Beruflich Dokumente
Kultur Dokumente
Carlos Baca Flor, fue un pintor peruano. Sobre su lugar y fecha de nacimiento hay diferentes
versiones, siendo la más aceptada la de ser oriundo del puerto de Islay (Arequipa) en 1867.
Otros estudiosos lo hacen tres años más viejo y citan Camaná como su tierra natal.
La identidad de sus padres es también materia de investigación, aunque se sabe que su madre
era huanuqueña y su padre un jornalero boliviano. Sus padres fueron Carlos Baca-Flor y
Huáscar y Julia Soberón. Su padre, político, fue secretario privado del presidente boliviano
Manuel Isidoro Belzú.
Antes de cumplir un año, se trasladó con su familia a Santiago de Chile, donde estudió en el
Colegio de los Agustinos, luego, en el Instituto Nacional. En 1873, producto de una epidemia en
Santiago fue enviado a un lazareto, bajo la atención de su madre.
A los trece años murió su padre y quedó bajo el cuidado de su madre, quien dictaba clases de
piano a los hijos de familias adineradas en Santiago.
HECHOS IMPORTANTES :
En 1893, llegó a París, donde conoció a Jean Boucher, a quien fue recomendado
desde Roma por Miquel Blay. Fue gracias a un amigo de Boucher que conoció al
director de la Académie Julien, Jean-Paul Laurens. En Julien consiguió algunas
medallas, pero tras un incidente sin importancia con Laurens decidió regresar a Roma
(1894), para luego volver otra vez a París. En París, se influenció mucho por Chardin,
Da Vinci, Rembrandt y Hans Holbein, además de conocer a Raimundo Madrazo, quien
le presentó a José Francisco, duque de Zoagli. En Londres, realizó varios retratos y fue
tentado a quedarse allí, pero decidió volver en París, ciudad en la que estuvo
intermitentemente por sus viajes a Roma.
En 1905, el gobierno peruano convocó un concurso para realizar una escultura de José
de San Martín. Decidido a participar, en 1906, envió una maqueta a Lima que no fue
aceptada por el jurado, que no eligió ganador.
PREMIOS Y DISTINCIONES
https://es.wikipedia.org/wiki/Carlos_Baca-Flor
https://historiaperuana.pe/biografia/carlos-baca-flor/
https://www.ecured.cu/Carlos_Baca-Flor
https://fundacionbbva.pe/casonas-y-museos/casa-tristan-del-pozo/
https://www.elpopular.pe/series/escolar/2017-09-27-pintores-peruanos-carlos-baca-flor
http://biblioteca.pucp.edu.pe/colecciones/carlos-baca-flor/
http://www.revistalapunta.com/carlos-baca-flor/
EL RETRATO DE ANTONIA MORENO LEYVA DE CÁCERES
Datos Generales de la obra
Figurativo: Retrato
El arte figurativo (o también llamado arte representacional o figurativismo) es aquel arte que
podemos definir como una representación exacta de figuras, dichas figuras pueden ser
imágenes identificables u objetos reconocibles, manifestado sobre todo en la pintura y la
escultura, que imita la naturaleza, copiándola, lo que lo griegos denominaban “mímesis” y tuvo
una gran manifestación en el arte clásico. No exige en el observador ningún esfuerzo mental
para comprenderlo, pues todo está expuesto ante los ojos de quien lo contempla,
comprendiendo inmediatamente el mensaje que el artista nos quiere transmitir.
La historia de este estilo de arte es tan larga como puede ser la historia de la representación,
posiblemente uno de las primeras obras de este estilo de arte fue una figura escultura y tallada
cuidadosamente de una mujer, esta obra se descubrió en una cueva al sur de Alemania
llamada “Hohle Fels”. Lo increíble de la dicha obra es que fue tallada en un colmillo de mamut,
por lo tanto la figura por lo menos ha de tener más de 35.000 años de historia.
Otro ejemplo, posiblemente fuera el segundo ejemplo, fue unas pinturas rupestres halladas en
Francia que hacían una representación de la variedad de animales que existían en esa región.
Estas pinturas deben de tener más de 16.000 años de antigüedad.
Un retrato (del latín retractus) es una pintura o efigie principalmente de una persona. También
se entiende por retrato la descripción de la figura o carácter, o sea, de las cualidades físicas o
morales de una persona.
Por lo tanto, la primera definición de retrato es aquella que se refiere a la expresión plástica de
una persona a imitación de la misma, lo que ocurre en la pintura, la escultura y la fotografía. En
un retrato predomina la cara y su expresión. Se pretende mostrar la semejanza, personalidad e
incluso el estado de ánimo de la persona. Por esta razón, en fotografía un retrato no es
generalmente una simple foto, sino una imagen compuesta de la persona en una posición
quieta.
En la Edad Media, como ocurre con la escultura, no hubo auténticos retratos hasta el
surgimiento de una cierta clase burguesa en la Baja Edad Media. El más antiguo retrato
fisonómico de la Edad Media se cree que fue el retablo de San Luis de Tolosa que corona al
hermano Roberto de Anjou de Simone Martini (1317). Por lo que se refiere a la clase «media»
en ciudades como Venecia, Florencia, Nápoles o Barcelona, frecuentemente financió obras de
arte por parte de particulares, a menudo ricos banqueros que de esta manera expiaban el
pecado de la usura.
El óleo, palabra proveniente del latín oleum (aceite), es una técnica pictórica consistente en
mezclar los pigmentos con un aglutinante a base de aceites, normalmente de origen vegetal. Por
extensión, se denominan óleos a las pinturas ejecutadas mediante esta técnica, que admite
soportes de muy variada naturaleza: metal, madera, piedra, marfil, aunque lo más habitual es que
sea aplicado sobre lienzo o tabla. El óleo permanece húmedo mucho tiempo, lo que favorece la
mezcla de colores.
En la Edad Media es cuando se empieza a utilizar esta técnica, al principio combinándola con la
pintura al temple comprobando su rapidez de secado y más tarde sobre tabla. Es en la Edad
Moderna cuando se empieza a usar sobre lienzo en bastidor de madera.
Los alquimistas investigaron diversas mezclas hasta dar con el aceite de linaza que al mezclarse
con los pigmentos daba colorido y consistencia en el manejo del color.
En la historia de la pintura al óleo debe desecharse el referente de que había sido inventada
por el pintor flamenco Jan Van Eyck, él utilizó el óleo con gran precisión, investigó esta técnica
dentro de los convencionalismos lineales del temple, haciendo un dibujo detallado en una
tabla cubierta de yeso y aplicando sucesivas capas de veladuras de óleo transparentes. En
Italia, el pintor siciliano Antonello da Messina popularizó esta técnica de la que se
aprovecharon los pintores del renacimiento. Los venecianos dieron el siguiente paso de pintar
sobre lienzo con el que se conseguía una superficie mucho más grande y permitía además
enrollarlo para facilitar el transporte y algunos artistas venecianos como Tiziano, por ejemplo
ampliaron las posibilidades técnicas sobre la base de textura en la pintura con base de aceite.
Otro significativo alcance fue la posibilidad de la novedosa técnica para lograr suaves
transiciones entre valores, así como en el difuminado de las superficies, la perspectiva aérea
desarrollada por Leonardo Da Vinci en La Gioconda.
Pedro Pablo Rubens, pintor del barroco partió en muchos de sus trabajos del uso de una base
oscura o neutra. Estos pintores se caracterizaban por hacer trabajos al directo (realizaciones
de pintura al óleo con capas de gran vitalidad y mínimas correcciones. Rembrandt creó el
método pictórico de la “grisaille” el que se convirtió en el método académico en el siglo XVIII.
El romanticismo halló mayor libertad técnica en la expresión al óleo, pues en este movimiento
los bordes de las figuraciones, quedaban un tanto disueltas. En el impresionismo los pintores
usaron esta técnica mucho más directa, llegando incluso a pintar al directo del tubo de óleo.
En movimientos ulteriores hubo un intento mayor por primar la expresión en lugar de la
corrección técnica, tales fueron los casos del expresionismo y el neoexpresionismo. Gran
número de las producciones artísticas y producciones pictóricas del arte universal han sido
realizadas con esta versátil técnica.
Las bases sobre las que se aplica el óleo son diversas, sin que por ello varíe su aspecto. Lo que
si varía es la técnica de preparación de estas bases pues es muy distinto pintar sobre lienzo,
tabla, fresco o cobre. A partir del siglo XVII con el arte barroco los pintores eligieron como
soporte favorito de sus pinturas al óleo sobre lienzo, siendo este más práctico para la
elaboración de grandes composiciones, que la tabla. De tal forma tomó importancia el material
empleado por los artistas que se empezó a emplear la palabra lienzo u óleo en lugar de cuadro
para designar las obras pictóricas.
Los impresionistas franceses aplicaban, directamente sobre el lienzo, una gran cantidad de
pequeñas pinceladas de colores brillantes. Con el desarrollo de la pintura no figurativa en el
siglo XX, los pintores han experimentado con nuevas técnicas, aumentando las texturas con
arena, ceniza o escayola, manchando los lienzos y trabajando con pinturas comerciales y con
aerosoles; también han combinado la pintura con fotografías y material impreso para formar
collages. La versatilidad de la pintura al óleo ha hecho de ella el mejor medio de expresión
para el artista del siglo XX.
Corriente Artística (Academicismo)
Se denomina pintura academicista o arte académico, al estilo de aquellas obras que utilizan un
particular método en su realización, y siguen un canon de composición determinado, propio de
una escuela de arte, que a su vez está ligada a una época y lugar.
Los cuadros pintados por estos grandes maestros no sólo adoptaron las normas formales que
la escuela, sino que además la propia temática de las obras se vio también influida.
Cuadros importantes:
Es una de las formas de la corriente académica, por la que los pintores peruanos recibieron la
influencia de pintores extranjeros, principalmente europeos, por ejemplo; la del maestro
Delaroche y Fortuny, en la que sobresalen los trabajos con acabados casi perfectos,
principalmente en el claro oscuro.
Los pintores peruanos salieron fuera del país, allí permanecieron por mucho tiempo y fue en
esos lugares en los que pintaron escenas de la vivencia peruana, producto de sus añoranzas.
Sus principales representantes son maestros formados en escuelas Académicas. Entre estos, os
más importantes fueron:
a. Ignacio Merino f. Carlos Baca Flor
b. Francisco Laso g. Federico Torrico
c. Luis Montero h. Francisco Masías
d. Daniel Hernández i. Juan Lepiani
e. Teófilo Castillo. j. Luis Astete.
Centro de interés:
Eje Central:
Líneas secundarias:
Planos:
Color:
Existe saturación entre los fondos oscuro de un lado y claro del otro dando un enfoque
a lo que se encuentra en medio, en este caso a Antonia Moreno.
El color empleado en el vestido de la obra junto al color claro de su piel, da un enfoque
de claridad, luminosidad y belleza característico de una mujer importante como ella.
El color de la silla es el mismo empleado en lo que sostiene en sus manos que parece
ser un pañuelo, y el de su corona.
Existe complementariedad entre el verde y el rojo ubicado en el centro de su pecho
del personaje .
El matices de colores empleados da realce en la imagen, haciéndola casi realista que
pareciera que el personaje saliera de la obra.
Textura:
El vestido de Antonia presenta textura por el bordado y la forma que mantiene en su totalidad.
El color empleado allí da una sensación de majestuosidad.
Tensión:
La dirección de la mirada y la dirección del cuerpo son totalmente diferentes, pues es cierto
que mientras el personaje mira a un costado su cuerpo esta estático. Parece algo incómoda en
la obra.
Movimiento:
El retrato en sí es algo estático, sin embargo a través de las líneas curvas empleadas en la
mirada de Antonia parece que mirase algo o simplemente el desprecio a su retratista, con el
cual no se llevaba bien.
Composición:
Carlos Baca Flor, el ultimo pintor academicista peruano del siglo XIX. Se cree que nació en el
distrito de Islay, Arequipa, el 11 de junio de 1869. Su pintura se fundamenta en solidas básicas
académicas y exigencias personales muy honestas para conseguir la realización de sus obras.
Su gran dominio técnico y su profundo sentido de observación lo definen como un retratista
de primer nivel.
Entre 1887 y 1889, cuando Cáceres ejercía su primera gestión presidencial, doña Antonia es
retratada por el joven pintor Carlos Baca Flor. Antonia Moreno Leyva de Cáceres, nació en Ica,
13 de junio de 1848 y falleció en Lima, 26 de febrero de 1916. Hija de don Fulgencio Moreno y
doña Antonia Leyva, dirigió junto a su esposo, el General del Ejército Peruano y luego Héroe
Nacional Andrés Avelino Cáceres Dorregaray, la resistencia en la sierra central (Campaña de la
Breña) contra la ocupación de Chile durante la Guerra del Pacífico (1879-1883).
Nació en el distrito iqueño de San Juan Bautista, en el seno de una familia de honda raigambre
en dicha región. A los 15 años viajó a Lima, donde poco después conoció al joven Andrés
Avelino Cáceres, recientemente ascendido a Teniente Coronel por su destacada actuación en
la guerra contra España. Tras un breve romance, se casaron en 1867 y se establecieron en la
ciudad de Ayacucho.
Es la única mujer que, junto a su esposo, está enterrada en la Cripta de los Héroes del
Cementerio Presbítero Maestro. Tuvo que darse una Ley especial del Congreso para que esto
sucediera.
En cuanto a la obra, se dice que doña Antonia no simpatizaba con Baca Flor porque
desaprobaba el romance que este tenía con Hortensia, la hija mayor del matrimonio Cáceres-
Moreno. Es así que se cree que el cuadro sería una venganza de Baca Flor porque la retrató
con la nariz grande y le abultó un lunar de carne en el pecho. En la vestimenta de Antonia se
observa objetos elegantes y accesorios, resaltando así su rango socio económico de la mujer.