RENACIMIENTO ESTILOS Y TRADICIONES MUSICALES

RENACIMIENTO

Época
El Renacimiento es un ​amplio ​movimiento cultural que se produjo en ​Europa
Occidental durante los siglos XV y XVI. Fue un período de transición entre la ​Edad Media y
los inicios de la ​Edad Moderna​. Es una etapa corta, pero de las más importantes dentro del
mundo cultural y artístico. El estilo de la música del Renacimiento se basa en el desarrollo de
la técnica del contrapunto imitativo, llevado a cabo por los músicos franco-flamencos en el
siglo XV, y que los demás países asimilaron.

Innovaciones y características de la época

- A principios del Renacimiento se lleva a cabo una serie de ​innovaciones​:
- La creación de la ​polifonía coral​, que supuso 2 problemas: fundir las voces
en una sola y llevar cuidado con el uso de las disonancias (unión de notas que
provoca tensión).
- Disponibilidad de ​técnicas nuevas​: utilización de la homofonía y el
contrapunto imitativo.
- Respeto a la entonación y a que la ​música concuerde en un ​texto (en el
Medievo no lo hacían).

- Características ​específicas que presenta la música durante el Renacimiento:

- Hay un apogeo de la polifonía vocal.
- La música profana crece en importancia.
- La polifonía religiosa es cultivada en la Iglesia, y la profana por la nobleza.
- Existe cierta uniformidad de estilos en las distintas escuelas europeas.
- La hegemonía musical pasa de la escuela flamenca a la italiana, ocupando
también un puesto relevante España e Inglaterra, con figuras representativas.
- Prevalecen las modalidades eclesiásticas, pero van evolucionando hacia los
modos mayor y menor.
- La Reforma Protestante crea un nuevo tipo de música: el coral.

La música inglesa a principios del S. XV

 
A  principios  del  siglo  XV,  un  nuevo  estilo  de  composición,  el  de  la  música  inglesa, 
irrumpe  en  el  continente  de  la  mano  del  primer  compositor  inglés  de  nombre:  ​John 

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Dunstable​.  La  forma  de  componer  de  Dunstable,  basada,  sobre  todo,  en  el  uso  de  terceras y 
sextas,  resultó  muy  atractiva  a  los  compositores  del  continente.  Realizó  obras  sacras  a  tres 
voces.  
Los  compositores  continentales  habían  desarrollado ya su propia versión del fabordón 
inglés  (​técnica inglesa de improvisación vocal polifónica​),  ​el ​fauxbourdon. ​Este nos llega
como una práctica escrita en la que el compositor determinaba las tres voces en la que la voz
más grave era improvisada. La utilizaban los compositores de la escuela borgoñona.
Otro  de  los documentos importantes de la música de la época, considerada la principal 
antología  de  música  inglesa  de  principios  del  siglo  XV,  es  el  ​manuscrito  de  Old  Hall​.  El 
manuscrito  de  Old  Hall  es  una  pieza  clave  para  conocer  y  entender  la  música  inglesa  en  la 
Baja  Edad  Media  que  componían  los  predecesores  inmediatos  y los contemporáneos de John 
Dunstable.  ​El manuscrito contiene música religiosa y, alrededor de sus cuatro quintas partes,
son versiones musicales de distintas partes de la misa, el resto está integrado por motetes,
himnos y secuencias.
Los principales compositores del continente trabajaron al servicio de la Corte de
Borgoña. Los poderosos gobernantes de este ducado potenciaron la cultura y las artes. ​Sus 
principales representantes son ​Guillaume DUFAY​ y ​Gilles BINCHOIS​.  
 
La escuela Borgoñona 
Se caracteriza por: 
- Basar la polifonía cada vez más en la 3ª que en la 5ª y 8ª. 
- Culminación de la potencialidad de la tríada 
- La  utilización del metro ternario, en los que se combinan frecuentemente esquemas de 
tres negras y seis corcheas. 
- Las composiciones a tres voces, estando la melodía principal en la voz superior. 
- La  expresividad  de  las  frases,  que  son  muy  líricas  y  suelen  terminar  en  “graciosos 
melismas al acercarse a las cadencias importantes. 
Todas  estas  características  estilísticas  se  plasman  en  los  principales  tipos  de 
composición de la Escuela de Borgoña: canciones, motetes y misas. 
 
→ ​Las chansons borgoñonas 
Las  canciones  borgoñonas  son  el  producto  más  típico  de  esta  escuela.  Los 
compositores  siguen  con  la  tradición  de  musicalizar  polifónicamente  poemas  en  francés 
según  las  “formes  fixes”,  sobre  todo,  rondeaux  y  baladas.  Los  textos  de  las  chansons  son  de 
tema amatorio y el estereotipo del amor cortés sigue estando presente.  
 
→​ Los motetes borgoñones 

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Los  motetes  borgoñones  pertenecen  a  dos  estilos:  el  tradicional  y  el  moderno.  Los 
motetes  compuestos  a  la  manera  tradicional  son,  evidentemente,  los  de  estilo  isorrítmico. 
Normalmente  se  componían  para  ceremonias  públicas  solemnes,  debido  a  que  un  estilo 
musical  arcaico,  lo  mismo  que  un  estilo  literario  arcaico,  resulta  apropiado  para  semejantes 
circunstancias.  Un  motete  borgoñón  famoso  es  Nuper  rosarum  flores,  de  Guillaume  Dufay, 
motete  que  se  compuso  para  la  solemne  ceremonia  de  la  consagración  de  la  iglesia  de  Santa 
María del Fiore, en Florencia.  
Los  motetes  compuestos  al  estilo  moderno  son  aquellos  que  la  voz  principal  es  la 
superior,  por  eso  se  les  llama  motetes  en  estilo  de  chanson.  Esta  voz  podía  ser  de 
composición  nueva,  pero  lo  normal  era  colocar  en  ella  una  melodía  de  un  canto  llano  ya 
existente y se la adornase. 
 

La era del Renacimiento: de Ockeghem a Josquin 

 
Segunda y tercera generación franco-flamenca 
Los  compositores  de  la 2ª y 3ª generación franco-flamenca desarrollan su actividad en 
la segunda mitad del siglo XV y primera década del siglo XVI.  
 
2ª Generación: 
Los compositores franco-flamencos cuya producción destaca entre 1460 y 1490, se les 
agrupa en la 2ª Generación: ​Johannes Ockeghem (1410-1497).  
Jean  o  Johannes  Ockeghem  (1410-1497)  es  el  compositor  más  importante  de  la  2ª 
Generación  de  músicos  Franco-flamencos.  Sobresale  por  sus  composiciones sacras. Y es que 
en  la  segunda  mitad  del  siglo  XV  en  la  composición  de  misas  era  donde  realmente  se 
demostraba la valía del compositor.  
 
→ ​Su técnica del canon 
Ockehgem  y  sus  contemporáneos,  utilizaron  profusamente  la  técnica  del  canon,  al 
parecer  por  la  tendencia  a  ejercitar  el  virtuosismo  técnico.  La  complejidad  de  esta  técnica se 
basa en la variedad de tipos de cánones que se escribían.  
La  Missa  Prolationum  de  Ockeghem,  es  un  ejemplo  de  escritura  canónica 
virtuosística: cada uno de sus movimientos está concebido como un canon doble de mensura.  
 
3ª Generación: 
Los  compositores  franco-flamencos  cuya  actividad  musical  se  desarrolla  entre  los 
años  finales  del  siglo  XV  y  comienzos  del  XVI,  época  caracterizada  por  una  intensa 

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producción  musical,  se  les  agrupa  en  la  3ª  Generación.  El  músico  más  relevante  de  esta 
generación es ​Josquin des Prez​ ​(1440-1521)​.  
A  Josquin,  sus  contemporáneos,  lo  valoraban  como  “el  más  grande  de  todos  los 
tiempos”  o  como  “el  padre  de  los  músicos”.  Las  “modernidades”  que  usó, en general, en sus 
misas  y  canciones,  y,  sobre  todo,  las  que  aportó  a  los  motetes  fue  lo  que  le  convirtió  en uno 
de los compositores más ilustres.  
Otros  compositores  importantes  contemporáneos  a  Josquin  son:  ​Heinrich  Isaac  ​y 
Jacob Obrecht.  
 
→ ​El estilo de las canciones 
Josquin  fue  el  compositor  más  destacado de ​chansons (​cualquier canción con letra en 
francés de tema amoroso, y también a las de crítica social y política​)​ de su época.  
 
En  el  ​Odhecaton​,  libro  de  música  renacentista  publicado  en  1501  en  Venecia,  por 
Ottaviano  Petrucci,  se  recopila  una  colección  de  96  canciones  polifónicas  seculares  a  tres  o 
cuatro  partes  de  compositores  en  su  mayoría  franco-flamencos,  entre  ellos  Johannes 
Ockeghem, Josquin des Prez, Jacob Obrecht, etc. 
 

Nuevas corrientes en el S. XVI 

 
4ª Generación:  
Entrado  ya  el  siglo  XVI  el  estilo internacional (fuertemente influenciado por Josquin) 
se  impone  en  la  música  religiosa.  Autores  como    Nicolas  Gombert  o  ​Willaert  tienden  a 
aumentar  el  número  de  voces.  ,  homogeneizar  la  textura,  alargar  frases  y  ocultar  las 
cadencias,  volviéndose  de  algún  modo  así  a  las  maneras  más  complejas  y  refinadas  de 
Ockeghem.  Es  en  esta  época  cuando  se  consolidan  los  estilos  locales  de  la  música  profana: 
aparecen el nuevo ​madrigal​ italiano y la chanson parisina. 
 
El nacimiento de los estilos nacionales 
En Italia: la frottola, la lauda. 
En Francia: la nueva chanson francesa, la chanson franco-neerlandesa posterior. 
En Alemania: lied alemán,el quodlibet. 
En Inglaterra: La música eclesiástica anglicana. 
En España: En los cancioneros el villancico es la forma musical predominante. 
 

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El  madrigal​  es  una  composición  de  tres  a  seis voces sobre un texto secular, a menudo 
en  italiano.  Musicalmente  reconoce  orígenes  en  la  frottola,  posee  una  letra  profana,  armonía 
contrapuntística  y  lenguaje  popular.  los  compositores  más  importantes  en  el  renacimiento 
fueron: ​Orlando di Lasso (Alemania), Claudio Monteverdi, Carlo Gesualdo.  
Otro  de  los  más  prominentes  compositores  de  madrigales  fue  ​Cipriano  de  Rore​, 
compositor  y  maestro  de  música  flamenco  del  período  renacentista,  representante  central  de 
la generación de compositores franco-flamencos posteriores a Josquin des Prés. 
En  la  segunda  mitad  del  siglo  XVI  tiene  lugar  la  exportación  al  resto  de  Europa  del 
género  cancioneril  conocido  como  ​madrigal​,  que  en  las  islas  Británicas  es  adoptado  y 
transformado  por  los  músicos  locales.  El  madrigal  aparece  en  la  década  de  1520  en  Italia 
como  una  respuesta  a  la  necesidad  de  musicar  los  versos  del  poeta del siglo XIV ​Petrarca y 
de sus imitadores. Su poesía emocional y sugestiva tuvo mucha influencia en la sensibilidad y 
habilidades  lingüísticas  y  expresivas  en  la  música.  La  obra  principal  de  Petrarca  en  lengua 
vulgar  es  el  Cancionero.  Su  inmensa  popularidad  en  la  primera  mitad  del siglo XVI obligó a 
los músicos a inventar un estilo de canción que pudiese transmitir la profunda pasión amorosa 
que  emana  de  dicha obra. El resultado fue el madrigal, una forma musical compuesta para ser 
cantada  por  varias  voces  (entre  tres  y  siete).  El  madrigal  italiano  llevaba  escuchándose  y 
apreciándose  en  Inglaterra  desde  la  década  de  los  sesenta.  Tanto  el  rey  Enrique  VIII,  que  se 
sabe  que  cantaba  y  tocaba  el  ​laúd​,  como  su  hija  Isabel,  eran  grandes amantes de la música y 
mantuvieron  en  la  corte  a  músicos  italianos.  En  1588  se  publica  en  Londres  la  primera 
recopilación  de  madrigales  italianos  traducidos,  y  en  los  diez  años  siguientes  aparecen cinco 
antologías  más  que  empiezan  tímidamente  a  incluir  material  británico.  Comienza  aquí  la 
gestación  del  ​madrigal  inglés​,  un  género  híbrido que nunca fue ni completamente italiano ni 
completamente británico. 
Con  respecto  a  las  composiciones  en  Francia,  ​Musique  mesurée  fue  un  estilo  de 
composición  musical  vocal  en  a  finales  del  siglo  XVI.  En  musique  mesurée , las sílabas más 
largas  en  el idioma francés se ajustaron a valores de notas más largos, y las sílabas más cortas 
a más cortas, en una textura homofónica.  
El  interés  por  la  ​música  instrumental  comenzó  a  despertar  en esta época debido a la 
polifonía  vocal,  donde  se  utilizaban  los  instrumentos  como  acompañamiento  de las melodías 
y  las  danzas.  El  acompañamiento  favorito  en  el  caso  de  las  danzas  será  el  del  laúd,  vihuela, 
flauta y más tarde el clavecín y el arpa. 
 
 
 
 

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Música religiosa del renacimiento tardío 

Música de la reforma en Alemania 
En  el  siglo  XVI  se  produce  la  escisión  de la cristiandad en protestantes y católicos. A 
la  propuesta  de  ​Reforma  de  Lutero​,  en  Alemania,  las  autoridades  eclesiásticas  de  Roma, 
años  más  tarde,  propondrán  la  ​Contrarreforma​.  Ambas  propuestas  van  a  afectar  al  estilo 
musical,  siendo  el  principal  tema  de  debate  la  importancia  de  la  palabra  en  la  música 
religiosa,  así  pues,  la  música  de  la Reforma litúrgica promovida por Lutero tiene como punto 
de  partida  el  uso  de  la  lengua  vernácula  en  la  liturgia  y,  a  su  vez,  la  música  de  la 
Contrarreforma​ partirá del respeto a la palabra.  
El  Coral  polifónico  ​es  la  versión  polifónica  del  coral monódico. En las antologías de 
corales polifónicos que se publicaron en el siglo XVI se aprecia que el estilo no es uniforme.  
El  ​contrafacta  es  un  tipo  de  coral  cuya  melodía  es  la  de  una  canción profana y cuyo 
texto  es  sustituido  por  palabras  totalmente  nuevas.  Esta  forma  musical  surge  del  recurso 
común  del  siglo  XVI  de  adaptar  canciones  profanas  y  composiciones  polifónicas  profanas  a 
fines eclesiásticos. 
El  motete  coral  ​surge  a  fines  del  siglo  XVI,  cuando  los  compositores  alemanes 
empezaron  a  emplear  melodías de corales tradicionales como material básico para la creación 
artística  libre.  Así  pues,  un  motete  coral  es  una  obra  vocal polifónica en el estilo de motete y 
basada en la melodía de un coral protestante alemán. 
 
La música religiosa de la reforma fuera de Alemania. 
En  esta  música  destacamos  el  ​salterio​,  que  es  un  instrumento  de  cuerda  similar  a  un 
arpa.  
La Contrarreforma 
La  aportación  artística  de  ​Palestrina  es  sólo  vocal.  De  sus  composiciones  religiosas 
destacan sus misas y sus motetes. Su producción profana se centra en madrigales.  
El  estilo  de  Palestina  se  destaca  por:  Uso  de  diseños  melódicos  como  los  del  canto 
llano,  uso  de  la  imitación,  el  cromatismo,  uso  de  la  escritura  a  4  voces  y  uso  de  diferentes 
técnicas de composición de misas.  
Los  Contemporáneos  de  Palestina  de  más  renombre  cuya  aportación  a  la  música 
polifónica  religiosa  del  XVI  fue  también  decisiva  para  consagrar  el  estilo  religioso  del 
Renacimiento  son:  El  internacional  ​Orlando  di  Lasso​,  el  inglés  ​William  Byrd  y El español 
Tomás Luis de Victoria.