de la fotografía como copia idéntica de la realidad, no fue

aceptada como un arte, puesto que tomaba un fragmento únicamente de la realidad, pero
no estaba impregnada de esa verdad, de cierto modo subjetiva, que sólo el artista podía
dar; la fotografía pasaba a un soporte plástico, pero no cursaba ese proceso de
idealización e impregnación de los sentimientos e ideales artísticos o pictóricos por así
llamarlos.

Como principal atributo y característica perjudicial, la rapidez con que se podían traer
las cosas del medio, la hacía algo superreproductivo y carente de esencia artística, de
aquí las peleas contra el arte. Pero esto era una gran ventaja al menos en el ámbito
científico. Por el lado comercial, comienza el gran auge, del retrato, tanto en estudio
como en fotografía ambulante.

Hacía el año de 1839 en Europa, estaban muy de moda los viajes en general, esto
fascino a pintores y fotógrafos, quiénes intrigados por las culturas exóticas decidieron
retomarlas para trabajar sobre ellas. En el caso de las fotografías sucedió lo mismo, con
el género paisajístico. Este género comenzó a cobrar sus reconocimientos artísticos, por
muy increíble que parezca, puesto que había curadores de la época que decían podían
poner a 10 pintores y 10 fotógrafos, frente a un paisaje y los pintores obtendrían diez
interpretaciones distintas, mientras que los fotógrafos sólo obtendrían la misma copia
repetidas veces. Pero al momento de viajar, o hacer diferentes tomas, cambiando un
poco la idea que se tenía de que la fotografía era un documentador exacto; ya no era
necesario salir a conocer el lugar, puesto que una fotografía te estaba mostrando como
era el mundo allá.

El objeto a fotografiar ya no sólo será una toma que refleja la realidad, no se trata
solamente de posicionarse frente a él y apretar un botón, como la primera publicidad de
las cámaras accesibles de Kodak, se trata de buscar un buen encuadre, para dar una
realidad interpretada, embelleciéndola.

Hasta llegar a la corriente más importante, en la cual la fotografía comienza su auge,

aproximadamente en los años de 1880, pues ya es un comienzo de la intervención del
fotógrafo para imprimir su personalidad a su vez en cada fotografía, haciéndola arte. De
esta corriente se hablará mejor más adelante.

Primeros retratos, características

Si bien los primeros daguerrotipos, no eran tan vistos como una fotografía con un papel
artístico, si lo eran con un fin más científico y por ende documental, comenzó a correr la
moda del retrato, entre las clases más burguesas y sobre todo con quién si podía pagarlo
y acudir al estudio.

La necesidad de verse fotografiados, y a un menor costo que una pintura y que el tiempo
que la misma indicaba, la portabilidad de este nuevo método, llamó a mucha gente. Con
el afán de postergar una imagen a la eternidad, vendiéndonos una doctrina de vanidades
y curiosidad, por mantener imágenes de la vida de una persona; el estudió fotográfico se
popularizó.

Los primeros retratos trataron de retomar elementos del estudio pictórico, tales como
columnas, cortinas, telas, alfombras y sillones; en tales cicloramas, solían fotografiarse
niños, jóvenes con sus novios (as), más tarde a la madre con sus hijos, y posteriormente
a los ancianos. Teniendo así toda una vida plasmada, sólo faltaba el caso de la última
impresión; la de la muerte.

Los cadáveres también entraban a los estudios, para obtener la última impresión de esos
seres, y que todos llegarán a conocer a sus familiares por éste método. Los cadáveres se
fotografiaban ya sea solos o con algunos integrantes de la familia a la que pertenecieron.

Más adelante la perfección del retrato dotó de mayores elementos al ciclorama, y el

retratista ya no sólo se preocupaba por tomar a sus modelos, convirtiéndolos en
personajes con una ambientación que describiera a la fotografía por sí sola. Así el actor
se retrataba disfrazado, personificándose, y haciéndose visiblemente reconocido.

En cuanto a factores técnicos os retratos contenían una iluminación muy suave, los
elementos se encontraban principalmente centrados, personajes de cuerpo entero,
sentados o de pie y al lado sus familiares, un buen enfoque, porque la fotografía así lo
demandaba.

Mientras los retratistas se multiplicaban, los inventos por mejorar la fotografía seguían,
pero hubo un caso del fotógrafo Hippolyte Bayard, quién con anterioridad al
daguerrotipo logro imágenes de un positivo (y por ende únicas), pero de una apariencia
distinta, con mayor contraste entre blanco y negros. Recordemos que los daguerrotipos
capturaban una gama de grises. El gobierno no le reconoció a Bayard su descubrimiento
por lo que él, se reveló de una manera muy particular. Como las fotografías eran copias
de la realidad, Bayard se retrató como un ahogado, distribuyendo la fotografía en 1841
con un texto al reverso, que por supuesto el no escribiría:

“éste cadáver que ven ustedes es el del señor Bayard, inventor del procedimiento que
acaban ustedes de presenciar, o cuyos maravillosos resultados pronto presenciarán.
Según mis conocimientos, este ingenioso e infatigable investigador ha trabajado
durante unos tres años para perfeccionar su invención. […]Esto le ha supuesto un gran
honor, pero no le ha rendido ni un céntimo. El gobierno, que dio demasiado al señor
Daguerre, declaró que nada podía hacer por el señor Bayard y el desdichado decidió
ahogarse. […] mejor será que pasen ustedes de largo por temor a ofender su sentido
del olfato, pues, como pueden observar, el rostro y las manos del caballero comienzan
a descomponerse”5

5
Gónzalez Flores, Laura, Fotografía y pintura ¿dos medios diferentes? Gustavo Gili, Barcelona, 2005,
p. 163
Lo que Bayard hace es cuestionar, la veracidad de una fotografía, a mi criterio
inaugurando la fotografía artística y un poco adelantado a su época con éste
performance, ya que el retrato contiene una carga conceptual bastante grande, yendo
muy a la moda con los retratos del momento.

En cuanto a los viajes, trajeron nuevas formas en cuanto a las fotografías y a los
retratos; la fotografía ya no era sólo de estudió, comenzó a hacerse móvil, comenzaban
los retratos en exteriores.

Dos personajes ingleses más que revolucionaron los retratos, fue la amateur Julia
Margaret Camerón(1815-1879), que se dedicó a retratar a sus familiares y amigos, pero
no de la forma común, ella tenía una visión más conceptual de la obra, técnicamente no
eran perfectas; aplicaba desenfoques, rayaduras, errores de revelado, más aún así no
dejaban de ser bellas, y con contrastes más marcados. Lewis Carroll (1832-1898) que
también trabajó por su cuenta eligiendo a sus propios modelos, tomó la fotografía como
un medio de expresión artística y no como una fuente de ingresos, pero que por su
clientela se ven obligados a realizar contornos claros y precisos.

El fotógrafo Alphonse Bertillon (1853-1914) trabajo más de manera experimental, con

los rostros de los criminales, haciendo un tratado teniendo en cuenta el positivismo
científico. Tomó a presos para registrar en la fotografía la información que permitía la
lectura de cualquier rostro, así la persona tratada podía ser reconocida e identificada,
resaltando sus rasgos, y manteniéndolos a lo largo de muchos años.

La evolución del retrato fotográfico y el color

La fotografía aprovechó que podía retomar la realidad, para hacer su propia verdad,
todo lo real es lo que más se parece, pero ¿porqué no tener muchas realidades a la vez
en una fotografía?, es decir elementos reales combinados. Este fue uno de los aspectos
principales de la fotografía. Pus lo real, está vacío, ya no es suficiente.

Como antecedentes directos al pictorialismo tenemos a Henry Peach Robinson y a

Meter Henry Emerson. El primero, nos dice que una fotografía sola no basta, hay que
agregar el alma del artista, y el lo propone como un collage de imágenes que aún así no
dejan la verdad, tenemos pues, lo que serían los primeros fotomontajes, con elementos
reales, puesto que aún así los paisajes de la época estaban tan contaminados por la
pintura que no eran tomas de registro, sino que parecían tomas pintorescas. El segundo
nos explica que el ángulo que tome el fotógrafo en su toma influye, y que el plasmar la
realidad como tal no debe ser, y el nos propone unos desenfoques sobre la misma toma.

El pictorialismo surge de dos movimientos anteriores: el academicismo y el

naturalismo. El academicismo le aporta la idea, como su representante inmediato
menciona “llegará el tiempo en que la obra será juzgada por sus méritos, no por sus
métodos de producción”6 El naturalismo salva está idea, pero más cercana a la realidad.
Tomando las pinturas como modelo, incluso comenzando la apropiación misma.

Así lo real se convierte en imagen, cargada de un idealismo controlado por parte de su

autor; algunos fotógrafos más relevantes son Constant Puyo, quién se dedicó a los
desnudos principalmente, Gustave Rejlander, con su cuadro The two ways of life, donde
6
Lemagny, Jean Claude, Historia de la fotografía, ed. Alcor, España, 1986, p.82
comienza retomando muchos elementos pictóricos cargándolos de vaalores
emocionales, sentimentales, públicos, entre otros. Adolf de Meyer, con sus juegos
importantes de luces en los retratos, Gerge Bernard Shaw con sus contrastes marcados,
Pierre Dubreuil que rechaza los encuadres totalizantes, también es precursor del
modernismo; Charles Adrien, quién comienza con el puntillismo en la fotografía
coloreando de esta manera las mismas. De entre muchos otros autores, sólo por
mencionar algunos.

El color en las fotografías surge desde un principio, al intentar el coloreado con acurela
de las mismas, esto le daba un toque más a la fotografía misma, pero era ya una
intervención especializada de una técnica artística. Pero el predominante sobre la
fotografía muchas veces es el blanco y negro.

La primera fotografía a color fue de Niepce, llamada punto de vista desde la ventana de
Gras, surgió en 1826, tras muchas horas de exposición, pero los colores se perdieron
rápidamente, es el antecedente directo de la fotografía a color que se conoce.

Con el movimiento de la modernidad, los retratos tomaron otro rumbo, cargados más de
una abstracción, y un concepto, habiendo incluso deformaciones en los retratos, o
juntándolos para formar conjuntos. Con el paso de la guerra y la rapidez de la misma
como principal benefactora, se tomo como elemento documental, retratando a los
personajes con un entorno, algunas veces proponiendo conceptos. El reportaje y la
publicidad tuvieron su auge, y el color hacía de las suyas más que nada en la publicidad;
ya se comenzaba a vender la imagen humana también.

Los contemporáneos retoman la técnica como una d las prioridades, pero también un
poco de abstraccionismo, con fondos no lisos, pero si texturas más simple, resaltando a
los personajes, también con cargas emotivas, y con el avance de los años, las
vanguardias con sus propuestas, van abstrayendo más la imagen incluso llegando a la
conceptualidad, y el retrato va siendo más popular por el hecho de la tecnología que
pone al alcance de mucho más la fotografía, no siendo tan técnica como en los inicios.
La apropiación

Características del arte a partir de os 80s

Como bien se sabe el arte fue cambiando, para bien según algunos, para mal según
otros. Y es que los inevitables vuelcos que dan las ideologías a los ya aburridos y
artistas, y el deseo de éstos a siempre innovar, han posicionado el arte en donde los
conceptos, las ideas y el desentendimiento de la sociedad inculta los mantiene en un
grupo limitado y elitista, dónde los teóricos y críticos los pueden catalogar; el arte ya no
es utópico en cuanto a técnica se refiere, puesto que si se justifica una mala técnica es
viable para ser arte.

Bien se puede decir que el arte cambió, de la forma a la idea, se fue desmaterializando,
desmontando la característica técnica, para irse sumergiendo en un idealismo.
La abnegación y el rechazo a las vanguardias, surge del aburrimiento de la vanguardia
actual primeramente, secundado del deseo por sobresalir en una sociedad donde el arte
lo comienza a hacer cualquiera. El comienzo de la desmaterialización de la obra de arte,
surge con el minimalismo, (arte de las estructuras primarias) que fue una expresión
última del formalismo. A las estrategias formales del minimalismo (repetición,
serialidad, geometría, orden) se les antepone la expresión directa del sujeto que se
imprime en el corazón de la materia.

Se entiende por proceso de desmaterialización del arte, el proceso de abandonar la

materia del arte, para cambiarse por la esencia. Dejando la naturaleza objetual de la
obra de arte, dejando por mucho aun lado el aspecto visual. Abriendo así un gran campo
al arte conceptual. Las aportaciones de Marcel Duchamp(1887-1968), fueron cruciales
en esto, por sus innumerables ready mades, trayendo en la obra la esencia de la
cotidianeidad, esto si hablamos de un iniciador, de entre muchos otros.

El concept art (térnino acuñado por Henry Flint en 1963), es “un arte cuyo material son
los conceptos como, por ejemplo, el material en la música son los sonidos. Al estar los
conceptos íntimamente ligados al lenguaje, el arte concepto es un tipo de arte cuyo
material es el lenguaje”7 Todo puede entrar en el arte conceptual, desde el cuerpo
(perfomances y happenings), la naturaleza (Land art y Earth art), un dibujo que bien
justificado pueda llamarse pintura, las artes dígitales, en sí, todo lo que pueda
desmaterializarse.

Todo tiende a repetirse, en una espiral, donde el arte baja y sube, sin culpar a nadie,
hacía 1975 se tiene un retorno y una reafirmación de la pintura. Regresando a la pintura,
se trata de mimetizar con ella, ya sea lanzándola a chorros, pero es la esencia del artista
en su trabajo, en su pintura. En cuanto a la fotografía, trata de seguir a la pintura como
ideal, el ideal vuelve a ser la pintura, practicado por pintores, se basa en las cualidades
de la pintura, para explotarlas como fotografía, tratando de ser lo más realista posible,
sin necesidad de perder detalle.

En cuanto al curso de las corrientes chocamos contra el neoexpresionismo, con una

pintura que habla por sí sola. Donde las expresiones con un poco de técnica y el choque
de color con el espectador, dan la muestra de éste resultado.
7
Guasch, Ana María, El arte conceptual y sus tendencias, Alianza editorial, 2000, España, p. 167
Apropiación en América

Tenemos que tener muy en cuenta, que la era que vive el arte actual es la
posmodernidad, y dentro de ella existen muchas vertientes. Se puede hablar de
posmodernidad, cuando se habla de una dimensión social muy extensa, en dónde las
heterogeneidades, las sincronías, los préstamos, las transferencias, las migraciones son
la base de la creación artística como tal.

Como el arte ya había sido desmaterializado, el trabajo del artista era volver a
rematerializarlo, para algunos por falta de identidad, para otros, porque es el inicio de
volver a los lineamientos del arte, pues el arte ya era tan común que necesitaba volver a
las líneas de los grandes artitas, pero eso sí sin perder su aspecto conceptual.

Estamos hablando de los años 80, en dónde se buscaba la antimodernidad, era lógico
que se diera una vuelta a lo enterior, comenzando por pequeñas apropiaciones de obras,
temas, cosas, desfragmentándolas, para plasmar la visión del artista, hacer su arte con
ellas, y proyectarlas, suprimiendo la importancia del evento, dejándo la obra algunas
veces irreconocible, y presentándola como cualquier hecho que antes de ser famoso o
popular sigue siendo común y actual.

Hay que tener en cuenta, que no se trata sólo de tomar algo y ver qué se hace con él, que
puedo ponerle, arreglarle, se trata de aportar, claro está, todo basado en las ideas que
forman al autor. Como antecedente directo de la apropiación yo pondría, en mi
particular punto de vista a Andy Warhol, en el aspecto de retomar las fotografías,
alterarlas e iluminarlas, además baja a sus modelos de la categoría de iconos, para
posicionarlos en el plan de arte, es decir mezcla su esencia con algún hecho.

De cierta se puede entender el apropicionismo de una forma de tomar algo, muchas

veces histórico, o artístico, mezclarlo con los intereses, ideas y formación del artista
para presentarlo a la sociedad de otra forma. Se retoman las cosas, se contaminan de un
carácter político y social. Pero, ¿Eso no es carencia de identidad?, pues nos da un
carácter crítico, y si se tiene en cuenta que el arte último de nuestros días se basa en la
justificación ideológica que de el artista, no es carente de identidad. Si se observa en
contraposición con un Renacimiento por ejemplo, y se apropia una obra de ésa época,
pues claro ésta que las personas, y más si son seguidoras de este clasicismo lo verán
como algo denigrante hacía las obras de las épocas, pero jamás se debe dejar a un lado
el carácter conceptual de la obra, si se entiende la ideología del artista, se entiende la
obra, claro que el contexto en el que se encuentra, el museo en el que se exhibe nos
darán mucha ayuda e información. Se tiene cierta repulsión hacía este tipo de obras,
porque no se entiende el carácter ideológico del artista, independientemente si ésta
posibilidad artística sea de nuestro agrado o no.

Término Readymade

Uso del término readymade por primera vez

Readymade es el término que empleo el artista francés Marcel Duchamp, para describir
obras de arte que él producía con objetos ya fabricados. Duchamp recogió este término
en inglés del contexto de la moda dónde el mismo se había aplicado a la noción de
predas ready-to-wear (listas para llevarse puestas; sin necesidad de costura a la medida).
Los primeros readymades de Duchamp incluyen Roue de byciclette de 1913, que
consisten en una rueda montada en un taburete e In Advance of the Broken Arm de
1915, que es una pala de nieve con ese título inscrito. En 1917 Duchamp hizo en Nueva
Cork su readymade más notorio, Fountain, un mingitorio firmado por el artista bajo un
pseudónimo: R. Mutt, y que fue colocado en piso sobre su parte de atrás. Readymades
más tardíos podían ser más elaborados, y Duchamp los llamaba readymades asistidos.

“ […] La teoría que respaldaba el readymade se explicó en un artículo anónimo que

indudablemente fue escrito por el mismo Duchamp para la revista The Blind Man en
mayo de 1917 (un tomo producido por Duchamp y dos amigos). El artículo declaró:
“El hecho de que el señor Mutt haya hecho o no la fuente con sus propias manos no
tiene importancia. La ESCOGIÓ él. Retomo un artículo de la vida cotidiana y lo colocó
para que su significado utilitario desapareciese bajó un título y perspectiva nuevos,
creando así un nuevo pensamiento acerca del mismo objeto”. Se establecen tres temas
de importancia en el texto. Primero, que la selección de un objeto es en sí un gesto
creativo; segundo, que al cancelar la función “utilitaria” de un objeto, el mismo se
transforma en arte; y tercero, que al presentar y atribuirle un título al objeto, se le da
un “nuevo pensamiento”, o sea, un nuevo significado. Los readymades de Duchamp
también afirmaron el princiío de que lo que sea el arte lo define el artista.”8

Término Remake y su relación

El término remake, siempre se ha utilizado por su capacidad para designar cosas, que se
vuelven a hacer, como una canción, un video, una fotografía. Comúnmente los remakes
de canciones son llamados covers. El término remake es acuñado para apropiarse, de lo
que otros artistas ya han hecho y se retoma; la diferencia con el readymade radica en
que el remake viene siendo una versión de la obra, y el readymade se refiere a la
reinterpretación de un objeto, más que nada de uso cotidiano. Ambas usan la
apropiación como base, pero muchos prefieren el término readymade porque surgió
meramente en el arte, pero más que nada en los objetos. Quizá el usar el remake puede
ser más apropiado, para cuando se retoman, ideas, corrientes, y al decir que se hace un
remake de un readymade.

Primeros remakes

Antes que nada se debe saber que la apropiación surgió y tuvo su auge en Nueva York,
por lo que sus exponentes comienzan allá.
La apropiación superditada a la teoría de la imagen y al universo de los medios de
comunicación, el teórico-crítico Douglas Crimp, sentó el marco teórico para las
primeras exposiciones que surgieron de la apropiación. Para la apropiación se llevaron a
cabo diversos medios, Troy Brauntuch (1954) destacó por un conjunto de trabajos sobre
imágenes en especial de Hitler y la Segund Guerra Mundial, con significado histórico
que el artista convertía en irreconocibles al fragmentarlas; Jack Goldstein (Montreal,
1945) presentó fragmentos de un filme en rotoscopía llamado The Jumped; Richard
Prince (Panamá, 149) se vale de fotografías de fotografías, al igual que Cindy Sherman
quién está en una pintura con Fotografías se tocarán en el capítulo siguiente. Sherrie
8
Morgan, Jessica, An unruly history of the readymade, Fundación Jumex, A.C., México, 2008
Levine (Pensylvania, 1947), se basó en l retofotografía en sus principios,
posteriormente pintó sólo cosas que otros artistas ya hayan hecho. En esa línea hizó sus
reinterpretaciones de obras según los artistas, como su urinario en 1991: Fuente, según
Marcel Duchamp, en la que se ve una fuente, igualmente posicionada pero de cobre.
Para finalizar Louise Lawer, a partir de referentes distintos como museos, se dedicó a
fotografiar los espacios que contenían las obras de los demás artistas.

Remakes fotográficos

Comprendiendo bien lo que es la apropiación, de imágenes, ideas, aspectos históricos,

las apropiaciones que utilizan la fotografía como medio son lo que usualmente
conocemos como remakes, y algunas apropiaciones que forman parodias.
Cuando se retoma la iluminación, la temática, las poses, se habla meramente de un
remake, pues tiene la ideas, está inspirado en, basado, etc.

Primeros remakes

Principiando la práctica apropiacionista, encontramos a Richard Prince, quién se vale de

retrofotografías (fotografías de fotografías, según él para borrar las diferencias entre arte
y realidad e infiltrarse en los intersticios que existen entre la realidad y la ficción. Prince
asegura que retrofotografiando una fotografía se hace una pinura sin esfuerzo, y que
además no se puede construir una historia de la nada. Parte de anuncios publicitarios
exponenetes de lujo y placer mundanos, con los que busca una dosis de realidad,
tratando de aflorar la realidad del norteamericano.

Como exponente de las primeras apropiaciones fotográficas, está Cindy Sherman, quién
trata de apropiar los estereotipos de las mujeres antiguamente en las pinturas, para
representarse en todas como ella. Quizá un poco egocéntrico, pero visto desde el punto
de vista del estereotipo, está mejor sustentada su tesis sobre la parodia femenina
estereotipada. No sólo se trata de retomar, se trata de aportar. Sus obras primeramente
en blanco y negro y de pequeño formato cambiaron a un formato mayor, y un color;
dominado como en las pinturas. La influencia del colorido de las pinturas es
fundamental.

Características

“Como estrategia del lenguaje el apropicianismo crítico se sitúa en uno de los

parámetros fundamentales de lo postmoderno, ya que supone una radicalización de los
recursos de la cita, la alusión o el plagio que caracterizan la práctica artística
postmoderna; como estrategia critica implica una actitud de revisión, de relectura de
lo dado, de toma de conciencia de la influencia de los sistemas de comercialización y
exposición sobre la obra de arte, su dependencia del contexto institucional y del
discurso histórico por él determinado. …La práctica apropicianista postmoderna no
puede ser entendida simplemente como una frívola y acrítica estética referencial e
historicista, comprometida exclusivamente con la búsqueda del lenguaje del placer de
un lenguaje diferido, desplazado en el tiempo. No es el concepto de transmisión de las
imágenes, estilos y pautas estéticas, a través del tiempo el que opera aquí sino, sobre
todo, el de su reubicación contextual. Y ésta orienta inevitablemente la reflexión sobre
el arte hacia las esferas de lo social y de lo político. Se hace obligado afirmar la
distinción entre una práctica apropicianista crítica de una positiva o afirmativa, e
incluso proponer a esta distinción como el eje central de la oposición entre un
postmodernismo conservador y uno crítico.”9

Un remake puede tener muchas formas, muchas características, todas ellas distintas, y
por supuesto van a depender de la intención que se tenga, ya bien se ha mencionado que
el tomar una imagen porque sí no es una práctica artística. Si bien lo técnico es
imprescindible, por mera tradición, la influencia que contenga lo es más.
Se puede hablar de un remake desde el momento en que se retoma un fragmento, hasta
toda un imagen, una ideología, entre otros. Características esenciales sólo tiene las de lo
que intente apropiar.

La iluminación y el color como base

La iluminación hablando técnicamente es el recurso base de las fotografías, a parte del

enfoque, de ello obedecerá a lo que se intente tomar como apropiación, ya sea una
época, un movimiento, una pintura.

El color de igual manera juega un papel trascendental debido al impacto visual que
causa, ya se planeada o no la iluminación, el color también dará ese toque final, que
dramatizará acercando o contraponiéndose a la imagen, pero miemtizándola en ese
apropiacionismo que lo precede. Con la invención de la fotografía a color los emblemas
cromáticos se hicieron más interesantes, pero nos e deja a un lado la fotografía en
blanco en negro que después se ilumina; o las intervenciones sobre la misma impresión.

Todas las características que se deseen retomar dependerán de la intención del artista o
fotógrafo que las trabaje. Cabe aclarar que los remakes no siempre son planeados, por lo
que no siguen una norma específica en cuanto a técnica se trata.

Remake actual

Evolución del remake hasta nuestros días

Muchas diferencias entre los primero remakes y los actuales no se encuentran, si bien se
debe hablar de algunas, yo me referiría a los estilos, y esos los da cada autor.
Y en cuánto a tecnología pues l digital simplifica la vida, los aparatos nos permiten una
manipulación de la imagen tal, que muchas veces sea real o no son magníficas.

Pinturas o estilos mayormente retomados

En la actualidad se dice que la era de los grandes maestros de pintura y los genios
termino, porque el arte cambió, porque el artista ya no sabe dibujar, en fin; la necesidad
del individuo de sobresalir, y el vacío que llega a causar el arte actual, han llevado a los
autores a justificar el que todo ya esta hecho, y por tanto a reinventar lo ya existente. La
pintura se reinventa, se retoma, y con los re; en fotografía lo que ya no se toma es las
fotografías en sus inicios con su experimentación, al menos no en mayoría. Se habla de
una tendencia más trabajada, de los movimientos lumínicos más impactantes, y claro
que también depende en gran parte del autor y sus gustos.

9
Prada, Juan Martin, La apropiación posmoderna. Arte, práctica apropiacionista y teoría de la
posmodernidad, ed. Fundamentos, Madrid, 2001 p.7
El barroco y el renacimiento, son gustos universales, retomados una y otra vez por sus
teatrales representaciones, la perfección de sus pinturas, el realismo, la iluminación que
en ellas se presenta. Las poses, el contraste, el colorido son factores de gran influencia.
Y últimamente los ambientes tenebrosos, los cuentos, el reinterpretar los cuentos y sus
personajes, las atmósferas, o la moda de los años 20s y 70s.

Los remakes actuales y sus autores

Hay algunos pintores que logran especializarse en el ámbito fotográfico, la mayoría para
conjugar la pintura con la fotografía, retomando de la fotografía la rapidez para
reproducir las imágenes, y el realismo que con ella se logra, pero en cuanto a cuestión
de composición se refiere, no se puede dejar la influencia de la pintura, el colorido y la
composición que ésta enmarca.

De entre éstos pintores nos encontramos a Cindy Sherman (USA 1954), quién inició su
carrera como artista basada en la pintura. Posteriormente, se empeño en el recurso de la
fotografía, su trabajo se caracteriza por sus autorretratos cargados de una feminidad
explicita, más aun en la serie de Untitled #, de finales de los años 80s a los 90s. La
apropiación de pinturas barrocas es extensamente visible, un ejemplo de ello es la
fotografía Untitled # 224, (1990}) en donde la apropiación del autorretrato de
Caravaggio como Baco enfermo (1593-1594).Untitled #220 (1990), en la que se apropia
un autorretrato de el Greco, y finalmente la Untitled #207 en la que retoma una madona
de Bouquet. Posteriormente su trabajo se centra en críticas fotográficas como muñecas
con una gran carga sexual, de pornstar. Su influencia principalmente es barroca, el
colorido de sus trabajos es bastante atractivo, aún en sus proyectos posteriores.

Joel Meter Witkin (USA 1939), fotógrafo especializado en el blanco y negro, fotógrafo
de guerra primeramente, luego se dedicó al estudio de las artes. Su trabajo se basa poses
pintorescas, pero con cadáveres, está obra, surge a partir de los años 80s. La muerte le
resulta sublime, tiene bastantes influencias flamencas y manieristas; por lo que algunas
de sus obras son Goods of earth and heaven (1988), dónde se retoma el Nacimiento de
Venus de Botticelli, en la cual se aprecia un juego con el sexo de los personajes. Leda
(1986), es una buena apropiación de Leda de Da Vinci, Las fotografías están
sumamente trabajadas, los fondos parecen más pintorescos. El uso de cadáveres no
hacen la imagen completamente repulsiva, sino sutil y de gran carga emotiva. Rafael
Sanzio con su Venus y las gracias, inspira a Witkin en su obra The garces (1988). Y su
Woman once a bird (1990), nos refiere al violin de Man Ray.

De la reofotografía nos encontramos a Sherrie Levine(USA, 1947), en un medio un

poco más complejo, sus fotografías son de obras de arte directamente, pasadas por el
medio del blanco y negro, entre ellas encontramos la clase de balet de Degas, un retrato
de Van Gogh, etc.

En la línea de la fotografía, pero un tanto más rayando en la tendencia de modas, está

Eugenio Recuenco y Bernard Tartinville. El primero, nacido en 1968 en España, nos
muestra una fotografía independizada, en la cual su apropiación constituye una
contaminación a la imagen. No se tiene un estilo definido, y eso radica en gran parte en
el aspecto de modas en el que se encuentra. Así bien sus imágenes pueden contener
temáticas desde un cuento, con un gran trabajo, hasta la representación de una obra
como tal. Lo característico es su iluminación. El trata de sustentar la moda como arte. El
retoma las poses renacentistas y flamencas y las transporta a sus imágenes, un ejemplo
de ello son una pequeña serie sin título que tiene en la que el perfil románico es lo
importante, y nos hacen alusión.

Bibliografía
Guasch, Ana María, El arte conceptual y sus tendencias, Alianza editorial, 2000, España
Gowing, Laurence, Enciclopedia de las Bellas Artes, Editorial Cumbre S.A., México,
1984
Lemagny, Jean Claude, Historia de la fotografía, ed. Alcor, España, 1986, p.82
Gónzalez Flores, Laura, Fotografía y pintura ¿dos medios diferentes? Gustavo Gili,
Barcelona, 2005
Lozano Fuentes, José Manuel, Historia del Arte, ed. CECSA, México, 2004
Morgan, Jessica, An unruly history of the readymade, Fundación Jumex, A.C. México,
2008
Prada, Juan Martin, La apropiación posmoderna. Arte, práctica apropiacionista y teoría
de la posmodernidad, ed. Fundamentos, Madrid, 2001
Vega, Carmelo, Historia de la Fotografía, Islas Canarias, ed. Colección de Textos
Universitarios, s/a