3

Autoridades Nacionales
Presidente Vicepresidenta Jefe de gabinete Ministro de Cultura
de la Nación de la Nación de ministros de la nación
Ing. Mauricio Macri Lic. Marta Gabriela Michetti Marcos Peña Pablo Avelluto

Autoridades INCAA
Presidente GERencia GENERAL GERENCIA DE SUBGERENCIA
Lic. Ralph D. Haiek Juan García Aramburu FISCALIZACIÓN DE PRENSA Y
Verónica Sánchez Gelós COMUNICACIÓN
Vicepresidente GERENCIA DE ASUNTOS Mercedes Funes
Dr. Fernando Enrique INTERNACIONALES GERENCIA DE
Juan Lima Bernardo Bergeret ASUNTOS JURÍDICOS SUBGERENCIA DE
Dr. Lucas Lehtinen RECURSOS HUMANOS
Jefe de Gabinete GERENCIA DE FOMENTO Omar Silva
Mariana Dell Elce A LA PRODUCCIÓN GERENCIA DE
AUDIOVISUAL RELACIONES UNIDAD DE
Lic. Viviana Dirolli INSTITUCIONALES TRANSPARENCIA
JEFE DE DESPACHO
Subgerente INSTITUCIONAL
Dr. Eduardo Gabioud
GERENCIA DE Rosendo Fraga Dr. Lisandro Molinas
ADMINISTRACIÓN
Lic. Nicolás Yocca SUBGERENCIA DE UNIDAD DE AUDITORÍA
PRODUCCIÓN DE INTERNA
CINE.AR CONTENIDOS Dra. Isabel Valente
Karina Castellano Julio Bertolotti

Festival Internacional de Cine de Mar del Plata

PRESIDENTE EQUIPO / STAFF COORDINACIÓN RELACIONES
José Martínez Suárez PRODUCCIÓN ARTÍSTICA DE PRODUCCIÓN INSTITUCIONALES
Y PROGRAMACIÓN Simone Bosshart Yael Tujsnaider
DIRECTOR ARTÍSTICO Coordinación Paola Pelzmajer
Peter Scarlet Fernando Arca INVITADOS
Mercedes Arias
ADMINISTRACIÓN
PRODUCTORA GENERAL Programadores
José Luis Pelazas
Rosa Martínez Rivero Marcelo Alderete ACTIVIDADES ESPECIALES
Ana Teszkiewicz
Cecilia Barrionuevo Michelle Jacques Toriglia
Pastora Campos
Pablo Conde ASESORÍA LEGAL COMUNICACIÓN Y
Ernesto Flomenbaum Y ADMINISTRATIVA CONTENIDOS WEB
Francisco Pérez Laguna Pablo Barletta Agustina Salvador
32º FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MAR DEL PLATA

FILM.AR INVITADOS Jeankarla Falon Plaza DISEÑO DE

Directora Asistentes Sergio Padilla ESPACIOS
Annabelle Aramburu Ana Schmukler Federico Saint Girons Arq. Luis Wexler
Picasso Luciana Juárez Iñaki Gómez Orona INTÉRPRETES
Susana Casais Coordinadora
Director de Traslados Trinidad Borean Paulina Casabé
Contenidos Macarena Herrera Bravo Antonella Perata Equipo
Walter Tiepelmann Judit Cruz Catalina Ann Saraceno
Traslados Terrestres Emilia Yáñez
FILM COMMISSION y Hoteles Publicaciones Bárbara Barisch
ARGENTINA Santiago Ligier Especiales Alejo Magariños
Ana Aizenberg Liliana García Alejandro Kim
Invitados Especiales Horacio Campodónico
LOGÍSTICA Y Irene Ovadía VIDEOTECA
ACREDITACIONES Traducción Nicolás San Martino
Buenos Aires Jurados Carolina Ruiz Montani
Marianela Pelzmajer Florencia Fagnani PRODUCCIÓN
Logística Mar del Plata DISEÑO GRÁFICO Asistente
Braian Lugones CATÁLOGO, GUÍA Celeste Cavallero María Mir
DE PROGRAMACIÓN Mariano Diaz Claverie
PRESIDENCIA FESTIVAL Y DIARIO Macarena Fatne ARTÍSTICA
Asistentes Responsables Editoriales Pablo Longo Asistentes
Catalina Saubaber Micaela Berguer Juan Ameijeiras Stein
Manuel Gualtieri Agustín Mango Animador Rocío Rocha
María Rivera Sol Santoro Santiago Idelson
Colaboradores
DIRECCIÓN ARTÍSTICA Redactores COBERTURA Ezequiel Salinas
Asistente Maia Debowicz AUDIOVISUAL Santiago González
Clara Massot Javier Diz Nicolás Vetromile Lucrecia Matarozzo
Juan Francisco Gacitúa Leonardo Cauzillo Paola Buontempo
GERENCIA DE Luciana Calcagno Daniela Cuatrín Mauro García Alena
RELACIONES Miguelius Fernández
INSTITUCIONALES Diseño Carla Gratti COMUNICACIÓN Y
Jefe de Despacho Gastón Olmos Florencia Carnovale CONTENIDOS WEB
Pablo Verdún Cecilia Loidi Andrés Alonso Asistentes
Marcela Díaz Nicolás Graziani Ezequiel Vega
Asesoría Legal Edgardo Fische Gustavo Toba
Laura Cirulnik Traducción Cristian Ulloa
Yanina Russino Juan Pablo Martínez FOTOGRAFÍA
Richard Shpuntoff Fabián Uset Redes Sociales
Asistentes Administrativas Damaris Hidalgo Ana Da Silva
Micaela Gild PRENSA Josefina Urondo
Guadalupe Ramírez Natalia Accetto Cristian Heit Traducción
Morena López Blanco Pamela Fossa
 5

DISEÑO PÁGINA WEB Coordinación COMPRAS SOPORTE

Andrés Adamoli de Proyectoristas María del Rosario INFORMATIVO
Erica García Lautaro Panelo Colantuono Eduardo Oporto
Pablo Gutiérrez Carolina Rolandi Axel Lugones Gabriel Sánchez
Mariano Speche Paula Del Moro Adan Mojo
Coordinación Mariel Socino
Marcela Olea
PROYECCIÓN Print Traffic Darío Castrelo
Coordinación General Pablo Compagno Martín Abasto
PLANIFICACIÓN
Matías Iaccarino Asistente Gabriel Belloq
Hernán Alterini
Inés Jaureguialzo Marco Puyo
Producción Técnica Huberto Tresca
Pablo Campoy
Julián Santiago Tagle Jefes de Proyectoristas Martín Corvatta
Martín Benjamin EVENTOS ESPECIALES
Cinesio Villalva
Producción Juan Manuel Pereyra Coordinador
Gabriel Galeano
Laura Cecilia Nicolás Ezequiel Azambuya Martín Pablo Szarfer Malvina Figueredo
Asistente Daniela Silva Equipo
Dolores Montes Bernardo E. Bergeret CINEMATECA
Macarena Insegna Proyectoristas Patricia Stover Coordinación
Georgina Giribaldi Manuel Sosa Daniel Oliverio
Coordinación de Conrado Negrin
Programación y Grilla Julieta Alsina
PATRIMONIO Administración
María Laura Collasso Lucas Arias
Pablo Barilatti Liliana Massaccesi
Asistente Javier Festa
Paloma Dema Sebastián Ivcic
Técnica Área Técnica
Ignacio Castro
Emiliano Casiraghi Sarita Fernández
Coordinación Brian Griffith
de Cine Digital Asistentes
Juan Pablo Talbot Coordinador de Microcine
Lucas Laccarino PROGRAMA PAÍS
Bárbara Piczman Santiago De Cruz Eduardo César Gómez
Encargada Digital Jeremías Calvanese
Constanza Curia INCAA Coordinadora de Archivo
Manfredo Wolff
ADMINISTRACIÓN Georgina Tosi
Julián Buldrini
Chequeo Digital Sandra Menichelli Ariel Orellano
Victoria De Luca Área Técnica
Nicolás Rodríguez
Brian Bendersky CONTABILIDAD Marina Coen
Pedro Jacomet
Fabiana Villa
Lucía Buono Administrativo
Postproducción
Natalia Soledad Bianchi TESORERÍA Jaime Lozano
Norberto Trefs Telefonía
Coordinación de Sonido Ángel Orellano Julieta Waisman Tránsito de Copias
Arián Nevio Frank Luis Soriano
Logística Andrés Ríos
Fabián Montero Diego Bermejo
ÍNDICE — index

Competencias / Competitions ----------------------------------------------------------------------------------------------- 18

Jurados Oficiales / Official Juries -------------------------------------------------------------------------------------------------------- 20
Jurados No Oficiales / Non-Official Juries ---------------------------------------------------------------------------------------------- 25
Competencia Internacional / International Competition------------------------------------------------------------------------------- 27
Competencia Latinoamericana / Latin American Competition ------------------------------------------------------------------------ 57
Competencia Latinoamericana de Cortometrajes / Latin American Short Films Competition--------------------------------------- 87
Competencia Argentina / Argentine Competition-------------------------------------------------------------------------------------- 93
Competencia Argentina de Cortometrajes / Argentine Short Films Competition--------------------------------------------------- 119
Work In Progress----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 125

PROYECCIONES ESPECIALES / SPECIAL SCREENINGS -------------------------------------------------------------------------------- 126

Panorama -------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 132

Autores / Auteurs------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ 135
Nuevos Autores / New Auteurs--------------------------------------------------------------------------------------------------------- 173
Panorama de Cine Latinoamericano / Latin American Cinema Panorama----------------------------------------------------------- 185
Panorama de Cine Argentino / Argentine Cinema Panorama------------------------------------------------------------------------- 195
Banda Sonora Original / Original Soundtrack---------------------------------------------------------------------------------------- 207
Hora Cero / Midnight Screamings------------------------------------------------------------------------------------------------------ 213
Las Venas Abiertas / Open Veins------------------------------------------------------------------------------------------------------- 223
Ventana Documental / Documentary Showcase-------------------------------------------------------------------------------------- 231
Mar de Chicos / Children by the Sea---------------------------------------------------------------------------------------------------- 241
Super 8 - 16mm ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 253
Estados Alterados / Altered States----------------------------------------------------------------------------------------------------- 263

FOCOS Y RETROSPECTIVAS / FOCUS AND RETROSPECTIVES------------------------------------------------------------------- 280

Ado Arrietta---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 283
Claude Lelouch------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 295
Maurice Pialat--------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 301
Zelimir Zilnik---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 307
Centenario de la Revolución Rusa: Arte, Cine, Revolución / Centennial of the Russian Revolution: Art, Film, Revolution---------- 325
Corea, País Invitado de Honor / Guest Country of Honor------------------------------------------------------------------------------ 331
Rescates / Rescues----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 341
Generación VHS / Generation VHS---------------------------------------------------------------------------------------------------- 349

HOMENAJES / TRIBUTES------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 356

Alberto Sordi---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 358

FUNCIONES PARALELAS / PARALLEL PROGRAMS-------------------------------------------------------------------------------- 362

Historias Breves / Short Stories--------------------------------------------------------------------------------------------------------- 364
La Noche del Cortometraje / Short Film Night----------------------------------------------------------------------------------------366
Cortos Premiados CINE.AR / CINE.AR Awarded Short Films--------------------------------------------------------------------------370
Primeras Producciones. ENERC NOA y NEA / ENERC First Productions - NOA and NEA-------------------------------------------- 372
Raymundo Gleyzer--------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 374
Pantalla UBA / UBA Screen------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 376
agradecimientos — acknowledgements 7

20th Century Fox Argentina Beatriz Lucas Carbonero Enrique Vila-Matas Jean-Pierre Rehm
Aaron Cutler Beatriz Ventura (Embajada Erica Orciani (FidMarseille)
Adam Cook (TIFF - de Canadá) Erick González (Australab) Jinna Lee (Busan IFF)
Vancouver FF) Beatriz Villarruel Eva Sangiorgi (Ficunam) Joaquín Conde
Agnes Wildenstein Bela Abud Evgeniya Chulkova John Campos Gomez
(Doclisboa) Benjamín Esdraffo Federico Windhausen (Transcinema)
Agustín Newell Bob Berney (Amazon Fernando Ganzo Jonas Mekas
Agustina Benvenuto Studios) Fernando Juan Lima Jonathan Yelin (Embajada
Alain Maudet (Institut Boris Nelepo Fernando Vilchez de Israel)
Français d’Argentine) Brahian Alemán FilmNation Jordan Cronk
Alberte Pagán Carlo Chatrian (Locarno Fiona Pittaluga Jorge Lucena (Canta Brasil)
Alberto Gauna Film Festival) Fran Gayo (Ourense FF) José Luis Losa García
Alejandra Trelles Cecilia Bianchini Francina Verdés José Luis Rebordinos
(Cinemateca Uruguaya) Cecilia Fanti Francisco Algarín Navarro (Festival de Cine de San
Alejandro Alvarado Cecilia Kuska Francisco Benítez Sebastián)
Alejandro Díaz Castaño Celia D’stefano Francisco Ferreira Jose Manuel Gomez (AC/E)
(Gijón IFF) Christine Franz Franco Aranzabal José Manuel Gómez Vidal
Aleksandra Sarana Christopher Gray Frédéric Majour (Acción Española)
Alex Escaleira (AA2000) Christopher Gude Gabriel Pressello (Centro Juan Antonio Vigar (Festival
Alicia Gazillón Cíntia Gil (Doclisboa) Cultural Coreano) de Málaga)
Alicia Morales Dasso (Lima Claudia Fernández Gabriela Magnoler Juan Carlos Martinez
International Film Claudio Caldini Gabriela Moccia Juan Cruz Varela
Festival PUCP) Concha Barquero Gabriela Silva Canzani Julie Huntsinger (Telluride
Amir Esfandiari (Fajr Film Contravía Films (Embajada de Uruguay) Film Festival)
Festival) Da. Marit Aspaas Gabriela Zamora Julieta Mortati
Ana Domínguez (S8) (Embajada de Noruega) Gloria Mascorro Julio Artucio (ENERC)
Mostra Internacional de Dane Komljen Gonzalo de Pedro Amatria Karni Haneman
Cinema Periférico Daniel Kasman (Mubi) Guillermo Goldsmith Kiva Reardon (Cleo - TIFF)
ANCINE - Agência Nacional Daniel Luna Guy Lodge Kjersti E. Østhus (Embajada
do Cinema Darko Strukelj (Slovenian Hans Hurch (Viennale IFF) de Noruega)
Andréa Picard (TIFF) Cinematheque) Hernán Panessi Lariza Melo Preciado
Andrés Duque Davide Oberto (Torino IFF) Hugo Barrionuevo Lee Sang-Yong (Jeonju IFF)
Anette Dujisin (Semana de Denis DeLaRoca Hüseyin Karabey Leonardo Mangialavori
la Crítica Venecia) Diana Santamaría IMCINE - Instituto Mexicano Lionel Messi
Angel Rueda (S8) Mostra Diego Batlle de Cinematografía Lola Mayo
Internacional de Cinema Diego Brodersen Isaki Lacuesta Lucas Garófalo
Periférico Diego de la Vega Wood Ivana Arsenic (Embajada de Manu Yañez
Antipode Sales (Embajada de México) la República de Serbia) Manuel Asin (Círculo de
Ariana Grande Diego García Jaime Grijalba Bellas Artes de Madrid)
Atilio Barrionuevo Diego Lerer Jaime Quinto Guillén Mar Medir (Catalan Films)
Aurélie Godet Dora Pentimalli (Instituto James Lattimer (Berlinale - Marcel Müller (Swiss Films)
Barbara Silva de Melo Italiano de Cultura) Forum) Marcela Gamberini
Bautista Aranzabal Eduardo Grüner Javier Alcácer Marcelo Gobello
Beatriz Coimbra (Embajada Elena Rué (Catalan Films) Javier Melgarejo Marco Audrá
de Brasil) Eleonora Biaiñ Javier Vázquez Marcos Arias
Marcos Lalosevich Matías Piñeiro Embajada de España The Walt Disney Company
Marcos Uzal (Musée Meghan Monsour en Argentina) Latin America
d'Orsay) (Ambulante Film Festival) Pip Chodorov (Re:voir) Thelma Schoonmaker
Margot Rossi Micaela Saconi Quintín Tom Luddy (Telluride
María Bonsanti (Eurodoc) Miroljub Vuckovic (Film Raúl Camargo
Film Festival)
María Cristina Rayol Center Serbia) Revista Lumière
Tom Prassis (Sony Pictures
Sobreira Lopes (Embajada Mirta Abud Rita Azevedo Gomes
de Brasil) Monica Lee Robert Koehler Classics)
María Fernanda Mugica Monserrat Sánchez Rodolfo Weisskirch Tomás Dotta
María Isabel Bosch Aybar Moriana Conde Roger Koza UIP Argentina
(Embajada República Nadia Dresti (Locarno Film Roni Ryba Valeria Bratelli
Dominicana) Festival) Rosa Vita Pelegrin (Oficina Valeria Inés Lamberti
María José Santacreu Natalia Salvini Cultural, Embajada de Valeria Zamparolo y
(Cinemateca Uruguaya) Natalia Zakharova España en Argentina)
Verónica Bergna (British
María Julieta Binni Nazareno Brega Rosana Berlingeri
Council)
Mariana Mutri Nicolás Fernández Santiago Chalita
Vanesa Fernández Guerra
Marilina Esquivel Nuria Araúna Scott Foundas (Amazon
Marina Cortiñas Oriol Font (Intermedio) Studios) (Zinebi)
Marina Lacarta Oscar Ruíz Navia Sebastian Oberti Vera Czemerinski
Mark Peranson Pablo Marín Serge Bozón Víctor Guimaraes
(Cinemascope) Pablo Medina Sofía Melgarejo Víctor Iriarte (Tabakalera)
Márta Benyei Pascale Ramonda Sofia Schlossmann Violeta Uman
(Magyar Filmunió) Patricia Bonet (Catalan (Embajada de Austria) Warner Bros. Pictures
Martina Pagnotta (Institut Films) Sony Pictures
Xavier Baert (Embajada
Français d’Argentine) Paula Félix-Didier Stefan Laudyn (Warsaw
del Reino de Bélgica)
Massimo Saidel (Institut Pierre Léon Film Festival)
Français Argentine) Piers Handling (Toronto Sung Kyoung Moon (KOFIC) Yang Byungwong
Mathilde Henriot Film Festival) Tara Erer (Amazon Studios) (Jeonju IFF)
(Unifrance) Pilar Ruiz Carnicero Ted Fendt Yanina Tendlarz
Matias Figliozzi (Consejera Cultural de la Teresita Varela

ABREVIATURAS / ABBREVIATIONS

B&N: blanco y negro / black and white
DCP: paquete de cine digital / digital cinema package
DM: archivo digital / digital media
D: dirección / direction
G: guion / screenplay
F: fotografía / cinematography
E: edición, compaginación, montaje / editing
DA: dirección de arte, escenografía / art direction,
production design
S: sonido / sound
M: música / music
P: producción / production
CP: compañía productora / production company
I: intérpretes, elenco / actors, cast
Con el apoyo de las siguientes Embajadas e Instituciones: 9
32º FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MAR DEL PLATA

El Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, como la propia cinematografía argentina,
es rico por su historia pero también por su presente y su potencial. En sus 32 ediciones,
grandes estrellas internacionales han caminado por su alfombra roja, películas de calidad
han obtenido su primer reconocimiento de crítica, y un público siempre ávido de cine se ha
congregado en estas playas para llenar las salas de la ciudad.
El cine argentino también tiene un pasado de oro y un presente de reconocimiento mundial
por su talento y diversidad. Ese camino es el que queremos continuar fomentando también
a través del Festival. Queremos que cada vez más productores argentinos y del mundo elijan
Mar del Plata para presentar sus películas. Que las figuras internacionales vean esta cita
en toda su dimensión: una oportunidad absolutamente singular de participar del único
festival de Clase A de la región.
Este es un gran momento para el encuentro de los verdaderos protagonistas del cine,
aquellos que construyen con su talento la industria: directores, productores, distribuidores,
actores, técnicos, cinéfilos y público. Apostamos a ese encuentro y a sus frutos, con la
mirada siempre puesta en el futuro.
Este catálogo es fiel reflejo de una cuidada selección de lo mejor del cine nacional e
internacional. Con seis secciones competitivas, un panorama exhaustivo de nuevos autores
y tendencias estéticas, revisiones y homenajes de hitos del cine, y actividades especiales, el
Festival ofrece un abanico de propuestas.
En estos diez días, las pantallas acercarán a los invitados una experiencia en la que todos
seremos protagonistas.
El cine nos convoca a participar, a ser un engranaje esencial de una industria que crece,
expande fronteras, gana nuevos espacios y conmueve a otros públicos.
La función está por comenzar. ¡Seamos parte de ella!

Ralph D. Haiek
Presidente del INCAA
 11

The International Film Festival of Mar del Plata, like the very Argentine cinema, is rich for its
history, but also for its present and its potential. In its 32 editions, great international stars
have walked upon its red carpet, films of quality have received their first recognition from
the critics, and a public always hungry for good films has come to these beaches to fill the
city’s theaters.
The Argentine cinema also has a golden past and a present that is internationally
recognized for its talent and diversity. This road is the one we want to keep developing, and
the Festival is a part of that development. We want more and more Argentine and foreign
producers to select Mar del Plata as the place to present their films. We want international
figures to see this event in its full dimension: an absolutely singular opportunity to
participate in the only Class A festival in the region. This is a unique moment for meeting
the true protagonists of the cinema, those who build the industry with their talent:
directors, producers, distributors, actors, technicians, cinephiles and the public. We are
investing in this event and its yields, our gaze always fixed on the future.
This catalog is a faithful reflection of a careful selection of the best of national and
international cinema. With six competitive sections, a comprehensive overview of new
authors and aesthetic trends, revisions and tributes to cinematic milestones and special
activities, the Festival offers a wide range of proposals.
During these ten days, the screens bring closer to our guests an experience in which all of
us are protagonists.The cinema calls us to participate, to be an essential gear of an industry
that grows, expands borders, wins over screens abroad, and moves new audiences.
The show is about to start. Let’s be part of it!

RDH
President of INCAA
32º FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MAR DEL PLATA

La realización de una nueva edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata
es siempre un motivo de alegría y orgullo. Desde su recuperación en 1996 (año de la 12ª
edición), el encuentro se ha ido transformando, creciendo, ampliando sus horizontes.
Por supuesto que ha habido momentos difíciles (para el Festival y para el país), pero la
decisión de defender un lugar tan importante y representativo para nuestra cultura ha
sabido mantenerse en el tiempo, atravesando contratiempos y crisis, como una saludable y
plausible muestra de determinación política.
Año tras año el festivo ritual se reitera y las calles de Mar del Plata se pueblan de cine. En
las salas, en las plazas, en los cafés y lugares de encuentro, el público habla, piensa, respira
cine. Las películas se cuentan por cientos, cada uno construye su propio y personal recorrido.
Pero con el correr de los años las actividades se han multiplicado: mesas redondas,
debates, charlas con maestros, presentación (y publicación) de libros, muestras pictóricas
y fotográficas. El “planeta” Festival de Mar del Plata sigue mutando para acompañar los
cambios sociales y culturales, para seguir dialogando con los asistentes (hablándoles,
pero también escuchándolos) y abriendo puertas para nuevas miradas, para diversas
posibilidades de goce.
El Festival es nuestro. Es la oportunidad de encontrarnos con el cine del mundo y de vernos
reflejados en lo más reciente de la producción local. Cada año es nuevo, pero la esencia
múltiple y diversa, desafiante y feliz, sigue presente. De las primeras ediciones en las que
descubrimos tantos (entonces nuevos) maestros en las proyecciones de Contracampo, a
aquellas hermosas funciones con música en vivo en el Teatro Colón, el Festival se mantiene
coherentemente heterogéneo a través del tiempo.
Ahora es el momento de la 32ª edición, de cuya programación da cuenta este catálogo.
¡A disfrutar, una vez más, de nuestro querido Festival de Mar del Plata!

Fernando E. Juan Lima

Vicepresidente del INCAA
 13

The production of a new edition of the Mar del Plata International Film Festival is always
a motive for pride and joy. Since the festival was recovered in 1996, the year of the 12th
edition, the event has been continually transforming, growing and broadening its horizons.
Of course, there have been difficult moments –for the festival and for the nation–, but
the decision to defend such an important and representative space for our culture has
managed over time to stand, even through setbacks and crisis, as a healthy and plausible
demonstration of political determination.
Year after year the ritual of the festival is repeated and the streets of Mar del Plata are
populated by cinema. In the theaters, in the plazas, in the cafes and meeting spaces, the
public speaks, thinks and breathes cinema. There are hundreds of films being screened,
each constructing its own and personal path. However, over the years, the activities have
multiplied: panels, debates, master classes, presentations (and publications) of books,
as well as exhibitions of photographs and paintings. The Mar del Plata Festival “planet”
continues evolving to accompany social and cultural changes, to dialogue with audience
members (talking to them, but also listening) and to open doors for new gazes, for diverse
possibilities of enjoying.
The festival is ours. It is the opportunity for us to meeting with the cinema of the world and
to see ourselves reflected in the latest local productions. Each year is new, but the multiple
and diverse essence, challenging and joyful, continues to be present. From the first editions
in which we discovered so many (at the time new) great masters in the “Contracampo”
projections, those beautiful screenings with live music at the Colon Theater, the festival
has maintained itself as coherently heterogeneous throughout its history. Now, we have
reached the 32nd edition, whose program is contained within this catalogue.
Enjoy, once again, our beloved Mar del Plata Festival!

FJL
Vice President of INCAA
32º FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MAR DEL PLATA

Señoras y señores: estamos prologando la 32ª edición del Festival, lo que significa que hay
31 antecedentes de este escrito. Algunos prólogos fueron buenos, otros regulares, y otros
únicamente fueron.
No queremos que con este pase lo mismo. Un prólogo es el primer encuentro con los
lectores y, según dice el refrán popular, “la primera impresión es la que vale”.
Hablemos del Festival.
Será bueno. Les gustará. Recordarán las películas vistas, comprarán los libros editados,
tendrán como biblia cinematográfica este catálogo, e incluso, tal vez, encuentren algún
error –lo que ocurriría por primera vez en su historia–.
Hemos elegido entre más de 3000 películas enviadas desde 93 países. Seleccionamos lo que
consideramos mejor. Constituimos un jurado diverso y, al mismo tiempo, homogéneo.
Recibimos, como siempre, el apoyo de las autoridades y de los residentes marplatenses;
también –y sean ellos bienvenidos– de los visitantes que engalanarán la ciudad, sus
calles, paseos, comercios y salas. Pero ante todo hemos recibido el constante aliento y las
sugerencias de todos los miembros del INCAA, quienes también impulsaron y aceptaron
nuestras propuestas.

José Martínez Suárez

Presidente del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata
 15

Ladies and gentlemen: we are prefacing the 32nd edition of the Festival, which means that
there are 31 precedents to this writing. Some prefaces were good, others were fair, and
others just were.
We don’t want this one to suffer the same fate. A preface is the first encounter with the
readers and, as the proverb says, “It’s the first impression that counts.”
Let’s talk about the festival.
It will be good. You will like it. You will remember the films you saw, buy the books
published, have this catalog as a film bible and perhaps even find a mistake –which would
be a definite first.
We have chosen among more than 3,000 films sent from 93 countries. We have selected
what we considered to be the best. We have constituted a jury that is both diverse and
homogenous.
We have received, as always, support from the authorities and the residents of Mar del
Plata; also –and they are most welcome– from the visitors that will adorn the city, its streets,
its promenades and theaters. But above all, we have received constant encouragement and
suggestions from all members of INCAA, who also encouraged and accepted our proposals.

JMS
President of Mar del Plata International Film Festival
32º FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MAR DEL PLATA

Queridos amigos,
Bienvenidos a la edición número 32 del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.
O, más bien, “bienvenidos de nuevo”.
Parece que están leyendo las cartas introductorias en esta sección de nuestro catálogo.
¿Por qué otra razón leerían esta? Pero ¿ya leyeron el resto de esta publicación? Está llena
de información acerca de todas las películas maravillosas que presentaremos este año, así
que, si todavía no lo leyeron, ¡déjenme sugerirles que hagan eso primero! Después de todo,
durante el tiempo que les está llevando leer esta carta, alguien podría estar comprando las
últimas entradas para las películas que más les interesan, ¡y todavía no saben nada de ellas!
Esta carta estará esperándolos después, se los prometo…
…Ok, ¡bienvenidos de nuevo! Ahora que ya leyeron el catálogo e hicieron por lo menos una
selección preliminar de las películas que quieren ver y compraron las entradas, entenderán
por qué estamos tan entusiasmados con esta programación. Y por “estamos” me refiero a
nuestro estimado presidente, José Martínez Suárez, y yo, todos nuestros programadores,
que trabajan muy duro, los miembros del staff del INCAA, el gran número de voluntarios
del Festival y las personas y compañías que proveen tantos servicios de gran valor.
Cuando Mar del Plata presentó la primera edición de este evento en 1954, había solo un
puñado de festivales de cine en el resto del mundo. ¡Hoy hay más de 3000! Así que hay
mucha competencia, no solo por películas, sino también por los invitados y sponsors.
Haber podido reunir una programación de películas tan rica, variada y arriesgada como
esta es una hazaña de la que todos estamos orgullosos. Y nos hace felices que ustedes
puedan verlos en los maravillosos cines de Mar del Plata, que ayudan a fomentar el tipo de
sentimiento comunitario que es imposible que exista si ustedes ven películas solos en sus
casas. Y sé por experiencia cuánto más apasionante puede ser cuando los asistentes a un
festival “descubren” una película todos juntos en lugar de sentarse como blancos pasivos de
un tanque diseñado para impactar a todos de la misma manera.
Esperamos verlos pronto… ¡en la oscuridad!

Peter Scarlet
Director Artístico del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata
 17

Dear Friends,
Welcome to the 32nd edition of the Mar del Plata International Film Festival. Or perhaps
“welcome back.”
It appears you are reading the introductory letters in this section of our catalogue. Why else
would you be reading this one? But have you already read the rest of this publication? It’s
packed full of information about all the wonderful films we’re presenting this year, so if you
haven’t read it yet, please permit me to suggest that you do that first! After all, during the
time it’s taking you to read more of this letter, someone else may be buying the very last
tickets to the films that may interest you most – and you don’t even know about them yet!
This letter will be waiting for you later, I promise…
…Okay, welcome back! Now that you’ve read the catalogue, made at least a preliminary
choice of the films you want to see, and purchased your tickets, you may understand
why we’re all so excited about this program. By “we” I mean our esteemed President, José
Martinez Suárez and I, all of our hard-working colleagues in the programming department,
as well as the members of INCAA’s staff, the festival’s large number of volunteers, and the
individuals and companies who provide so many valuable services.
When Mar del Plata hosted the first edition of this event in 1954, there were only a handful
of film festivals in the rest of the world. Today there are more than 3,000 of them! So there
is heated competition, not only for films, but also for guests and sponsors. To have been
able to assemble a program of films as rich varied and risk-taking as this, is an achievement
of which we are all proud. And we’re happy you’ll be able to watch them in Mar del Plata’s
wonderful cinemas, which help foster the sort of community feeling that can’t exist when
you’re watching movies at home alone. And I know from experience how especially exciting
it can be when the members of a film festival audience “discover” a film together, instead
of sitting as the passive targets of a tent pole juggernaut, one designed to “push everyone’s
buttons” in exactly the same way.
We look forward to seeing you all soon – in the dark!

PS
Artistic Director of Mar del Plata International Film Festival
Competencias
—
Competitions
19

mardelplatafilmfest.com
Jurados competencia internacional — international competition jury

Kenneth Lonergan Nació en 1962 en el barrio del Bronx. Es dramaturgo, guionista y

director de cine. Dirigió las obras This Is Our Youth (1996), The Waverly Gallery (2000) y The
Starry Messenger (2009), entre otras. Escribió los guiones de Analízame (1999) y Pandillas
de Nueva York (2002, nominado al Oscar), y dirigió y escribió los films Puedes contar conmigo
(2000, nominado al Globo de Oro y al Oscar como Mejor Guion), Margaret (2011, proyectada
en este Festival) y Manchester frente al mar (2016), por el que ganó el Oscar al Mejor Guion
en 2017. Eng Born in the Bronx in 1962, his plays include This is Our Youth (1996), The Waverly
Gallery (2000) and The Starry Messenger (2009). He also co-wrote the screenplays for Analyze
This and Gangs of New York (2002), WGA and Academy Award nomination for Best Original
Screenplay. His first film as writer-director, You Can Count On Me (2000), was an Academy
Award and Golden Globe Nominee for Best Screenplay. His other films include Margaret
(2011, screened at this Festival's edition), and Manchester by the Sea (2016), for which he won
the Oscar for Best Original Screenplay in 2017.

Érica Rivas Nació en 1974 en Ramos Mejía. Actriz argentina de teatro, cine y televisión,
recibió numerosos premios por su trabajo; entre ellos, Platino del Cine Iberoamericano,
Martín Fierro, Premios Cóndor y Premios Sur. Participó, entre varias obras, en Un tranvía
llamado Deseo (2011), dirigida por Daniel Veronese, y en Escenas de la vida conyugal (2015-2017),
de Ingmar Bergman, dirigida por Norma Aleandro. Dentro de su filmografía se destacan
Por tu culpa (2010), de Anahí Berneri; Relatos salvajes (2014), de Damián Szifron; y La cordillera
(2017), de Santiago Mitre, entre otras. Eng Born in Ramos Mejia in 1974, she is an Argentine
screen, television and theater actress, and has won numerous awards including the Platino
del Cine Iberoamericano, Martín Fierro, Premios Cóndor and Premios Sur. She has acted
in many plays including Tennessee Williams’ Streetcar Named Desire (2011) directed by
Daniel Veronese and Ingmar Bergman’s Scenes from a Marriage (2015-17) directed by Norma
Aleandro. Her filmography includes Por tu culpa (2010) by Anahí Berneri, Damián Szifron’s
Relatos salvajes (2014), and La cordillera (2017) by Santiago Mitre, among others.

Edouard Waintrop Cinéfilo desde que tiene memoria, fue crítico de cine en el diario
parisino Libération por 26 años. Además se desempeñó como director del Festival
Internacional de Cine de Friburgo, en Suiza, desde 2007 hasta 2011. En la actualidad es
director artístico de la Quincena de los Realizadores en el Festival de Cannes. Escribió el libro
Les Anarchistes Espagnols: 1868-1981 (2012) y coescribió Le Talmud et la République (1991). Eng A
cinephile for as long as he can remember, he has been a film critic in the Parisian newspaper
Libération for 26 years. He also served as director of the International Film Festival of Fribourg,
in Switzerland, from 2007 to 2011. He is currently the artistic director of the Directors’
Fortnight at the Cannes Film Festival. He wrote the book Les Anarchistes Espagnols: 1868-1981
(2012) and co-wrote Le Talmud et la République (1991).
 21

Amedeo Pagani Nació en Addis Abeba, y se inició escribiendo guiones y diálogos para
películas como Portero de noche (Liliana Cavani), e Il maestro e Margherita (Alexsandar
Petrovic). Desde 1988 ha producido o distribuido unas 50 películas con su compañía
Bim, con la que ganó decenas de premios en festivales de todo el mundo. Es miembro de
prestigiosas instituciones culturales y cinematográficas, comités y jurados, y miembro
fundador de la Academia de Cine Europeo. Recibió numerosos premios, incluido el David
di Donatello a Mejor Productor por Garage Olimpo (2000), de Marco Bechis. Eng He was
born in Addis Abeba, and started his career by writing scripts and dialogues for films like The
Night Porter (Liliana Cavani) and The Master and Margaret (Aleksandar Petrovic). Since 1988, he
has produced and / or distributed about 50 films through his company Bim, winning dozens
of awards at festivals all over the world. He has been a member of prestigious cultural and
cinematographic committees and juries, and is a founding member of the European Film
Academy. He has been personally awarded many prestigious awards, including the David di
Donatello for Best Producer, for Marco Bechis' Garage Olimpo in 2000.

Boyd van Hoeij Crítico de cine freelance, vive en París y Luxemburgo. Escribió reseñas
para la revista americana Variety durante cinco años, y en 2013 comenzó a trabajar para
The Hollywood Reporter, medio para el cual cubre festivales como Berlín, Cannes, Venecia
y Toronto. Es también editor de la revista Winq y colaborador para De Filmkrant, Indiewire
y The Atlantic. También da cursos y talleres de análisis cinematográfico y crítica de cine
por todo el mundo. Eng He is a freelance film writer based in Paris and Luxembourg. He
reviewed films for U.S. trade paper Variety for five years before moving to The Hollywood
Reporter in 2013, where he covers festivals including Berlin, Cannes, Venice and Toronto.
He’s also the film editor of Winq magazine and contributes to De Filmkrant, Indiewire and
The Atlantic. He also conducts shot-by-shot analysis of film classics and film-criticism
workshops around the globe.
Jurados competencia LATINOAMERICANA — LATIN AMERICAN competition jury

Nahuel Pérez Biscayart Nació en 1986 en Buenos Aires. Luego de un breve paso por una
escuela técnica, comenzó a cursar talleres de actuación. En televisión participó como actor
de las series Disputas, Sol negro, Sangre fría y Mujeres asesinas, entre otras. Algunas de las
películas en las que se destacó son El aura (2005), de Fabián Bielinsky; La sangre brota (2008),
de Pablo Fendrik; y 120 battements par minute (2017), de Robin Campillo, ganadora del Gran
Premio del Jurado del Festival de Cannes y exhibida en este Festival.Eng Born in Buenos Aires
in 1986, after a brief period in a technical school, he began to study acting. On televisión, he
participated in various series such as Disputas, Sol negro, Sangre fría and Mujeres asesinas, among
others. Some of his more notable cinema performance included his work in El aura (2005) by
Fabián Bielinsky, Pablo Fendrik’s La sangre brota (2008), and 120 battements par minute (2017) by
Robin Campillo, winner of the Grand Prix at the Cannes Film Festival.

Lois Patiño Cineasta y artista, nació en 1983 en Vigo. Sus films se han podido ver en
multitud de festivales y centros de arte internacionales, en Locarno, Toronto, Rotterdam,
San Francisco y la Viennale. Se han desarrollado focos sobre su trabajo en eventos como el
NYFF, Flaherty Seminar, Bafici y el Festival de Cali. Con Costa da morte (2013) obtuvo el premio
al Mejor Director Emergente en el Festival de Locarno. Su corto Montaña en sombra (2012)
ganó premios en Clermont-Ferrand y en Oberhausen. La Universidad de Harvard le otorgó
en 2016 la beca Robert Fulton III.Eng A filmmaker and artist born in Vigo in 1983, his films
have been screened at numerous festivals and international art centers including Locarno,
Toronto, Rotterdam, San Francisco and the Viennale. The New York Film Festival, the Flaherty
Seminar, Bafici and the Festival of Cali have all held focus sections of his work. With Costa
da morte (2013) he won the prize for Best Emerging Director at the Locarno Film Festival.
His short film Montaña en sombra (2012) won awards at Clermont-Ferrand and Oberhausen.
Harvard University awarded him a Robert Fulton III grant in 2016.

James Lattimer Es curador, crítico y cineasta residente en Berlín. Comenzó trabajando para
el Forum de la Berlinale en 2008, y tres años después se sumó al comité de programación.
Sus textos se publicaron en Cinema Scope, Slant Magazine, Fireflies, Film Parlato y Senses
of Cinema, entre otros medios. Su primer cortometraje como director, All Still Orbit, en
colaboración con Dane Komljen, fue parte de la competencia en el Festival Internacional de
Cine de Rotterdam en 2016, y se exhibió en el Festival de Mar del Plata ese mismo año.
Eng James Lattimer is a film curator, critic, and filmmaker based in Berlin. He started
working for the Berlinale Forum in 2008 and joined their selection committee in 2011. His
writing has appeared in Cinema Scope, Slant Magazine, Fireflies, and Senses of Cinema. His first
short film, All Still Orbit, a collaboration with Dane Komljen, premiered in competition at
the 2016 Rotterdam International Film Festival and was screened at the Mar del Plata Film
Festival that same year.
JURADO COMPETENCIA ARGENTINA — ARGENTINE COMPETITION JURY 23

Laila Pakalnina Nació en 1952 en Liepaja. Se graduó en el Moscow Film Institute (VGIK) en
1991. Entre cortos y largometrajes, su obra abarca alrededor de treinta títulos; entre ellos,
El zapato (1998), Pitons (2003), El rehén (2006) y Ausma (2015). Sus películas se exhibieron en
festivales como Cannes, Venecia, Berlinale, Locarno, Karlovy Vary, Roma y otros, y se hicieron
de numerosos premios. En esta edición se proyecta su corto Hello, Horse!. Eng Born in Liepaja
in 1952, she graduated from the Moscow Film Institute (VGIK), Department of Film Directing,
in 1991. She has written and director over thirty short and feature length films including:
The Shoe (1998), The Python, The Hostage (2006) and Ausma (2015). Her films have screened
in official programs at Cannes, Venice, Berlinale, Locarno, Karlovy Vary, Rome and other
international festivals, where they have won numerous awards. At this edition of the festival
we will screen her short film Hello, Horse!.

Kim Young-jin Nació en Seúl en 1965. Se desempeña como crítico desde 1992, cuando
comenzó a publicar en distintos medios, sobre todo en la revista semanal Cine 21, donde
participó desde 1995 hasta 1999. Fue editor y colaborador de Film 2.0. Es profesor de cine en
la Universidad de Myongji desde 2006, y en la actualidad publica en The Hankyoreh. Escribió
los libros The Critic of Blood Merchant y The Unknown Masters. Eng Born in 1965 in Seoul, he
has been writing film critiques for various journals since 1992, contributing regularly to the
weekly film magazine, Cine 21, from 1995 to 1999. From 2000 to 2006, he wrote film critiques
as an editor at Film 2.0. Since 2006, he has been a professor of film at Myongji University, and
is currently writing for The Hankyoreh. He wrote the books The Critic of Blood Merchant and
The Unknown Masters.

Bruno Forzani Nació en 1976 en Menton. Junto con Hélène Cattet conforman una dupla
con la que llevan dirigidos una serie de cortos y tres largometrajes. Su debut fue en 2009
con Amer (24º Festival de Mar del Plata); en 2012 su corto O Is for Orgasm formó parte del
film colectivo The ABCs of Death (27º Festival de Mar del Plata), y ese mismo año llegaría The
Strange Color of Your Body’s Tears (28º Festival de Mar del Plata). Su nuevo film, Laissez bronzer
les cadavres, forma parte de la programación de esta edición del Festival. Eng Born in 1975 in
Menton, together with Hélène Cattet he has directed a series of short films and three feature
length films. In 2009, they made their debut film, Amer (24th Festival of Mar del Plata), and
in 2012 their short film O is for Orgasm formed part of the collective The ABCs of Death (27th
Festival of Mar del Plata). That same year they completed The Strange Color of Your Body’s Tears
(28th Festival of Mar del Plata). Their new film, Laissez bronzer les cadavres, is screening at this
year’s edition of the festival.
Jurados competencia wip — wip competition jury

Juan Pablo Miller Nació en Buenos Aires en 1977. En 1997 inició la carrera de Comunicación
Social en la Universidad de Buenos Aires. Paralelamente comenzó a trabajar en producción
de cine en diversas áreas, hasta que en 2009 fundó su propia productora, Tarea Fina. Entre
sus producciones se encuentran Las acacias e Invisible de Pablo Giorgelli (exhibida en esta
edición del Festival); Un amor, de Paula Hernández; Cómo funcionan casi todas las cosas,
de Fernando Salem; La luz incidente, de Ariel Rotter; y El pampero, de Matías Lucchesi, entre
otras. Eng Born in Buenos Aires in 1977, he began studying social communication at the
Universidad de Buenos Aires in 1997. Parallel to this, he began to work in different areas of
film production until, in 2009, he founded his own production company, Tarea Fina. His
productions include Pablo Giorgelli’s Las acacias and Invisible (screened at this edition of the
festival), Un amor by Paula Hernandez, Fernando Salem’s Cómo funcionan casi todas las cosas, La
luz incidente by Ariel Rotter and Matías Lucchesi’s El pampero, among others.

Agustina Llambí Campbell Nació en 1981 en Buenos Aires. Fue directora de producción de
películas como Nacido y criado, Leonera y Carancho, todas de Pablo Trapero, y de La rabia, de
Albertina Carri; fue productora ejecutiva de Excursiones, de Ezequiel Acuña. En 2011 cofundó
la productora La Unión de los Ríos. Es productora de El estudiante, de Santiago Mitre; Los
salvajes, de Alejandro Fadel; El cielo del centauro, de Hugo Santiago; La patota y La cordillera,
ambas de Santiago Mitre; y coproductora de Los vagos, ópera prima de Gustavo Biazzi. En la
actualidad está produciendo Muere, monstruo, muere, de Alejandro Fadel. Eng Born in Buenos
Aires in 1981, she served as production manager on various films such as Nacido y criado
and Leonera y Carancho by Pablo Trapero, and Albertina Carri’s La rabia. She was executive
producer of Ezequiel Acuña’s Excursiones. In 2011, she co-founded La Unión de los Ríos
production company which has produced El estudiante, La patota and La cordillera by Santiago
Mitre, Los salvajes by Alejandro Fadel, and Hugo Santiago’s El cielo del centauro. The company
was co-producer of the film Los vagos, the debut film of Gustavo Biazzi. She is currently
producing Muere, monstruo, muere by Alejandro Fadel.

Anette Dujisin Trabaja entre Italia y Portugal. En Italia trabaja como programadora en
la Semana de la Crítica del Festival de Venecia, dedicada a primeras obras. En Portugal
gestiona una plataforma VOD de cine independiente y de autor, Filmin Portugal, y también
se dedica a la distribución cinematográfica de obras en salas de cine. Es programadora del
Festival de Cine Italiano que se realiza en Portugal, Brasil, Angola y Mozambique. Eng She
works between Italy and Portugal. In Italy, she is a programmer for the Critics’ Week of the
Venice Film Festival, dedicated to debut films. In Portugal, she manages a VOD platform
for independent and auteur cinema, Filmin Portugal, and also works in film distribution in
movie theaters. She is the programmer of the Italian Film Festival that is held in Portugal,
Brazil, Angola and Mozambique.
JURADOS NO OFICIALES — NON-OFFICIAL JURIES 25

ASA (Asociación Argentina de Sonidistas Audiovisuales)

ASA (Argentine Association of Sound Technicians)
Diego Martínez / Jose Eugenio Caldararo / Catriel Vildosola

ACCA (Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina)

ACCA (Argentine Film Journalists Association)
Blanca María Monzón / Fernando Brenner / Guillermo Álamo

ADF (Autores de Fotografía Cinematográfica Argentina)

ADF (Argentine Authors of Cinematography)
José María Gómez / Paola Rizzi / Fernando Lorenzale

ARGENTORES (Sociedad General de Autores de la Argentina)

ARGENTORES (Argentine General Society of Authors)
Graciela Maglie / Irene Ickowicz / Martín Salinas

CINE.AR
Juan Taratuto / Alejandra Marano / Fernando Salem

EDA (Asociación Argentina de Editores Audiovisuales)

EDA (Argentine Audiovisual Editors Association)
Pablo Barbieri / Jordana Berg / Irene Blecua

FEISAL (Federación de Escuelas de la Imagen y el Sonido de América Latina)

FEISAL (Latin American Federation of Image and Sound Schools)
Atilio Perín / Simón Alejandro García / Esteban Ferrari

FIPRESCI (Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica)

FIPRESCI (International Federation of Film Critics)
Diego Brodersen / Guilherme de Alencar Pinto / Andrés Nazarala
32º FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MAR DEL PLATA

FNA (Fondo Nacional de las Artes)

Cecilia Kang / Pablo Chernov / Julian D'angiolillo

Greenpeace
Marcelo Piñeyro / Elena Roger / Romina Gaetani

RECAM (Reunión Especializada de Autoridades Cinematográficas y

Audiovisuales del Mercosur)
RECAM (Specialized Meeting of Mercosur Cinematographic and Audiovisual Authorities)
Lorena Bianchini / Sylvia Bahiense / Augusto Netto / Ángela Viglietti

SADAIC (Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música)

SADAIC (Argentine Society of Music Authors and Composers)
Agustín Clemente Leyes / Gustavo Miguel Loubet / Carlos Enrique Simoes

SAE (Sociedad Argentina de Editores Audiovisuales)

SAE (Argentine Society of Audiovisual Editors)
Valeria Otheguy / Pablo Mari / Alejandro Carrillo Penovi

SAGAI (Sociedad Argentina de Gestión de Actores Intérpretes)

SAGAI (Argentine Society of Actors and Interpreters Management)
Felipe Colombo / Thelma Biral / Sergio Surraco

SICA (Sindicato de la Industria Cinematográfica Argentina)

SICA (Argentine Film Industry Union)
Ana Carolina Vergara / Marcelo Salvioli / Mariana Bruno

SIGNIS (Asociación Católica Mundial para la Comunicación)

SIGNIS (World Catholic Association for Communication).
Isabelle Verbrugge / Néstor Briceño / Eduardo Héctor Freire

Asociación de Directores de Cine PCI

PCI Filmmakers Association
Martín Desalvo / Constanza Sanz Palacios / Federico Esquerro
 27

Competencia
Internacional
—
International
Competition

28 Al desierto
30 Invisible
32 Western
34 Primas
36 The First Lap
38 Columbus
40 Good Luck
42 Les Gardiennes
44 Thelma
46 Wajib
48 A fábrica de nada
50 Ramiro
52 El silencio del viento
54 5 Therapy
competencia internacional — international competition

Al desierto
To the Desert

Julia trabaja como camarera en el turno noche del
casino de Comodoro Rivadavia. Ahí conoce a Armando,
un cliente que le propone una posibilidad interesante
de empleo en la industria petrolera. Así, lo que empieza
con una cita matutina, currículum en mano, deviene
una travesía pesadillesca en medio del paisaje árido
de la Patagonia, un espacio que Ulises Rosell utiliza
con el mismo poder cinematográfico de un western,
con la inclemencia del sol y la oscuridad de la noche
azotando a los protagonistas. Inspirada en las historias
de las cautivas del siglo XIX, Al desierto plantea una
relación que encierra un misterio, y que irá cambiando de
forma a medida que el polvo va cubriendo las ropas de
la pareja (Valentina Bassi y Jorge Sesán llenan la pantalla
con una intensidad al límite). Rosell consigue transmitir
la inclemencia del ambiente, en planos en los que la
desolación patagónica se siente en la piel y la sequedad
en la boca. Al desierto es una road movie a pie, una aventura
de supervivencia –además de un tour de force psicológico–,
en la que los personajes, encerrados afuera, no tienen
nada que perder.
Julia works as a waitress on the night shift of the
Comodoro Rivadavia casino. There, she meets Armando,
a customer who offers an interesting work opportunity
in the oil industry. And so, what starts out as a morning
appointment, résumé in hand, becomes a nightmarish
journey in the middle of the arid landscape of the
Patagonia, a space Ulises Rosell uses with the cinematic
power of a western, with the inclemency of the sun and
the darkness of night ravaging the protagonists.
Inspired in the stories of captive women from the 19th
century, To the Desert lays out a mysterious relationship
that will shift shape as the dust covers the clothes of
both main characters (Valentina Bassi and Jorge Sesán
filling the screen with maxed-out intensity). Rosell
manages to convey the inclemency of the environment
in shots where the Patagonian desolation is felt on the
skin and its dryness in the mouth. To the Desert is a road
movie on foot, an adventure of survival –as well as a
psychological tour de force- where the characters, locked
outside, have nothing to lose.

Ulises Rosell Escribe y dirige películas de ficción, documentales y series de TV. Realizó
el cortometraje Dónde y cómo Oliveira perdió a Achala (ganador de Historias breves 1995), y
los largometrajes Bonanza (2001) y El etnógrafo (2012). Eng He has written and directed
narrative films, documentaries and television series. He directed the short film Dónde
y cómo Oliveira perdió a Achala (winner of Historias breves 1995), and the feature films
Bonanza (2001) and El etnógrafo (2012).

Argentina / Chile, 2017 / 94’ / DCP / Color / Español - Spanish Contacto / Contact
D: Ulises Rosell G: Ulises Rosell, Sergio Bizzio F: Julián Apezteguia E: Alejandro Ajimolido Films
Brodersohn DA: Nicolás Oyarce S: Santiago Fumagalli M: Ángel Parra P: Ezequiel Alejandro Israel
Borovinksy, Alejandro Israel, Catalina Donoso Knaudt CP: Ajimolido Films, Wankacine, T +54 11 4863 9844
Triciclo Films I: Valentina Bassi, Jorge Sesán, Alejandro Goic, Héctor Morales +54 9 11 5185 1568
E ajimolidofilms@
gmail.com
W ajimolidofilms.com

Notas del director
Me interesaba trabajar una relación de dos personajes
aislados del mundo como mero desafío narrativo.
Suponía que, sin la mirada del entorno cotidiano y con
la presión de la supervivencia, se abrían las posibilidades
que permitirían que los personajes evolucionaran hacia
terrenos menos transitados. Para eso convoqué a dos
actores de larga trayectoria pero de formación casi
opuesta: Valentina Bassi y Jorge Sesán. La propuesta
fue que se vieran las caras por primera vez en el set, sin
ensayos previos y con la cámara prendida. La desolación
era total kilómetros a la redonda, el viento patagónico
golpeaba incesante; confirmamos que todo se mantuvo
igual en los últimos dos siglos.
29
Director's Statement
I was interested in working on a relationship between
two characters isolated from the world merely as a
narrative challenge. I supposed that without the gaze
of the everyday environment and with the pressure for
survival, new possibilities would open that would allow
the characters to evolve towards less-covered ground.
In order to do so, I summoned two actors with large
careers but almost opposite training: Valentina Bassi
and Jorge Sesán. The idea was for them to see their faces
for the first time on the set, with no previous rehearsals
and the camera on. The desolation in a radius of many
kilometers, the Patagonian wind blew incessantly, and
we confirmed that everything was kept the same in the
last two centuries.
competencia internacional — international competition

Invisible

Ely se abre paso en su adolescencia con la madurez
necesaria para enfrentar las obligaciones y adversidades
de la vida adulta, balanceando sus estudios secundarios
con el trabajo en una veterinaria y sosteniendo la
economía del hogar ante la depresión de su madre,
que no sale del departamento en el que viven. Pero un
embarazo no deseado la expone a una realidad que
ignora y que mitiga la determinación de cualquier
mujer, más allá de su edad o autosuficiencia: el Estado
se asume con las manos atadas y la deja a su suerte, su
pareja canaliza sus temores imponiendo una decisión,
los docentes se limitan a reclamar su atención en clase
y el único sostén está en una compañera del colegio. En
su segundo largometraje, Pablo Giorgelli acompaña con
empatía la interpretación formidable de Mora Arenillas,
manteniendo la distancia apropiada y sin cargar las
tintas. A su vez, Arenillas utiliza siempre el criterio
correcto para alternar entre la sugestión y la revelación
de sus temores en una instancia contradictoria y
tristemente usual: obligada a valerse por sí misma, no
puede decidir qué hacer con su cuerpo.
Ely makes her way through adolescence with
the maturity necessary to face the obligations and
adversities of adult life, balancing her high school
studies with her work at a veterinarian’s office, and
providing for her family while her mother goes through
a depression, never leaving the apartment they live in.
However, an unwanted pregnncy exposes her to a reality
that ignores and weakens the determination of any
woman, no matter her age or her self-determination: the
State pretends to have its hands tied leaving her to her
own devices, her partner channels his fears, imposing a
decision, the teachers limit themselves to asking her to
pay attention in class and the only support she gets is
from a classmate. In his second feature, Pablo Giorgelli
accompanies a wonderful performance by Mora Arenillas
with empathy, keeping the appropriate distance and
not overdramatizing. In turn, Arenillas always uses the
correct criteria to alternate between the suggestion and
the revelation of her fears in a contradictory and sadly
common situation: forced to fend for herself, she cannot
decide what to do with her body.

Pablo Giorgelli Nació en 1967 en Buenos Aires. Su primer largometraje, Las acacias
(2011), compitió en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes, donde se alzó con
tres premios y la prestigiosa Camera d’Or a la Mejor Ópera Prima de todo el festival.
Eng Born in 1967 in Buenos Aires, his first feature film, Las acacias (2011), competed in
the International Critics’ Week of the 2011 Cannes Film Festival where it won three
awards and the prestigious Camera d’Or for the Best First Feature Film of the
entire festival.

Argentina / Brasil / Uruguay / Alemania / Francia - Argentina / Brazil / Uruguay / Contacto / Contact
Germany / France, 2017 / 87’ / DCP / Color / Español - Spanish Tarea Fina
D: Pablo Giorgelli G: Pablo Giorgelli, María Laura Gargarella F: Diego Poleri E: María Juan Pablo Miller
Astrauskas DA: Ailí Chen S: Edson Secco, Martín Litmanovich M: Pedro Onetto P: Juan T +54 11 4544 2916
Pablo Miller, Ariel Rotter CP: Tarea Fina, Aire Cine I: Mora Arenillas, Mara Bestelli, Diego +54 9 11 3 891 3036
Cremonesi, Agustina Fernandez, Paula Fernández Mbarak, Jorge Waldhorn E jpmiller@
tareafina.com
W tareafina.com

Notas del director
Siempre me conmovió la gente que se siente sola. Ese
momento de vulnerabilidad en el que uno se siente
desamparado y debe sobreponerse al dolor y a la
tristeza. De ahí viene esta película. De mi propia tristeza
y desamparo. De alguna gente que conocí en mi barrio
de monoblocks, donde filmé la película. Los invisibles,
los anónimos. Gente que trabaja y sobrevive. Gente con
la necesidad instintiva de rebelarse ante un futuro que,
les dicen, no les pertenece. Gente que debe convivir con
las consecuencias de un sistema que los excluye un poco
más cada día. Gente que no quiere estar sola y resiste
como puede. Los invisibles, los anónimos. Nosotros.
31
Director's Statement
I’ve always been moved by people who feel lonesome.
That moment of vulnerability when one feels
defenseless and must overcome pain and sorrow. My
own sense of sorrow and defenselessness –and that of
people I knew in the housing complex where I grew up
and shot my film– is the origin of this movie. Invisible,
anonymous people. People who work and get by. People
with the instinctive need to rise up against a future that
–they are told– does not belong to them. People who
have to deal with the consequences of a system that
excludes them a little more every day. People who don’t
want to be alone and who resist as best they can. The
invisible, the anonymous. Us.
competencia internacional — international competition

Western

Una compañía alemana opera sobre el cauce de un río
en un pueblo rural de Bulgaria. Los obreros llevados allí
para trabajar son todos hombres y alemanes. Se trata
de hombres solos en territorio extranjero, lo cual puede
despertar tanto un sentido de la aventura como algunos
prejuicios frente a diferencias culturales e idiomáticas.
Uno de ellos no parece interesado en las formas de
compartir los momentos libres con sus compañeros,
pero desarrolla paulatinamente una legítima curiosidad
por la cultura de la aldea. La tercera película de Valeska
Grisebach es narrativamente prodigiosa; todo se sugiere,
nada se explicita. Su inequívoco título remite tanto al
género como a una posición geopolítica e histórica: no
hay indios (pero sí hay un caballo), aunque hay otros
que tienen una historia en común con los visitantes
y albergan sus razones y sospechas. Lo que sucede
entre el protagonista y uno de los hombres de la aldea
constituye una conmovedora y discreta utopía sostenida
en la amistad, que prescinde involuntariamente de
una misma lengua, pero está atravesada por un deseo
mutuo de reconocimiento.
A German company operates on a riverbed in a rural
town in Bulgaria. The workers brought there are all
men and all German. They are men alone in a foreign
land, which could awaken a sense of adventure as well
as some prejudice faced with cultural and linguistic
differences. One of them doesn’t seem interested in
sharing his free time with his workmates, but gradually
develops a legitimate curiosity for the culture of the
village. This third film by Valeska Grisebach is narratively
prodigious; everything is suggested, nothing is explicitly
stated. Its unequivocal title refers to a genre as well
as a geopolitical and historical position: there are no
Indians (but there is a horse), even though there are
others that share a common history with the visitors
and harbor their ideas and suspicions. What happens
between the main character and one of the men of
the village constitutes a moving, discreet utopia based
on friendship, which involuntarily does so without a
common language, but is pierced by a mutual desire
for recognition.

Valeska Grisebach Nació en 1968 en Bremen, Alemania. Se graduó en la Academia

del Film de Viena, donde estudió con Michael Haneke. Dirigió los largometrajes Be My
Star (2001) y Longing (2006, Mención Especial en el 21° Festival). Eng She was born in
Bremen, Germany, in 1968, and graduated from the Film Academy Vienna, where she
studied with Michael Haneke. She directed the features Be My Star (2001) and Longing
(2006, Special Mention at the 21st Festival).

Alemania / Bulgaria / Austria - Germany / Bulgaria / Austria, 2017 / 120’ / DCP / Color / Contacto / Contact
Alemán / Búlgaro - German / Bulgarian CDI Films
D, G: Valeska Grisebach F: Bernhard Keller E: Bettina Böhler DA: Beatrice Schultz S: Uve E info@cdifilms.com.ar
Haubig P: Jonas Dornbach, Janine Jackowski, Maren Ade, Valeska Grisebach, Michel
Merkt CP: Komplizen Film I: Meinhard Neumann, Reinhardt Wetrek, Syuleyman Alilov
Letifov, Veneta Frangova, Vyara Borisova

Notas del director
Muchos caminos distintos llevaron a esta película, y
se juntaron para crear una historia. Uno era el género
del western, que siempre me cautivó de una manera
extraña, cálida, y eventualmente disparó mi deseo por
volver a eso, como un lugar en el cual ya estuve. Como
chica, me identificaba con los héroes masculinos de los
westerns y al mismo tiempo me enamoraba de ellos, así
que siempre era excluida desde el vamos. Quizás este
conflicto también contribuyó a mi deseo por explorar
este género “masculino” per se. Quería acercarme a los
personajes masculinos, solitarios, inflados y a menudo
melancólicos del western. Todo esto se correspondía
con el tema de la xenofobia latente, algo que hace rato
quería explorar en el cine.
33
Director's Statement
Several different paths led to this film that, increasingly
and by association, joined
together to form a story. One was the Western genre.
It never ceased to captivate me in a strange, cozy way,
and eventually triggered my desire to return to it – as
if to a place I’d been before. As a girl, I identified with
the male heroes of Western films and at the same time
had crushes on them, so I was always excluded from the
start. Perhaps this conflict also contributed to my wish to
explore this per se “male” genre. I wanted to get closer to
the solitary, inflated, often melancholic male characters
of the Western. All of this corresponded with the subject
of latent xenophobia –something I’ve long wanted to
explore in a film.
competencia internacional — international competition

Primas

Primas es, primero, un retrato de dos chicas unidas por
el vínculo familiar del título, Rocío y Aldana. Pero estas
dos adolescentes argentinas, además, comparten la
carga de haber sufrido actos horribles de violencia que
interrumpieron sus infancias. Entre conversaciones
y paseos, se liberarán de las sombras de un pasado
repleto de abusos. Un relato sucede al otro, y en esas
palabras el presente se abre por completo a las heridas
de otro tiempo, a un espanto que chocó de frente con
sus vidas cambiándolas para siempre. Pero sus vidas no
les pertenecen a sus agresores, ni a los comentaristas
ni a los que suponen. El relato es propio de cada una
de ellas, que reconocen la maldad y el horror en sus
cuerpos, lo miran de frente y lo desafían. Con el objetivo
de visitar a su tía, viajan de Argentina a Montreal,
vislumbran su llegada a la adultez y movilizan sus vidas
cotidianas. Danza, teatro y expresiones corporales son
herramientas para el relato, uno que pasa a través de sus
cuerpos para construir una perspectiva única, dolorosa,
donde la resiliencia le hace frente a la crueldad.
Primas (Cousins) is, first, a portrayal of Rocío and
Aldana, two girls drawn together by the family bond
of the title, but these two Argentine teenagers also
share the burden of having suffered from horrible acts
of violence that disrupted their childhoods. Between
conversations and walks, they will free themselves
from the shadows of a past filled with abuse. One story
follows another, and through their words the present
opens completely to the wounds of another time, to
terrible situations that collided head on with their lives,
changing them forever. However, their lives do not
belong to their aggressors, nor to those who comment
or suppose they know. The story is their very own, and
they acknowledge the evil and the horror in their bodies:
they look at it in the eye and defy it. They travel from
Argentina to Montreal to visit their aunt, they get a
glimpse of their adulthood and put their everyday lives
in motion. Dance, drama and physical theater are tools
for the story, one that pierces through their bodies in
order to build a unique, painful perspective in which
resilience confronts cruelty.

Laura Bari Nació en Argentina y actualmente vive en Montreal. Es una cineasta

autodidacta. Dirigió los largometrajes Antoine (2009, 24° Festival) y Ariel (2013). Eng
Born in Argentina, she currently lives in Montreal. She is a self-taught filmmaker and
directed the feature films Antoine (2009, 24th) and Ariel (2013).

Canadá / Argentina - Canada / Argentina, 2017 / 100’ / DCP / Color / Español - Spanish Contacto / Contact
D, E: Laura Bari S: Andreas Mendritzki M: Florencia Di Concilio P: Andreas Mendritzki, GreenGround
Aonan Yang, Laura Bari CP: GreenGround Productions I: Rocío Alvarez, Aldana Bari Productions
Andreas Mendritzki
T +514 659 4846
E andreas@
greenground.ca
W greenground.ca

Notas del director
Me fascina la singularidad y la diferencia, y elijo el
cine como modo de fusionar temas de arte, cultura,
educación y salud. Mis películas apuntan a consolidar la
diferencia entre lo real y lo imaginario, una dualidad que
es parte esencial de la condición humana, en particular
por los héroes anónimos cotidianos que protagonizan
los films. Sus universos me inspiran a contar historias
que son hermosas y horribles, desesperantes y alegres,
necesarias e inciertas. Con Primas completo una trilogía
de documentales (con Antoine y Ariel) no solo para crear
una zona de conciencia común sino también para dar
lugar a que el proceso de metamorfosis por el arte sea
verdadero; la poesía impregna esperanza en medio de
la devastación.
35
Director's Statement
Fascinated by singularity and difference, I chose film as a
way to merge arts, culture, education and mental-health
issues. My films aim to consolidate the split between the
real and the imaginary, a duality that is an integral part
of the human condition – particularly so for the everyday
unknown heroes that are the films’ protagonists. Their
universes inspire me to tell stories that are beautiful and
ugly, despairing and joyful, necessary and uncertain.
With Primas I complete a trilogy of feature documentary
films, (Antoine; Ariel) to not only build a zone of
common consciousness but also to allow the process of
metamorphosis-trough-art to be true; poetry imbues
hope in the midst of devastation.
competencia internacional — international competition

The First Lap

Cho-haeng - La primera vuelta

Su-hyeon es una aspirante a artista que, resignada,
se dedica a dar clases. Su novio Ji-young también es
un empleado. Viven juntos desde hace seis años, hasta
que la tranquilidad de sus vidas se interrumpe cuando
Ji-young revela que está embarazada. Las visitas a
sus respectivas familias, con sus diferentes realidades
sociales, enfrentará a la joven pareja a la posibilidad
y los miedos de transformarse ellos mismos en una
familia. Entre reproches, problemas del pasado que
nunca fueron resueltos y la incertidumbre sobre un
futuro que se acerca inexorablemente, la joven pareja
realizará un viaje que los dejará al comienzo de una
nueva vida. La secuencia final, filmada durante el
momento en que el pueblo coreano tomaba las calles
pidiendo por la renuncia de su presidente Park Geun-hye
(hechos ocurridos en el otoño de 2016), demuestra no
solo la inmediatez de la película, sino el talento de su
director para unir lo íntimo con lo social y demostrar
que la ficción siempre será la mejor herramienta para
hablar de la realidad.
Su-hyeon is an aspiring artist who, resigned to her
fate, makes her living as a teacher. Her boyfriend, Ji-
young, also has a job just to make a living. They have
been living together for six years, until the peacefulness
of their lives is interrupted when Ji-young reveals that
she is pregnant. Their visits to their respective families,
from different social backgrounds, confront the young
couple with their possibility and fears of their becoming
a family. Between reproaches over past problems that
were never resolved and the uncertainty of a future that
is relentlessly coming closer, the young couple takes
a trip that will leave them at the beginning of a new
life. The final sequence, filmed at the moment when
the Korean people took to the streets demanding the
resignation of President Park Geun-hye (October of
2016), demonstrates not only the immediacy of the film,
but also the talent of its director for uniting the intimate
with the social, and demonstrating that fiction is always
the best tool for talking about reality.

Kim Dae-hwan Nació en 1985 y estudió cine en la Universidad Dankook. End of

Winter (2014), su debut como director, fue premiado en el festival de cine de Busan
y seleccionado para la sección Forum de la Berlinale. The First Lap es la segunda parte
de su Trilogía Familiar. Eng Born in 1985, he studied film at Dankook University. His
directorial debut End of Winter (2014) was awarded at the Busan Film Festival and
selected for Berlinale’s Forum. The First Lap is the second piece of his Family Trilogy.

Corea del Sur - South Korea, 2017 / 101’ / DCP / Color / Coreano - Korean Contacto / Contact
D, G, E: Kim Dae-hwan F: Son Jin-young DA: Jung Bo-ran S: Yoon Sang-il, Na Jun-tek M-Line Distribution
P: Jang Woo-jin, Lee Im-gul CP: Bomnaefilms I: Cho Hyun-chul , Kim Sae-byuk E sales@
mline-distribution.com

Notas del director
Los jóvenes coreanos contemporáneos son hijos de
la generación baby boomer. La mayoría son graduados
universitarios, pero padecen las dificultades de insertarse
en el mercado laboral y una crisis de los valores
tradicionales. La historia de estos jóvenes en torno a las
tensiones que produce el “casamiento” busca plantear
interrogantes sobre el significado de dicho término en
la vida de los coreanos, y los cambios manifiestos en el
tiempo. Mi propósito fue construir un relato basado en
las vivencias de las personas más cercanas, aquellas con
las que podemos cruzarnos cotidianamente. Procuré
no imponer limitaciones a los actores. El mayor objetivo
y logro de la película fue compartir los interrogantes y
buscar las respuestas dentro de situaciones espontáneas.
37
Director's Statement
Young people in contemporary Korea are the children
of the baby boom generation. Most of them have a
college degree, but nevertheless experience hardships
when trying to enter the job market, as they also
witness a crisis in traditional values. The story of
these young people and the tensions that arise from
"marriage" aim to pose questions about the meaning of
that term in Korean life, end expose the changes time
has brought. My goal was to build a story based on the
experiences of familiar people, the kind of people we
run into everyday. I tried not to impose restrictions on
the actors. The film's biggest goal and achievement
was to share questions and try to find the answers
within spontaneous situations.
competencia internacional — international competition

Columbus

Cuando un famoso erudito de la arquitectura se
enferma de repente, su hijo Jin se encuentra varado
en Columbus, Indiana, una ciudad del Medio Oeste
de EE.UU. conocida por sus edificios modernistas.
Jin comienza una amistad con Casey, una chica
inteligente y aficionada a la arquitectura que trabaja
en la biblioteca de la ciudad. Con una intimidad
curiosa, Jin y Casey exploran la ciudad y sus propios
conflictos emocionales: la relación distante de Jin con
su padre y la reticencia de Casey a dejar a su madre,
una adicta a las drogas en recuperación. Con un ritmo
propio de su ambientación a fines del verano, el debut
cinematográfico del reconocido videoensayista coreano
Kogonada se despliega como una conversación a la
deriva y profundamente atrapante que se reinventa
a sí misma de forma constante. Su estilo evocador
está lleno de bellos cuadros que incorporan de forma
elegante la arquitectura de la ciudad. A Kogonada le
intriga la manera en que experimentamos el espacio y
la ausencia y, si bien solemos ver el modernismo como
intrínsecamente alienante, aquí es también un bálsamo
espiritual. Columbus es una combinación armoniosa
entre la narración cerebral y la emocional; una
meditación lírica acerca de la amplitud espiritual.
When a renowned architecture scholar falls suddenly
ill, his son Jin finds himself stuck in Columbus, Indiana,
a Midwestern city renowned for its modernist buildings.
Jin strikes up a friendship with Casey, a bright girl and
architecture enthusiast who works at the city library.
With a curious intimacy, Jin and Casey explore both
the town and their conflicted emotions: Jin’s estranged
relationship with his father and Casey’s reluctance to
leave her mother, a recovering drug addict. Paced to
the naturalistic rhythms of its late-summer setting,
the film debut of notorious Korean video-essayist
Kogonada unfolds as a gently drifting, deeply absorbing
conversation that constantly reinvents itself. His
atmospheric style is strewn with gorgeous tableaus that
elegantly incorporate the city’s architecture. Kogonada is
intrigued by how we experience space and absence, and
although we typically see modernism as intrinsically
alienating, here it’s also a spiritual salve. A harmonious
blend of cerebral and emotional storytelling, Columbus is
a lyrical meditation on spiritual spaciousness.

Kogonada Nació en Seúl, Corea del Sur. Es crítico de cine y ensayista visual para el
sello Criterion Collection y la revista Sight & Sound. Columbus es su primer largometraje.
Eng Born in Seoul, South Korea, he is a film critic and visual essayist for the Criterion
Collection and the magazine Sight & Sound. Columbus is his first feature length film.

Estados Unidos - USA, 2017 / 101’ / DCP / Color / Inglés - English Contacto / Contact
D, G, E: Kogonada F: Elisha Christian DA: Diana Rice M: Hammock P: Andrew Miano, Visit Films
Aaron Boyd, Danielle Renfrew Behrens, Chris Weitz, Giulia Caruso, Ki Jin Kim T +1 718 312 8210
CP: Superlative Films, Depth of Field, Nonetheless Productions, Inc I: John Cho, Haley +1 718 362 4865
Lu Richardson, Parker Posey, Michelle Forbes, Rory Culkin E info@visitfilms.com
W visitfilms.com

Notas del director
Hace unos años hicimos una excursión por el día
a Columbus, con mi mujer y mis dos hijos. Poco
antes había leído algo acerca de una meca de la
arquitectura modernista en los campos de Indiana; un
pueblo tranquilo en el conservador Medio Oeste que
funcionaba como un museo viviente (y fantasmal) de
la promesa del modernismo. Inmediatamente tuve
la inspiración de hacer una película ahí. La muerte es
separación, y toda separación es una especie de muerte.
Ambas cosas me atormentaron desde siempre; el
pequeño y último adiós. Tengo padres ancianos e hijos
que crecen y siento cada vez más el peso de esa próxima
separación. ¿Hay un sentido en la ausencia? ¿Cómo
sostenemos esa inevitabilidad? La historia de Columbus
emerge de estas preguntas.
39
Director's Statement
I took a day trip to Columbus a few years ago with my
wife and two boys. I had recently read about this mecca
of modernist architecture in the farmlands of Indiana.
This quiet town in the conservative Midwest functioning
as a living (and ghostly) museum to the promise of
modernism. I immediately felt inspired to make a film
there. Death is separation, and all separation is a kind
of death. I’ve always been haunted by both. The small
and final goodbye. I have aging parents and growing
children and increasingly feel the weight of this coming
separation. Is there meaning in the absence? How do we
contend with the inevitability of it. The story of Columbus
emerges from these questions.
competencia internacional — international competition

Good Luck
Koloku - Buena suerte

A la hora de retratar una de las actividades más
antiguas de la humanidad, el cine siempre encuentra
el camino hacia su estado más primario. El último
trabajo de Ben Russell registra de manera inmersiva el
sacrificio y la alienación cotidiana de los trabajadores
de dos minas: una ubicada en Serbia, 400 metros por
debajo del suelo y administrada por el Estado, y otra que
opera a cielo abierto en Surinam, de manera ilegal. Las
extensas tomas y planos consiguen quebrar la pasividad
del espectador sin recurrir a subrayar lo evidente de cada
realidad, optando por respaldarse en su contundencia
formal para transmitir el esfuerzo físico junto a aquellos
momentos en los que la fraternidad y la esperanza
logran imponerse, entre la hostilidad habitual de ambos
entornos. Aludiendo constantemente a los contrastes
(naturales, sociales y narrativos), el documental imita
la tarea monumental y paciente de los sujetos que
observa, incluyendo los planos fijos que ellos mismos
pueden decidir cuándo cortar. No sobran los casos en los
que es tan pertinente hablar de una película como un
tour de force, pero este es uno de ellos.
When depicting one of humanity’s most ancient
activities, film always finds the path towards its most
primal state. In an immersive way, Ben Russell’s latest
work captures the everyday sacrifice and alienation of
the workers of two mines: one located in Serbia, 400
meters below the ground and run by the State, and
another, open-pit, that operates illegally in Surinam.
The long takes and compositions manage to break the
audience’s passivity without resorting to overstating
what’s is clear in each reality, opting to rely on the
power of its form in order to transmit the physical effort
along with those moments in which fraternity and
hope manage to prevail among the usual hostility of
these environments. Constantly alluding to contrasts
(natural, social and narrative), the documentary imitates
the monumental and patient task of the subjects it
observes, including the fixed shots they themselves can
decide to cut. There aren’t many cases in which it’s very
appropriate to talk of a film as a tour de force, but this is
one of them.

Ben Russell Nació en 1976 en Estados Unidos. Su primer largometraje Let Each One Go
Where He May (2009) recibió la Beca Guggenheim y el Premio FIPRESCI en Rotterdam.
Codirigió Spell to Ward Off the Darkness (2013) junto a Ben Rivers. Eng Born in the United
States in 1976, his first feature length film Let Each One Go Where He May (2009) won the
Guggenheim grant and the FIPRESCI Award in Rotterdam. He co-directed Spell to Ward
Off the Darkness (2013) together with Ben Rivers.

Francia / Alemania - France / Germany, 2017 / 143’ / DCP / Color - B&N / Contacto / Contact
Serbio / Saramaccan - Serbian / Saramaccan Stray Dogs
D, G: Ben Russell E: Ben Russell, Maja Tennstedt S: Jakov Munizaba P: Janja Kralj, Lison Hervé
Guillaume Cailleau CP: KinoElektron and CaSk Films T +33 0 182 284 215
E lison@stray-dogs.com
W stray-dogs.biz

Notas del director
El origen del cine está directamente ligado con la
representación del trabajo: las primeras imágenes
en movimiento son literalmente de trabajadores
(Trabajadoras saliendo de la fábrica Lumière). No puedo
evitar ver que mi trabajo opera en tándem con esta
kino-investigación de 120 años. La mina de oro ilegal
Kiiki Negi en Surinam que conocí filmando Let Each One
Go Where He May es la misma mina de oro retratada
en Good Luck. Tanto antes como ahora me emocionó la
vitalidad de la comunidad de los mineros en Saramacca,
la sorprendente amabilidad y generosa humanidad que
parecía existir como función del desastre ecológico que
estaba efectivamente sucediendo.
41
Director's Statement
Cinema’s origin is directly bound up in the
representation of labor—the very first moving images
made are literally of workers: Workers Leaving the Lumière
Factory. I can’t help but see instances of my own work
as operating in tandem with this 120-year-old kino-
inquiry. The illegal Surinamese Kiiki Negi gold mine that
I visited while filming Let Each One Go Where He May is
the same gold mine depicted in Good Luck. Then as now,
I was overwhelmed by the vitality of the community
of Saramaccan miners, by the surprisingly kind and
generous humanity that appeared to exist as a function
of the ecological disaster that was actively taking place.
competencia internacional — international competition

Les Gardiennes
The Guardians / Las guardianas

Ambientada en la Francia rural de 1915, Les Gardiennes
cuenta la historia de una familia de campo apenas
comenzada la Primera Guerra Mundial. La matriarca
Hortense es la responsable de que todo funcione
en la granja familiar, ya que todos sus parientes
masculinos han sido enviados al frente. Hortense
necesita ayuda en las labores del campo, y contrata
a una jornalera, Francine, que hace la cosecha “como
un hombre”. Todo cambiará cuando la joven conozca
a Georges: la atracción entre ambos dará lugar a una
relación epistolar a distancia cuando él regrese al
frente, y la situación dará un giro dramático cuando
los estadounidenses aparezcan en el pueblo. Xavier
Beauvois, un favorito del Festival de Cannes –No olvides
que vas a morir (1955) ganó el Premio del Jurado, y su
mayor éxito internacional, De dioses y hombres, se llevó
el Gran Premio–, adapta la novela del mismo nombre
de Ernest Pérochon, y entrega una película de guerra
plenamente feminista, en la cual el conflicto en sí
queda fuera de campo para dar lugar al modo en que
una sociedad puramente agrícola se enfrentó a uno de
los períodos más desoladores de la historia, en el que
las mujeres comenzaron a apartarse de los roles que
todavía desempeñaban a comienzos del siglo XX.
Set in 1925 rural France, The Guardians follows the
saga of a country family soon after the outbreak of
World War I. Matriarch Hortense is responsible for
running everything on the family farm, since all the
male members have been sent to the front. Hortense
needs help to work the fields, and she finds a new
farmhand, Francine, who is “as good as a man” for the
harvest. Everything will change after Francine meets
Georges, as their mutual attraction will lead to a long-
distance, epistolary relationship when he returns to
the battlefield. But things will take a dramatic turn
when the Americans turn up in the village. Cannes-
favorite Xavier Beauvois –his directorial breakthrough
Don’t Forget You’re Going to Die (1995), won the Jury Prize
at Cannes, and his biggest international success Of
Gods and Men (2010) received the Grand Prix– adapted
Ernest Pérochon's novel of the same name to deliver a
purely feminist war film, where the war is not explicitly
depicted, and instead depicts the way in which a
purely agricultural society coped with one of the most
devastating historical periods, when women started to
stray from their early 20th-century roles.

Xavier Beauvois Nació en Auchel, Francia. Trabajó como asistente de dirección de

André Téchiné y Manoel de Oliveira antes de dirigir sus propias obras, entre ellas, Nord
(1991), De dioses y hombres (2010) y La Rançon de la gloire (2014). Eng Born in Auchel,
France, he worked as director’s assistant for André Téchiné and Manoel de Oliveira
before directing his own films, among them, North (1991), Of Gods and Men (2010) and
The Price of Fame (2014).

Francia / Suiza - France / Switzerland, 2017 / 134’ / DCP / Color / Francés - French Contacto / Contact
D: Xavier Beauvois G: Xavier Beauvois, Frédérique Moreau, Marie-Julie Maille Pathé International
F: Caroline Champetier E: Marie-Julie Maille DA: Yann Mégard S: Christophe Amélie Stevens
Giovanonni M: Michel Legrand P: Sylvie Pialat, Benoit Quainon, Pauline Gygax, T +33 171 723 000
Max Karli, Michel Merkt, Romain Le Grand, Vivien Aslanian CP: Les Films du Worso, E amelie.stevens@
Rita Productions, Pathé, Orange Studio, France 3 Cinéma, KNM, Versus Production, pathe.com
RTS Radio Télévision Suisse I: Nathalie Baye, Laura Smet, Iris Bry W patheinternational.com

Notas del director
¿Cómo expresar la guerra, de una manera poderosa,
sin que se vea directamente? Hemos visto demasiadas
imágenes: están gastadas, impermeables al sufrimiento.
Quería transmitir la destrucción psíquica y física de
estos hombres sin mostrarla. Para mí una película
excepcional sobre la guerra es Los paraguas de Cherburgo.
Un elemento clave en la construcción del guión son las
idas y venidas de los hombres de licencia, como si sus
llegadas interrumpieran ese otro combate, el de las
mujeres contra la naturaleza para mantener las granjas
y alimentar a los soldados. También estoy fascinado por
un deseo de honrar a ese mundo de mujeres, del cual mi
generación es la última guardiana.
43
Director's Statement
How to convey the war, powerfully, yet without seeing
it directly? We have seen too many images: they are
worn, impermeable to suffering. I wanted to convey
the psychic and physical destruction of these men
without showing it. The Umbrellas of Cherbourg is for me
an exceptional film about the war. A key element in the
construction of the script is the coming and going of the
men on furlough, as if their arrival disturbs the other
combat, that of the women with nature, to keep the
farms going and to feed the soldiers. I am also gripped
by the desire to honor this world of women, of which my
generation is the last custodian.
competencia internacional — international competition

Thelma

El despertar sexual y la liberación adolescente como
una fuerza sobrenatural capaz de consecuencias tan
intensas como devastadoras no es una idea nueva,
como bien lo sabe Brian De Palma desde Carrie. Pero
Joachim Trier lleva estos elementos hacia un calmo
y estilizado escenario nórdico construyendo una
idea de terror adolescente hecho de pura luz y pavor
existencial. A Thelma la conocemos cuando es solo
una niña, en un pueblo remoto de Noruega, de caza
con su padre. Cuando este apunta su rifle secreta y
brevemente hacia su hija, sabemos que hay algo, como
mínimo, muy peligroso en la chica. Ya convertida
en estudiante universitaria, Thelma llega a Oslo
alejándose de un ambiente religiosamente represivo,
e intentando aclimatarse a un mundo del que no logra
sentirse parte. Pero un día conoce a Anja, una cálida
y mucho más suelta compañera que despertará en
Thelma emociones que la tímida protagonista no se
animará a reconocer, en parte por una crianza religiosa,
y en parte porque, en el fondo, Thelma sabe que
pueden ser el disparador de fuerzas sobrenaturales
oscuras y potencialmente mortales que, como el amor,
pueden despedazar a cualquiera.
Sexual awakening and adolescent liberation as a
supernatural force capable of resulting in consequences
that are as intense as they are devastating is not a new
idea, as Brian De Palma has known well since Carrie.
However, Joachim Trier brings these elements to a
calm and stylized Nordic setting, constructing an idea
of adolescent terror that is pure light and existential
dread. We meet Thelma when she is just a child, in
a remote Norwegian town, hunting with her father.
When he briefly and secretly points his rifle at his
daughter, we know that there is something, at the very
least, very dangerous inside this girl. Now a university
student, Thelma goes to Oslo distancing herself from
a religiously repressive environment, and trying to
acclimatize herself to a world to which she does not feel
she belongs. However, one day she meets Anja, a warm
and much more relaxed companion who awakens in
Thelma emotions that the shy young woman does not
dare to recognize, in part due to her religious upbringing
and, in part, because deep down Thelma knows that
they could be the trigger for dark and potentially deadly
supernatural forces that, like love, can tear apart anyone.

Joachim Trier Nació en Copenhague en 1974 y estudió cine allí y en Inglaterra. Sus
películas han tenido un largo recorrido en festivales internacionales. Su ópera prima
Reprise (2006) obtuvo el premio al Mejor Director en Karlovy Vary; Oslo, 31 de agosto
(2011) participó de Un Certain Regard, y Louder Than Bombs (2015), de la Selección Oficial
del Festival de Cannes. Eng He was born in Copenhagen in 1974 and studied Film there
and in England. His films have been shown at various international festivals. Reprise
(2006), his first film, won the award for Best Director at Karlovy Vary; Oslo, August 31st
(2011) was part of the Un Certain Regard section, and Louder Than Bombs (2015) was an
Official Selection at the Cannes Film Festival.
Noruega / Suecia / Francia / Dinamarca - Norway / Sweden / France / Denmark, 2017 / Contacto / Contact
116’ / DCP / Color / Noruego - Norwegian Memento Films
D: Joachim Trier G: Eskil Vogt, Joachim Trier F: Jakob Ihre E: Olivier Bugge Coutté International
S: Gisle Tveito P: Thomas Robsahm CP: Motlys, Film i Väst, Le Pacte, Filmpool Nord, T +33 153 349 033
Snowglobe, B-Reel Films, Dont Look Now I: Eili Harboe, Kaya Wilkins, Ellen Dorrit E sales@
Petersen, Henrik Rafaelsen memento-films.com
W international.
memento-films.com

Notas del director
Soy un director que viene de la butaca del cine, de ver
películas; muchas veces me preguntan sobre Bergman
y Antonioni, pero estamos más en la tradición de Lynch
y Cronenberg, y por supuesto Hitchcock: la manera
en que manejaba conceptos de psicología humana, y
cómo la ansiedad y el trauma, el yo interior, podían ser el
punto de partida para contar una historia de suspenso.
Queríamos algo que tuviera una potencia visual como
para adentrarse en pesadillas y misterios, apoyándonos
en el género. Una historia sobrenatural más que un relato
alegórico, que igualmente trate sobre seres humanos. Y
luego intentamos descifrar cómo contar esa historia.
45
Director's Statement
I am a filmmaker who comes from the cinema seat
having watched movies; many times I am asked
about Bergman and Antonioni, but we are more in
the tradition of Lynch and Cronenberg, and of course
Hitchcock, the way he used human psychological
concepts – and how anxiety and trauma, the inner self,
was the starting point of a suspense story. We wanted
something that had a visual potential to venture
into nightmares and mystery, leaning on genre – a
supernatural story more than an allegorical tale that is
still about human beings. And then we tried to figure
out how to tell it.
competencia internacional — international competition

Wajib

Pocos directores tienen los récords que tiene la
directora Annemarie Jacir: su cortometraje Like Twenty
Impossibles fue el primero realizado por alguien de
Palestina en ser seleccionado para el Festival de Cannes,
y su ópera prima Salt of This Sea (2008) fue la primera
película dirigida por una mujer palestina. En su tercera
película, una reunión familiar esconde una aguda crítica
política en una región en conflicto constante desde la
perspectiva de un padre divorciado y profesor de escuela
sesentón, quien vivirá solo luego del casamiento de su
hija un mes después. Shadi, su hijo arquitecto, llega de
Roma luego de años en el extranjero para ayudar a su
padre. Mientras el distanciado dúo –interpretado por
Mohammad y Saleh Bakri, padre e hijo en la vida real–
pasan el día juntos, los detalles tensos de su relación
llegan a un punto álgido, y el corto viaje de Shadi se
convierte en una oportunidad para confrontar a su
padre y al difícil presente de su país.
Few filmmakers have so many records as director
Annemarie Jacir: her Like Twenty Impossibles was the first
short film by a Palestinian director to be selected at the
Cannes Film Festival; and her debut feature-length film
Salt of This Sea (2008) was the first film ever directed by
a Palestinian woman. In her third film, a family reunion
drives a sharp political critique on a region in constant
turmoil, from the perspective of a divorced father and
school teacher in his mid-60s, who will soon be living
alone after his daughter’s wedding in one month. Shadi,
his architect son, arrives from Rome after years abroad
to help his father. As the estranged pair –played by
real-life father and son actors Mohammad and Saleh
Bakri– spend the day together, the tense details of their
relationship come to a head, and Shadi's short trip
turns into an opportunity to confront his father and his
country’s troubled present.

Annemarie Jacir Nació en 1974 en Palestina. Su película Like Twenty Impossibles (2003)
fue el primer cortometraje árabe seleccionado para el Festival de Cannes, y finalista de
los Premios de la Academia. Su segundo trabajo, Salt of this Sea (2008), obtuvo catorce
premios internacionales. Eng Born in Palestine in 1974, her film Like Twenty Impossibles
(2003) was the first Arab short film selected for the Cannes Film Festival, and was a
finalist for the Academy Awards. Her second film, Salt of this Sea (2008), won fourteen
international awards.
Contacto / Contact
Palestina / Francia / Alemania / Colombia / Noruega / Qatar / Emiratos Árabes Pyramide International
Unidos - Palestine / France / Germany / Colombia / Norway / Qatar / UAE, 2017 / 96’ / Ilaria Gomarasca
T +33 142 960 220
DCP / Color / Árabe - Arabic
E ilaria@
D, G: Annemarie Jacir F: Antoine Heberle E: Jacques Comets M: Koo Abu Ali P: Ossama
Bawardi CP: Philistine Films I: Mohammad Bakri, Saleh Bakri pyramidefilms.com
W inter.pyramidefilms.com

Notas del director
Wajib puede traducirse como “deber social”. Cuando mi
hermana se casó, el wajib de su marido era entregar
las invitaciones con su padre. Decidí acompañarlos
en silencio, mientras veía cómo se pasaban cinco días
atravesando la ciudad y las aldeas de los alrededores
entregando cada invitación. Como observadora
silenciosa, era por momentos divertido y en otros
momentos doloroso. Se filtraban de a poco aspectos de
esa relación especial entre padre e hijo; las tensiones de
un cariño puesto a prueba. Así comencé a trabajar en la
idea de una película acerca de este frágil vínculo.
47
Director's Statement
Wajib loosely means “social duty”. When my husband's
sister got married, it was his wajib to deliver the
invitations with his father. I decided to silently tag along
as he and his father spent five days traversing the city
and surrounding villages delivering each invitation. As
the silent observer, it was at times funny and other times
painful. Aspects of that special relationship between
father and son, the tensions of a sometimes tested love
between them, came out in small ways. I began working
on the idea for a film about this fragile relationship.
competencia internacional — international competition

A fábrica de nada
The Nothing Factory / La fábrica de nada

Una noche, un grupo de obreros portugueses se
da cuenta de que la administración del lugar está a
punto de robarse la maquinaria y las materias primas
con las que llevan a cabo sus tareas en la fábrica.
Como consecuencia de su decisión de organizarse y
ocupar el lugar para proteger los equipos e impedir el
desplazamiento de la producción, los trabajadores se
ven obligados a permanecer en sus puestos de trabajo,
sin nada que hacer, mientras al mismo tiempo los
patrones llevan adelante negociaciones individuales
para arreglar los despidos. Llevados por un sentimiento
de urgencia y alguna clase de instinto vital que todavía
perdura, y mientras ven colapsar tanto sus trabajos
como las instituciones en las que alguna vez creyeron,
son forzados a embarcarse –reticentes y asustados– en
una experiencia inesperada, una aventura colectiva.
Estrenada en la Quincena de los Realizadores del último
Festival de Cannes, A fábrica de nada es al mismo tiempo
una invitación para repensar el rol del trabajo en una
época en la que la crisis se volvió la principal forma de
gobierno, un himno a la impotencia destituyente, y un
musical del lamento.
One night, a group of Portuguese workers realizes the
administration is about to steal the machinery and
raw materials necessary for carrying out their labor. As
a consequence of their decision to organize, protect
the equipment and prevent the displacement of the
production, the workers see themselves forced to remain
in their posts, with nothing to do, while the bosses carry
out individual negotiations to sort out the layoffs. Driven
by a sense of urgency and a kind of survival instinct
that still remains, while they witness the destruction
of their jobs and the institutions they believed in,
they are forced to embark, with reluctance and fear,
on an unforeseen experience, a collective adventure.
Shown for the first time at the Directors’ Fortnight at
the latest Cannes Film Festival, The Nothing Factory is
at once an invitation to rethink the role of labor at a
time when crisis has become the main way of ruling,
an anthem to impotence in the face of dismissals, and
a musical of lamentation.

Pedro Pinho Realizador, guionista y productor, estudió cine en Lisboa y en París.

Codirigió los documentales Bab Sebta (2008), con Frederico Lobo, y As cidades e as trocas
(2014), con Luisa Homem. Su primer mediometraje de ficción, Um fim do mundo (2013), se
estrenó en la Berlinale. Eng A director, writer and producer, he studied cinema in Lisbon
and Paris. He co-directed the documentary features Bab Sebta (2008), with Frederico
Lobo, and As cidades e as trocas (2014), with Luisa Homem. His first medium-length
fiction The End of the World (2013) was screened at the 63rd Berlinale.

Portugal, 2017 / 176’ / DCP / Color / Portugués - Portuguese Contacto / Contact

D: Pedro Pinho G: Pedro Pinho, Luisa Homem, Leonor Noivo, Tiago Hespanha Memento Films
F: Vasco Viana E: Cláudia Oliveira, Edgar Feldman, Luísa Homem S: João Gazua, Tiago International
Raposinho, Carlos Abreu M: José Smith Vargas, Pedro Rodrigues P: João Matos, Leonor T +33 153 349 020
Noivo, Luísa Homem, Pedro Pinho, Susana Nobre, Tiago Hespanha CP: Terratreme E sales@
Filmes I: José Smith Vargas, Carla Galvão, Njamy Sebastião, Joaquim Bichana Martins, memento-films.com
Daniele Incalcaterra W international.
memento-films.com

Notas del director
En Portugal y Europa, los últimos años han causado
una redefinición brutal de la manera en que vemos
el mundo. Una ausencia de posibilidades y discursos
válidos acerca del presente nos ha hecho sentirnos,
a menudo, ineficaces. A fábrica de nada nace de ahí. El
cierre de una fábrica de ascensores (una de las muchas
que cierran todos los meses en las áreas industriales
alrededor de Lisboa) funciona como un microcosmos
y parábola para explorar dramáticamente las texturas
y consecuencias de la sensación de impotencia que la
mayoría de la gente atravesó durante ese tiempo. Bajo
la sombra de la bancarrota, los personajes intentan
mantenerse a flote y buscan maneras de rearmar sus vidas.
49
Director's Statement
In Portugal and Europe, the last few years have caused
a brutal redefinition of the way in which we look at
the world. A lack of prospects and valid discourses
about the present has often made us feel ineffectual.
The Nothing Factory stems from there. The closing of an
elevator factory (one of many that close every month in
the industrial outskirts of Lisbon) works as a microcosm
and a parable for dramatically exploring the textures
and consequences of the feeling of impotence that
most people felt during that time. Under the shadow of
bankruptcy, the characters try to stay afloat and look for
ways to reshape their lives.
competencia internacional — international competition

Ramiro

Ramiro es poeta y propietario de una librería en Lisboa.
No le va demasiado bien con ninguna de las dos cosas
–está en un largo bloqueo creativo, la pila de libros de
su autoría descansa inmóvil en un cajón, y a su local solo
entran amigos y conocidos–, pero tampoco parece estar
sumido en una crisis. Más bien se balancea entre una
leve frustración y cierto conformismo de quien, ya sea
por comodidad o pesimismo, no espera demasiado de la
vida. Así, la habilidad de Ramiro, la película, es encontrar
en la aparente monotonía cotidiana el brillo de lo
particular en cada uno de sus movimientos. Manuel
Mozos acompaña con lenta calidez las horas que Ramiro
pierde en el bar con sus amigos, descubre la relación de
este con su abuela y con su joven vecina embarazada.
Con todo, la película extiende su abrazo para darle
calor a toda una pandilla de hermosos perdedores que
todavía no se dieron cuenta de que pueden ser felices
teniéndose unos a otros.
Ramiro is a poet and owns a bookstore in Lisbon. He
isn’t doing well with either of those two things –he’s had
writer’s block for a long time, and the store is visited
only by friends and acquaintances–, but neither does he
seem to be in crisis. Rather, he swings between a mild
frustration and a certain conformity of someone who,
whether for convenience or pessimism, doesn’t expect
much from life. And so, the facility of Ramiro, the film,
lies in finding within the apparent everyday monotony
of the main character’s life, the glow of the uniqueness
in each of his moves. Manuel Mozos accompanies
with slow warmth the hours Ramiro spends at the bar
with his friends, discovering his relationship with his
grandmother and with a young pregnant neighbor.
With all that, the film extends its embrace to give
warmth to an entire gang of beautiful losers who haven’t
yet realized they can be happy having one another.

Manuel Mozos Nació en Lisboa en 1959. Se graduó de la Escola Superior de Teatro

e Cinema, con especialización en montaje, área principal en la que se desempeñó
desde entonces. Actualmente trabaja en la ANIM - Cinemateca Portuguesa. Dirigió,
entre otras películas: A Glória de Fazer Cinema em Portugal (2014, 30º Festival),
Cinzas e Brazas (2015). Eng He was born in Lisbon in 1959, and graduated from the
Escola Superior de Teatro e Cinema, majoring in editing, which is his main activity.
He currently works at the National Moving Images Archive Department in the
Cinemateca Portuguesa. He directed A Glória de Fazer Cinema em Portugal (2014, 30º
Festival), and Cinzas e Brazas (2015). Contacto / Contact
O Som e a Fúria
Fabienne Martinot
Portugal, 2017 / 104’ / DCP / Color / Portugués - Portuguese T +351 213 58 2518
D: Manuel Mozos G: Mariana Ricardo, Telmo Churro F: João Ribeiro E: Pedro Filipe E geral@
Marques DA: Artur Pinheiro S: Miguel Martins M: Bruno Pernadas P: Luís Urbano, osomeafuria.com
Sandro Aguilar CP: O Som e a Fúria I: António Mortágua, Madalena Almeida, Fernanda fm@osomeafuria.com
Neves, Vitor Correia, Sofia Marques W osomeafuria.com

Notas del director
Comencemos con la siguiente premisa: el cine es
un juego. Toda película trae consigo una serie de
reglas, de mayor o menor formalidad, mayor o menor
interioridad. En términos generales, el juego de Ramiro
está concebido con sutileza, en sutilezas. Es una
película asible como la línea de una larga circunferencia
compuesta por un arco con un ángulo muy grande:
la curvatura de la línea existe, es lejana, y percibirla
requiere un devaneo. Si la velocidad fuera una regla se
diría que Ramiro es un film sobre un escritor y un librero
que enfrenta varios bloqueos –en su escritura, en sus
relaciones, en su negocio, y en su adaptación más o
menos difícil al presente–. No es que el tiempo sea una
desventaja: Ramiro, de hecho, puede ser todo eso.
51
Director's Statement
Let’s begin with the following premise: cinema is a
game. Every film brings with it a set of rules, with greater
or lesser formality, greater or lesser interiority. In a
general frame, Ramiro’s game is envisaged in subtlety,
in subtleties: this is a film that is grasped like the line of
a long circumference that is composed by an arc with a
very wide angle: the curvature of the line exists, it is far,
and perceiving it requires wandering. If speed were a
rule it would be said that Ramiro is a film about a writer
and bookshop keeper who faces several blockades –in
writing, in relationships, in his own business, and in his
more or less difficult adaptation with present time. It is
not that time is a disadvantage: Ramiro, in fact, can be
all of that.
competencia internacional — international competition

El silencio del viento

Silence of the Wind

Lejos de mostrar a Puerto Rico como una isla
paradisíaca donde uno puede hartarse del jugo de
coco y obtener el mejor bronceado caribeño, El silencio
del viento devela la incómoda realidad que padecen los
inmigrantes indocumentados que cruzan la frontera
de agua escapando del hambre y la ausencia de futuro
de su República Dominicana natal. El trabajo del
monosilábico y esquivo Rafito, el personaje que nos
introduce en este mundo hostil, consiste en ingresar
inmigrantes ilegales y ocultarlos un tiempo a cambio de
un pago. Álvaro Aponte-Centeno plasma en imágenes
naturalistas la vida familiar y laboral del protagonista
sin condenarlo. Poniendo en el centro de la escena la
reciente pérdida de su hermana, quien trabajaba a la
par de él, Aponte-Centeno le da forma a una película
que funciona como un largo y doloroso duelo sin pausa.
La cámara rodea los espacios en silencio, ya sean selvas
o ciudades, replicando en técnica la tensión entre poder
ingresar a un territorio o quedarse totalmente afuera. El
silencio del viento elige contar un relato sórdido pero no
por eso renuncia a modelar con bellos planos.
Far from showing Puerto Rico as an island paradise
where one can drink lots of coconut milk and achieve
the best Caribbean tan, Silence of the Wind reveals the
uncomfortable reality suffered by illegal immigrants
that cross the border of water escaping the famine and
lack of future of their native Dominican Republic. The
job of the monosyllabic, elusive Rafito, the character
that inserts us in this hostile world, consists in helping
illegal immigrants enter and hiding them for a while in
exchange for money. Álvaro Aponte-Centeno conveys,
though naturalist images, the work and family life of
the protagonist without condemning him. Putting the
recent loss of her sister, who used to work with him, at
the center of the scene, Aponte-Centeno shapes a film
that works as a long, painful mourning. The camera
surrounds the spaces in silence, whether jungles or
cities, technically replicating the tension between being
able to enter a land or being left out completely. Silence
of the Wind chooses to tell a sordid tale, but does not
renounce portraying it with some beautiful images.

Álvaro Aponte-Centeno Dirigió tres cortometrajes que cosecharon distintos premios:

Luz (2010), Mi santa mirada (2012), seleccionado para la Competencia Oficial del Festival
de Cannes, y Yahaira (2015). Eng He directed three short films that won various awards:
Luz (2010), Mi santa mirada (2012), selected for the Official Competition of the Cannes
Film Festival, and Yahaira (2015).

Puerto Rico, 2017 / 84’ / DCP / Color / Español - Spanish Contacto / Contact
D, G: Álvaro Aponte Centeno F: PJ López E: Nino Martínez Sosa DA: Nydia Mercedes Cercamon
González S: Maite Rivera Carbonell M: Rafael Aponte Ledée, Álvaro Aponte Centeno Sebastien Chesneau
P: Maite Rivera Carbonell I: Israel Lugo, Elia Enid Cadilla, Amanda Lugo Alvarado, T +971 566 063 824
Kairiana Nuñez Santaliz, Iris Martínez E sebastien@
cercamon.biz
W cercamon.biz

Notas del director
¿Quiénes son? ¿Dónde viven? ¿Cómo viven? ¿Tienen
familia? ¿Cómo es su familia? ¿Cómo es su vida diaria?
¿Reciben amor? ¿Cómo son sus emociones? ¿Cómo se
sienten con la vida? ¿Cómo se sienten con la muerte?
Eso es lo que más me interesa saber sobre las personas
que están detrás de ciertos problemas sociales del
mundo contemporáneo en que vivimos, para intentar
acercarnos al universo de cada uno de ellos sin juzgarlos
y hacernos preguntas, cuestionarnos, buscando
comprender mejor el mundo para poder cambiarlo.
En El silencio del viento abordo como tema principal la
pérdida y la muerte en un hombre, y de lo particular voy
a lo general, exponiendo como subtema la inmigración
entre las islas del Caribe.
53
Director's Statement
Who are they? Where and how do they live? Do they
have family? How is their daily life? Do they receive
love? How are their emotions? How do they feel about
life? How do they feel about death?
It is what interests me most about people who are
behind certain social problems of the contemporary
world we live in, trying to get closer to the universe of
each of them without judging and asking questions,
questioning things, seeking to a better understanding
of the world to be able to change it. In Silence of the
Wind I approach the main theme of loss and death
in a man, and from the particular I go to the general,
exposing like sub-theme the immigration between the
islands of the Caribbean.
competencia internacional — international competition

5 Therapy
5 Terapia

“Maté mucho: la sociedad, las drogas, la cárcel.
Pero nada ni nadie me mató con tanta rigidez y
performance como yo”. 5 Therapy retrata las cinco
novelas autobiográficas del artista ucraniano Stas
Dombrowski, un ex adicto a las drogas y criminal
que, a los 17 años, se enteró de que era VIH positivo, y
durante las dos décadas siguientes se sumergió en la
autodestrucción completa. Su prontuario indica siete
encarcelamientos. El último terminó en 2007, cuando
fue liberado de una prisión de máxima seguridad
por sus problemas de salud, y logró salir del pozo en
el que estaba y vivir una vida nueva en sobriedad,
ayudando a otros con los mismos problemas que él. Se
las arregló para transformar toda esta experiencia en
obra creativa: es escritor, con siete novelas publicadas,
poeta, artista y actor, y durante los últimos años se
interesó en todo evento cultural informal en Odesa y
Kiev. Con esos antecedentes, no sorprende que haya
terminado interpretándose a sí mismo en una película
cercana al falso documental, e incluso convenció a
convenció a lo mejor de la sociedad artística de Odesa
a que participe en ella.
“I killed a lot: society, drugs, prison. But nothing and
no one killed me with such rigidity and performance,
as I did.” 5 Therapy depicts the autobiographical novels
of Ukrainian artist Stas Dombrowski, a former drug
addict and criminal, who learned at 17 that he was HIV
positive, and over the next two decades, submerged in
complete self-destruction. His criminal record counts
seven convictions. The last one ended in 2007, when
he was liberated from a high security prison because
of ill health, and was able to push off from the bottom
and live a new and sober life, helping others who find
themselves in his place. He managed to transform all
this experience into creative work: he is a writer with
several published novels, a poet, an artist and an actor,
and in the last few years, he had a stake in every informal
culture event in Odessa and Kiev. With that record, it is
no surprise that the ended up playing himself in a a film
that borders the mockumentary, and even convinced to
include in it the cream of Odessa's artistic society.

Alisa Pavlovskaya Nació en 1987 en Yaroslavl, Rusia, en una familia de artistas. En 2012
se graduó como directora de fotografía en la VGIK. Dirigió el documental Toporkesta
(2012) y el largometraje I Don’t Want to Die (2013), y trabajó como directora de fotografía
en numerosos cortos, videoclips y series de TV. Eng Born in Yaroslavl, Russia, in 1987, to a
family of artists. In 2012, she graduated as a cinematographer from VGIK. She directed
the documentary Toporkesta (2012) and the feature film I Don’t Want to Die (2013), and
worked as a cinematographer on several short films, music videos and TV series.

Ucrania - Ukraine, 2017 / 74’ / DCP / Color / Ruso - Russian Contacto / Contact
D, G: Alisa Pavlovskaya F: Maria Perkunova P: Valeriy Kalmykov, Victor Vilhelm Ant!pode Sales &
CP: TrueMan Production I: Stas Dombrovskiy, Victor Brevis, Alina Putyshyna, Elena Distribution
Dashevskaya, Sonya Kulagina T +7 962 965 6918
E festivals@
antipode-sales.biz
W antipode-sales.biz

Notas del director
Hicimos una película totalmente independiente. Esto no
es cine de arte, ni experimental: es una película a toda
escala, un blockbuster social. Buscamos productores
de forma independiente, y quizás esta sea la principal
diferencia con las formas tradicionales que se utilizan en
la realización de películas.
55
Director's Statement
We produced a fully independent film. This is neither
art house, nor experimental cinema; this is a full scale
film, a social blockbuster. We independently search
for production funding and perhaps this is the main
difference as compared to the traditional approach used
in filmmaking.
 57

Competencia
Latinoamericana
—
Latin American
Competition

58 Chaco
60 El teatro de la desaparición
62 Eugenia
64 Baronesa
66 Era uma vez Brasilia
68 Una mujer fantástica
70 Rey
72 La telenovela errante
74 Mariana
76 Tormentero
78 Cocote
80 Las olas
82 La familia
84 Ata tu arado a una estrella
Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

Chaco

Danièle Incalcaterra, codirector de Chaco junto con
la suiza Fausta Quattrini, ha estado involucrado desde
hace años en una tarea aparentemente imposible:
devolver a los nativos guaraníes ñandevas 5000
hectáreas de bosque paraguayo que heredó de su padre,
quien a su vez recibió esas tierras como una cesión del
General Stroessner durante la dictadura en Paraguay.
Nunca estuvo en los planes del director explotar en
su beneficio esas tierras pero, tras recibirlas, una idea
germinó en él: el sueño de convertir esta tierra en una
reserva natural, con un observatorio científico junto a
los nativos. La llamó Arcadia, y la convirtió en el lugar de
su utopía personal. La lucha de Incalcaterra y Quattrini
por recomponer aquelllo que los negocios sucios de un
poder despótico rompieron no es nueva: su tarea de
devolver algo de justicia a un pueblo cuyos derechos
fueron históricamente vulnerados ya había llegado a
la pantalla grande con El impenetrable, su film anterior
presentado fuera de concurso en el Festival de Venecia.
Ahora, los directores nos ofrecen esta historia que no
por fantástica es menos real, con tintes de thriller, cine
político y documental ecológico.
For years, Danièle Incalcaterra, co-director of Chaco
alongside Fausta Quattrini, has been involved in an
apparently impossible task: giving back to the Ñandeva
Guarini natives 5,000 hectares of Paraguayan forest he
inherited from his father who, in turn, received these
lands as a cession from General Stroessner during the
dictatorship in Paraguay. In was never in the director’s
plans to exploit those lands to his benefit, but after
receiving them, an idea blossomed in him: the dream of
turning that land into a natural reserve, with a scientific
observatory, together with the natives. He named it
Arcadia, and turned it into the place of his personal
utopia. The struggle by Incalcaterra and Quattrini to
repair what the dirty work of a despotic power broke
is not new: their task of giving back some justice to a
people whose rights have been historically violated had
already reached the big screen with El impenetrable, their
previous film, shown out of competition at the Venice
Film Festival. Now, the directors offer us this story that
is fantastic but real, with shades of a thriller, a political
film and an ecological documentary.

Danièle Incalcaterra & Fausta Quattrini Danièle nació en 1954 en Roma, Italia. Fausta
nació en 1964 en Suiza. Dirigieron juntos varios largometrajes; entre ellos, Contr@site
(2003) y El impenetrable (2012).Eng Danièle was born in Rome, Italy in 1954. Fausta was
born in Switzerland in 1964. Together they have directed a number of feature length
films including Contr@site (2003) and El impenetrable (2012).

Argentina / Italia / Suiza - Argentina / Italy / Switzerland, 2017 / 106’ / DCP / Color / Contacto / Contact
Español / Italiano / Guaraní - Spanish / Italian / Guarani Danièle Incalcaterra
D, G: Danièle Incalcaterra, Fausta Quattrini F: Cobi Migliora E: Marzia Mete, Fausta T +41 7 8771 2399
Quattrini M: Luciano Zampar P: Danièle Incalcaterra, Riccardo Annoni, Alexandre E danieleincalcaterra@

Iordanescu CP: Start SA, Elefant Films gmail.com

riccardo@start.mi.it

Notas del director
Como en un thriller que combina la historia personal
del protagonista con un contexto kafkiano en el que
tiene que actuar, el escenario principal de acción es un
lugar secreto ubicado en el último piso de un edificio
en el corazón de Asunción. Un gran salón de vidrio
con una vista sobre toda la ciudad. Allí el protagonista
se reúne con los aliados y defensores de Arcadia. Este
polo urbano, enrarecido y algo artificial, contrasta con
la naturaleza salvaje, hostil y magnífica del Chaco. Las
incursiones en el bosque tienen un doble sentido: por
un lado la exploración de otra dimensión posible, oscura
y peligrosa, y por el otro el arrepentimiento de la misma
pérdida de la película.
59
Director's Statement
Like in a thriller that combines the character’s personal
history with a Kafkian context in which he has to act,
the main scenery for the action is a secret place located
in the top floor of a building in the heart of Asunción.
A large glass hall with a view of the entire city. There,
the protagonist gathers with the allies and defenders
of Arcadia. This urban venue, rarefied and somewhat
artificial, contrasts with the wild, hostile, magnificent
nature of Chaco. The incursions in the forest have a
double meaning: on one hand, the exploration of
another possible dimension, both dark and dangerous,
and on the other, the regret for the very loss of the film.
Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

El teatro de la desaparición
The Theatre of Disappearance

Desde que apareció en 2003 como la nueva gran
promesa del circuito del arte argentino, el rosarino
Adrián Villar Rojas trazó una carrera espectacular que
tuvo como último techo El teatro de la desaparición, la
instalación que llevó a cabo en el Roof Garden del
MET, en Nueva York. Suerte de extensión de aquella,
la película del mismo nombre es una trilogía de
segmentos independientes entre sí en los que, a
partir de diferentes elementos narrativos, se disparan
estímulos que reflexionan sobre la naturaleza
destructiva del ser humano y su relación con el planeta.
Villar Rojas no entrega pistas fáciles ni propone
respuestas cómodas: el magnetismo de sus imágenes,
con su ritmo interno y aura surreal, interconecta lugares
apartados en un collage de formas alienadas, hipnóticas
y de una distorsión casi postapocalíptica. En esa extraña
búsqueda de la belleza, de golpes lentos pero certeros,
la potencia del cine genera un efecto demoledor.
Since his appearance in 2003 as the great new hope
of the Argentine art circuit, Adrián Villar Rojas, from
Rosario, has traced a spectacular career that had its peak
in The Theater of Disappearance, the installation he held
on the Metropolitan Museum of Art’s Roof Garden, in
New York. A kind of extension of the installation from
which it takes its name, the film is a trilogy of segments
independent from each other that, through different
narrative elements, trigger some stimuli that reflect on
the destructive nature of humans and their relationship
with the planet. Villar Rojas does not give easy clues, nor
does he propose reassuring answers: the magnetism of
his images, with their internal rhythm and surreal aura,
interconnects removed places in a collage of alienated,
hypnotic shapes of an almost post-apocalyptic
distortion. It is in that strange search for beauty, of slow
but well-aimed blows, that the power of film generates
a demolishing effect.

Adrián Villar Rojas Nació en 1980 en Rosario, Argentina. Estudió bellas artes en la
Universidad Nacional de Rosario y cine en la Escuela Provincial de Artes Visuales
General Manuel Belgrano, Rosario. Dirigió el cortometraje Lo que el fuego me trajo (2013).
Eng Born in Rosario, Argentina in 1980, he studied fine arts in the Universidad Nacional
de Rosario and film in the Escuela Provincial de Artes Visuales General Manuel
Belgrano, Rosario. He directed the short film Lo que el fuego me trajo (2013).

Argentina / Corea del Sur - Argentina / South Korea, 2017 / 120’ / DCP / Color Contacto / Contact
D, G: Adrián Villar Rojas F: Mario Caporali E: Andrea Kleinman, Julia Straface, Iara Rei Cine
Rodríguez Vilardebó S: Lena Esquenazi P: Benjamín Domenech, Santiago Gallelli, Camila Grisolía
T +54 9 11 5804 6700
Matías Roveda CP: Rei Cine
E cg@reicine.com.ar

Notas del director
Durante años he intentado documentar lo más
exhaustivamente posible los procesos de trabajo que,
alrededor del mundo, voy desarrollando junto a mi
equipo. De materiales residuales, realizados desde los
márgenes de una práctica –como será posible apreciar
en la primera pieza de la trilogía–, pasamos –como se
hará evidente en las dos restantes– a la construcción de
un acontecimiento formal autosuficiente que ya no es
ni documento ni documental, sino una “cosa” con vida
y muerte propias que –como todo lo palpitante de este
mundo– luchará por ser algo en sí mismo, dejar una
huella –acaso en el mar– y desaparecer.
61
Director's Statement
For years I have tried to document as exhaustively as
possible the work processes I embark upon with my
crew around the world. From residual material made
from the margins of a practice –as can be appreciated
in the first piece of the trilogy–, to tackling –as made
evident in the second two pieces– the building of a self-
sufficient formal event that is no longer document or
documentary, but a “thing” with a life and death of its
own that –as everything that beats in this world -will
fight to be something in itself, to leave a mark –in the
sea, perhaps- and then disappear.
Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

Eugenia

La rutina de Eugenia se bifurca por pequeños atajos
cuando decide abandonar a su esposo en medio de
un paisaje montañoso. El relato es la hoja en blanco
de la protagonista, y escena a escena irá descubriendo
una nueva identidad. En esta sorpresiva travesía, el
espectador es su gran compañero, dispuesto a escoltarla
mientras ella repta por espacios desconocidos, guiada
por su curiosidad. La búsqueda se hilvana a través
de momentos y situaciones pequeñas y naturales,
charlas, comidas, trabajos fallidos; esquivando las
grandilocuencias del melodrama en favor de tajadas de
vida hipnóticas en su sobriedad; desde cocinar caramelo
hasta actuar en una película interpretando a una
famosa guerrillera, sin perderse de compartir la cama
con una mujer. Entintado con un abanico de grises, el
cuarto largometraje de Martín Boulocq hace zoom en
un personaje que deberá emprender un safari por sus
emociones rotas. A través de una narración intimista,
el director muestra cómo Eugenia transita un universo
masculino; allí, son ellos –padre, hermano, director de
cine– quienes dan la orden mientras Eugenia busca una
isla donde pueda por fin ser ella misma.
Eugenia’s routine branches off through small shortcuts
when she decides to leave her husband in the middle of
a mountainous landscape. The story is the blank slate
of the main character, and scene after scene she will
discover a new identity. In this surprising journey, the
audience is her companion, willing to follow her while
she crawls through unknown spaces, guided by her
curiosity. The search takes place through small, natural
situations, through talks, meals, failed jobs; dodging
the bombast of melodrama in favor of slices of life that
are hypnotic in their sobriety from cooking caramel to
playing a famous guerrilla fighter in a film and even
sharing a bed with a woman. Inked with a wide variety
of grays, Martín Boulocq’s fourth feature film zooms in
on a character that must embark on a safari through
her broken emotions. Though an intimate narrative, the
director shows how Eugenia transits a male universe;
where men –father, brother, filmmaker– give the orders
while Eugenia looks for an island where she can finally
be herself.

Martín Boulocq Nació en Cochabamba, Bolivia. Su primera película, Lo más bonito y mis
mejores años (2005), se proyectó en varios festivales y fue aclamada por la crítica entre
las 12 películas fundamentales de la historia de ese país. Su película Los Girasoles (2014)
fue exhibida en el 29º Festival. Produjo varios films, como Rojo, amarillo y verde y El olor
de tu ausencia. Eng Born in Cochabamba, Bolivia, his first feature film The Most Beautiful
of My Very Best Years (2005) was screened in many festivals, and was acclaimed by local
critics who included it among the twelve essential films in Bolivian history. His film
Los Girasoles (2014) was screened in the 29th Festival. He also produced several films,
including Rojo, amarillo y verde and The Smell of Your Absence. Contacto / Contact
FiGa Films
Sandro Fiorin
Bolivia / Brasil - Bolivia / Brazil, 2017 / 82’ / DCP / B&N / Español - Spanish T +1 323 229 9816
D, G, F, E, M: Martín Boulocq DA: Andrea Camponovo S: Martín Boulocq, Confraria de E sandro@figafilms.com
Sons & Charutos P: Andrea Camponovo, Martín Boulocq, Rolando Lora lidia@figafilms.com
I: Andrea Camponovo, Alvaro Eid, Alejandra Lanza, Simón Peña, Ricardo Gumucio W figafilms.com

Notas del director
La película surge de dos ideas. La primera se originó
luego de haber filmado unas imágenes en Mendrisio,
un pequeño poblado al sur de Suiza, cuando acompañé
a Andrea en un viaje muy personal buscando algún
rastro de su familia paterna en 2011. Estas imágenes
contenían el germen de un personaje femenino que me
interesaba explorar. La segunda fue un tratamiento que
escribí después de haber leído el libro sobre la Tania
de Gustavo Rodríguez y que en un principio pretendía
ser una película de época. El estrecho vínculo que tuvo
mi familia paterna con los movimientos armados de
izquierda en los 70 resonó de una forma nueva para mí
luego de esa lectura.
63
Director's Statement
The film comes from two ideas. The first one was
originated after having shot some images in Mendrisio,
a small municipality in the south of Switzerland, when
I accompanied Andrea in a very personal trip in search
of any trace of her father’s family in 2011. These images
contained the root of a female character I was interested
in exploring. The second one was a treatment I wrote
after having read Gustavo Rodríguez’s book about Tania,
which at first was going to be a period film. The tight
bond my father’s side of the family had with the armed
left-winged movements of the ‘70s resounded in me in a
new way after that reading.
Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

Baronesa

La crudeza no impide la irrupción de la comedia. En la
ópera prima de Juliana Antunes, las imágenes rústicas
y despojadas que pueblan la cotidianidad de dos chicas
brasileñas con escasos recursos se vuelven amables
cuando el humor asoma por los huecos de los ladrillos a
la vista. Baronesa es un documental que nació a partir de
una inquietud por descifrar los destinos de los colectivos
que salían del centro de Belo Horizonte y se perdían
por su periferia. En particular, uno que llevaba el mismo
nombre de la directora: Juliana. Ese capricho fue el
puente para chocarse con la poderosa semilla que gestó
Baronesa, y conocer que dentro de esas construcciones
a medio terminar vivían mujeres que no salían de sus
hogares. La cámara se enamora de los improvisados
salones de belleza donde las dos protagonistas, Leidiane
y Andreia, matan el tiempo entre esmaltes de color.
La película es el registro de seis meses de filmación,
durante los cuales la directora y su equipo convivieron
con un grupo de personajes que aspiran cocaína desde
un celular y juegan con un chancho en el medio de la
selva. Montada por Affonso Uchoa, codirector de Arábia
(2017), Baronesa nos acerca a un microcosmos muy
lejano como un colectivo cuyo recorrido tiene un inicio
pero no un final.
Crudeness does not deter the explosion of comedy. In
Juliana Antunes’ directorial debut, the rustic, stripped-
off images that populate the everyday nature of two
Brazilian girls of limited resources become pleasant
once humor appears through the cracks of the exposed
bricks. Baronesa is a documentary born from a concern
for deciphering the destinations of the buses that left
from downtown Belo Horizonte and disappeared into
the outskirts. One in particular that bears the director’s
name: Juliana. That whim was the bridge that was
built so she could crash against the powerful seed that
gestated Baronesa, and to find out that inside those
unfinished buildings lived women that never left their
homes. The camera falls in love with the impromptu
beauty salons where the two protagonists, Leidiane
and Andreia, kill time among colored nail polish. The
film captures six months in which the director and her
team lived with a group of characters who snort cocaine
from a cell phone and play with a pig in the middle
of the jungle. Edited by Affonso Uchoa, co-director of
Araby (2017), Baronesa draws us close to a very distant
microcosm like a bus whose itinerary has a beginning
but no an end.

Juliana Antunes Nació en 1989. Estudió cine en la Universidad UNA, en Belo Horizonte.
Es socia fundadora de Ventura junto con Marcella Jacques y Laura Godoy. Actualmente
está desarrollando su segundo largometraje, Hit and Back Copacabana. Eng Born in 1989,
she graduated in filmmaking from UNA University, in Belo Horizonte. She is a founding
partner in Ventura, with Marcella Jacques and Laura Godoy. Currently, she is developing
her second feature film, Hit and Back Copacabana.

Brasil - Brazil, 2017 / 71’ / DCP / Color / Portugués - Portuguese Contacto / Contact
D, G: Juliana Antunes F: Fernanda De Sena E: Affonso Uchoa, Rita M. Pestana S: Pedro Ventura
Durães P: Juliana Antunes, Laura Godoy, Marcella Jacques I: Andreia Pereira De Sousa, Marcella Jacques
Leid Ferreira, Felipe Rangel T +55 319 8803 2162
E venturacine@
gmail.com
/baronesaofilme

Notas del director
Jaqueline, Suely, Bethânia. Los barrios con nombres
femeninos suelen estar en los suburbios, donde todos
los días suceden historias extraordinarias en las vidas
de las mujeres que allí residen. La búsqueda de esas
peculiares biografías hizo posible el film. A través de una
intensa investigación se armó la narrativa, gracias a la
complicidad entre las mujeres que filmaban y las que
eran filmadas, lo que dio como resultado un film que
se mueve constantemente entre la realidad y la ficción.
El guion se armó diariamente durante conversaciones,
recuerdos, provocaciones y retomas. Trabajamos para
reordenar lo real, ya que sin transformación no hay arte.
65
Director's Statement
Jaqueline, Suely, Bethânia. The neighborhoods that have
female names are, almost in their entirety, located on
the suburbs, where every day extraordinary stories take
place in the lives of the women living there. The search
of those peculiar biographies made the film possible.
Through a vivid and immersive research process the
narrative was build, thanks to the complicity between
the women filming and the ones being filmed, resulting
in a film that transits constantly between reality and
fiction. The screenplay was made on the daily basis
during conversations, memories, provocations and re-
takes. We worked trying to rearrange what was real,
since there is no art without transformation.
COMPETENCIA LATINOAMERICANA — LATIN AMERICAN COMPETITION

Era uma vez Brasília

Once There Was Brasília / Érase una vez Brasilia

El agente intergaláctico WA4 tiene una misión:
viajar en el tiempo hasta 1959, al planeta Tierra, más
precisamente a Brasil, con el objetivo de asesinar
al presidente Juscelino Kubitschek justo el día de la
inauguración de Brasilia, la nueva capital federal.
Pero algo sale mal, y la pequeña nave rudimentaria
que comanda lo envía a 2016, donde caerá del cielo
sobre un terreno apartado de Ceilândia, una de las
ciudades brasileñas más peligrosas y con mayor
índice de homicidios. Con ese punto de partida, el
director Adirley Queirós (ganador del premio a Mejor
Película Latinoamericana el año pasado con la genial
Branco sai, preto fica) plasma un film de iconografía
postapocalíptica, en un paisaje desolado y derruido
entre tinieblas. Pero Era uma vez Brasília se despliega
como mucho más que un agudo exponente del género:
esta invasión accidental ocurre al mismo tiempo
Intergalactic agent WA4 has a mission: traveling
back in time to 1959, to planet Earth, more specifically
to Brazil, with the mission of assassinating President
Juscelino Kubitschek the very day of the inauguration
of Brasilia, the new federal capital. But something
goes wrong, and the small, rudimentary spaceship he
commands sends him to 2016, where he will fall from
the sky over a remote land in Ceilândia, one of the
most dangerous cities in Brazil, with one of the highest
homicide rates. From that starting point, director Adirley
Queirós (winner of last year’s Best Latin American Film
award with the great White Out, Black In) conveys a film
with a post-apocalyptic iconography, in a desolate, dark
and destroyed landscape. But Once There Was Brasília
is much more than a sharp example of the genre: this
accidental invasion happens at the the exact time when

destituida, y el congreso quedará en manos de Michel
borde de la tragicomedia. Así, la película cruza sus
ingeniosas –de tan sencillas– ideas visuales, mientras,
reafirmando lo que dice el repetido refrán, la realidad
hace lo suyo para superar a la ficción.
whose speeches heard in voiceover make up a context
that borders on tragicomedy. This way, the film crosses its
clever –in their simplicity- visual ideas while confirming the
popular wisdom that reality is always greater than fiction.

Adirley Queirós Cineasta brasileño y ex jugador de fútbol profesional. Dirigió

varios cortometrajes y el documental A cidade é uma só? (2013). En 2014 filmó su
primer largometraje de ficción, Branco sai preto fica, ganador de la Competencia
Latinoamericana en el 29° Festival. Eng Brazilian filmmaker and ex-professional soccer
player, he directed various short films and the documentary The City is One Only? (2013).
In 2014, he filmed his first feature length narrative film, White Out Black In, winner of
the Latin American competition at the 29th Festival.

Brasil - Brazil, 2017 / 100’/ DCP/ Color / Portugués - Portuguese Contacto / Contact
D, G: Adirley Queirós F: Joana Pimenta E: Adirley Queirós, Frederico Benevides, Guile Cinco da Norte
Martins DA: Denise Vieira S: Francisco Craesmeyer, Guile Martins, Fernando Henna, Adirley Queirós
Daniel Turini P: Adirley Queirós, Simone Queiroz, Julia Alves, João Matos CP: Cinco da E ceiperiferia@
Norte, Sancho & Punta, Terratreme Filmes I: Wellington Abreu, Marquim do Tropa, gmail.com
Andreia Vieira, Franklin Ferreira cincodanorte@
gmail.com
/eraumavezbrasilia

Notas del director
¿Qué nos queda por filmar, cuando nuestra violencia estética
fue apropiada, asimilada y domada, cuando no causamos
más miedo, ni rabia, ni extrañamiento? Esta película aborda
un Brasil hundido en la inmovilidad, que no logra imponerse
contra una ola reaccionaria que amenaza las conquistas
históricas de un pueblo pobre, negro, marginal. El cinismo
se impone. Para avanzar, para buscar otras posibilidades
imaginarias, estéticas, es necesario asumir el lugar en el
que estamos ahora: inmovilizados, presos, viviendo en la
penumbra de los tiempos. Es necesario probar otras narrativas,
que no pasen solo por el coro fantasmagórico y sin riesgos
del “Fora Temer”. Proponemos a nuestros personajes historias
dentro de ese momento político brasileño. Luego lo filmamos
como un documento histórico, inmersos en la creencia y la
aventura de lo real: por ende, una etnografía de ficción.
67
Director's Statement
What is left for us to film when our aesthetic violence has
been appropriated, assimilated and tamed, when it no longer
causes us fear, anger or alienation? This film tackles a Brazil
collapsed into immobility that is unable to stand up against
a reactionary wall that threatens the historical conquest by a
poor, black and marginalized peoples. Cynicism prevails. To
advance, to find other imaginary and aesthetic possibilities it
is necessary to accept the place where we are now: immobile,
imprisoned, living in the shadow of our times. It is necessary
to try other narratives that don’t merely go through the
phantasmagoric and safe chorus of “Fora Temer”. We propose
filming our historical characters within this Brazilian political
moment. Then we film as if it were a historical document,
immersed in the belief and adventure of what is real: thus, an
ethnography of fiction.
Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

Una mujer fantástica

A Fantastic Woman

Sebastián Lelio, uno de los directores más consolidados
de Chile (acaba de estrenar Disobedience, su primera
película hablada en inglés, en el Festival de Toronto)
ya había mostrado con Gloria su talento para retratar
mujeres hermosamente empoderadas. Lo hace de
nuevo con Una mujer fantástica, que comienza con
Marina y su novio Orlando enamorados y planificando el
futuro. Ella es una joven camarera y aspirante a cantante,
y él es veinte años mayor que ella. Una noche, luego de
celebrar el cumpleaños de Marina, ella lleva a Orlando a
la sala de emergencias, pero él muere justo después de
haber llegado. En lugar de llorar por su amante, Marina
se llena de sospechas: por los médicos, por la familia de
Orlando e incluso por una mujer detective que investiga
si ella estuvo involucrada en su muerte. La ex mujer de
Orlando le prohíbe ir a su funeral y su hijo la amenaza
con echarla del departamento que solían compartir.
¿Por qué? Porque Marina es una mujer trans, y para gran
parte de la familia de Orlando su identidad sexual es
una aberración. Interpretada por la maravillosa actriz
trans Daniela Vega, Marina tiene que batallar contra
las mismas fuerzas con las que peleó durante toda su
vida para convertirse en la mujer que es hoy: una mujer
fuerte, directa y fantástica.
One of Chile’s most established filmmakers, (he
recently premiered his English language debut
Disobedience in Toronto), Sebastian Lelio has already
shown –with Gloria– his unique talent for depicting
beautifully empowered women. He has done it again
with A Fantastic Woman, which opens with Marina and
her boyfriend Orlando, in love and planning for the
future. She is a young waitress and aspiring singer,
and he is 20 years older than her. After celebrating
Marina's birthday one evening, she rushes Orlando to
the emergency room, but he passes away just after
arriving. Instead of being able to mourn her lover,
suddenly Marina is treated with suspicion: by the
doctors, by Orlando's family, and even by a woman
detective who investigates to see if she was involved in
his death. Orlando's ex-wife forbids her from attending
the funeral and his son threatens to throw her out of the
apartment the couple shared. Why? Because Marina is
a trans woman, and for most of Orlando's family, her
sexual identity is an aberration. Played by amazing
trans actress Daniela Vega, Marina battles the very
same forces that she has spent a lifetime fighting, just
to become the woman she is now – a complex, strong,
forthright and fantastic woman.

Sebastián Lelio Nació en 1974 en Mendoza, Argentina. Es director, guionista, productor

y montajista. Se graduó en la Escuela de Cine de Chile. Dirigió varios largometrajes;
entre ellos, La sagrada familia (2006), premiada en el Festival de San Sebastián, El año
del tigre (2011) y Gloria (2013). Eng Born in Mendoza, Argentina in 1974, he is a director,
script writer, producer and editor. He graduated from the Escuela de Cine de Chile.
He has directed various feature length films; among them La sagrada familia (2006),
awarded at the Festival de San Sebastián, El año del tigre (2011) and Gloria (2013).

Chile / Estados Unidos / Alemania / España - Chile / USA / Germany / Spain, 2017 / Contacto / Contact
104’ / DCP / Color / Español - Spanish Funny Balloons
D: Sebastián Lelio G: Sebastián Lelio, Gonzalo Maza F: Benjamín Echazarreta E: Soledad Peter Danner
Salfate DA: Estefanía Larraín S: Alberto Alén M: Matthew Herbert P: Juan de Dios T +33 140 130 586
Larraín, Pablo Larraín, Rocío Jadue, Mariane Hartard, Ben von Dobeneck CP: Fabula, E festivals@
Participant Media, Komplizen Film, Muchas Gracias, Setembro Cine I: Daniela Vega, funny-balloons.com
Francisco Reyes, Luis Gnecco, Aline Kuppenheim, Nicolas Saavedra W funny-balloons.com

Notas del director
Veo Una mujer fantástica como una película de esplendor
estético, vigor narrativo, tensión y emoción. Politonal,
multiexperimental y multiemocional. Es tanto una
celebración como una exploración de su personaje
principal: Marina Vidal. ¿Qué ve el público cuando ve a
Marina? ¿Una mujer, un hombre o la suma de ambos?
Verán a un ser humano que cambia constantemente
frente a sus ojos, que fluye, vibra y se modifica. Lo que
ven no es precisamente lo que ven, y esta condición
convierte a Marina en un vórtice que despierta las
fantasías y el deseo del espectador, invitándolo a
explorar los límites de su propia empatía.
69
Director's Statement
I see A Fantastic Woman as a film of aesthetic splendor,
narrative vigor, tension and emotion. Polytonal, multi-
experimental, multi-emotional. It's a film that is both
a celebration and examination of its main character:
Marina Vidal. What will the viewers see when they see
Marina? A woman, a man, or the sum of both? They will
see a human being who constantly changes before their
eyes, who flows, vibrates, and modifies herself. What
they are seeing isn't precisely what they are seeing, and
this condition turns Marina into a vortex that attracts
the viewer's fantasy and desire, inviting them to explore
the limits of their own empathy.
Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

Rey
King

Frente a una historia con una gran cuota de leyenda
como la de Orélie Antoine de Tounens –aquel abogado
francés que, con el apoyo del pueblo mapuche, se
proclamó rey de la Araucanía y la Patagonia a mediados
del siglo XIX–, el director Niles Atallah emprendió el
único camino adecuado: alejarse lo máximo posible de
las convenciones de cualquier biopic y trazar la notoria
línea que conecta aquellas épocas aparentemente
disímiles con nuestra actualidad, y la manera en que
se edifica o distorsiona nuestra memoria. La historia se
materializa en las luchas y discursos que se reinventan
(allí están los pueblos originarios peleando por sus
tierras, o las fuerzas represivas invocando la lealtad
y el orden público), pero también se vuelve tangible
en la descomposición de las escenas que el director
capturó en soporte fílmico, enterradas durante años
e incorporadas con sus imperfecciones al resto del
material. Los recursos que se disponen entre lo onírico
y lo simbólico terminan conformando esa imagen
espejada que el pasado siempre nos devuelve, además
de la variedad de dimensiones de las que el cine se vale
cuando existe una apuesta ambiciosa detrás de cámara.
Face with a story that contains a lot of legend like that
of Orélie Antoine de Tounens –that French lawyer who,
with the support of the Mapuche people, proclaimed
himself king of the Araucanía and the Patagonia in
the mid-19th century-, director Niles Atallah took
the only appropriate path: staying as far away from
biopic conventions as possible, and instead tracing
the significant line that connects those apparently
dissimilar times with our present and the ways in which
our memory is built or distorted. History materializes
in struggles, and discourses reinvent themselves (we
have the indigenous peoples fighting for their lands, or
the repressive forces invoking loyalty and public order),
but it also becomes tangible in the breakdown of the
scenes the director captured on film, buried for years
and added, with all of their imperfections, to the rest
of the material. The resources, arranged between the
dreamlike and the symbolic, end up forming that mirror
image that the past always gives back to us, along with
the variety of dimensions cinema makes use of when an
ambitious wager is made behind the camera.

Niles Atallah Nació en 1978. Vive y trabaja en Santiago de Chile, donde cofundó
la productora Diluvio. Escribió y dirigió cortometrajes, video instalaciones, videos
musicales y largometrajes. Su primera película, Lucía (2010), se estrenó en San
Sebastián y ganó numerosos premios. Eng Born in 1978, he lives and works in Santiago
de Chile, where he co-founded a production company called Diluvio. He wrote and
directed short films, video installations and features. His first film, Lucía (2010),
premiered at San Sebastián and won numerous awards.

Chile / Francia / Holanda / Alemania / Qatar - Chile / France / Holland /Germany / Contacto / Contact
Qatar, 2017 / 90’ / DCP / Color / Español / Mapudungun - Spanish / Mapudungun Mômerade / Diluvio
D, G: Niles Atallah F: Benjamin Echazarreta E: Benjamin Mirguet DA: Natalia Geisse Lucie Kalmar,
S: Roberto Espinoza M: Sebastián Jatz Rawicz P: Lucie Kalmar, Niles Atallah, Stienette Niles Atallah
Bosklopper, Titus Kreyenberg CP: Mômerade, Diluvio, unafilm, Circe Film I: Rodrigo E lucie@momerade.fr
Lisboa, Claudio Riveros, Eduardo Barril niles@diluvio.cl
W momerade.fr
diluvio.c

Notas del director
Cuando me encontré por primera vez con la historia
de Orllie-Antoine de Tourens, Rey de Araucania y la
Patagonia, me intrigó la naturaleza enigmática del
francés. Enterrada bajo capas de mitos y leyendas,
había una cantidad suficiente de evidencia concreta
de este hombre y su reino como para evitar que ambos
queden en el olvido absoluto. Sin embargo, había tantos
agujeros en la historia que apenas podía concebirse
una visión fragmentada. Rey se materializó mientras
examinaba los muchos pedazos de su historia. Esta
película es un viaje a través de un reino de sueños
olvidados, los recuerdos en pleno deterioro y las
fantasías de un fantasma.
71
Director's Statement
When I first encountered the story of Orllie-Antoine
de Tounens, King of Araucania and Patagonia, I was
intrigued by the enigmatic nature of this Frenchman.
Buried under layers of myths and legends, there was just
enough concrete evidence of this man and his kingdom
to prevent them both from slipping into total oblivion.
However, there were so many holes in the story that
only a fragmented vision could be pieced together at
best. King came into being as I sifted through the many
pieces of this king’s story. This film is a journey through a
realm of forgotten dreams, the decaying memories and
fantasies of a ghost.
Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

La telenovela errante
The Wandering Soap Opera

Desde su debut con Tres tristes tigres, Raúl Ruiz
desarrolló una carrera que lo erigió como uno de los
faros del cine contemporáneo. Su muerte en 2011 ponía
fin a una filmografía compuesta por más de un centenar
de títulos y, como toda muerte de un cineasta, la noticia
traía consigo no solo el pesar de su desaparición física,
sino también la infinita tristeza de vivir en un mundo
sin sus nuevas películas. Sin embargo, para un cineasta
que convirtió en sello distintivo la irrupción de lo
fantástico en la vida cotidiana para generar asombro en
el mundo externo a sus personajes, la muerte no podía
ser un impedimento, sino más bien su forma final de
demostrarnos su idea de lo que es el cine. Una serie de
hechos ruizianos confabularon para ello, y una cofradía
en secreto llevó a cabo el plan: Valeria Sarmiento,
Chamila Rodríguez y Galut Alarcón. Ese plan es lo que
veremos aquí: la última película de Raúl Ruiz (codirigida
con Valeria Sarmiento), a menos que él mismo quiera
seguir asombrándonos.
Since his debut with Three Sad Tigers, Raúl Ruiz
developed a career that turned him into a beacon of
contemporary film. His death in 2011 put an end to a
filmography made up of about one hundred titles and,
like any filmmaker’s death, the news carried with it not
only the sorrow of his passing, but the infinite sadness
of living in a world without his new films. However, for
a filmmaker who created a trademark of the irruption
of the fantastic in everyday life in order to cause
amazement in the world outside his characters, death
could not be an impediment, but rather his final way
of showing us his idea of what film is. A series of ruizian
events conspired to this end, and a secret brotherhood
carried out the plan: Valeria Sarmiento, Chamila
Rodríguez and Galut Alarcón. That plan is what we will
see here: Raúl Ruiz’s last films (codirected with Valeria
Sarmiento), unless he himself is planning to really
surprise us.

Raúl Ruiz & Valeria Sarmiento Raúl nació en 1941 en Puerto Montt, Chile. En 1973 se
exilió en Francia, donde dirigió más de 120 películas, muchas de ellas proyectadas en el
Festival. Falleció en 2011 en Francia. Valeria es guionista, directora y montajista chilena,
y vive en París. Trabajó junto a Ruiz, su esposo, desde su matrimonio en 1969. Eng Raúl
was born in Puerto Montt, Chile in 1941. In 1973, he went into exile in France where he
directed more than 120 films, many of them projected at the Festival. He died in 2011 in
France. Valeria is a Chilean writer-director and editor based in Paris. She worked along
Ruiz, her husband since their marriage in 1969.

Chile, 2017 / 80’ / DCP / Color / Español - Spanish Contacto / Contact

D: Raúl Ruiz, Valeria Sarmiento G: Raúl Ruiz F: Leo Kocking, Héctor Ríos, Rodrigo Avilés Poetastros
E: Galut Alarcón DA: Pía Rey, Rodrigo Bazaes S: Mauricio Molina, Nadine Vulliième Chamila Rodríguez
M: Jorge Arriagada P: Raúl Ruiz, Chamila Rodríguez, Andrés Racz, Leo Kocking, Enrique T +56 9 264 1488
León CP: Poetastros I: Luis Alarcón, Patricia Rivadeneira, Francisco Reyes, Mauricio E chamilacine@
Pesutic, Liliana García gmail.com
W poetastros.com

Notas del director
La película gira en torno al folletín de televisión. Se
estructura en base a la presunción: la realidad chilena no
existe, más bien es un conjunto de teleseries. Son cuatro
provincias audiovisuales y se respira la guerra entre los
bandos. Los problemas políticos y económicos están
disueltos en una jalea ficcional dividida en capítulos
vespertinos. Toda la realidad chilena está tratada desde
el punto de vista de la telenovela y cumple la función de
filtro revelador de esta misma realidad.
73
Director's Statement
The film revolves around the soap operas. It’s structured
from a presumption: Chilean reality does not exist;
it is just a group of television series. There are four
audiovisual provinces and there is a war between the
four groups. The political and economic issues are
dissolved in a fictional jelly divided into late afternoon
chapters. The entire reality of Chile is treated from the
point of view of soap operas and acts as a filter that
reveals that very reality.
Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

Mariana

Chris Gude vuelve a Colombia (específicamente a La
Guajira, una península en la frontera con Venezuela)
tras los pasos de un marinero y un contrabandista que
recorren puertos aislados y tierras desérticas, al margen
de las reglas del Estado y el capital. Con un pulso
paciente e inmersivo en la narración, la película se abre
camino entre los paisajes desolados como lo hacen estos
dos hombres en su supervivencia, entre los personajes
y las historias que se cruzan a su paso, la quietud de
los sitios que atraviesan y la lealtad a una tierra sin
fronteras o identidades definidas. Más allá del carácter
ilegal de sus actividades comerciales, estos hombres y
las personas que los rodean habitan y se desplazan por
espacios en los que no terminaron de imponerse las
sucesivas prácticas y tendencias económicas de cada
país, como si se encontraran varios compases por detrás
de la historia que vivieron sus patrias, o quizá como si
se hubieran quedado sin ella. Al menos eso reflexiona
Hugo Chávez a través de la radio, en una escena en la
que rememora la última proclama de Simón Bolívar
mientras nuestros personajes principales atraviesan
nuevamente las trochas.
Chris Gude returns to Colombia – specifically La
Guajira, a peninsula on the frontier with Venezuela –
following the footsteps of a sailor and smuggler who
travelled through isolated ports and deserted lands,
at the edges of the rules of State and capital. With a
patient pulse and an immersive narration, the film
opens the path between desolate landscapes as well
as the one between these two men in their survival,
between the characters and the histories that cross
their paths, the stillness of these places through which
they travel, and their loyalty to a land without frontiers
or defined identities. Beyond the illegal nature of their
commercial activities, these men and the people around
them inhabit and move through spaces in which the
subsequent economic practices and tendencies of each
nation have not yet been fully implemented, as if they
found themselves a number of steps behind the history
of their countries, or perhaps as if they were not even
there. At least that is what Hugo Chavez reflects on
the radio in a scene that recalls Simon Bolivar’s final
proclamation as our main characters once again head
down the trail.

Chris Gude Nació en 1985 en Nueva York. Estudió geografía y antropología en

Middlebury College. Su primera película, Mambo Cool (2013), se exhibió en el 28º
Festival, además del FIDMarseille, Viennale, Punto de Vista y Cartagena, entre otros.
Mariana es su segunda película. Eng Born in New York in 1985, he studied geography
and anthropology at Middlebury College. His first film, Mambo Cool (2013), screened at
the 28th Mar del Plata Film Festival, as well as at FIDMarseille, Viennale, Punto de Vista
and Cartagena, among others. Mariana is his second film.

Colombia, 2017 / 64’ / DCP / Color / Español - Spanish Contacto / Contact

D, G: Chris Gude F: Liberman Arango E: Felipe Guerrero S: Neil Benezra, Francisco mutokino
Pedemonte P: Felipe Guerrero, Chris Gude CP: mutokino I: Jorge Gaviria, Edward Felipe Guerrero
Duigenan, Mago Cayory, Marcos Fidel Maldonado, Yair Mejía T +54 9 11 3215 8055
E mutokino@gmail.com
W mutokino.com
mutokino.com/web/
portfolio/mariana

Notas del director
Mariana navega por un territorio acuoso que se extiende
desde las Antillas Menores hasta Nueva York, y su curso
ha de circular entre exilio y patria, pasado y futuro,
metrópolis y periferia, silencio y combustión. La bandera
que flamea de su mástil es cada vez más deshilachada,
precaria y solitaria.
75
Director's Statement
Mariana sails through a watery territory that extends
from the Lesser Antilles to New York, and its course
circulates between exile and the motherland, past
and future, metropolis and periphery, silence and
combustion. The flag that flutters in its pole is
increasingly unraveled, precarious and lonely.
Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

Tormentero
Stormmaker

Según Freud, los sueños son la realización alucinatoria
de los deseos oprimidos en el plano consciente. Don
Rome, el protagonista melancólico de Tormentero,
atraviesa las migajas de su vida sumergido en un
estado de confusión permanente. Entregado al efecto
anestésico del alcohol, el ex pescador se revuelca entre
los recuerdos que le confirman la dimensión de su
soledad. Las fotos que atestiguaban su amistad con
otros pescadores se volvieron color sepia cuando, de
forma inocente, Don Rome descubrió un yacimiento
de petróleo que arrasó con el trabajo cotidiano de él y
de sus compañeros. El cuarto largometraje de Rubén
Imaz Castro, director de la premiada Familia tortuga
(2006), persigue a este personaje esquizofrénico hasta
hacernos dudar de nuestra propia cordura. Jugando con
una clave lyncheana, en la que es imposible detectar el
límite entre soñar despierto y dormido, entre fantasía y
realidad, el relato se funde con los sonidos de la mente
lastimada del protagonista. Una mente demasiado
convulsionada para un cuerpo tan callado. Tormentero
es un drama sensorial que nos arrastra de las narices en
un viaje introspectivo por los últimos días de un hombre
que prefiere vivir con fantasmas antes que sentirse
totalmente solo.
According to Freud, dreams are the hallucinatory
realization of repressed desires in the conscious plane.
Don Rome, the melancholy lead character of Tormento,
walks through the crumbs of his life submerged in a
state of permanent confusion. Having surrendered
to the anesthetic effects of alcohol, the ex-fisherman
wallows in the memories that confirm the dimensions
of his solitude. The photos that testify to his friendships
with other fishermen turn sepia when, innocently, Don
Rome discovers an oil deposit that sweeps away their
daily work. This fourth film by Ruben Imaz Castro, the
director of the award-winning Familia tortuga (2006),
follows this schizophrenic character to the point
of making us doubt our own sanity. Playing with a
Lynchean key, in which it is impossible to distinguish the
border between dreaming and daydreaming, between
fantasy and reality, the story melts into the sounds of
the lead character's damaged mind, a mind that is too
troubled for such a quiet body. Tormentero is a sensorial
drama that drags us by the nose hairs through an
introspective journey of the final days of a man who
prefers to live with ghosts rather than feel himself
completely alone.

Rubén Imaz Su ópera prima Familia tortuga (2006) se estrenó en San Sebastián, y
obtuvo varios premios internacionales. Su segundo film, Cefalópodo (2010), ganó el
premio a Mejor Actor en el Festival de Guadalajara. En 2012 produjo Fogo, de Yulene
Olaizola. Su tercera película, Epitafio (2015), se estrenó en el festival de cine de Tallinn.
Eng His debut film Familia tortuga (2006) premiered at San Sebastian and won various
international awards. His second film, Cefalópodo (2010), won the prize for Best Actor at
the Guadalajara Film Festival. In 2012, he produced Fogo, de Yulene Olaizola. His third
film, Epitafio (2015), premiered at the Tallinn Film Festival.

México / Colombia / República Dominicana - Mexico / Colombia / Dominican Contacto / Contact

Republic, 2017 / 80’ / DCP / Color / Español - Spanish Contravía Films
D: Rubén Imaz G: Fernando del Razo, Rubén Imaz F: Gerardo Barroso Alcalá E: Israel Natalia Pavia
Cárdenas, Rubén Imaz DA: Sofía Guzmán, Claudio Castelli S: José Miguel Enríquez E salesandfestivals@
M: Galo Durán, Camilo Plaza Giraldo P: Julio Bárcenas, Rubén Imaz, Gerylee Polanco contraviafilms.com.co
Uribe, Oscar Ruiz Navia, Laura Amelia Guzmán, Israel Cárdenas CP: Axolote Cine, /TormenteroFilm
Contravía Films, Aurora Dominicana I: José Carlos Ruiz, Gabino Rodríguez, Mónica
Jiménez, Rosa Márquez, Waldo Facco, Nelly Valencia, Ausencio Valencia, Leo Verdejo

Notas del director
Las características del personaje principal permiten al
lenguaje cinematográfico proponer diferentes niveles
de percepción. Las múltiples fantasías de Don Rome
se presentan de distintas formas, tanto simples y
directas como complejas y oníricas. La línea que podría
separarlas se vuelve menos definida con el transcurrir de
la película. En la fusión entre la naturaleza y la industria
hay una integración orgánica pero también un juego de
poder entre dos fuerzas combativas que se desplazan
tan lento que el proceso no puede percibirse a simple
vista. En el abrazo que se dan las ramas de un árbol y las
cadenas de una bomba industrial se asienta un nuevo
orden irreversible.
77
Director's Statement
The characteristics of the protagonist allow the
cinematographic language to propose different levels
of perception. The many fantasies of Don Rome come
in different forms, both simple and direct, as well as
complex and dreamlike. The line that could separate
them becomes less defined as the film progresses. In the
fusion between nature and industry there is an organic
integration, but also a power play between two fighting
forces that move so slowly that the process cannot be
perceived with the naked eye. In the embrace given by
the branches of a tree and the chains of an industrial
bomb a new irreversible order takes its place.
Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

Cocote

Alberto, el jardinero de una familia de clase alta en
Santo Domingo, debe volver a su pueblo natal cuando
se entera de la muerte de su padre. Pronto descubrirá
que este fue asesinado por un poderoso teniente de la
zona, y los cimientos de su fe evangelista comenzarán
a tambalear: además de cuestionar continuamente
sus creencias religiosas y hacerlo participar en rituales
fúnebres que no comparte, su familia le exige hacer
justicia por mano propia asesinando al teniente. Nelson
Carlo de los Santos Arias se introduce de manera
profunda y respetuosa en la cultura dominicana, las
maneras en que sus habitantes afrontan las injusticias
que sufren cotidianamente, y la relación espiritual y
psicológica que entablan con la muerte, la memoria y
sus seres queridos. La película se apoya en variaciones
formales constantes y en decisiones audaces que no se
desvían de un acercamiento empático a los personajes
y sus valores, ni tiñen sus acciones con exotismo. El
trance que alcanzan las ceremonias y la tensión
que generan las disputas latentes no son más que
las maneras pasionales en que todos buscamos
respuestas, y Cocote las retrata de manera avasallante,
sin necesidad de subrayarlas.
Alberto, the gardener of an upper-class family in Santo
Domingo, must return to his hometown when he finds
out about his father’s death. He will soon discover that
the man was killed by a powerful lieutenant from the
area, and the foundations of his Evangelical faith start to
shake. On top of continuously questioning his religious
beliefs and making him part of funeral rites he does not
share, his family demands that he take the law into his
own hands and murder the lieutenant. Nelson Carlo
de los Santos Arias delves deeply and respectfully into
Dominican culture, the ways in which its inhabitants
face the injustice they suffer every day, and the spiritual
and psychological relationships they have with death,
memory and their loved ones. The film relies on
constant variations in form as well as audacious choices
that do not detour from an empathetic approach to
the characters and their values, or color their actions
with exoticism. The trance states they enter in their
ceremonies and the tensions that latent disputes
generate are no more than the passionate ways in which
all of us seek for answers, and Cocote depicts them
overwhelmingly, without the need to overstate them.

Nelson Carlo de los Santos Arias Nació en 1985 en Santo Domingo. Estudió cine en
Buenos Aires y luego en Edinburgh College of Art. Hizo una maestría en Bellas Artes
de Cine/Video en CalArts. Su película Santa Teresa y otras historias (2015) fue elegida
como la Mejor Película Latinoamericana en el 30° Festival. Eng He was born in Santo
Domingo in 1985, and studied film in Buenos Aires and later at the Edinburgh College
of Art. He received an MFA in film/video from CalArts. His film Santa Teresa y otras
historias (2015) was chosen as Best Latin American Film at the 30th Festival.

República Dominicana / Argentina / Alemania / Qatar - Dominican Republic / Contacto / Contact

Argentina / Germany / Qatar, 2017 / 106’ / DCP / Color / Español - Spanish Luxbox
D, G, E: Nelson Carlo de los Santos Arias F: Roman Kasseroller DA: Natalia Aponte Fiorella Moretti
S: Nahuel Palenque P: Fernando Santos Díaz, Lukas V. Rinner CP: Guasabara Cine, T +33 769 300 457
Nabis Filmgroup, Pandora Film Produktion I: Vicente Santos, Judth Rodríguez, Yuberbi E festivals@
de la Rosa, Pedro Sierra, Isabel Spencer luxboxfilms.com
W luxboxfilms.com

Notas del director
Mi trabajo encuentra su interés en la manera en que
producimos conocimiento. Al enfrentarme a un país en
el que la mayoría ha luchado por pensarse a sí misma
a través de ciencias sociales como la antropología,
la sociología y demás, me parece necesario empezar
una conversación que analice nuestras religiones. Una
institución fundamental en la producción de valores. Con
Cocote me propongo hablar de los “Misterios”, que son
tan antiguos como el catolicismo y mezclan creencias del
oeste de África y el cristianismo que se fusionaron gracias
a la colonización del Caribe. A pesar de que esta creencia
se ha practicado mucho en la isla, siempre fue tratada
como marginal por la clase dominante.
79
Director's Statement
My work is interested in how we produce knowledge.
To face a country in which the majority of the citizens
have struggled to think of themselves through social
sciences such as anthropology, sociology, among others;
I find it necessary to open a conversation analyzing our
religions. A fundamental institution in the production of
values. With Cocote I propose to talk about “los Misterios”
(Mysteries), which is as ancient as Catholicism, and
synchronizes West African beliefs and Christianity
that merged due to the colonization of the Caribbean.
Despite the fact that this belief has been practiced
widely on the island, it has always being treated as
marginal by the ruling class.
Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

Las olas
The Waves

Un día de verano que aparenta ser como cualquier otro,
Alfonso interrumpe sus quehaceres cotidianos en la
ciudad para refrescarse en el mar. Cuando sale, está en
otra costa, con otro bañador y en un tiempo impreciso.
Ese misterio va revelando sus capas cada vez que entra
al agua: vuelve a salir vestido de manera diferente, en
otra playa, y se relaciona con distintas personas que
formaron parte de su vida. Las olas es un paso adelante
en el cine de Adrián Biniez, cuyo talento para el humor
asordinado descubrimos en Gigante (2009), y quien dotó
de nuevos adjetivos el malgastado costumbrismo en El
5 de Talleres (2014). Aquí dobla la apuesta contando la
vida de un personaje que entra y sale del mar como si
pasara los capítulos de su propio libro de aventuras (la
película está dividida en segmentos que llevan nombres
de cuentos clásicos, como La isla del tesoro o Viaje al centro
de la Tierra). Al mismo tiempo, va tejiendo un relato de
ribetes fantásticos: en cada espacio y época en la que
Alfonso participa –ya sea como niño o como adulto–,
vemos al mismo actor (Alfonso Tort), en un gesto que
sumerge a la película en terrenos en los que el absurdo
se desliza en viñetas de un virtuoso surrealismo y con
una frescura extraordinaria.
One summer’s day, that appears to be the same as any
other, Alfonso interrupts his everyday errands in the city
to cool off in the sea. When he comes out of the water,
he’s on a different coast, wearing a different bathing
suit and in what may be some other time. The mystery
reveals its layers every time he enters the water: he
comes back out dressed differently, on another beach,
and comes into contact with people that were part of his
life. Las olas is a step forward in the work of Adrián Biniez,
whose talent for deadpan humor was revealed in Gigante
(2009), and who gave new adjectives to a tired subgenre
like the comedy of manners in El 5 de Talleres (2014). Here
he doubles the stakes by narrating the life of a character
that enters and comes out of the sea as though he were
living in different chapters of his own adventure book
(the film is divided in segments named after classic
tales, like Treasure Island and Journey to the Center of the
Earth). At the same time, he weaves a story with fantastic
tinges: in each space and time where Alfonso appears
–as a kid or as an adult-, we see the same actor (Alfonso
Tort), in a gesture that immerses the film in terrains
in which the absurd slides into vignettes of a virtuous
surrealism with extraordinary freshness.

Adrián Biniez Nació en 1974 en Remedios de Escalada, Argentina, y vive en

Montevideo. Su cortometraje 8 horas ganó el primer premio en Bafici en 2006. Dirigió
los largometrajes Gigante (2009), ganador del Oso de Plata en el Festival de Berlín,
y El 5 de Talleres (2014, 29º Festival). Eng Born in Remedios de Escalada, Argentina, in
1974, and living in Montevideo, his short film 8 horas won first prize at Bafici 2006. He
directed the features Giant (2009), winner of the Silver Bear at the Berlinale, and El Cinco
(2014, 29th Festival).

Uruguay / Argentina, 2017 / 88’ / DCP / Color / Español - Spanish Contacto / Contact
D, G: Adrián Biniez F: Nicolás Soto Díaz, Germán De León E: Alejo Moguillansky, Pablo Mutante Cine
Riera DA: Alejandro Castiglioni S: Daniel Yafalián P: Agustina Chiarino, Fernando Agustina Chiarino
T +59 898 000 176
Epstein CP: Mutante Cine I: Alfonso Tort, Fabiana Charlo, Julieta Zylberberg
E aguchia@yahoo.com
contacto@
mutantecine.com
W mutantecine.com

Notas del director
Las olas surge de las ganas de trabajar sobre lo fantástico
y un subgénero de lo fantástico: los recuerdos, algunos
de ellos tan idealizados que se convierten en mitos
personales. Y de la fascinación de poder filmar una
película donde el 95% es luz diurna en escenarios
naturales. Y el humor. Y lo episódico. Y los discos de Ghost
Box Records que escribieron la película en alguna siesta.
81
Director's Statement
Las olas comes from the willingness to work on the
fantastic and a subgenre of the fantastic: memories,
some of which are so idealized that they become
personal myths. And the fascination for being able
to shoot a film in which 95% is daylight in natural
sceneries. And humor. And the episodic. And the albums
by Ghost Box Records that wrote the film during a siesta.
Competencia Latinoamericana — Latin American Competition

La familia
The Family

La familia, elocuente relato de la violencia que atraviesa
Venezuela, muestra la relación padre-hijo a partir de
un hecho que tiene fuertes consecuencias. En una
pelea callejera, Pedro mata por accidente a otro niño
de un barrio rival. Temiendo una segura venganza,
su padre Andrés decide irse del barrio y llevárselo lo
más lejos posible. El escape no estará exento de otras
situaciones complicadas y peligrosas, pero el eje allí
son el padre y el hijo que, casi por la fuerza, retoman
una relación que tenía sus problemas. En su primer
largo, Gustavo Rondón Córdova tiene muy claro que
no hace falta forzar la brutalidad de la situación que
ellos viven (se siente sin necesidad de ser gráficos) ni
empalagarse con esa otra posible película sobre una
familia que se recompone a partir de una tragedia. La
familia es un retrato de esa relación y de la dificultad de
conformar una sociedad que se piense a sí misma como
tal. Allí manda una suerte de espíritu de tribu, donde
la violencia se aplica al que aparece más débil o sin
tantas conexiones. Con esos elementos, el director logra
escapar del cliché de exportación para festivales para
crear un film honesto y vital.
La familia, an eloquent account of the violence
Venezuela in going through, shows a father-
son relationship through an event with powerful
consequences. During a street fight, Pedro accidentally
kills another kid from a rival neighborhood. Fearing
inevitable revenge, his father Andrés decides to leave
the neighborhood and take him as far away from there
as possible. The escape will include other complicated
and dangerous situations, but at the center of the film
are the father and son who, almost by force, resume a
relationship that used to have some issues. In his first
feature, Gustavo Rondón Córdova knows very well that
it is not necessary to force the brutality of the situation
they are going through (one can feel it without the need
to be graphic) or become cloying with that other possible
film about a family that pulls itself together through
a tragedy. La familia is a depiction of that relationship
and of how difficult it is to build a society that thinks
of itself as such. Some kind of tribal spirit rules there
where violence is practiced on those who seem weaker
or not well-connected. With those elements, the director
manages to steer clear from the festival export cliché and
create a film that is honest and full of life.

Gustavo Rondón Córdova Nació en Caracas, Venezuela. Se graduó como comunicador

social de la Universidad Central de Venezuela y se especializó en dirección de cine en
FAMU, República Checa. Su cortometraje Nostalgia fue seleccionado en la Berlinale
2012. La familia es su primer largometraje. Eng Born in Caracas, Venezuela, he
graduated in social communications from the Universidad Central de Venezuela and
specialized in film direction at FAMU in the Czech Republic. His short film Nostalgia was
selected by the 2012 Berlinale. La familia is his second feature length film.

Venezuela / Chile / Noruega - Venezuela / Chile / Norway, 2017 / 82’ / DCP / Color / Contacto / Contact
Español - Spanish La Pandilla Producciones
D, G: Gustavo Rondón Córdova F: Luis Armando Arteaga E: Andrea Chignoli, Cristina Natalia Machado
Carrasco, Gustavo Rondón Córdova DA: Matías Tikas S: Miguel Hormazábal, Marco T +58 41 2207 2141
Salaverría M: Alejandro Zavala P: Natalia Machado Fuenmayor, Marianella Illas, Rubén +58 41 2629 8047
Sierra Salles, Rodolfo Cova, Gustavo Rondón Córdova CP: La Pandilla Producciones, E natalia@lapandilla.net
Cine Cercano, Factor RH, Ávila Films, DHF I: Giovanni García, Reggie Reyes correo@lapandilla.net
W lapandilla.net

Notas del director
En una Caracas áspera, que a la vez es muchas ciudades
latinoamericanas, Andrés es un padre soltero que
trabaja duro para apenas sobrevivir. En ausencia de una
madre, consciente o inconscientemente, el padre hace
que su hijo Pedro, de doce años, se críe solo y también
sobreviva. Ellos están moldeados por un contexto social
hostil y su nexo se pone a prueba a partir de un evento
violento en el cual el hijo pone una condena sobre sus
hombros. El padre piensa que la protección física es lo
que importa y huyen. En su tránsito, quizás de manera
involuntaria, dos personas se conocerán de vuelta para
así construir una realidad común con lo que queda de
ellos y la posibilidad de una nueva existencia.
83
Director's Statement
In a rough Caracas, which is many Latin American
cities at the same time, Andrés is a single father who
works hard in order to barely survive. In the absence
of a mother, consciously or unconsciously, the father
makes his twelve-year-old son Pedro raise himself and
also survive. They are molded by a hostile social context,
and their bond is put to the test through a violent event
in which the son gets a prison sentence put upon his
shoulders. The father thinks physical protection is what
matters and they flee. During their journey, and maybe
involuntarily, two people will meet each other once
more to build a common reality with what’s left of them
and the possibility of a new existence.
Fuera de Competencia — out of competition

Ata tu arado a una estrella

Tie Your Plow to a Star

En 1997, a treinta años de la muerte del Che Guevara,
Fernando Birri recorría América Latina con la simple
y potente premisa de revisitar su figura, además de
redescubrir en distintos testimonios el significado y la
vigencia de las utopías. Carmen Guarini registró aquel
rodaje (un material extraordinario con las apariciones
de Ernesto Sábato, Osvaldo Bayer, Eduardo Galeano,
León Ferrari y los habitantes de La Higuera) para seguir
los pasos del director en Cuba (donde fundó la Escuela
Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de
los Baños) e Italia (su país de residencia actual, donde
realizó sus propios estudios de cine), y finalmente
entrevistarlo en su hogar, donde demuestra que a
los 92 años su lucidez y falta de solemnidad están
intactas. En la confianza mutua que sostienen, Guarini
y Birri se permiten un intercambio franco y agudo, que
evita los lugares comunes y la autocomplacencia, y el
documental señala con claridad un mérito clave en la
carrera del realizador santafesino: no solo les brindó voz
y espacio a las comunidades en los márgenes, sino que
también procuró que esas comunidades produjeran sus
propias expresiones.
In 1997, thirty years after Che Guevara’s death, Fernando
Birri traveled across Latin America with the simple but
powerful premise of revisiting his figure, along with
rediscovering in different testimonies the meaning
and validity of utopias. Carmen Guarini recorded that
shoot –some extraordinary footage with appearances
by Ernesto Sábato, Osvaldo Bayer, Eduardo Galeano,
León Ferrari and the inhabitants of La Higuera– in order
to follow the footsteps of the director in Cuba, where
he founded the San Antonio de los Baños International
School of Film and Television, and Italy, his current
country of residence, where had pursued his own film
studies, and finally interview him in his home, where
he shows that, at 92, his lucidity and lack of solemnity
are still intact. With their mutual trust, Guarini and Birri
allow themselves to have a frank, sharp exchange that
avoids cliché and self-indulgence, and the documentary
clearly points out a key merit in the career of the
filmmaker from the Santa Fe province: not only did he
give a voice and a space to communities in the margins,
but he also made sure those communities produced
their own expressions.

Carmen Guarini Nació en 1953 en Argentina. Es cineasta, productora y antropóloga.

Estudió en la Universidad de Nanterre, Francia. En 1986 fundó la poductora Cine-ojo
junto a Marcelo Céspedes. Realizó varios largometrajes, como La noche eterna (1990),
Tinta roja (1998) y Calles de la memoria (2013). Eng Born in Argentina in 1953, she is a
filmmaker, producer and anthropologist. She studied at the University of Nanterre,
France. In 1986, she founded the production company Cine-ojo with Marcelo Céspedes.
She made many features, such as La noche eternal (1990), Tinta roja (1988) and Calles de la
memoria (2013).

Argentina, 2017 / 80’ / DCP / Color / Español - Spanish Contacto / Contact

D, G, E, P: Carmen Guarini F: Martín Gamaler, Carmen Guarini DA: Marcelo Céspedes El Desencanto Films
S: Estudio Pomeranec M: Gustavo Pomeranec CP: El Desencanto Films, MC Carmen Guarini
T +54 11 4371 6449
Producciones I: Fernando Birri, Eduardo Galeano, Ernesto Sábato, León Ferrari,
E carmenguarini@
Tanya Valette cineojo.com.ar
W eldesencantofilms.com
85
 87

Competencia
Latinoamericana
de Cortometrajes
—
Latin American Short
Film Competition

88 Sob o vèu da vida oceânica

88 Cerulia
89 Tonalidades
89 Macanao
90 El hilo
90 El contramaestre
91 Duelo
91 Playa
Competencia Latinoamericana de Cortos — Latin American Short Film Competition

Sob o vèu da vida oceânica — Unravelling the Ocean’s Veil

Levantando el velo del océano
Brasil - Brazil, 2017 / 9’ / DM /
Color / Portugués - Portuguese
D: Quico Meirelles G: Felipe
Poroger E: Francisco Teivelis
DA: Chico Zullo S: Alan Zilli
M: Bruno Bonaventure, Jesús
Sánchez P: Francisco Teivelis
CP: O2 Filmes I: Helio Vaccari,
Marco Aurélio, Julia Ianina

Contacto / Contact
O2 Filmes
Quico Meirelles
Ey, vos, humano que lee esta sinopsis. Sí, vos, Hey you, human being reading this synopsis.
T +55 119 9989 2399
que te quejás del tiempo y la muerte, del amor y Yes, you who complains of time and death, of love
E quico@o2filmes.com
la existencia. Hoy es tu día de suerte: mi vida es and existence. Today is your lucky day: my life is
W o2filmes.com
mucho peor que la tuya. Y dura solo seis minutos. way worse. And it only lasts six minutes.
/o2filmes

Quico Meirelles Nació en 1988. Su madre es bailarina y su padre cineasta, por lo que creció viendo
grandes actuaciones, yendo al teatro y, sobre todo, visitando sets de cine. Se graduó de la escuela de cine
en 2012. Eng Born in 1988, his mother is a dancer and his father is a filmmaker, so he grew up watching great
performances, going to the theatre and, above all, going to film sets. He graduated film school in 2012.

Cerulia
México - Mexico, 2016 / 13’ /
DCP / Color / Español - Spanish
D, G: Sofía Carrillo F: Paola
Chaurand E: Uri Espinosa
Cueto DA: Lou Peresandi, Sofía
Carrillo S: Odín Acosta P: Paola
Chaurand I: Diana Bracho

Contacto / Contact
Instituto Mexicano de
Cinematografía IMCINE
Gloria Mascorro
Cerulia inicia un viaje para despedirse de la casa Cerulia returns home to bid her final farewell to
T +52 555 448 5345
de su niñez, pero los recuerdos y la presencia de the house where she grew up, but her childhood
E festivals@imcine.gob.mx
los abuelos no la dejarán partir. memories and the presence of her grandparents
itandehui.alderete@
won't let her go.
imcine.gob.mx
W imcine.gob.mx

Sofía Carrillo Nació en 1980 en México. Es licenciada en Artes Audiovisuales por la Universidad de
Guadalajara. Es artista multidisciplinaria, y trabaja en dirección, animación clásica y dirección de arte.
Dirigió y animó varios cortometrajes, como Prita noire (2011) y La casa triste (2013). Eng Born in Mexico
in 1980, she holds a Bachelor’s Degree in audiovisual arts from the University of Guadalajara. She is a
multidisciplinary artist and works in direction, classic animation and art direction. She directed and
animated many short films, including Prita noire (2011) and La casa triste (2013).
 89

Tonalidades — Shades
Perú / España - Peru / Spain,
2017 / 10’ / DM / Color - B&N /
Español - Spanish
D, G, F, E, P: Alejandro Small
S: Tomás Gistau Soldi
CP: Gallinazos Cine I: Gus
Gracey

Contacto / Contact
Gallinazos Cine
Alejandro Small
T +51 986 685 866
E gallinazos.distribucion@
Un hombre pinta. Inmerso en su trabajo, el A man paints. Immersed in his work, the
gmail.com
ambiente que lo rodea evoca imágenes de las que environment around him evokes images from
/gallinazoscine
no se puede desligar. which he cannot separate himself.
gallinazoscine

Alejandro Small Nació en 1991 en Arequipa, Perú. Dirigió los cortometrajes Lisandro y el amor (2011) y
SOPLA! (2014), premiados en el Concurso Nacional de Cortometrajes de Perú. Su mediometraje Microbús
(2014) se estrenó en el FICValdivia, y pasó por Bafici, Transcinema y Márgenes. Eng He was born in
Arequipa, Peru, in 1991. He directed the shorts Lisandro y el amor (2011) and SOPLA! (2014), awarded at
Peru’s National Short Film Contest. His mid-length feature Microbús (2014) premiered at FICValdivia and
was screened at Bafici, Transcinema and Márgenes.

Macanao
Venezuela, 2017 / 12’ / DCP /
Color / Español - Spanish
D, G: Clarissa Duque F: Michell
Rivas E: Eduardo García
DA: Clarissa Duque, Sorel
Fabiani S, M: Marcos Salaverria
P: Inés Massa, Federica Porte
CP: AWA Productions

Una mesa servida para tres donde solo desayunan
dos. Un padre que se refugia en el trabajo y una hija
que se inventa leyendas marinas para enfrentar el
duelo por su madre. En una isla solitaria, Aymará,
una niña de cinco años, y su padre, un humilde
carpintero que restaura barcos viejos, se acompañan
por el solitario camino de aceptar la pérdida de un ser
querido. Pero Aymará decide tomar su propio camino.
Contacto / Contact
AWA Productions
Inés Massa
T +1 424 213 0077
A table served for three where only two have
E creative@
breakfast. A father that takes shelter in his work and
awaproductions.com
a daughter who invents sea legends in order to face
W awaproductions.com
her mourning for her mother. On a lonely island,
/macanaofilm
Aymará, a five-year-old girl, and her father, a humble
carpenter who restores old ships, accompany each
other through the lonely path to accepting the loss of
a loved one. But Aymará decides to take her own road.

Clarissa Duque Nació en 1982 en Venezuela. Estudió cine en la ULA en Venezuela y en el SICA, en Argentina.
Dirigió los cortometrajes Galus Galus y Culinary Dreams, y el largo documental Tambores de agua. Actualmente
dirige la productora AWA Productions. Eng Born in Venezuela in 1982, she studied film at the ULA in
Venezuela and at SICA in Argentina. She directed the short films Galus Galus and Culinary Dreams, and later the
feature length documentary Tambores de agua. She currently runs the production company AWA Productions.
Competencia Latinoamericana de Cortos — Latin American Short Film Competition

El hilo — The Thread

Chile / Costa Rica, 2017 / 6’ /
DCP / B&N / Español - Spanish
D, F. P: Pablo Polanco, Pietro
Bulgarelli E: Alonso Viquez
S: Pietro Bulgarelli M: Oscar
Burotto CP: Astrum Argentum
I: María Lucrecia Rain
Quiriante, Marcos Rain Barrera,
Gabriela Fellet

Contacto / Contact
Astrum Argentum
Pablo Polanco
Una anciana ciega enhebra un hilo infinito A blind old lady threads an endless thread while
T +51 979 851 802
mientras su casa flota en el mar. A veces, le pide a her house floats in the sea. Sometimes, she asks
E ppolanko@gmail.com
su dios despertarse del sueño de estar viva. Otras, her god to wake her up from the dream of being
se olvida de cuál es el sueño. alive. Other times, she forgets which is the dream.

Pablo Polanco & Pietro Bulgarelli Pablo nació en 1976 en Chile. Estudió en el Instituto Profesional Arcos
(Chile) y en el SICA (Argentina). Pietro nació en 1986 en Costa Rica. Estudió en la Escuela de Ciencias de
la Comunicación Colectiva de la Universidad de Costa Rica, y se graduó como director de fotografía en
el SICA. Eng Born in Chile in 1976, Pablo studied at the Arcos Professional Institute (Chile) and at SICA
(Argentina). Pietro was born in Costa Rica in 1986. He studied at the School of Collective Communication
Sciences in the University of Costa Rica, and graduated as a cinematographer from SICA.

El contramaestre — The Boatswain

Cuba, 2017 / 13’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G, F, E: Alejandro Pérez
S, P: Karen Andersen
CP: EICTV

Contacto / Contact
EICTV
Giselle Cruz
T +53 47 383 152
+53 58 384 238
E gielena14@gmail.com
promocioninternacionaleictv@
Carlos vive aislado en el interior de las montañas Carlos lives isolated deep in the mountains of
gmail.com
de la Sierra Maestra en Cuba, después de una the Sierra Maestra in Cuba, after an entire life of
W eictv.org
vida entera de trabajo en alta mar. Su día a día working in the high seas. His day to day life takes
transcurre entre los recuerdos de otros tiempos, place between memories of another time, work
el trabajo en el campo y sus animales, los únicos in the field and his animals, the only travelling
compañeros de viaje de este náufrago en tierra. companions of this man who is a castaway on land.

Alejandro Pérez Egresado de dirección documental en la EICTV (Cuba) y licenciado en Economía y

Periodismo en la Universidad Carlos III de Madrid. En Cuba ha realizado cortometrajes documentales y de
ficción como El contramaestre y El espectáculo. Eng He graduated in documentary filmmaking from EICTV
(Cuba) and holds a degree in economic science and journalism from Madrid’s Universidad Carlos III. In
Cuba, he has directed several short films including El contramaestre and El espectáculo.
 91

Duelo
Cuba, 2017 / 12’ / DCP / Color /
Español - Spanish
D, G: Alejandro Alonso
P: Rafael Ramírez, Alejandro
Alonso CP: EICTV Escuela
Internacional de Cine y TV

Contacto / Contact
Escuela Internacional de Cine y
Televisión (EICTV)
T +53 47 383 152
E promocioninternacional@
eictv.co.cu
Yoán se encuentra atormentado por sus Yoán is haunted by nightmares. The anguish
W eictv.org
pesadillas. La angustia por la ausencia de su for the absence of his father and the visions of
padre y las visiones de espíritus que lo asedian spirits that haunt him during the night prevent
de noche le impiden conciliar el sueño. A sus 17 him from getting to sleep. At 17, he has learnt to
años ha aprendido a concebir la vida como una conceive of life as a great battle.
gran batalla.

Alejandro Alonso Nació en 1987 en Cuba. Dirigió los cortometrajes documentales Evocación (2010),
Crisálida (2012) y The Farewell (2014). Eng Born in Cuba, in 1987, he directed the short documentary films
Evocación (2010), Crisálida (2012) and The Farewell (2014).

Playa — Beach
México, 2017 / 13’ / DCP / Color -
B&N / Español - Spanish
D, G, E, P: Francisco Borrajo
F: Francisco Borrajo, Montserrat
Ayala S: Axel Muñoz Espino
CP: Colectivo Colmena
I: Nicolasa Ortiz Monasterio,
Juan Pablo de Santiago

Contacto / Contact
Colectivo Colmena
Francisco Borrajo
T +52 1 551 360 0238
Playa es una síntesis de conversaciones en Super 8 y Beach is a summary of conversations in Super 8 and
+52 1 5535 3023
Super 35mm que narra de una forma experimental la Super 35mm that narrates, in an experimental way, the
E hola@colmena.com
relación de una pareja de 21 años hasta su separación. 21 year relationship of a couple up to their separation. A
panchoborrajo@gmail.com
Reflexión sobre cómo decidimos construir nuestras reflection on how we decide to build our own memories,
W colmena.tv
propias memorias, testimonio de una generación que the testimony of a generation that lives creating
vive creando memorias para compartir y que siente memories to share and that feels nostalgia for memories
nostalgia por recuerdos que adaptan incluso de otras they adapt from other generations, even. This short film
generaciones. Este cortometraje está pensado como un is imagined as a memory or a dream that anyone could
recuerdo o un sueño, que cualquiera podría incorporar a incorporate into their own memory.
su propia memoria.
Francisco Borrajo Editó varios cortometrajes; entre ellos, La libertad de Hugo (FICM 2014), La asunción de José (Festival
Distrital 2016, Festival de Cine de Bogotá) y Libélula (FICM 2016, Generation Berlinale 2017, Cinelatino 2017). Eng He
has edited various short films, among them La libertad de Hugo (FICM 2014), La asunción de José (Festival Distrital
2016, Festival de Cine de Bogotá) and Libélula (FICM 2016, Generation Berlinale 2017, Cinelatino 2017).
 93

Competencia
Argentina
—
Argentine
Competition

94 Aterrados
96 Barrefondo
98 El azote
100 Estoy acá (Mangui Fi)
102 Hasta que me desates
104 La nostalgia del centauro
106 Los Corroboradores
108 Los vagos
110 Réquiem para un film olvidado
112 Soldado
114 Todo lo que veo es mío
116 Un viaje a la luna
Competencia Argentina — Argentine Competition

Aterrados
Terrified

Algo muy extraño está pasando en un barrio del
conurbano bonaerense. Objetos que se mueven,
apariciones extrañas y cañerías que hablan son los
primeros indicios de que lo Paranormal –así, en
mayúsculas– vino para quedarse. Azorado, el Comisario
Funes convoca a Mario Jano para que lo ayude a
desentrañar el misterio. Se les unirán la doctora Albrec
y el norteamericano Rosentok, formando un grupo de
investigación que vivirá una verdadera escalada a la locura.
Si bien Rugna venía demostrando en su obra que sabe
imprimir como pocos un “tono nacional” –expresión para
nada peyorativa, demostrada de manera contundente
en No sabés con quién estás hablando, en competencia en
la edición pasada–, en Aterrados logra construir una de
las películas de género más personales, terroríficas e
indiscutiblemente “argentas” de todos los tiempos. Los
sustos, ya lo sabemos, hay que dárselos en vida.
Something very strange is happening in a
neighborhood in the outskirts of Buenos Aires.
Objects that move on their own, strange apparitions
and water pipes that speak are the first sign that the
Paranormal –with a capital “P”– has come to stay.
Bewildered, Commissioner Funes call Mario Jano to
help him untangle the mystery. Joining them is Doctor
Albrec and Rosentok, from the United States, to form
an investigative team that will experience a real ascent
into madness. While Rugna has already demonstrated
in his work that he knows like few others how to imprint
upon his film an “Argentine color” –not meant in anyway
pejoratively, as he proved resoundingly with No sabés con
quién estás hablando, in competition in the last edition of
the festival–, in Aterrados he manages to construct one
of the most personal, terrifying and unquestionably
“Argentine” genre films of all times. Because frights, as
we well know, must be enjoyed while we are still alive.

Demián Rugna Es director, guionista y diseñador audiovisual argentino, especializado

en cine fantástico y de terror. Realizó el largometraje La última entrada (2007) y No sabés
con quién estás hablando (2016, 31° Festival). Codirigió ¡Malditos sean! (2013 28° Festival)
junto a Fabián Forte. Eng He is an Argentine director, screenwriter and audiovisual
designer who specializes in fantastic and horror films. He made the feature The Last
Gateway (2007) and No sabés con quién estás hablando (2016, 31th Festival). He co-directed
¡Malditos sean! (2013, 28th Festival) with Fabián Forte.

Argentina, 2017 / 90’ / DCP / Color / Español - Spanish Contacto / Contact

D, G, M: Demián Rugna F: Mariano Suárez E: Lionel Cornistein DA: María Laura Machaco Films S.R.L
Aguerrebehere, Andrea Kluger S: Pablo Isola P: Fernando Díaz CP: Machaco Films S.R.L Fernando Díaz
I: Maxi Ghione, Norberto Gonzalo, Elvira Onetto, George Lewis, Agustín Rittano T +54 9 11 5484 8721
E fernandodiazmail@
gmail.com
W machacofilms.com.ar
/aterradoslapelicula

Notas del director
Personalmente soy un convencido de que la
verdadera industria audiovisual se desarrolla gracias
al género fantástico, y desde hace diez años peleo
apasionadamente con la difícil tarea de hacer este
tipo de cine en mi país, bregando por un cambio
cultural respecto del consumo de cine fantástico.
Aterrados muestra horrores sobrenaturales que nos
hacen reflexionar sobre las sensaciones creadas por
sociedades con pensamientos negativos y nefastos.
Enemigos invisibles que hacen “desaparecer” a nuestros
protagonistas, secuestrándolos y torturándolos.
95
Director's Statement
Personally I’m convinced that the real audiovisual
industry is developed thanks to the fantastic genre, and
for the last ten year I have been struggling passionately
with the difficult task of making this kind of cinema
in my country, working towards a cultural change
regarding the consumption of fantastic films. Aterrados
shows supernatural horrors that make us reflect on the
sensations created by societies with negative, harmful
thoughts. Invisible enemies that make our main
characters “disappear,” kidnapping and torturing them.
Competencia Argentina — Argentine Competition

Barrefondo
Pool Sweeper

En medio de un verano inclemente, Tavo trabaja como
piletero en un country del conurbano bonaerense,
formando parte silenciosa de un paisaje y de una
comunidad que lo mantiene a raya por cuestiones de
clase. En ese lugar, es testigo de una situación extraña
que termina por envolverlo en una trama policial
de la cual terminará convertido en el centro, cuando
comience a intercambiar información sobre las casas
en las que trabaja con una pandilla de delincuentes.
Adaptación de la novela del autor argentino Félix
Bruzzone, Barrefondo sigue los pasos taciturnos de un
personaje sacudido por tentaciones –las del dinero y la
venganza–, mientras traza con inteligencia y esquivando
trazos gruesos una historia que se anima a entrar en
terrenos del género, sin perder el nervio de un realismo
que expone algunos ritos conocidos de la anatomía
policial y criminal.
In the middle of an unforgiving summer, Tavo works
as a pool boy at a gated community in the suburbs of
Buenos Aires, playing a silent role in an environment
and community that keep him at bay for reasons of
class. There he is witness to a strange situation that
ends up getting him mixed up in a criminal plot of
which he will end up becoming the center once he
starts giving information about the houses he works in
to a gang of delinquents. An adaptation of Argentine
author Félix Bruzzone's novel, Barrefondo follows
the taciturn footsteps of a character shaken by the
temptations of money and revenge, while tracing, with
intelligence and without exaggeration, a story that
dares to enter the territory of genre without losing the
sinews of a realism that exposes the well-known rites
of police and criminals.

Jorge Leandro Colás Nació en Río Negro. Estudió Diseño de Imagen y Sonido en la
UBA y se especializa en cine documental. Su ópera prima, Parador Retiro (2008), ganó el
premio a Mejor Película Argentina en el 23º Festival y participó en más de 30 festivales.
También dirigió Gricel (2012) y Los pibes (2015), exhibidas en los festivales de Mar del
Plata y Bafici. Eng He was born in Río Negro, studied Image and Sound Design at UBA
and specializes in documentary filmmaking. His first feature, Parador retiro (2008) won
the Best Argentine Film award at the 23rd Festival and was screened at over 30 festivals.
He also directed Gricel (2012) and Los pibes (2015), shown at the Mar del Plata and Bafici
Argentina, 2017 / 76’ / DCP / Color - B&N / Español - Spanish Contacto / Contact
D, G: Jorge Leandro Colás F: Leonel Pazos Scioli E: Karina Expósito DA: Diana Orduna Salamanca Cine
S: Carlos Olmedo P: Carolina M. Fernández CP: Salamanca Cine I: Nahuel Viale, Sergio Carolina M. Fernández
T +54 11 2067 7542
Boris, María Soldi, Claudio Da Passano, Osqui Guzmán
E produccion@
salamancacine.com.ar
W salamancacine.com.ar

Notas del director
El agua limpia y cristalina de una pileta de natación en
un country. El agua barrosa y turbia de una zanja en un
barrio humilde. Seguramente, en algún lugar remoto, en
algún pozo, en algún desagüe, esas aguas se cruzan y se
mezclan. También en el personaje central de Barrefondo
hay un cruce y una mezcla. Hay un punto donde Tavo, el
piletero honesto y familiar, se fusiona con el otro Tavo,
el que marca casas y las entrega para robar. Dejando
de lado preconceptos y prejuicios, la película también
busca situarse en un punto de cruces éticos y estéticos.
El bien y el mal, la verdad y la mentira, el documental y
la ficción, el registro crudo y la representación.
97
Director's Statement
The clean, crystal-clear water of a swimming pool at a
gated community. The muddy, turbid water of a ditch
in a poor neighborhood. It’s likely for those waters to
cross and mix in some remote place, in some well, in
some drainage. There’s also a cross and a mixture in
the main character of Barrefondo. There’s a point where
Tavo, the honest, warm pool boy, merges with the other
Tavo, who marks houses and hands them over to be
robbed. Leaving preconceptions and prejudice aside,
the film also seeks to stand at a place of ethical and
aesthetic intersections. Good and evil, truth and lies,
documentary fiction, raw style and representation.
Competencia Argentina — Argentine Competition

El azote
The Scourge

Carlos, un asistente social en la ciudad de Bariloche,
mantiene una lucha dura y continua por ayudar a
encauzar las vidas de los estudiantes del colegio en el
que se desempeña. La tarea está en seria desventaja
frente al entramado de corrupción, pobreza, drogas y
abusos que acecha a los jóvenes, y además le impide
poner su propia vida en orden, recuperar a su ex pareja
y asistir a su madre inválida. Su empatía logra reducir los
impulsos violentos de los chicos que tutoriza, y su temple
lo sostiene frente a las agresiones de aquellos que lo ven
como un obstáculo para perpetuar la miseria, pero cada
batalla le va quitando la confianza en poder cambiar las
cosas, y se acerca el momento clave para no sacrificar el
futuro de los alumnos. El prolífico Campusano demuestra
nuevamente que el ritmo de su producción no hace
más que contribuir a la audacia y contundencia de sus
obras, con una historia que explora las problemáticas
más complejas que afrontan las comunidades de las
periferias en nuestro país, sin renunciar a la empatía por
sus personajes, las heridas que los transformaron y los
demonios que aún los persiguen.
Carlos, a social worker from the city of Bariloche,
maintains a long, continuous struggle helping channel
the lives of the students at the school where he works.
The task is at a great disadvantage faced with of a
framework of corruption, poverty, drugs and abuse
that haunts the teenagers, and also prevents him from
putting his own life in order, trying to get back together
with his former partner and assisting his disabled
mother. His empathy manages to reduce the violent
impulses of the kids he tutors, and his spirit protects
him from the aggressions of those who see him as an
obstacle in their plans to perpetuate misery, but each
battle nibbles away at his confidence in being able
to change things, and the critical moment in which
he will try not to sacrifice the future of his students
is approaching. The prolific Campusano shows once
more that the pace of his production contributes to
the boldness and strength of his works, with a story
that explores the most complex dilemmas faced by the
communities in the peripheries of our country, without
giving up any kind of empathy for his characters, the
wounds that transformed them and the demons that
are still chase them.

José Celestino Campusano Nació en 1964 en Quilmes. Estudió parte de la carrera

de realizador argumental en el Instituto de Cine de Avellaneda. Dirigió varios
largometrajes; entre otros, Vikingo (2009, 24° Festival), Fango (2012, Mejor Director de
la Competencia Argentina en el 27° Festival) y El sacrificio de Nehuén Puyelli (2016, 31°
Festival). Eng Born in Quilmes in 1964, he studied part of the fiction filmmaker major
at Avellaneda’s Instituto de Cine. He has directed many features, which include Vikingo
(2009, 24th Festival), Fango (2012, Best Director of the Argentine Competition at the
27th Festival) and El sacrificio de Nehuén Puyelli (2016, 31st Festival).
Argentina, 2017 / 89’ / DCP / Color / Español - Spanish Contacto / Contact
D, G, P: José Celestino Campusano F: Eric Elizondo E: Horacio Florentín S: Assiz Alcaraz, Cinebruto
José Celestino
Nahuel Reyes Sosa M: Claudio Miño CP: Cinebruto I: Kiran Sharbis, Facundo Sáenz
Campusano
Sañudo, Gastón Cardozo, Ana María Conejeros, Nadia Fleitas
T +54 9 11 6527 5208
E cinebruto@gmail.com
W cinebruto.com
/cinebruto

Notas del director
Un azote en el imaginario colectivo resulta un recurso
brutal tan económico como expeditivo para disciplinar a
los insurrectos, más aún cuando desde la más temprana
edad intentan cuestionar o modificar el orden secular.
Gracias a asistentes sociales de los barrios vulnerables
de Bariloche, pudimos componer este incondicional
film apuntando al mayor grado de verosimilitud posible,
apoyándonos también en el generoso aporte de los
habitantes del lugar y de la Municipalidad.
99
Director's Statement
A lash is, to the collective imaginary, a brutal resource
that is as inexpensive as it is efficient to discipline
insurgents, even more so when they try to question
or modify secular order from an early age. Thanks to
social assistants from the vulnerable neighborhoods of
Bariloche, we were able to compose this unconditional
film aiming for the highest degree of authenticity
possible, also relying on the generous contribution from
the inhabitants of the place and the Municipality.
Competencia Argentina — Argentine Competition

Estoy acá (Mangui Fi)

I Am Here

Para Ababacar y Mbaye –dos inmigrantes senegaleses
que se conocieron y entablaron una gran amistad en
Buenos Aires–, el desafío va más allá de adaptarse a
las costumbres y condiciones de vida en Argentina,
o de lidiar con la indiferencia y el racismo que sufren
cotidianamente: ambos llegaron a una instancia de
sus vidas en la que deben definir un rumbo, y a su
vez aceptar que sus identidades y necesidades se
volvieron más complejas. La decisión de dejar su país
estuvo impulsada por el objetivo urgente de sostener
económicamente a sus familias, pero la estadía en
Buenos Aires los cruzó con nuevas personas, nuevas
maneras de ver las cosas, y hasta una situación
económica distinta de aquella que encontraron a
su llegada. El respeto y la distancia de los directores
son claves para ofrecer una mirada superadora y
comprensiva de estas realidades. Estoy acá retrata
individualmente a los dos personajes para explorar sus
historias y los posibles caminos que se abren en sus
vidas, y a su vez los expone discutiendo dos posturas
distintas sobre el futuro que quieren emprender, la
imagen que tienen de ambos países y qué fue lo que los
hizo emigrar en primer lugar.
For Ababacar and Mbaye –two Senegalese immigrants
who met and became very good friends in Buenos
Aires–, the challenge goes beyond adapting to the
customs and living conditions in Argentina, or dealing
with the indifference and racism they suffer every
day: they have both reached an instance in their lives
in which they must define a course and, at the same
time, come to terms with the fact that their identities
and needs have become more complex. The decision
to leave their country was driven by the urgent goal
of supporting their family financially, but their stay
in Buenos Aires made them meet new people, new
ways of seeing things, and even a financial situation
that is different from the one they found when they
arrived. The directors’ respect and distance are key in
order to offer a comprehensive, understated look upon
these realities. I Am Here portrays the two characters
individually in order to explore their stories and the
possible paths that open in their lives, and at the same
time it exposes them while discussing two different
stances on the future they want to pursue, the image
they have of both countries and what it was that made
them migrate in the first place.

Juan Manuel Bramuglia & Esteban Tabacznik Juan Manuel estudió Comunicación
Audiovisual (UNLP) y cine (FUC). Se desempeña como director de fotogtrafía,
montajista y coordinador de post. Esteban estudió Filosofía (UBA) y cine (FUC).
Es director y guionista. Sus cortos han participado de numerosos festivales
internacionales. Eng Juan Manuel studied audiovisual communication (UNLP) and
film (FUC). He works as cinematographer, editor and post-production coordinator.
Esteban studied philosophy (UBA) and film (FUC). He is a writer-director. His works
have been screened at many international festivals.
Contacto / Contact
Argentina, 2017 / 77’ / DCP / Color / Wólof / Español / Inglés - Wolof / Spanish / English Cais Cine, Nelo Cine
Esteban Tabacznik,
D, G: Juan Manuel Bramuglia, Esteban Tabacznik F: Juan Manuel Bramuglia E: Alberto
Juan Manuel Bramuglia
Ponce, Esteban Tabacznik, Juan Manuel Bramuglia S: Francisco Pedemonte, Virginia T +54 11 4538 7398
Scaro, Victoria Marechal P: Esteban Tabacznik, Juan Manuel Bramuglia, Ababacar Sow, E estabacz@
Mbaye Seck I: Ababacar Sow, Mbaye Seck, Florencia Curto, Marcos Filardi yahoo.com.ar
W caiscine.com

Notas del director
Hacer una película es elegir una entre todas las posibles.
El documental nos enfrentó a esta situación de una
manera desnuda, y el propio proceso de ir haciéndolo
posible fue, al mismo tiempo, ir encontrando esa
película que buscábamos. Queríamos hacer un
documental que dijera algo sobre los senegaleses y que
también se adentrara en la intimidad de sus personajes.
La amistad de Ababacar y Mbaye era la mejor forma de
deslizarse en ambas direcciones. El mundo senegalés
se abría con la riqueza y la complejidad de ese
suceder continuo que tan bien puede capturar el cine
documental.
101
Director's Statement
Making a film is choosing one between all the possible
ones. Documentaries confronted us with this situation
in a naked way, and the very process of making it
possible meant, at the same time, finding that film we
were looking for. We wanted to make a documentary
that would say something about the Senegalese and
also go deep into the intimacy of the characters. The
friendship between Ababacar and Mbaye was the best
way of slinging in both directions. The Senegalese world
opened up with the richness and complexity of that
continuous flow that documentary cinema can capture
so well.
Competencia Argentina — Argentine Competition

Hasta que me desates

Until You Untie Me

Cuando presentó Mujer lobo, una historia de venganza
cargada de sexo y sangre, Tamae Garateguy demostró
una audacia desfachatada con la que llegó a lugares
que el cine de género local pocas veces había visitado.
Hasta que me desates comparte con aquella el riesgo por
lo extremo, esta vez recuperando el gusto por el thriller
erótico, un género que antes invadía las pantallas pero
que hoy se convirtió en rara avis. La película sigue los
pasos de dos protagonistas; por un lado, una joven
bailarina que, luego de un fatal accidente en el que
perdió a su familia, queda sumida en un pozo anímico
que la lleva a la autodestrucción, coqueteando con la
muerte. Por el otro, un médico que carga con la infamia de
alguna mala praxis en su haber. Los caminos entre ellos
se cruzan, en el que es el comienzo de una espiral donde
la fascinación y la locura se retuercen en una historia
de amor pesadillesca, y donde el sexo explora zonas
de fetichismo extremo, con sadomasoquismo gráfico
y bondage estilizado incluidos. Una vez más, se siente
en el pulso de Garateguy un placer perverso por jugar a
traspasar los límites, y en su búsqueda por las emociones
fuertes encuentra una voz tan urgente como única.
When she presented She Wolf, a tale of revenge
filled with sex and blood, Tamae Garateguy showed an
impertinent boldness with which she went to places local
genre cinema had hardly ever visited. Hasta que me desates
shares with that film the risk for the extreme, this time
bringing back the taste for the erotic thriller, a genre that
used to invade the screens but has now become rare. The
film follows the footsteps of two protagonists. On one
hand, a young dancer who, after a fatal accident in which
she lost her family, is left immersed in a pit of despair that
leads her towards self-destruction, flirting with death. On
the other, a doctor bearing the infamy of a malpractice
case. Their paths meet in what is the beginning of a
spiral in which fascination and madness squirm in a
nightmarish love story, and where sex explores areas
of extreme fetishism, complete with graphic S&M
and stylized bondage. Once more, one can perceive in
Garateguy’s hands a perverse pleasure for going beyond
the limits, and in her search for strong emotions she finds
a voice as urgent as it is unique.

Tamae Garateguy Nació en 1973 en Buenos Aires. Codirigió UPA! Una película argentina
(2006) y realizó los largometrajes Pompeya (2010, Mejor Película Argentina del 25º
Festival) y Mujer lobo (2013). En 2015 estrenó All Night Long y UPA 2! El regreso en el 30º
Festival. Eng Born in Buenos Aires in 1973, she co-directed UPA! Una película argentina
(2006) and made the feature length films Pompeya (2010, Best Argentine Feature at the
25th Festival) and Mujer lobo (2013). In 2015, her films All Night Long and UPA 2! El regreso
premiered at the 30th Festival.

Contacto / Contact
Argentina, 2017 / 82’ / DCP / Color / Español - Spanish
Los Griegos Films
D: Tamae Garateguy G: Miguel Forza de Pauls F: Connie Martin E: Eliane Katz, Martin
Federico Carol
Busacca DA: Sheila Szulaski, Jimena Mejuto S: Guillermo Picco, Pablo Gamberg
T +54 9 11 6306 5288
M: Sami Buccella P: Tamae Garateguy, Santiago Giralt, Federico Carol CP: Los Griegos
E federico@
Films, Río Films I: Martina Garello, Rodrigo Guirao Díaz, Paula Carruega, Naiara Awada,
losgriegosfilms.com
Jazmín Rodríguez
W losgriegosfilms.com

Notas del director
La idea de Hasta que me desates surgió de una obra ya
existente: un cortometraje documental llamado Letting
You Go, de Kim Faber, que tuve el placer de ver siendo
jurado en Bogoshorts, un gran Festival de cortos en
Colombia, y que cuenta la historia de una joven danesa
que transmite a su familia su deseo de morir. Este
trabajo me conmovió tan profundamente que terminó
siendo la inspiración de esta película, en la que vuelvo
a los temas que me llaman una y otra vez: la muerte, el
sexo y el dolor.
103
Director's Statement
The idea for Hasta que me desates came from a pre-
existing work: a documentary short named Letting You
Go, directed by Kim Faber, which I had the pleasure of
seeing while being a member of the jury at Bogoshorts,
a great short-film festival in Colombia, and that tells
the story of a young Danish woman who transmits to her
family her desire to die. That work moved me so deeply
that it ended up being the inspiration for this film, in
which I go back to my usual themes: death, sex and pain.
Competencia Argentina — Argentine Competition

La nostalgia del centauro

The Centaur’s Nostalgia

En algún lugar recóndito de los cerros tucumanos
viven Alba y Juan, una pareja de ancianos que
responden a valores y costumbres de una tradición
gauchesca que los trasciende. A esta altura de la vida,
ya se han dicho todo, y el eco de sus voces resuena
solo para dar órdenes a sus cabras o para repetir de
memoria un sinfín de rimas antiguas del imaginario
rural. La nostalgia del centauro espía los días y las noches
de esa vida taciturna, examina algunas particularidades
(la relación entre el gaucho y los caballos), mientras
captura la esencia de esa calma en cuadros bucólicos
de una espectacularidad única, sin caer nunca en el
pintoresquismo, y plasmando un puñado de imágenes
espectrales que contienen en su singularidad toda la
potencia del cine. La cámara de Nicolás Torchinsky
explora en lugares y detalles recónditos, como buscando
el secreto de cierta magia que, aunque rústica, va
revelando su extraña belleza poco a poco, como esos
árboles que se dejan ver cuando la niebla de la mañana
se esfuma.
In some remote place in the mountains of Tucumán,
live Alba and Juan, an elderly couple with the values
and customs of a gaucho tradition that transcends
them. At this stage in life, they have told each other
everything, and the echo of their voices reverberates
only to give orders to their goats or to recite an endless
number of old couplets from the rural tradition. La
nostalgia del centauro spies on the days and nights
of that taciturn life, examining some peculiarities
(such as the relationship between the gaucho and
the horses), while capturing the essence of that calm
in unique and spectacular pastoral frames that never
turn picturesque. The film conveys a handful of ghostly
images that contain, in their singularity, all the power
of film. Nicolás Torchinsky’s camera explores in hidden
places and details, as if it were looking for the secret
behind a certain magic that, even though rustic, reveals
its strange beauty little by little, like those trees that
become visible with the dissipation of the morning fog.

Nicolás Torchinsky Nació en Buenos Aires en 1984. Estudió en la Universidad del

Cine y participó del taller ProaCine 2007. Escribió y codirigió numeros cortometrajes,
incluidos Cuadro de mi vida y Fracción de sentido, junto a Sebastián Lingiardi y Rodrigo
Sánchez Mariño. Eng Born in Buenos Aires in 1984, he studied at the Universidad del
Cine and was part of the 2007 ProaCine workshop. He wrote and co-directed many
short films, including Cuadro de mi vida and Fracción de sentido, together with Sebastián
Lingiardi and Rodrigo Sánchez Mariño.

Argentina, 2017 / 70’ / DCP / Color / Español - Spanish Contacto / Contact

D: Nicolás Torchinsky F: Baltasar Torcasso E: Ana Poliak S: Sebastián Gonzalez, Sofía Cabeza Negra Cine
Straface M: Pablo Butelman P: Nicolás Torchinsky, Victoria Gómez Acuña CP: Cabeza Nicolás Torchinsky
Negra Cine, Zebra Films, Universidad del Cine, Puente Films, Milkwood, Mercurio, El T +54 9 11 5001 0208
Cono del Silencio I: Juan Armando Soria, Alba Rosa Díaz E nicolas.torchinsky@
gmail.com
cabezanegra.cine

Notas del director
Todo comenzó con un viaje a la provincia de Tucumán
en búsqueda de locaciones para otro proyecto. La
ruta y la amistad con Mirta Gloria Soria –hija de los
protagonistas– me llevaron a conocer al gaucho
Armando Soria y a su compañera Alba Rosa Díaz.
Después de varios días de convivencia e intercambio,
vislumbré la posibilidad de una película. No me
interesaba hacer exclusivamente un registro de su forma
de vida, sino abrir la puerta a un universo de resonancias
poéticas entre su presente y su pasado, su memoria, su
relación, su tradición y su cercanía con la muerte. Creo
que la película termina construyendo la posibilidad
de generar un encuentro entre ese universo, presente
y pasado al mismo tiempo, con nuestro presente
occidentalizado, multicultural y globalizado.
105
Director's Statement
It all started with a trip to the province of Tucumán in
search of locations for another project. The road and
the friendship with Mirta Gloria Soria –the daughter
of the protagonists- led me to meet gaucho Armando
Soria and his partner Alba Rosa Díaz. After many days of
coexistence and exchange, I saw the possibility of a film. I
wasn’t interested in depicting their way of life exclusively;
what I wanted was to open the door to a universe of
poetic resonance between their present and their past,
their memory, their relationship, their tradition and their
closeness to death. I think the film ends up building the
possibility of generating an encounter between that
universe, at once present and past, with our westernized,
multicultural and globalized present.
Competencia Argentina — Argentine Competition

Los Corroboradores
The Corroborators

París. Suzanne, una periodista e investigadora
francesa, viaja a Buenos Aires convocada por Martín
Dressler. Pero Dressler nunca acude a la cita. Entonces,
Suzanne comienza a investigar, recorriendo los más
importantes edificios de la ciudad. Así descubre que Los
Corroboradores fueron una sociedad secreta porteña
que, a fines del siglo XIX, se propuso copiar París en
Buenos Aires. Los Corroboradores enviaban fotógrafos
y arquitectos a París para realizar el calco más perfecto
posible. Pero, en la década del 30, misteriosamente se
desvanecieron, y pasaron a ser un mito incierto hasta
el día de hoy. Suzanne cree que ellos están tras la
desaparición de Dressler. Y que están persiguiéndola.
A través de archivos inéditos y de entrevistas a
especialistas, no solo se repasa la historia ya conocida
sobre los principales edificios de la París del Plata, sino
que se agregan datos y piezas a un rompecabezas aún
incompleto.
Paris. Suzanne, a French journalist and researcher,
travels to Buenos Aires, contacted by Martin Dressler.
However, Dressler never shows up for their meeting.
So, Suzanne begins to investigate, touring the most
important buildings of the city. She learns that The
Corroborators were a secret Buenos Aires society that,
at the end of the 19th Century, proposed to copy Paris
in Buenos Aires. The Corroborators sent photographs
and architects to Paris to create the most perfect replica
possible. However, in the 1930s, they disappeared
mysteriously, and became a doubtful myth until
today. Suzanne believes that they are behind the
disappearance of Dressler. And that they are after her.
Through unreleased documents and interviews with
specialists, not only is the already known history of
the famous buildings of the “Paris of the River Plate”
reviewed, but also we learn of new information and
missing pieces to a jigsaw puzzle that to this day
remains unfinished.

Luis Bernárdez Nació en 1975 en Buenos Aires. Realizó el cortometraje Estacionamiento

(Historias Breves 9), el cual recibió la Mención al Montaje en UNCIPAR 2015 y participó
en Pifan (Corea del Sur) y Shnit, entre otros festivales. Eng Born in Buenos Aires in 1975,
he made the short film Estacionamiento (Historias Breves 9), which received the Mention
for Editing at UNCIPAR 2015 and was shown at Pifan (South Korea) and Shnit, among
other festivals.

Argentina, 2017 / 70’ / DCP / Color - B&N / Español / Francés - Spanish / French Contacto / Contact
D, G: Luis Bernárdez F: Pigu Gómez E: Ernesto Felder DA: Mirella Hoijman S: Nahuel Pucará Cine
Palenque M: Pedro Irusta P: Federico Eibuszyc, Luis Bernardez, Bárbara Sarasola Day, Federico Eibuszyc
Pablo Giles, Pablo Destito CP: Pucará Cine, Mulata Films I: Andreé Leonet, Carlos T +54 11 5727 4274
Altamirano, Daniel Schávelzon, Rafael Cippolini, Gabriel Dimeglio +54 11 3400 5866
E fedetut@gmail.com
trampaluz@gmail.com
W pucaracine.com

Notas del director
¿Los porteños somos extranjeros en nuestra ciudad?
Si uno recorre ciertas calles y avenidas, podría creer
que está en Europa. Edificios, bulevares y pasajes se
erigieron siguiendo ese modelo. Así se construyó el
mito y orgullo porteño: somos la París del Plata. Pero,
si documentamos esa ficción que nos constituye, las
preguntas nos llevan a Los Corroboradores. ¿Cómo
existir sabiendo que se habita en una ficción? ¿Cómo
vivir en una escenografía ajena? ¿Por qué dejamos de ser
nosotros para intentar ser otro? Los Corroboradores es una
reflexión sobre nuestras aspiraciones como país. Sobre
los mitos que nos moldean. Sobre nuestra identidad
y arquitectura. Sobre lo que hemos sido y lo que nos
gustaría ser.
107
Director's Statement
Are we “porteños” strangers in our own city? If you walk
certain streets and avenues, you could think you’re in
Europe. Buildings, boulevards and passageways were
built following that model. And this is how the “porteño”
myth and pride was built: we are the Paris of the Plate.
But if we document that fiction that constitutes us, the
questions lead us to the Corroborators. How do we exist
knowing we’re living inside a fiction? How do we live
in someone else’s scenery? Why do we stop being us in
order to try to be someone else? Los Corroboradores is a
reflection on our aspirations as a country. On the myths
that mold us. On our identity and our architecture. On
what we were and what we’d like to be.
Competencia Argentina — Argentine Competition

Los vagos
The Bums

El pasaje de la adolescencia a la adultez es un The passage from adolescence to adulthood is such

momento tan complejo en la vida de un ser humano
que el cine tuvo que inventar su propio subgénero:
el coming of age. Como Seth y Evan en Supercool,
los protagonistas de Los vagos quieren explotar los
restos de adolescencia que les queda en el tintero,
antes de que la carroza de la adrenalina juvenil
se convierta en la calabaza del compromiso y las
responsabilidades. Guiada por el caminar flotante de
Ernesto, el protagonista, la ópera prima de Gustavo
Biazzi se cuela en la rutina desordenada de un grupo
de amigos mientras vacacionan entre Posadas e
Ituzaingó. Reproduciendo el ritmo que oscila entre
la parsimonia de una resaca rencorosa y el estallido
hormonal de una noche donde el sexo marca agenda,
el director debutante observa de cerca el nacimiento de
una nostalgia que hace fuerza por entrar en la mirada
encendida de esos chicos que surfean por sentimientos
enigmáticos. Saben que no pueden luchar contra el
inminente desenlace de una época idílica; solo les queda
dejarse llevar por la marea de la incertidumbre. Biazzi
los acompaña con su cámara haciendo realidad el sueño
de Ernesto: volver eterno ese verano inolvidable.
a complicated time in a human being’s life that cinema
had to invent its own subgenre: the coming of age story.
Like Seth and Evan in Superbad, the protagonists of The
Bums want to take advantage of whatever is left of their
adolescence before the carriage of youthful adrenaline
turns into the pumpkin of adult commitments and
responsibilities. Guided by the floating walk of Ernesto,
the main character, Gustavo Biazzi’s first feature
film slips into the messy routine of a group a friends
taking a vacation that brings them from Posadas to
Ituzaingó. Recreating a pace that swings between the
unhurriedness of a nasty hangover and the hormonal
bursts of a night defined by sex, the first-time director
closely observes the birth of a nostalgia that struggles to
enter the glowing gaze of these kids who surf through
puzzling feelings. Knowing that they cannot fight
against the impending end of an idyllic era, all they
can do is let themselves be swept along by the tide of
uncertainty. Biazzi follows them with his camera making
Ernesto’s dream come true: to make that unforgettable
summer eternal.

Gustavo Biazzi Nació en 1978 en Posadas, Misiones. Trabajó como director de

fotografía en películas como La patota (Santiago Mitre, 2015), El cielo del centauro (Hugo
Santiago, 2015) Los dueños (Radusky-Toscano, 2013) y Castro (Alejo Moguillansky, 2009).
Eng Born in Posadas, Misiones, in 1978, he has worked as cinematographer on such
films as Paulina (Santiago Mitre, 2015), El cielo del centauro (Hugo Santiago, 2015), The
Owners (Radusky-Toscano, 2013) and Castro (Alejo Mogullansky, 2009).

Contacto / Contact
Argentina, 2017 / 92’ / DCP / Color / Español - Spanish
La Union de los Ríos
D, G: Gustavo Biazzi F: Alejo Maglio E: Leandro Aste DA: Augusto Latorraca S: Pablo
Agustina Llambi
Gamberg, Guillermo Picco P: Gustavo Biazzi, Santiago Carabante, Agustina Llambi
Campbell, Giselle Lozano
Campbell, Fernando Brom, Giselle Lozano CP: La Unión de los Ríos I: Agustín Avalos,
T +54 11 4815 4677
Ana Clara Lasta, Emanuel Gómez, Juan Pablo Vitale, Marcelo Enríquez, Walter Casco,
E info@
Bárbara Hobecker
launiondelosrios.com

Notas del director
Anga’u es una expresión de la lengua aborigen guaraní
que significa recuerdo, amor. Esta expresión es utilizada
en Misiones como algo que no es del todo cierto. Los
vagos es el relato de un recuerdo de amor, pero también
de engaños, de cosas que se confunden. Ernesto
recuerda su amor por Paula, por sus amigos, por sus
aventuras amorosas de verano. Pero pierde lo que
quiere, lo destruye y sufre por la pérdida. Finalmente se
recluye, hasta que lentamente se transforma, crece.
109
Director's Statement
Anga’u is an expression from the Guarani aboriginal
language that means memory, love. This expression is
used in Misiones as something that isn’t entirely true.
The Bums is the story of a memory of love, but also of
deceit, of things that get mixed up. Ernesto remembers
his love for Paula, for friends, for summer loves. But
he loses what he loves, he destroys it and suffers for
the loss. Finally, he confines himself, until he slowly
tranforms and grows.
Competencia Argentina — Argentine Competition

Réquiem para un film olvidado

En diciembre de 2012, Kodak dejó de producir
celuloide, lo que significó el fin de una era y el
comienzo de otra para el cine, con la tecnología digital
instalándose a nivel industrial en todo el mundo.
También tuvo un efecto fulminante en Ernesto Baca,
uno de los pilares del cine experimental en Argentina.
Réquiem para un film olvidado comienza con ese golpe
emocional, con el director en primera persona, en una
propuesta que intercala elementos biográficos (su
vida en Florencio Varela, la relación con su madre, sus
maestros, la influencia de Claudio Caldini, y… ¡hasta
su propio velorio!) con otros de (ciencia) ficción, en la
que el propio Baca aparece como un científico en su
laboratorio, activando dispositivos con el objeto de
llevar adelante Proyecto argenta, la primera película
virgen de industria nacional que le permita –a él y
también a su grupo de amigos del Club de Super 8–
seguir filmando a contracorriente del avance digital.
“¿Cuántos megapíxeles tiene un sentimiento?”, se
pregunta Baca mientras, con un trabajo espectacular
de montaje y sonido, un gran uso de textos (La sociedad
del espectáculo, de Guy Debord) y mucho buen humor,
continúa defendiendo los materiales con los que pone
en evidencia eso que llama “reflejos falsos” de un cine
industrial desapasionado.
In December, 2012, Kodak ceased to produce celluloid,
which meant the end of one era for cinema and the
beginning of another, with digital technology settling
down on an industrial level around the globe. It also
was a powerful blow to Ernesto Baca, one of the pillars
of experimental film in Argentina. Réquiem para un
film olvidado starts with that emotional blow, with
the director in first person, in a film that alternates
biographical elements (his life in Florencio Varela, his
relationship with his mother, his teachers, the influence
of Claudio Caldini, and… even his own funeral!) with
elements of (science) fiction, in which Baca himself
appears as a scientist in his lab, activating devices with
the aim of carrying out Proyecto argenta, the first film
stock to be manufactured locally, which will allow him
and also his group of friends at the Super 8 Club to
go on filming against the digital current. “How many
megapixels does a feeling have?”, Baca asks himself
while, with some spectacular editing and sound work,
a great use of texts (Guy Debord’s Society of the Spectacle)
and lots of good humor, he continues defending the
materials with which reveals what he calls the “false
reflections” of a dispassionate industrial cinema.

Ernesto Baca Nació en Florencio Varela en 1969. Es realizador cinematográfico y

docente en la Escuela Superior de Cine en México. Se especializa en la experimentación
con la imagen y vanguardia de la representación, y dirigió las películas Cabeza de palo
(2002), Samoa (2005), Música para astronautas (2008) y Vrindavana (2010). Eng Born in
Florencia Varela, province of Buenos Aires, in 1969, he is a filmmaker and teacher at
the Escuela Superior de Cine of Mexico. He specializes in experimentation of image
and avant garde representation and has directed the films Cabeza de palo (2002), Samoa
(2005), Música para astronautas (2008) and Vrindavana (2010).

Contacto / Contact
Argentina, 2017 / 66’ / DCP / Color - B&N / Español - Spanish
Kaumodaki Films
D, G: Ernesto Baca F: Sebastián Tolosa S, M: Matías Mielniczuk P: Cecilia Fiel I: Ernesto
Cecilia Fiel, Ernesto Baca
Baca, Susana Varela, Pilar Boyle
T +54 9 11 6200 0417
+52 155 6155 3881
E ceciliafiel@gmail.com

Notas del director
Matando el tiempo en sus diferentes fases, el film ha
quedado como testigo y resabio de un siglo mordido
por el desuso. La historicidad perpetra su próximo
funeral, el Dios mercado lo expulsa al olvido, a su
desaparición, como parte de una ceremonia macabra,
donde se acaba rápidamente la reflexión sobre lo real.
Estamos dispuestos a pasar a la virtualidad en un clic, a
reeditar una vieja realidad sobre píxeles inestables, solo
para darles placer a las terminales sensoriales. Hemos
donado todas nuestras memorias a Facebook: son los
custodios de una generación que sale de la sala de parto
con su celular en mano, siendo conscientes de que el
ADN transmite en diferido una conectividad efímera.
111
Director's Statement
Killing time in its different phases, film has remained
as a witness and aftertaste of a century bitten by lack of
use. Historicism perpetrates its next funeral the God of
market expels it to oblivion, to its disappearance, as part
of a macabre ceremony where the reflection on reality
ends quickly. Qe are willing to become virtual with one
click, to reedit an old reality on unstable pixels, just
to pleasure sensory terminals. We have donated all of
our memories to Facebook: they are the guardians of a
generation that leaves the delivery room cell phone in
hand, conscious that the ADN transmits a pre-recorded
ephemeral connectivity.
Competencia Argentina — Argentine Competition

Soldado

El joven correntino Juan José González ingresa como
voluntario al Regimiento de Infantería 1 Patricios, sin
mayores objetivos que obtener un empleo seguro
y poder satisfacer el deseo que su madre depositó
en él. La rutina diaria del Ejército impone sus reglas
y provoca la despersonalización de cada miembro,
evocando constantemente epopeyas en duras
lecciones y ejercicios de cara a conflictos que la fuerza
no atraviesa hace décadas. El documental de Manuel
Abramovich no persigue un final dramático o un
desfile de proezas –su protagonista tampoco enfrenta
sus nuevas obligaciones como si se trataran de un Via
Crucis, más allá de las dificultades–, pero el tedio acecha
a la vida en la guarnición, y se siente el peso de no
haber seguido la voluntad propia al comenzar a dejar
atrás la adolescencia. Soldado retrata con prolijidad y
precisión el trunco mutualismo entre un individuo que
intenta cubrir sus necesidades y los ritos anacrónicos
que adopta para poder atenderlas, mientras devela
paulatinamente las capas de su personalidad y las
sensaciones que asoman en silencio pero con fuerza.
A young man called Juan José González, from the
province of Corrientes, enters the First Infantry Regiment
“Patricios,” for no other reason than to secure a job for
himself and fulfill the wish that his mother implanted
in him. The Army’s daily routine imposes its rules and
causes the depersonalization of each of its members,
constantly evoking other times with its tough lessons
and exercises to prepare for conflicts that the army
has not faced in decades. Manuel Abramovich’s
documentary doesn’t pursue a dramatic ending or a
parade of exploits –and its character does not face his
new obligations as though they were an ordeal, even
though some of them are in fact difficult-, but rather
it portrays the tedium that haunts life in the garrison,
and one can feel the regret of not having followed one’s
own desire when starting to leave adolescence behind.
Soldado depicts, neatly and with precision, the truncated
mutualism between an individual trying to cover his
needs and the anachronistic rites he adopts in order to
tend to them, while gradually unveiling the layers of
his personality and the sensations that begin to appear
silently but forcefully.

Manuel Abramovich Nació en 1987. Estudió dirección de fotografía en la ENERC, en la

Universidad Di Tella, el Berlinale Talents y el IDFA Summer School. Dirigió el corto La
reina (ganador del Cóndor de Plata) y Solar, su primer largo, recibió el premio ACCA en
Bafici 2016. Su tercer largometraje, Años luz, se estrenó en el último Festival de Venecia.
Eng Born in 1987. He studied Cinematography at ENERC, Di Tella University, the Berlinale
Talents and the IDFA Summer School. He directed the short film La reina (winner of the
Silver Condor) and Solar, his first feature, received the ACCA award at Bafici 2016. His third
feature, Años luz, premiered at the latest edition of the Venice Film Festival.

Contacto / Contact
Argentina, 2017 / 73’ / DCP / Color / Español - Spanish Gema Films
D, G, F: Manuel Abramovich E: Anita Remón S: Sofía Straface P: Gema Juárez Allen, Gema Juárez Allen
Alejandra Grinschpun CP: Gema Films, Sake Argentina I: Juan José González T +54 11 4966 0110
E gema@gemafilms.com
W gemafilms.com
/gemafilms

Notas del director
El ejército es una gran puesta en escena, casi como una
ficción. Vivo frente a los cuarteles donde filmé esta
película. Cada vez que paso caminando, me detengo
a mirar ese universo paralelo detrás de los barrotes.
Una ciudad enjaulada, donde todos visten el mismo
uniforme y siguen las mismas reglas, casi como en
una prisión. Siempre me dio curiosidad saber cómo
los militares construyen un personaje para el mundo
exterior, una gran puesta en escena donde miles de
personas tienen que actuar para los demás. ¿Quiénes
son estas personas detrás de los uniformes?
113
Director's Statement
The army is one big staging, almost like a fiction. I
live across the street from headquarters where I shot
this film. Every time I walk by it, I stop to observe that
parallel universe behind the bars. A caged city, where
everyone wears the same uniform and follows the same
rules, almost like a prison. I have always been curious
about how the military build a character for the outside
world, a great staging where thousands of people have
to act in front of the rest. Who are the people behind
these uniforms?
Competencia Argentina — Argentine Competition

Todo lo que veo es mío

Everything I See Is Mine

En 1918 sucedieron en la Ciudad de Buenos Aires
dos importantes hechos históricos: la inesperada
llegada de la nieve y la visita de una estrella dadaísta,
Marcel Duchamp. El artista que se animó a pintarle
bigotes a la Mona Lisa tocó suelo porteño escapando
de las restricciones de la Primera Guerra Mundial, y
teniendo como único contacto con sus compañeros
del movimiento las cartas de puño y letra en las que
describía las extrañas costumbres de los argentinos. A
través de las posibilidades infinitas de la ficción, Todo
lo que veo es mío reconstruye los días de Duchamp entre
las visitas a los lagos de Palermo y el ritual del mate.
Filmado en un elegante blanco y negro, el largometraje
de la dupla Galperín-Podolsky muestra al creador del
arte conceptual en la intimidad de una pieza alquilada,
besando su pipa y enloquecido por encontrar la jugada
perfecta de ajedrez, y devela las imágenes que nunca
se encontraron sobre ese misterioso y breve exilio en la
capital más austral de Sudamérica. Cada plano onírico
que se acerca a la belleza compulsiva nos impregna en
la retina la ilusión de que, al salir de la sala, podremos
encontrar una huella de Duchamp en alguna esquina.
In 1918, two important events took place in the City
of Buenos Aires: an unexpected snowfall and the visit
of Dadaist star Marcel Duchamp. The artist who dared
to paint a moustache on the Mona Lisa touched Buenos
Aires soil, getting around the restrictions of World War I
and having as his only contact with the other members
of the movement the handwritten letters in which he
described the strange customs of the Argentinians.
Through the endless possibilities of fiction, Everything
I See Is Mine reconstructs Duchamp’s days among
visits to the Palermo lakes and the ritual of mate. Shot
in elegant black and white, the feature film by the
Galperin-Podolsky duo shows the creator of conceptual
art in the intimacy of a rented room, kissing his pipe
and desperately searching for the perfect chess move,
disclosing the images that were never found about that
mysterious and brief exile in the most southern capital
of South America. Every dreamlike shot that comes close
to a compulsive beauty impregnates our retina with the
illusion that, upon leaving the theater, we will be able to
find Duchamp’s footprint on some corner.

Mariano Galperín & Román Podolsky Mariano nació en 1962 en Buenos Aires. Es
director, guionista y fotógrafo. Dirigió varios largometrajes, incluidos 1000 Boomerangs
(1994), Chicos ricos (2000) y Dulce de leche (2012, 27° Festival). Román es licenciado en
Educación, director de teatro y dramaturgo. Entre sus obras más conocidas figuran
Harina y Guardavidas. Eng Mariano was born in Buenos Aires in 1962, and is a director,
screenwriter and photographer. He has directed many features, including 1000
Boomerangs (1994), Rich Kids (2000) and Dulce de leche (2012, 27th Festival). Roman has a
Bachelor’s degree in education and is a theater director and playwright. His most well-
known plays include Harina and Guardavidas.
Contacto / Contact
Galperín, Podolsky,
Argentina, 2017 / 83’ / DCP / B&N / Francés - French
Amada Films
D, G: Mariano Galperín, Román Podolsky F: Diego Robaldo E: Andrés Tambornino
Marcela Ávalos
DA: Lorena Ventimiglia S: Pablo Gamberg, Guillermo Picco M: Diego Tuñón P: Marcela
T +54 9 11 6055 6111
Ávalos CP: Galperín, Podolsky, Amada Films I: Michel Noher, Malena Sánchez,
E marcela@
Julieta Vallina
amadafilms.com.ar
W amadafilms.com.ar

Notas del director
No se trata tanto de mostrar, desde una perspectiva
biográfica, qué hizo Marcel Duchamp en los diez
meses que pasó en Buenos Aires entre 1918 y 1919,
sino de presentar esa estadía como un fluido de
hechos e imágenes en el que lo objetivo y lo subjetivo
se entremezclan, produciendo una ensoñación de
múltiples sentidos. Nuestra película ocurre en la mente
de Marcel Duchamp. Recuerda e imagina el viaje junto
a Yvonne Chastel a la Argentina, jugando al ajedrez,
bebiendo, escuchando tangos o durmiendo. Una suerte
de vínculo íntimo con la ciudad, en la que se sintió un
verdadero porteño.
115
Director's Statement
It’s not entirely about showing, from a biographical
perspective, what Marcel Duchamp did in the ten
months he spent in Buenos Aires between 1918 and 1919,
but also in representing that stay as a flow of events and
images in which the objective and subjective intertwine,
causing a daydream of multiple senses. Out film takes
place in the mind of Marcel Duchamp. It remembers
and imagines the trip to Argentina alongside Yvonne
Chastel, playing chess, drinking, listenting to tango or
sleeping. Some sort of intimate bond with the city, in
which he felt like a true “porteño.”
Competencia Argentina — Argentine Competition

Un viaje a la luna
A Trip to the Moon

A los catorce años, Tomás está entrando en la
adolescencia, ese momento de la vida en el que no solo
hay que enfrentarse a los cambios físicos y emocionales,
sino que también algunos recuerdos empiezan a
tomar formas más traumáticas. Por eso tiene visitas
continuas a un psiquiatra, por eso actúa un poco raro,
es algo ermitaño y soporta como puede la extremada
normalidad de su familia, que muere por que llegue
el verano para ir a un tiempo compartido en la playa,
mientras que Tomás quiere escapar… a la luna. La ópera
prima de Joaquín Cambre cuenta la historia de una
obsesión que toma ribetes de locura, con un personaje
que hace equilibrio entre la candidez y la oscuridad,
con la imaginación como arma letal. Es en ese terreno
donde la película define su condición de coming of age,
un género al que responde con los mejores elementos:
hay un trauma que dejar atrás, una obsesión que guía el
camino, un grupo familiar del que hay que distinguirse,
y aparece, sobre todo, la posibilidad de un amor. Ese que
hace que el tiempo no avance, y que dicta las mejores
canciones. Y también está esa luna, que cuando está
roja predice que algo importante está por suceder.
At fourteen years of age, Tomás is entering
adolescence, that time in your life in which not only
do you have to face physical and emotional changes,
but in which there are also memories that start taking
more traumatic forms. That is why he continuously
visits a psychiatrist, why he acts a bit weird. He is a bit
of a hermit, bearing, as much as he can, the extreme
normalcy of his family, who are dying for summer
to arrive so they can go to a time share at the beach,
while Tomás wants to escape… to the moon. Joaquín
Cambre’s first feature tells the story of an obsession
that borders on insanity, with a character balancing
between innocence and darkness, his imagination a
lethal weapon. It is in this terrain that the film defines
itself as a coming-of-age, a genre it answers to with
the best elements: some trauma to leave behind, an
obsession that guides the way, and a family from which
to distinguish himself. And, above all, the possibility of
love appears; that which makes time stop, and which
dictates the best songs. And also, there is the moon,
which, when it is red, foretells that something important
is about to happen.

Joaquín Cambre Nació en 1977 en Buenos Aires. Realizó más de 200 videoclips
y comerciales con los que obtuvo varios premios y nominaciones. Dirigió los
cortometrajes Pinchame (2003) y Gambeteando la vida (2004), y el telefilm Poquita
ropa (2010). Un viaje a la luna es su primer largometraje.Eng Born in Buenos Aires
in 1977, he has made more than 200 music videos and commercials, for which he
received many awards and nominations. He directed the shorts Pinchame (2003) and
Gambeteando la vida (2004) and the TV movie Poquita ropa (2010). A Trip to the Moon is
his first theatrical feature.

Contacto / Contact
Joaquín Cambre
Argentina, 2017 / 87’ / DCP / Color / Español - Spanish
T +54 9 11 4970 0675
D: Joaquín Cambre G: Laura Farhi, Joaquín Cambre F: Nicolás Trovato E: Nicolás
E jcambre@gmail.com
Goldbart DA: Alejandra Isler S: Bechen de Loredo M: Emilio Haro, Gabriel Barredo
moveyourfilm@
P: Joaquín Cambre, Diego Peskinsm Pablo Leva, Humberto Garza CP: Virgen Films
gmail.com
I: Ángelo Mutti Spinetta, Leticia Brédice, Germán Palacios, Ángela Torres, Luca Tedesco,
W jcambre.com
Luis Machín
/viajealalunalapelicula

Notas del director
Un viaje a la luna nos permite viajar por la mente de un
chico que está entrando en la adolescencia. El film está
contado absolutamente desde su mirada, delirante,
fantasiosa y en busca de respuestas. La transición entre
la niñez y la adultez, el primer amor y la locura son los
pilares de esta historia que tiene a la luna como gran
incógnita y obsesión del protagonista. El personaje
de Tomás se va haciendo cada vez más dueño de la
película, y su visión de la realidad se va distorsionando
mientras la trama avanza. Su estado de locura va
convirtiendo la aparente calma de la primera mitad en
un estado de turbulencia en el cual todos los personajes
se muestran frágiles.
117
Director's Statement
A Trip to the Moon allows us to travel through the mind
of a boy who is entering adolescence. The film is told
completely through his eyes, delirious, fanciful and
looking for answers. The transition between childhood
and adulthood, the first love and madness are the pillars
of this story that has the Moon as great mystery and
obsession of the protagonist. The character of Tomas
owns the film more and more, and his view of reality
becomes distorted as the plot moves forward. His state of
madness is turning the apparent calm of the first half into
a state of turbulence in which all characters appear fragile.
 119

Competencia
Argentina de
Cortometrajes
—
Argentine Short Film
Competition

120 ¡No!
120 Despechada
121 Doce clavos
121 En la sorprendente era de la comunicación
122 Miedo
122 Motocross
123 Pasión oriental
123 Pixied
124 Son
124 Y ahora elogiemos las películas
Competencia ARGENTINA de Cortos — ARGENTINE Short Film Competition

¡No! — No!
Argentina, 2017 / 12’ / DM /
Color / Español - Spanish
D, G: Pedro Maccarone, Max
Franco F: Florencia Labat
E: Pedro Maccarone
DA: Julieta Nguyen
S, M: Nicolás Requena
P: Natalia Fernández
CP: Tungsteno Films I: Alberto
Ajaka, Pía Romano, Natalia
Fernández, Pedro Maccarone,
Max Franco
En Argentina una mujer es asesinada cada 18 In Argentina, a woman is murdered every 18 hours
Contacto / Contact
horas por violencia de género. Esta historia, en tiempo as a consequence of violence against women. This story,
Tungsteno Films
real, son todas sus historias. En 18 horas esto volverá told in real time, is all their stories. In 18 hours this will
Pedro Maccarone
a suceder. ¡No! es un pedido de auxilio. Una queja a la happen again. No! is a cry for help. A lament against the
T +54 9 11 5933 7447
incesante impunidad. Un reclamo de justicia. endless impunity. A demand for justice.
E ukpulp@gmail.com
W tungstenofilms.com
Pedro Maccarone & Max Franco Se conocieron cursando la carrera de dirección y producción de cine /tungstenofilms
y TV en 2004, cuando formaron Tungsteno Films. Entre sus trabajos se encuentran los cortos Carnada, 2
Dudes, 1 Van y ¿Dónde está Susan?, programados en la sección Las Venas Abiertas de esta edición del Festival.
Eng They met while studying Film and TV Direction and Production in 2004, the year they formed
Tungsteno Films. Their works include the shorts Carnada, 2 Dudes, 1 Van and ¿Dónde está Susan? which were
programmed at the Open Wounds section of this edition of the Festival.

Despechada — Crushed
Argentina, 2017 / 13’ / DM /
Color / Español - Spanish
D, G, I: Jazmín Stuart F: Lucas
Timerman E: Ignacio Stella
S: Jésica Suárez M: Camilo
Sesto, Cannonball Adderley
P: Jazmín Stuart, Lucas
Timerman, Eugenia Marano,
Ana Franca Ostrovsky

Contacto / Contact
Jazmín Stuart
T +54 11 4403 9271
Llueve. Una mujer espera dentro de un auto It’s raining. A woman is waiting inside a parked
E jazminstuart@gmail.com
estacionado. Escucha maníacamente la canción car. She maniacally listens to the song that makes
que la hace llorar, mientras monta guardia en la her cry, as she stakes out the home of the man
puerta del hombre que la abandonó. who dumped her.

Jazmín Stuart Es directora, guionista y actriz. Siempre en paralelo a su labor actoral, en 2012 estrenó su
primer largometraje Desmadre, y en 2015 el segundo, Pistas para volver a casa. Escribió y dirigió Depto, serie
web de UN3TV, y acaba de finalizar el rodaje de su tercer largo, Recreo. Eng She is a director, screenwriter
and actress. Always working in parallel with her acting, in 2012 she released her first feature, Desmadre,
and in 2015, her second one, Pistas para volver a casa. She wrote and directed Depto, a UN3TV web series,
and has just finished shooting her third film, Recreo.
 121

Doce clavos — Twelve Nails

Argentina, 2017 / 15’ / DCP /
Color / Español - Spanish
D, G: Paula Hernández
F: Iván Gierasinchuk E: Rosario
Suárez DA: Julieta Dolinsky
S: Martín Grignaschi P: Paula
Hernández, Paula Zyngierman
CP: Maravilla Cine I: Valeria
Lois, Edgardo Castro

Madrugada. Ana duerme sola en una cama de dos
plazas. El celular suena y, aturdida, enciende la luz
del velador. Con cierto resquemor, se levanta de la
cama y, a las 2 AM de una noche de esas a las que les
sale humo por la boca, emprende la tarea de asearse,
vestirse, maquillarse, caminar hacia la avenida y
subirse a un taxi que la conducirá hacia la otra punta
de la ciudad, para adentrarse en algo más que la
oscuridad de la noche.
Contacto / Contact
Maravilla Cine
Paula Hernández
Late night. Ana is sleeping alone in a double bed. Her
T +54 11 4776 6727
cellphone rings. Dazed, she turns on the bedside lamp to
+54 9 11 5015 0500
shake off her sleep. Reluctantly, she gets out of bed and, at
E pauher2@gmail.com
2 AM on one of those nights when you can see the vapor
pauzyn@gmail.com
of your breath, she showers, gets dressed, puts on her
makeup, walks to the avenue and takes a cab to the other
side of town, so she can go deep into something more
than the darkness of the night.An emotional turning point
during the final stretch of a relationship.

Paula Hernández Nació en Buenos Aires en 1969. Directora, guionista y productora, realizó varios
cortometrajes, el documental Familia Lugones (2007), la miniserie Vientos de agua (2005), y los
largometrajes Herencia (2001), Lluvia (2008) y Un amor (2011). Eng Born in Buenos Aires in 1969, she is a
director, screenwriter and producer. She has made shorts, the documentary Familia Lugones (2007), the
miniseries Vientos de agua (2005), and the films Herencia (2001), Lluvia (2008) and Un amor (2011).

En la sorprendente era de la comunicación

In the Amazing Communication Age
Argentina, 2017 / 15’ / DCP /
Color / Español - Spanish
D, E, P: Augusto González Polo
G: Augusto González Polo,
Alejandro Jovic F: Augusto
González Polo, Sergio Toledo
DA: Daniel Manrique
S: Hernán Ruiz Navarrete
M: Las Liebres CP: Momento
Naranja I: Marcelo Márquez,
Javier Scholles, Juan Emilio
González, Vanesa Klate
Un hombre intenta romper con la rutina de su A man tries to break away from the routine of
Contacto / Contact
aislado pueblo apelando a nuevas redes sociales que, the isolated town where he lives by using new social
Momento Naranja
según dicen, le permitirían conocer posibles parejas. networks that, some say, would make it possible for
Augusto González Polo
him to meet potential lovers.
T +54 9 11 4088 3708
E info@
momentonaranja.com.ar
momentonaranja@
Augusto González Polo Nació en 1979 en Corrientes, Argentina. Director y guionista, dirigió Capital (Todo gmail.com
el mundo va a Buenos Aires) (2007), Cualquier(a) noche (2001) y Granada y al paraíso (2016). Eng He was born W momentonaranja.com.ar/
in 1979 in Corrientes, Argentina. A director and writer, he directed Capital (Todo el mundo va a Buenos Aires) era-2
(2007), Cualquier(a) noche (2001) and Granada y al paraíso (2016). momentonaranja
Competencia ARGENTINA de Cortos — ARGENTINE Short Film Competition

Miedo — Fear
Argentina, 2017 / 10’ / DCP /
Color / Español - Spanish
D, G: Juan Pablo Menchon
F: Malena Vázquez DA: Julieta
Vázquez, Marcela Tazzioli
S: Sebastián Pappalardo
M: Felipe Quintans P: Sofía
Carricaburu CP: Linternazul
I: Ariel Rodríguez, El Pequeño

Lucas tiene 9 años y El Pira 8, pero parece mas viejo,
como todos los perros. En la inmensidad del campo,
en la noche más oscura, esperan. Un aleteo lejano, esa
pelotita de colores, un diente flojo, la cadena de la bici,
el cohete de Astro que despega, la luz del vapor en la
pileta, la mirada de Bela, el jugo y las galletitas. En el
horizonte, las primeras luces. Lucas apaga la linterna
con la que jugaban y se prepara. A veces una historia de
miedo puede ser también una historia de valentía.
Contacto / Contact
Linternazul
Juan Pablo Menchon
Lucas is nine years old and El Pira is eight,
T +54 9 11 6500 3044
though he seems older, like all dogs. In the immensity
E nomegustalacebolla@
of the countryside, in the darkest of nights, they wait.
gmail.com
A flapping of wings from afar, that small colored ball,
one loose tooth, the bicycle’s chain, Astro’s rocket
launching, the light of the steam in the pool, Bela’s
gaze, the juice, and the cookies. In the horizon, the
first lights. Lucas switches off the flashlight they were
playing with and gets ready. Sometimes a scary story
can also be a story of courage.

Juan Pablo Menchon Nació en Dolores, provincia de Buenos Aires. Estudió montaje en la ENERC y trabajó
en muchos largos, cortos y videos nacionales e internacionales como editor y asistente de montaje. Miedo
es su primer trabajo como director. Eng Born in Dolores, province of Buenos Aires, he studied editing at
ENERC and worked on many feature length films, short and international and national videos as an editor
and assistant editor. Miedo is his first film as a director.

Motocross
Argentina, 2017 / 15’ / DM /
Color / Español - Spanish
D, G: Francisco Chiapparo
F: Ignacio Oyuela E: Leonardo
Funes DA: Noelia Volpe
S: Martín Scaglia P: Leonardo
Funes, Francisco Chiapparo
CP: Paraíso Films I: Verónica
Gerez, Rocío Muñoz,
Santiago Nader

Contacto / Contact
Paraíso Films
Vero es actriz y está desempleada. Ensaya para Vero is an unemployed actress rehearsing for
Leonardo Funes
presentarse a un casting de conductora en un an audition, for a job as a TV host in a motocross
T +54 11 6194 3870
programa de motocross de El Garage. Renata, su show in El Garage. Her friend Renata is helping
E lezefunes@gmail.com
amiga, la ayuda a pasar letra a la vez que busca her with her lines and trying to discourage her.
fmchiapparo@gmail.com
desalentarla. ¿Qué sería mala suerte? ¿Conseguir What would be considered bad luck in this case?
el trabajo o no conseguirlo? Getting the job or not getting it?

Francisco Chiapparo Nació en Buenos Aires en 1986. Realizador audiovisual, editor y docente, estudió
Diseño de Imagen y Sonido en la UBA. Dirigió el largometraje Son ellas (2016) y codirigió el cortometraje
De día la noche (2015). Eng Born in Buenos Aires in 1986, he is an audiovisual director, editor and teacher.
He studied Image and Sound Design at the UBA, and directed the feature length film Son ellas (2016) and
co-directed the short De día la noche (2015).
 123

Pasión oriental — Oriental Passion

Argentina, 2017 / 13’ / DM /
Color / Español - Spanish
D, G: Santiago Korovsky
F: Luciano Badaracco E: Ana
Godoy, Santiago Korovsky,
Milena Travaglia, Florencia
Gomez Garcia DA: Vicky
Chacón S: Mariano Sosa, Javier
Fernandez Jensen, Edgardo
Fernández P: Florencia Clerico,
Santiago Korovsky, Paloma
Torras I: Julieta Novelli,
Santiago Korovsky
Una pareja llega a la habitación oriental de un A couple arrives at the Eastern room of a motel,
hotel de alojamiento, en el que puede llegar a in what may be their last encounter before
Contacto / Contact
ser su último encuentro antes de separarse por separating indefinitely. A short film about the
Santiago Korovsky
tiempo indefinido. Un cortometraje sobre las difficulties of surrendering and committing to
T +54 9 11 3458 2685
dificultades para entregarse y comprometerse, someone, and also the loneliness one can feel
+54 11 4571 9567
y sobre la soledad que uno puede sentir aun even if she or her is with someone.
E santiagokoro@gmail.com
estando acompañado.
Palomatorras1@gmail.com
/pasioncorto
Santiago Korovsky Nació en 1985 en Buenos Aires. Dirigió el documental Salir a escena, el cortometraje El
año pasado en Mardelplá y la serie web Algo de Carlos. Como actor participó en la película Mamá se fue de viaje y
en la series Tiempo libre, El galán de Venecia y Periodismo total, entre otras. Eng He was born in 1985 in Buenos
Aires. He directed the documentary Salir a escena, the short film El año pasado en Mardelplá, and the web
series Algo de Carlos. As an actor, he starred in Mamá se fue de viaje and series Tiempo libre, El galán de Venecia
and Periodismo total, entre otras.

Pixied
Argentina, 2017 / 9’ / DM /
Color
D, : Agostina Ravazzola,
Gabriela Sorroza
G, E, DA, P: Agostina Ravazzola,
Gabriela Sorroza, Belén
Tagliabue F: Belén Tagliabue
S: Martín Scaglia M: Urraka
CP: Indias Films I: Pablo
Anguiano

El Sr. Pix cree que tiene un don: piensa que mueve Mr. Pix believes he has a gift: he thinks he can move Contacto / Contact
los objetos con solo desearlo. Así, todos los días la objects with his mind. So, every day the shaver shaves FilmsToFestivals
afeitadora lo afeita, la cafetera le prepara el café, him, the coffee machine makes coffee, etc. But one day Gisela Chicolino
etc. Pero un día se da cuenta de que vive en una he realizes he lives in a fantasy, and that the objects T +54 9 11 2450 1740
ilusión, y que los objetos se mueven solos sin seguir actually don't follow his orders. Mr. Pix will try to unravel E info@filmstofestivals.com
sus órdenes. El Sr. Pix buscará descubrir el misterio the mystery as he tries to run from these objects, filmstofestivals@gmail.com
mientras intenta escapar de los objetos, ya que ellos because they intend to bring him back to his routine. W filmstofestivals.com
pretenden devolverlo a su rutina. El Sr. Pix es un He is a character in a film, but he doesn’t know it.Mr. Pix /Pixiedshortfilm
personaje de un film, pero no lo sabe. is a character in a film, but he doesn’t know it.
Agostina Ravazzola & Gabriela Sorroza Agostina se especializó en producción y animación. Trabaja en cine,
TV y publicidad desde 2008, y dirigió el corto El puente. Estudió Diseño de Imagen y Sonido en la UBA. Gabriela es
animadora y motion grapher, y forma parte del equipo de Comunicación del Ministerio de Cultura de la Nación.
Eng She specialized in production and animation. She has been working in film, TV and advertising since 2008
and directed the short El puente. Gabriela is an animator and motion grapher, and is part of the Communication
Team of the Ministry of Culture of the Nation.puente competed at many festivals around the world.
Competencia ARGENTINA de Cortos — ARGENTINE Short Film Competition

Son
Estados Unidos - USA, 2017 / 8’
DCP / Color / Inglés - English
D, G: Alejo Santos F: Federico
Cantini E: Alejo Santos
S: Gaspar Scheuer
P: Lucía Aguirre, Carlos
Berrizbeitia, Alejo Santos
I: Kevin Johansen

A mediados del siglo xix, Konstantin Tsiolkovsky dijo:
“La Tierra es la cuna del hombre, pero no se puede vivir
en una cuna eternamente”. Más de dos siglos después,
el hombre busca, sin resultados, un nuevo hogar. A
través del tiempo y el espacio, el astronauta Martínez
manda un mensaje a su hijo. Serán duras palabras
sobre el futuro y el presente de la Tierra.
Contacto / Contact
Alejo Santos
T +54 9 11 5579 8178
E alejosantos.as@gmail.com
In the mid-19th century, Konstantin Tsiolkovsky
said: “Earth is the cradle of man, but you cannot
live in a cradle forever.” More than two centuries
later, man is seeking a new home, to no avail.
Astronaut Martínez sends a message to his son
through time and space. Harsh words about
Earth’s future and present time.

Alejo Santos Nació en Buenos Aires y estudió en la Universidad del Cine. Trabaja en cine y publicidad
como editor. Fue seleccionado para participar en el Talents Buenos Aires 2015 y el Talents Berlín 2016.
Dirigió los cortometrajes Matar a un perro (2013, 28º Festival) y Weltende. Eng Born in Buenos Aires, he
studied at the Universidad del Cine, and works as an editor in film and advertising. He was selected to
take part in Talents Buenos Aires 2015 and Talents Berlin 2016. He directed the shorts Matar a un perro
(2013, 28th Festival) and Weltende.

Y ahora elogiemos las películas

Let Us Now Praise Movies
Argentina, 2017 / 15’ / DCP
/ Color / Español / Inglés -
Spanish / English
D, G: Nicolás Zukerfeld
F: Fernando Lockett E: Malena
Solarz, Nicolás Zukerfeld
DA: Brenda Greco S: Valeria
Fernandez P: Rogelio Navarro
CP: Fidelia Cine I: Lucas
Granero, Nicolás Daniluk,
Mariana de la Mata, Agustín
Gagliardi
Lucas trabaja en una librería y escribe en una Lucas works at a stationery store and writes for
Contacto / Contact
revista de cine. Conoce a Mariana, que fotocopia su DNI. a film magazine. He meets Mariana, who needs to
Fidelia Cine
También a Nicolás, un historietista. Se reencuentra con Xerox her ID card. And Nicolás, a cartoonist. He reunites
Rogelio Navarro
Agustín, que es mozo y produce cine independiente. with Agustín, who works as a waiter and produces
T +54 9 11 3110 5446
Y ahora elogiemos las películas es una semblanza de las independent films. Y ahora elogiemos las películas sketches
+54 9 11 4091 1982
pequeñas tareas que son la base fundamental de las the small tasks that are the foundation of the great
E nzukerfeld@gmail.com
grandes obras de arte. works of art.
rogelio.navarro@
Nicolás Zukerfeld Egresado de la Universidad del Cine, continúa allí su actividad como docente. Escribe cinefidelia.com
crítica y realizó diversos cortometrajes. Codirigió el largometraje colectivo A propósito de Buenos Aires (2006) W fidelia-cine.com
y el largometraje El invierno llega después del otoño (2016), este último junto a Malena Solarz. Eng After
graduating from the Universidad del Cine, he continued on there as a teacher. He writes critiques and has made
a number of short films. He served as part of the directing team of the collective feature length film A propósito
de Buenos Aires (2006) and co-directed El invierno llega después del otoño (2016), together with Malena Solarz.
work in progress 125

¿Qué clase de joven

le abre la puerta a un vampiro?
Carlos Damián Rodríguez, Martiniano Zurita

El hijo del cazador

Federico Robles, Germán Scelso

El motoarrebatador
Agustín Toscano

Existir
Gabriel Grieco

Hebreos 13:2
Fernando Domínguez

La ciudad y los árboles

Marcos Rodríguez

La luna representa mi corazón

Juan Martín Hsu

La película infinita
Leandro Listorti

La rompiente
Juan Schnitman

La yunga
Gala Negrello

Los pasos
Renzo Blanc

Lucy y el gramófono
Rubén Guzmán

Mochila de plomo
Darío Mascambroni

Vendrán lluvias suaves

Iván Fund
Proyecciones
Especiales
—
Special
Screenings
 127

128 Lumière. L'Aventure commence

129 Margaret
130 Sea Sorrow

mardelplatafilmfest.com
PROYECCIONES ESPECIALES — SPECIAL SCREENINGS

Lumière! L'Aventure commence

Lumière! La aventura comienza

Los hermanos Lumière han sido universalmente
considerados los padres del cine: su primera serie de películas
de un solo plano y de menos de un minuto marcaron el primer
paso de una revolución artística. Pero pocos espectadores hoy
tienen idea de lo increíbles que son estas películas. Ahora,
en un programa que sirve de ejemplo del enorme esfuerzo
de Thierry, copias recientemente restauradas de decenas de
estas obras maestras pueden apreciarse de la manera en que
fueron concebidas. Estas joyas breves contienen todas las
características del cine: risas, lágrimas, espectáculo, sorpresas
e imágenes imponentes. ¿Son documentales? Sí pero, como
Godard señaló hace años, es restrictivo pensar en ellas como
solamente eso, ya que mucho del mundo que registraron de
forma tan fiel es hoy tan remoto para nosotros que parece de
ciencia ficción. O, como dice André Bazin, estas películas nos
dan acceso a una emoción que nunca antes había existido: una
nostalgia que no es la nuestra. Peter Scarlet
The Lumière Brothers have long been universally hailed
as the fathers of cinema: their first-ever series of single-shot
films, each running less than a minute, marked the first step in
an artistic revolution. But few spectators today have any idea of
how stunning these films are. Now, in a program embodying
dozens of these timeless masterpieces can be appreciated the
way they were intended to be seen. These brief jewels contain
all the characteristics of movies– laughter, tears, spectacle,
surprises, and breathtaking sights. Are they documentaries?
Yes, but as Godard pointed our years ago, it’s limiting to think of
them only that way - since much of the world they captured so
faithfully is now as remote to us as science fiction. Or, as André
Bazin noted, these films give us access to an emotion that had
never existed before: a nostalgia that is not our own. PS

Thierry Frémaux
Nació en 1960 en Tullins-Fures, Francia. Es el actual director del Institut Lumière y del Festival de Contacto/Contact
Cine de Cannes. Tiene una maestría en Historia Contemporánea de la Lumière University Lyon 2. Wild Bunch
Lumière! es su primera película como director. Eng He was born in Tullins-Fures, France, in E sales@wildbunch.eu
1960, and is the current director of the Insititut Lumière and the Cannes Film Festival. He has a W wildbunch.eu
Master’s degree in contemporary history from the Lumière University Lyon 2. Lumière! Is his first
film as a director.

Francia - France, 2016 / 90’ / DCP / B&N / Francés - French

D: Thierry Frémaux G: Bertrand Tavernier, Thierry Frémaux E: Thierry Frémaux, Thomas Valette,
Fabrice Calzettoni, Maëlle Arnaud M: Camille Saint-Saëns P: Bertrand Tavernier, Thierry Frémaux
CP: Institut Lumière I: Auguste Lumière, Louis Lumière, Martin Scorsese, Thierry Frémaux
 129

Margaret

Margaret (Anna Paquin) es una adolescente que, tras presenciar Margaret

un accidente de tránsito en el que muere una mujer, comienza a
convencerse de que es la culpable de dicha tragedia. Esa situación
afecta su cotidianeidad, su ánimo, sus relaciones, cambia su her everyday life, her mood, her relationships, changing her life
vida por completo. Pero esa es solo la trama que dispara una completely. But that is only the plot that triggers a film of many

dilemas morales y (des)conexiones con la realidad, y que articula
discusiones sobre la percepción de las cosas. Igual de compleja
es la historia detrás de la segunda película de Kenneth Lonergan,
quien años después ganaría un Oscar por su guion de Manchester
by the Sea. La versión original del director, como así también una
serie de sucesivos cortes pedidos por distintos productores, fue
rechazada, lo cual postergó el estreno de la película por cinco
años. El 32º Festival tiene el honor de proyectar, por primera vez en
Argentina, la versión original realizada por el director, figura clave
del cine independiente americano, quien este año nos visitará
para formar parte del jurado de la competencia internacional.
with reality, and articulates discussions on the perception of
things. Equally complex is the history behind the second film by
Kenneth Lonergan, who would go on to win an Oscar years later
for his script for Manchester by the Sea. The director's original cut, as
well as a series of follow up cuts demanded by various producers,
were all rejected, resulting in a five year delay in the film's release.
The 32nd edition of the festival is honored to screen, for the first
time ever in Argentina, the original cut by a director who is a key
figure of American independent cinema, and who we are proud
to have serving on this year's international jury.

Kenneth Lonergan
Nació en 1962 en el barrio de Bronx, en Nueva York. Es dramaturgo, guionista y director de cine. Contacto/Contact
Escribió el guion de Analízame (1999) y de Pandillas de Nueva York (2002), y dirigió los films Puedes Park Circus Films
contar conmigo (2000) y Manchester junto al mar (2016). Eng Born in the borough of the Bronx, in Graham Fulton
New York City, he is a playwright, screenwriter and film director. He wrote the scripts for Analyze
T +44 0 141 332 2175
This (1999) and Gangs of New York (2002), and directed the films You Can Count on Me (2000) and
E graham@parkcircus.com
Manchester by the Sea (2016).
W parkcircus.com
Estados Unidos - USA, 2011 / 186’ / DCP / Color / Inglés - English /parkcircusfilms
D, G: Kenneth Lonergan F: Ryszard Lenczewski E: Scott Brock, Mike Fay, Anne McCabe DA: James @ParkCircusFilms
Donahue, Dan Leigh S: Michael Barosky M: Nic Ratner, Dan Bora, Christian Rutledge P: Blair park.circus.films
Breard, Gary Gilbert, Anthony Minghella, Sydney Pollack, Scott Rudin CP: Fox Searchlight Pictures,
Gilbert Films, Mirage Enterprises I:
Jeannie Berlin, Jean Reno
proyecciones especiales — special screenings

Sea Sorrow

Con Sea Sorrow, la actriz Vanessa Redgrave da sus primeros
pasos como directora. A los ochenta años. ¿Por qué una
actriz consagrada como ella decidió volcarse a la dirección
recién ahora? Hay un hecho puntual, y es que Redgrave
decidió realizar este documental cuando vio aquella
desgarradora y viralizada imagen del pequeño Alan Kurdi
muerto en la orilla del mar. Pero la realidad es que Redgrave
viene trabajando con refugiados desde hace muchísimos
años, y esta película no es más que la extensión natural
de su activismo. El título de la película viene de uno de los
monólogos de Próspero en La tempestad de Shakespeare, que
Ralph Fiennes recita en un momento de la película. El resto
incluye imágenes de archivo y a la propia Redgrave contando
hechos de su infancia en Londres durante la Segunda Guerra
Mundial, en conexión directa con la crisis actual.
With Sea Sorrow, actress Vanessa Redgrave takes her
first steps as a director. At the age of eighty. Why did
such an established performer only now decide to turn to
filmmaking? There’s a particular reason for this, and it’s
that she decided to make this documentary when she saw
that piercing image of little Alan Kurdi lying dead on the
seashore. But the truth is that Redgrave has been working
with refugees for a very long time, and this film is nothing
more than a natural extension of her activism. The film’s title
comes from one of Prospero’s monologues in Shakespeare’s
The Tempest, which Ralph Fiennes recites in one of the film’s
scenes. The rest includes archive images and Redgrave
herself talking about events from her childhood in London
during World War II, which she relates to the current crisis.

Vanessa Redgrave
Nació en 1937 en Greenwich, Inglaterra. Es actriz de cine, teatro y televisión. Algunos de los Contacto/Contact
films en los que participó: Blow-Up (1966), Asesinato en el Expreso de Oriente (1974) y Expiación, Autlook Films
deseo y pecado (2007). Sea Sorrow es su primera película como directora. Eng Born in Greenwich, Youn Ji
England, in 1937, she is a film, theater and television actress. She has acted in numerous films E youn@autlookfilms.com
including Blow-Up (1966), Murder on the Orient Express (1974) and Atonement (2007). Sea Sorrow is W autlookfilms.com
her first film as a director.

Reino Unido - UK, 2016 / 74’ / DCP / Color / Inglés - English

D: Vanessa Redgrave F: Andrew Dearden E: Folasade Oyeleye S: Martin Clark, Ariel Sultan
P: Carlo Nero CP: Dissent Projects LTD I: Vanessa Redgrave, Ralph Fiennes, Martin Sherman,
Alfred Dubs, Emma Thompson
Panorama
133

mardelplatafilmfest.com
 135

Autores
—
Auteurs

136 12 jours 154 La forma del agua

137 120 battements par minute 155 Last Flag Flying
138 9 Fingers 156 Le Vénérable W.
139 Also Known As Jihadi 157 Lucky
140 Barbara 158 Marea humana
141 Caniba 159 Marshall
142 Claire's Camera 160 Mrs. Fang
143 El día después 161 Madame Hyde
144 Coco 162 Napalm
145 En el séptimo día 163 Outrage: Coda
146 Ex Libris – New York Public Library  164 Piazza Vittorio
147 Félicité 165 The Dead Nation
148 Grandeur et décadence d'un petit 166 Thirst Street
commerce de cinéma 167 Tres avisos por un crimen
149 How We Live - Messages to 168 Visages Villages
the Family 169 Wonderstruck
150 I Want to 170 Hello, Horse!
151 João, o maestro 171 Où en êtes-vous, João
152 L’Héroïque lande, la frontière brûle Pedro Rodrigues?
153 La batalla de los sexos 172 Fajr
PANORAMA AUTORES — Auteurs

12 jours
12 Days / 12 días
Bajo la ley francesa, en un plazo de doce días todas las personas
que fueron ingresadas contra su voluntad en un hospital
psiquiátrico deben tener una entrevista con un juez, que de
acuerdo con la conversación que mantenga con el paciente y su
historia clínica definirá si esa persona puede reinsertarse en la
sociedad o deberá permanecer bajo observación. La instancia
puede volverse tan fría e injusta como lo indica su premisa, y 12
jours pone el foco en las sensaciones e historias de vida que estos
pacientes exponen en las entrevistas que atraviesan en un hospital
de Lyon: hay testimonios desgarradores y momentos de mayor
liviandad, y Depardon emprende una aproximación empática y
humana a cada uno de ellos, que invariablemente transmiten la
angustia de no poder continuar normalmente con sus vidas, o al
menos enfrentar los recuerdos y las ideas que los persiguen.
Under French law, within a twelve-day window, all the people
who have been admitted to a psychiatric hospital against
their will must have an interview with a judge who, based
on the conversation they have with the patient, will decide
whether that person can be reinserted into society or must
remain under observation. That instance can become as cold
and unjust as its premise indicates, and 12 jours focuses on
the sensations and life stories these patients reveal in the
interviews they are subjected to at a hospital in Lyon. There
are some harrowing testimonies as well as lighter moments,
and Depardon’s approach is empathetic and human, while the
patients invariably transmit their anguish for not being able
to carry on normally with their lives, or at least confront the
memories and ideas that haunt them.

Raymond Depardon
Nació en Francia en 1942. Fotógrafo, fotoperiodista y realizador, es un referente del cine Contacto / Contact
documental contemporáneo. Entre sus películas se encuentran Reporters (1981), La cautiva del Wild Bunch
desierto (1990), Un homme sans l’Occident (2002), Profils paysans, le quotidien (2005) y Diario de Francia Eva Diederix,
(2012, 27º Festival). Eng He was born in France in 1942. A photographer, photojournalist and Silvia Simonutti
filmmaker, he is a model of contemporary documentary filmmaking. His films include Reporters T +33 0 493 997 354
(1981), Captive of the Desert (1990), Untouched by the West (2002), Profils paysans, le quotidien (2005) E ediederix@
and Journal de France (2012, 27th Festival). wildbunch.eu
ssimonutti@
Francia - France, 2017 / 87’ / DCP / Color / Francés - French wildbunch.eu
D, F: Raymond Depardon E: Simon Jacquet S: Claudine Nougaret M: Alexandre Desplat W wildbunch.biz/movie/12-
P: Claudine Nougaret CP: Wild Bunch, Palatine Etoile 14 days
 137

120 battements par minute

120 Beats Per Minute / 120 pulsaciones por minuto
Los dificultosos primeros años de lucha contra el sida fueron muy
documentados, pero en el caso de 120 battements par minute el
ángulo la vuelve novedosa. Está tratada de una manera vibrante
y energética, como si la cámara estuviera en medio del campo de
batalla. El centro del film es la actividad, a principios de los 90 en
Francia, de la organización ACT UP, un grupo de 50 personas que
decide actuar de manera directa y brutal para llamar la atención
sobre el HIV, mientras los laboratorios demoran sus nuevas
medicaciones y el gobierno no hace campañas para concientizar.
La urgencia inicial va dando paso a una segunda parte más grave,
en la que algunos activistas empiezan a sufrir los efectos de la
enfermedad. Y es allí cuando cobra gran protagonismo Sean (Nahuel
Pérez Biscayart), uno de los miembros más combativos. Es un film
vivo y urgente, que habla de la muerte pero lo hace con humor y sin
excesivo sentimentalismo ni un abuso de los lugares comunes en los
que a veces han caído otros films sobre este tema. Diego Lerer
The difficult first years of the struggle against AIDS were widely
documented, but in the case of 120 Beats per Minute manages to
find a different angle on the story. The treatment of the subject is
vibrant and energetic, as though the camera were in the middle of
a battlefield. The center of the film is the activity, in early 90s France,
of the ACT UP organization, a group of 50 people who decided to act
in a forceful, direct manner in order to attract attention to HIV, while
laboratories delayed their new medications and the government
would not launch any awareness campaigns. The initial urgency
paves the way for a severer second part, in which some activists start
suffering from the effects of the disease. It is at this pointy that Sean
(Nahuel Pérez Biscayart), one of the organization’s most combative
members, gains more importance. 120 BPM is an intense, urgent
film that talks about death but does so with humor and without
becoming excessively sentimental or abusing the clichés present in
other films about this subject matter. DL

Robin Campillo
Nació en 1962 en Francia. Es guionista, editor y director de cine. Guionó El empleo del tiempo (2001) y Contacto / Contact
Entre los muros (2008), de Laurent Cantet. Realizó los largometrajes Les Revenants (2004, adaptado CDI Films
en EE.UU. como serie de TV bajo el nombre de The Returned en 2015), y Eastern Boys (2013). Eng Born T +54 11 4373 7967
in France in 1962, he is a screenwriter, editor and director. He wrote Laurent Cantet’s Time Out (2001) +54 11 4374 4219
and The Class (2008). He made the film The Returned (2004, adapted in the US as a TV series), and E info@cdifilms.com.ar
Eastern Boys (2013). W cdifilms.com.ar
PlaytimeIntl
Francia - France, 2017 /140’ / DCP / Color / Francés - French
D, E: Robin Campillo G: Robin Campillo, Philippe Mangeot F: Jeanne Lapoirie
P: Hugues Charbonneau, Marie-Ange Lucian CP: Les Films de Pierre I: Nahuel Pérez Biscayart,
Arnaud Valois, Adèle Haenel, Antoine Reinartz
PANORAMA AUTORES — Auteurs

9 Fingers
9 Doigts / 9 dedos
Ganadora del premio a Mejor Director en Locarno, la nueva obra
del músico y poeta punk F. J. Ossang comienza como un film noir,
filmado en nítidos 35mm en blanco y negro. Una noche, en una
estación de tren abandonada, un hombre llamado Magloire está
fumando un cigarrillo cuando, de repente, aparece la policía para
pedir documentos. Magloire comienza a correr, sin equipaje y
sin futuro, hasta que se encuentra con un hombre moribundo de
quien hereda una fortuna. Ni bien esa enorme cantidad de dinero
llega a sus manos, los problemas comienzan. Una pandilla liderada
por un hombre llamado Kurtz lo persigue, y pronto lo convertirán
primero en rehén, y luego en cómplice. Luego de un robo frustrado,
todos deberán huir en un buque de carga que lleva algo peligroso
y volátil. Nada sale como debía –el veneno y la locura contaminan
a todos–, y ahora los hombres de Kurtz parecen ser piezas de una
conspiración liderada por el misterioso “9 Dedos”.
A winner of the Best Director award at the last edition of the
Locarno Film Festival, the latest from punk musician and poet F.
J. Ossang opens like in a film noir, shot in a crisp, black and white
35mm. One night, in an abandoned train station, a man called
Magloire is smoking a cigarette when the police shows up for
an ID check. He starts running, with no luggage and no future,
until he meets a dying man from whom he inherits a fortune.
As soon as he gets his hands on this huge amount of money,
thought, trouble begins. A gang lead by a man named Kurtz is
on on his heels, and will soon make him a hostage first… and an
accomplice later. After an aborted break-in, they will all have
to flee aboard a cargo ship with a dangerous volatile freight.
Nothing happens as it was supposed to be –poison and madness
contaminate everybody– as Kurtz’s men now seem to be the
pawns of a conspiracy, led by the mysterious “9 Fingers.”

F.J. Ossang
Nació en Francia en 1956. Estudió filosofía y derecho antes de entrar al Instituto de Altos Estudios Contacto / Contact
Cinematográficos en 1981. Entre sus películas se encuentran The Case of the Morituri Divisions (1985, Capricci Films – FR
Competencia Oficial en el Festival de Cannes), Docteur Chance (1997, 13º Festival) y Dharma Guns E international@capricci.fr
(2010). Eng Born in France in 1956, he studied philosophy and law before beginning his studies at the /capricci
Instituto de Altos Estudios Cinematográficos in 1981. His films include The Case of the Morituri Divisions
(1985, Official Competition at Cannes), Doctor Chance (1997, 13th Festival) and Dharma Guns (2010).

Francia / Portugal - France / Portugal, 2017 / 90’ / DCP / B&N /Francés - French
D, G: F. J. Ossang F: Simon Roca E: Walter Mauriot DA: Rafael Mathias Monteiro S: Julien Cloquet
M: Jack Belsen P: Sébastien Haguenaue, Bruce Satarenko, Luis Urbano CP: 10:15 Productions,
OSS/100 films & documents, O som e a furia I: Paul Hamy, Damien Bonnard, Pascal Greggory,
Gaspard Ulliel, Lisa Hartmann
 139

Also Known As Jihadi

También conocido como Yihadi
En 1969, el director japonés de vanguardia Masao Adachi dirigió
A.K.A. Serial Killer, el retrato del asesino serial de 19 años Noro
Nagayama que ilustra la “teoría del paisaje” de Adachi, el cual reza
que, cuando un paisaje está bien descripto y filmado con oficio,
puede revelar las estructuras de opresión que le dieron forma y que
sigue transmitiendo. La famosa ópera prima de Éric Baudelaire fue
sobre Adachi, pero el tema del paisaje atrapado en medio de su
doble status –como un enigma silencioso y un texto a descifrar–
también impulsa sus otras películas y su trabajo fotográfico. Aquí,
Baudelaire se apropia del método “paisaje” y lo aplica a un joven
jihadista francés. Haciendo uso de documentos legales, la película
retrata la vida de un joven nacido en Vitry. La cámara filma el
hospital donde nació, luego el colegio secundario al que asistió, su
universidad, su lugar de trabajo, luego su viaje a Egipto, Turquía y,
finalmente, el camino hacia Alepo, donde se unió al frente de Al-
Nusra en 2012. Jean-Pierre Rehm (Catálogo de FIDMarseille)
In 1969, avant-garde Japanese film director Masao Adachi directed
A.K.A. Serial Killer, a portrait of a 19-year-old serial killer Noro
Nagayama that illustrates Adachi’s “landscape theory”, according
to which once a landscape is well-described and skilfully filmed,
it can reveal the structures of oppression that have shaped it and
that it keeps transmitting. Éric Baudelaire’s famous first feature
film was about Adachi, but the issue of landscape caught between
its double status –at once a silent enigma and a text to decipher–
is also driving his other films and photography work. In this one,
Baudelaire takes over the “landscape” method and applies it to a
young French jihadist. Exploiting some legal documents, the film
follows the life path of a young man who was born in Vitry. The
camera films the maternity hospital, then the boy’s high school, his
university, his work place, then his trip to Egypt, Turkey and finally
the road to Aleppo, where he joined the Al-Nusra front in 2012.
JPR (FIDMarseille Catalog)

Eric Baudelaire
Nació en Salt Lake City, Utah, en 1973 y estudió en la Universidad Brown. Realizó los cortometrajes Contacto / Contact
[SIC] (2009) y The Makes (2010) y los largos L’Anabase de May et Fusako Shigenobu, Masao Adachi et 27 Phantom
années sans images (2011), The Ugly One (2013) y Letters to Max (2014), todos ellos de amplio recorrido T +33 0 180 060 834
en festivales internacionales. Eng Born in Salt Lake City, Utah in 1973, he studied at Brown E diff@
University. He made the short films [SIC] (2009) and The Makes (2010), and the feature length films lafabrique-phantom.org
L’Anabase de May et Fusako Shigenobu, Masao Adachi et 27 années sans images (2011), The Ugly One (2013)
and Letters to Max (2014), all of which were widely shown on the international film festival circuit.

Francia - France, 2017 / 101’ / DCP / Color / Francés - French

D, G: Eric Baudelaire F: Claire Mathon, Alan Guichaoua E: Claire Atherton S: Nicolas Becker, Claire
Atherton P: Olivier Marboeuf, Eric Baudelaire, Alexandra Delage, Cédric Walter CP: Spectre
Productions
PANORAMA AUTORES — Auteurs

foto: Roger Arpajou

Barbara
Barbara (1930-1997) fue un ícono de la canción francesa,
aunque no resultó tan famosa fuera de su país. Mathieu Amalric
se desmarca por completo de los lugares comunes de la biopic y
del documental de tributo para construir un film algo caótico (a
la Tournée) pero absolutamente fascinante. Cine dentro del cine
(Amalric es también el director de una película sobre Barbara
que tiene como protagonista a una actriz llamada Brigitte
que interpreta Jeanne Balibar): estamos ante una sucesión de
situaciones ficcionales, de recreaciones, de shows en vivo, de
grabaciones de discos, de ensayos y de amores apasionados con
algo de falso making of, musical y road movie. Balibar está en
todo su esplendor como actriz, cantante y pianista. Más allá de
los parecidos físicos, del trabajo con la voz y de la mimetización
de los gestos y movimientos de la artista real, Amalric ofrece
una obra llena de matices para dar vida en pantalla a una mujer
excéntrica, desbordante y en muchos sentidos extrema hasta lo
irritante. Diego Batlle
Barbara (1930-1997) was a Franch chanson icon, even though
she did not achieve as much fame outside her country. Mathieu
Amalric steers clear from every biopic and tribute documentary
cliché in order to build a somewhat chaotic (a-la-On Tour), but
absolutely fascinating, film. A film within a film (Amalric also
plays the director of a film about Barbara starring an actress
named Brigitte, played by Jeanne Balibar): we are in front of a
series of fictional situations, reenactments, live shows, album
recordings, rehearsals, and passionate loves that are part fake
behind-the-scenes, part musical, and part road movie. Balibar
shines as an actress, a singer and a pianist. Apart from her
physical resemblance, the work done with her voice and the
perfect imitation of the gestures and movements of the real
artist, Amalric offers a work filled with subtleties when giving
onscreen life to a woman who was eccentric, overwhelming
and in many ways extreme to the point of becoming irritating.
DB

Mathieu Amalric
Nació en Francia en 1965. Trabajó como actor para cineastas como Alain Resnais, Arnaud Contacto / Contact
Desplechin y Tsai Ming-liang. Entre sus trabajos como director se encuentran los largometrajes Gaumont
Le Stade de Wimbledon (2001, 21º Festival), Tournée (2010, 25º Festival) y El cuarto azul (2014; Astor Ariane Buhl
de Plata al Mejor Director, 29º Festival). Eng Born in France in 1965, he as worked an actor for T +33 146 432 180
filmmakers such as Alain Resnais, Arnaud Desplechin and Tsai Ming-liang. His works as a director E ariane.buhl@
include the feature length films Wimbledon Stage (2001, 21st Festival), On Tour (2010, 25th Festival) gaumont.com
and The Blue Room (2014; Astor de Plata for the Best Director, 29th Festival).

Francia - France, 2017 97’ / DCP / Color / Francés - French

D: Mathieu Amalric G: Mathieu Amalric, Philippe Di Folco F: Christophe Beaucarne
E: François Gedigier DA: Laurent Baude S: Olivier Mauvezin P: Patrick Godeau CP: Waiting for Cinema
I: Jeanne Balibar, Mathieu Amalric, Vincent Peirani, Fanny Imber, Marc Bodnar, Pierre Léon
 141

Caniba
Caniba, muy perturbador retrato en forma de entrevista de Issei
Sagawa –quien fue encarcelado y deportado de París en 1981 por
asesinar y comerse a la estudiante holandesa Renée Hartevelt–,
se dirige con osadía a territorios inesperados al convertirse en un
relato shakespereano acerca de los celos y la rivalidad entre Sagawa
y su hermano, quien lo cuida desde que el primero tuvo un ACV
unos años atrás. Semiparalizado, recluido en las afueras de Tokio
y en busca de expiación, Sagawa no tiene problemas en hablar de
su crimen, de su propio deseo de ser consumido y de la fama que
adquirió: luego de su regreso a Japón, intentó vivir de su reputación
publicando mangas morbosos, convirtiéndose en crítico de sushi e
incursionando en el cine porno. En Caniba, el canibalismo se revela
como algo mucho más intrínseco a la condición humana que lo
que muchos de nosotros podríamos suponer. Esta inquietante obra
de etnografía sensorial es claramente no apta para espectadores
impresionables o con problemas cardíacos. Andréa Picard
(Catálogo Festival de Toronto)
A deeply disturbing interview-portrait of Issei Sagawa
–who was imprisoned and deported from Paris in 1981 for
murdering and cannibalizing Dutch student Renée Hartevelt–
Caniba heads boldly into unforeseen territory, morphing into a
Shakespearean tale of the jealousy and rivalry between Sagawa
and his brother, who takes care of him ever since Sagawa
suffered a stroke a few years ago. Semi-paralyzed, housebound
on the outskirts of Tokyo, and seeking atonement, Sagawa is
forthcoming about his crime, his own wish to be consumed,
and the fame he acquired: after his return to Japan, he sought
to make a living off of his notoriety by publishing gruesome
mangas, becoming a sushi critic, and dabbling in porn films. In
Caniba, cannibalism is revealed as something far more intrinsic
to the human condition than most us of would suppose. This
unnerving work of sensory ethnography is definitely not for the
squeamish or faint of heart. AP (TIFF Catalog)

Vérena Paravel & Lucien Castaing-Taylor

Vérena nació en Suiza en 1971 y Lucien en el Reino Unido en 1966. Sus films y videos en conjunto Contacto / Contact
fueron proyectados en festivales como CPH: DOX, Locarno y Berlín. Dirigieron el proyecto en Elle Driver
cuatro partes Canst Thou Draw Out Leviathan with a Hook (2012-2016), y su documental Leviathan T +33 156 434 870
(2012) ganó el premio FIPRESCI en Locarno. Eng Vérena was born in Switzerland in 1971 and Lucien E sales@elledriver.eu
in the UK in 1966. Their joint films and videos were screened at such festivals as CPH:DOX, Locarno W elledriver.fr
and Berlin. They directed the four-part project Canst Thou Draw Out Leviathan with a Hook (2012-
2016) and the documentary Leviathan (2012) which won the FIPRESCI award at Locarno.

Francia - France, 2017 / 95’ / DCP / Color / Japonés - Japanese

D, F, E, P: Vérena Paravel, Lucien Castaing-Taylor S: Nao Nakazawa, Véréna Paravel, Lucien Castaing-
Taylor I: Norte Productions, Sensory, Ethnography Lab
PANORAMA AUTORES — Auteurs

Claire's Camera
Keul-le-eo-ui ka-me-la / La cámara de Claire

La sola presencia de Kim Min-hee debería justificar por
sí sola la existencia de cualquier película, no solo las de Hong
Sang-soo. Sin embargo, una gran parte de la crítica no supo –o no
quiso– ver en Claire’s Camera algo más que un simple divertimento.
En un mundo cada vez más oscuro y tenebroso, una película
bella, breve y luminosa pareciera no merecer ser tomada en serio.
Claire’s Camera fue filmada en pocos días durante el Festival de
Cannes y estrenada un año después en el mismo evento. En su
trama, la joven asistente de una empresa dedicada a la venta
internacional de películas es despedida de su trabajo a causa de
una supuesta infidelidad, lo que la llevará a recorrer sin destino
las calles y escenarios típicos de la ciudad. Claire y su cámara, sin
saberlo, registrarán a los protagonistas de estos amores cruzados,
con el trasfondo de una bella y pequeña ciudad que, año tras año,
se ve invadida por un ruidoso festival de cine. Marcelo Alderete
The very presence of Kim Min-hee should be enough to
justify the existence of any film, not only one by Hong Sang-
soo. However, most critics weren’t able –or didn’t want– to see
in Claire’s Camera something more than simple entertainment.
In a world as increasingly dark and gloomy as this one, a
beautiful, short, luminous film doesn’t seem to deserve to be
taken seriously. Claire’s Camera was shot in a few days during
the Cannes Film Festival and premiered there one year later. In
it, the young assistant at a company devoted to international
film sales is fired from her job due to a supposed infidelity,
which will lead her to aimlessly walking the typical streets and
sceneries of the city. Without realizing it, Claire and her camera
will capture the protagonists of those crossed loves, with
the backdrop of a small, beautiful city that, year after year, is
invaded by a noisy film festival. MA

Corea del Sur / Francia - South Korea / France, 2017 / 69’ / DCP / Color / Coreano / Inglés / Francés Contacto / Contact
- Korean / English / French Jour2Fête
D, G: Hong Sang-soo F: Lee Jinkeun E: Hahm Sungwon S: Kim Mir M: Dalpalan P: Kang Taeu T +33 175 432 682
CP: Jeonwonsa Film Co I: I: Isabelle Huppert, Kim Min-hee, Chang Mi-hee, Jung Jin-young, E sales@jour2fete.com
Yoon Hee-sun, Lee Wan-min, Kang Taeu, Shahira Fahmy, Mark Peranson W jour2fete.com
 143

El día después
Geu-hu / The Day After

El día después, contracara de la luminosa Claire’s Camera, está
filmada en blanco y negro en la ciudad de Seúl durante el crudo
invierno coreano, y la mayoría de sus escasas escenas transcurren
durante la noche. La intensidad que atraviesan algunas de
sus secuencias (algo que, sospechamos, la llevó a ocupar un
lugar en la Selección Oficial en Cannes) llaman la atención
en el cine de Hong Sang-soo. No así su trama, otra variación
sobre las relaciones maritales y las infidelidades. Peleas (a los
gritos y golpes), llantos, recriminaciones (justas y de las otras)
y discusiones que parecen comentar algunos datos recientes
de la vida del director. En un año con tres películas (todas
protagonizadas por su musa Kim Min-hee), Hong demuestra que
su cine no se detiene ante nada y que la ficción, a veces, puede
servir para tratar de entender la vida. O, al menos, reescribirla
como un triste cuento moral. Marcelo Alderete
The Day After, flipside of the luminous Claire’s Camera, was
shot in black and white in the city of Seoul during the raw
Korean winter, and most of its bare scenes take place at night.
The intensity of some of its sequences (which we suspect led
to its becoming part of the Cannes’ official selection) are quite
rare for a Hong Sang-soo film. Not so its plot: a variation on
marital relationships and infidelities. Fighting (with shouts
and blows), crying, recriminations (both fair and otherwise)
and arguments that seem to comment on some recent events
in the director’s life. In a year with three films (all of them
starring his muse Kim Min-hee), Hong shows that his cinema
stops at nothing, and that fiction can sometimes be useful for
trying to understand life. Or, at least, for rewriting it as a sad
moral tale. MA

Hong Sang-Soo
Nació en Corea del Sur en 1960, y estudió cine en la Universidad de Chung-Ang. Debutó como Contacto / Contact
director de largometrajes con The Day a Pig Fell into the Well (1996); lo siguieron, entre otros, Night Zeta Films
and Day (2008), En otro país (2012), Our Sunhi (2013; 28º Festival), Hill of Freedom (2014; 29º Festival), Carlos Zumbo
Right Now, Wrong Then (2015; 30º Festival) y Yourself and Yours (2016, 31º Festival). Eng Born in South T +54 11 4371 4801
Korea in 1960, he studied film at the Chng-Ang University. He made his debut as a feature-film E info@zetafilms.com
director with The Day a Pig Fell into the Well (1996); followed by, Night and Day (2008), In Another W zetafilms.com
Country (2012), Our Sunhi (2013; 28th Festival), Hill of Freedom (2014; 29th Festival), Right Now, Wrong @zeta_films
Then (2015; 30th Festival), and Yourself and Yours (2016, 31th Festival).

Corea del Sur - South Korea, 2017 / 92’ / DCP / B&N / Coreano - Korean
D, G, M: Hong Sang-soo F: Kim Hyung-koo I: Kwon Haeh-yo, Kim Min-hee, Kim Sae-byuk,
Cho Yun-hee
PANORAMA AUTORES — Auteurs

Coco

Monsters Inc. y Cars 2 ya nos habían anticipado que para
Pixar las fronteras fueron hechas para ser cruzadas (y no para ser
reforzadas con muros construidos para dividir pueblos a pura
demagogia). Así que no es ninguna sorpresa que los creadores
de Toy Story 3 se sumerjan ahora en la tradición mexicana del
Día de los Muertos. Coco cuenta la historia de Miguel, un niño
mexicano que sueña con convertirse en músico consagrado
como su ídolo Ernesto de la Cruz (Benjamin Bratt en la voz
original en inglés), a pesar de la incomprensible prohibición de la
música en su familia. Desesperado por probar su talento, Miguel
terminará envuelto en una misteriosa cadena de eventos, en la
impresionante y colorida Tierra de los Muertos. En el camino, se
cruzará con el simpático timador Héctor (Gael García Bernal), y
juntos se embarcarán en una extraordinaria travesía para develar
la verdadera razón detrás de la historia familiar del protagonista.
Monsters Inc. and Cars 2 had already suggested to
us that, for Pixar, borders were meant to be crossed (and
not reinforced with walls built to divide people for pure
demagoguery). So it’s no surprise that the creators of Toy
Story 3 delve deep into the Mexican tradition of the Day of
the Dead. Coco tells the story of Miguel, a Mexican kid who
dreams of becoming a renowned musician just like his idol
Ernesto de la Cruz (Benjamin Bratt in the original English
voice), in spite of the inexplicable ban on music in his family.
Desperate for proving his talent, Miguel will end up embroiled
in a mysterious chain of events, in the impressive and colorful
Land of the Dead. On his way, he meets likeable con artist
Héctor (Gael García Bernal), and together they embark on an
extraordinary journey to reveal the true reason behind the
main character’s family history.

Lee Unkrich & Adrián Molina

Lee nació en 1967 en Ohio, Estados Unidos. Codirigió los films Toy Story 2 (1999), Monsters Inc. (2001) Contacto / Contact
y Buscando a Nemo (2003). Toy Story 3 fue su debut como director en solitario. Adrián es animador The Walt Disney Company
y guionista. Trabajó como animador en varias películas de Pixar; entre ellas, Ratatouille (2007) y Latin America
Monsters University (2013). Eng Born in Ohio in 1967, Lee co-directed the films Toy Story 2 (1999), Maitena de Amorrortu
Monsters, Inc. (2001) and Finding Nemo (2003). Toy Story 3 (2010) was his debut as a solo director. T +54 230 426 2027
Adrián is an animation artist and scriptwriter. He worked in several Pixar films, including Ratatouille E maitena.de.amorrortu@
(2007) and Monsters University (2013). disney.com
W disneylatino.com

Estados Unidos - USA, 2017 / 99’ / DCP / Color / Inglés - English

D: Lee Unkrich, Adrián Molina P: Darla K. Anderson I: Gael García Bernal, Anthony Gonzalez,
Benjamin Bratt, Renée Victor
 145

En el séptimo día
On the Seventh Day
En el séptimo día cuenta una historia pequeña pero de resonancias
tan universales como actuales: un grupo de amables inmigrantes
mexicanos de Puebla pasan sus días trabajando en restaurantes
o en la construcción. Viven en Brooklyn, todos juntos, en
un pequeño departamento donde comparten el trabajo, la
cotidianeidad y la pasión por el fútbol. Con emoción y delicadeza,
la película retrata la situación de estos hombres que, ilegales,
trabajan, comparten y viven sin resignar sus tradiciones ni su
idioma. Un particular dialecto los une, les da una identidad, y a
la vez marca la diferencia entre ellos y los norteamericanos. Cada
encuadre replica la idea de la película: la unión en ese pequeño
lugar en el que viven, la solidaridad, el disfrute del fútbol. Así, se
van apropiando del espacio de Sunset Park, urbano y ajeno, por
el que hacen extensos recorridos en bicicleta o caminando. En un
ir y venir se intensifica su condición de nómades en un país que,
ahora más que nunca, los repele. Marcela Gamberini
On the Seventh Day tells a story that is small but has
repercussions as universal as they are current: a group of amiable
Mexican immigrants from Puebla spend their days working in
restaurants and construction jobs. They live together in Brooklyn,
in a small apartment where they share their work, their everyday
life and their passion for soccer. With emotion and delicacy, the
film depicts the situation of these man who, being illegal, work
and live without giving up their traditions and their language. A
particular dialect brings them together, gives them an identity
and at the same time, makes the difference between them and
North Americans. Each framing replicates the film’s idea –the
union in that small place they live in, their solidarity, their taste
for soccer. In this way, they start making their own the urban, alien
space in Sunset Park where they take long walks and rides on
their bikes. Their comings and goings intensify their condition as
nomads in a country that, now more than ever, repels them. MG

Jim McKay
Nació en 1962 en Nueva Jersey. Es director, guionista y productor, y cofundador de C-Hundred Film Contacto / Contact
Corp. Con su primera película de ficción, Girls Town (1995), obtuvo el Premio Especial del Jurado en Cinetic Media
Sundance. Sus otros largometrajes han tenido un gran reconocimiento internacional. Además, John Sloss, Eric Sloss
dirigió varias episodios de series de TV, como The Wire, Big Love y Mr.Robot.. Eng Born in 1962 in New T +1 212 204 7979
Jersey, he is a director, script writer and producer and co-founder of C-Hundred Film Corp. His first E john@
feature length film Girls Town (1995) won the Special Jury Award at Sundance. His other feature films cineticmedia.com
have been very well recognized internationally. He has also director various episodes of television eric@
shows such as The Wire, Big Love and Mr.Robot. cineticmedia.com

Estados Unidos - USA, 2017 / 92’ / DCP / Español / Inglés - Spanish / English
D, G: Jim McKay F: Charles Libin E: Karim López DA: Maite Pérez-Nievas P: Jim McKay, Michael Stipe,
John S. Johnson, Charles Miller, Naomi Spiro I: Fernando Cardona, Gilberto Jimenez, Abel Pérez,
Genoel Ramírez, Alfonso Velázquez
PANORAMA AUTORES — Auteurs

foto: Zipporah Films

Ex Libris – New York Public Library 
Ex Libris - Biblioteca pública de Nueva York
Infatigable retratista de la realidad norteamericana, el
octogenario Frederick Wiseman ahonda en su interés por
diseccionar el funcionamiento de las instituciones. Ahora,
el director de Titicut Follies descubre en los entresijos de la
Biblioteca de Nueva York no solo un ejemplo de ética aplicada
al servicio público sino, sobre todo, un punto de encuentro
para las diferentes sensibilidades y realidades que forman el
multiétnico tejido social de esa gran ciudad, en la que, por
ejemplo, podemos encontrar a Elvis Costello y Patti Smith
presentando sus proyectos literarios. Como ocurría en Boxing
Gym, el retrato incisivo pero inevitablemente parcial que
construye Wiseman deviene, hoy más que nunca, una suerte de
utopía estadounidense, un discreto manifiesto sobre el valor del
conocimiento como herramienta de progreso, y sobre la nobleza
del compromiso individual con el bien común. Manu Yáñez
Indefatigable portraitist of the reality of the U.S.,
octogenarian Frederick Wiseman delves into his interest for
dissecting the workings of institutions. This time, the director
of Titicut Follies discovers the intricacies of the New York Public
Library, not just an example of applied ethics at the service
of the public, but rather, and above all, a meeting point of
different sensitivities and realities that form the multiethnic
social fabric of that great city in which, for example, we can
find Elvis Costello and Patti Smith presenting their library
projects. As occurred in Boxing Gym, the incisive but inevitably
partial portrait that Wiseman constructs becomes, now more
than ever, a kind of U.S. utopia, a discrete manifesto about
the value of knowledge as a tool for progress, and about the
nobility of the individual’s commitment to the common
good. MY

Frederick Wiseman
Nació en Boston en 1930. Es uno de los documentalistas más renombrados del mundo, y dirigió Contacto / Contact
decenas de películas, como The Cool World (1963), Titicut Follies (1967), High School (1968), Hospital Zipporah Films, Inc.
(1970), Missile (1987), Ballet (1995), Boxing Gym (2010), Crazy Horse (2011, 26 º Festival) y En Berkeley Emily Glaser
(2013, 28º Festival), entre otras. Eng Born in Boston in 1930, he is one of the most renowned T +1 617 576 3603
documentary filmmakers in the world and has directed dozens of films including The Cool World E info@zipporah.com
(1963), Titicut Follies (1967), High School (1968), Hospital (1970), Missile (1987), Ballet (1995), Boxing Gym W zipporah.com
(2010), Crazy Horse (2011, 26th Festival) and At Berkeley (2013, 28th Festival). /ZipporahFilmsInc
@ZipporahFilms
exlibristhemovie

Estados Unidos - USA, 2017 / 197’ / DCP / Color /Inglés - English

D, E, S, P: Frederick Wiseman F: John Davey CP: EX LIBRIS Films, LLC
 147

Félicité

La vida en Kinshasa, capital de la República Democrática
del Congo, no ofrece muchas posibilidades a sus habitantes.
Y Félicité, una mujer fuerte e independiente que canta en
un bar, no es la excepción. Aunque la clientela parezca no
prestarle atención, ella se entrega a su música con una fuerza
estremecedora. Cuando su hijo sufre un accidente, corre al
hospital para enterarse de que la operación que el adolescente
necesita cuesta mucho más de lo que tiene. Inicia así una
carrera desesperada por las empobrecidas calles de la ciudad
en busca de ayuda. Pero, cuando todo parece un mar de
desolación, la persona menos esperada se ofrece a estar cerca
para tallar soluciones: Tabu, el borracho del bar. Con una
estética naturalista, no exenta de lirismo, el director abre la
puerta a la vida de Kinshasa, y a la de Félicité en particular. Sus
mini recitales, intercalados a lo largo de la película, nos ofrecen
un contrapunto dramático de su difícil realidad.
Life in Kinshasa, the capital of the Democratic Republic of
the Congo, does not offer many possibilities to its inhabitants.
And Félicité, a strong, independent woman who sings at a bar,
is no exception. Even though the clientele doesn’t seem to pay
any attention to her, she surrenders herself to her music with
a powerfully heartrending strength. When her son suffers an
accident, she rushes to the hospital to find out that the cost
of the operation the teenager needs is much more than she
has. And so begins a desperate race through the impoverished
streets of the city in search of help. However, when everything
seems to be a sea of grief, the most unexpected of people
offers to stay near to carve out solutions: Tabu, the bar’s drunk.
With a naturalist aesthetic that does not lack lyricism, the
director opens the door to life in Kinshasa and that of Félicité in
particular. Her mini shows, interspersed throughout the film,
offer us a dramatic counterpoint to her difficult reality.

Alain Gomis
Nació en 1972 en Francia, con origen senegalés. Estudió una maestría de cine en la Sorbonne. Contacto / Contact
Dirigió los largometrajes L'afrance (2001), ganador del León de Plata en Locarno, Andalucia (2007), Jour2Fête
Aujourd’hui (2012) y Les Délices du monde (2013). Eng He was born in France in 1972, of Senegalese T +33 175 432 682
origin, and received a Master’s degree in film at La Sorbonne. He directed the feature films E sales@jour2fete.com
L'afrance (2001), winner of the Silver Lion at Locarno, Andalucia (2007), Today (2012) and Les Delices W jour2fete.com
du monde (2013).

Francia / Senegal - France / Senegal, 2016 / 123’ / DCP / Color / Lingala

D, G: Alain Gomis F: Céline Bozon E: Fabrice Rouaud DA: Oumar Sall S: Benoit De Clerck,
Jean-Pierre Laforce, Fred Meert M: The Kasaï Allstars P: Arnaud Dommerc, Alain Gomis, Omar Sall
CP: Andolfi, Cinekap I: Véro Tshanda Beya, Gaetan Claudia, Papi Mpaka
PANORAMA AUTORES — Auteurs

Grandeur et décadence d'un petit

commerce de cinéma
The Rise and Fall of a Small Film Company
Ascenso y caída de una pequeña compañía cinematográfica
El director Gaspard Bazin prepara una película y hace un casting
buscando a sus intérpretes. Su productor es Jean Almereyda,
quien se encuentra en bancarrota y es perseguido de manera
violenta por sus acreedores. Eurydice, la esposa del productor,
participa del casting con la ilusión de convertirse en una estrella.
La historia debía ser una adaptación de The Soft Centre, de James
Hadley Chase, de acuerdo con el encargo de la recién privatizada
emisora TF1, pero, esperablemente, Jean-Luc Godard llevó el
asunto hacia un manifiesto inquieto y profundo en defensa del
cine, frente al avance arrollador de la televisión. A tres décadas
de su realización, la película permaneció inédita hasta este año y
llega a la pantalla grande en nuestro país por primera vez, con el
enorme Jean-Pierre Léaud como protagonista y una sorprendente
actualidad en una época en la que el séptimo arte pareciera estar
nuevamente en jaque por otra forma masiva de exhibición.
The director Gaspard Bazin is preparing to make a film and
holds a casting to find his actors. His producer is Jean Almereyda
who is bankrupt and being violently pursued by his creditors.
Eurydice, the producer’s wife, participates in the casting, hoping
to become a star. The story should have been an adaptation
of James Hadley Chase’s The Soft Centre, according to the
commission of the then recently privatized TF1 television station,
however – as could be expected – Jean-Luc Godard turned the
subject into a disturbing and deep defense of cinema, faced
with the devastating advance of television. Three decades after
it was finished, the film remained unreleased until this year, and
it reaches our theaters for the first time ever, with the great Jean-
Pierre Léaud as the lead of a surprisingly current film in a time
when cinema appears to be, once again, threatened by a massive
form of audiovisual exhibition.

Jean-Luc Godard
Nació en París en 1930. Mítico realizador de la Nouvelle Vague, dirigió, entre muchas otras, Sin Contacto / Contact
aliento (1960), Vivir su vida (1962), El desprecio (1963), La Chinoise (1967), Nouvelle Vague (1990), Elogio Capricci Films
del amor (2001, 17º Festival) y Notre Musique (2004, 20º Festival). Eng Born in Paris in 1930, he is E international@capricci.fr
the mythic filmmaker of the French New Wave. He has directed, among his many films, Breathless /capricci
(1960), My Life to Live (1962), Contempt (1963), La Chinoise (1967), New Wave (1990), In Praise of Love
(2001, 17th Festival) and Our Music (2004, 20th Festival).

Francia - France, 1986 / 90’ / DCP / Color / Francés - French

D: Jean-Luc Godard G: James Hadley Chase F: Caroline Champetier, Serge Le François S: François
Musy, Pierre-Alain Besse I: Jean-Pierre Léaud, Jean-Pierre Mocky
 149

How We Live - Messages to the Family

So leben wir - botschaften an die familie
Cómo vivimos - Mensajes a la familia
“Imaginen que estamos sentados en casa, que la pantalla está
puesta, el proyector está listo y empezamos a ver películas juntos”,
sugiere la voz calma del director al comienzo de How We Live. El
film asume esa misma calma al emprender este viaje vía películas
amateur tomadas de archivos de Austria, Italia, Holanda e
Inglaterra. Para eso se vale de un amplio despliegue arqueológico
de formatos en forma de carta: de antiguas películas familiares
a color a imágenes digitales de celulares y de Skype. Los registros
familiares que estructuran la película son como postales en
movimiento, y narran varias vidas y caminos de vida del siglo XX.
Pero también hablan del cine como herramienta de la vida diaria
que sirve como puente entre distancias temporales que lograron
que la “familia del hombre” fuera posible como comunidad,
con biografías que están cada vez más marcadas por patrones
migratorios. Alejandro Bachmann
“Imagine we are sitting at home, the screen is set up,
the projector ready, and we start watching home movies
together,” suggests the calm voice of the director at the
beginning of How We Live. The film assumes this same calm
as it undertakes its journey via amateur film recordings
gathered from archives in Austria, Italy, Holland and England.
The film employs a broad media-archeological array in the
form of letter writing: from color home movies to video and
digital cell phone images to Skype. The family recordings that
structure the film are like moving postcards, telling of various
lives and life paths from the 20th century. But they also speak
to the medium of film as a tool of everyday life, to a function of
bridging distances that have come to make the “family of man”
possible as a community, its biographies increasingly marked
by migratory patterns. AB

Gustav Deutsch
Nació en Austria en 1952. Realizador, entre otras, de la emblemática serie Film.ist, compuesta por Contacto / Contact
los documentales Film ist. (1-6) (1998), Film ist. (7-12) (2002) y FILM IST. Una chica y una pistola (2009), sixpackfilm
y de Shirley - Visiones de la realidad (2013), su primera película de ficción, todas proyectadas en el
Brigitta Burger-Utzer
foco que le dedicó el 30º Festival. Eng Born in Austria in 1952, he made, among other works, the
T +43 1526 0990
emblematic Film.ist series, made up of the documentaries Film ist. (1-6) (1998), Film ist. (7-12) (2002)
E office@
and FILM IST. A Girl & a Gun (2009), and Shirley – Visions of Reality (2013), his first fiction film, all of
sixpackfilm.com
them screened as part of the 30th Festival focus dedicated to his work.

Austria, 2017 / 107’ / DCP / Color - B&N / Alemán / Inglés / Francés - German / English / French
D, G, E: Gustav Deutsch F: Gustav Deutsch, Mostafa Tabbou S: Johannes Schmelzer-Ziringer M: Christian
Fennesz P: Gabriele Kranzelbinder CP: KGP Kranzelbinder Gabriele
PANORAMA AUTORES — Auteurs

I Want to
Delam Mikhad / Quiero
El escritor Bahram Farzaneh atraviesa un bloqueo creativo,
y tras sufrir un accidente automovilístico descubre el poder de
una canción que lo pone en movimiento, física y creativamente. El
argumento es simple, y tiene una referencia ineludible: “Esta es la
historia del Irán de hoy, y esa música es el señor Rouhaní”, expresó
el director Bahman Farmanara. Se refería sin rodeos a la situación
política en su país desde la asunción del nuevo presidente en
2013, que alivianó algunas de las severas restricciones artísticas de
los años previos –las que mantuvieron en prisión a Jafar Panahi y
aún hoy le restringen su derecho a hacer películas–, pero siguen
controlando con recelo la producción cinematográfica: el título
original de esta obra era I Want to Dance, pero la palabra “bailar”
no pasó el filtro de la censura iraní.
Writer Bahram Farzaneh has writer’s block, and after
suffering an automobile accident he discovers the power of a
song that puts him in motion, both physical and creatively. The
plot is simple and has an inescapable reference: “This is the
story of today’s Iran, and that music is Mr. Rouhaní,” director
Bahman Farmanara expressed. He was bluntly referring to
the political situation in his country since the new president
took office in 2013, who softened some of the severe artistic
restrictions from the previous years –those that kept Jafar
Panahi in prison and still restrict his right to make films –, but
still controls film production warily: the film’s original title was
I Want to Dance, but the word “dance” didn’t pass the filter of
Iranian censorship.

Bahman Farmanara
Nació en 1942 y se graduó en la Universidad del Sur de California en 1966. Produjo la primera Contacto / Contact
película de Abbas Kiarostami (The Report, 1974) y dirigió, entre otras, Prince Ehtejab (1973, Quincena LAT-E
de Realizadores), Tall Shadows of the Wind (1976, Semana de la Crítica), Smell of Camphor, Fragrance Florencia Schapiro,
of Jasmine (1996) y A House Built on Water (1998). Eng He was born in 1942 and graduated from the Morgane Bisson
USC in 1966. He produced Abbas Kiarostami’s first feature (The Report, 1974) and directed, among T +9821 6671 1814
others, Prince Ehtejab (1973, Cannes Directors’ Fortnight), Tall Shadows of the Wind (1975, Critics’ +9891 2323 5420
Week), Smell of Camphor, Fragrance of Jasmine (1996) and A House Built on Water (1998). E bahman.farmanara@
gmail.com

Irán - Iran, 2017 / 93’ / DM / Color / Farsi

D: Bahman Farmanara G: Omid Sohrabi, Bahman Farmanara F: Davoud Amiri E: Abbas Ghanjavi
DA: Keyvan Moghadam S: Abbas Rastegarpoor M: Karan Homayounfar P: Ali Taghipour
I: Reza Kianian, Mahnaz Afshar, M. R. Golzar, Armeneh Zeytoonchian
 151

João, o maestro
João, the Maestro / João, el maestro
Oscar Wilde afirmaba que el dolor es el único camino que
conduce a la perfección. Esa frase ilustra la vida de João Carlos
Martins, un pianista brasileño que, tras alcanzar una exitosa
carrera musical, debió luchar con problemas de salud que
amenazaron con terminarla. João, el maestro persigue las huellas
de este personaje, desde su difícil infancia hasta una adultez en
la que su cuerpo se divide entre el placer de sentir la vibración
de los aplausos y las dolencias que le impiden acariciar las teclas
del instrumento. Narrada al pulso de sus conciertos de piano, y
musicalizada con grabaciones originales de Martins, aúna todos
los elementos de las clásicas biografías, poniendo el acento en
la obsesión del protagonista por la música clásica y su perfecta
ejecución. Mauro Lima decide priorizar los pianos enérgicos y evitar
las áreas morbosas, y logra así una obra imponente e inspiradora.
Oscar Wilde stated that pain was the only road to perfection.
That phrase illustrates the life of João Carlos Martins, a Brazilian
pianist who, after achieving a successful music career, had to
struggle with health issues that threatened to end it. João, el
maestro follows the footsteps of this character, from his difficult
childhood to an adulthood in which his body is split between
the pleasure of feeling the vibration of applause and the
maladies that prevent him from caressing the instrument’s keys.
Narrated to the beat of his piano concertos and musicalized
with original recordings by Martins, it combines all the
elements of classic biopics, emphasizing the main character’s
obsession for classical music and its perfect execution. Mauro
Lima chooses to prioritize energetic pianos and avoid morbid
areas, and achieves an impressive, inspiring work.

Mauro Lima
Nació en 1967 en San Pablo. Director y guionista, empezó su carrera a mediados de los noventa
y dirigió, entre otros, los films Louro incendiária (1996), Deus Jr. (2000), Taina 2 - Aventura continua Contacto / Contact
(2004) y su film más celebrado: Meu nome nao é Johnny (2008). Eng He was born in Sao Paulo in LC Barreto
1967. A writer and director, he started his career in the mid-nineties and directed, among others, Paula Barreto
the films Louro incendiária (1996), Deus Jr. (2000), Taina 2 - Aventura continua (2004) and his most T +55 21 981 216 779
celebrated film, My Name Ain’t Johnny.  +55 21 240 8161
E paula@
lcbarreto.com.br
Brasil - Brazil, 2017 / 116’ / DCP / Color / Portugués / Inglés / Español - Portuguese / English / assistentepaula@
Spanish lcbarreto.com.br
D, G: Mauro Lima F: Paulo Vainer E: Julia Pechmann, Bruno Lasevicius DA: Claudio Amaral W lcbarreto.com.br
Peixoto S: François Wolf M: João Carlos Martins P: Paula Barreto, Romulo Marinho CP: LC joaoomaestrofilme.com.br
Barreto, Filmes do Equador I: Alexandre Nero, Rodrigo Pandolfo, Alinne Morais, Caco Ciocler, @joaoomaestrofilme
Fernanda Nobre and Davi Campolongo
PANORAMA AUTORES — Auteurs

L’Héroïque lande, la frontière brûle

The Wild Frontier / La frontera salvaje
Invierno de 2016. La Jungla de Calais es una ciudad en
desarrollo de unos 12.000 habitantes. A comienzos de la
primavera, la zona del sur, sus tiendas, calles y casas son
destruidas por completo. Su población desalojada muda sus
hogares a la zona del norte para encontrar refugio y seguir
viviendo. En el otoño, Francia organiza el desmantelamiento
permanente de la Jungla. Pero la Jungla es un territorio que
muta, una ciudad-mundo, una ciudad del futuro: incluso si es
destruida, siempre resurge de las cenizas. Rodada con jóvenes
atrapados en el descontrol de las guerras, la violencia policial
y sus intentos de cruzar la frontera para llegar a Inglaterra,
L’Héroïque lande, la frontière brûle podría ser un episodio olvidado
de la Odisea de Homero.
Winter 2016. The Calais Jungle is a growing city of about
12,000. In the early spring, the Southern zone, its shops, streets
and houses, are completely destroyed. Its expelled population
move their houses to the Northern zone to find shelter and
keep on living. In the fall, France organizes the permanent
dismantling of the Jungle. But the Jungle is a mutating
territory, a world-city, a city of the future: even if destroyed, it
always rises from its ashes. Shot with young people trapped
in the turmoil of wars, police violence, and their attempts at
crossing the border to get to England, The Wild Frontier could be
a forgotten episode of Homer’s Odyssey.

Nicolas Klotz & Élisabeth Perceval

Nicolas nació en 1954 en Neuilly-sur-Seine, Francia. Dirigió La Nuit Bengali (1988), Paria (2000), La Contacto / Contact
cuestión humana (2007) y Low Life (2011), entre otras películas. Élisabeth es una actriz, guionista y Shellac
directora francesa. Dirigió el corto Mata Atlantica (2016). Eng Nicolas was born in Neuilly-sur Seine, Thomas Ordonneau,
France, in 1954, he directed The Bengali Night (1988), Paria (2000), Heartbeat Detector (2007) and Low
Félicie Roger
Life (2011), among other films. Élisabeth is a French actress, screenwriter and director. She directed
E sales@
the short film Mata Atlantica (2016).
shellac-altern.org
W shellac-altern.org
Francia - France, 2017 / 225’ / DCP / Color /Amárico / Árabe / Inglés / Francés / Turco - Amharic /
Arabic / English / French / Turkish
D: Nicolas Klotz, Élisabeth Perceval F: Nicolas Klotz E: Nicolas Klotz, Élisabeth Perceval S: Mikael
Barre M: Ulysse Klotz P: Thomas Ordonneau, Nicolas Klotz, Élisabeth Perceval, Julien Sigalas
CP: Shellac, Mata Atlantica, Stempel Films
 153

La batalla de los sexos

Battle of the Sexes
El 20 de septiembre de 1973, en el Astrodome de Houston,
el tenista bocón y autodeclarado misógino Bobby Riggs (“amo
a las mujeres, pero en la cama y en la cocina”), campeón de
Roland Garros y Wimbledon, y ya retirado a los 56 años, retó
a duelo a Billie Jean King, de 29 años, militante en defensa
de los derechos de la mujer, y en plena actividad con doce
campeonatos Grand Slam en su haber. Aquello llevó el nombre
de “Batalla de los Sexos”, y fue un tremendo acontecimiento
mediático al borde de lo circense. La dupla de directores de
Pequeña Miss Sunshine recluta a Steve Carell y a Emma Stone
para interpretarlos, y logran transmitir el clima de época con
humor, alegría y sobrado talento. Prepárense para diálogos
chispeantes, relaciones socialmente “controvertidas” y la
perfecta reproducción de un tema de marcada actualidad, aun
décadas después. Un verdadero ace cinematográfico.
On September 20th, 1973, at the Houston Astrodome,
big-mouthed tennis player Bobby Riggs, a self-proclaimed
misogynist (“I love women, but in the bedroom and the
kitchen”), Roland Garros and Wimbledon champion and already
retired at 56, challenged 29-year-old Billie Jean King, a women’s
rights activist and a fully active 12-time Grand Slam champion,
to a duel. It was given the name of “Battle of the Sexes,” and
was a tremendous, circus-like media event. The directing duo
of Little Miss Sunshine recruit Steve Carell and Emma Stone
to play them, and succeed in transmitting the zeitgeist with
humor, joy and lots of talent. Be prepared for some brilliant
dialogue, socially “controversial” relationships and the perfect
reproduction of a subject matter that is very current even
decades later. A true cinematic ace.

Jonathan Dayton & Valerie Faris

Valerie nació en Los Ángeles en 1958, y Jonathan en Alameda en 1957. Comenzaron su carrera Contacto / Contact
dirigiendo el programa de MTV The Cutting Edge y diversos videoclips, y codirigieron Pequeña Miss 20th Century Fox Argentina
Sunshine (2006) y Ruby, la chica de mis sueños (2012). Eng Valerie was born in Los Angeles in 1958, and Cecilia Bianchini
Jonathan, in Alameda in 1957. They started her career directing the MTV show The Cutting Edge and E cecilia.bianchini@
many music videos, and codirected the films Little Miss Sunshine (2006) and Ruby Sparks (2012). fox.com

Estados Unidos - USA, 2017 / 121’ / DCP / Color / Inglés - English

D: Jonathan Dayton, Valerie Faris G: Simon Beaufoy F: Linus Sandgren E: Pamela Martin
DA: Alexander Wei, Judy Becker S: Mildred Iatrou, Jonathan Klein M: Sara Bareilles
P: Danny Boyle, Christian Colson, Robert Graf I: Emma Stone, Steve Carell, Andrea Riseborough,
Natalie Morales, Sarah Silverman
PANORAMA AUTORES — Auteurs

La forma del agua

The Shape of Water
Con el correr de los años y las películas, Guillermo del Toro ha
aprendido el delicado arte de la mutación autoral como pocos,
ajustándose a los distintos proyectos sin perder autenticidad en su voz
cinematográfica. Valgan como prueba las diferencias entre Titanes del
Pacífico y La cumbre escarlata, dos películas que nacen de la cinefilia más
pura y honesta, esa que se cultiva desde la infancia. Aquí, mientras
aprovecha para homenajear al cine y su potencia conmovedora,
Del Toro sublima otra obsesión: el Monstruo de la Laguna Negra. El
resultado es su película más refinada, cuyo centro es una historia de
amor entre una joven muda amante de los musicales y un ser acuático
capturado por las fuerzas militares en plena Guerra Fría. Un elenco
insuperable, romanticismo, humor, suspenso y un impresionante
despliegue visual conforman un relato fantástico en todas las
acepciones de la palabra. Un futuro clásico. Pablo Conde
As years and films go by, Guillermo del Toro has learned
of the delicate art of auteur mutation like few other people,
adjusting to different projects without ever losing authenticity
in his cinematic voice. The differences between Pacific Rim and
Crimson Peak, two films born from the most pure and honest
cinephilia, cultivated since childhood, serve as proof of this.
Here, while getting to pay tribute to film and its power to move,
Del Toro sublimates another obsession: Creature from the Black
Lagoon. The result is his most refined movie, whose center is a
love story between a young mute woman who loves musicals
and a water being captured by military forces in the midst of the
Cold War. An unbeatable cast, romanticism, humor, suspense
and an impressive visual display make up this tale that is, in
every sense of the word, fantastic. A future classic. PC

Guillermo del Toro

Contacto / Contact
Nació en 1964 en Guadalajara, México. Estudió en el Centro de Investigación y Estudios
Cinematográficos. Dentro de su reconocida trayectoria se encuentran films como El laberinto del 20th Century Fox Argentina
fauno (2006), Hellboy (2004) y Titanes del pacífico (2013). Eng Born in Guadalajara, Mexico, in 1964, he Cecilia Bianchini
studied at the Centro de Investigación y Estudios Cinematográficos. His renowned career includes E cecilia.bianchini@
such films as Pan’s Labyrinth (2006), Hellboy (2004) and Pacific Rim (2013). fox.com

Estados Unidos - USA, 2017 / 119’ / DCP / Color / Inglés - English

D: Guillermo del Toro G: Guillermo del Toro, Vanessa Taylor F: Dan Laustsen E: Sidney Wolinsky
DA: Paul Austerberry P: Guillermo del Toro, J. Miles Dale CP: Double Dare You I: Sally Hawkins,
Michael Shannon, Richard Jenkins, Doug Jones, Michael Stuhlbarg, Octavia Spencer
 155

Last Flag Flying

Flamea la última bandera
En esta road movie lírica de Richard Linklater, tan graciosa
como desgarradora, tres veteranos de la armada de la época de
Vietnam –Doc (Steve Carell), de voz suave; Sal (Bryan Cranston),
inestable y sin filtro; y Mueller (Laurence Fishburne), silenciosamente
medido– se reúnen para llevar a cabo una tarea sagrada: el entierro
apropiado para el hijo único de Doc, quien fue muerto en los
primeros días de la invasión en Irak (la conexión que uno puede
encontrar con El último deber, la película de Hal Ashby de 1973, no es
casual: esta película también está basada en una novela de Darryl
Ponicsan). Mientras el trío de viejos amigos viaja por la costa este,
Linklater nos entrega una rica representación de la amistad, un gran
mosaico de la vida común en Estados Unidos durante la era Bush y
una notable meditación sobre el paso del tiempo y la naturaleza de la
verdad. En resumen, Last Flag Flying es una gran película de uno de los
mejores directores de Estados Unidos.
In Richard Linklater’s lyrical road movie, as funny as
it is heartbreaking, three aging Vietnam-era Navy vets—
soft-spoken Doc (Steve Carell), unhinged and unfiltered Sal
(Bryan Cranston), and quietly measured Mueller (Laurence
Fishburne)—reunite to perform a sacred task: the proper burial
of Doc’s only child, who has been killed in the early days of the
Iraq invasion (the connection one might find with Hal Ashby’s
1973 The Last Detail is not coincidental: this one is also based on
a Darryl Ponicsan novel). As this trio of old friends makes its way
up the Eastern seaboard, Linklater gives us a rich rendering of
friendship, a grand mosaic of common life in the USA during
the Bush era, and a striking meditation on the passage of time
and the nature of truth. To put it simply, Last Flag Flying is a great
movie from one of America’s finest filmmakers.

Richard Linklater
Contacto / Contact
Nació en 1960 en Houston, Estados Unidos. Es director, guionista y productor, y una de las figuras
más emblemáticas del cine independiente norteamericano. Dirigió, entre otras, Slacker (1991), DigiCine
Antes del amanecer (1995), Despertando a la vida (2001), Escuela de rock (2003) y Boyhood (2014). Eric Mc Crea Steele
Eng Born in Houston, Texas, in 1960, he is a director, screenwriter and producer, and one of the T +54 11 4314 1900
most emblematic figures of American independent film. He directed Slacker (1991), Before Sunrise +54 9 11 5458 0129
(1995), Waking Life (2001), School of Rock (2003) and Boyhood (2014), among other films. E ericmc@
digicine.com.ar
mgigaglia@
Estados Unidos - USA, 2017 / 124’ / DCP / Color / Inglés - English imagemfilmes.com.br
D: Richard Linklater G: Richard Linklater, Darryl Ponicsan F: Shane F. Kelly E: Sandra Adair W digicine.com.ar
DA: Doug Huszti, Gregory A. Weimerskirch S: Justin Hennard M: Graham Reynolds P: Ginger /digicinearg
Sledge, John Sloss, Thomas Lee Wright CP: Amazon Studios, Big Indie Pictures, Cinetic Media, @DigicineArg
Detour Filmproduction I: Bryan Cranston, Laurence Fishburne, Steve Carell, J. Quinton Johnson, /digicinearg
Deanna Reed-Foster
PANORAMA AUTORES — Auteurs

Le Vénérable W.
The Venerable W. / El venerable W.
Wirathu es un maestro budista birmano que asegura defender
“la protección de la raza y de la religión” en nombre de la cultura
y la identidad. Barbet Schroeder lo elige como personaje central
para cerrar su “trilogía del mal”, iniciada con General Idi Amin Dada
(1974) y continuada por El abogado del terror (2007), demostrando
que su antihéroe es un personaje mucho más complejo y peligroso
de lo que aparenta. Le Vénérable W. va detrás de la pregunta sobre
cómo una comunidad históricamente pacífica puede contener a
un individuo de ribetes tan diabólicos. Mediante el uso de archivos,
Schroeder investiga su historia y rastrea numerosas muestras de
racismo cotidiano y de una maldad insólita y calculada (reuniones
secretas, boicots políticos, planes perversos) que dan cuenta de una
política de represión, violencia y destrucción.
Wirathu is a Burmese Buddhist master who guarantees that he
will defend “the protection of the race and of the religion” in the
name of culture and identity. Barbet Schroeder selects him as the
central character to close his “trilogy of evil”, that he began with
General Idi Amin Dada (1974) and continued with Terror’s Advocate
(2007), demonstrating that his anti-hero is a much more complex
and dangerous character than he seems to be. The Venerable W.
goes behind the question of how a historically pacifist community
can contain an individual of such diabolical characteristics. Using
archival material, Schroeder investigates his history and traces
numerous examples of day-to-day racism and a shocking malice
that is calculated (secret meetings, political boycotts, perverse
plans) to tell of a politics of repression, violence and destruction.

Barbet Schroeder
Nació en Teherán en 1941. Comenzó su carrera asistiendo a Jean-Luc Godard en Los carabineros Contacto / Contact
(1963). Ese año fundó junto a Eric Rohmer la clásica compañía francesa Les Films du Losange. Les Films du Losange
Dirigió, entre otras, Mariposas en la noche (1987), El beso de la muerte (1994), La virgen de los sicarios Lise Zipci
(2001, 16º Festival) y El abogado del terror (2007). Eng Born in Tehran in 1941, he started his career T +33 144 438 713
assisting Jean-Luc Godard in Les Carabiniers (1963). That year, he founded the classic French E l.zipci@filmsdulosange.fr
company Les Films du Losange with Eric Rohmer. He has directed many films, including, Barfly
W filmsdulosange.fr/
(1987), Kiss of Death, Our Lady of the Assassins (2001, 16th Festival) and Terror’s Advocate (2007).
international
filmsdulosange.fr/en/
Francia / Suiza - France / Switzerland, 2017 / 100’ / DCP / Color / Birmano / Inglés / Español - film/235/the-venerable-w
Burmese / English / Spanish /VenerableW
D, G: Barbet Schroeder F: Victoria Clay Mendoza E: Nelly Quettier S: Florian Eidenbenz,
Georges Prat M: Jorge Arriagada P: Margaret Menegoz, Lionel Baier CP: Les Films du Losange,
Bande à Part I: Maria de Meideros
 157

Lucky

Uno de los últimos papeles para una brillante carrera de
seis décadas, y sin lugar a dudas una culminación artística
inmejorable: en la piel de Lucky, un hombre parco y rutinario pero
demasiado activo para sus 90 años, Harry Dean Stanton entrega
una interpretación basada en las virtudes de sus mejores trabajos,
transmitiendo las emociones justas sin renunciar a un registro
pulcro, y reflejando en la expresión de un personaje todas aquellas
historias que tranquilamente podrían pertenecerle. En su debut
como director, John Carroll Lynch provee siempre el tono indicado
para el lucimiento de su protagonista, evitando la tentación por
el sentimentalismo o la reivindicación simplista que tantos otros
retratos de la ancianidad proponen, mientras otro director con el
mismo apellido (y que también hizo brillar a Stanton este año) se
roba por un tiempo la película con la búsqueda de una tortuga.
One of the last roles of a brilliant six-decade career, and
undoubtedly an unbeatable artistic farewell: Harry Dean
Stanton plays Lucky, a frugal, workaday man that is nevertheless
too active for his 90 years. Delivering a performance based on
the best of his work, Stanton transmits just the right emotions
without abandoning a quality of meticulousness, managing to
reflect in the character’s expressions all those stories that could
easily belong to him. Director John Carroll Lynch, in his debut
film, always provides the appropriate tone for his star to show
off his talents, avoiding the temptations of sentimentality and
the simplistic recognition that so many other depictions of old
age offer, while another director with the same last name (and
who also made Stanton shine this year) steals the film for a
while with the search for a turtle.

John Carroll Lynch

Nació en 1963 en Boulder, Colorado. Reconocido por interpretar a Norm en Fargo de los hermanos Contacto / Contact
Coen (1996), actuó en más de cien papeles en cine, series de TV y teatro, y fue dirigido por autores Magnolia Pictures
como Scorsese, Fincher y Clint Eastwood, entre otros. Lucky es su primera película como director. Matt Cowal, Arianne Ayers
Eng He was born in Boulder, Colorado, in 1963, and is known for having played the role of Norm in T +1 212 924 6701
the Coen brothers’ Fargo (1996). He has played more than one hundred roles in film, TV and theater,
E publicity@magpictures.
and was directed by such auteurs as Scorsese, Fincher and Clint Eastwood, among others. Lucky is
com
his directorial debut.

Estados Unidos - USA, 2017 / 88’ / DCP / Color /Inglés - English

D: John Carroll Lynch G: Logan Sparks, Drago Sumonja F: Tim Suhrstedt E: Slobodan Gajic
DA: Almitra Corey P: Greg Gilreath, Adam Hendricks, John Lang,
Logan Sparks, Drago Sumonja, Danielle Renfrew Behrens, Ira Steven Behr, Richard Kahan I:
Harry Dean Stanton, David Lynch, Ron Livingston, Ed Begley, Jr., Tom Skerritt
PANORAMA AUTORES — Auteurs

Marea humana
Human Flow
En todos los aspectos de su documental, el activista y
artista chino Ai Weiwei apunta a mostrar la inmensidad
de una situación insostenible: el mundo se está achicando,
muchas comunidades deben escapar de sus lugares de origen,
y la respuesta no puede seguir consistiendo en aislarlas. En
Human Flow, un equipo de más de 2000 personas documenta
la situación de los refugiados en 23 países, dando voz a los
testimonios e historias particulares y ofreciendo datos e
imágenes apabullantes sobre las crisis migratorias que se están
desarrollando ahora mismo. Weiwei sabe cómo lograr que
su idea –y el mecanismo artístico que usa para transmitirla–
no opaque ni desvíe el foco de las mismas personas que está
retratando, y llega a quebrar su rol de registro y contemplación
cuando el peligro de alguna situación lo hace necesario.
In all aspects of his documentary, the Chinese activist
and artist Ai Weiwei aims at showing the immensity of an
unsustainable situation: the world is getting smaller, many
communities must escape from their places of origin, and the
answer cannot continue to be isolating them. In Human Flow,
a team of more than 2,000 people document the situation
of the refugees in twenty-three nations, giving voice to their
specific testimonies and stories, offering overwhelming data
and images about the migratory crisis that is developing right
now. Weiwei knows how to make it so his idea – and the artistic
mechanism that he uses to communicate it – do not cover up or
stray from the focus of the very people that he is portraying, and
he manages to break his role of recording and contemplating
when the danger of a situation makes it necessary.

Ai Weiwei
Ha sido reconocido como el artista chino más influyente de las últimas décadas, y es un Contacto / Contact
importante activista político. Su producción incluye diversas técnicas como la escultura, la pintura, LAT-E
la instalación, la fotografía, el cine, la música y la arquitectura. Eng He has been recognized as one Florencia Schapiro, Morgane
of the most influential Chinese artists of the last few decades, and an important political activist. Bisson
His production includes diverse techniques such as sculpting, painting, installations, photography, T +54 9 11 4056 6450
film, music and architecture. +54 911 5739 2310
E fschapiro@lat-e.com
morgane@lat-e.com
Estados Unidos - USA, 2017 / 140’ / DCP / Color / Inglés - English W humanflow.com
D: Ai Weiwei G: Chin-Chin Yap, Tim Finch, Boris Cheshirkov F: Zanbo Zhang, Xie Zhenwei E: Niels /latecine
Pagh Andersen S: Christian Conrad M: Karsten Fundal P: Ai Weiwei, Chin-Chin Yap, Heino Deckert CP:
Participant Media, AC Films, Ai Weiwei Studio I: Iraa Abboud, Hiba Abed, Rami Abu Sondos, Asmaa
Al-Bahiyya, Eman Al-Masina
 159

Marshall

De superhéroe de cómics a superhéroe de la vida real: Chadwick
Boseman se saca el traje de Black Panther para interpretar a
Thurgood Marshall, el primer juez afroamericano de la Corte
Suprema de los Estados Unidos. Tras quince años dedicados
principalmente a las series televisivas, Reginald Hudlin también
vuelve al cine dejando de lado las comedias como Boomerang y House
Party, para ponerse serio en una apasionante mezcla de biopic y
drama de juicios. Y para eso elige un caso clave de los comienzos de
la carrera de Marshall, cuando ya era un popular abogado de causas
civiles. Quien también brilla, alejado de sus roles humorísticos, es
Josh Gad en el rol de Sam Friedman, un joven y precavido abogado
que será de mucha utilidad para Marshall, tratando de dilucidar la
verdad en un caso en el que un afroamericano es acusado de abusar
de una mujer de clase alta.  woman.
From comic-book superhero to real-life superhero:
Chadwick Boseman takes off the Black Panther suit to play
Thurgood Marshall, the first African-American US Supreme
Court judge. After fifteen years devoted mainly to television
series, Reginald Hudlin also returns to film leaving behind
comedies like Boomerang and House Party to get serious in this
thrilling mix between biopic and courtroom drama. And in
order to do so he chooses a key case from the beginning of
Marshall’s career, when he was already a popular civil attorney.
Also shining outside his comedy roles is Josh Gad as Sam
Friedman, a young, cautious attorney who will be of great
use to Marshall, trying to find out the truth in a case in which
an African American man is accused of abusing a high-class

Reginald Hudlin
Director, guionista, productor y actor nacido en 1961 en Illinois. Realizó, entre otros, los Contacto / Contact
largometrajes House Party (1990) y Boomerang, y varias series de TV, como New Girl y Bones. Es uno UIP (Sony Pictures)
de los productores de Django sin cadenas (2012). Eng Director, screen writer, producer and actor, Rosana Berlingeri
he was born in Illinois in 1961. He has directed many feature films including House Party (1990) and T +54 11 4373 0261
Boomerang, as well as various televion series such as New Girl and Bones. He is one of the producers +54 11 4373 02614
of Django Unchained (2012). E rosana_berlingeri@uip.
com
W uip.com.ar
Estados Unidos - USA, 2017 / 118’ / DCP / Color / Inglés - English /SonypicturesARG
D: Reginald Hudlin G: Jacob Koskoff, Michael Koskoff F: Newton Thomas Sigel E: Tom McArdle
DA: Jeff Schoen, Richard Hoover S: Craig Mann M: Marcus Miller P: Chris Bongirne, Chadwick Boseman,
John Cappetta I: Chadwick Boseman, Josh Gad, Kate Hudson, Sterling K. Brown, Dan Stevens
PANORAMA AUTORES — Auteurs

Mrs. Fang
Fang Xiuying / Sra. Fang
La lenta y segura muerte de la mujer que da título a la película
–una sexagenaria con Alzheimer terminal– es el eje que mueve a
este nuevo documental de Wang Bing, ganador del Leopardo de
Oro en Locarno. Pero su larga y casi escalofriante estancia en una
cama es apenas el centro del mundo que Wang explora. A través
de su rostro, que parece extrañamente acusatorio o asombrado
por lo que lo rodea, vemos a la que parece ser su extendida
familia hablar sobre su estado y observarla, sin que la figura de
un médico aparezca, esperando la llegada de la muerte. Ese coro
de observadores sigue también con sus cosas, y para Wang esa
relación entre la vida y la muerte en un mismo espacio es lo que
importa: observar cómo las miserables condiciones económicas
de los protagonistas no les permite hacer otra cosa que mirar a la
Señora Fang y continuar trabajando para sobrevivir, mientras ella,
de a poco, se extingue de manera inevitable y brutal. Diego Lerer
The slow, sure death of the titular woman –a sexagenarian
with terminal Alzheimer’s– is backbone of this new
documentary documentary by Wang Bing that won the Golden
Leopard at Locarno. However, her long and almost chilling
stay in a bed is only the center of the world Wang explores.
Through her face, which seems strangely accusing or amazed
by what surrounds it, we see what seems to be her extended
family talking about her state and watching her, without the
appearance of a doctor figure, waiting for her death. That choir
of watchers continues taking care of its things, and to Wang that
relationship between life and death in one same space is what
matters: observing how the miserable economic conditions of
the protagonists don’t allow them to do anything other than
watch Mrs. Fang and continue working in order to survive while,
little by little, inevitably and brutally, she passes away. DL

Wang Bing
Nació en 1967 y se graduó de la Beijing Film Academy en 1996. Considerado uno de los principales Contacto / Contact
documentalistas de la actualidad, dirigió, entre otros, The Ditch (2010), Three Sisters (2012, ganador del Asian Shadows International
premio Orizzonti de Venecia), Ta’ang y Dinero amargo (ambas de 2016, y proyectadas en el foco que el 31°
Sales Limited Lya
Festival le dedicó al director). Eng Born in 1967, he graduated from Beijing Film Academy in 1996, and is
T +86 136 0272 1891
currently considered one of the foremost documentary filmmakers in the world. He has directed, among
E lya@chineseshadows.com
many other films, The Ditch (2010), Three Sisters (2012, winner of the Orizzonti Award at Venice), Ta’ang and
W chineseshadows.com
Bitter Money (both in 2016, and projected as part of a section focused on the director at the 31st Festival).
chineseshadows.com/
mrs-fang
Hong Kong / Francia / Alemania - Hong Kong / France / Germany, 2017 / 86’ / DCP / Color / @ShaShadows
Mandarín - Mandarin
D: Wang Bing E: Wang Bing, Dominique Auvray DA: Wu Shenfang, Zhu Zhu S: Wang Bing,
Shan Xiaohui, Emmanuel Soland, Ding Bihan P: Pierre-Olivier Bardet, Yang Wang, Kong Lihong
CP: Idéale Audience, Wil Productions
 161

Madame Hyde
Mrs. Hyde / Sra. Hyde
La señora Géquil es una profesora odiada tanto por sus colegas
como por sus alumnos. Una noche de tormenta, mientras
experimenta en su laboratorio, es alcanzada por un rayo que la deja
desmayada. Al despertar, se siente muy distinta: es la peligrosa Sra.
Hyde. En el año en que despedimos a Jerry Lewis –quien también
supo deformar este clásico de R. L. Stevenson con El profesor
chiflado–, el director de La France entrega su propia reversión que es,
también, una película sobre la escolaridad y la dificultad inherente
a la transmisión de conocimiento. Así, es solo convirtiéndose en
otra mujer que la Sra. Géquil podrá finalmente tener algún efecto
en sus alumnos. Las dificultades y esperanzas que conllevan el
mundo escolar hoy le sirven a Bozon para encarar la cuestión de en
qué medida real los cambios que atravesamos internamente nos
ayudan a lograr lo que buscamos, y lo hace en el marco de un relato
tan divertido como dinámico y, claro, inquietante.
Mrs. Géquil is a shy teacher despised by her colleagues and
students. On a stormy night, while conducting an experiment
in her lab, she is struck by lightning and faints. When she wakes
up, she feels decidedly different: she’s the dangerous Mrs. Hyde.
On this year when we say farewell to Jerry Lewis, -who also knew
how to deform R.L. Stevenson’t classic with The Nutty Professor-,
the director of La France delivers his own version, that is also a
film about school and the inherent difficulties of passing on
knowledge. And so, it is only by becoming another woman
that Mrs. Géquil will finally be able to have some effect on her
students. The difficulties and hopes of today’s school world
serve Bozon for raising the question of how in a real sense the
internal changes we go through help us find what we’re looking
for, and he does so within a story that is as amusing as it is
dynamic and, of course, disturbing.

Serge Bozon
Nació en 1972 en Francia. Trabajó como actor en películas de Pierre Léon, Mathieu Amalric y Ado Contacto / Contact
Arrietta, entre otros. Dirigió las películas L’Amitié (1998), Mods (2002), La France (2007) y Tip Top mk2 Films
(2012), todas programadas en diferentes secciones del Festival de Cannes. Eng He was born in Marie Tarascon
France in 1972 and worked as an actor in films by Pierre Léon, Mathieu Amalric and Ado Arrietta, T +33 0 144 673 256
among others. He directed the films L’Amitié (1998), Mods (2002), La France (2007) and Tip Top (2012), E intlfest@mk2.com
all of them programmed in different sections of the Cannes Film Festival.
W mk2films.com
/mk2films

Francia - France, 2017 / 95’ / DCP / Color / Francés - French

D: Serge Bozon G: Axelle Ropert, Serge Bozon F: Céline Bozon E: Françoise Quiqueré DA: Laurie
Colson S: Renaud Guillaumin, Valène Leroy P: David Thion, Philippe Martin CP: Les Films
Pelléas, Frakas Productions I: Isabelle Huppert, Romain Duris, José García, Pierre Léon
PANORAMA AUTORES — Auteurs

Napalm
Claude Lanzmann visita Corea del Norte por tercera vez, y
recuerda un episodio de su primer viaje, cuando en 1958 integró
una delegación de intelectuales cercana al Partido Comunista
Francés (Chris Marker era parte de ella). Durante esa estadía,
Lanzmann se enamoró de una enfermera, pero la relación
transcurrió bajo estricta vigilancia del régimen. A los noventa
años, el realizador lo cuenta casi con las palabras exactas de La
liebre de la Patagonia, su autobiografía publicada en 2009. Sin
embargo, no es lo mismo leer la historia que ver a Lanzmann
repetirla con el anhelo de un viejo que revive la urgencia y los
matices del erotismo. Pero hay una vuelta más (y Lanzmann
se encarga de repetirlo): está haciendo cine. Es decir, está
interpretando a un anciano parecido a sí mismo que recupera
un momento dorado de su juventud. El resultado es una
experiencia cinematográfica fascinante. Quintín
Claude Lanzmann visits North Korea for the third time,
and remembers an event from his first trip when, in 1958, he
was part of a delegation of intellectuals with ties to the French
Communist Party (whose membership included Chris Marker).
During that stay, Lanzmann fell in love with a nurse, but the
relationship ended under strict surveillance of the regime. At
90, the filmmaker tells it with almost the exact words in The
Patagonian Hare: A Memoir, his autobiography published in 2009.
However, reading the story is not the same as seeing Lanzmann
repeating it with the yearning of an old man reviving the
urgency and aspects of eroticism. But there is one more twist
(and Lanzmann repeats it): he is making film. That is to say,
he is playing an old man who looks like himself and recovers a
golden moment from his youth. The end result is a fascinating
cinematic experience. Q

Claude Lanzmann
Nació en Francia en 1925. Director, guionista, productor y periodista, escapó de la ocupación Contacto / Contact
alemana en 1940. Desde 1986 es el editor de la revista Les Temps Modernes. Realizó, entre otras, la Orange Studio
emblemática Shoah (1985), Le Rapport Karski (2010) y El último de los injustos (2013, 28º Festival). Aida Benelkhadir
Eng Born in France in 1925, he is a director, screen writer, producer and journalist. He escaped T +33 631 685 405
from the German occupation in 1940. Since 1986, he has been the editor the magazine Les Temps E aida.benelkhadir@
Modernes. He has directed, among others, the landmark film Shoah (1985), The Karski Report (2010) orange.com
and The Last of the Unjust (2013, 28th Festival).

Francia - France, 2017 / 100’ / DCP / Color / Francés - French

D: Claude Lanzmann F: Caroline Champetier E: Chantal Hymans S: Camille Lotteau P: François
Margolin CP: Margo Cinéma, Orange Studio
 163

Outrage: Coda
Kitano siempre vuelve. Aunque esta vez lo hace para
despedirse de su saga Outrage. Las películas del realizador
sobre la yakuza (la mafia japonesa) siempre fueron historias
crepusculares; gánsteres en salida, a punto de enfrentarse
a traiciones y misiones que siempre podrían ser las últimas.
Pero también fueron ejercicios estilizados sobre el género y
sus imágenes icónicas. En esa extraña mezcla de corazón y
estilo, sumada a la actuación zen de Kitano, se encuentra el
secreto de la obra del realizador. En Outrage: Coda, el personaje
interpretado por Beat Takeshi se encuentra en la isla de Jeju
en Corea del Sur trabajando para un nuevo jefe, sin mayores
sobresaltos, hasta que la aparición de un mafioso de otro clan
hará que las cosas cambien, por supuesto, para mal. El final, a
puros tiros, sangre y violencia, está a la altura de la leyenda de
este gánster de rostro impávido. Marcelo Alderete
Kitano always returns. Although this time it is to say
goodbye to his Outrage saga. The director’s films about the
yakuza (the Japanese mafia) have always been crepuscular
tales; gangsters on their way out, about to face betrayal and
missions that could be their last. But they were also stylized
exercises of genre and its iconic images. In this strange blend
of heart and style, coupled with Kitano’s Zen performance,
lies the secret to the director’s oeuvre. In Outrage: Coda, the
character played by Beat Takeshi is in the Jeju island in
South Korea working uneventfully for a new boss until the
appearance of a mobster from another clan makes things
change, for the worst, of course. The ending, filled with
gunfire, blood and violence, is on par with the legend of this
straight-faced gangster. MA

Takeshi Kitano
Nació en Tokio en 1947. Figura clave del cine japonés contemporáneo, es actor, comediante de TV, Contacto / Contact
escritor, pintor y poeta. Debutó como director con Violent Cop (1989), a la que le siguieron, entre Celluloid Dreams
otras, Flores de fuego (1997), El verano de Kikujiro (1999), Aquiles y la tortuga (2008, 23º Festival), Outrage T +33 149 700 370
(2010, 25º Festival) y Ryuzo y sus siete secuaces (2015, 30º Festival). Eng Born in Tokyo in 1947, he is a E info@celluloid-dreams.
key figure in contemporary Japanese cinema. He is an actor, television comedian, writer, painter com
and poet. He debuted as a director with Violent Cop (1989), which was followed by, among others,
Fireworks (1997), Kikujiro (1999), Achilles and the Tortoise (2008, 23rd Festival), Outrage (2010, 25th
Festival) and Ryuzo and His Seven Henchmen (2015, 30th Festival).

Japón - Japan, 2017 / 104’ / DCP / Color / Japonés / Coreano - Japanese / Korean
D, G, E: Takeshi Kitano F: Katsumi Yanagijima DA: Norihiro Isoda S: Yoshifumi Kureish
P: Masayuki Mori, Takio Yoshida CP: Bandai Visual, Tv Tokyo, Warner Bros. Pictures Japan,
Tohokushinsha Film Corporation, Office Kitano I: Beat Takeshi, Toshiyuki Nishida, Nao Omori,
Pierre Taki, Yutaka Matsushige
PANORAMA AUTORES — Auteurs

Piazza Vittorio

Abel Ferrara nació en el Bronx neoyorquino, pero estuvo ligado
desde siempre a Italia y a los italianos. Tras Napoli, Napoli, Napoli y
Pasolini, filmó Piazza Vittorio, pintoresco registro sobre la historia y el
presente de la plaza más grande, populosa y cosmopolita de Roma.
Un barrio caótico, un poco roñoso, que fue elegido por el propio
director y su amigo Willem Dafoe (ambos aparecen en pantalla)
para vivir. La zona es un modelo de convivencia multiétnica y
religiosa, ya que está llena de africanos, de indios y paquistaníes,
de latinoamericanos, de chinos e inmigrantes de muchas otras
regiones. Por supuesto, no faltan los italianos que se quejan de
la “invasión extranjera”, pero a su vez disfrutan de la comida, la
música, las costumbres y los trabajos (que ellos mismos no quieren
hacer) que aportan los extranjeros. Un recorrido por bulliciosas
calles (y las historias de vida) donde la convivencia puede resultar
bastante alegre y armónica. Diego Batlle
Abel Ferrara was born in the Bronx, in New York, but has
always been linked to Italy and Italians. After Napoli, Napoli,
Napoli and Pasolini, he shot Piazza Vittorio, a picturesque film
about the history and the present of the largest, most crowded
and most cosmopolitan squares in Rome. A chaotic, somewhat
filthy neighborhood that was chosen by the director himself
and his friend Willem Dafoe –both appear on screen– to live in.
The area is a model of multi-ethnic and religious coexistence,
given that it is filled with Africans, Indians and Pakistanis, Latin
Americans, Chinese, and immigrants from many other regions.
Of course we can find Italians that complain about the “foreign
invasion,” but, at the same time, enjoy the food, the music, the
customs and the work (which they themselves don’t want to do)
the foreigners provide. A walk around crowded streets (and life
stories) where coexistence can be joyful and harmonious. DB

Abel Ferrara
Nació en Nueva York en 1951. Dirigió numerosos films, incluidos The Driller Killer (1979), Un maldito Contacto / Contact
policía (1992), El funeral (1996), Mary (2005, 21° Festival) y Pasolini (2014, película de apertura del 29º Minerva Pictures
Festival). También dirigió documentales como Chelsea on the Rocks (2008, 23° Festival), videoclips T +39 0 684 242 430
y series de TV como División Miami. Eng Born in New York in 1951, he has directed numerous films E info@
including The Driller Killer (1979), Bad Lieutenant (1992), The Funeral (1996), Mary (2005, 21st Festival) minervapictures.com
and Pasolini (2014, opening film at the 29th Festival). He has also directed documentaries such as w minervapictures.com
Chelsea on the Rocks (2008, 23rd Festival), music videos and television series such as Miami Vice.

Italia / Estados Unidos - Italy / USA, 2017 / 69’ / DCP / Color / Italiano / Inglés - Italian / English
D: Abel Ferrara E: Fabio Nunziata
 165

The Dead Nation

Tara moarta / La nación muerta

The Dead Nation es un ensayo documental que muestra la
impresionante colección de imágenes tomadas por el fotógrafo
Costica Axinte en una pequeña ciudad rumana durante los
años 1930 y 1940. La banda sonora, compuesta sobre todo por
extractos del diario de un médico judío de la misma época, nos
dice de qué tratan realmente las fotografías: el surgimiento
del antisemitismo y, finalmente, una desgarradora descripción
del Holocausto rumano, un tema que rara vez se habla en la
sociedad rumana contemporánea. Luego de Scarred Hearts
(ganadora del premio a la Mejor Dirección en la edición pasada
del Festival de Mar del Plata), Radu Jude vuelve a explorar
el pasado de la historia de Rumania, y lo hace recreando
una época. Pero esta vez no desde la ficción, sino desde la
documentación de un momento en el que la historia de su país,
y del mundo, cambiaba para siempre. Marcelo Alderete
The Dead Nation is a documentary essay that shows the
impressive collection of images taken by photographer Costica
Axinte in a small Romanian city between 1930 and 1940. The
soundtrack, made up mainly of extracts from the journal of
a Jewish doctor of that time, tells us what the photographs
are really about: the emergence of anti-Semitism and, finally,
a heartrending description of the Romanian Holocaust, a
subject rarely spoken of in contemporary Romanian society.
After Scarred Hearts (winner the of the Best Director award
at the previous edition of the Mar del Plata Festival), Rady
Jude explores once more Romania’s history, and does so by
recreating an era. However, this time he doesn’t do it through
fiction, but rather through the documentation of a moment
when the history of his country, and that of the world,
changed forever. MA

Radu Jude
Nació en Bucarest, Rumania, en 1977. Comenzó su carrera cinematográfica asistiendo a directores Contacto / Contact
como Costa-Gavras y Cristi Puiu. Dirigió, entre otros, los largos Aferim! (2015) y Scarred Hearts (2016, Hi Film Productions
Astor de Plata a Mejor Director y premios ADF y Signis en el 31º Festival). Eng He was born in Ada Solomon
Bucarest, Romania, in 1977. He started his film career assisting such directors as Costa-Gavras and T +40 212 524 867
Cristi Puiu. He directed, among others, the features Aferim! (2015) and Scarred Hearts (2016 Silver E office@hifilm.ro
Astor for Best Director and ADF and Signis awards at the 31st Festival). ilinca.belciu@
gmail.com
W hifilm.ro
Rumania - Romania, 2017 / 83’ / DCP / B&N / Rumano - Romanian /taramoarta
D, G: Radu Jude F: Costică Acsinte E: Cătălin Cristuțiu S: Dana Bunescu P: Ada Solomon CP: Hi Film
Productions
PANORAMA AUTORES — Auteurs

Thirst Street
Luego del suicidio de su novio, Gina se encierra en la rutina
siempre inquieta de su trabajo como azafata. Durante una noche
libre en París, impulsada por una compañera a intentar conocer
a alguien nuevo, tiene un romance ocasional con el seductor
Jerome, conexión que él ignorará a la mañana siguiente pero por
la que ella sentirá algo especial. El enamoramiento de Gina no
tardará en convertirse en una obsesión, y tratará de conseguir
la atención no correspondida de su amante hasta las últimas
consecuencias. La nueva película de Nathan Silver no se presta al
impulso de retratar la manía de su protagonista sin considerar la
vulnerabilidad que la origina, resistiéndose a caer en los clichés
sexistas del stalker thriller, y permite que los colores, las luces y los
cuerpos conformen la atmósfera adecuada para una historia que
recorre los rincones más oscuros de la mente.
After her boyfriend’s suicide, Gina locks herself in the always
restless routine of her work as a flight attendant. During a
night off in Paris, and pushed by a workmate to try to meet
someone new, she has a casual affair with the seductive
Jerome, a hook up that he will ignore the morning after, but
that will cause her to feel something special. It won’t be long
until Gina’s infatuation becomes an obsession, and she will
try to get the unrequited attention of her lover come hell or
high water. The new film by Nathan Silver doesn’t portray its
main character’s mania without considering the vulnerability
that it originates from, resisting the sexist clichés of the stalker
thriller, allowing colors, lights and bodies to form the right
atmosphere for a story that travels through the darkest corners
of the mind.

Nathan Silver
Nació en Massachusetts en 1983 y se graduó en la Tisch School for the Arts. Dirigió varios Contacto / Contact
largometrajes, como Exit Elena (2012), Soft in the Head (2013), Uncertain Terms (2014) y Stinking Stray Dogs
Heaven (2015). Su corto Riot (2015) fue proyectado en el 30º Festival y su anteúltima película, Actor Lison Hervé
Martinez (2016), en el 31º Festival.Eng He was born in Massachusetts in 1983 and graduated from T +33 0 182 284 215
the Tisch School for the Arts. He directed many features, such as Exit Elena (2012), Soft in the Head E lison@stray-dogs.com
(2013), Uncertain Terms (2014), and Stinking Heaven (2015). His short Riot (2015) was shown at the W stray-dogs.biz
30th Festival, and his penultimate film, Actor Martinez (2016), at the 31st Festival.

Francia / Estados Unidos - France / USA, 2017 / 83’ / DCP / Color / Francés / Inglés - French / English
D: Nathan Silver G: Nathan Silver, C. Mason Wells F: Sean Price Williams E: Hugo Lemant, John
Magary DA: Anna Brun S: Arjun G. Sheth M: Paul Grimstad P: Louise Bellicaud, Claire Charles-
Gervais, Josh Mandel, C. Mason Wells, Ruben Amar, Katie Stern, Joshua Blum, Matthew Ellison,
David Solal, Elsa Leeb, Jordan Goldnadel CP: In Vivo Films, Industry Standard Films, Maudit,
Papermoon Films, Washington Square Films, Yellow Bear Films, Tim Films, The Third Generation
I: Lindsay Burdge, Damien Bonnard, Esther Garrel, Lola Bessis, Jacques Nolot, Françoise Lebrun
 167

Tres avisos por un crimen

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
Es realmente difícil sentir empatía por los personajes
principales de esta tercera genialidad del director de Escondidos
en Brujas y Siete psicópatas. Por supuesto, es algo buscado: si
el humor negro ya era un deporte que practicaba con fuerza
olímpica, aquí profundiza su arte hasta límites insospechados.
Los tres avisos del título se refieren a la única forma que una
madre desolada encuentra para reclamarle al sheriff la falta de
resultados en la búsqueda del asesino de su hija. Los carteles
desatarán un infierno grande en ese pueblo chico, al despojar
a todos de falsas amabilidades, correcciones políticas o, en
muchos casos, valores morales “clásicos”. Cambiando de tono y
humor, este feroz y virtuoso cóctel se debate constantemente
entre la carcajada y la compasión por esos personajes
despojados de pruritos. Sin dudas, una de las mejores películas
del año. Reírse nunca dio tanta culpa.
It is really difficult to feel empathy for the main characters
of this third work of genius from the director of In Bruges and
Seven Psychopaths. Of course, it’s intentional: if black humor
was already a sport he practiced with Olympic strength, here
he furthers his art to astounding levels. The “three billboards”
of the title refers to the only way a devastated mother finds to
complain to the sheriff about the lack of results in the search
for the person who murdered her daughter. The billboards will
unleash some big hell in that small town, depriving everyone
of false courtesy, political correctness and, in many cases,
“classic” moral values. Shifting tone and humor, this ferocious,
virtuous cocktail struggles constantly between laughter and
compassion for those characters devoid of any kind of filter.
Without a doubt, one of the best films of the year. Laughing
has never made you feel this guilty.

Martin McDonagh
Nació en Inglaterra en 1970. Director, guionista y dramaturgo, realizó, entre otras, Escondidos en Brujas Contacto / Contact
(2008) y Siete psicópatas (2012). Tres avisos por un crimen tuvo su premiere en el Festival Internacional de 20th Century Fox
Cine de Venecia y ganó el Premio del Público en el Festival Internacional de Cine de Toronto. Argentina
Eng Born in England in 1970, he is a director, screenwriter and playwright. His films include In Bruges E cecilia.bianchini@
(2008) and Seven Psychopaths (2012). Three Billboards Outside Ebbing, Missouri premiered at the Venice fox.com
International Film Festival and won the audience award at the Toronto International Film Festival. W international.memento-
films.com
Reino Unido - UK, 2017 / 115’ / DCP / Color / Inglés - English
D, G: Martin McDonagh F: Ben Davis E: Jon Gregory DA: Jesse Rosenthal, Inbal Weinberg S: Joakim
Sundström M: Karen Elliott, Chris Piccaro P: Graham Broadbent, Peter Czernin, Martin McDonagh
I: Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, Peter Dinklage, Abbie Cornish
PANORAMA AUTORES — Auteurs

Visages Villages
Faces Places / Caras lugares
Recorriendo la campiña francesa en una camioneta
transformada en un laboratorio fotográfico improvisado, Agnès
Varda y el artista callejero conocido como JR se dedican a tomar
fotos de personas cuyos rostros no se ven habitualmente en
cine. Obreros, ex mineros, mucamas, todos se ofrecen a que sus
facciones sean impresas en gigantescas fotografías que forman
collages en paredes y fachadas. En su primera película codirigida,
Varda se dedica a explorar Francia y su propia vida, en un periplo
que incluye visitas a ex amigos de la Nouvelle Vague, una cita
tensa con Godard, tumbas célebres, y hasta la centogenaria
abuela de JR. A los 89 años, la consagrada directora y fotógrafa
demuestra con Visages Villages que sigue viva y trabajando, y nos
regala una idea tan valiosa como necesaria: que no hace falta ser
una persona torturada y perversa para ser un gran artista.
Traveling around the French countryside in a van transformed
into a photo lab, Agnès Varda and the street artist known as
JR take pictures of people with faces you do not usually see
on film. Workers, former miners, maids: all of them let their
features be imprinted in enormous photographs that make
up collages on walls and façades. In her first co-directed film,
Varda explores France as well as her own life, in a journey that
includes interviews with former French New Wave friends, an
awkward encounter with Godard, famous tombs, and even JR’s
hundred-year-old grandmother. At 89, the renowned director
and photographer shows, with Faces Places that she is still alive
and working, and gives us an idea as valuable as it is necessary:
that you don’t have to be a tortured, perverse person in order to
be a great artist.

Agnès Varda & JR

Nació en 1928 en Bruselas. Inició su carrera como fotógrafa. Realizadora emblema de la Nouvelle Contacto / Contact
Vague, dirigió, entre otras, Cléo de 5 a 7 (1961, proyectada en el 12º Festival), Las criaturas (1966), Sin IFA Cinema
techo ni ley (1985, 27º Festival) y Las playas de Agnès (2008, 23º Festival). JR es artista callejero y cineasta. E ifa@fibertel.com.ar
Dirigió varios cortometrajes y el documental Women Are Heroes (2010). Eng She was born in Brussels W ifacinema.com.ar
in 1928, and began her career as a photographer. An important figure of the French New Wave her /CohenMediaGroup
films include Cleo from 5 to 7 (1961, shown at the 12th Festival), The Creatures (1966), Vagabond (1985, @CohenMediaGroup
27th Festival) and The Beaches of Agnès (2008, 23rd Festival). JR is a street artist and filmmaker. He has
directed various short films, as well as the doucmentary Women Are Heroes (2010).

Francia - France, 2016 / 89’ / DCP / Color / Francés - French

D: Agnès Varda, JR F: Claire Duguet E: Agnès Varda, Maxime Pozzi S: Olivier Goinard P: Rosalie Varda
CP: Cine Tamaris, Social Animals I: Agnès Varda, JR
 169

Wonderstruck

Adaptación del libro de Brian Selznick, Wonderstruck cuenta
dos historias en paralelo separadas por cincuenta años, y
protagonizadas por niños en distintas épocas de la ciudad de Nueva
York. En 1927, una chica sorda de clase alta decide huir de casa en
búsqueda de su madre –una actriz famosa al estilo de Lillian Gish–
en una aventura con ecos de Chaplin. En 1977, un chico llamado
Ben también se escapará, para encontrar a su padre que nunca
conoció, a una Manhattan convertida en la ciudad de la furia del
post Vietnam. La película más mainstream de Todd Haynes lo es en
el mejor sentido de la palabra. Con su amor por el cine y la historia,
Wonderstruck recupera el espíritu ATP del cine familiar de los años 70
al mismo tiempo que toma esa Nueva York del joven Scorsese (que
ya hizo su propia adaptación de Selznick con Hugo) para generar
sensaciones parecidas a las que nos dieron las primeras películas de
Spielberg, y lograr una coming of age mágica y perfecta.
Adapted from the book by Brian Selznick, Wonderstuck tells
two parallel stories separated by fifty years, with two children
from different eras of the city of New York. In 1927, a deaf girl
from a high class home runs away in search of her mother –a
famous actress in the style of Lillian Gish– in an adventure with
echoes of Chaplin. In 1977, a boy called Ben also escapes from his
home, in order to find the father he never knew, in a Manhattan
transformed into the desolate urban landscape of post-Vietnam.
This is most mainstream of Todd Haynes’ film, in the best
sense of the word. With his love for the cinema and for history,
Wonderstruck recovers the PG spirit of family films of the 1970s, at
the same time that it takes the New York of the young Scorsese
(who also adapted Selznick with Hugo) to create sensations
similar to those that we felt with the first films of Spielberg, and
achieve a magical and perfect coming of age.

Todd Haynes
Nació en 1961 en California, Estados Unidos. Considerado pionero del New Queer Cinema, construyó Contacto / Contact
una obra cinematográfica que dialoga con temáticas de la comunidad LGBTI. Entre sus películas más The Swen Group Inc
importantes se destacan Velvet Goldmine (1998), I’m Not There (2007) y Carol (2015), ganadora de la Eli Lipnik
Queer Palm en el Festival de Cannes. Eng Born in California, U.S., in 1961, he is considered a pioneer T + 55 11 3171 3030
of the New Queer Cinema, having built up a film career that establishes a dialogue with themes E info@swengroup.us
from the LGBTI community. Among his most important films are Velvet Goldmine (1998), I’m Not There W www.swengroup.us
(2007) and Carol (2015), winner of the Queer Palm at Cannes. www.wonderstruckmovie.
com

Estados Unidos - USA, 2017 / 117’ / DCP / Color - B&N / Inglés - English
D: Todd Haynes G: Brian Selznick F: Ed Lachman E: Affonso Gonçalves M: Carter Burwell P: Christine
Vachon, Pam Koffler, John Sloss CP: Killer Films, Cinetic Media I: Oakes Fegley, Julianne Moore,
Michelle Williams, Millicent Simmonds, Jaden Michael, Tom Noonan
PANORAMA AUTORES — Auteurs

Hello, Horse!
Zirdin, Hallo! / ¡Hola, caballo!

La biografía de Laila Pakalnina, nacida en Liepaja, Letonia,
en 1962, no es diferente de la de muchos cineastas. Salvo porque su
primer sueño fue ser vendedora de helados, hasta que descubrió
que la profesión de cineasta era mucho mejor. Sin embargo, al
recorrer su extensa filmografía –31 títulos hasta ahora, entre cortos
y largometrajes, documentales y de ficción– nos damos cuenta de
que hay pocos cineastas como ella, y no solo por su prolífica obra.
En vez de crear un universo, Pakalnina lo encuentra en el mundo
que la rodea y lo retrata con cariño y sin estridencias. Como ocurre
en su –por ahora– último cortometraje Hello, Horse!, en el que, a
través de los paisajes que se transitan al recorrer una ruta cerca de la
frontera oriental de Letonia, vemos a personas, animales y ruidosos
vehículos que la atraviesan, mientras van cambiando las estaciones.
El cine de Pakalnina no es más –ni menos– que nuestro mundo,
pero visto a través de su cámara y sus ojos. Marcelo Alderete
The biography of Laila Pakalnina, born in Liepaja, Latvia,
in 1962, is not unlike that of many filmmakers, except for the fact
that her first dream was to become an ice-cream saleswoman,
until she discovered that the filmmaking profession was much
better. However, when going through her extensive filmography
–31 titles to date, between shorts and features, documentaries
and fictions–, we realize that there are few filmmakers like her
today, and not only for her prolific oeuvre. Instead of creating a
universe, Pakalnina finds it in the world around her and depicts
it with affection and without stridency. As in her most recent
short film Hello, Horse!, in which we see, in the landscapes covered
when traveling through a road near Latvia’s eastern border,
people, animals and noisy vehicles passing by as seasons change.
Pakalnina’s cinema is nothing more –and nothing less– than our
world, only seen through her camera and her eyes. MA

Laila Pakalnina
Se graduó en 1991 en el Instituto de Cine de Moscú (VGIK). Como guionista y realizadora dirigió Contacto / Contact
documentales, cortometrajes y largometrajes de ficción. Sus películas se han proyectado en Hargla Company
festivales internacionales de la talla de Cannes, Venecia y Locarno, recolectando numerosos T +371 29 235 618
premios. Eng She graduated from the Moscow Film Institute (VGIK) in 1991. As a writer-director, E laila.pakalnina@
she made documentaries, short films and features. Her films have been screened at such inbox.l
international festivals as Cannes, Venice and Locarno, winning many awards. /zirdzinhallo

Letonia - Latvia, 2017 / 24’ / DCP / Color

D, P: Laila Pakalnina F, E: Ivars Burtnieks S: Anrijs Krenbergs
 171

Où en êtes-vous, João Pedro Rodrigues?

Where Do You Stand Now, João Pedro Rodrigues? / ¿Dónde estás
ahora, João Pedro Rodrigues?
Este trabajo por encargo del Centro Pompidou es un
autorretrato lírico que ofrece un complemento importante y
explícitamente autobiográfico de O ornitólogo. Mezclando archivo
de películas familiares con paseos solitarios y recuerdos del inicio
de su carrera y la sociedad con João Rui Guerra da Mata, el nuevo
film de Rodrigues mira hacia atrás desde la ventaja de la mediana
edad para meditar acerca de las personas y experiencias que
ayudaron a forjar su visión y su voz. Siguiendo la migración de la
mariposa monarca, y huyendo del frío norteamericano para pasar
el invierno en las plácidas montañas de Michoacán en México,
esta es una película que erra por las costas heladas del lago
Walden en Concord, Nueva Inglaterra, el pueblo donde Henry
David Thoreau y Nathaniel Hawthorne se miraron en silencio,
bajo la nieve en el cementerio Sleepy Hollow.
Commissioned by the Centre Pompidou, this is a lyrical self-
portrait that offers an important and explicitly autobiographical
complement to The Ornithologist. Intermingling home movie
footage with solitary wanderings and memories of his early
career and partnership with João Rui Guerra da Mata, Rodrigues’
new film looks back from the vantage of mid life to meditate
on the people and experiences that helped shape his vision
and voice. Following the migration of the Monarch butterfly,
fleeing the North American’s cold to spend winter in the
pleasant mountains of Michoacán in Mexico, this is a wandering
film through lake Walden’s frozen banks in Concord, New
England, the town where Henry David Thoreau and Nathaniel
Hawthorne look at each other in silence, under the snow in
Sleepy Hollow Cemetery.

João Pedro Rodrigues

Nació en Lisboa en 1966 y, tras graduarse en cine en esa ciudad, dirigió el corto Parabéns! (1997), ganador Contacto / Contact
del Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia. Realizó, entre otras, Odete (2005, 21º Festival), Agencia - Portuguese Short
Morir como un hombre (2009) y el mediometraje Iec Long, codirigido con João Rui Guerra da Mata (2014, 30º Film Agency
Festival). Eng He was born in Lisbon in 1966 and, after graduating in film in that city, he directed the short Salette Ramalho
film Happy Birthday! (1997), winner of the Special Jury Prize at the Venice Film Festival. He made, among T +351 252 646 683
other films, Two Drifters (2005, 21st Festival), To Die Like a Man (2009) and the mid-length Iec Long, co- E agencia@curtas.pt
directed with João Rui Guerra da Mata (2014, 30th Festival). liliana@curtas.pt
W curtas.pt/agencia
Portugal / Francia - Portugal / France, 2017 / 21’ / DCP / Color / Portugués / Inglés - Portuguese / English
D, G: João Pedro Rodrigues F: João Pedro Rodrigues, Jacob Wiener, José Magro, João Rui Guerra da
Mata, Amândio Coroado E: ão Pedro Rodrigues, Tomás Paula Marques S: Nuno Carvalho P: João
Pedro Rodrigues CP: Le Centre Pompidou, Filmes Fantasma, Le Fresnoy I: João Pedro Rodrigues, João
Rui Guerra da Mata
PANORAMA AUTORES — Auteurs

Fajr
Una obra de doce minutos de hipnótico e inconmensurable
corazón, y un ejercicio de belleza mesmerizante que embriaga
el tránsito –o, mejor, el tiempo suspendido– de la noche al
amanecer en el desierto, escenario de depuración de los espíritus
y de alargamiento en vertical de la poética de los espacios. Dos
figuras humanas se levantan hieráticas en un mar de arena y de
silencio marroquí. Y, aunque ese tour de force con la meditación
y el vértigo va a ser enervado por el fajr (que significa tanto
“amanecer” como “cántico musulmán de llamada a la oración”,
único sonido que fragmenta el del viento en la película), no
puedo evitar la asociación de este lugar sin límites de Fajr, de
las figuras en consunción, con otra mímesis reciente de seres
espirituales con el espacio que moran: el de Silencio de Scorsese.
Allí estaban en clave católica y narrativa, pero en absoluto
distantes de la evanescencia del aire y los sueños de esta obra de
Lois Patiño, finalmente agua y sueño en un tránsito bellísimo y
onírico que revoca el desierto en su némesis. José Luis Losa
A 12-minute work of a hypnotic, immense heart, and a
mesmerizing exercise in beauty that inebriates the transition
–or, better yet, the suspended time– from night to dawn in the
desert, the scenery of the purification of spirits and the vertical
lengthening of the poetic of spaces. Two human figures rise up
hieratically in a Moroccan sea of sand and silence. And even if
that tour de force with meditation and vertigo will be weakened
by the fajr (which means “dawn” as well as “the Muslim canticle
that calls for prayer,” the only sound that fragments that of the
wind in the film), I can’t help but link this borderless place in
Fajr, of the figures in consumption, to another recent mimesis of
spiritual beings with the space they dwell in: that of Scorsese’s
Silence. There, they were present in a Catholic, narrative key,
but absolutely not far from the evanescence in the air and the
dreams of this work by Lois Patiño, finally water and sleep in a
beautiful, dreamlike transit that the desert reverses upon its
nemesis. JLL

Lois Patiño
Nació en 1983 en Vigo. Estudió psicología y cine. Dirigió varios cortometrajes, el largo Costa da morte Contacto / Contact
(2013), que le valió un premio a Mejor Director Emergente en Locarno, y la videoinstalación Estratos Lois Patiño
de la imagen (2015). Eng Born in Vigo in 1983, he studied psychology and film. He has directed T +34 652 315 417
many shorts, the feature length Costa da morte (2013), for which he won an award for Best Emerging E loispatinho@
Director at Locarno, and the video installation Estratos de la imagen (2015). gmail.com
W loispatino.com

España / Marruecos - Spain / Morocco, 2017 / 12’ / DCP / Color - B&N

D, G, F, E, S, P: Lois Patiño M: Adhan
 173

Nuevos Autores
—
New Auteurs

174 3/4
175 Fuck You Jessica Blair
176 Hannah
177 Il monte delle formiche
178 Les Garçons Sauvages
179 Ouroboros
180 Person to Person
181 Sicilian Ghost Story
182 The Charmer
183 Verão danado
PANORAMA NUEVOS AUTORES — nEW auteuRS

3/4
3/4 gira en torno a la ausencia de la pareja y las recompensas de
la perseverancia. Todor, un padre que cría a dos hijos en la Bulgaria
suburbana, enfrenta la partida de su hija mayor, Mila, una estudiante
de piano que se prepara para una importante audición en Alemania,
mientras que Niki, su hijo menor, desperdicia el verano entre ataques
benignos de humor juvenil y angustia adolescente. El trasfondo
es escaso: más allá de una referencia a la madre ausente de los
chicos sobre el comienzo, nunca se la ve ni se habla de ella; Todor,
un astrofísico, se preocupa por sus hijos pero se lo ve más cómodo
cuando interactúa con un colega menor que él. Metev, quien hasta
ahora había trabajado dentro del terreno de la no ficción, tiene una
extraordinaria sensibilidad para la dinámica familiar: Niki y Mila
charlan y se molestan mutuamente de forma impresionantemente
natural, mientras que sus frustraciones frente a la actitud laissez-faire
de Todor se manifiestan en sutiles muestras de resentimiento. Metev
lleva adelante esta narración modesta con seguridad, composiciones
inventivas y un uso sugestivo del fuera de campo. Jordan Cronk
3/4 hinges on the absence of a partner and the rewards of
perseverance. Raising two children in suburban Bulgaria, single
father Todor is facing the departure of his eldest, Mila, a piano
student preparing for a big audition in Germany, while his
younger son, Niki, idles away the summer through benign fits
of juvenile humor and adolescent angst. Backstory is sparse:
beyond an early reference to the children’s absent mother,
she’s never seen or discussed; Todor, an astrophysicist, cares
deeply for his children but seems to more comfortably interact
with a junior colleague. Metev, who up to now has worked in
nonfiction, has an extraordinary sensitivity for family dynamics;
Niki and Mila converse with and annoy one another with an
impressively natural rapport, while their frustrations with
Todor’s laissez-faire attitude manifest in subtle displays of
resentment. Metev confidently arranges this modest narrative
around inventive compositions and the suggestive use of
offscreen space. JC

Ilian Metev
Nació en Sofía, Bulgaria, en 1981 y se crio en Alemania. Es egresado de la Escuela Nacional de Cine Contacto / Contact
y Televisión del Reino Unido. Dirigió el cortometraje Goleshovo (2008) y el largometraje documental Artscope, Memento
Sofia’s Last Ambulance (2012), que tuvo su estreno en la Semana de la Crítica en Cannes. Eng Born Films Internationa
in Sofia, Bulgaria in 1981, and raised in Germany, he graduated from the UK National Film and T +44 773 258 0813
Television School. He directed the short film Goleshovo (2008) and the feature-length documentary +97 254 544 4493
Sofia’s Last Ambulance (2012) which premiered at the Critics’ Week in Cannes. E sales@
memento-films.com
W sata@
Bulgaria, 2017 / 82’ / DCP / Color / Búlgaro - Bulgarian memento-films.com
D, E: Ilian Metev G: Ilian Metev, Betina Ip F: Julian Atanassov S: Mirko Reinhard P: Ingmar Trost,
Ilian Metev CP: Sutor Kolonko, Chaconna Films I: Mila Mihova, Nikolay Mashalov, Todor Velchev,
Simona Genkova, Kaloyan Georgiev
 175

Fuck You Jessica Blair

El coming of age es un subgénero que se caracteriza por
presentar algún evento trascendente que hace madurar por
la fuerza a sus protagonistas. O, al menos, cambiarlos de
lugar. Fuck You Jessica Blair es una excepción a estos códigos
evolutivos: una dupla de mejores amigas postadolescentes
se ven enredadas en preguntas sin respuestas mientras
deambulan sin norte intercambiando frases banales.
Discusiones eternas y laberínticas sobre la rabia de la culpa,
la búsqueda de la identidad, el lugar de pertenencia y las
elecciones sexuales. La ópera prima de Karni Haneman
(directora, guionista, editora, productora y protagonista de
esta comedia aséptica) relata una historia quieta a través de
una narrativa pausada. Entre situaciones extrañas, como una
bicicleta que parece llover del cielo, las desorientadas jóvenes
se topan con un par de chicos en un paisaje israelí tan abierto
y desolado como sus certezas del mañana.
The “coming of age” is a sub-genre that is characterized by a
transcendent event that leads to the main character’s maturation
through the force of her or his efforts, or at least to a change of
her or his place in the world. Fuck You Jessica Blair is an exception to
these evolutionary codes: a couple of post-adolescent best friends
find themselves tangled in questions without answers while
they ramble with no destination, exchanging banal comments.
They carry on with never-ending, labyrinth-like arguments about
the anger of guilt, the search for identity, a place of belonging
and decisions about sexual preferences. This debut film by Karni
Haneman (director, scriptwriter, editor, producer and actor in this
aseptic comedy) tells a quiet story with a slow paced narrative.
Moving through strange situations, like a bicycle that seems to
rain down from the sky, these disoriented young women run
into a couple of boys in an Israeli landscape that is as open and
desolate as their certainty about the future.

Karni Haneman
Nació en Israel en 1986 y se graduó del Departamento de Cine y TV de la Universidad de Tel Aviv, Contacto / Contact
donde escribió y dirigió el cortometraje Stairway (2009). Está realizando un máster en la Royal Karni Haneman
Central School of Speech and Drama. Fuck You Jessica Blair es su primer largometraje. Eng Born in T +44 773 258 0813
Israel in 1985, she is a graduate of the Film and Television department at Tel-Aviv University, where +97 254 544 4493
she wrote and directed the short film Stairway (2009). She’s pursuing her MFA at the Royal Central E karni.haneman@gmail.
School of Speech and Drama. Fuck You Jessica Blair is her first film. com
W facebook.com/
FYouJessicaBlair
Israel, 2017 / 81’ / DCP / Color / Hebreo / Inglés - Hebrew / English karnihaneman
D, G, P: Karni Haneman F: Mathias Zagoni E: Neta Braun, Karni Haneman S: Nati Taub @karnih
M: Hilly Boimel I: Jessy Danner, Karni Haneman, Orr Sigoli, Guy German, Maya Maron /karni.haneman
PANORAMA NUEVOS AUTORES — nEW auteuRS

Hannah

La historia comienza con Hannah despidiendo a su
marido en la cárcel, y continúa con su camino mientras
intenta llevar adelante una vida en soledad, enfrentando el
desinterés de sus hijos y su entorno, los fantasmas del pasado
y el peso ineludible de la angustia y la alienación que una
rutina intensa no llega a controlar. Andrea Pallaro dispone
una atmósfera inquieta y volátil para una interpretación
impecable de Charlotte Rampling, quien transmite de manera
sobria pero contundente la fragmentación en la identidad de
su personaje, su búsqueda infructuosa de la empatía ajena, y
la necesidad imperante de definir su rol familiar y de pareja;
especialmente, la dirección en la que quiere llevar su propia
vida. En cada uno de sus mínimos gestos y ademanes, la
legendaria actriz es capaz de transmitir esos pesares de una
manera poderosa.
The story begins with Hannah saying goodbye to her
husband in jail, and continuing on her way while she tries to
move forward with her solitary life, facing the indifference
of her children and her surroundings, the ghosts of the past
and the inescapable weight of the anguish and alienation
that the intense routine of her life is unable to control. Andrea
Pallaro lays out an unsettling and volatile atmosphere for
an impeccable interpretation by Charlotte Rampling, who
communicates with sobriety but forcefulness the fragmentation
in her character’s identity, her fruitless search for the empathy
of another, and the absolute necessity to define her role in her
family and with her husband; and especially, the direction in
which she wants to take her own life. In each one of her minimal
gestures and movements, the legendary actress is capable of
communicating those sorrows powerfully.

Andrea Pallaoro Contacto / Contact

Nació en Trento, Italia. Se licenció en el Hampshire College antes de estudiar dirección de cine en The Festival Agency
el California Institute of the Arts. Dirigió el cortometraje Wunderkrammer (2008) y el largometraje Kim Reybaud
Medeas (2013). Eng Born in Trento, Italy, he received a bachelor’s degree at Hampshire College T +33 954 904 863
before studying filmmaking at the California Institute of Arts. He directed the short film E info@
Wunderkrammer (2008) and the feature length Medeas (2013). thefestivalagency.com
W thefestivalagency.com

Italia / Francia / Bélgica - Italy / France / Belgium, 2017 / 93’ / DCP / Color / Francés - French
D: Andrea Pallaoro G: Andrea Pallaoro, Orlando Tirado F: Chayse Irvin E: Paola Freddi DA: Marianna
Sciveres S: Guilhem Donzel P: Andrea Stucovitz, John Engel, Clément Duboin CP: Partner Media
Investment, Left Field Ventures, Good Fortune Films I: Charlotte Rampling, André Wilms
 177

Il monte delle formiche

The Mount of Ants / El monte de las hormigas
Estamos en un área pequeña de los Apeninos donde cada
año llegan enjambres de hormigas voladoras desde Italia y
el centro de Europa para aparearse y morir. Se unen al igual
que las voces que recitan textos de Goethe, Emery, Braibanti
y Maeterlinck aparecen en la película: no por casualidad, sino
porque todos ellos fueron mirmecólogos que, en el estudio de
los insectos, encontraron una manera de pensar el ciclo universal
de la vida y la muerte. De la misma forma natural, Palladino
vuelve a sus probables maestros (desde Piavoli a Straub-Huillet
y la poesía de Attilio Bertolucci) y usa la película para representar
la idea de un análisis entomológico que le confía a la cámara
la tarea de seguir a las hormigas en vuelo y acompañar a los
fieles y los curiosos que participan en la procesión que celebra la
natividad de María. Lorenzo Esposito (Extracto de texto publicado
en PardoLive, 70º edición del Festival de Locarno)
We are in a small area of the Apennines where every year
swarms of winged ants arrive from across Italy and central
Europe to mate and die. They join together in the same way the
voices from texts by Goethe, Emery, Braibanti and Maeterlinck
are featured in the film: not by chance, but rather because they
were famous myrmecologists, who in the study of these social
insects found a way to think about the universal cycle of life
and death. In the same natural way, Palladino refers back to his
likely teachers (from Piavoli to Straub-Huillet and the poetry of
Attilio Bertolucci) and uses the film to represent the idea of an
entomological analysis that entrusts the camera with the task of
following the ants in flight, and accompanying the faithful and
curious who participate in the procession that celebrates the
birth of Mary. LE (Extract from a text published in PardoLive, 70th
Locarno Festival)

Riccardo Palladino Contacto / Contact

Nació en Italia en 1982 y estudió cine en Bolonia. Es cineasta, ensayista y profesor. Su primer Lara Brucci
mediometraje documental Brasimone (2014) participó en Visions du Réel 2014 y en muchos T +39 338 878 4383
otros festivales. Eng He was born in Italy in 1982, and studied film in Bologna. He is a filmmaker, +39 327 162 1526
essayist, and professor. His first mid-length documentary film Brasimone (2014) participated in E cameraamano@
Visions du Réel 2014, and many other festivals. gmail.com
/Il-Monte-delle-Formiche-
649676425205963
Italia - Italy, 2017 / 63’ / DCP / Color / Italiano / Francés / Alemán - Italian / French / German
D: Riccardo Palladino F: Eugenio Barzaghi E: Riccardo Palladino, Carlotta Cristian S: Marco Neri,
Alessandro Quaglio, Paolo Segat, Marco Fallon M: Benedetta Gelati, Miguel Negrão, Dave Seidel
P: Riccardo Palladino, Lara Brucci, Luca Ricciardi CP: Cameramano, Minollo Film, RAI Cinema
I: Franca Maurizzi
PANORAMA NUEVOS AUTORES — nEW auteuRS

Les Garçons Sauvages

The Wild Boys - Los jóvenes salvajes
Célebre por hacer del cortometraje un formato de libertad,
originalidad y agitación, el director francés Bertrand Mandico
presenta su debut en el largo, en el que plasma su fabuloso
cóctel de surrealismo, experimentación y singularidad, esta
vez puesto al servicio del cine de aventuras. Claro que, en
sus manos, el género cinematográfico se subvierte bajo sus
propias reglas. Pero también el género como identidad: Les
Garçons Sauvages relata la travesía de un grupo de jóvenes
que, por cometer un crimen, son condenados a servir al
capitán de un barco que los lleva a una isla con características
sobrenaturales, un paraíso hedonista que los modificará de
manera insospechada. Mandico exprime las herramientas del
cine creando un embrujo visual y sonoro de marcado erotismo y
un bienvenido afán provocador.
Celebrated for having made the short film into a mode of
liberty, originality and agitation, the French director Bertrand
Mandico presents his debut feature length film, in which he
materializes his fabulous cocktail of surrealism, experimentation
and originality, this time put at the service of an adventure film.
Of course, in his hands, the cinematographic genre is subverted to
his rules. However, also, it is genre as identity: Les Garçons Sauvages
tells of the journey of a group of young people who, for having
committed a crime, are condemned to serve the captain of a boat
who brings them to an island with supernatural characteristics,
a hedonistic paradise that will change them in a suspicious
manner. Mandico squeezes the tools of cinema to create a
visual and sonorous spell of marked eroticism and a welcome
provocative quest.

Bertrand Mandico
Nació en 1971 y se graduó como animador en París. Dirigió varios cortos y mediometrajes que Contacto / Contact
fueron seleccionados en festivales como Cannes y Venecia, y ganó premios en varios festivales Ecce Films
internacionales. Les Garçons Sauvages es su primer largometraje. Eng He was born in 1971, and Louise Rinaldi
graduated as an animator in Paris. He directed many short- and medium-length films that were T +33 142 583 714
selected at festivals like Cannes and Venice, and won awards at many international festivals. Les E rinaldi@eccefilms.fr
Garçons Sauvages is his first feature film. W eccefilms.fr

Francia - France, 2017 / 110’ / DCP / Color - B&N / Francés - Inglés / French - English
D, G: Bertrand Mandico F: Pascale Granel E: Laure Saint Marc DA: Bertrand Mandico S: Simon
Apostolou M: Pierre Desprats, Hekla Magnusdottir P: Emmanuel Chaumet CP: Ecce Films I: Pauline
Lorillard, Vimala Pons, Diane Rouxel, Anaël Snoek, Mathilde Warnier
 179

Ouroboros

El título de la película refiere al signo que representa a
una serpiente mordiéndose la cola, el símbolo que remite a la
naturaleza cíclica de las cosas, a la idea del eterno retorno. Es la
primera y una de las metáforas que la directora Basma Alsharif
articula para plasmar un relato sugestivo y de marcado tono
experimental sobre el conflicto palestino en la Franja de Gaza.
Dividida en varios segmentos, señalados por títulos que aluden
a distintos momentos del día, Ouroboros pone en pantalla a
un hombre (interpretado por el artista italiano Diego Marcon)
que se desplaza por distintas partes del mundo reflexionando
sobre el amor y la pérdida. En esta travesía signada por el dolor
y la búsqueda por entender a la humanidad en su abismo,
hay un halo de melancolía sobre lo que fue, pero también una
esperanza sobre lo que viene.
The title of the film refers to the sign of a serpent biting its
own tail, the symbol that refers to the cyclical nature of things,
to the idea of the eternal return. It is the first (and one of a
number) metaphor that director Basma Alsharif articulates in
order to convey a suggestive narrative, distinctly experimental in
tone, about the Palestine conflict in the Gaza Strip. Divided into
various segments, indicated by title cards that refer to different
times of the day, Ouroboros shows a man, played by Italian artist
Diego Marcon, who travels through different parts of the world
reflecting upon love and loss. In this journey marked by grief
and the search for understanding humanity in its abyss, there
is an aura of melancholy about what used to be, but also some
hope about things to come.

Basma Alsharif
Nació en Kuwait en 1983 y creció en Francia y Estados Unidos. Hizo un máster en la Universidad Contacto / Contact
de Illinois en 2007 y trabajó entre Gaza, El Cairo, Ammán, Beirut y Sharjah. Dirigió We Began by Momento ! Distribution
Measuring Distance (2009), Home Movies Gaza (2013), Deep Sleep (2014) y O, Persecuted (2014, 29º Samia Labidi
Festival). Eng Born in Kuwait in 1983, she was raised in France and the US. She received an MFA T +33 659 016 425
from the University of Illinois in 2007 and worked between Gaza, Cairo, Amman, Beirut and E samia.labidi.hanafi@
Sharjah. She directed We Began by Measuring Distance (2009), Home Movies Gaza (2013), Deep Sleep gmail.com
(2014) and O, Persecuted (2014, 29th Festival). W momento-films.com
basmalsharif
Francia / Palestina / Bélgica / Qatar - France / Palestine / Belgium / Qatar, 2017 / /basmalsharif
77’ / DCP / Color / Chinook / Inglés / Italiano - Chinook / English / Italian ouroborosthefilm
D, G, E, DA: Basma Alsharif F: Ben Russell S: Federico Chiari M: Yann Gourdon, Bunny People P: Eyal
Sivan, Emilie Dudognon, Mohanad Yaqubi, Serge Kestemont CP: Momento ! , Ida.Ida, Idioms Film,
Galerie Image Farès, Luna Blue I: Diego Marcon, Neemah Abu Ghena, Jessica Bellanger, Bo Gallerito,
Sky Hoping
PANORAMA NUEVOS AUTORES — nEW auteuRS

Person to Person
De persona a persona
Todo mosaico de Nueva York es un estándar ambicioso para el
director que lo plantea, y más cuando se trata de un argumento
con tantas historias. Dustin Guy Defa afronta el desafío con las
herramientas y los intérpretes adecuados, y sobre todo con las
búsquedas que determinan el destino de cada personaje en
un mismo día de otoño: una particular edición de un vinilo de
Charlie Parker, la resolución de un crimen, la redención después
de una acción dañina o la exploración de la propia sexualidad. El
director encuentra nuevas facetas para rostros reconocidos (Philip
Baker Hall, Isiah Whitlock Jr., Michael Cera y Abbi Jacobson) y
descubre posibilidades muy prometedoras en los papeles de Tavi
Gevinson, George Sample III y Bene Coopersmith, conformando
un ensamble de personajes que intentan encontrar sus
identidades mientras siguen el pulso de la ciudad que habitan.
Every mosaic of New York is an ambitious standard for
the director that lays it out, especially when its plot is made
up of so many stories. Dustin Guy Defa faces the challenge
with the right tools and performers and above all with the
pursuits that determine the fate of each character during
an autumn day -a particular vinyl edition of a Charlie Parker
record, the solving of a crime, redemption after a harmful
action or the exploration of one’s own sexuality. The director
finds new facets to well-known faces (Philip Baker Hall, Isuah
Whitlock Jr., Michael Cera and Abbi Jacobson) and discovers
very promising possibilities in the roles played by Tavi
Gevinson, George Sample III and Bene Coopersmith, forming
an ensemble of characters trying to find their own identities
while following the pace of the city they live in.

Dustin Guy Defa

Actor, director y guionista norteamericano. Debutó en el largometraje con Bad Fever (2011), que Contacto / Contact
formó parte del festival SXSW y fue incluida entre los mejores films de 2012 por The New Yorker. Celluloid Dreams
Dirigió varios cortometrajes, entre ellos Lost Turtle (2009), y Family Nightmare (2011) estrenado en T +33 149 700 370
Sundance. Eng He is an American writer, director and actor. He directed his feature debut, Bad E info@
Fever (2011), which is selected at SXSW and was named one of the best films of 2012 by The New celluloid-dreams.com
Yorker. He directed several short films, including Lost Turtle (2009), and Family Nightmare (2011),
which premiered at Sundance.

Estados Unidos - USA, 2017 / 84’ / DCP / Color / Inglés - English

D, G, E: Dustin Guy Defa F: Ashley Connor DA: Katie Hickman S: Danny Meltzer P: Toby Halbrooks,
James M. Johnston, Sara Murphy CP: Human People I: Michael Cera , Abbi Jacobson , Tavi Gevinson
 181

Sicilian Ghost Story

Cuento siciliano de fantasmas
En la última película de los directores de Salvo (2013),
nuevamente la historia se vincula –de alguna manera– con la mafia.
Es claro que para Grassadonia y Piazza incorporar el entorno a su
deriva cinematográfica implica siempre tener a la mafia como parte
del paisaje del sur de Italia. Así, lo que comienza bellamente como
el encuentro sutil, temeroso, cargado de nerviosismo y tensión entre
dos compañeros de escuela va mutando en una historia de amor
trágico. Inspirada en el caso de Giuseppe di Matteo, secuestrado
durante meses por la mafia en 1993 para tratar de impedir que su
padre obrase como informante de la Justicia en su contra, la potente
relación de la pareja de enamorados funciona como fábula que se
abre a lo fantástico. Esta apuesta a la abstracción (el inicio recuerda
al de L’amico de famiglia, de Paolo Sorrentino) y la libertad para cruzar
los géneros son datos que se agradecen en el ámbito del algo
alicaído cine italiano contemporáneo. Fernando Juan Lima
In the latest film by the directors of Salvo (2013), the story is
once again linked –in some way– to the mafia. It is clear that
for Grassadonia and Piazza, including the environment in their
cinematic drifting means always having the mafia as part of the
landscape of southern Italy. And so, what starts beautifully as the
subtle, fearful, nervous and tense reunion between two friends
from school starts mutating into a tragic love story with magical
or supernatural ingredients. Inspired by the case of Guiseppe di
Matteo, kidnapped by the mafia for many months in 1993 to try
to stop his father from giving testimony against them in court,
the powerful relationship of both lovebirds works as a fable
that opens up to the fantastic. Potent and lyrical, this wager on
abstraction (the beginning reminds one of Paolo Sorrentino’s The
Family Friend) and the freedom to cross genres are welcome in the
somewhat weak panorama of contemporary Italian film. FJL

Fabio Grassadonia & Antonio Piazza

Escribieron y produjeron el corto Rita. Su primer largometraje, Salvo (2013), ganó el Gran Premio Contacto / Contact
de la Semana de la Crítica y el Prix Révélation en Cannes. También son consultores de guiones para SBP Woldwide S.A.
instituciones europeas como la Berlinale Residency y el Next Step de la Semana de la Crítica. Adrián Cañete, Matáis
Eng They wrote and directed the short film Rita, and the feature-film Salvo (2013), which won the Condito
Grand Prix of the Critics’ Week and the Prix Révélation in Cannes. They are also script consultants T +54 11 2076 5243
for European Institutions like the Berlinale Residence and the Critics’ Week Next Step. +54 11 4373 1669
E adro@cinematiko.com.ar
Italia - Italy, 2017 / 120’ / DCP / Color / Italiano - Italian matiascondito@
D, G: Fabio Gassadonia, Antonio Piazza F: Luca Bigazzi E: Cristiano Travaglioli DA: Laura Inglese tve-sbp.com
S: Federico Amodio M: Anton Spielman P: Nicola Giuliano, Francesca Cima, Carlitta Calori, Massimo W tve-sbp.com.ar
Cristaldi CP: Indigo Films SRL, Cristaldi Pics SRL, Rai Cinema I: Julia Jedlikowska, Gaetano Fernandez, /sbpfilms
Corinne Musallari, Lorenzo Curcio, Anrea Falzone sbpfilms
PANORAMA NUEVOS AUTORES — nEW auteuRS

The Charmer 
Charmøren / El encantador

Esmail, un inmigrante iraní en Dinamarca, trabaja durante el día
en una empresa de mudanzas para poder enviar dinero a familiares
en su tierra natal, y por las noches intenta asegurar su estadía en el
país europeo seduciendo a mujeres danesas con la esperanza de
poder mantener una relación estable con alguna de ellas. Su plan
está signado por la desesperación, sujeto al deseo ajeno y expuesto
a que intervenga lo imprevisto. Por ejemplo, cuando se enamora
de una joven nacida en Irán con ciudadanía danesa (algo que en
teoría resolvería todos sus problemas, pero abre el juego a sus
sentimientos) y es perseguido por un hombre que trae un hecho
doloroso de su pasado. Alami explora una arista de la cuestión
migratoria que el cine ha sabido tratar en clave cómica, pero que
en esta película adquiere un tono más oscuro, evitando tanto la
complacencia como la tentación a la misantropía.
Esmail, an Iranian immigrant in Denmark, works during the day
for a moving company in order to be able to send money to his
family back home, and at night tries to guarantee his stay in the
European country by seducing Danish women with the hope of
being able to maintain a stable relationship with one of them.
His plan is marked by desperation, subject to a foreign desire and
exposed to unforeseeable interventions. For example, when he
falls in love with a young woman who was born in Iran, but has
Danish citizenship (which in theory would resolve his problems,
but brings into play his feelings) and when he is pursued by a man
who brings a painful memory from his past. Alami explores an
artist of migration who the cinema has previously dealt with in
comic turns, but who, in this film, acquires a darker tone, bypassing
complacency as well as the temptation towards misanthropy.

Milad Alami
Nació en Irán. Se graduó en la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca. Sus trabajos han sido Contacto / Contact
seleccionados en Cannes, Nueva York, Clermont Ferrand y Karlovy Vary. Su cortometraje Mommy Alma Cinema
(2015) ganó el Premio de la Academia Danesa a Mejor Cortometraje. Eng Born in Iran, he T +33 149 700 370
graduated from the National Film School of Denmark. His films have been selected by the festivals E sara@
of Cannes, New York, Clermont Ferrand and Karlovy Vary. His short film Mommy (2015) won the almacinema.com
Best Short Film Award of the Danish Academy. W almacinema.com

Dinamarca - Denmark, 2017 / 100’ / DCP / Color / Danés / Inglés / Farsi - Danish / English / Farsi
D: Milad Alami G: Milad Alami, Ingeborg Topsøe F: Sophia Olsson E: Olivia Neergaard-Holm
M: Martin Dirkov P: Stinna Lassen CP: Good Company Films I: Ardalan Esmaili, Soho Rezanejad,
Lars Brygmann, Susan Taslimi
 183

Verão danado
Damned Summer / Verano dañado

Con un anclaje político detrás de sus detalles formales
y estéticos, Verão danado sigue las experiencias de Chico, un
joven suelto en Lisboa que tiene un título universitario pero no
consigue trabajo, tiene incertidumbres que no puede resolver,
y una vida que la realidad de su país no le permite llevar hacia
las responsabilidades y seguridades de la adultez. El hedonismo
se presenta entonces como el único camino para él y su grupo
de amigos. Así, pasan las noches entre fiestas, romances y la
experimentación con distintas drogas, y el verano se desarrolla
como un limbo sin un estado consecuente. Entre la belleza
de los lugares, los rostros y las situaciones que los personajes
atraviesan, la película conforma un fresco de la situación de
una generación sin posibilidades de proyectar un futuro que
trascienda la experiencia de vivir la próxima noche.
With a political anchoring behind the formal and aesthetic
details, Verão danado follows the experiences of Chico, a young
man on his own in Lisboa. He has a university degree, but
cannot find work. He has uncertainties he cannot resolve and
the reality of his country does not allow him to achieve the
responsibilities and securities of adulthood. And so, hedonism
becomes the only path for him and his friends. They spend
their nights among parties, romance and experimenting with
different drugs, and the summer turns into a limbo without
consequences. Between the beauty of the places, the faces and
the situations that the characters pass through, the film creates
a portrait of the situation of a generation without possibilities
for projecting a future that transcends the experience of living
for the next night.

Pedro Cabeleira
Nació en 1992 en Portugal. Se graduó en Dirección en Lisbon Theatre and Film School, donde filmó Contacto / Contact
su mediometraje Estranhamento (2013). Después de graduarse fundó la compañía productora Slingshot Films
Videolotion con Joana Peralta y Marta Ribeiro. Eng Born in 1992 in Portugal, he graduated Manuela Buono
in directing from Lisbon Theatre and Film School where he shots his medium-format film, T +39 3​ 66 146 1542
Estranhamento (2013). After graduating, he founded Videolotion, a production company, with E info@slingshotfilms.it
Joana Peralta and Marta Ribeiro. festivals@slingshotfilms.it
W slingshotfilms.it/
damned-summer
Portugal, 2017 / 128’ / DCP / Color / Portugués - Portuguese
D, G: Pedro Cabeleira F: Leonor Teles E: Ruben Gonçalves S: Tiago Raposinho P: Pedro
Cabeleira, Marta Ribeiro CP: Videolotion I: Pedro Marujo, Lia Carvalho, Ana Valentim,
Daniel Viana, Sérgio Coragem
 185

Panorama de Cine
Latinoamericano
—
Panorama of Latin
American Cinema

186 Cabros de mierda

187 El silencio de los fusiles
188 El vigilante
189 Extraño pero verdadero
190 Fattoruso
191 Real - O plano por trás da História
192 Violeta al fin
193 Wiñaypacha
Panorama de Cine Latinoamericano — Panorama of Latin American Cinema

Cabros de mierda
The Young Shepherd
Los contornos que delimitan a la ficción del documental son
difusos. En 1946 Orson Welles inauguró en el cine industrial
estadounidense el uso de metraje documental para ilustrar, en una
película de ficción, el horror de los campos de concentración nazis.
Al igual que lo que sucedía en El extraño, el director chileno Gonzalo
Justiniano utiliza sus propios registros fílmicos de la dictadura
de Pinochet para ilustrar el horror de un gobierno de facto en su
ficción Cabros de mierda. Su decimosegunda película reconstruye
las vivencias del recorrido que hizo con su cámara por La Victoria
en 1983, material que hoy complementa con una historia con
personajes que luchan por el regreso de la democracia. Guiado por
un misionero estadounidense, álter ego del director, el espectador
habita el clima de miedo de esos sangrientos días al ponerse en la
piel de Gladys, una joven madre que representa a todas las víctimas
del terrorismo de Estado chileno.
The borders that separate fiction from documentary are
blurry. In 1946, Orson Welles was the first to use documentary
footage in a U.S. commercial, fiction film to illustrate the
horrors of the Nazi concentration camps. In the same manner
as The Stranger, Chilean director Gonzalo Justiniano uses
his own footage of Pinochet’s dictatorship to illustrate the
terror of a de facto government in his fictional film, The Young
Shepherd. His twelfth film reconstructs the experiences of his
travels in La Victoria in 1983, complementing his documentary
material with a story about characters who fight for the return
of democracy. Guided by a missionary from the United States,
the director’s alter ego, the audience lives the climate of fear of
those bloody days by putting ourselves in the shoes of Gladys,
a young mother who represents all the victims of Chilean
state terrorism.

Gonzalo Justiniano
Nació en 1955 en Santiago de Chile. Es productor, guionista y director de cine. Realizó varios Contacto / Contact
largometrajes; entre otros, Sussy (1988), Amnesia (1994), B-Happy (2003), Lokas (2008) y ¿Alguien ha Sahara Films Producciones
visto a Lupita? (2011), premiados en festivales como Berlín, San Sebastián y La Habana Eng Born in S.A.
Santiago de Chile in 1955, he is a producer, screenwriter and director. He made many feature length Gonzalo Justiniano
films, including Sussy (1988), Amnesia (1994), B-Happy (2003), Lokas (2008) and ¿Alguien ha visto a T +569 9862 3661
Lupita? (2011), awarded at such festivals as Berlin, San Sebastian and La Habana. +569 9841 2772
E gjusti@sahara.cl
trejo.roberto@
Chile, 2017 / 124’ / DCP / Color / Español - Spanish gmail.com
D, G: Gonzalo Justiniano F: Miguel Ioan Littin E: Carolina Quevedo DA: Carlos Garrido W cabrosdemierda.cl
S: Romina Núñez M: Miguel Miranda P: Jorge Infante, Roberto Trejo, Gonzalo Justiniano CP: Sahara @cabrosdemierda
Films Producciones S.A. I: Nathalia Aragonese, Danniel Contesse, Elías Collado, Corina Posada,
Luis Dubö
 187

El silencio de los fusiles

When the Guns Go Silent
La guerra civil más larga de América Latina no podía
terminar de manera fácil. Después de medio siglo de lucha
armada y tres procesos de paz fallidos, las FARC colombianas,
la guerrilla más antigua del mundo, entablaron un diálogo
con el Estado, con el fin de entregar las armas y emprender
una transición a la vida política. Fue un proceso que tardó
más de seis años, e incluyó desde un Premio Nobel de la Paz
y un polémico referéndum hasta la influencia clave de Hugo
Chávez. En una larga serie de conversaciones, los protagonistas
(de Juan Manuel Santos a la cúpula guerrillera) relatan a la
periodista Natalia Orozco una historia del detrás de escena de
las negociaciones, que no por ser la “historia oficial” deja de ser
un revelación fascinante de las ideas, pasiones, prejuicios y
decisiones ocultas que tomaron los estrategas políticos que
lograrían la paz más esperada de la región.
The longest civil war in Latin America could not end easily.
After half a century of armed struggle and three failed peace
processes, the Colombian FARCs, the oldest guerrilla army
in the world, opened a dialog with the State, with the aim of
surrendering their weapons and setting forth a transition to
political life. It was a process that took more than six years,
and included a Nobel Peace Prize as well as a controversial
referendum and the key influence of Hugo Chávez. In a long
series of conversations, the protagonists (from Juan Manuel
Santos to the guerrilla leaders) tell journalist Natalia Orozco a
history of the behind-the-scenes of the negotiations, which in
spite of being the “official story”, is still a fascinating disclosure
of the ideas, passions, prejudices and hidden decisions taken by
the political strategists that accomplished the most anticipated
peace in the region.

Natalia Orozco
Periodista y corresponsal internacional para radio, prensa y TV, trabajó en Europa y Washington DC, y se Contacto / Contact
especializó en Cooperación Humanitaria y Ciencias Políticas en París. Dirigió informes periodísticos como Cineplex
Guantánamo, ¿hasta cuándo? (2011) y Gitanos, ciudadanos sin patria (2013), y escribió y dirigió el documental Elba McAllister
Benghazi, más allá del frente armado. Eng A journalist and international correspondent for radio, press and TV, T +1 954 330 3112
she has worked in Europe and Washington, DC and specialized in Humanitarian Cooperation and Political +57 310 270 0552
Science in Paris. She directed such journalistic reports as Guantánamo, ¿hasta cuándo? (2011) and Gitanos, E elbamc@cineplex.com.co
ciudadanos sin patria (2013), and wrote and directed the documentary Benghazi, más allá del frente armado. lbamc@
cineplexusa.com
Colombia / Francia - Colombia / France, 2017 / 118’ / DCP / Color - B&N / Español - Spanish W cineplex.com.co
D, G: Natalia Orozco F: William Alfonso Gutiérrez E: Etienne Boussac S: Joaquín Vásquez /silenciofusiles
M: Alejandro Ramírez P: Natalia Orozco, Christine Camdessus, Serge Gordey, Julián Giraldo @silenciofusiles
CP: Pulso Mundo S.A.S., Alegría Productions, RCNTV I: Juan Manuel Santos, Timoleón Jiménez,
Humberto de la Calle, Sergio Jaramillo, Pablo Catatumbo
Panorama de Cine Latinoamericano — Panorama of Latin American Cinema

El vigilante
The Night Guard
Mientras todos duermen, Salvador cuida una obra en
construcción. El sereno de carácter apacible se mezcla entre
la multitud para tomar el tren que lo acerca a su trabajo, sin
saber que ese día dejará de ser uno más del montón. Una tarde,
a metros de los adoquines que él protege con su insomnio, la
policía descubre una camioneta que esconde un cadáver. Como
en una película de Hitchcock, el hombre común se encuentra
de repente en una situación extraordinaria: ser testigo de un
crimen extraño. Invitándonos a flotar en una nube de tensión
constante, el debutante director mexicano distribuye las fichas de
un rompecabezas en los alrededores de un edificio imaginario.
Presos de un mismo espacio, el terreno y el cuerpo del protagonista,
acompañaremos a Salvador en la ardua lucha moral entre contar lo
que vio o enterrar el recuerdo debajo del hormigón armado.
While everyone sleeps, Salvador watches over a construction
site. The gentle night watchman mixes in with the multitude
to take the train that brings him to work, not knowing that this
day he will no longer be just another person in the crowd. One
evening, a few yards from the cobblestones that he protects with
his insomnia, the police discover a van with a dead body inside.
Like in a Hitchcock film, the common man suddenly finds himself
in an extraordinary situation: he is witness to a strange crime.
Inviting us to float in a cloud of constant tension, the first-time
Mexican director distributes the pieces of a puzzle throughout the
area surrounding an imaginary building. Prisoners of the same
space, terrain and body as the main character, we accompany
Salvador in an arduous moral struggle between telling what he
saw and burying his memory below the concrete.

Diego Ros
Estudió en la Universidad de Notre Dame, trabajó como montajista de comerciales de TV y Contacto / Contact
cortos documentales, y como posproductor y supervisor de efectos visuales en largos de ficción Vigilante Cine
durante doce años, antes de escribir y dirigir su primer largometraje. Eng He studied at the T +1 619 937 8115
University of Notre Dame and worked as an editor in TV commercials and documentary shorts, E diegorossss@
and as post-producer and visual effects supervisor in narrative features for twelve years before
gmail.com
writing and directing his first feature.

México - Mexico, 2016 / 75’ / DCP / Color / Español - Spanish

D, G, E: Diego Ros F: Galo Olivares DA: Federico Cantú S: Daniel García Olvera, Miguel Hernández,
Mario Martínez M: Miguel Hernández, Mario Martínez P: Diego Ros, Jack Zagha, Yossy Zagha,
Laura Pino CP: Vigilante Cine, Avanti Pictures, IMCINE I: Leonardo Alonso, Ari Gallegos, Héctor
Holten, Lilia Mendoza, Noe Hernández
 189

Extraño pero verdadero

Strange But True
Jonathan y Yesi son recolectores de basura en la capital
mexicana, y viven un romance atravesado por la sordidez del
universo en el que se mueven. A las miserias propias y ajenas
que surgen de manera cotidiana y la constante amenaza del
Maestro Limpio –el chofer del camión en el que viajan todas
las noches– se suma el hallazgo de un cadáver junto a una gran
cantidad de dinero, con un plan posterior que los someterá a
una opresión aún mayor que la que ya conocen. El segundo
largometraje de Michel Lipkes sumerge al espectador en esta
atmósfera, apoyándose tanto en los vaivenes de su argumento
como en un trabajo preciso y contundente en la fotografía y la
música, y explorando los rincones más oscuros de la periferia
y la condición humana, entre quienes intentan alejarse de esa
espiral y quienes se entregan a su recorrido descendente.
Jonathan and Yesi are garbage collectors in Mexico City
and their romance is crossed by the sordidness of the universe
in which they move. On top of their own miseries and those
that surround them, and the constant threat of Mister Clean
– the driver of the truck that they ride every night –, there
is also the issue of a dead body they find alongside a large
sum of money, and the plan that will follow, putting them
under greater pressure than they had known before. Michel
Lipkes’ second feature film submerges the audience into this
atmosphere, supported by the ups and downs of the story as
well as by precise and powerful cinematography and music, and
an exploration of the darkest corners of the periphery and the
human condition for those who try to escape this downward
spiral and those who follow its descending path.

Michel Lipkes
Nació en Ciudad de México en 1978. Estudió en el Centro de Capacitación Cinematográfica de esa ciudad, Contacto / Contact
fue docente y programador, y cofundó la productora Axolote Cine. Dirigió varios cortos, incluyendo El niño Axolote Cine
sin piernas no puede bailar (2008) y Cielo en la tierra (2002), y el largo Malaventura (2011). Coprodujo decenas de Michel Lipkes
films, incluido La última película, de Raya Martin y Mark Peranson. Eng He was born in Mexico City in 1978 and E mlipkes@
studied at the city’s Centro de Capacitación Cinematográfica. He has been a teacher and programmer, and
yahoo.com.mx
co-founded the production company Axolote Cine. He directed many shorts, including The Legless Boy Cannot
Dance (2008) and Heaven on Earth (2002), and the feature-film Malaventura (2011). He produced dozens of
films, including The Last Picture, directed by Raya Martin and Mark Peranson.

México - Mexico, 2017 / 90’ / DCP / B&N / Español - Spanish

D: Michel Lipkes G: Michel Lipkes, Gabriel Reyes, Rubén Imaz F: Gerardo Barroso
E: León Felipe González, Michel Lipkes DA: Claudio Ramírez S: Alex Muñoz
M: Galo Durán P: Michel Lipkes, Matías Meyer CP: Películas Extrañas, Axolote Cine, Ajenjo Cine
I: Alfredo Blanco, Kristyan Ferrer, Luis Enrique Parra, Itzel Sarmientos
Panorama de Cine Latinoamericano — Panorama of Latin American Cinema

Fattoruso

Es ya un clásico del esnobismo antibeatle decir que el mejor
tema de los buenos de Liverpool es “Rompan todo”, de los Shakers.
También hay que decir que podría serlo. Esa canción, una de las
primeras muestras del talento como compositor de Hugo Fattoruso
–quien venía formándose en la escena de jazz de Montevideo junto
a su padre y su hermano Osvaldo–, sería solo el comienzo de una
carrera espectacular que continúa en estos días. Este documental
recorre su vida y su obra, desde aquel fervor beat en Buenos Aires,
pasando por su estadía en los Estados Unidos, la vanguardia de
OPA, sus temporadas en Brasil y el regreso definitivo a su Uruguay
natal, las colaboraciones con Airto Moreira, Chico Buarque, Milton
Nascimento, Jaime Roos y una infinidad de nombres que morían
por tenerlo en sus filas para contagiarse de su espíritu. Fue el propio
Osvaldo quien arriesgó la máxima definitiva: “Hugo es un santo”. Y
algo de eso habrá.
It has long been a classic snobbish anti-Beatle comment to
say that the best song by the good boys from Liverpool is “Rompan
todo” (“Break it All”) by Los Shakers. Also, it must be said, that it
may be true. This song, one of the first displays of the song writing
talents of Hugo Fattoruso – who was formed, along with his father
and brother, Osvaldo, in the jazz scene of Montevideo –, was just
the beginning of a spectacular career that continues to this day. This
documental follows the history of his life and work, from the beat
fever in Buenos Aires, through his time in the United States, the avant
garde of OPA, his time in Brazil, and his definitive return to his native
Uruguay, his collaborations with Airto Moreira, Chico Buarque,
Milton Nascimento, Jaime Roos and an infinite number of musicians
that would die to count him in their ranks to become infected by
his spirit. It was Osvaldo himself who dared to utter the definitive
statement: “Hugo is a saint.” And it may be true.

Santiago Bednarik
Nació en 1989 en Montevideo, Uruguay. Estudió ingeniería audiovisual en esa ciudad y trabaja
Contacto / Contact
como docente. Es guionista, director y director de posproducción, edición y sonido. Dirigió el
​C​oral Cine
corto experimental Casa y numerosos videoclips. Eng Born in Montevideo, Uruguay, in 1989, he
​Sebastían Bednarik​
studied Audiovisual Engineering in there and works as a teacher. He is also a screenwriter, director
T +598 2​​ 400 6210​
and post-production, editing and sound director. He directed the experimental short Casa and a
+598 9137 1459
number of music videos.
E mercedessader@
gmail.com​​
santiagobed@
Uruguay / Brasil / Argentina​- Uruguay / Brazil / Argentina, 2017 / 82’ / DCP / Color / ​Español / gmail.com​​
Portugués / Inglés​- Spanish / Portuguese / English W coralcine.com
D, G, E, S: Santiago Bednarik F: R
​ amiro Gonzáles Pampillón​DA: ​Luanda Fattoruso M: H ​ ugo /fattorusodoc
Fattoruso P: ​Sebastián Bednarik, Andrés Varela, Manuela Formosinho CP: Coral Cine, A ​ Gente​, fattorusodoc
Canal Brasil​I: ​Hugo Fattoruso, Fito Páez, León Gieco, Chico ​​Buarque, Djavan​
 191

Real - O plano por trás da História

Real - A Historic Plan / Real - El plan detrás de la historia
Mientras Brasil sigue atravesando tiempos de convulsiones
políticas y económicas, Rodrigo Bittencourt se remonta a la génesis
del Plan Real, el proyecto de estabilización que el gobierno de
Itamar Franco diseñó en pos de terminar con la hiperinflación
durante los noventa. El director sigue esta historia a través del
ascenso del economista Gustavo Franco, desde sus días de profesor
universitario y su llegada al Ministerio de Hacienda liderado
por Fernando Henrique Cardoso (quien asumiría la presidencia
de Brasil en 1995) hasta su gestión al frente del Banco Central
y la comisión parlamentaria que debió enfrentar por el caso
Banestado. Cuidando el ritmo e introduciendo al espectador en los
tecnicismos económicos, pero sin evitar los aspectos polémicos y
divisorios que estas políticas produjeron, la película echa un vistazo
sobre un período cuyas marcas aún son visibles en la realidad
latinoamericana.
While Brazil continues suffering through times of political and
economic convulsion, Rodrigo Bittencourt retraces the genesis
of the Plan Real, the stabilization project that Itamar Franco’s
government designed to end hyperinflation in the 1990s. The
director follows this history through the rise of economist Gustavo
Franco, from his days as a university professor to his arrival in the
Treasury Department led by Fernando Henrique Cardoso (who
would become president of Brazil in 1995) to his time as head of
the Central Bank and the parliamentary commission that had to
confront the Banestado case. With solid pacing, while introducing
the audience to the very technical aspects of economics without
avoiding the contentious and divisive realities that these policies
produced, the film takes a hard look at a period whose markings
are still very much visible in the reality of Latin America.

Rodrigo Bittencourt
Es escritor, músico, y director de cine y televisión. Publicó los libros Red Enarmel y Opera Embolada Contacto / Contact
of Brazil. Dirigió los cortometrajes Por Acaso Gullar (2006) y Ruídos - O filme (2011), y el largometraje Maristela Filmes
Totalmente inocentes (2012), donde también compuso la banda sonora. Eng He is a writer, musician Marco Audrá
and film and TV director. He published the books Red Enarmel and Opera Embolada of Brazil. He T +55 11 3051 2428
directed the short films Por Acaso Gullar (2006) and Ruidos - O filme (2011), as well as the feature +55 11 3051 6768
Totalmente incocentes (2012), for which he also composed the score. E m.audra@
maristelafilmes.com.br
Brasil - Brazil, 2017 / 90’ / DCP / Color / Portugués - Portuguese contato@maristelafilmes.
D: Rodrigo Bittencourt G: Mikael de Albuquerque F: Fabio Burtin E: Hélio Villela, Chico Ribeiro com.br
DA: Chico de Andrade S, M: Maycon Ananias, Rodrigo Bittencourt P: Ricardo Rihan, Marco Audrá W maristelafilmes.com.br
CP: LightHouse Produções Cinematográficas, Maristela Filmes I: Emilio Orciollo Netto, Paolla /realofilme
Oliveira, Cássia Kis, Tatto Gabus Mendes, Norival Rizzo
Panorama de Cine Latinoamericano — Panorama of Latin American Cinema

Violeta al fin
Violeta at Last
La primera escena de esta película sigue bajo el agua los
pies de Violeta que, a los 72 años, decide aprender a nadar.
Es solo una de las decisiones que eligió tomar en una etapa
de la vida en la que dar pasos es sellarlos. Pero hay otras más
significativas. Por un lado, llevar adelante con determinación el
divorcio de su pareja de toda la vida. Por otro, intentar conservar
su propia casa, cueste lo que cueste, contra la opinión de sus
hijos, que apuestan a una venta segura. Con todo esto, Violeta
al fin no orienta sus focos hacia el drama familiar lacrimógeno,
sino que adquiere el semblante y el brillo de los ojos del
personaje (Eugenia Chaverri, hermosa y radiante) para plasmar
un relato sobre cómo los caminos de la vejez pueden ser
múltiples y tan lúcidos como los de esta heroína, que conlleva
en su valor y rebeldía sus más encantadores superpoderes.
The first scene of this film is shot underwater, following the
feet of Violeta who, at the age of 72, has decided to learn how to
swim. It is just one of the decisions she takes at a stage in life in
which making changes is somehow more definitive. And there are
other, bigger, decisions. On one hand, the decision to finish getting
divorced from the man she was married to her whole life, and on
the other, she has decided to hold on to her house, no matter what
the cost, against the wishes of her children, who are hoping for a
sure sale. With all of this, Violeta at Last does not put its focus on
a tear jerking family drama, but rather acquires its countenance
and shining eyes from its character (the beautiful and radiant
Eugenia Chaverri) to create a tale about how the paths of old age
can be many and as lucid as those of this heroine, whose valor and
rebelliousness bring forth her most enchanting super powers.

Hilda Hidalgo
Nació en Costa Rica, donde estudió Periodismo. Se graduó en la Escuela Internacional de Cine y TV de Contacto / Contact
San Antonio de los Baños, Cuba. Escribió y dirigió media docena de cortos de ficción y documentales, Habanero
y el largometraje Del amor y otros demonios (2010). Fundó y dirigió la Nueva Escuela de Cine y TV de la Marina Porto Búzios​
Universidad Veritas de Costa Rica. Actualmente trabaja en su compañía Producciones La Tiorba. T +55 22 999 728 481
Eng She was born in Costa Rica, where she studied Journalism, and she graduated from the E acalvino@
International School of Film and TV in San Antonio de los Baños, Cuba. She has written and directed habanerofilmsales.com
half a dozen fiction and documentary shorts, as well as the feature length documentary Del amor y patriciamartin@
otros demonios (2010). She founded and ran the New School of Film and TV from Costa Rica’s Veritas habanerofilmsales.com
University. She currently works at her company Producciones La Tiorba.

Costa Rica / México - Costa Rica / Mexico, 2017 / 85’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, G: Hilda Hidalgo F: Nicolás Wong Díaz E: Ariel Escalante DA: Olga Madrigal S: Nano Fernández,
Matías Barberis M: Camilla Uboldi P: Laura Imperiale, Hilda Hidalgo CP: Cacerola Films,
Producciones La Tiorba I: Erika Rojas, Olger González, Andrés López Lozano, Anabelle Ulloa,
Oscar Castillo
 193

Wiñaypacha
Como la pareja de ancianos de Cuentos de Tokio, la maravillosa
película de Ozu filmada en 1953, los protagonistas de Wiñaypacha
cargan sobre sus espaldas encorvadas la tristeza de ser olvidados por
su hijo. Sin embargo, no invierten en enojo ni acumulan reproches.
Pasan sus días tejiendo las frazadas que les dan calor por las frías
noches, mastican coca y sueñan con que algún viento pueda traer a
su primogénito de regreso a casa. La ópera prima de Oscar Catacora
dibuja con líneas tenues la emotiva historia de sus abuelos, quienes le
enseñaron a hablar en aymara cuando a sus siete años sus padres lo
enviaron a convivir con ellos en las alturas de Acora, zona sur-central
de Puno. Wiñaypacha, la primera película de Perú en lengua aymara,
imprime sobre la pantalla postales panorámicas pintadas por el
aliento nostálgico de un matrimonio zen que, pese a la soledad,
despierta todas las mañanas abrazado a la ilusión de la espera.
Like the elderly couple in Ozu’s wonderful Tokyo Story (1953),
the main characters of Wiñaypacha carry upon their bent backs the
sadness of being forgotten by their son. Nonetheless, they do not
invest in anger nor build up blame. They spend their days weaving
the blanket that keeps them warm on cold nights, chewing on coca
leaves, and dreaming of a wind that will bring their firstborn back
home. This debut film by Oscar Catacora draws with delicate lines
the emotional story of his grandparents who taught him to speak
aymara when he was seven years old and his parents sent him to live
with them in the highlands of Acora, southern-central region of Puno,
Peru. Wiñaypacha, the first Peruvian film in the aymara language,
imprints upon the screen panoramic postcard images painted with
the nostalgic breath of a zen like couple who, despite their solitude,
wake up every morning embraced by the illusion of hope.

Oscar Catacora
Nació en 1987 en la comunidad de Huaychani, Perú, en un hogar de campesinos. Estudió en la Escuela Contacto / Contact
Profesional de Arte de la Universidad Nacional del Altiplano, y dejó los estudios para enlistarse en el Cine Aymara Studios
ejército peruano. En 2011 ingresó a Ciencias de la Comunicación Social en la UNA. Escribió y dirigió El Tito Catacora​
sendero del chulo (2007), donde también actuó, y La venganza del Súper Cholo (2013). Eng He was born in T +951 011 931
1987 in the community of Huaychani, Peru, to a farming family. He studied at the Professional Art School +931 872 567
of the Universidad Nacional del Altiplano, and quit his studies in order to enlist in the Peruvian army. In E cineaymarastudios@
2011, he began studying Social Communication Sciences at UNA. He wrote and directed El sendero del yahoo.com
chulo (2007), in which he also acted, and La venganza del Súper Cholo (2013). luhram@gmail.com
/ winaypacha.eternity

Perú - Peru, 2017 / 86’ / DCP / Color / Aimará - Aymara

D, G, F: Oscar Catacora E: Irene Cajías DA: Hilaria Catacora S: Rosa María Oliart P: Tito Catacora
CP: Cine Aymara Studios I: Rosa Nina, Vicente Catacora
 195

Panorama de Cine
Argentino
—
Panorama of
Argentine Cinema

196 Años luz

197 Córdoba sinfonía urbana
198 Cuentos de chacales
199 El volcán adorado
200 Entre Perón y mi padre
201 La suave noche
202 Pabellón 4
203 Proyecto 55
204 Un cine en concreto
205 El origen de la tristeza
PANORAMA de Cine Argentino — Panorama of Argentine Cinema

Años luz

Si esperamos casi una década por la vuelta de Lucrecia
Martel, lo mínimo que podíamos obtener era más que “apenas”
una película (las comillas son, claro, porque esa película es
Zama, una obra maestra y probablemente una de las mejores
películas en la historia del cine argentino). Zama no vino sola.
Trajo con ella un diario de rodaje escrito por Selva Almada –El
mono en el remolino– y este documental de Manuel Abramovich,
que como un intruso sonoro capturó el meticuloso trabajo de
la directora salteña y la cálida, humana y divertida precisión
con la que ajusta cada detalle que sucede en los planos de
su película. “Yo estoy a años luz de poder ser la protagonista
de una película”, le dice Martel a Abramovich cuando este le
plantea por mail su idea de un documental que la tenga a ella
como personaje principal. Lo que dice la directora es, en parte,
cierto: Martel está a años luz. Del resto.
If we have waited almost a decade for Lucrecia Martel’s
return, the least we could get was more than “just” a film (the
quotation marks are, of course, due to the fact that the film in
question is Zama, a masterpiece and probably one of the best
films in Argentine film history). Zama didn’t come alone. It
brought with her a shooting journal written by Selva Almada
–El mono en el remolino– and this documentary by Manuel
Abramovich, who, as a sound intruder, captured the meticulous
work of the director from Salta and the warm, human, joyful
precision with which she adjusts every single detail that
happens in the film’s shots. “I am light years away from being
able to be the protagonist of a film,” says Martel to Abramovich
when he mails her his idea of making a documentary with her
as the main character. What the director says is, in part, true:
Martel is light years away. From the rest.

Manuel Abramovich
Nació en 1987 en Buenos Aires. Estudió dirección de fotografía en la ENERC. Participó en el Talent Contacto / Contact
Campus de la Berlinale 2012. Dirigió varios cortometrajes, como La reina (2013) y Las luces (2014), Rei Cine
y el largo Solar (Bafici 2016). Eng Born in Buenos Aires in 1987, he studied cinematography at the Benjamín Domenech
ENERC. Selected forthe Talent Campus at the 2012 Berlinale 2012, he has directed many short film, T +54 9 11 45 55 10 77
including La reina (2013) and Las luces (2014), as well as the feature Solar (Bafici 2016). E info@reicine.com.ar
bd@reicine.com.ar
W reicine.com
Argentina, 2017 / 75’ / DCP / Color / Español - Spanish @reicine
D, F: Manuel Abramovich E: Iara Vilardebó S: Sofía Straface P: Manuel Abramovich, Benjamín
Domenech, Santiago Gallelli CP: Rei Cine
 197

Córdoba sinfonía urbana

Córdoba, a City Symphony

Córdoba sinfonía urbana se inscribe en el género del
relato poético y político. Construye un retrato de la ciudad de
Córdoba, tejido alrededor del cauce del río que la atraviesa de
punta a punta. El río Suquía, ese que luchó por recuperar su
nombre original en el poema de Arturo Capdevilla, al cruzar el
corazón de la urbe experimenta un proceso de contaminación
al ritmo que suceden diversos acontecimientos. Algunos
mínimos y cotidianos, otros de agitada revuelta social, cargan
las aguas con todo tipo de impurezas y tensiones. La película
fue realizada de manera colectiva, con ocho directores
sumando miradas en el marco del taller Retratos 01, dictado
en el Cineclub Municipal Hugo del Carril y coordinado por
Germán Scelso.
Córdoba sinfonía urbana fits in the genre of poetic and
political tale. It constructs a portrait of the city of Cordoba,
woven along the riverbank that crosses it from one end to the
other. Upon crossing through the heart of the urban landscape,
the Suquia River, which struggled to recover its original name
in the poem by Arturo Capdevilla, experiences a process of
contamination that follows the rhythm of various actions.
Some are minor and quotidian, others the result of turbulent
social conflicts: filling the water with all kinds of impurities and
tensions. The film was directed by a collective of eight directors
contributing their gazes in the framework of the Retratos 01
workshop, dictated in the Hugo del Carril Municipal Cineclub
and coordinated by German Scelso.

Germán Scelso
Nació en 1976 en Buenos Aires. Es director y montajista. Realizó el cortometraje El engaño (2009) Contacto / Contact
y los largometrajes La sensibilidad (2012) y El modelo (2013). Sus trabajos se han exhibido en el Germán Scelso
FIDMarseille y el Bafici, entre otros festivales. Eng Born in Buenos Aires in 1976, he is a director and T +54 11 2640 5417
editor. He made the short film El engaño (2009) and the features La sensibilidad (2012) and El modelo E scelsog@gmail.com
(2013). His works have been shown at FIDMarseille and Bafici, among other festivals.

Argentina, 2017 / 60’ / DCP / Color / Español - Spanish

D, G: Polo Obligado, Daniela Goldes, Antonio Moro, Natalia Comello, Manuel Torrado, Martín
Álvarez, Micaela Conti, Germán Scelso E: Germán Scelso P: Germán Scelso
PANORAMA de Cine Argentino — Panorama of Argentine Cinema

Cuentos de chacales
Jackal Stories
Como hizo Linklater en Boyhood, donde registró el
crecimiento de un niño hasta hacerse adulto durante doce años,
Martín Farina presenta una arriesgada propuesta en la que el
documental, la ficción y el cine experimental se entrecruzan
sin que podamos distinguirlos. Francisco Cruzans es filmado
desde el día de su nacimiento hasta el presente. Un cocktail
voyeur que condensa una vida en 70 minutos, alternando, en
aparente caos, imágenes de archivo, videos familiares en VHS y
relatos de un séquito de personajes misteriosos en un patchwork
cinematográfico que desconcierta e hipnotiza. “La memoria
no es el registro de un suceso original. Es la reconstrucción del
modo en que lo recordamos la última vez”, se afirma en palabras
blancas escritas sobre fondo negro. No hay una intención servil
de retratar una realidad objetiva, sino de reconstruir una vida
a base de retazos arbitrarios, transformando el día a día en una
sucesión de instantes poéticos.
Like Linklater did in Boyhood, in which he captured a boy’s
growth for twelve years until he became an adult, Martín
Farina presents a daring venture in which documentary, fiction
and experimental film intertwine without us being able to
distinguish between them. Francisco Cruzans is filmed from
the day of his birth to present day. A voyeuristic cocktail that
condenses a life in 70 minutes, alternating –in apparent chaos–
among archival images, VHS home movie and anecdotes from
a group of mysterious characters in a hypnotic, disconcerting
cinematic patchwork. A title card with white words on black
background states, “Memory is not the capture of an original
event. It is the reconstruction of the way in which we remember
it last.” There is no slavish intention of depicting an objective
reality, but rather reconstructing through arbitrary fragments,
turning everyday life into a string of poetic instants.

Martín Farina
Nació en Buenos Aires. Es Licenciado en Comunicación por la Universidad Nacional de La Matanza. Contacto / Contact
Estudió música y filosofía, y ejerció el periodismo en el grupo La Otra. Dirigió los largometrajes Cinemilagroso
documentales Fulboy (2014), El hombre de Paso Piedra (2015) y El profesional (2016). También codirigió Martín Farina
con Marco Berger la ficción Taekwondo (2016). Eng Born in Buenos Aires, he earned a Bachelor’s T +54 11 3004 2444
Degree in Communication from the National University of La Matanza. He studied Music and E farinamartin@
Philosophy, and practiced journalism at La Otra group. He directed the documentary features gmail.com
Fulboy (2014), El hombre de Paso Piedra (2015) and El profesional (2016). He also co-directed the fiction W cinemilagroso.com.ar
film Taekwondo (2016) with Marco Berger.

Argentina, 2017 / 70’ / DM / Color - B&N / Español - Spanish

D, G, F, E, DA, S, P: Martín Farina M: Juan Ignacio Serrano CP: Cinemilagroso, The Open Reel
I: Francisco Cruzans, Juan Ignacio Serrano, Licina Picón, Stela Maris Serrano, Zalmon Markus
 199

El volcán adorado
The Beloved Volcano
El 26 de febrero de 1999 un grupo de estadounidenses, peruanos y
argentinos emprendieron una expedición en Salta para cristalizar uno
de los descubrimientos más significativos de la historia argentina: en
la cumbre del volcán Llullaillaco, a 6700 metros de altura sobre el nivel
del mar, hallaron los cuerpos de tres niños perfectamente conservados
por el frío. Ese tesoro arqueológico hoy se exhibe en el Museo de
Arqueología de Alta Montaña. Christian Vitry, el protagonista de El
volcán adorado, fue uno de los líderes de aquella misión. El especialista
en geografía y ciencias biológicas se propone un nuevo desafío: subir
hasta la cumbre para develar la temperatura de los cuerpos incas.
El segundo documental dirigido por Fernando Krapp (codirector
de Beatriz Portinari. Un documental sobre Aurora Venturini) enmarca de
cerca el proceso de preparación de Vitry, entre charlas informativas
y humanas con la comunidad kolla, quienes deben darle el permiso
para emprender su ascenso en la zona, y relatos personales que hacen
de esta historia un verdadero diario de viaje.
On February 26, 1999, a group of Americans, Peruvians and
Argentinians embarked on an expedition in the province of Salta
in order to crystallize one of the most significant discoveries in
Argentine history: at the top of the Llullaillaco volcano, 6,700 meters
above sea level, they found the bodies of three children that had been
perfectly preserved by the cold. This archeological treasure is now on
display at the High-mountain Archeological Museum. Christian Vitry,
the protagonist of El volcán adorado, was one of the leaders of that
mission. The specialist in geography and biological science proposes
a new challenge: going to the top of the mountain to find out the
temperature of the Incan bodies. The second documentary directed
by Fernando Krapp (co-director of Beatriz Portinari. Un documental sobre
Aurora Venturini) closely frames Vitry’s preparation process, among
informative and human talks with the Koya community –who must
give him permission to start climbing in the area–, and personal
stories that turn this story into a real travelogue.

Fernando Krapp
Nació en 1983 en Adrogué. Estudió guion en la ENERC y letras en la UBA. Es periodista cultural, Contacto / Contact
guionista y director de cine. Codirigió, junto a Agustina Massa, Beatriz Portinari. Un documental sobre Bosque Cine
Aurora Venturini (Bafici 2013, Premio Argentores). Eng He was born in Adrogué in 1983 and studied Fernando Krapp
screenwriting at ENERC and literature at UBA. He is a cultural journalist, screenwriter and film T +54 9 11 4074 4384
director. He co-directed, together with Agustina Massa, Beatriz Portinari. Un documental sobre Aurora E bosque.cine@
Venturini (Bafici 2013, Argentores Award). gmail.com
thunderkrapp@
gmail.com
Argentina, 2017 / 67’ / DCP / Color / Español - Spanish W bosque-cine.com.ar
D, G, DA: Fernando Krapp F: Juan Ignacio Zevallos E: Francisco D`Eufemia S: Lucas Page ponchocine.com.ar
M: Martín Minervini P: Fernando Krapp, Nadia Martínez CP: Bosque Cine, Poncho Cine bosquecine
I: Christian Vitry, Equipo Qhapac Ñan, Comunidad Kolla Tolar Grande
PANORAMA de Cine Argentino — Panorama of Argentine Cinema

Entre Perón y mi padre

Perón, My Father and I
“Yo competí con Perón por la atención de mi padre”. Además
de Blas Martínez, no hay mucha gente que pueda decir esta
frase y que sea cierta: el hijo del periodista y escritor Tomás Eloy
Martínez narra la relación con su padre a partir de su vínculo con el
peronismo y las consecuencias que eso le trajo al autor de La novela
de Perón y Santa Evita, que incluyeron el exilio y una paternidad a
distancia. Según el escritor, la historia siempre envidió a la novela,
porque esta última puede cubrir con su ficción todos los agujeros
que la historia no puede evitar. Y Blas decide, también, rellenar los
huecos de la historia con su padre recurriendo a materiales de otro
orden. Así, mientras oímos a Perón desde las cintas originales de
su histórica entrevista con Martínez en Puerta de Hierro, el relato
familiar del director se nutre de escenas de películas viejas y home
movies, en un patch work en el que Buster Keaton y Humphrey
Bogart se mezclan con José López Rega, cuya voz emerge detrás de
la de Perón, como un tenebroso villano del cine clásico.
“I competed with Peron for my father’s attention.” Other
than Blas Martinez, there aren’t many people who can make
that claim and have it be true. The son of journalist and writer
Tomas Eloy Martinez (Saint Evita and The Peron Novel) distance
paternity. According to Tomas Eloy Martinez, history has always
envied the novel, because by using fiction the latter can cover all
the holes that history cannot avoid. And so, his son Blas decides,
as well, to fill the holes of his history with his father using
materials of a different kind. While we hear the voice of Peron
from the original tapes of his historic interview with Martinez
in 1969 in the Puerta de Hierro in Madrid, we see the story of the
director’s family through scenes of old films and home movies,
a patchwork in which Buster Keaton and Humphrey Bogart mix
with Peron’s infamous Minister of Social Welfare, Jose Lopez
Rega, whose voice emerges behind Peron’s, like a villain in the
shadows of a classic movie.

Blas Eloy Martínez

Nació en 1972 en Buenos Aires. Licenciado en Ciencias Políticas, estudió en la Universidad del Cine y Contacto / Contact
en The New School en Nueva York. Dirigió los largometrajes La oficina (2005), El notificador (2010), y las Micromundos
series de TV La Argentina según Perón y Cartas del pueblo, junto a Cecilia Priego. Eng He was born in Buenos Blas Eloy Martínez
Aires in 1972. He holds a Bachelor’s Degree in political science, having studied at the Universidad del T +54 9 11 6729 2736
Cine and the New School in New York. He directed the features La oficina (2005) and El notificador (2010), E beloymartinez@
and the TV series La Argentina según Perón and Cartas del pueblo, co-directed with Cecilia Priego. micromundosmedia.com
W micromundos.com.ar
Argentina, 2017 / 73’ / DCP / Color - B&N / Español - Spanish MicromundosMedia
D: Blas Eloy Martínez G: Blas Eloy Martínez, Cecilia Priego F: Iván Gierasinchuk E: Alejandra Almirón
S: Emiliano Biaiñ M: Leonardo Martinelli P: Blas Eloy Martínez, Cecilia Priego CP: Micromundos
 201

La suave noche
The Good Night
La magia del cine documental reside en que, en menos
de dos horas, podemos conocer más a una persona, hasta
entonces invisible, que a nuestra propia familia. La suave noche
resalta esa cualidad enigmática que tiene el ojo humano
cuando se encuentra con el lente de la cámara, y en esa
poderosa fusión logra acercarnos a la piel de una historia que
nos desprende de la realidad cotidiana para devolvernos de
una manera distinta. El largometraje de Rapoport-Bordenave
tatúa sobre el plano la relación que tiene Juan Carmona, un
alercero que vive en la cordillera, con la generosidad de la
naturaleza. A través de su quebrada voz, y de las melodías
que tararean las hojas sacudidas por el viento, la película nos
envuelve en un espacio sin piso ni techo, invitándonos a flotar
en los recuerdos fuera de foco de un marisquero.
The magic of documentary film lies in the fact that, in
under two hours, we are able to get to know a person –who
until then had been invisible to us– better than a member of
our own family. La suave noche highlights that enigmatic quality
the human eye has when it meets the camera lens, and in that
powerful fusion, manages to draw us closer to the flesh and
blood of a story that detaches us from everyday reality to then
return as different people. The film by Rapoport-Bordenave
tattoos on the screen the relationship Juan Carmona, a larch
tree worker in the Andes, has with the generosity of nature.
Through his broken voice and the melodies hummed by the
leaves stirred by the wind, the film envelops us in a space
with no floor or roof, inviting us to float in the out-of-focus
memories of his previous life as a shellfish catcher.

Luz Rapoport & Sofía Bordenave

Luz es licenciada en cinematografía. Dirigió el cortometraje ¿Me ves? y los documentales Pluma y Contacto / Contact
bongó, Plantas silvestres comestibles y Yo sé que te gusto. Sofía es abogada especialista en derecho indígena Luz Rapoport
y derechos humanos. Eng Luz received her degree in cinematography and directed the short film ¿Me Sofía Bordenave
ves? And the documentary films Pluma y bongó, Plantas silvestres comestibles and Yo sé que te gusto. Sofia is T +54 9 294 448 5182
a lawyer specializing in indigenous law and human rights. +54 9 351 381 7172
E luz.rapoport@
Argentina / Chile, 2017 / 70’ / DCP / Color / Español - Spanish gmail.com
D, P: Luz Rapoport, Sofía Bordenave G: Sofía Bordenave, Luz Rapoport F: Luz Rapoport E: Martín sofiabordenave@
Sappia S: Lázaro De Giovanni M: Eric Johansen I: Juan Carmona, Rita Novillo Corvalan, Joaquín yahoo.com.ar
Rapoport, Waldo Nempu, Danilo Queupan, Julio Cuevas, Teresa Marioli Ancapan Marileo
PANORAMA de Cine Argentino — Panorama of Argentine Cinema

Pabellón 4
Cell Block 4

Alberto Sarlo, abogado y escritor de La Plata, intenta un
proyecto utópico: enseñarles filosofía, literatura y boxeo a 52
presos del Pabellón 4 de una cárcel de máxima seguridad ubicada
en Florencio Varela, en el conurbano bonaerense. Los internos
hablan de Hegel, de Sartre, de Dostoievski, del superhombre, y
escriben cuentos en los que desnudan su alma y cuentan partes
de sus experiencias tumberas. La filosofía los ayuda a repensar
sus vidas, sus destinos y las decisiones tomadas. Carlos “Kongo”
Mena, un preso que acaba de salir en libertad, vuelve a la cárcel
como ayudante de Sarlo, dando su visión desde un lugar más
cercano a la realidad de los otros internos. Alberto logra que
Carlos sea el primer ex presidiario contratado para enseñar en las
cárceles bonaerenses. Para muchos de ellos es la viva imagen de
que la redención es posible.
Alberto Sarlo, an attorney and writer from La Plata, embarks
on a utopian project: to teach philosophy, literature and boxing
to 52 convicts from Cell Block 4 in a maximum security prison
located in Florencio Varela, in the outskirts of Buenos Aires. The
inmates talk about Hegel, Sartre, Dostoevsky, the superman,
and write stories in which they bare their souls and tell of their
experiences as convicts. Philosophy helps them to rethink their
lives, their fates and the decisions they made. Carlos “Kongo”
Mena, an inmate who has just been released, returns to the jail
as Sarlo’s assistant, providing his perspective, somewhat closer
to that of the reality of the other inmates. Alberto succeeds in
turning Carlos into the first ex-convict hired to teach at Buenos
Aires prisons. For many of them, he is proof that redemption is
indeed possible.

Diego Gachassin
Nació en 1970 en Quilmes. Escribió, dirigió y produjo el largometraje de ficción Vladimir en Buenos Contacto / Contact
Aires (2002), y codirigió los documentales Habitación disponible (2005) y Los cuerpos dóciles (2015, El Acorazado Cine
Mención Especial en la Competencia Argentina del 30º Festival). Eng Born in Quilmes in 1970, he Diego Gachassin
wrote, directed and produced the fiction feature Vladimir en Buenos Aires (2002), and co-directed T +54 9 11 6167 9463
the documentaries Habitación disponible (2005) and Los cuerpos dóciles (2015, Special Mention at the E diegogachassin@gmail.
Argentine Competition of the 30th Festival). com
/pabellon4pelicula
Argentina, 2017 / 71’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, F, G, P: Diego Gachassin E: Fernando Vega S: Hernán Gerard, Fernando Vega
CP: El Acorazado Cine I: Alberto Sarlo, Carlos “Kongo” Miranda Mena
 203

Proyecto 55

Como si todo le hubiera sucedido a él, Miguel Colombo
soñó durante meses que presenciaba inmóvil el paso de un
bombardeo, la destrucción de los cuerpos que se volvían
indistinguibles, los escombros y el fuego. Sus antepasados
trajeron desde Europa los recuerdos de ataques aéreos que
pusieron reiteradamente en jaque sus vidas, y la Masacre de
Plaza de Mayo en 1955 articuló las memorias que heredó con el
escenario de la ciudad que habita. Junto a un grupo de artistas
que elaboran una obra sonora sobre aquella jornada, el director
indaga en los detalles del bombardeo, la memoria sobre el
hecho en nuestra sociedad y el rastro de muerte que la violencia
dejó a su paso en distintos conflictos bélicos y políticos a lo
largo de la historia, con el fin de exorcizar las pesadillas y ofrecer
a sus hijos un encuentro empático y sensato con el pasado.
As though all of it had happened to him, Miguel Colombo
dreamt for months that he witnessed, motionless, a bombing,
the destruction of bodies that were rendered indistinguishable,
the debris and the fire. His ancestors had brought from Europe
the memories of air strikes that repeatedly put their lives at
risk, and it was the Plaza de Mayo Massacre in 1955 articulated
the memories he had inherited along with the cityscape of
the metropolis he lives in. Along with a group of artists who
developed a sound work about the Massacre, the director delves
into the details of the bombing –our society’s memory of the
event and the trail of death that the violence left in different
military and political conflicts throughout history–, with the
aim of exorcising nightmares and offering his children an
empathetic and prudent encounter with the past.

Miguel Colombo
Nació en 1978 en Salta. Estudió en la ENERC, con especialidad en montaje. En 2010 fundó la Contacto / Contact
productora El Camino Cine. Dirigió los largometrajes Rastrojero, utopías de la Argentina potencia El Camino Cine
(2006) y Huellas (2012). Eng Born in Salta in 1978, he studied at ENERC, specializing in editing. In Miguel Colombo
2010, he founded the production company El Camino Cine. He directed the features Rastrojero, T +54 9 11 5511 5467
utopías de la Argentina potencia (2006) and Huellas (2012). E miguelcolombo@gmail.
com
W elcaminocine.com.ar
Argentina, 2017 / 73’ / DCP / Color - B&N / Español / Inglés / Francés - Spanish / English / French /proyecto55film
D, G, P: Miguel Colombo F: Miguel Rivarola E: Alejandra Almirón, Miguel Colombo
CP: El Camino Cine I: Leandro Tartaglia, Maximiliano Bellmann, Héctor Raggio, Roberto Jacoby,
Daniel Cichero
PANORAMA de Cine Argentino — Panorama of Argentine Cinema

Un cine en concreto
A Concrete Cinema
¿Cómo medir la pasión por el cine? Cientos de películas
lo intentaron, con historias más o menos inspiradas y efectivas,
pretendiendo hacer de una emoción –que, como todo amor,
es único– algo universal. Un cine en concreto se acerca a ese
hechizo intangible que implica vivir con la necesidad de
pertenecer al cine. De devolverle algo, aun sintiéndolo como
algo inalcanzable. Porque cuenta la historia de Omar, un albañil
de Villa Elisa (pequeño pueblo de Entre Ríos), que reniega
de la idea de que las pantallas grandes desaparezcan. Y hará
todo por conservar aquello a lo que supo aferrarse desde niño,
aunque tenga que construirlo con retazos. Así, la quimera de
Omar, con sus tristezas y sus alegrías, con sus ladrillos al viento,
las butacas desvencijadas, un viejo proyector oxidado y esos
carteles escritos a mano, lleva consigo la satisfacción y la calma
que provocan las misiones cumplidas.
How do we measure our passion for film? Hundreds of
movies have tried it, with more or less inspired and effective
stories, intending to turn an emotion –which, like any love, is
unique– into something universal. A Concrete Cinema draws close
to the intangible spell that is implied by the need to somehow
belong to film, to give something back to it, even if we feel it
is impossible. The film tells the story of Omar, a construction
worker from Villa Elisa, a small town in the province of Entre
Ríos, who rejects the idea that big screens may disappear. He
will do anything he can to preserve that which he has held on
to since he was a child, even though he has to build it with the
remnants of what was. Omar’s pipe-dream, with its joys and
sadness, with its bricks to the wind and ramshackle seats, with
an old, rusty projector and some hand-written cards, carries the
satisfaction and calm of a mission accomplished.

Luz Ruciello
Estudió Diseño de Imagen y Sonido en la Universidad de Buenos Aires, donde vive actualmente. Contacto / Contact
Trabaja como asistente de dirección y continuista en cine y publicidad desde 2002. Dirigió los Luz Ruciello
cortos Seis horas así (2001), Madreselva (2015) y La creciente (2016), y el videoclip The Alcoholic (2011), María Soledad Laici
de la banda Röyksopp. Eng She studied Image and Sound Design at the University of Buenos Aires. T +54 9 11 5750 5115
Currently living in Buenos Aires, she has been an assistant director and script supervisor for film +54 9 11 5860 0612
and advertising since 2002. She directed the shorts Seis horas así (2001), Madreselva (2015) and La E luzruciello.mail@
creciente (2016), as well as the music video for Röyksopp’s The Alcoholic (2011). gmail.com
soledadlaici@
Argentina, 2017 / 77’ / DCP / Color / Español - Spanish gmail.com
D, G: Luz Ruciello F: Lluís Miras Vega E: Carlos María Cambariere S: Javier Stavropulos M: Maxi W litoralcine.com
Prietto P: María Soledad Laici /uncineenconcreto
/198338724
uncineenconcreto
 205

El origen de la tristeza
The Origin of Sadness
Las idealizaciones de la infancia, aunque justificadas,
omiten que incluso las más felices son también el prólogo a la
pérdida de la inocencia y a las inevitables revelaciones que la
vida presenta sobre sus aspectos más oscuros. En la historia de
Gabriel y sus amigos –una adaptación de la novela del mismo
título escrita por Pablo Ramos–, los días de fútbol y juegos
en el Viaducto de Sarandí, los recorridos por el cementerio
de Avellaneda y las excursiones a una misteriosa quinta son
escenas en las que confluyen la amistad, el descubrimiento del
amor, los encuentros con el peligro y el paso a la adolescencia.
Pero, desde ese punto, la realidad se abrirá paso en el entorno
familiar y el barrio del protagonista, que comenzará a percibir
el modo brusco en que la vida concluye sus etapas.
The idealizations of childhood, though justified, do not
mention that an even happier time is that before the loss of
innocence and the inevitable revelations that life presents of
its darkest aspects. In the story of Gabriel and his friends – an
adaptation of the novel with the same name, written by Pablo
Ramos –, the days of soccer and games in the Sarandi Viaduct,
the walks through the Avellaneda Cemetery and the trips to
a mysterious country house are scenes in which friendship,
the discovery of love, encounters with danger and the passage
of adolescence come together. However, at this point, reality
will pave the way in the main character’s family setting and
neighborhood, and he will being to perceive the brusque way
in which life’s stages come to an end.

Oscar Frenkel
Estudió realización cinematográfica en la Escuela Aquilea. Dirigió más de cien videoclips. En Contacto / Contact
2012 codirigió con Pablo Ramos la serie Animal que cuenta, para Canal Encuentro. Eng He studied Suda Cine
filmmaking at Aquilea School and has directed more than one hundred music videos. In 2012, he Oscar Frenkel
co-directed the series Animal que cuenta, for Canal Encuentro, with Pablo Ramos. T +54 9 11 4162 8679
+54 9 11 5869 5974
E loskyfrenkel@
gmail.com
javierleoz@
Argentina, 2017 / 71’ / DCP / Color / Español - Spanish sudacine.com.ar
D: Oscar Frenkel G: Pablo Ramos F: Eduardo Pinto E: Marcelo Martínez DA: Oscar Escanilla W sudacine.com.ar
S: Guillermo Quintana M: Ernesto Snajer P: Javier Leoz CP: Suda Cine I: Joaquín Gorbea, Belén sudacine.com.ar/cine/
Szulz, Santiago Mehri, Luciana Rojo, Lola Carballo el-origen-de-la-tristeza
/elestanodelospeces
 207

Banda Sonora
Original
—
Original Soundtrack

208 Bunch of Kunst - A Film About Sleaford Mods

209 Cien caminos - Suárez segunda parte
210 Sepultura Endurance
211 American Valhalla
212 Rumble: The Indians Who Rocked the World
PANORAMA Banda Sonora Original — Original Soundtrack

foto: Daniel Waldhecker

Bunch of Kunst - A Film About
Sleaford Mods
Banda de idiotas - Una película sobre Sleaford Mods
A cuarenta años de su definición, al punk lo mataron y lo
revivieron tantas veces como las que cambió de forma. A esta
altura del siglo XXI quizás se pueda decir que la actualización
del género tiene en los Sleaford Mods su mejor versión.
Andrew Fearn y Jason Williamson, dos chicos de Nottingham,
conforman un dúo en el que se concentra la energía y el
desencanto propios del héroe moderno de clase trabajadora,
puesto a funcionar en una fórmula simple y demoledora:
mientras uno dispara una base de electrónica dura, el otro
escupe textos desencantados sobre la destrucción social
británica –y europea, de paso–. El efecto es letal. Tanto como
para que alguien ya se anime a poner esa verborrea filosa en
la misma escala que las de Ray Davies, Mike Skinner y Jarvis
Cocker. Este documental da cuenta de ese impacto, y sigue los
pasos del dúo desde sus primeros días hasta este presente de un
éxito que todavía no mide su techo.
Forty years after it was defined, punk has been killed and
brought back to life as often as it changed shapes. At this
point in the 21st century, you can perhaps say the best version
of the genre’s update is found in the Sleaford Mods. Andrew
Fearn and Jason Williamson, two Nottingham boys, make up
a duo in which the energy and disenchantment of the modern
working-class hero is gathered and set in motion in a simple but
shattering formula: while one of them fires up a stiff electronic
track, the other spits out disenchanted verses about Britain’s –
and Europe’s (while they’re at it) – social destruction. The effect
is lethal. So lethal, in fact, that one could dare to put that edgy
verbal diarrhea at the same level as that of Ray Davies, Mike
Skinner or Jarvis Cocker. This documentary shows their impact,
and follows the duo’s footsteps from their beginnings to their
present day success that has yet to reach its peak.

Christine Franz
Periodista musical residente en Berlín, trabaja como editora de música, productora y directora para Contacto/Contact
el canal de TV franco-alemán ARTE. También ha sido voluntaria en el Festival de Glastonbury por Magnetfilm GmbH
diez años. Bunch of Kunst es su primera película. Eng She is a Berlin-based music journalist, and Frauke Knappke
works as a music editor, producer, and director for the French-German TV network ARTE. She has T +49 030 2462 8156
also volunteered at the Glastonbury Festival for 10 years. Bunch of Kunst is her first feature film. E frauke.knappke@
magnetfilm.de
Alemania - Germany, 2017 / 102’ / DCP / Color - B&N / Inglés / Alemán - W magnetfilm.de
English / German bunchofkunst.com
D, G, P: Christine Franz F: Daniel Waldhecker E: Oliver Werner S: Harald Ansorge, Julius Hofstädter bunchofkunst
M: Sleaford Mods, EXTNDDNTWRK I: Jason Williamson, Andrew Fearn, Steve Underwood,
Iggy Pop, Geoff Travis
 209

Cien caminos - Suárez segunda parte

One Hundred Paths. Suárez Second Part

Entre dos luces - Suárez primera parte se metía detrás
de escena con una banda fundamental para el rock
independiente de los 90 de la que no había quedado
demasiado registro: un lado de un casete, cuatro discos,
un EP de versiones, algunos clips y no mucho más. Si en la
primera parte la cámara de Fernando M. Blanco capturaba
la cotidianidad del grupo arriba y abajo del escenario, ahora
en Cien caminos. Suárez segunda parte el director acompaña a
Gonzalo, Rosario, Fabio y Diego por Europa. El acercamiento
a ese mundo privado de la banda se mantiene en el viejo
continente (incluida una hermosa versión de “All Apologies”,
de Nirvana, por Gonzalo Córdoba en una camioneta con un
xilofón), pero lo mejor de esta continuación es la contagiosa
excitación del grupo durante la excursión. Ojalá Blanco
cierre una trilogía íntima con ese efímero regreso de Suárez
que produjo hace dos años el Festival. Nazareno Brega
Entre dos luces - Suárez primera parte went behind the
scenes of a band that was fundamental in the ‘90s indie rock
scene, but didn’t leave too many traces: one cassette side,
four albums, an EP with versions, some music videos and not
much else. If in the first part Fernando M. Blanco’s camera
captured the everyday life of the group on and off stage, now
in Cien caminos. Suárez segunda parte the director accompanies
Gonzalo, Rosario, Fabio and Diego through Europe. The
approach to that private world of the band continues in the
old continent (and includes a beautiful version of Nirvana’s
“All Apologies” by Gonzalo Córdoba on a xylophone, in a van),
but the best thing about this follow-up is the contagious
excitement of the group on tour. Hopefully, Blanco will
close this as an intimate trilogy with that brief comeback by
Suárez triggered by the Festival two years ago. NB

Fernando Blanco Contacto/Contact

Nació en Buenos Aires en 1974. Es realizador, camarógrafo, editor, productor y músico. Desde 100% Films
1997 ha realizado numerosos videoclips. Su largometraje documental Entre dos luces - Suárez Fernando Blanco
primera parte fue seleccionado en el 30° Festival. Eng Born in Buenos Aires in 1974, he is a T +54 11 6364 6839
director, cameraman, editor, producer, and musician. Starting in 1997, he directed several E fernando@
music videos. His documentary feature Entre dos luces - Suárez primera parte was programmed 100porcientofilms.com.ar
in the 30º Festival. mavi@
100porcientofilms.com.ar
Argentina, 2017 / 85’ / DCP / Color / Español - Spanish W 100porcientofilms.com.ar
D, G, F, E, S: Fernando Blanco M: Suárez P: Fernando Blanco, Rosario Bléfari, Gonzalo Córdoba, 100porcientofilms.com.
Pablo Córdoba, Diego Fosser, Fabio Suárez CP: 100% Films I: Rosario Bléfari, Gonzalo Córdoba, ar/cien-caminos-suarez-
Fabio Suárez, Diego Fosser segunda-parte
/100porcientofilms
PANORAMA Banda Sonora Original — Original Soundtrack

Sepultura Endurance

El metal atravesó variaciones constantes en los más de 30
años que pasaron desde la formación de Sepultura. La banda
lo sabe mejor que nadie, justamente porque lideró varios de
esos cambios, integrando en cada una de sus metamorfosis
elementos oblicuos a la ortodoxia del género o a su obra
previa, y llevando al metal por nuevos horizontes que
muchos artistas posteriores ayudaron a desarrollar. Sepultura
Endurance recorre esta evolución continua, los cambios de
estilo y formación que atravesó la banda y la relación de
sus miembros actuales con esa historia. Los testimonios
exploran distintas aristas del fenómeno (e incluyen
presencias de lujo, como las de Lars Ulrich, Scott Ian y Corey
Taylor), el material de archivo sorprende y el sonido de la
banda nunca decepciona, pero sobre todo el documental se
asoma sin restricciones a la química que sigue sosteniendo
al gran grito del thrash.
Heavy metal music (aka, “metal”) has faced constant
variations in the 30 plus years that have passed since Sepultura
was formed. The band knows this better than anyone, precisely
because it led many of those changes, integrating in each one
of their metamorphoses elements that were not in line with
the orthodoxy of the genre or their previous work, and taking
metal to new horizons that many subsequent artists helped
develop. Sepultura Endurance traces that continuous evolution,
the changes in style and lineup the band went through and
the relationship of their current members with that history.
The testimonies explore different aspects of the phenomenon
(including important guests appearance by figures like Lars
Ulrich, Scott Ian and Corey Taylor), the archive footage is
remarkable and the band’s sound never disappoints, but above
all, the documentary leans out with no restrictions to observe the
chemistry that still holds together the great cry of thrash metal.

Otavio Juliano
Director, productor, y guionista, sus trabajos incluyen Third World California (2006) y A árvore da Contacto/Contact
música (2011), seleccionada en más de 20 festivales en todo el mundo. Eng A director, producer Interface Filmes
and writer, his works include Third World California (2006) and The Music Tree (2011), selected in more Luciana Ferraz
than 20 film festivals around the world. T +55 11 975 443 448
E lucianaferraz@
interfacefilmes.com.br
W interfacefilmes.com.br
Brasil - Brazil, 2017 / 103’ / DCP / Color / Inglés / Portugués - English / Portuguese sepulturafilme.com.br
D, G: Otavio Juliano E: Luciana Ferraz M: Sepultura P: Luciana Ferraz, Otavio Juliano
CP: Interface Filmes I: Lars Ulrich, Corey Taylor, Phil Anselmo, Scott Ian, Sepultura
 211

American Valhalla

Luego de casi medio siglo de carrera, y con The Stooges
fuera de juego, había quienes pensaban que a Iggy Pop ya no
le quedaban cartas por marcar. Pero se sabe: la iguana cambia
de piel constantemente. A los setenta años, el llamado “padrino
del punk” acciona una de las mejores movidas de su carrera:
recurre a Josh Homme, líder de Queens of the Stone Age, para
encarar la composición y la producción de Post Pop Depression,
su álbum definitivo, el mejor en muchísimo tiempo. American
Valhalla indaga en la intimidad de la relación entre ellos, recorre
el galanteo de la previa y se introduce en la dinámica de trabajo,
en un estudio en medio del desierto californiano, a partir de
los textos que los propios protagonistas escribieron a modo de
diario de viaje íntimo. Hasta la figura de David Bowie –que murió
apenas terminada la grabación– sobrevuela la experiencia como
certificando uno de los últimos gestos auténticos y maduros que
el punk contemporáneo supo plasmar.
After almost half a century on in his career, and with
the Stooges out of the game, there were those who thought
that Iggy Pop had no cards left to play. But it is known: the
iguana changes its skin constantly. At seventy, the so-called
“godfather of punk” activates one of his best career moves:
he turns to Josh Homme, leader of Queens of the Stone
Age, in order to compose and produce Post Pop Depression,
his definitive album, his best in a very long time. American
Valhalla delves into the intimacy of their relationship, covers
the initial courtship and depicts the work dynamic in a
studio in the middle of the California desert by means of
some texts the protagonists themselves had written in the
form of a travel log. Even the figure of David Bowie –who
died after the recording wrapped– flies over the experience
as if it were certifying one of the last authentic, mature
gestures contemporary pop was able to convey.

Andreas Neumann & Joshua Homme

Andreas nació en Alemania en 1967. Produjo y dirigió cientos de comerciales internacionales y Contacto/Contact
videoclips. Joshua nació en California en 1973. Tocó en muchas bandas antes de ser el productor y More 2 Screen
cantante de The Queens of the Stone Age. Eng Andreas was born in 1967 in Germany. He produced Clare McCollum
and directed hundreds of international commercials and music videos. Joshua was born in E clare@more2screen.com
California in 1973. He played in multiple bands before becoming a producer and lead singer of The W more2screen.com
Queens of the Stone Age. @more2screen
/more2screen
Estados Unidos - USA, 2017 / 81’ / DCP / Color / Inglés - English more2screen
D: Andreas Neumann, Joshua Homme G, P: Joss Crowley F: Andreas Neumann, Jason Adler
E: Tim Woolcott S: Wid Cook CP: Eagle Rock Films, Do Stuff Corporation, Siouxx Productions,
American Valhalla I: Iggy Pop, Joshua Homme, Dean Fertita, Matt Helders, Troy Van Leeuwen,
Matt Sweeney, Patrick "Hutch" Hutchinson, Anthony Bourdain
PANORAMA Banda Sonora Original — Original Soundtrack

Rumble: The Indians Who

Rocked the World
Rumble: los indios que rockearon el mundo
En 1958, el músico estadounidense Link Wray editó “Rumble”,
quizás el primer tema musical en ser prohibido por el gobierno
de su país por temor a que generara delincuencia juvenil. Lo
curioso del caso es que se trataba de un tema instrumental: lo
amenazante no era su inexistente letra, sino los tres acordes de
guitarra distorsionada y la actitud desafiante de Wray, un proto
rockero de la etnia Shawnee de Carolina del Norte. Rumble toma
su nombre de esa canción, y rastrea la influencia fundamental
que diez músicos descendientes de los pueblos originarios de
América (prácticamente ignotos para el gran público, como
Buffy Sainte-Marie, Charlie Patton y Mildred Bailey) tuvieron
en los orígenes del rock & roll. La película avanza a través de
los testimonios de figuras del género como Iggy Pop, Slash y
Steven Van Zandt, y de conocedores como Martin Scorsese, que
contagian su genuino interés por el tema. Lucas Garófalo
In 1958, US musician Link Wray released “Rumble,” perhaps
the first musical piece to be banned by the government of that
country for fear of it generating juvenile delinquents. What’s
curious about this is that it was an instrumental theme: it
wasn’t its non-existent lyrics that were threatening, but the
three distorted guitar chords and the defying attitude of Wray,
a proto-rocker of North Carolina’s Shawnee ethnicity. Rumble
takes its name from that song, and traces the fundamental
influence ten musicians of Native American ascent (practically
unknown to mass audiences, such as Buffy Sainte-Marie,
Charlie Patton and Mildred Bailey) had in the origins of rock
& roll. The film moves forward through testimonies by figures
from the genre like Iggy Pop, Slash and Steven Van Zandt and
connoisseurs like Martin Scorsese, who transmit their genuine
interest on the subject. LG

Catherine Bainbridge & Alfonso Maiorana

Catherine es cofundadora de Rezolution Pictures, dirigió varios documentales, ficciones Contacto/Contact
y proyectos interactivos. Alfonso reside en Montreal y trabajó en películas de Hollywood, Films Transit International
largometrajes independientes y series de televisión. Dirigió, entre otras, The Big World, que tuvo su Jan Rofekamp
estreno en el Festival de Montreal. Eng Co-founder of Rezolution Pictures, Catherine has directed T +1 514 844 3358
several documentaries, fiction films and interactive media projects. Based in Montreal, Alfonso E janrofekamp@
worked on Hollywood films, independent features, and television series. He directed, among filmstransit.com
others, The Big World premiered at the Montreal International Film festival.

Canadá - Canada, 2017 / 102’ / DCP / Color / Inglés - English

D, G: Catherine Bainbridge, Alfonso Maiorana F: Alfonso Maiorana E: Jeremiah Hayes, Ben Duffield
M: Benoît Charest P: Catherine Bainbridge, Christina Fon, Linda Ludwick, Lisa M. Roth
CP: Rezolution Pictures Inc I: Mildred Bailey, Randy Castillo, George Clinton
 213

Hora Cero
—
Midnight Screamings

214 Brawl in Cell Block 99

215 Housewife
216 How to Talk to Girls at Parties
217 Laissez bronzer les cadavres
218 Les Affamés
219 Lowlife
220 Matar a Dios
221 The Disaster Artist
222 Tokyo Vampire Hotel
PANORAMA hora cero — midnight screamings

Brawl in Cell Block 99

Riña en el pabellón 99

Hay que pensar mucho para nombrar un debut actual
más contundente que el de S. Craig Zahler con Bone
Tomahawk, que tomó por sorpresa a la cinefilia con la misma
efectividad con que sus salvajes protagonistas lo hicieron
con sus víctimas. En su nueva brutalidad cinematográfica,
Zahler trueca la escalpación por los puños desnudos de
Vince Vaughn. La consigna es sencilla: su protagonista
debe matar a un delincuente, huésped de la peor prisión
de máxima seguridad, para lo que deberá descender al
mismísimo infierno. Además de director y guionista, Zahler
es novelista y músico, por eso es lícito establecer un paralelo
entre Brawl y alguno de los primeros temas de los Pixies,
siguiendo su fórmula ruido-silencio-ruido y reemplazando
aquí el ruido por los esporádicos estallidos de violencia, esos
que hacen de esta alucinante y alucinada película uno de los
pináculos de Hora Cero.
One would have to think a lot in order to come up with a
debut as powerful as S. Craig Zahler’s Bone Tomahawk, which
took cinephilia by surprise with the same effectiveness
as its savage protagonists did to their victims. In his new
cinematographic brutality, Zahler switches scalping for
Vince Vaughn’s naked fists. The premise is simple: the main
character has to kill a criminal, an inmate at the worst
maximum security prison, and to do so he will have to
descend into hell itself. Apart from being a writer-director,
Zahler is also a novelist and musician, which makes it
legitimate to establish parallels between Brawl and some of
the Pixies’ first songs, taking their loud-quiet-loud formula
and replacing the noise with sporadic outbursts of violence,
which turn this astounding film into one of the pinnacles of
Midnight Screamings.

S. Craig Zahler
Nació en 1973 en Miami, Estados Unidos. Es director, escritor, guionista y músico. Escribió el Contacto/Contact
guion de The Incident (2011) y dirigió Bone Tomahawk (2015). Escribió las novelas A Congregation Park Circus Films
of Jackals (2010) y Corpus Chrome, Inc. (2014), entre otras. Eng He was born in Miami, in 1973, Graham Fulton
and is a director, writer, screenwriter and musician. He wrote the script for The Incident (2011) T +44 0 141 332 2175
and directed Bone Tomahawk (2015). He wrote the novels A Congregation of Jackals (2010) and E graham@parkcircus.com
Corpus Chrome, Inc. (2014), among others. W parkcircus.com
/parkcircusfilms
Estados Unidos - USA, 2017 / 132’ / DCP / Color / Inglés - English @ParkCircusFilms
D, G: S. Craig Zahler F: Benji Bakshi E: Greg D'Auria DA: Freddy Waff S: Rich Bologna M: S. Craig park.circus.films
Zahler, Jeff Herriott P: Jack Heller, Dallas Sonnier CP: Assemble Media, Cinestate, IMG Films,
XYZ Films I: Vince Vaughn, Jennifer Carpenter, Don Johnson, Udo Kier
 215

Housewife
Ama de casa

Dejemos hablar al propio director acerca de su segundo
largometraje: “Es casi una continuación de mi trabajo
anterior, los temas recurrentes de la sexualidad, la familia,
la claustrofobia social y las pesadillas. Esta vez desde la
perspectiva femenina. Si se puede decir que Baskin era mi
homenaje a Carpenter y Stephen King, ahora son Argento
y Fulci”. Y se queda corto, porque también Mario Bava y
Michele Soavi dicen presente en este tributo al costado más
esotérico del giallo, una división del terror europeo en el que
el sadoerotismo también juega un rol importante. La trama
sigue a Holly, a quien, a los siete años, le tocó ser testigo de
la sangrienta muerte de su padre y hermana en manos de
su demencial madre. Veinte años después, Holly y su esposo
son atraídos por una amante de ambos a unirse a las filas de
una sospechosa agrupación. Una pesadilla de proporciones
bíblicas bañada en sangre.
We shall let the director himself speak about his second
feature film: “It is almost a continuation of my previous
work, the recurring themes of sexuality, family social
claustrophobia and nightmares. If we can say that Baskin
was my tribute to Carpenter and Stephen King, now it is to
Argento and Fulci.” But this falls short, because also Mario
Bava and Michele Soavi are present in this tribute alongside
that most esoteric of giallo cinema, a sub-genre of European
horror in which sado-eroticism also plays an important role.
The plot follows Holly who, at seven years of age, had to
testify about the bloody murder of her father and sister at
the hands of her demented mother. Twenty years later, Holly
and her husband are lured by a lover the two share to join
the ranks of a suspicious association. A nightmare of biblical
productions, bathed in blood.

Can Evrenol
Nació en 1982 en Estambul, Turquía. Es director, guionista, editor y productor. Luego de realizar Contacto/Contact
numerosos cortometrajes de género dirigió Baskin (2015), su primer film como director. Eng Born Lowlife LLC
in Istambl, Turkey, he is a director, writer, editor and producer. After making many genre shorts he Narineh Hacopian
directed Baskin (2015), his first feature length film. T +1 310 488 4586
+1 213 761 7719
E narineh@gmail.com
Turquía - Turkey, 2017 / 82’ / DCP / Color / Inglés - English
D: Can Evrenol G: Cem Özüduru, Can Evrenol F: Tayman Tekin E: Osman Bayraktaroglu, Firat Guler
DA: Cagri Aydin P: Müge Büyüktalas, Metin Anter, Erhan Ozogul I: Clémentine Poidatz,
David Sakurai, Alicia Kapudag
PANORAMA hora cero — midnight screamings

How to Talk to Girls at Parties

Cómo hablar con las chicas en las fiestas

Basada en un cuento corto de Neil Gaiman, la nueva
película del director de la inolvidable Hedwig and the Angry
Inch es tan estrambótica como apasionante: es 1977 en
Croydon, un pueblo del sur de Londres y, durante una noche
de juerga, tres punks adolescentes llamados Enn, John y
Vic aterrizan de forma accidental en una casa ocupada
por extraterrestres de apariencia humana. Entre ellos se
encuentra la también adolescente Zan, quien pide a sus
compañeros que le permitan salir durante 48 horas para
recorrer el pueblo junto a Enn. La película funciona como
retrato de una época y también como farsa de ciencia
ficción, pero lo que más resalta es, por un lado, el coming
of age en forma de historia de amor entre Enn y Zan y, por
el otro, Nicole Kidman interpretando a la matriarca punk
Queen Boadicea, con un peinado que remite a Cruella de Vil,
Siouxsie Sioux y el Bowie de Laberinto en partes iguales.
The new film by the director of the unforgettable Hedwig
and the Angry Inch –based on a short story by Neil Gaiman–
is as outlandish as it is enthralling: it’s 1977 in Croydon, a
town south London, and during a night out, three teenagers
named Enn, John and Vic accidentally land in a house
occupied by human-like aliens. Among them is Zan, who is
also a teenager and asks her people to allow her to go out
for 48 hours and walk around town with Enn. The film works
as both a period piece and a science-fiction farce, but its
highlights are, on one hand, the coming-of-age in the form
of a love story between Enn and Zann and, on the other,
Nicole Kidman playing punk matriarch Queen Boadicea with
a hairstyle that’s equal parts Cruella de Vil, Siouxsie Sioux
the Labyrinth-era Bowie.

John Cameron Mitchell

Nació en El Paso, Texas, en 1963. Es actor, guionista y director. Su primer largometraje fue el musical Contacto/Contact
Hedwig and the Angry Inch (2001), que también escribió y protagonizó. Dirigió también Shortbus The Festival Agency
(2004) y El laberinto (2011). Participó como intérprete en las series Girls (2012) y Vinyl (2016). Eng Kim Reybaud
Born in El Paso, Texas in 1963, he is an actor, script writer and director. His first feature length film T +33 954 904 863
was the musical Hedwig and the Angry Inch (2001), which he wrote and starred in. He also directed E info@
Shortbus (2004) y Rabbit Hole (2011). He acted in the television series Girls (2012) and Vinyl (2016). thefestivalagency.com
W thefestivalagency.com
Reino Unido - UK, 2017 / 102’ / DCP / Color / Inglés - English
D: John Cameron Mitchell G: John Cameron Mitchell, Philippa Goblet, Neil Gaiman
F: Frank G. DeMarco E: Brian A. Kates DA: Helen Scott S: Josh Ward M: Nico Muhly, Jamie Stewart
P: Howard Gertler, Iain Canning, Emile Sherman I: Nicole Kidman, Elle Fanning, Matt Lucas,
Stephen Campbell Moore
 217

foto: Michelangelo Marchese

Laissez bronzer les cadavres

Let the Corpses Tan / Dejad que los cadáveres se bronceen

Tras las brillantes Amer y The Strange Colour of Your Body’s
Tears –experiencias extremas ya vividas en Hora Cero–, la
dupla Cattet-Forzani vuelve a recurrir a su rabiosa cinefilia para
adaptar una violenta novela de Jean-Patrick Manchette y Jean-
Pierre Bastid en la que todo puede pasar. Dejad que los cadáveres
se bronceen suele aparecer en mesas de saldos, dato no menor,
ya que se trata de una clásica novela negra pulp. Un grupo de
delincuentes se refugia en un derruido caserío, entre personas
inocentes. La llegada de dos policías desata un infierno plagado
de balas, cuero y mucha sed de sangre. Evitando el cliché del
simple western moderno, los directores nos adentran en una
verdadera explosión audiovisual en la que los principales
atacados son los sentidos del espectador. Una embriagadora
mezcla de western, giallo, euro thriller setentoso y cine
experimental, pura pulsión y cinefilia.
After the brilliant Amer and The Strange Colour of Your
Body’s Tears –extreme experiences already lived in Midnight
Screamings–, the Cattet-Forzani duo resorts once more to
their rabid cinephilia in order to adapt a violent novel by
Jean-Patrick Manchette and Jean-Pierre Bastid in which
anything can happen. Let the Corpses Tan tends to appear in
the bargain bin, which is not a minor detail, given that it’s a
classic noir pulp novel. A group of criminals finds shelter in
a village in ruins, among innocent people. The arrival of two
policemen unleashes a version of hell beleaguered by bullets,
leather and lots of bloodlust. Avoiding the cliché of the simple
modern western, the directors give us a true audiovisual
explosion in which the main victims are the viewers’ senses.
An inebriating combination of western, giallo, 70s’ Eurothriller
and experimental film, pure drive and cinephilia.

Hélène Cattet & Bruno Forzani

Nacidos en Bélgica en 1976, Hélène y Bruno trabajan juntos desde 2000. Dirigieron cortos como Contacto/Contact
El fin de nuestro amor (2004, 24º Festival) y un segmento de The ABCs of Death (2012, 27º Festival). Bac Films Distribution
Su primer largo fue Amer (2009, 24º Festival), seguido de El extraño color de las lágrimas de tu cuerpo Juliette Béchu
(2013, 28º Festival). Eng Born in Belgium in 1976, Hélène and Bruno have worked together since T +33 180 491 008
2000. They directed the short films La Fin de notre amour (2004, 24th Festival) and a segment of E j.bechu@bacfilms.fr
The ABCs of Death (2012, 27th Festival). Their first feature length film Amer (2009, 24th Festival) was W bacfilms.com/
followed by The Strange Colour of Your Body’s Tears (2013, 28th Festival). international

Francia / Bélgica - France / Belgium, 2017 / 92’ / DCP / Color / Francés - French
D, G: Hélène Cattet, Bruno Forzani F: Manu Dacosse E: Bernard Beets S: Yves Bemelmans, Olivier
Thys P: Eve Commenge, François Cognard CP: Anonymes Films, Tobina Film I: Elina Löwensohn,
Stéphane Ferrara, Hervé Sogne, Bernie Bonvoisin, Pierre Nisse
PANORAMA hora cero — midnight screamings

Les Affamés
The Ravenous / Los hambrientos

Un puñado de personas se conocen mientras huyen para
preservar sus vidas. Cada una enfrenta la amenaza zombie
a su manera, en un mundo que ya no está controlado por
la razón. No, no estamos ante “una más de zombies”, sino
ante una de esas bienvenidas excepciones que resultan
refrescantes por sus búsquedas individuales, islas en un
mar de muertos vivos. El escenario es familiar –enfermedad
contagiosa, voracidad de los infectados, peligro inminente
y sensación apocalíptica–, pero la apuesta es mucho más
alta, comenzando por su cuidada y artesanal confección
cinematográfica. Aquí la periferia se presenta como posible
escapatoria, un paraíso para –intentar– reconquistar. No
faltan los sobresaltos ni el salvajismo desbocado, pero hay
algo en el reposo planteado que recuerda tanto a Terrence
Malick como a George Romero (Q.E.P.D.), con una pizca,
ínfima pero inolvidable, de Mel Brooks.
A handful of people meet while running away to save
their lives. Each one facing the zombie threat in her or
his own way, in a world no longer controlled by reason.
No, this isn’t just “another zombie flick”, but one of those
welcome exceptions that becomes refreshing because of the
characters’ individual ambitions, islands in a sea of the living
dead. The setting is familiar – contagious disease, voracity
of the infected, imminent danger and apocalyptic sensation
–, but the stakes are much higher, beginning with its
carefully crafted cinematic confection. Here, the periphery
is presented as a possible escape, a paradise to -try to-
reconquer. Of course there are jump scares here and out of
control wildness, but there’s something about the moments
of repose that reminds one of Terrence Malick as much as of
George Romero (RIP), with a touch, small but unforgettable,
of Mel Brooks.

Robin Aubert
Nació en 1972 en Québec, Canadá. Es actor, guionista y director. En 1999 comenzó a dirigir cortos, Contacto/Contact
que le valieron numerosos reconocimientos, y en 2005 dirigió su primer largometraje, Saints- Alma Cinema
Martyrs-des-Damnés. Eng Born in Quebec, Canada in 1972, he is an actor, script writer and director. Sara May
In 1999, he began directing short films that have won him numerous awards, and in 2005 he T +33 155 280 316
directed his first feature length film, Saints-Martyrs-des-Damnés. E sales@almacinema.com
W almacinema.com
Canadá - Canada, 2017 / 96’ / DCP / Color / Francés - French /almacine
D, G: Robin Aubert F: Steeve Desrosiers E: Robin Aubert, Francis Cloutier DA: André-Line
Beauparlant S: Jean-Sébastien Beaudoin-Gagnon P: Stéphanie Morisette CP: La Maison de Prod
I: Marc- André Grondin, Monia Chokri, Micheline Lanctôt, Brigitte Poupart, Charlotte St-Martin
 219

Lowlife
Malviviente

El Monstruo es el último representante del eterno linaje de los
Luchadores, pero en algún momento dejó de hacer el bien como
sus ilustres antepasados para ser –muy a su pesar– un malviviente.
No es el único que protagoniza esta negrísima fábula de gente que
superó el hecho de estar al borde para caerse de un sistema que los
ignora. Aquí, donde la vida es baja, vale todo. Aquí, con sordidez, el
exploitation reina. La comparación sencilla y muy a mano que suele
recibir Lowlife es con Pulp Fiction: sí, ahí están las tramas corales
entrecruzadas en una violenta Los Ángeles, los saltos en el tiempo
en la narración y el flirteo con los géneros. Y el fanatismo de Prows
por Tarantino, por qué no. Sin embargo, ahí se terminan los puntos
de contacto. Lowlife es otra cosa, vibra a una frecuencia única,
y construye su desbocada personalidad en uno de los debuts
más contundentes que ha dado el cine de género de los últimos
tiempos. Rabiosamente, Prows se gana un lugar privilegiado en el
panteón de directores de Hora Cero. Pablo Conde
El Monstruo is the last representative of the eternal lineage
of the Luchadores, but at some point he ceased to do good like
his distinguished ancestors and became –in spite of himself–
a lowlife. He is not the only protagonist in this very dark fable
about people who overcame being on the edge to fall from a
system that ignores them. Here, where life is low, everything
is fair. Here, in sordidness, exploitation reigns. The simplest,
very handy thing to do is to compare Lowlife with Pulp Fiction:
yes, there are many intertwined plots in a violent Los Angeles,
leaps in time and genre-flirting. As well as Prows’ admiration for
Tarantino, why not? However, the similarities end there. Lowlife
is another thing altogether, it vibrates at a unique frequency and
builds its wild personality in one of the most powerful genre-
film debuts in recent years. Rabidly, Prows wins a special place
in in the pantheon of Midnight Screamings directors. PC

Ryan Prows
Graduado del American Film Institute, escribió y dirigió contenidos para diversas plataformas, Contacto/Contact
incluyendo videoclips, series web, sketches y contenido de marca para canales online. Se encuentra Lowlife LLC
desarrollando su film de graduación Narcocorrido. Lowlife es su debut como director. Eng A Narineh Hacopian
graduate from the American Film Institute, he has written and directed content for a variety of T +1 310 488 4586
platforms, including music videos, web series, sketches, and branded content for online channels. +1 213 761 7719
He is currently developing his thesis film Narcocorrido. Lowlife is his debut feature film. E narineh@gmail.com
lowlifethemovie@
Estados Unidos - USA, 2017 / 96’ / DCP / Color / Inglés / Español - English - Spanish gmail.com
D: Ryan Prows G: Tim Cairo, Jake Gibson, Shaye Ogbonna, Ryan Prows, Maxwell Towson W lowlifethemovie.com
F: Benjamin Kitchens E: Brett W. Bachman, Jarod Shannon DA: Callie Andreadis @lowlifethemovie
S: Owen Granich-Young M: Kreng P: Narineh Hacopian, Derek Bishé, Tim Cairo CP: Lowlife LLC /lowlifethemovie
I: Nicki Micheaux, Mark Burnham, Ricardo Adam Zarate, Jon Oswald lowlifethemovie
PANORAMA hora cero — midnight screamings

Matar a Dios
To Kill God

¿Qué pasaría si Dios se apareciera en una casa de familia en
pleno festejo de fin de año? Con este disparador, los realizadores
Caye Casas y Albert Pintó proponen un cuento que juega con el
absurdo en un escenario que podría convertirse en apocalíptico.
El condicional tiene asidero: quien aparece para atentar
contra el futuro de la humanidad –y la paz de una familia muy
poco apacible, por cierto– es un enano barbudo con ropas de
vagabundo que asegura ser Dios (Emilio Gavira, uno de los
marcianitos de El milagro de P. Tinto). Lo que sigue es un ejemplo
de cómo hacer una comedia negrísima en un único espacio y
muchas ideas. “Al planeta le iría mejor sin nosotros, solo con
animales y plantas”, dice uno de los personajes, exponiendo así
una misantropía a la que la película le va en zaga, y plasmada
en un desorbitado festival gore como plato de postre.
What would happen if God appeared at a family home
in the middle of a New Year’s Eve celebration? Using this plot
device, the directors Caye Casas and Albert Pintó propose a
story that plays with the absurd in a scenario that could become
apocalyptic. There is a catch: the character that appears to
threaten the future of humanity –and the peace of a not at all
peaceful family– is a bearded dwarf dressed like a vagabond,
who assures them that he is God (Emilio Gavira, one of the
Martians from El milagro de P. Tinto). What follows is an example
of how to make a black comedy in a unique space and with a lot
of ideas. “The planet would be better off without us, just with
animals and plants,” says one of the characters, displaying a
misanthropy which the film carries in tow, and is materialized in
an exorbitant festival of gore, served up like a plate of dessert.

Caye Casas & Albert Pintó

Caye trabaja como dibujante y humorista gráfico desde 1999. Realizó cortos como I Love Cine Contacto/Contact
Rambla (2009) y RIP (2017). Oriundo de Catalunya, Albert dirigió numerosos cortometrajes, entre Alhena Production
los que se destacan Lucille (2010) y Aún hay tiempo (2014). El corto NADA S.A. (2014), codirigido por Norbert Llaràs
ambos, fue premiado en más de 40 festivales. Eng Caye has been working as a cartoonist and T +34 935 572 265
graphic humorist since 1999. He directed short films such as I Love Cine Rambla (2009) and RIP +34 629 517 866
(2017). From Catalunya, Albert has directed many short films, notably Lucille (2010) and Aún hay E info@alhena.cat
tiempo (2014). The short film NADA S.A. (2014) which they made together has won awards in more W alhena.cat
than 40 festivals. /peliculamataradios

España - Spain, 2017 / 90’ / DCP / Color / Inglés / Español - English / Spanish
D, G: Caye Casas, Albert Pintó F: Miquel Prohens E: Jordi López DA: Cristina Borobia, Toni Castells
S: Adrià Campmany, Bernat Fontiana M: Francesc Guzmán Bonet P: Norbert Llaràs
CP: Alhena Production I: Itziar Castro, Eduardo Antuña, Boris Ruiz, David Pareja, Emilio Gavira
 221

The Disaster Artist

El artista del desastre

Tommy Wiseau escribió, dirigió y protagonizó un drama
psicológico sobre el amor y la traición. Al menos eso fue lo que
intentó. Su película, The Room, estuvo repleta de decisiones
estéticas y narrativas muy extrañas, resultó involuntariamente
graciosa, y se convirtió en objeto de culto. En The Disaster Artist,
otro personaje peculiar, James Franco, cuenta cómo se concibió
esta fallida obra de arte. Franco no solo dirigió la película con un
excelente ojo y oído para la comedia, sino que también entregó
una de sus mejores interpretaciones, imitando los extraños
modos y el acento de Wiseau. Lo acompaña su hermano Dave
como Greg Sestero, compañero de aventuras de este Ed Wood
del siglo XXI, y otros célebres amigos –Seth Rogen, Zac Efron,
Bryan Cranston, Judd Apatow, Melanie Griffith y Sharon Stone–
que suman su aporte a esta celebración de una de las mejores
películas malas de la historia del cine. María Fernanda Mugica
Tommy Wiseau wrote, directed and starred in a
psychological drama about love and betrayal. Or at least
that’s what he tried to do. His film, The Room, filled with very
weird aesthetic and narrative choices, ended up as something
involuntarily funny and became a cult favorite. In The Disaster
Artist, another peculiar character, James Franco, tells how this
failed work of art was conceived. Not only did Franco direct the
film with an excellent eye and ear for comedy, but also gave one
of his best performances, imitating Wiseau’s strange ways and
accent. He is joined by his brother Dave as Greg Sestero, partner
in crime of this 21st century Ed Wood, and other famous friends
–Seth Rogen, Zac Efron, Bryan Cranston, Judd Apatow, Melanie
Griffith and Sharon Stone– who contribute to this celebration of
one of the best bad movies in history. MFM

James Franco
Nació en California en 1978. Reconocido por su trabajo actoral en películas como 127 horas (2010) Contacto/Contact
y El hombre araña (2002), es también un prolífico guionista, escritor, productor y director. Dirigió, Warner Bros. Pictures
entre otras, Child of God (2013) y As I Lay Dying (2013). Actualmente trabaja en la serie The Deuce Argentina
(2017). Eng Born in California in 1978, he is recognized for his acting work in films such as 127 Hours Mariana Mutri
(2010) and Spider-Man (2002). He is also a prolific script writer, writer, producer and director. He has E mariana.mutri@fox.com
directed, among other films, Child of God (2013) and As I Lay Dying (2013). He is currently working on
the series The Deuce (2017).

Estados Unidos - USA, 2017 / 105’ / DCP / Color / Inlgés - English

D: James Franco G: Scott Neustadter, Michael H. Weber F: Brandon Trost E: Stacey Schroeder
DA: Chris Spellman S: Gabe Hilfer P: Vince Jolivette, James Franco, Seth Rogen, James Weaver,
Evan Goldberg CP: New Line Cinema, Good Universe I: Dave Franco, James Franco, Seth Rogen,
Ari Graynor, Alison Brie, Jacki Weaver, Paul Scheer, Josh Hutcherson, Zac Efron
PANORAMA hora cero — midnight screamings

Tokyo Vampire Hotel

Hotel Vampiro de Tokyo

Sion Sono adapta al formato largometraje una miniserie,
filmada en Rumania y en su país natal, lanzada exclusivamente
para la plataforma de Amazon Japón, y una vez más demuestra
que –sin importar dónde se vea su trabajo o quién lo financie–
sigue siendo uno de los directores-guionistas más talentosos
y creativos del mundo. Solo basta una breve enumeración de
elementos de trama y estética que se pueden vislumbrar en
las más de dos horas y media de metraje: rituales satánicos
en latín, asesinatos masivos con ametralladora, la posible
destrucción total del mundo por bombas nucleares plantadas
por vampiros conspirativos, habitaciones de hotel pintadas con
bellísimos colores primarios, un concurso a contrarreloj donde
hombres y mujeres deben encontrar pareja o serán asesinados,
y coreografías con espadas y armas que podrían ser la envidia
del mejor director de films de acción. Jaime Grijalba
Sion Sono adapts to feature length format a miniseries shot
in Romania and his home country and released exclusively for
Amazon Japan, and once more proving that –no matter where
his work is seen or who finances it– he is still one of the most
talented and creative writer-directors in the world. Just a brief
list of plot and aesthetic elements that can be glimpsed in
the more than two and a half hours of running time would be
enough: Satanic rituals in Latin, mass machine-gun murders,
the possible total destruction of the world by nuclear bombs
planted by conspiratorial vampires, hotel rooms painted
with beautiful primary colors, a contest against time where
men and women must find a partner or be murdered, and
choreographies with swords and weapons the best action-film
director would envy. JG

Sion Sono
Nacido en Toyokawa, Japón, en 1961, escribe poesía desde joven. Dirigió películas como Suicide Club Contacto/Contact
(2001), Guilty of Romance, Himizu (ambas de 2011 y exhibidas en el 26º Festival), Why Don’t You Play in Nikkatsu Corporation
Hell? (2013; 28º Festival), Tokyo Tribe (2014; 29º Festival) y Love & Peace (2015, 30º Festival). Eng Born Mami Furukawa
in Toyokawa, Japan in 1961, he has been writing poetry since he was young. He has directed many T +81 356 891 014
films, including Suicide Club (2001), Guilty of Romance and Himizu (both in 2011 and screened at the E m.furukawa@
26th Festival), Why Don’t You Play in Hell? (2013, 28th Festival), Tokyo Tribe (2014, 29th Festival) and Love nikkatsu.co.jp
& Peace (2015, 30th Festival).

Japón - Japan, 2017 / 142’ / DCP / Color / Japonés - Japanese

D, G: Sion Sono F: Maki Ito, Tomoaki Iwakura E: Jyunichi Ito, Yoshiki Ushiroda, Emi Onodera
DA: Takashi Matsuzuka S: Fumihiko Yanagiya M: Tomonobu Kikuchi P: Naoko Komuro,
Tomoo Fukatsu CP: Nikkatsu Studio, Django Film I: Kaho, Shinnosuke Mitsushima, Ami Tomite,
Megumi Kagurazaka, Yumi Adachi
 223

Las Venas Abiertas

—
Open Veins

224 Los olvidados

225 Mala vida
226 Mirada de cristal
227 México bárbaro II
228 Sexo, zombies y Bret Michaels
229 Carnada
229 2 Dudes 1 Van
229 ¿Dónde está Susan?
PANORAMA las venas abiertas — open veins

Los olvidados
What the Waters Left Behind

La fuerza impiadosa de una terrible inundación en Villa
Epecuén dejó, en 1985, a más de 1500 personas sin hogar,
cientos de cajones fúnebres flotando sobre el cementerio y
ciertos lugareños abandonados en el tiempo. Tres décadas
después, las aguas bajaron y dejaron al descubierto las
ruinas de un pueblo que creció alrededor de las propiedades
minerales y curativas de su lago. A este paisaje desértico
llega el equipo de rodaje de un documental junto con una
epecuense que describirá su infancia antes del desastre, y
las cosas no van a tardar en volverse problemáticas. O más
específicamente macabras, sangrientas y tortuosas: los
hermanos Onetti se sumergen sin miramientos en el slasher,
y no se privan de revisitar nuestro pasado reciente para
resignificarlo, o incluso interpretar la letra de un tango con
demasiada literalidad.
The relentless force of a terrible flood in Villa Epecuén
in 1985 left more than 1,500 people without homes,
hundreds of coffins floating over the cemetery and some
locals abandoned over time. Three decades later, the waters
receded and exposed the ruins of a town that grew around
the mineral, curative properties of its lake. A documentary
crew arrives in this deserted landscape with a local woman
who will describe her childhood before the disaster, and
it won’t be long until things turn problematic. Or, more
specifically, macabre, bloody and tortuous: the Onetti
brothers go full slasher, and dare to revisit our recent past in
order to redefine it, or even to interpret the lyrics of a tango
too literally.

Luciano & Nicolás Onetti

Nacieron en Azul, Buenos Aires. Luciano dirigió los neo giallos Sonno profondo (2013, 28º Festival) Contacto/Contact
y Francesca (2015). Los olvidados es la primera película codirigida con su hermano Nicolás, Nicolás Onetti
anteriormente productor y guionista. Eng They were born in Azul, Buenos Aires. Luciano directed T +54 9 0228 11558 8463
the neo-gialli, Deep Sleep (2013, 28th Festival) and Francesca (2015). Los olvidados is the first film he has E niconet7@hotmail.com
co-directed with his brother Nicolás, who previously served as producer and screenwriter.

Argentina, 2017 / 98’ / DCP / Color / Español - Spanish

D: Luciano Onetti, Nicolás Onetti G: Carlos Goitia, Nicolás Onetti, Luciano Onetti
F: Facundo Nuble M: Luciano Onetti DA: Sebastián Del Prado P: Nicolás Onetti, Michael Kraetzer,
Mariano Oliveros, Fernanda Goitia, Diego Savignano, Pablo Guisa Koestinger CP: Black Mandala
Films, Rusty Robot, Onetti Brothers Productions I: Mirta Busnelli, Gustavo Garzón, Agustín Pardella,
Victoria Maurette, Victorio D'Alessandro
 225

Mala vida
A Bad Life

Una estrella de música pop adolescente que está
aprovechando su momento de ascenso, otra joven de espíritu
aún más rebelde, un joven eternamente enamorado y un
puñado de delincuentes de poca monta conforman un
grupo de personajes que tienen algo en común: los espera
un destino compartido pero de final incierto. Ellos son solo
algunos de los curiosos personajes que dan forma a Mala
vida, una película que transita el terreno de la comedia negra,
con ribetes disparatados. Este conglomerado de coloridos y
bizarros personajes confluyen en un momento –el menos–
indicado, para desencadenar situaciones inesperadas de
violencia y caos general. El nuevo film del realizador de Plaza
de almas y Monumento sorprende con un registro nuevo, cierto
desenfreno y mucha frescura, plasmando un estilo poco
frecuente en el cine local.
A teenage pop music star who is taking advantage of her
rise to fame, another young woman with a more a rebellious
spirit, a young man who is always in love and a handful of
low-level criminals make up a group of characters that have
something in common: a shared destiny with an uncertain
future. These are just a few of the curious characters that
shape Mala vida, a film that travels through the terrain of the
black comedy, with some ludicrous trimmings. This band of
colorful and bizarre characters comes together at the –least–
right time, unleashing unexpected situations of violence
and general chaos. The new film by the director of Plaza de
almas y Monumento surprises with its new way of filming,
its abandon and freshness, realized in a style that is very
uncommon in Argentine film.

Mad Crampi & Fernando Díaz

Fernando es un director, guionista y productor argentino. Dirigió películas como Plaza de almas Contacto/Contact
(1997) y La extranjera (2008). Mad Crampi es músico, poeta y cineasta. Dirigió, entre otras, Run Run, Machaco Films S.R.L
Bunny! (2003, 18º Festival) y Todos mis muertos (2012, 27º Festival). Eng Fernando is an Argentine Fernando Díaz
director, screenwriter and producer. He directed films such as Plaza de almas (1997) and La extranjera T +54 9 11 5484 8721
(2008). Mad Crampi is a musician, poet and filmmaker. He directed, among others, Run, Run, E fernandodiazmail@
Bunny! (2003, 18th Festival) and Todos mis muertos (2012, 27th Festival). gmail.com
W machacofilms.com.ar
Argentina, 2017 / 70’ / DCP / Color / Español - Spanish /machacofilms
D, G: Mad Crampi, Fernando Díaz F: Salvatore Luccerto E: Juan Pablo Olguín DA: Silvana Gizzi, user9642334
Andrea Kluger, Fernando Díaz S: Pablo Isola M: Los Tormentos P: Fernando Díaz machacofilms
CP: Machaco Films S.R.L I: Maxi Ghione, Joaquín Berthold, Vera Spinetta, Belén Chavanne,
Sebastián “Berta” Muñiz
PANORAMA las venas abiertas — open veins

Mirada de cristal
Crystal Eyes

Exagerada a un punto sobrenatural, de gestos
euroterroríficos y con una composición visual flash-neón,
Mirada de cristal se erige eficiente como un giallo pop. Y,
entre sus guantes de cuero, los asesinatos enmascarados
y la música de sintetizadores con perfume a drama
valerialyncheano, aprovecha estos bríos para demostrar que
en Argentina se puede filmar un cine estético. A propósito,
dicen que el mundo de la moda es frívolo pero también
perverso. Y la maldición de una supermodelo fallecida en
extrañas circunstancias aqueja a la próxima chica de tapa.
Por eso, los ToyBoys, Inc. Movies, que ya habían sorprendido
con Un viernes negro: La maldición del gato, se destacan con esta
Suspiria moderna aplicando un entendimiento preciso de la
obra de Mario Bava, de Lucio Fulci y, fundamentalmente, de
Dario Argento, maestro de la sequenza lunga y la violencia
coreografiada. Hernán Panessi
Extravagant to the point of being supernatural, with
Eurohorrifying gestures and a flash-neon visual composition,
Mirada de cristal stands up efficiently as a pop giallo.
And, with its leather gloves, its masked murders and its
synthesized music with the scent of a valerialynchean drama,
it uses that elegance to show that aesthetical cinema can be
made in Argentina. To this end, they say the fashion world is
frivolous, but also perverse. And the curse of a supermodel
that died in mysterious circumstances haunts the next cover
girl. That is why the people at ToyBoys, Inc. Movies, who had
already surprised everyone with Un viernes negro: La maldición
del gato, stand out once more with this modern Suspiria by
employing a precise understanding of the work of Mario
Bava, Lucio Fulci and, especially, Dario Argento, master of the
sequenza lunga and choregraphed violence. HP

Ezequiel Endelman & Leandro Montejano

Trabajaron juntos en la realización de cortometrajes y videoclips. En 2014 lanzaron la serie web de Contacto/Contact
terror No podrás dormir esta noche. Su tercer episodio fue la génesis de Mirada de cristal. Eng They ToyBoys, Inc. Movies
have worked together making short films and music videos. In 2014, they released the horror web Ezequiel Endelman
series No podrás dormir esta noche. Its third episode was the genesis for Mirada de cristal. T +54 9 11 5717 6724
E endelito@hotmail.com
Argentina, 2017 / 82’ / DCP / Color / Español - Spanish /eze.endelman
D, G: Ezequiel Endelman, Leandro Montejano F: Vanina Gottardi, Cecilia Casas E: Ezequiel
Endelman DA: Ezequiel Endelman, Leandro Montejano, Issis Trash S: Oscar Pata, Francisco Palleiro
M: Pablo Fuu P: Ezequiel Endelman, Leandro Montejano, Tamae Garateguy CP: ToyBoys, Inc. Movies,
De Okinawa Cine I: Silvia Montanari, Adriana Salgueiro, Claudia Lapacó, Anahí Polit, Erika Boveri
 227

México bárbaro II

En 1910, el periodista norteamericano John Kenneth Turner
escribió una serie de artículos llamados México bárbaro,
denunciando la oscuridad y el sadismo de la dictadura de
Porfirio Díaz. Más de 100 años después, un convoy de jóvenes
cineastas abrazan y rediseñan ese concepto con su propia visión
del horror, su México bárbaro personal. La segunda edición de
la antología reúne a 9 directores mexicanos para pintar las
leyendas y tradiciones más curiosas, brutales y sangrientas
de su país. Y, en sus entrañas, un mundo de historias que
forman parte de la cultura popular chicana: desde un soldado
pagano hasta la brujería infantil, pasando por ritos sexuales y
una reversión moderna de La Llorona. Por acá flota la chance
de ver un lienzo del cine de terror azteca, de conocer cuáles
son sus miedos y de descubrir por qué siguen teniendo tanta
fascinación por la muerte. Hernán Panessi
In 1910, the American journalist John Kenneth Turner wrote a
series of articles called Barbaric Mexico, denouncing the darkness
and sadism of the dictatorship of Porfirio Diaz. More than 100
years later, a band of young filmmakers embrace and redesign
that concept with their own vision of horror, their personal
Barbaric Mexico. The second edition of the anthology brings
together nine Mexican directors to paint the most curious,
brutal and bloody legends and traditions of their country. And,
in its gut, a world of stories that are part of Chicano popular
culture: from a pagan soldier to child witchcraft, through sexual
rites and a modern revisioning of La Llorona. Floating here is the
possibility of seeing a canvas of Aztec horror cinema, knowing
what their fears are and discovering why they continue to have
so much fascination for death. HP

Los directores / The directors

Lex Ortega, Abraham Sánchez, Fernando Urdapilleta, Diego Cohen, Ricardo Farías, Christian Cueva, Contacto/Contact
Michelle Garza, Carlos Meléndez, Sergio Tello. Rabya Producciones
Abigail Bonilla Vargas
T +044 55 1883 2208
E abigail.comunicando@
México - Mexico, 2017 / 118’ / DCP / Color / Español - Spanish gmail.com
D, G: Lex Ortega, Abraham Sanchez, Fernando Urdapilleta, Diego Cohen, Ricardo Farías, Christian rabyaproducciones@
Cueva, Michelle Garza, Carlos Melendez, Sergio Tello S: LSD Audio P: Abigail Bonilla CP: RABYA gmail.com
Producciones, LSD Audio, Mr. Blue, Monkey Bussisness, La Palma de Oro Films, Nobody, @MexBarbaroFilm
Giant Films, Grotesque /mexicobarbarofilm
PANORAMA las venas abiertas — open veins

Sexo, zombies y Bret Michaels

Sex, zombies and Bret Michaels

Como una suerte de Delirium y Fin de semana de locura
sazonada con una pizca de aquella época en que VideoFlims,
FARSA y compañía movían la pelota de las comedias alocadas
y bajo presupuesto, Sexo, zombies y Bret Michaels entroniza
su cualquierismo en un concepto claro: no le importa nada.
Su humor se tensa entre las faltas de respeto a todos los
pósters nacionales (de Campanella a Olmedo, da igual) y su
fanatismo baboso por la cultura pop (Mortal Kombat, las pelis
de terror). Y, como corolario de esta buddy movie subnormal
y millennial, el deseo irrefrenable por tener actividad sexual,
una misteriosa rusa y más problemas de los que enfrenta
cualquier protagonista promedio. Sexo, zombies y Bret Michaels es
la continuadora del cine de adultescentes yanqui que cambió a
una generación entera. Pero eso sí: lo que late en sus adentros
es un espíritu 2.0 y youtuber, más criollo que Francella y el
Diego juntos. Hernán Panessi
Like a sort of Delirium meets Weekend at Bernie’s seasoned
with a pinch of that time when groups like VideoFlims, FARSA
and company were making goofball low-budget comedies,
Sexo, zombies y Bret Michaels enthrones its absurdity on a clear
concept: it doesn’t care a bit. Its humor tautens between its
lack of respect for all national icons (whether Campanella
or Olmedo, they are all the same) and its slimy taste for pop
culture (Mortal Kombat, horror movies). And, as a corollary
to this retarded millennial buddy movie, the uncontrollable
urge to engage in sexual activity, a mysterious Russian woman
and more trouble than the average protagonist can deal with.
Sexo, zombies y Bret Michaels is the continuation of the U.S.
“adultescent” films that changed an entire generation. But this
much is true: what beats inside is a 2.0, YouTuber spirit, more
Argentina than Francella and Maradona rolled up in one. HP

Samot Márquez
Estudió dirección de cine en la Escuela Profesional de Eliseo Subiela. Tras varios cortometrajes Contacto/Contact
dirigió Entre las sombras (2013, 28º Festival), su primer largo, realizado sin presupuesto ni apoyo. A Darle Átomos
Actualmente está trabajando en Jazmín, su tercera película. Eng He studied filmmaking at the Samot Márquez
Escuela Profestional de Eliseo Subiela. After directing numerous short films, he directed Beneath T +54 11 4401 5900
the Shadows (2013, 28th Festival), his first feature length film, made with no budget or support. He is +54 11 6452 3239
currently working on Jazmín, his third feature. E samotmarquez@
gmail.com
Argentina, 2017 / 80’ / DCP / Color / Español - Spanish pablolegeren@
D, F, E: Samot Márquez G: Samot Márquez, Pablo Legeren, Emmanuel Danann DA: Lilia Lemoine hotmail.com
S: Andrés Pande Thomas M: Pablo Legeren P: Samot Márquez, Pablo Legeren CP: A Darle Átomos /ZombiesyBretMichaels
producciones I: Pablo Legeren, Emmanuel Danann, Lilia Lemoine
 229

cortometrajes tungsteno films — tungsteno short films

Carnada — Bait
Argentina / Ecuador, 2017 / 4’ / DM / Color
D, G: Pedro Maccarone, Max Franco F: Hernán Eizmendi E: Pedro
Maccarone S: Julián Alonso M: Ezequiel Vila P: Michael Endara,
Guillermo Ros, Nicolás Castellano CP: Tungsteno Films
I: Pía Romano, Pedro Maccarone, Max Franco

Una joven escapa de una feroz A young woman is escaping

bestia a toda velocidad por at full speed through a thick
una espesa selva. De pronto, jungle from a ferocious beast.
una misteriosa puerta. ¿Podría Suddenly, a mysterious door.
conducir hacia su salvación? Could it lead her to salvation?

2 Dudes 1 Vang — 2 tipos 1 vang

Argentina, 2017 / 14’ / DM / Color / Inglés - English
D, G: Pedro Maccarone, Max Franco E: Pedro Maccarone S, M: Nicolás
Requena P: Natalia Fernández CP: Tungsteno Films I: Guillermo
Jáuregui, Gabriela Beltramino, Pedro Maccarone, Max Franco

Dos desagradables muchachos Two obnoxious boys are an

son un éxito en Internet con su
show pornográfico 2 Dudes 1
Vang, que consiste en recorrer
la ciudad en busca de chicas
dispuestas a divertirse dentro
de su camioneta. En su último
episodio, la diversión duró poco.
internet success with their
pornographic show 2 Dudes 1
Vang, which consists in going
around town in search of girls
willing to have fun inside their
van. In their last episode, the
fun did not last long.

¿Dónde está Susan? — Where Is Susan?

Argentina, 2017 / 6’ / DM / Color / Inglés - English
D, G: Pedro Maccarone, Max Franco E, S: Pedro Maccarone P: Natalia
Fernández CP: Tungsteno Films I: Victoria Maurette, Belén Hofmann,
Natalia Fernández, Pedro Maccarone, Max Franco

En 1994, se realizó una extraña In 1994, a distress call was

llamada de auxilio al 911. Luego made to 911. Twenty-three
de 23 años de investigación years after its unresolved police
policíaca inconclusa, se ha investigation, it has gone viral.
viralizado.

Contacto/Contact
Tungsteno Films
Pedro Maccarone
Pedro Maccarone & Max Franco T +54 9 11 5933 7447
Pedro (Buenos Aires, 1986) y Max (Buenos Aires, 1968) se conocieron estudiando dirección y producción E ukpulp@gmail.com
de cine y TV en 2004. Juntos formaron Tungsteno Films y coescribieron y dirigieron el mediometraje Wow W tungstenofilms.com
(2013, 28º Festival) y los cortos All Bitches, Gone y Shh! (30º Festival). Eng Pedro (Buenos Aires, 1986) and @TungstenoFilms
Max (Buenos Aires, 1968) met while studying film and TV production and direction in 2004. Together, tungstenofilms
they formed Tungsteno Films and co-wrote and co-directed the medium length feature film Wow (2013, tungstenofilms
28th Festival), as well as the short films All Bitches, Gone and Shh! (30th Festival). TungstenoFilms
 231

Ventana
Documental
—
Documentary
Showcase

232 78/52
233 Ábalos, una historia de cinco hermanos
234 Fame
235 Makala
236 Marquis de Wavrin, from the Manor to the Jungle
237 Muchos hijos, un mono y un castillo
238 Open the Door
239 Ni juge ni soumise
240 Rambla, sin tu amor yo no soy nadie
Ventana Documental — Documentary Showcase

78/52

Enredados en interminables discusiones sobre el daño que
causa la revelación prematura del final de un argumento, a
veces olvidamos imaginar qué habrán sentido los espectadores
en 1960, cuando Psicosis de Alfred Hitchcock emprendía la
dedicada y paciente descripción de una secretaria que sería
asesinada a los 40 minutos de la película, reinventando para
siempre las posibilidades de aterrar al espectador. 78/52 indaga
de manera obsesiva en las motivaciones, virtudes técnicas,
influencias y antecedentes de la icónica escena de la ducha
–aquella que necesitó de 78 planos, 52 cortes y una semana
de rodaje para hacerse realidad–, y para eso recurre a una
batería inmejorable de testimonios y opiniones (desde Peter
Bogdanovich y Jamie Lee Curtis hasta Marli Renfro, doble
de cuerpo de Janet Leigh) que recorren todas las aristas del
momento más punzante de la historia del cine.
Entangled in the endless arguments about how much a story
is ruined by finding out the ending of beforehand, at times we
forget to imagine what audience members must have felt in
1960 when Alfred Hitchcock’s Psycho began its dedicated and
patient description of a secretary who would be murdered
40 minutes into the film, changing forever the possibilities
for terrifying an audience. 78/52 obsessively examines the
motivations, technical virtues, influences and history behind the
iconic shower scene which famously required 78 camera set ups,
52 editing cuts and a week of filming to achieve. And in order to
conduct this investigation, the film resorts to an unsurpassable
battery of testimonies and opinions (from Peter Bogdanovich
and Jamie Lee Curtis to Marli Renfro, who was Janet Leigh’s body
double) who discuss the sharpest artists of those times in the
history of cinema.

Alexandre O. Philippe
Estudió Escritura Dramática en la Tisch School of the Arts (NYU), y es el director creativo de Cinema Contacto / Contact
Vertige y Exhibit A Pictures. Escribió, dirigió y produjo varias películas de ficción y documentales Dogwoof
premiados, como The People vs. George Lucas, The Life and Times of Paul the Psychic Octopus, and Doc of Luke Brawley
the Dead. También es uno de los dueños y cocreadores de Fried Comics. Eng He studied Dramatic T +44 207 253 6244
Writing at the Tisch School of the Arts (NYU), and is Creative Director of Cinema Vertige and E cluke@dogwoof.com
Exhibit A Pictures. He has written, directed and produced numerous award-winning films and W dogwoofglobal.com/
documentaries, including The People vs. George Lucas, The Life and Times of Paul the Psychic Octopus, and 7852
Doc of the Dead. He is also co-owner and co-creator of Fried Comics.

Estados Unidos - USA, 2017 / 91’ / DCP / B&N / Inglés - English

D, G: Alexandre O. Phillipe F: Robert Muratore E: Chad Herschberger S: Phillip Lloyd Hegel
M: Jon Hegel P: Kerry Deignan Roy CP: Exhibit A Pictures
 233

Ábalos, una historia de cinco hermanos

Ábalos, una historia de cinco hermanos / Ábalos, A Five Brothers Tale

En los años 40, Los Hermanos Ábalos dieron a conocer la
música y las danzas tradicionales del monte santiagueño en
los circuitos porteños de la época, alcanzando una fama que
los catapultó, incluso, al cine: se los puede ver interpretando
su “Carnavalito quebradeño” en La guerra gaucha (1942), el
clásico de Lucas Demare. Los hermanos permanecieron unidos
durante 60 años ininterrumpidos, transformándose en una de
las bandas legendarias de la música folclórica argentina, única
en su estilo. A sus 88 años, el último integrante de la banda,
Vitillo Ábalos, comienza una aventura: rescatar del olvido el
repertorio que creó e interpretó toda su vida con sus hermanos,
ahora ausentes. Acompañado por Juan, su sobrino nieto,
decide emprender un viaje sonoro que los llevará por caminos
que nunca habían imaginado.
During the ‘40s, the Ábalos Brothers introduced their
traditional music and dances from the groves of Santiago
del Estero in the Buenos Aires scene, achieving a fame that
even catapulted them to cinema. They can be seen playing
their “Carnavalito quebradeño” in Lucas Demare’s classic La
guerra gaucha (1942). The brothers remained together for 60
uninterrupted years, becoming one of the legendary bands
of Argentine folk music, unique in their style. At 88, the last
band member, Vitillo Ábalos, starts an adventure: rescuing
from oblivion the repertoire he created and performed
throughout his entire life with his brothers, now departed.
Joined by Juan, his grandnephew, he decides to embark on
a sound journey that will lead them through roads they had
never imagined.

Josefina Zavalía Ábalos & Pablo Noé

Son productores y cineastas. Dirigieron y produjeron juntos los micros de Una historia, 10 canciones. Contacto / Contact
Eng They are producers and filmmakers. Together, they directed and produced the Una historia, 10 María Vacas
canciones shorts. T +54 9 11 5479 0658
E mariavacas@
gmail.com
W lapelicula.abalos.com.ar
/AbalosVitillo

Argentina, 2017 / 74’ / DCP / Color / Español - Spanish

D: Josefina Zavalía Ábalos, Pablo Noé G: Josefina Zavalía Ábalos F: Nahuel Varela
E: Adrián Bao, Pablo Barboza, Juan José Gómez S: Tomás Tyrrell M: Juan Gigena Ábalos, Tomás
Tyrrell P: María Vacas, Josefina Zavalía Ábalos, Pablo Noé I: Víctor Manuel “Vitillo” Ábalos, Juan
Gigena Ábalos
Ventana Documental — Documentary Showcase

Fame
Fama
Más allá de ser famosa mundialmente por su cerámica,
la pequeña ciudad de Grottaglie, en el sur de Italia, repite
una característica cara a este tipo de pueblos: sufre de un
aburrimiento letal. Allí, al lugar del que intentó huir, vuelve
Angelo, artista plástico dispuesto a sacudir la modorra reinante
y terminar con el “desierto cultural” del que, según él, sufre su
ciudad natal. Para eso se asocia con amigos y colegas, expertos
y talentosos prodigios del street art, con el objetivo de fundar
un colectivo de artistas para intervenir la fachada de toda
Grottaglie, ante los ojos incrédulos de los vecinos y el fastidio
de las autoridades, más la complicidad de una madre casi
tan chiflada como él. Este documental registra esa avanzada,
cuando el vandalismo y el arte se fusionan en uno de los actos
punk más lúcidos que, por lo recóndito, adquiere una potencia y
una belleza extraordinarias.
Beyond being world famous for its ceramics, the small
city of Grottaglie in the south of Italy repeats a common
quality of such towns: it is deadly boring. An artist named
Angelo tried to flee from there once, but now he returns
with the aim of shaking off the reigning apathy of the town
and ending the “cultural desert”, as he puts it, from which his
home town suffers. To this end, he teams up with friends and
colleagues, experts and talented prodigies of street art, in
order to start an artist collective to change all the facades of
Grottaglie before the unbelieving eyes of the neighbors and
to the annoyance of the authorities, with the help of a mother
that is almost as mad as he. This documentary records that
development, when vandalism and art fuse together in one
of the most lucid punk acts that, for its obscurity, acquires an
extraordinary power and beauty.

Angelo Milano & Giacomo Abbruzzese

Angelo nació en 1983 en Grottaglie, Taranto. De 2008 a 2012 fue el curador del festival Fame de Contacto / Contact
artes públicas. Giacomo nació en 1983 en Taranto, Italia. Dirigió varios cortos, como Archipel (2010) La Luna Productions
y Stella Maris (2014), premiados en numerosos festivales internacionales. Eng Angelo was born Sebastien Hussenot
in Grottaglie, Taranto in 1983. From 2008 to 2012 he established and curated the Fame public T +33 608 455 642
arts festival. Giacomo was born in 1983 in Taranto, Italy. He directed several short films, including E sebastien@
Archipel (2010) and Stella Maris (2014), which received awards at many international festivals. lunaprod.fr
marcoalessi@
Italia / Francia - Italy / France, 2017 / 57’ / DCP / Color / Inglés - English gmail.com
D, G, E: Giacomo Abbruzzese, Angelo Milano F: Federico Annicchiarico, Jordi Esgleas, Angelo Milano, /FAMEthemovie
Marc Rigney, Andrew Telling, Matt Watkins S: Claire Cahu M: Panda Bear, Walls, Jamie XX, Wolf Eyes, lunaprod
Banda Ionica P: Sebastien Hussenot, Marco Alessi CP: La Luna Productions, Dugong Production
I: Angelo Milano, Blu, Conor Harrington, JR, Momo, Nug, Ericailcane, Vhils
 235

Makala

Kabwita es un carbonero congoleño que vive en una pequeña
aldea junto con Lidia, su pareja, en una choza sin agua ni luz;
comen rata frita y sus tres hijos necesitan medicamentos. Para
intentar salir de esas condiciones de pobreza demoledoras,
Kabwita trabaja con la madera de los árboles, procesándola hasta
convertirla en carbón, para así emprender un largo viaje a la
ciudad donde poder comercializarlo, con su bicicleta haciendo las
veces de carro. La cámara del documental de Emmanuel Gras se
convierte en testigo que sigue esta gesta laboral para plasmarla
en tres partes diferenciadas, en un camino que revela la cruda
realidad de un país sin administración. Pero aunque Makala
pueda verse como un retrato de la desesperación, hay en ella una
belleza extrañada que puede ser palpada por lo inmaterial del
cine y su hechizo al borde de lo hipnótico.
Kabwita is a kind of coalman in the small village in the
Congo where he lives with his wife, Lidia, in a hut without
water or light. They eat fried rat and their three children need
medicine. To try and escape this crushing poverty, Kabwita
cuts lumber and processes it into coal, so he can take the long
trip to the city, his bicycle serving as a cart, where he can sell
it. Emmanuel Gras’s documentary camera becomes a witness
that follows this labor to turn it into three different parts, in
a journey that reveals the crude reality of a nation without
administration. However, although Makala can be seen as a
portrait of desperation, there is a surprising beauty that can be
felt through the immaterial nature of the cinema and its spell
that borders on the hypnotic.

Emmanuel Gras 
Estudió fotografía cinematográfica en el ENS Louis Lumiére. Dirigió varios cortometrajes; entre Contacto / Contact
otros, La Motivation! (2002) y Tweety Lovely Superstar (2005). En 2012 realizó el documental Bovines, Les Films du Losange
y en 2015, Dalbis. Eng He studied cinematography at the ENS Louis Lumiére. He directed many Lise Zipci
shorts, including La Motivation! (2002) and Tweety Lovely Superstar (2005). In 2012, he made the T +33 144 438 713
documentary Bovines, and in 2015, Dalbis. E l.zipci@
filmsdulosange.fr
W filmsdulosange.fr/international
Italia / Francia - Italy / France, 2017 / 57’ / DCP / Color / Inglés - English ilmsdulosange.fr/en/film/238/
D, F: Emmanuel Gras E: Karen Benainous S: Manuel Vidal M: Gaspar Claus P: Nicolas Anthomé makala
CP: bathysphere I: Kabwita Kasongo, Lydie Kasongo
Ventana Documental — Documentary Showcase

Marquis de Wavrin, from the Manor to the Jungle

Marquis de Wavrin, du manoir à la jungle / Marquis de Wavrin, de la casona a la selva

Mucho antes de que existiera el canal de TV National Geographic,
los europeos no tenían contacto con imágenes en movimiento de las
decenas de tribus de Latinoamérica que vivían lejanas a la ilustración.
Pero hubo un hombre que en los años 20 acortó la distancia entre
esos dos mundos. Este documental traza el camino que recorrió
el aventurero Marquis de Wavrin desde sus primeras incursiones
turísticas hasta convertirse en un etnógrafo y documentalista
fundamental a la hora de observar y comprender a esas pequeñas
civilizaciones que aún no habían sido alcanzadas por la gran
Civilización. Marquis de Wavrin, du manoir a la jungle, una película
conformada por las filmaciones capturadas por el ojo atento del
Marquis de Wavrin, no solo se centra en exponer la transformación
técnica y narrativa del cine documental antropológico: también nos
cuenta la evolución de una persona que cambió el traje de noble
colonialista por el de investigador humanista.
Long before National Geographic TV existed, Europeans did not
have contact with moving images of the dozens of Latin American
tribes that lived far from the Enlightenment. However, in the 1920s
there was a man who shortened the distance between these two
worlds. This documentary traces the travels of an adventurer
named Marquis de Wavrin, from his first incursions as a tourist
to becoming an important ethnographer and documentary
filmmaker at the time of observing and understanding these small
civilizations that had still not been reached by the great Civilization.
Marquis de Wavrin, du manoir a la jungle, a film made of the footage
captured by the attentive eye of Marquis de Wavrin, not only
focuses on revealing the technical and narrative transformation
of anthropological documentary cinema, but also narrates the
evolution of a person who exchanged the suit of the noble colonist
for that of the humanist researcher.

Grace Winter & Luc Plantier

Grace estudió historia del arte y antropología social y continuó sus estudios en la Sorbona. En Contacto / Contact
1979 se sumó a la distribuidora Progrès Films, la cual dirigió por 18 años. Luc estudió ciencias Image Création.com
del lenguaje en la Universidad de Avignon, y obtuvo un máster en Cine en Lyon. Dirigió dos Anne Kennes
documentales radiales. Eng Grace studied Art History and Social Anthropology and continued T +32 0 471 731 447
her studies at the Sorbonne. In 1979, she joined the distribution company Progrès Films, which E imagecreation.anne@
she directed for 18 years. Luc studied Language Sciences at the University of Avignon, and got a gmail.com
Master’s in Cinema in Lyon. He directed two radio documentaries. /221749972

Bélgica - Belgium, 2017 / 85’ / DCP / B&N / Francés / Inglés - French / English
D: Grace Winter, Luc Plantier G: Grace Winter F: Dominique Henry, Ella Van Den Hove
E: Luc Plantier DA: David Nataf S: Luc Plantier M: Hughes Maréchal P: Martine Barbé
CP: Image Création.com
 237

Muchos hijos, un mono y un castillo

Lots of Kids, a Monkey and a Castle
El actor español Gustavo Salmerón se puso tras la cámara y
ahí se quedó durante catorce años para dirigir este documental
–seleccionado y premiado en el Festival de Karlovy Vary– que
comenzó a filmar en 2002, en el seno de su propia familia, y
utilizando diversos formatos, desde Super 8 hasta la cámara de un
iPhone. Durante ese período, el director registró las encantadoras
excentricidades de su extraordinaria madre Julita, quien, cuando
era pequeña, tenía tres sueños de vida: tener muchos hijos, tener
un mono y vivir en un castillo español. Y todos se le cumplieron.
A los 81 años, una de sus hijas debe encontrar la vértebra de su
bisabuela asesinada, perdida en algún lado entre la exorbitante
cantidad de objetos extraños que ha acaparado durante toda su
vida, y que revela una muy pintoresca historia familiar. Esta anciana
tan particular está a punto de descubrir el sentido de la vida.
Spanish actor Gustavo Salmerón got behind the camera
and stayed for fourteen years to direct this documentary –
selected and awarded at the Karlovy Vary film festival– which
he started filming in 2002 within his own family, using several
formats, from a Super 8 camera to an iPhone. During tat
period, the director captures the winsome eccentricities of his
extraordinary mother Julita, who had three childhood dreams:
having lots of kids, owning a monkey, and living in a Spanish
castle. And all have been granted. At 81 years old, one of her
children needs to find the vertebra of his murdered great-
grandmother, lost among the exorbitant amount of weird
objects she has hoarded throughout her life, revealing a very
picturesque family history. This unique old lady is about to
find the meaning of life.

Gustavo Salmerón
Actor y director nacido en Madrid en 1970. Actuó en más de treinta films de reconocidos directores Contacto / Contact
como Julio Medem, Agustín Villaronga, Luis García Berlanga y Mario Camus, entre otros. En 2001 Dogwoof
dirigió el cortometraje Desaliñada, que ganó el Goya a Mejor Corto otorgado por la Academia Luke Brawley
Española de Cine. Eng Born in Madrid in 1970, he is an actor and director. He starred in over thirty T +44 207 253 6244
films by renowned directors like Julio Medem, Agustín Villaronga, Luis García Berlanga, and Mario E luke@dogwoof.com
Camus, among others. In 2001 he directed the short film Salad Days, which won the Spanish Film W dogwoofglobal.com
Academy’s Goya for Best Short Film.

España - Spain, 2017 / 91’ / DCP / Color / Español / Inglés - Spanish / English
D, F, P: Gustavo Salmerón G: Gustavo Salmerón, Raúl de Torres, Beatriz Montañez
E: Raúl de Torres, Dani Urdiales S: Alberto Ovejero Deluxe Spain M: Mastretta CP: Gustavo
Salmerón P.C.
Ventana Documental — Documentary Showcase

Open the Door

Abre la puerta
La historia del cine ya definió al film carcelario como un
género en sí mismo, con elementos y tics establecidos, tanto
en la ficción como en el documental. Lo interesante de este
ensayo realizado en Maiano, cárcel de máxima seguridad
de Spoleto, en Perugia (Italia), es que los elude a todos. Así,
se define más por lo que no es. No hay golpes bajos, no hay
tragedias personales, no hay afuera. Tampoco hay malos ni
buenos. El director iraní acorta caminos, y sus elecciones le
permiten definir su película con una puesta en escena tan
minimalista como ingeniosa. Como una mezcla de talking
head con performance coreográfica, las dos partes (la primera,
en colaboración con Maziar MoKhtari, en el pabellón de
hombres; la otra en el de mujeres) que conforman Open the
Door consiguen plasmar en imágenes esa extraña sabiduría de
los que aceptan su destino sin dejar de vivir –y pensar, sobre
todo– el presente.
The history of cinema has already defined the prison film as its
own genre with its own elements and particular qualities, in fiction
as well as in documentary. The interesting thing about this essay,
filmed in the maximum security prison of Spoleto, in Perugia,
Italy, is that it uses none of those elements and qualities, and so
defines itself more for what it is not, than for what it is. There are no
cheap shots, no personal tragedies, nothing outside of the prison.
Neither are there good guys or bad guys. The Iranian director takes
shortcuts and his selections allow him to define the film with a
mise en scène that is so minimalist that it is ingenious. Like a mix of
talking heads with choreographed performances, the two parts
(the first, in collaboration with Maziar MoKhtari, in the men’s
space; the other in that of the women) that make up Open the Door
manage to portray in images that strange wisdom of those who
accept their destiny while they never stop living – and thinking,
especially – in the present.

Shahram Karimi
Nació en 1957 en Irán, y creció en Shiraz. Es un artista autodidacta y exitoso tanto en su país como Contacto / Contact
en Occidente. Las obras de Karimi han sido exhibidas en lugares como Irán, Turquía, Alemania, Shahram Karimi
Estados Unidos y Suiza. Actualmente vive y trabaja en Alemania y Estados Unidos. Eng He was T +49 224 133 6691
born in Iran in 1957 and grew up in Shiraz. He is a self-taught artist and is successful in his country +49 163 170 2072
as well as the Western World. Karimi’s works have been shown in places like Iran, Turkey, Germany, E sk.shahramkarimi@
the US and Switzerland. He currently lives and works in Germany and the US. gmail.com
W shahram.karimi.com

Alemania / Italia - Germany / Italy, 2017 / 47’ / DCP / Color / Italiano - Italian
D, G: Shahram Karimi F: Shahram Karimi, Maziar Moktari, Luca Lancise E: Shahram Karimi, Franccsco
Di Fortunato, Maziar Mokhtari M: Strong Melody, Jane Birkin, The Tiger Lillies, Tine, Hans Zimmer
P: Fiamma Arditi CP: Without Borders
 239

Ni juge ni soumise
So Help Me God / Ni jueza ni sumisa
Con más de 400 emisiones desde 1982, la serie de TV
belga Strip-Tease adquirió estatus de culto filmando a personas
comunes expresándose acerca de todo tipo de fenómenos
sociales, sin voz en off ni comentarios; una suerte de resistencia
a la televisión altamente formateada como modo de descifrar a
una sociedad. Ahora, sus creadores siguieron a la extraordinaria
y nada convencional jueza Anne Gruwez durante tres años en la
resolución de un caso olvidado, una historia verdadera y nunca
resuelta de hace más de veinte años: dos prostitutas brutalmente
asesinadas en barrios ricos de Bruselas. En una trama
detectivesca, la intriga es a menudo el pretexto para describir las
vilezas del alma humana, y aquí, a medida que la investigación se
reinicia, la reputación de la jueza se vuelve un elemento central,
y la raison d’etre del tagline de la película: “Sin concesiones y de un
modo políticamente incorrecto. No daréis crédito a vuestros ojos.
No es cine: ¡es peor!”.
With more than 400 broadcasts since 1982, Belgian TV
series Strip-Tease achieved cult status by filming common people
and having them express themselves about all sorts of social
phenomena, with no voiceover or commentary whatsoever; a
sort of resistance against highly formatted television as a way
of deciphering a society. Now, the team behind the show spend
three years following the extraordinary, offbeat judge Anne
Gruwez, who tries to solve a forgotten case, a true, unsolved
twenty-year-old story: two prostitutes who were brutally
murdered in rich neighborhoods of Brussels. In a detective story
the intrigue is most often a pretext to describe the turpitudes
of the human soul and, here, as the investigation resumes, the
judge’s reputation becomes a key element, and the raison d’etre
of the film’s tagline: “Unapologetic and politically incorrect. You
won’t believe your eyes. It’s not cinema, it’s worse!”

Jean Libon & Yves Hinant

Jean nació en 1946 en Bélgica. Se graduó en el Arts and Diffusion Institute de Bruselas. En 1985 cocreó Contacto / Contact
la serie de documentales Strip-Tease. Yves nació en 1968 en Liege. Se graduó como periodista en la The Bureau Sales
Université Libre de Bruxelles. Ha dirigido más de 30 películas y documentales. Eng Jean was born Geraldine Bryant
in Belgium in 1946. He graduated from Brussels’ Arts and Diffusion Institute. In 1985, he co-created T +33 140 333 380
the documentary series Strip-Tease. Yves was born in Liege in 1968. He graduated as journalist at the E gb@leburaufilms.com
Université Libre de Bruxelles. He has directed more than 30 films and documentaries. W thebureaufilms.com

Francia / Bélgica - France / Belgium, 2017 / 99’ / DCP / Color / Francés - French
D: Jean Libon, Yves Hinant F: Didier Hill-Derive E: Françoise Tourmen S: David Gillain P: Bertrand
Faivre, Stéphane Quinet, Patrick Quinet CP: Le Bureau, Artemis Productions I: Anne Gruwez, David
Derumier, Marc Slavic, Eddy Wilmet
Ventana Documental — Documentary Showcase

Rambla, sin tu amor yo no soy nadie

Amanece en el típico embotellamiento de la Autovía 2
donde unos personajes perdidos –una chica dark, un gitano
y una especie de pastor– caminan junto a la ruta. Atraviesan
campos de girasoles, llegan a la playa de Mar del Plata, suben
a la rambla, y se pierden en un baile popular. Allí, desde hace
más de 30 años, se juntan artistas de la calle, bailarines y
cantantes. Sin permiso de nadie, bailan grandes, chicos, viejos,
trabajadores, trapitos, chorros, prostitutas, desocupados, gente
que duerme en la calle, y laburantes de todo el país al son de un
imitador de Antonio Ríos. Una vez, cuando la intendencia quiso
prohibirlo, este se encadenó por semanas hasta vencer y hacer
de la rambla la fiesta popular, libre y gratuita más emblemática
de Mar del Plata. Un lugar de trabajo y encuentro de miles de
trabajadores que, al ritmo de la cumbia, bailan y cantan que ahí
pueden ser alguien.
Morning breaks on a typical traffic jam on Highway 2 where some
lost characters –a goth girl, a gypsy and some sort of pastor– walk
alongside the road. They walk through sunflower fields, arrive at the
Mar del Plata beach, go up the boardwalk and get lost in an open
air popular dance ball. There, street artists, dancers and singers have
been meeting for more than 30 years. Without asking for anyone’s
permission, adults, kids, the elderly, workers, car washers, thieves,
prostitutes, unemployed people, people living in the streets, and
laborers from around the country dance to the sound of an imitator
of Antonio Ríos, the popular cumbia singer. Once, when the mayor
wanted to ban the dancing, this singer chained himself there for
weeks until he won and turned the boardwalk into most emblematic
popular, free popular celebration in Mar del Plata. A workplace and
meeting point for thousands who, to the beat of cumbia, dance and
sing so that there they can be someone.

Nicolás Bratosevich
Documentalista, antropólogo social independiente, docente y cineasta. Dirigió varios Contacto / Contact
cortometrajes, como Ricardo electricista de automóviles (ganador en Bafici 2005). Codirigió el luzmorenaCine
largometraje Agárrese como pueda (2015, 30° Festival), el primer documental sobre el oficio y la Nicolás Bratosevich
historia del catch argentino. Eng Documentarian, independent social anthropologist, teacher T +54 9 11 6168 9614
and filmmaker. He directed many short films, including Ricardo electricista de automóviles (winner E bratosevich@
at Bafici 2005). He co-directed the feature Agárrese como pueda (2015, 30th Festival), the first yahoo.com.ar
documentary about the craft and history of Argentine pro wrestling. W luzmorenacine.
wordpress.com

Argentina, 2017 / 35’ / DM / Color /Español - Spanish

D, G, E, P: Nicolás Bratosevich CP: luzmorenaCine I: Antonio Ríos,, Leandro Rey
 241

Mar de Chicos
—
Children by the Sea

242 A Hell of a Wedding

243 As duas Irenes
244 Mi mundial
245 Natacha, la película
246 Wonders of the Sea 3D
247 Bákiro
247 Corky
248 Easygoing Teddy
248 El chico Pelo-de-flor
249 Khalkhali - Fire
249 Negative Space
250 Quiero
250 Sabaku
251 Scrambled
251 The Little Bird and the Caterpillar
PANORAMA Mar de Chicos — Children by the Sea

A Hell of a Wedding
Janjal Dar Aroosi / Una boda infernal
Reza y su familia asisten a la boda del hermano del misterioso
Manouchehr, quien volvió a Irán después de varios años en
el extranjero para organizar una fiesta de casamiento a todo
trapo. La primera desilusión de la velada llega cuando los chicos
descubren el espacio que les dedicaron en la fiesta: un salón
encerrado al final de un jardín, lejos de la comida y los fuegos
artificiales, y bajo la vigilancia de un extraño gruñón disfrazado
de Minion. Reza y los demás niños invitados emprenden
inmediatamente el escape del aburrido recinto al que fueron
confinados, y cuando se disponen a arruinar la fiesta a toda
costa descubren que se están entrometiendo en los planes de
Manouchehr, que son mucho más grandes y peligrosos. Junto
al noble perro Chocolate, y con la insistencia de las diabólicas
hermanas de Reza, la pandilla será la estrella de la noche.
Reza and his family attend the wedding of the brother of
the mysterious Manouchehr, who returned to Iran after many
years abroad to organize a huge wedding party. The first
disappointment of the evening comes when the boys discover
the space reserved for the children: an enclosed hall at the end
of a garden, far from the food and the fireworks and under
the surveillance of a weird grumpy man in a Minion costume.
Reza and the rest of the children immediately try to escape the
boring facility they were confined to, and when they decide
to ruin the party at all costs they discover they are interfering
with Manouchehr’s plans, which are much bigger and more
dangerous than theirs. Accompanied by noble dog Chocolate
and with the insistence of Reza’s diabolical sisters, the gang will
be the stars of the night.

Seyed Reza Khatibi Sarabi

Nació en Teherán en 1969, y estudió arte dramático en París. Escribió y dirigió 7 Days in Tehran Contacto / Contact
(2002), It’s Quiet in the Town, Isn’t It? (2007) y Enclose (2009), y codirigió How Is the Orchestra Farabi Cinema Foundation
Conducted? (2008), de Mohammad Ahmadi. Eng Born in Tehran in 1969, he studied Dramatic T +98 21 6674 7826
Arts in Paris. He wrote and directed 7 Days in Tehran (2002), It’s Quiet in the Town, Isn’t It? (2007) and +98 21 6673 6840
Enclose (2009), and co-wrote Mohammad Ahmadi’s How Is the Orchestra Conducted? (2008). E fcf1@dpi.net.ir
W en.fcf.ir

Irán / Francia - Iran / France, 2016 / 94’ / DCP 3D / Color

D, G: Seyed Reza Khatibi Sarabi F: Mohammad Ahmadi E: Pegah Ahmadi DA: Mehdi Daylami
S: Seyed Alireza Alavian M: Behzad Abdi P: Mohammad Ahmadi CP: Kavir Film Institute, Farabi
Cinema Foundation, Choisy Films I: Alireza Khamseh, Mir Taher Mazloomi, Naemeh Nezamdoost,
Morteza Zarabi
 243

As duas Irenes
Two Irenes / Dos Irenes
Cuenta la leyenda que en alguna parte del mundo camina un
doble de cada uno de nosotros. Irene, la protagonista de As duas Irenes,
confirma esta teoría cuando descubre que a pasos de su casa vive
otra Irene que es hija de su padre. La duplicidad en este caso no entra
en juego por el físico sino por el nombre, la edad y el parentesco, y
por la necesidad de ocupar el lugar de la otra, a cualquier precio. La
ópera prima de Fabio Meira, director premiado en la Berlinale por
el cortometraje The Illusion, retrata la ansiedad por encontrar una
identidad en medio de la tormentosa e inestable adolescencia. Pero,
lentamente, la historia del doppelgänger se transforma en el cuento
del príncipe y el mendigo, escondiendo en los rincones del relato la
envidia que las hermanas sienten mutuamente. Una película que
centra su fuerza en la complicidad luminosa que entablan las dos
Irenes para combatir tanta oscuridad.
As duas Irenes portrays the legend that in some part of the
world there walks a double for each one of us. Irene, the main
character, confirms this theory when she discovers that another
Irene who is a daughter of her father lives very close by her house.
The double in this case is not a matter of her physical appearance,
but rather her name, age and kinship, and for the need to take the
other’s place, at any price. The debut feature film of Fabio Meira,
who scripted The Illusion –which won best documentary short at
Berlin–, tells of the anxiety of finding one’s identity in the middle
of the passionate, instability of adolescence. However, slowly, the
plot of the doppelgänger becomes the tale of the prince and the
pauper, as the sister’s mutual envy comes out of hiding from the
corners of the story. It is a film that is centered on the luminous
complicity of the two Irenes as they combat a great darkness.

Fabio Meira
Nació en 1979 en Goiania, Brasil. Es guionista y director, graduado de la Escuela Internacional Contacto / Contact
de Cine y TV de Cuba. Trabajó como asistente de dirección de Ruy Guerra y dirigió varios True Colors
cortometrajes y mediometrajes; entre otros, Dolores (2005), Atlântico (2008), Hoje tem alegria Catia Rossi /
(2010) y Novembro (2013). Eng Born in Goiania, Brazil, in 1979, he is a screenwriter and director Gaetano Maiorinoi
and graduated from the Cuba’s International School of Film and TV. He worked as Ruy Guerra’s T +39 0 637 352 334
assistant director and has directed many shorts and mid-length features including Dolores (2005), E catia@
Atlântico (2008), Hije tem alegria (2010) and Novembro (2013). truecolours.it
gaetano@
Brasil - Brazil, 2017 / 88’ / DCP 3D / Color truecolours.it
D, G: Fabio Meira F: Daniela Cajías E: Virginia Flores DA: Fernanda Carlucci W truecolours.it
S: Ruben Valdés, Ricardo Cutz M: Edson Secco P: Fabio Meira, Diana Almeida I: Priscila Bittencourt,
Isabela Torres, Marco Ricca, Susana Ribeiro, Inês Peixoto
PANORAMA Mar de Chicos — Children by the Sea

Mi mundial
Home Team
Es sabido que en el fútbol el camino hacia la gloria está plagado
de dificultades, pero ni siquiera aquellos que con su talento logran
sortearlas están exentos de caer en las trampas del éxito. Tito
descubre esta verdad como lo hacen tantos otros prodigios (reales
y ficticios) de la redonda: demasiado temprano para la edad que
tiene, demasiado tarde como para prevenir los daños. Con solo
trece años, sus notorias habilidades le conseguirán un contrato
para sacar de la pobreza a su familia, pero desde ese momento
empezará a alejarse del colegio, de sus padres y de la novia que
dejó en su ciudad natal, por lo que irá perdiendo paulatinamente
sus sostenes emocionales justo antes de que la realidad golpee
con fuerza. Mi mundial describe con calidez y sensibilidad cómo la
mercantilización del fútbol se cuela en la pasión de un adolescente,
elevando sus ilusiones con la misma fuerza con que las derriba.
It is well known, that in in soccer the road to glory is plagued with
difficulties, but not even those who are able to circumvent them
with their talent are exempt from falling into the traps of success.
Tito discovers this truth as has happened to many other prodigies
(both real and fictional) all too well: too soon for his young age,
too late to stop the damage. Only 13 year old, his notorious abilities
manage to get him a contract that will pull his family out of poverty,
but from that moment on he will start to move away from school,
from his parents and from the girlfriend that he left behind in his
hometown. And in doing so, he will slowly lose all his emotional
supports just before reality hits him with a terrible blow. My mundial
describes, warmly and sensitively, how the business of soccer seeps
into the passion of a teenager, lifting up his dreams with the same
force with which they will smash them down.

Carlos Andrés Morelli

Se graduó en producción audiovisual en Uruguay y realizó una maestría de Guion de Largometraje Contacto / Contact
en Madrid (ESCAC). Ha trabajado como maestro de realización y guion en universidades de España, Habanero
China, México, Chile y Alemania. Dirigió varios cortometrajes; entre otros, Monstruo (2011) y Dile que Alfredo Calvino
quiero verlo (2014). Eng He graduated in audiovisual production in Uruguay and did a Master’s degree T +55 229 9972 8481
in feature film screenwriting in Madrid (ESCAC). He has taught filmmaking and screenwriting at E acalvino@
universities in Spain, China, Mexico, Chile and Germany. He has directed many features including habanerofilmsales.com
Monstruo (2011) and Dile que quiero verlo (2014). W habanerofilmsales.com

Uruguay / Brasil / Argentina - Uruguay / Brazil / Argentina, 2017/ 102’ / DCP / Color / Español /
Portugués - Spanish / Portuguese
D, G: Carlos Andrés Morelli F: Sebastián Gallo E: Santiago Bednarik, Carlos Morelli DA: Cristina Nigro
S: André Sittoni M: Hernán González, Sergio Rojas P: Lucía Gaviglio Salkind CP: La Gota Cine, Panda
Films, Pensa & Rocca, U films, Tele I: Facundo Campelo, Candelaria Rienzi, César Troncoso, Néstor
Guzzini, Marcel Keoroglian, Verónica Perrotta
 245

Natacha, la película
Natacha, the Movie
La infancia es un planeta suspendido en el tiempo. Los
minihabitantes se comunican entre sí en su idioma predilecto,
intentando construir un mundo de códigos jeroglíficos tan complejos
que un adulto jamás podría descifrarlos. Basada en los libros de Luis
Pescetti, Natacha visita ese planeta donde el absurdo es el oxígeno que
mantiene con vida la imaginación de los niños. Nati y Paty son dos
grandes amigas que comparten novios, secretos y el emprendimiento
de escribir cartas de amor a cuatro manos para alivianarle la tarea al
Cupido de los más bajitos. Mientras se preguntan de dónde vienen
los pensamientos, planean una desafiante misión: demostrar que
los perros ven en colores, para obtener la mejor calificación en la feria
de ciencias y tecnología de la escuela. Con una mirada tierna, los
directores reflejan, como afirmaba Truffaut, que cuando hablamos de
chicos no existen dramas pequeños.
Childhood is a planet suspended in time. The mini
inhabitants communicate amongst themselves in their
preferred language, trying to construct a world of hieroglyphic
codes so complex that an adult will never be able to decipher
it. Based on the books by Luis Pescetti, Natacha visits this planet
in which the absurd is the oxygen that keeps the imagination
of children alive. Nati and Paty are great friends who share
boyfriends, secrets and a venture in which they write love letters
in order to relieve Cupid of the work of helping the youngest
ones. While they wonder where thoughts come from, they plan
a challenging mission: to prove that dogs see in color in order
to win the best grade in the science and technology fair in their
school. With a tender gaze, the directors reflect, as Truffaut
stated, that in the world of children there are no small dramas.

Fernanda Ribeiz & Eduardo Pinto Contacto / Contact

Fernanda es guionista y directora especializada en educación y cine. Escribió Mundo alas, de Magoya Films SA
León Gieco, tanto la película como la serie para Canal Encuentro. Natacha, la película es su primer Nicolás Batlle
largometraje. Eduardo es director, guionista y director de fotografía. Dirigió las películas Palermo T +54 11 4983 9310
Hollywood, Dora, la jugadora, Buen día, día, Caño dorado y Corralón. Eng Writer-director specialized in E nfo@
education and film. She wrote León Gieco’s Mundo alas, both the feature and the series for Canal magoyafilms.com.ar
Encuentro. Natacha, la película is her feature-film debut. Eduardo es director, screenwriter and magoyafilms@
cinematographer. He directed the films Palermo Hollywood, Dora, la jugadora, Buen día, día, Caño gmail.com
dorado and Corralón. W magoyafilms.com.ar
/NatachaLaPelicula
natachalapelicula
Argentina, 2017 / 70’ / DCP / Color / Español - Spanish
D: Fernanda Ribeiz, Eduardo Pinto G: Fernanda Ribeiz F: Eduardo Pinto E: Jimena Garcia Molt
DA: Marcela Bazzano S: Omar Jadur M: Luis Pescetti, Gustavo Pomenarec P: Nicolás Batlle CP:
Magoya Films SA I: Antonia Brill, Lola Seglin, Julieta Cardinali, Joaquín Berthold, Ana María Picchio
PANORAMA Mar de Chicos — Children by the Sea

Wonders of the Sea 3D

Las maravillas del mar
Filmada a lo largo de tres años en distintas locaciones, que
van desde las Islas Fiyi hasta las Bahamas, Wonders of the Sea 3D
propone un recorrido submarino por lugares recónditos de los
océanos de nuestro planeta, revelando imágenes que de tan
espectaculares bordean lo fantástico. Jean-Michel Cousteau (hijo
del recordado pionero Jacques-Yves) y su equipo se sumergen
en un mundo secreto y desconocido, armados con cámaras 3D,
y consiguen así plasmar un festival visual que se vuelve una
intensa experiencia para todos los sentidos. “Mantengamos
el océano limpio, y tendremos un mundo limpio”, dice Arnold
Schwarzenegger, quien narra el documental. Así, se alinea con las
enseñanzas duraderas de Cousteau, quien bregaba por proteger
nuestros tesoros naturales, aun cuando no los podamos entender
en su totalidad.
Filmed over three years in various locations, from the Fiji
Islands to the Bahamas, Wonders of the Sea 3D is an underwater
tour of the most obscure parts of our planet’s oceans, revealing
images so spectacular that they border on the fantastic. Jean-
Michel Cousteau (son of the very well-known pioneer Jacque-
Yves) and his team submerge into a secret and unknown world,
armed with 3D cameras, and manage to create a visual festival
that becomes an intense experience for all the senses. “We keep
the oceans clean, and we will have a clean world,” says Arnold
Schwarzenegger who narrates the documentary. And so, the
film aligns with the enduring teachings of Cousteau, who
fought to protect our natural treasures, even when we could
not fully understand them.

Jean-Michel Cousteau & Jean-Jacques Mantello

Jean Michel es explorador, educador y productor de cine. Es hijo del renombrado explorador Contacto / Contact
marino Jacques-Yves Cousteau. Dirigió los documentales Cousteau: Alaska: Outrage at Valdez (1989) Conquistador
y Call of the Killer Whale (2009). Jean-Jacques dirigió, entre otras películas, Ocean World 3D (2009) y Entertainment
Air Racers 3D (2012). Eng Jean Michel is an explorer, educator and film producer. He is the son of Pascal Borno
the renowned marine explorer Jacques-Yves Cousteau. He directed the documentaries Cousteau: T +1 310 684 3907
Alaska: Outrage at Valdez (1989) and Call of the Killer Whale (2009). Jean-Jacques directed, among +1 310 350 8715
other films, Ocean World 3D (2009) and Air Racers 3D (2012). W conquistador-ent.com

Reino Unido / Francia - UK / France, 2017 / 82’ / DCP 3D / Color / Inglés - English
D: Jean-Michel Cousteau, Jean-Jacques Mantello G: Jean-Jacques Mantello, François Mantello,
David Chocron F: Jean-Jacques Mantello, Gavin McKinney E: Enzo Mantello M: Christophe
Jacquelin P: François Mantello CP: 3D Entertainment Films I: Arnold Schwarzenegger, Celine
Cousteau, Fabien Cousteau
 247

Bákiro — Bakiro
Venezuela, 2017 / 15’ / DCP /
Color
D, G, E: Miguel New
DA: Álvaro Torrens, Marcel
Ávila S: Lino Ocando M: Carlos
Caminos, Sebastián New
P: Miguel New, Nathalia
Lafuente, Belimar Román,
Karen Rodríguez I: Francisco
Pacheco, Leónidas Urbina,
Daniel Narváez, Nirvana
Guerra, Armando Guillén
Bákiro, un tímido jabalí, es bedel de un teatro Bakiro is a shy peccary who works as a janitor at a
clásico. Sueña con ser cantante pero su voz es classical music hall. He dreams of being an opera Contacto / Contact
horrible. Entonces, impulsado por una misteriosa singer, but has a horrible voice. However, moved Cabeza e´ Vaca
fuerza que lo arrastra a cantar, descubre su ser by a mysterious force that compels him to sing, Miguel New
interior. Bakiro discovers his inner self. T +1 809 965 0275
E serge@ladistributrice.ca
W lmasada13@hotmail.com
Miguel New
Nació en Mérida, Venezuela, en 1973. Estudió sonido en la Escuela Internacional de Cine de San Antonio
de los Baños. Dirigió el cortometraje Cabeza e´ Vaca (1999) y el largo documental Vinotinto, la película
(2009), galardonados en festivales de cine. Eng He was born in Mérida, Venezuela, in 1973, and studied
sound at the International Film School in San Antonio de Los Baños, Cuba. He directed the short film
Cabeza e´ Vaca (1999) and the feature-length documentary Vinotinto, La película (2009), both of them
awarded at film festivals.

Corky
Estados Unidos - USA, 2017 / 6’
/ DCP / Color
D, F, E, DA: Ty Primosch G: Ty
Primosch, Karen Mathieson
S: Steve Emling, Kelsey Lynch
M: Tyler Durham P: Karen
Mathieson

Contacto / Contact
Ty Primosch
T +1 773 807 9112
E tprimosch@gmail.com

Un sacacorchos al que le falta un tornillo lucha A corkscrew with a loose screw battles a giant
contra una botella de vidrio gigante para poder glass bottle in order to uncork it and free seven
descorcharla y liberar a siete luciérnagas mágicas magical fireflies trapped inside.
que están atrapadas adentro.

Ty Primosch
Animador y director, vive en Nueva York y forma parte de Blue Sky Studios. Trabajó en La era del hielo, Epic,
Río 2, Peanuts y Ferdinand. Corky es su debut en el ámbito de los cortos animados independientes. Eng An
animator and director from New York, he is currently an artist at Blue Sky Studios. He is credited on Ice
Age, Epic, Rio 2, Peanuts and Ferdinand. Corky is his debut independent short animation film.
PANORAMA Mar de Chicos — Children by the Sea

Easygoing Teddy — Medo Trapavko

Croacia - Croatia, 2017 / 8’ /
DCP / Color / Croata - Croatian
D: Tomislav Gregl G: Ivo
Balenović E: Tomislav Gregl
DA: Tihoni Brcic S: Bojan
Kondres, Zana Loncaric P: Irena
Skoric CP: Artizana Film d.o.o.

Contacto / Contact
Artizana Film d.o.o.
E artizana.film@gmail.com

El amable Teddy es un osito juguetón al que no Easygoing Teddy is a playful little bear who
le importan mucho las reglas del bosque. Un día, doesn’t really care about forest rules. One day,
luego de salvar a una abeja de un problema, se after he saves a bee from a trouble, he wins a
gana una amistad que cambiará su vida. friendship that will change his life.

Tomislav Gregl
Inició sus trabajos en animación en 1987 en el estudio Croatia Films. Trabajó como cameraman y director
de fotografía en numerosos films. A su debut como director con Longing (2005) le siguieron Malformance
Performance (2007), Up in the Gallery (2009) y Zulejka (2013). Eng His work in animated films began in
1987 at Croatia Film studio. As a cameraman and cinematographer, he has worked on several films. His
directorial debut Longing (2005) was followed by Malformance Performance (2007), Up in the Gallery (2009),
and Zulejka (2013).

El chico Pelo-de-flor — The Flower-Headed Boy

Argentina, 2017 / 2’ / DM /
Color / Español - Spanish
D, G, S, P: Vanessa Heeger
M: Laouen Belloli
CP: Universidad del Cine
I: Luis Garay Guevara

Contacto / Contact
Vanessa Heeger
T +54 9 11 6135 2083
E vmheeger@gmail.com

Antes de empezar a ir al colegio, las flores que
crecen en la cabeza del chico Pelo-de-flor le traían
mucha alegría. Ahora que empezó la escuela, él
debe aprender a superar las burlas que recibe de
sus compañeros.
Before he attended school, the flowers on top of
the Flower-Headed Boy’s head always gave him
a reason to smile. Now that school has started,
he must learn how to overcome the bullying he
encounters.

Vanessa Heeger
Nació en 1994 en Salvador, Brasil, y vive en Buenos Aires, donde estudia dirección en la Universidad del
Cine. Dirigió Ale mató a un hombre (2015). El chico Pelo-de-flor es su primera animación. Eng She was born in
1994 in Salvador, Brazil, and lives in Buenos Aires, where she studies Filmmaking at the Universidad del
Cine. She directed Ale mató a un hombre (2015). The Flower-Headed Boy is her first animation.
 249

Khalkhali - Fire — Khalkhali - Atash / Khalkhali - Fuego

Irán - Iran, 2017 / 3’ / DM / Color
D, DA: Amineh Foroughi
G: Habib Pirjani
E: Fariba Jafarzadeh
S: Efran Yazdi
M: M. Mahdi Gorangi
P: Amineh Foroughi
CP: Saba Animation Center

Contacto / Contact
Irib Media Trade
Alireza Shahrokhi
Khalkhaali es una chita iraní que vive en un Khalkhaali is an Iranian Cheetah who lives T +98 912 626 8775
bosque y usa su inteligencia para protegerse in a forest and uses his intelligence to protect E shfilmfestivals@gmail.com
tanto a sí mismo como al medioambiente. Un himself and the environment. A hunter comes to W iribmediatrade.ir
cazador llega al bosque para cazarlo sin éxito, the forest looking for him but doesn’t succeed,
porque Khalkaali es demasiado listo y rápido, y because Khalkhaali is too clever and fast and
sabe cómo huir del peligro. knows how to escape danger.

Amineh Foroughiv
Nació en 1970 en Irán. Como director y productor, realizó numerosos cortometrajes de animación; entre
ellos, Apple (2014), Mam Sun (2015) y Tak (2015). Eng Born in Iran in 1970, he has directed and produced
numerous short animation films; among them, Apple (2014), Mam Sun (2015) and Tak (2015).

Negative Space — Espacio negativo

Francia - France, 2017 / 6’ / DCP /
Color / Inglés - English
D, G: Max Porter, Ru Kuwahata
F: Nadine Buss, Simon Gesrel,
Max Porter E: Max Porter
DA: Ru Kuwahata, Marion
Lacourt, Victoria Tanto, Max
Porter S: Bram Meindersma,
Bram Meindersma P: Nidia
Santiago, Edwina Liard CP: Ikki
Films, Manuel Cam Studio

Mi papá me enseñó a hacer la valija. My dad taught me how to pack. Contacto / Contact
Sève Films
Luce Grosjean
T +33 674 232 951
Max Porter & Ru Kuwahata E inscription@sevefilms.com
Dúo de directores con base en Baltimore, Estados Unidos. Como Tiny Inventions, hace más de diez años
que colaboran en distintos cortos, comerciales de TV, videoclips y cómics. Negative Space es su cuarto film
profesional. Eng They are a filmmaking duo based in Baltimore, USA. Collaborating for over a decade. As
Tiny Inventions, they have directed short films, TV commercials, music videos and comics. Negative Space is
their fourth professional film.
PANORAMA Mar de Chicos — Children by the Sea

Quiero — I Want
México - Mexico, 2017 / 3’ /
DCP / Color
D, G: Ursula Barba Hopfner
F: Luis Montalvo E: Miguel
Musalem DA: Mailen
Parmiggiani S: Izabel Acevedo
M: Urzula Barba Hopfner,
Miguel Musalem P: Patricia
Martínez CP: Centro de
Capacitación Cinematográfica,
A.C. I: Ethan Woolrich, Paola
Izquierdo
Un bebé sale de su cuna para conseguir su A baby reaches out of his cradle to get his favorite
juguete favorito. Su madre frustra el intento, lo toy. His mother prevents him from doing it, and Contacto / Contact
regresa a su cuna y a partir de ese momento las returns him to the cradle. From then on things Centro de Capacitación
cosas no serán iguales. will never be the same. Cinematográfica, A.C.
T +52 55 4155 0090
+52 55 4155 0092
Urzula Barba Hopfner E divulgacion@elccc.com.mx
Nació en Guadalajara, México, en 1982. Estudió realización cinematográfica en el Centro de Capacitación W elccc.com.mx
Cinematográfica de ese país. Actualmente ejerce en las áreas de dirección, producción y edición. Eng
Born in Guadalajara, Mexico, in 1982, she studied filmmaking at that country’s Centro de Capacitación
Cinematográfica. She currently works in the areas of direction, production and editing.

Sabaku
Holanda - The Netherlands,
2016 / 3’ / DM / Color
D: Marlies van der Wel
G: Marlies van der Wel, Ruben
Picavet E: Flip van der Kuil
S: Bob Kommer Studio’s
M: Sjam Sjamsoedin P: Roel
Oude Nijhuis, Gijs Kerbosch,
Gijs Determeijer (Halal)
CP: Halal Productions

Sabaku pierde a su mejor amigo Búfalo, así
que necesita encontrarse un nuevo compañero.
Intenta conectar con distintas especies, pero
pronto se da cuenta de que eso no es tan fácil
como parece. Le espera un duro camino, pero no
descansará hasta conseguirlo.
Contacto / Contact
KLIK Distribution
When Sabaku’s best friend Buffalo passes Ursula van den Heuvel
away he needs to find a new partner. He tries T +31 620 689 423
connecting with different species, but soon finds E ursula@klik.amsterdam
out that it isn’t as easy as it seems. Sabaku is in for
a bumpy ride, but he won’t rest until he succeeds.

Marlies van der Wel

Animadora e ilustradora nacida en Holanda en 1984. Trabaja desde su estudio en Ámsterdam. Comenzó
en 2007 trabajando en proyectos comerciales y personales, y finalizó su propio cortometraje animado,
Jonas and the Sea, en 2015. Eng Born in 1984, she is a Dutch animator and illustrator who works from her
studio in Amsterdam. In 2007, she started working on both commercial and personal projects, and
finished her own animated short, Jonas and the Sea, in 2015.
 251

Scrambled — Desordenado
Holanda - The Netherlands,
2017 / 7’ / DCP / Color
D, G: Bastiaan Schravendeel
DA: Sander Kamermans
S: Jeroen Nadorp, Robin van
der Heiden (Bob Kommer)
M: Daniël Polman P: Tünde
Vollenbroek CP: Tünde
Animation, Polder Animationo

Contacto / Contact
KLIK Distribution
Esra tiene 19 años y un día pierde el tren, así que When 19-year old Esra misses her train and kills Ursula van den Heuvel
mata el tiempo con un juego rápido y luminoso time playing a fast-paced, flashy game on her T +31 620 689 423
en su celular. Hasta que un cubo mágico vintage smartphone, until a vintage Rubik’s Cube catches E ursula@klik.amsterdam
llama su atención. her attention.

Bastiaan Schravendeel
Es director de cine de animación y cofundador del estudio Polder Animation en Utrecht, Países Bajos.
Luego de graduarse del HKU en 2010, su objetivo en Polder Animation ha sido crear films animados de
estilo visual y contenido únicos. Eng He is an animation film director and co-founder of studio Polder
Animation in Utrecht, the Netherlands. After graduating from the HKU in 2010, his goal at Polder
Animation has been to create animated films with a unique visual style and content.

The Little Bird and the Caterpillar — El pajarito y la oruga

Suiza - Switzerland, 2017 / 4’ /
DCP / Color
D, G: Lenna vön Dohren
E: Fee Liechti S: Christof
Steinmann P: Gerd Gockell,
Ted Sieger, Jochen Ehmann,
Gabriela Bloch Steinmann
CP: Schattenkabinett Gmbh

Verano. Un pajarito cuida y alimenta las hojas
verdes de su hogar, bien alto en la copa de
un arce. De repente, una oruga hambrienta
decide comerse las suculentas hojas. El pajarito
logra alejar al glotón, y un viaje de aventuras
comienza.
Contacto / Contact
Magnetfilm GmbH
T +49 163 801 0753
E georg.gruber@
Summertime. High up in a maple tree, a little magnetfilm.de
bird cherishes and nurtures the green leaves
of his home. Suddenly a hungry caterpillar
sets out to eat the appetizing leaves. The little
bird manages to lure away the glutton and an
adventure-filled journey begins.

Lena von Döhren

Nacida en Berlín, es animadora, directora e ilustradora. Estudió comunicación audiovisual en Ámsterdam
y animación en Suiza. Dirigió The Little Bird and the Leaf (2012), The Little Bird and the Squirrel (2014), y
actualmente se encuentra planeando el ultimo episodio de la serie Bird. Eng Born in Berlin, she is an
animator, director and illustrator. She studied Audiovisual Communication in Amsterdam and animation
in Switzerland. She directed The Little Bird and the Leaf (2012), The Little Bird and the Squirrel (2014), and is
currently planning the last episode of the Bird series.
 253

Super 8 - 16mm

255 Legítima defensa

255 Clasificando sensaciones
256 Autobiográfico 2
256 Escenas de mesa
256 Umbrales
256 Mimetismo
257 Cuerpo
257 Terremoto
257 Interferencia
257 Lenin
258 Desvío
258 Naceré
258 Corina
258 Puertas
259 Liebig
259 Infancia intervenida
259 La fuente
259 La mujer proyectada
260 Born to Be Blue
260 Metric Film
261 Dá trilogía
262 Valparaíso
262 Copacabana
262 Parque
PANORAMA Super 8 - 16mm
Sensaciones y umbrales:
el cine de Marie Louise Alemann
Este programa es una introducción al cine de Marie Louise
Alemann (1927-2015). Nacida bajo el nombre de Marie Louise
Steinheur en Alemania, Alemann dejó Europa a fines de los
años 40 rumbo a Argentina. Comenzó sus trabajos en cine a
fines de los 60, durante un intenso período de diálogo artístico y
colaboración con su amiga Narcisa Hirsch, también inmigrante
alemana. En los años 70, Alemann se asoció con un colectivo
bastante suelto de colegas cineastas en Buenos Aires, que
incluía a Hirsch, Claudio Caldini, Horacio Vallereggio y Juan
José Mugni, entre otros. Como Alemann a menudo actuaba en
sus películas, a veces les confiaba su cámara Super 8 a Hirsch,
Caldini y otros cineastas. Sin embargo, todas sus películas
son, en muchos sentidos –visualmente, auráticamente,
temáticamente–, distintivamente suyas. Una característica
de su cine es la exploración de la performance cinemática. A
menudo, Alemann y otros actores se presentaban en cámara
en situaciones guionadas e improvisadas, poblando espacios
urbanos y rurales con objetos y vestuarios extraños, amenazantes
o divertidos, y enmarcándolos en diseños visuales que iban de lo
decorativo a lo minimalista. Alemann prestaba especial atención
a la capacidad de la cámara de registrar y transformar la presencia
corporal de un actor, y su foco en lo corpóreo es evidente a lo
largo de todo el programa. El legado de Alemann se extiende a
su trabajo con instituciones culturales, en especial el Instituto
Goethe, que se estableció en Buenos Aires en 1967. Gracias tanto a
Alemann como a Hirsch, el Instituto Goethe se volvió –durante un
tiempo– un lugar de proyecciones, talleres y debates sobre cine
experimental. Federico Windhausen
Feelings and Thresholds:
The Cinema of Marie Louise Alemann
This program provides an introduction to the cinema
of Marie Louise Alemann (1927-2015). Born Marie Louise
Steinheur in Germany, Alemann left Europe in the late 1940s
for Argentina. She began her filmmaking practice in the late
1960s, during an intensive period of artistic dialogue and
collaboration with her friend Narcisa Hirsch, a fellow German
émigré. In the 1970s Alemann became associated with a loose-
knit collective of fellow filmmakers in Buenos Aires which
included Hirsch, Claudio Caldini, Horacio Vallereggio, and
Juan Jose Mugni, among others. Because Alemann was often
an onscreen performer, she relied at times on Hirsch, Caldini,
and other filmmakers to operate her Super 8 camera. Yet all of
her films are in many ways - visually, aurally, and thematically
- very much her own. An important distinguishing feature
of her films is her exploration of cinematic performance.
Alemann often presented herself and other performers in
staged and improvised scenarios, populating urban and rural
spaces with odd, menacing, or humorous props and costumes,
and framing them within visual designs that ranged from
the decorative to the minimalistic. Alemann was especially
attentive to the camera’s ability to capture and transform a
performer’s bodily presence, and her focus on the corporeal is
evident throughout this program. Alemann’s legacy extends
to her work within institutions of culture, most prominently
the Goethe-Institut that was established in Buenos Aires in
1967. Thanks to both Alemann and Hirsch, the Goethe-Institut
became – for a while – a venue for screenings, workshops, and
discussions related to experimental cinema. FW
 255

Legítima defensa
Argentina, 1980 / 8’ / DM / B&N
D: Marie Louise Alemann

La más impactante de las exploraciones de Alemann sobre su rostro Alemann’s most striking exploration of her face as a mask –here,
como una máscara (aquí, una agresiva) y una conexión clave entre an aggressive one– and a key link between her cinema and her later
su cine y su posterior trabajo con la performance Butoh. Filmada por work with Butoh performance. Shot by Claudio Caldini.
Claudio Caldini.

Clasificando sensaciones
Argentina, 1974 / 18’ / Super 8 / Color
D: Marie Louise Alemann

“Distintas sensaciones en formulaciones visuales diferentes” “Different feelings in several visual formulations” (Alemann).
(Alemann). Se proyecta con música en vivo por Alan Courtis. Screened with a live music performance by Alan Courtis.

Alan Courtis
Nació en Buenos Aires en 1972. Es músico y fue miembro fundador del grupo Reynols. Actualmente
forma parte del colectivo francés L’Autopsie a révélé que la mort était due à l’Autopsie. Eng Born in Buenos Aires
in 1972, he is a musician and a founding member of the band Reynols. He is currently a member of the
French collective L’Autopsie a révélé que la mort était due à l’Autopsie.
PANORAMA Super 8 - 16mm

Autobiográfico 2 Escenas de mesa

Argentina, 1974 / 5’ / Super 8 / Color Argentina, 1979/ 7’ / DM / Color
D: Marie Louise Alemann D: Marie Louise Alemann

Una performance para la
cámara, filmada por Narcisa
Hirsch con mucho cuidado por
los detalles materiales, que
posibilita una liberación de los
límites físicos y mentales en un
bosque de Bariloche.
A performance for the camera,
shot by Narcisa Hirsch with
close attention to material
details, it allows for a liberation
from both physical and mental
bonds in a forest in Bariloche.
Una transformación del
ritual doméstico de la comida
comunitaria, con la típica
gelatina redonda de los años
70 en el centro. Una película
perdida, hoy solo disponible en
un transfer de VHS.
A transformation of the
domestic ritual of the
communal meal, with a classic
1970s-era gelatin ring at its
center. A missing film, now only
available in a VHS transfer.

Umbrales Sensación 77: Mimetismo

Argentina, 1980 / 19’ / DM / Color Argentina, 1977/ 8’ / DM / B&N
D: Marie Louise Alemann D: Marie Louise Alemann

Una exploración del cuerpo
expresivo masculino durante
una época represiva. Filmada
en Buenos Aires y París.
An exploration of the
expressive male body during
a repressive era. Filmed in
Buenos Aires and Paris.
Como secuela de su film anterior,
en este corto la cámara juega a
las escondidas con una Alemann
disfrazada. Ella parece estar
intentando desaparecer dentro
del follaje en el delta del Tigre,
un área donde se escondía
gente perseguida políticamente
durante la dictadura. Filmado
por Claudio Caldini, solo está
disponible en un transfer de VHS.
A follow-up to the previous film,
this short presents the camera’s
hide-and-seek game with a
disguised Alemann. She appears
to be attempting to disappear
into the foliage of the Tigre delta
region, an area where some
politically persecuted people hid
during the dictatorship. Filmed
by Claudio Caldini, available only
in a VHS transfer.

Marie Louise Alemann

Nació en Renania del Norte-Westfalia en 1927. Fue cineasta, periodista, fotógrafa y artista de performance. Contacto / Contact
Su primera película fue Yo veo conejos (1967). Realizó alrededor de 30 cortos hasta su último año de Federico Windhausen
producción cinematográfica en 1985. Murió en 2015 en Buenos Aires. Eng Born in North Rhine-Westphalia T +54 11 4554 8403
in 1927, she was a filmmaker, journalist, photographer, and performance artist. Her first film was Yo veo E fjw2031@nyu.ed
conejos (1967). She directed around 30 shorts until her last year of film production in 1985. She died in
Buenos Aires in 2015.
 257

Cuerpo Terremoto
Argentina, 2016/ 6’ / Super 8 / B&N Argentina, 2016/ 4’ / Super 8 / Color
D: Manuel Reyes M: Nina Righi D, M: Manuel Reyes

Película negativa en blanco A negative film in black and Found footage, intervenido y Found footage of a trip to the
y negro, inspirada en el texto white, inspired by Foucault’s pintado a mano, de un viaje a Iguazu Falls, intervened and
Cuerpo utópico de Foucault. text Utopian Body. las cataratas del Iguazú. hand-painted.

Interferencia Lenin
Argentina, 2016/ 3’ / Super 8 / B&N Argentina, 2016/ 5’ / Super 8 / Color
D, M: Manuel Reyes D, M: Manuel Reyes

Película pintada a mano con Hand-painted film with white Found footage deteriorado Deteriorated found footage
líneas blancas sobre fondo negro. lines over a black background. de un viaje a Rusia, que recorre of a trip to Russia with visits to
monumentos y paisajes. monuments and landscapes.

Manuel Reyes
Es Licenciado en Artes Multimediales, cineasta experimental, músico, y docente de cine y fotografía. Sus Contacto / Contact
obras audiovisuales fueron premiadas en los festivales de cine de Cipolletti y Río Negro Proyecta. Realizó Manuel Reyes
la obra Derrames (Performance audiovisual), presentada en el Museo Ernesto de la Cárcova, y en el Museo de T +54 9 11 5021 1278
Arte Moderno de Buenos Aires. Actualmente trabaja para la banda sonora del largometraje documental E manureyesl@
Comparsa. Eng He has a Bachelor’s Degree in Multimedia Arts and is an experimental filmmaker, gmail.com
musician, and film and photography teacher. His audiovisual works received awards at the Cipoletti and W manureyes.com.ar
Río Negro Proyecta film festivals. He made Derrames (Performance audiovisual), showed at the Ernesto de la
Cárcova Museum and Buenos Aires’ Museum of Modern Art. He is currently working on the soundtrack for
the documentary feature Comparsa.
PANORAMA Super 8 - 16mm

Desvío Naceré
Argentina / Uruguay, 2013 / 5’ / Super 8 / B&N Argentina, 2014 / 4’ / Super 8 / B&N
D: Marto Álvarez D: Marto Álvarez

Un viaje por las dos orillas. A journey along two shores. Vacilaciones previas a la Hesitations prior to existence,
existencia, durante las cuales during which the eye asks itself
el ojo se pregunta en qué parva in which heap it will be born.
nacerá. Homenaje a Luis. An homage to Luis.

Corina Puertas
Argentina, 2015 / 4’ / Super 8 / B&N Argentina, 2016 / 4’ / Super 8 / B&N
D: Marto Álvarez D: Marto Álvarez

Retrato del nacimiento, Portrait of the birth, peak and Puertas del mar. Misterios a ser Doors to the sea. Mysteries
apogeo y renacimiento de rebirth of Corina. develados por el ojo dispuesto. that will be revealed by the
Corina. keen eye.

Marto Álvarez
Nació en Buenos Aires en 1972. Estudió Diseño de Imagen y Sonido en la UBA, se capacitó en fotografía, Contacto / Contact
colorimetría, cine experimental y documental, y cursa una maestría en Periodismo Documental en la Filmo
UNTREF. Realiza cine experimental en Super 8, y exhibe individual y colectivamente en espacios culturales Marto Álvarez
y festivales. Eng Born in Buenos Aires in 1972, he studied Image and Sound Design at the UBA, trained T +54 9 11 5452 1409
in photography, colorimetry, experimental and documentary film. He is currently doing a Master’s in E marto@filmo.com.ar
Documentary Journalism at UNTREF. He makes experimental Super 8 films and shows them individually martoalvarez@gmail.com
and collectively in cultural spaces and festivals. W filmo.com.ar
 259

Liebig Infancia intervenida

Argentina, 2017 / 3’ / Super 8 / B&N Argentina, 2016/ 4’ / Super 8 / B&N
D: Ana Villanueva, Marto Álvarez M: Julián Petrina D: Ana Villanueva M: Julián Petrina, Diego Unk

Registro de un pueblo de Entre
Ríos, donde la naturaleza parece
ser cómplice de la historia de
una fábrica ya borrosa.
The filming of a town in Entre
Ríos where nature seems to be
an accomplice to the already
hazy history of a factory.
Recuerdos interiores
desordenados que intentan
conectarse con una infancia
intervenida. 322 fotos carnet
encontradas en Maipú 812.
Disorganized internal
memories that aim to connect
with an intervened childhood.
322 passport photos found in
812 Maipú St.

La fuente La mujer proyectada

Argentina, 2016/ 3’ / Super 8 / B&N Argentina, 2016/ 2’ / Super 8 / B&N
D: Ana Villanueva M: Julián Petrina D: Ana Villanueva M: Julián Petrina

Los puntos se unen para que
sea imposible salir del círculo,
pero un error en el código
permite la liberación.
Dots connect so there is no
chance of leaving the circle, but
an error in the code allows for
liberation.
La proyección de una mujer
recorre la casa de su infancia.
Las paredes son protagonistas
de esa historia personal. ¿Cuál
es la diferencia entre la imagen
de la mujer proyectada y la
propia mujer que proyecta? Las
imágenes se unen, hasta que
una de las dos decide rendirse.
A woman’s projection moves
through her childhood home.
The walls are the protagonists of
this personal history. What is the
difference between the image of
a projected woman and the very
woman who is projected? The
images unite, until one of them
decides to surrender.

Ana Villanueva
Nació en Buenos Aires en 1979, es artista visual e ingeniera. Su obra se compone de instalaciones, piezas Contacto / Contact
sonoras y películas en Super 8. Eng Born in Buenos Aires in 1979, she is a visual artist and engineer. Her Ana Villanueva
work consists of installations, sound pieces, and Super 8 films. T +54 9 11 5598 2795
E ana.rstp@gmail.com
W cargocollective.com/
AnaVillanueva
PANORAMA Super 8 - 16mm

Born to Be Blue
Argentina, 2016 / 7’ / 16mm / Color - B&N
D: Federico Lanchares

Un collage sobre el fin de las utopías conformado por material A collage about the end of utopias made with found footage from
encontrado de la década del 70 y película 16mm rayada e the ‘70s and scratched 16mm film stock intervened with solvents.
intervenida con solventes.

Metric Film
Argentina, 2017 / 2’ / 16mm / B&N
D: Federico Lanchares

Película que surge del encuentro entre la sucesión aritmética de A film born from the meeting between the Fibonacci sequence (13th
Fibonacci (siglo XIII) y el Método para hacer una infinidad de dibujos century) and Pere Dominique Doüat’s Method for Making an Infinity
diferentes con cuadrados de dos colores separados por una diagonal, del of Different Drawings with Two-Colored Squares Separated by a Diagonal
Padre Dominique Doüat (siglo XVIII). (18th century).

Federico Lanchares
Nació en La Plata en 1967. Programador de cine y cineasta amateur, se graduó en la Facultad de Bellas Artes de Contacto / Contact
la Universidad Nacional de La Plata. Vivió en Inglaterra, México y España, donde realizó estudios de posgrado. Federico Lanchares
Dirige la muestra Semana del Film Experimental de La Plata, desde su fundación en 2010. Eng He was born in La T +54 0221 566 1573
Plata in 1967. A film programmer and amateur filmmaker, he graduated from the Fine Arts Department of the E federico41@
National University of La Plata. He lived in England, Mexico and Spain, where he did post-graduate studies. He hotmail.com
has directed the La Plata Experimental Film Week exhibit since it was founded in 2010.
 261

Dá trilogía

Una metáfora que simboliza el movimiento de la naturaleza
misma. Conjunto que evoca lo simbólico, referente a
movimientos y rupturas dentro de la memoria, de donde la
raíz brota para conservar una extraña y pequeña armonía. Los
puntos de mira, los signos para guiar nuestro conocimiento
emergen bajo una secuencia de crecimiento, de luces que
evolucionan, crecen y ceden a la vez. Algunas sufren la misma
suerte y otras mueren.
A metaphor that symbolizes the movement of nature itself.
An ensemble that evokes the symbolic and refers to movements
and breakdowns within the memory, from where the root
sprouts in order to preserve some strange, small harmony. The
crosshairs, the signs that guide our understanding emerge
under a sequence of growth, of lights that evolve, grow and
suddenly yield. Some meet the same fate, and others die.

Reina Escofet
Nació en Argentina en 1974. Es artista visual y licenciada en Artes Visuales. Desarrolla su trabajo Contacto / Contact
en relación con la fotografía, el cine experimental y las artes gráficas. Dirigió Lo que fluye es sangre, Kaumodaki Films
Manos (todos en Super 8), Hilitos y Suavidad que canta, entre otros. Es docente de Arte Gráfico y Reina Escofet
Lenguaje Visual, y forma parte del colectivo de cine experimental Galáctica. Eng Born in Argentina T +54 9 11 6972 5745
in 1974, she is a visual artist and has a Bachelor’s Degree in visual arts. Working in photography, E reina.escofet@gmail.com
experimental film and graphic arts, she directed Lo que fluye es sangre, Manos (all in Super 8), Hilitos W reinaescofetmartinez.
and Suavidad que canta, among others. She teaches Graphic Art and Visual Language, and is part of tumblr.com
the experimental film collective Galáctica.

Argentina, 2013 / 9’ / Super8 / Color

D: Reina Escofet
PANORAMA Super 8 - 16mm

Valparaíso Copacabana
Argentina, 2016 / 7’ / Super 8 / B&N Argentina, 2016 /6’ / Super 8 / B&N
D, E: Guillermo Detzel D, E: Guillermo Detzel

Film que registra una estadía
muy breve en Valparaíso:
un recorrido por la bahía, el
puerto y el centro de la ciudad.
A film that captures a very
short stay in Valparaiso: a tour
around the bay, the port and
the city center.
Filmado en los festejos de
la Virgen de Copacabana
de la comunidad boliviana
en Tolosa, La Plata, durante
agosto de 2016.
Shot during the Virgen de
Copacabana festivities in the
Bolivian community of Tolosa,
La Plata, in August, 2016.

Parque
Argentina, 2016 / 7’ / Super 8 / B&N
D, E: Guillermo Detzel

Imágenes registradas durante el invierno 2016 y el verano 2017 en la Images shot in the winter of 2016 and the summer of 2017 in the
casa del director y en el Parque Saavedra de La Plata. director’s home as well as the Saavedra Park in La Plata.

Guillermo Detzel
Licenciado en Comunicación Social por la Universidad Nacional de La Plata, es cineasta amateur y Contacto / Contact
docente. Ha participado de muestras colectivas en museos de Buenos Aires, La Plata y Mar del Plata. Se Guillermo Detzel
desempeñó como operador de proyección, camarógrafo en televisión, asistente de cámara y asistente T +54 221 597 3733
de producción en distintos proyectos audiovisuales. Eng He received his Bachelors degree in social +54 221 453 4840
communication from the National University of La Plata, and is an amateur filmmaker and teacher. He E detzel2001@yahoo.com.ar
has taken part in collective exhibits at museums in Buenos Aires, La Plata and Mar del Plata. He has guillermo.detzel@
worked as a projection operator, television cameraman, camera assistant and production assistant in gmail.com
different audiovisual projects.
 263

Estados Alterados
—
Altered States

264 Did You Wonder Who Fired the Gun?

265 El mar la mar
266 Farewell
267 From a Year of Non-Events
268 Le Fort des fous
269 Noches de otoño
269 Niebla
270 Red Capriccio
270 Prototype
271 Aliens
271 Elementos
272 Farpões baldios
272 Jeunes hommes a la fenetre
273 Kosmos
273 La Bouche
274 Las expansiones
274 MLA
275 Où en êtes-vous, Jean-Marie Straub?
275 Plus Ultra
276 Fantasy Sentences
276 Scaffold
278 Alona
278 Diarios de niebla
279 Limbo
279 Los perros de Amudsen
279 Traces of the Inscribed
PANORAMA Estados Alterados — Altered States

Did You Wonder Who Fired the Gun?

¿Te preguntaste quién disparó el arma?
Conocido por ser uno de los cineastas que han asumido de
forma más clara que la vanguardia formal no puede serlo si no
es también una vanguardia política (y que lo contrario es puro
gesto vacío), Travis Wilkerson abandona la voz ficticia de sus
películas anteriores para abordar una historia profundamente
personal: la investigación en primera persona del legado de su
abuelo, un supremacista blanco que vivió toda su vida bajo la
sombra de haber asesinado, a sangre fría y sin haber pagado
por ello, a un hombre negro. Rodada en pleno apogeo de las
políticas extremistas y racistas de Donald Trump y quienes le
siguen el juego, y realizada adaptando una performance del
propio Wilkerson, Did You Wonder Who Fired the Gun? es una road
movie con tintes de terror que avanza por el lado más oscuro
del presente norteamericano y el legado latente de racismo,
desigualdad y violencia. Gonzalo de Pedro
Known for being one of the filmmakers that has taken on
most clearly the idea that the formal avant garde cannot be
“avant garde” if it is not also a political avant garde (and that
it is otherwise merely an empty gesture), Travis Wilkerson
abandons the fictional voice of his previous films to tackle a
profoundly personal history: the first person investigation of
the legacy of his grandfather, a white supremacist who lived
his whole life under the shadow of having murdered – in cold
blood and without having paid for it – a black man. Filmed at
the height of the extremist and racist politics of Donald Trump
and those who film his game, and directed by adapting one of
Wilkerson’s own performances, Did You Wonder Who Fired the
Gun? is a road movie with shades of terror that advances on the
darkest side of the U.S.’s present history and the latent legacy of
racism, inequality and violence. GP

Travis Wilkerson
Nació en 1969 en Colorado, Estados Unidos. Dirigió varios largometrajes; entre ellos, An Injury to One Contacto / Contact
(2002), Proving Ground (2009) y Machine Gun or Typewriter? (2015, 30° Festival). Además de la dirección CreaTive Agitation
Travis Wilkerson
se dedica a la crítica cinematográfica y la docencia en la Universidad de Colorado y en CalArts.
T +1 213 200 53494
Eng Born in Colorado, U.S., in 1969, he has directed many feature films including An Injury to One E exlow@mac.com
(2002), Proving Ground (2009) and Machine Gun or Typewriter? (2015, 30th Festival). Apart from W traviswilkersonfilms.com
directing, he is a film critic and teaches at the University of Colorado and CalArts.

Estados Unidos - USA, 2017 / 90’ / DCP / Color - B&N / Inglés - English
D, G, F, E, S, M, P: Travis Wilkerson
 265

El mar la mar
El Desierto de Sonora abarca la frontera entre Estados Unidos
y México. Son mesetas hermosas pero severas, vastas y áridas,
interrumpidas por montañas escarpadas. La tierra es seca, llena
de rocas, y solo soporta césped, matorrales y cactus. El terreno es
hostil, pero igualmente pasan por él todo tipo de cosas: cables
de electricidad, sistemas climáticos, trenes, murciélagos, ondas
electromagnéticas, helicópteros, cercas, gente. Algunas de estas cosas
se ven y otras solo se oyen, emergiendo del acople que lleva el viento
o en las voces en off que hablan de cruces de frontera, resistencia,
sufrimiento; todo deja rastros. El hecho de mirar cómo cada vez
más facetas del paisaje son escarbadas y acumuladas es un proceso
similar a la inmersión, a ser llevado por el fluir de las asociaciones y
sensaciones evocadas por este lugar, sus torbellinos, sus corrientes. Es
como dice el poema: un paisaje desconocido pero innegable, cautivo
de la sombra y de la luz, un océano atravesado por barcos con quillas
pesadas y a toda vela, el mar, la mar. James Lattimer
The Sonoran Desert straddles the border between the US
and Mexico. It’s beautiful yet severe, vast, arid plateaus broken
up by jagged mountains. The soil is dry, strewn with rocks, it
only supports grass, scrub and cacti. The terrain is harsh, but all
manner of things pass through it nonetheless: electric cables,
weather systems, trains, bats, radio waves, helicopters, fences,
people. Some of these things are seen and some only heard,
emerging from the feedback carried on the wind or in the
voiceovers that tell of border crossings, endurance, suffering;
everything leaves a trace. Watching as ever more facets of the
landscape are mined and collected is a process akin to immersion,
akin to being swept along by the flow of associations and
sensations conjured up by this place, its eddies, its currents. It’s
like the poem says: a landscape unknown, yet certain, in thrall as
much to shadow as to light, an ocean traversed by ships with full
sails and heavy keels, the sea, the sea. JL

J.P. Sniadecki & Joshua Bonnetta

J.P. nació en 1979 en Michigan, Estados Unidos. Dirigió los documentales People’s Park (2012, 27° Contacto / Contact
Joshua Bonnetta & J.P. Sniadecki
Festival), Yumen (2013) y The Iron Ministry (2014), entre otros. Joshua nació en 1979 en Canadá. Es T +1 269 267 2335
director, editor, productor y compositor. El mar la mar es su primer largometraje documental como E jpsniadecki@gmail.com
director. Eng J.P. was born in Michigan, U.S., in 1979. He directed the documentaries People’s
Park (2012, 27th Festival), Yumen (2013) and The Iron Ministry (2014), among others. Joshua was
born in Canada in 1979. He is a director, editor, producer and composer. El mar la mar is his first
documentary as a director.

Estados Unidos - USA, 2017 / 94’ / 16mm / Color - B&N / Inglés / Español - English - Spanish
D, F, E, S: Joshua Bonnetta, J.P. Sniadecki
PANORAMA Estados Alterados — Altered States

Farewell
Abschied Von Den Eltern / Adiós
Novelista, dramaturgo, artista y cineasta, Peter Weiss se
destaca como una de las figuras artísticas más importantes
del idioma alemán en el siglo XX. En su novela autobiográfica
Aschied von der Eltern, describe el peripatético de sus comienzos
y sus primeras incursiones en la creación artística, enmarcadas
como una lucha para escapar tanto de los hechos históricos
como de las riendas de su familia. La ópera prima de Astrid
Johanna Ofner adapta la novela de Weiss; el texto completo
de la película viene de la novela y el escritor suele aparecer
como voz en off, pero por momentos es leído en cámara por
un actor que lo interpreta. En cada cuadro, uno siente la mano
personal de su creadora, especialmente a través de la imagen
impresionista en Super 8, pero también en la manera en
que Ofner filma los poco apreciados cuadros de Weiss y sus
documentos personales. Mark Peranson
Novelist, playwright, artist and filmmaker, Peter Weiss stands
tall as one of the German language’s main artistic figures of
the 20th century. In his 1961 autobiographical novel Abschied
von den Eltern, he describes his early peripatetic and his initial
forays into artistic creation, framed as a struggle to escape both
historical events and the reins of his family. Astrid Johanna
Ofner’s first feature adapts Weiss’ novel; the entirety of the film’s
text comes from Weiss’ novel and is often spoken as voiceover,
but sometimes read on camera by an actor depicting the young
Weiss. In every frame, one feels the personal hand of its creator,
foremost through impressionistic Super 8 photography, yet also
in the way Ofner films Weiss’ underappreciated paintings and
his personal documents. MP

Astrid Johanna Ofner

Nació en 1968 en Linz. Estudió filosofía, dirección, fotografía y estudios sobre realización en Contacto / Contact
distintos países de Europa. Trabajó como actriz teatral y protagonizó Antígona (1991) de Jean-Marie Austrian Film Comission
Straub y Danièle Huillet. Dirigió los cortos Savannah Bay (1989), Ins Leere (1993), Jetzt und alle Zeit (1993) Anne Laurent
T +43 1 5263 3230
y Sag es mir Dienstag (2007). Eng She was born in 1968 in Linz, and studied philosophy, film directing, E festivals@afc.at
photography, and film directing studies in several European countries. She worked as a stage W abschied-von-den-
actress and starred in Jean-Marie Straub and Danièle Huillet’s Antigone (1991). She directed the short eltern.at
films Savannah Bay (1989), Ins Leere (1993), Jetzt und alle Zeit (1993) and Sag es mir Dienstag (2007).

Austria, 2017 / 78’ / DCP / Color - B&N / Alemán - German

D, P: Astrid Johanna Ofner G, E: Astrid Johanna Ofner, Hans Hurch F: Astrid Johanna Ofner, Peter
Roehsler CP: trotzdemfilm, Little Magnet Films, Nanookfilm I: Sven Horst, Lawrence Tooley, Anna
Conradi, Nora Conradi, Coline Cisar
 267

From a Year of Non-Events

Aus Einem Jahr der Nichtereignisse / En un año sin eventos
Willi vive solo en una granja en el norte de Alemania. Ahí hay
muebles viejos, superficies cubiertas con papel y chucherías;
relojes, gatos y telarañas; fotografías, vidrios sucios de ventanas y
polvo; manzanas del año pasado. Afuera hay pollos, sillas plásticas
de jardín, construcciones anexas, bancos cubiertos de musgo;
ortigas, amargones, briznas de césped; árboles y prados salvajes
que se unen con el paisaje a lo lejos. Willi tiene casi noventa años.
Los realizadores lo visitan durante un año y filman lo que ven, le
hablan, lo escuchan y documentan dos cosas a la vez: la rutina de
Willi y el proceso de ellos de registrarla. Las imágenes en celuloide
y pedazos de guía negra que hay entre ellas pueden ser de ahora,
pero también pueden ser de entonces. Este año es tan tranquilo
como todos los anteriores, pero igualmente pasan cosas: el sol se
mueve, el agua se congela y vuelve a derretirse, las plantan crecen y
se secan, las texturas cambian. Siempre hay cambio y siempre hay
repetición; entre ellos está la vida. James Lattimer
Willi lives alone on a farmstead in northern Germany. Inside,
there are pieces of old furniture, surfaces covered in papers
and knick-knacks; clocks, cats and cobwebs; photographs, dirty
window panes and dust; last year’s apples. Outside, there are
chickens, plastic garden chairs, outbuildings, moss-covered
benches; nettles, dandelions, blades of grass; trees and wild
meadows that join up with the landscape beyond. Willi is nearly
ninety years old. The filmmakers visit him over the course of a
year and film what they see, they talk to him, listen to him and
document two things at once, Willi’s routine and their own
process of capturing it. The celluloid images and pieces of black
leader between them may be from now, but they could be from
then. This year is as uneventful as all the others, but things
happen nonetheless: the sun moves, water freezes and melts
again, plants grow and die back, textures shift. There is always
change and there is always repetition; between them is life. JL

Ann Carolin Renninger & René Frölke

Ann nació en 1979 y estudió Estudios Culturales en Lipzig, Estrasburgo y París. Produjo varios Contacto / Contact
documentales e inició Joon Film, una plataforma de colaboración artística entre cineastas. René joon film
Ann Carolin Renninger
nació en 1978 en Alemania Oriental. Es montajista freelance, director de fotografía y realizador.
T +49 305 306 8445
Eng Ann was born in 1979 and studied Cultural Studies in Leipzig, Strasbourg, and Paris. She E ac@joonfilm.de
produced several documentaries, and started Joon Film, a platform for artistic cooperation in W joonfilm.de
filmmaking. René was born in 1978 in East Germany, and is a freelance editor, cinematographer,
and director.

Alemania - Germany, 2017 / 83’ / DCP / B&N / Alemán - German

D, F: Ann Carolin Renninger, René Frölke E: René Frölke P: Ann Carolin Renninger CP: joon film
PANORAMA Estados Alterados — Altered States

Le Fort des fous

La fortaleza de los locos
Estructurada en tres actos –y filmada en Argelia, en la isla Citerea y
en la Grecia posterior a la debacle económica–, Le Fort des fous cambia
de tonos y espacios temporales para crear un retrato contemporáneo
de los alcances del imperialismo, la historia y, por último, el
persistente trabajo que es la revolución. Desde el luminoso comienzo
–ambientado en una Argelia colonial donde los que están en el
poder hablan en una lengua enrevesada que solo ellos entienden–,
Mari cambia a una exploración, en registro documental, de un grupo
de utopistas que resisten la norma imperialista. En el capítulo final
Mari se inserta a ella misma en la película al entrevistar a anarquistas
y activistas en Grecia. Estas discusiones, filmadas en planos únicos y
fijos en un digital sucio, actúan como una decisión estética cargada
de política y cuestiona el rol que cumple el hecho de dar testimonio
y escuchar a la hora de convulsionar los patrones del pasado. Kiva
Reardon (Catálogo Festival de Toronto)
Structured over three acts –and filmed in Algeria, on Kythira
Island, and in post-economic-collapse Greece– Le Fort des fous
shifts tones and temporal spaces to create a contemporary
portrait of the far reaches of imperialism, history and,
ultimately, the dogged work of revolution. From its luminous
opening –a period piece set in colonial-era Algeria where those
in power speak in a muddled tongue only they understand–
Mari shifts to a documentary-style exploration of a band of
utopians who resist imperialist rule. In the final chapter, Mari
inserts herself into the film as she interviews anarchists and
agitators in Greece. These discussions, filmed in stationary
single takes in harsh digital, act as a politically charged
aesthetic choice that interrogates the role of bearing witness
and listening at the moment when the patterns of the past are
being disrupted. KR

Narimane Mari
Nació en Argelia en 1969. Produjo varias películas y dirigió el mediometraje Prologue (2007), la Contacto / Contact
serie de TV Scholars in the Land of Islam y el largometraje de ficción Loubie Hamra / Bloody Beans Centrale Electrique
(2013, 28ª Festival). Eng Born in Algiers in 1969, she produced several films and directed the Narimane Mari
T +33 651 602 909
medium-length film Prologue (2007), the TV series Scholars in the Land of Islam, and the fiction E narimanemari@
feature-length film Loubie Hamra / Bloody Beans (2013, 28th Festival). gmail.com

Francia / Argelia / Qatar / Grecia / Alemania - France / Algeria / Qatar / Greece / Germany, 2017 /
120’ / DCP / Color / Francés / Árabe / Griego / Inglés - French / Arabic / Greek / English
D, G, F, DA: Narimane Mari E: Narimane Mari, Corentin Doucet S: Antoine Morin M: Los Cousinos,
Cosmic Neman, Dr Schonberg P: Narimane Mari, Olivier Boischot, Fenia Cossovitsa, Mina Driouche,
Ann Carolin Reninger CP: Centrale Electrique, Blondes, Xenia Films, Joon Film I: Antoine Morin,
Rachid Haddad, Michel Haas, Thekla Gounaridi
 269

Noches de otoño — Autumn Nights

Argentina, 2017 / 66’ / DCP / Color
D: Flavia de la Fuente
P: Quintín (Eduardo Antin)
CP: Solita Films

Solita Films
Flavia de la Fuente
T +54 9 11 4024 8703
+54 9 11 2372 1959
E quinfla@fibertel.com.ar
flaviadelafu@gmail.com
/flavia.delafuente

“No me di cuenta de que había tantos grados de oscuridad”, dijo
alguna vez el cineasta Peter Hutton. Lo mismo podrán decir los
espectadores sobre Noches de otoño. Flavia de la Fuente vuelve a los
mismos espacios de su 15 días en la playa para registrar la caída de la
noche y las variaciones de la oscuridad, con imágenes tan placenteras
como misteriosas. Una vez más, Flavia se empeña en mostrar lugares
que nadie parece mirar (porque están ahí, a la vista: las casas, las
playas, el mar) y, con una paciencia en desuso, les dedica el tiempo
necesario para extraerles una belleza impensable. Marcelo Alderete
“I didn’t realize there were so many degrees of darkness,” filmmaker
Peter Hutton once said. This could also be said by the viewers of
Autumn Nights. Flavia de la Fuente returns to the same spaces from
her 15 Days at the Beach to document nightfall and the variations of
darkness, with images as pleasant as they are mysterious. Once more,
Flavia insists on showing places no one seems to look at (because
they are there, in plain sight: the houses, the beaches, the sea), and,
with an unusual patience, she devotes the time necessary to extract
some unimaginable beauty. MA

Niebla — Mist
Argentina, 2017 / 15’ / DCP / Color

D: Flavia de la Fuente
P: Quintín (Eduardo Antin)
CP: Solita Films

La niebla tiene un efecto curioso sobre el cine. Por un lado impide
la producción de esas imágenes que parecen artificiales a fuerza de
ser nítidas. Por el otro, la niebla le otorga a cada plano un carácter
misteriosamente narrativo. El placer de mirar el mar y la playa bajo
la niebla permite eludir el mundo cotidiano y sospechar la belleza
de lo incierto e inestable.
The mist has a curious effect on film. On one hand, it prevents the
production of those images that seem artificial by being sharp. On
the other, the mist provides each shot with a mysterious narrative
character. The pleasure of staring at the sea and the beach under
the mist allows one to escape the everyday world and suspect the
beauty of the uncertain and the unstable.

Flavia de la Fuente
Nació en Buenos Aires. En 1991 cofundó y dirigió la revista El Amante. Fue programadora del Bafici. En
2012 comenzó a filmar películas con su pequeña cámara, como 15 días en la playa (2013), El paseo (2014)
y Los diarios de FF (2015, 30° Festival). Eng Born in Buenos Aires, in 1991 she co-founded and directed
the magazine El Amante, and later served as a programmer for the Bafici Festival. In 2012, she began
to shoot films with her little camera such as 15 días en la playa (2013), El paseo (2014) and Los diarios de FF
(2015, 30th Festival).
PANORAMA Estados Alterados — Altered States
Red Capriccio
Una película de found footage en 3D anáglifo
sobre las máquinas y el paisaje que intercala
movimiento con estasis, crescendos con glissandos
y rojos con azules. Sus tres movimientos retratan un
vehículo policial Chevy Caprice, la autopista Turcot
Interchange de Montreal y una pista de rave vacía.
Prototype — Prototipo
Con esta película polimorfa 3D de ficción, Blake
Williams continúa con la indagación estética
y filosófica que había explorado en sus cortos
experimentales. Evocando la historia de Orfeo de
forma libre y críptica, Prototype explora una gama
de dispositivos proto y metacinematográficos,
experimenta con ingeniosos métodos híbridos
creados por el propio Williams, y también hace
alusiones tecnológicas y estilísticas al diseño
narrativo multipantalla de Numéro deux, de Godard,
y la disposición escultural de los monitores en las
instalaciones del pionero del video Nam June Paik.
Andréa Picard (Catálogo Festival de Toronto)
Blake Williams
Nació en Houston, Texas, y actualmente trabaja, escribe y estudia en Toronto. Sus trabajos en video han
sido seleccionados en festivales internacionales como Toronto, Locarno, Nueva York y Oberhausen.
Eng Born in Houston, Texas, and currently works, writes, and studies in Toronto. His video work has
screened internationally at venues such as the Toronto, Locarno, New York, and Oberhausen film festivals.
Canadá - Canada, 2014 / 7’ / D,
E, S: Blake Williams P: Marco
Gualtieri CP: BM Films
An anaglyph 3D found footage film about
machines and landscape that interlaces motion
with stasis, crescendos with glissandos, and reds
with blues. Its three movements depict a parked
Chevy Caprice police vehicle, Montréal’s Turcot
Interchange, and an empty rave room.
Canadá / Estados Unidos -
Canada / USA / 2017 / 63’ / DCP
3D / Color
D, G, F, E, S: Blake Williams P:
Marco Gualtieri CP: BM Films
Contacto / Contact
BM Films
Blake Williams
T +1 647 918 3850
E blake.williams@utoronto.ca
W blakewilliams.net/
prototype-2017
With this polymorphous 3D fiction film,
Blake Williams continues the lines of aesthetic
and philosophical inquiry he explored in his
experimental shorts. Loosely and cryptically
evoking the story of Orpheus, Prototype
explores a range of proto- and meta-cinematic
devices, experiments with Williams’ own
inventive hybrid methods, and also makes
technological and stylistic allusions to the
multi-screen narrative design of Godard’s
Numéro deux and the sculptural arrangement of
monitors in the installations of video pioneer
Nam June Paik. AP (TIFF Catalog)
 271

Aliens
España - Spain, 2017 / 23’ /
DCP / Color - B&N / Español
- Spanish
D, G, P: Luis López Carrasco
F: Ion de Sosa E: Luis López
Carrasco, Sergio Jiménez
S: Jorge Alarcón I: Tesa Arranz

Figura clave de la escena madrileña en los 80 y
cantante de los Zombies, Tesa Arranz ha pintado
más de 700 retratos de criaturas extraterrestres.
Al confrontar las pinturas de la cantante con
sus recuerdos, poemas y diarios, Aliens retrata
el paisaje emocional dentro de la historia
española en el que la felicidad, los experimentos
pesadillescos y la alienación iban de la mano.
Contacto / Contact
OFF ECAM
Ismael Martín
T +34 915 121 060
E info@offecam.com
Tesa Arranz, a key figure in the 1980s Madrid
scene and singer of the Zombies, has painted
over 700 portraits of outer-space creatures.
Confronting the singer’s paintings with her
memories, her poems and diaries, Aliens depicts
the emotional landscape, in Spanish history,
where happiness, nightmarish experimentations
and alienation walked hand in hand.

Luis López Carrasco

Nació en Murcia en 1981. Es productor, director, escritor, y cofundador del colectivo audiovisual Los Hijos, cuyas
películas fueron reunidas en una retrospectiva en el 25º Festival. El futuro, su primer largometraje en solitario,
fue estrenado en el Festival Internacional de Cine de Locarno en 2013. Eng He was born in Murcia in 1981. He is a
producer, director, writer, and co-founder of the audiovisual collective Los Hijos, whose films were screened in a
retrospective held by the 25th Festival. His first solo film El futuro premiered at the 2013 Locarno film festival.

Elementos
Argentina, 2017 / 38’ / DM
/ Color - B&N / Español -
Spanish
D, G, F, E, S: Jorge Honik

Contacto / Contact
Jorge Honik
T +54 0294 449 3639
+54 9 0294 461 3236
E cuqui@
elbolson.com

La primera película de Honik en casi 40 años
explora la miríada de posibilidades del video digital
creando una analogía con los cuatro elementos de
la naturaleza. El quinto proyecta la esencia humana
como desecho, con un vaciadero que funciona como
metáfora de un medio capaz de producir imágenes
sin límite. Aaron Cutler & Mariana Shellard
Honik’s first film in nearly forty years explores
the myriad possibilities of digital video by
creating an analogy with the four natural
elements. The fifth element projects human
essence as waste, with a dumping ground serving
as metaphor for a medium capable of endless
production of images. AC & MS

Jorge Honik
Realizador de cine experimental en los años 60 y 70 en formato Super 8, y actualmente en video digital.
Dirigió varias películas; entre ellas, La mirada errante, Seis piezas breves y El inmortal (29ª Festival). Eng He
made experimental films in Super 8 in the 1960s and 70s, and currently works in digital video. He has
directed numerous films, among them, La mirada errante, Seis piezas breves and El inmortal (29th Festival).
PANORAMA Estados Alterados — Altered States

Farpões baldios — Barbs, Wastelands / Púas, baldíos

Portugal, 2017 / 25’ / DCP /
Color / Portugal - Portuguese
D, G, E, DA: Marta Mateus
F: Hugo Azevedo S: Olivier
Blanc, Hugo Leitão P: Joana
Ferreira, Isabel Machado
CP: C.R.I.M. I: Maria Clara
Madeira, Gonçalo Prudêncio,
Maria Catarina Sapata, José
Codices, Francisco Barbeiro

Contacto / Contact
En el siglo XIX, en los campos luminosos del Alentejo, In the 19th century, in the bright fields of the Portugal Film - Portuguese
luego de generaciones de hambre y miseria, los Alentejo and after generations of hunger and Film Agency
campesinos de Portugal iniciaron una valiente misery, Portugal’s peasants initiated a brave Filipa Henriques
lucha para mejorar las condiciones de trabajo. struggle to improve work conditions. The main T +351 918 538 364
Los personajes protagonistas de esta película, characters in this film, the resisters of this +351 968 373 970
resistentes de esta lucha, cuenta su historia en sus struggle, tell their story to new generations in E portugalfilm@
propias palabras a las nuevas generaciones, para their own words, in order to keep the memory of indielisboa.com
mantener viva la memoria del lugar. the place alive. prints@portugalfilm.org
W portugalfilm.org
Marta Mateus portugalfilm.org/film/
Nació en 1984 en Estremoz. Estudió Psicología en la Universidad Nova de Lisboa (NOVA - UCSH), y dibujo farpes_baldios
y fotografía en AR.Co. Trabajó como actriz y asistente de dirección. Eng Born in 1984 in Estremoz, Portugal,
she studied psychology at the Universidad Nova de Lisboa (NOVA - UCSH), and drawing and photography
at AR.Co. She has worked as an actress and director’s assistant.

Jeunes hommes a la fenetre

Young Men at Their Window / Los jóvenes en la ventana
Francia - France, 2017 / 18’ /
DCP / Color / Francés - French
D, G: Loukianos Moshonas
F: Mauro Herce E: Quentin
Maussang, Loukianos
Moshonas DA: Bertrand
Scalabre S: François Boudet
P: Emmanuel Chaumet
CP: AKA Productions, Le
Fresnoy Studio National des
Arts Contemporains I: Charles
Dugoujon, Quentin Maussang

Las réplicas digitales del mundo son, observadas con
la lupa de los programas de diseño y fotografía, poco
más que una nube de píxeles y ruido. A través del
diálogo entre dos trabajadores del diseño digital (el
nuevo lumpen-proletariado), el trabajo de Moshonas
retrata la distancia entre lo real y sus réplicas, y la
distancia entre el hoy y las políticas que decían estar
destinadas a cambiarlo. Gonzalo De Pedro
The digital replicas of the world are, when observed Contacto / Contact
with the magnifying glass of design and photography Ecce Films
programs, not much more than a cloud of pixels and Emmanuel Chaumet
noise. Through the dialog between two digital design T +33 142 583 714
workers (the new lumpenproletariat), Moshonas’ work E chaumet@eccefilms.fr
depicts the distance between reality and its replicas, as
well as the distance between today and the policies that
they said were destined to change it. GDP

Loukianos Moshonas
Nació en Atenas en 1985. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Lyon y en Le Fresnoy, en Lille. Dirigió
varios cortometrajes; entre ellos, Que rien de tout ceci (2009) y Manodopera (2016). Eng Born in Athens in
1985, he studied at the School of Fine Arts of Lyon and in Le Fresnoy, in Lille. He has directed numerous
short films, among them, Que rien de tout ceci (2009) and Manodopera (2016).
 273

Kosmos
Argentina, 2017 / 10’ / DM /
Color - B&N
D, G, DA, S, P: Narcisa Hirsch,
Rubén Guzmán, Robert Cahen
F: Narcisa Hirsch, Rubén
Guzmán, Robert Cahen, Clara
Frías E: Rubén Guzmán, Clara
Frías M: André Bon, Frédéric
Kahn, Franck Yeznikian CP: La
medina

Contacto / Contact
Este trabajo en video a tres manos cuenta This three-handed video work tells a sensorial La medin​a
una historia sensorial acerca de un universo en tale of a universe in simultaneous expansion ​​​Narcisa Hirsch, Rubén
simultánea expansión y decaimiento. De una and decay. In a manner reminiscent of Hirsch’s Guzmán, Robert Cahen
manera que remite a Hirsch y sus Inscripciones Inscripciones (2015), the Patagonia-shot Kosmos T +54 11 4307 4939
(2015), este corto filmado en la Patagonia evoca evokes a waltz between manifestation and the E topos7777@gmail.com
un vals entre la manifestación y lo no manifiesto. non-manifest. la.noforma@gmail.com
Aaron Cutler & Mariana Shellard AC & MS W narcisahirsch.com.ar

Narcisa Hirsch, Rubén Guzmán & Robert Cahe

Narcisa nació en 1928 en Berlín. Es cineasta experimental de larga trayectoria. Rubén es fotógrafo, profesor
e investigador universitario, curador y programador de medios audiovisuales. Robert nació en 1945 en
Francia. Trabaja en cine y TV desde 1972. Eng Born in Berlin in 1928, she is an experimental filmmaker with
a long trajectory. Ruben is a photographer, university professor and researcher, curator and programmer of
audiovisual media. Robert was born in France in 1945 and has been working in film and television since 1972.

La Bouche — La boca
Francia - France, 2017 / 19’ /
DCP / Color
D: Camilo Restrepo
G: Camilo Restrepo, Sophie
Zuber F: Guillaume Mazloum,
Cécile Plais E, S: Mathieu
Farnarier P: Helen Olive,
Martin Bertier CP: 5à7 Films
I: Mohamed “Diable Rouge”
Bangoura, Issiaga “Ella”
Bangoura, Raymond Camara,
Karamoko Daman, Mabinty
Kohn, Marie Touré
Todo cabe en el rostro, filmado en primer plano, de un Everything is possible in the face, shot in close-up,
músico que descarga todo su dolor acumulado sobre su of a musician who vents all his amassed pain upon
Contacto / Contact
bongó. En este corto concebido como un contraplano, his bongo. In this short film, conceived as a reverse
5à7 Films
o quizás como el lado B de un single de muchas shot, or maybe the B-side of a single with many faces
Helen Olive
caras –de su anterior cortometraje, Cilaos (2016)–, el –of his previous short, Cilaos (2016) –, Colombian
T +33 680 326 302
colombiano Restrepo vuelve a dar voz a los muertos, los director Restrepo gives voice to the dead, the
E heaolive@yahoo.co.uk
desaparecidos, los olvidados que interpretan un musical disappeared, the forgotten that perform a musical
contact@camilo-restrepo-
en ese no lugar donde las heridas no se curan si no es in that nowhere in which wounds are not healed but
films.net
cantando y bailando. Gonzalo de Pedro rather they are sung and danced. GDP
W camilo-restrepo-films.net
Camilo Restrepo
Nació en 1975 en Medellín, Colombia. Desde 1999 vive y trabaja en París. Dirigió varios largometrajes;
entre ellos, Tropic Pocket (2011) y Como crece la sombra cuando el sol declina (2014). Eng Born in 1975 in
Medellin, Colombia, he has been living and working in Paris since 1999. He has directed various feature
length films, among them Tropic Pocket (2011) and Como crece la sombra cuando el sol declina (2014).
PANORAMA Estados Alterados — Altered States

Las expansiones — The Expansions

Argentina / Alemania -
Argentina / Germany, 2017
/ 32’ / DCP / Color / Alemán /
Francés / Portugués / Español -
German / French / Portuguese
/ Spanish
D, S, P: Manuel Ferrari
F: Fernando Lockett, Manuel
Ferrari E: Hernán Hevia
S: Francisco Pedemonte
M: Osvaldo Golijov CP: Bunker
Cine/ma I: Jorge Alencar,
Andreas Bolm, Neto Machado,
Un recorrido por las notas escritas a raíz de la A journey through the notes written after the
Nicolas Mondon
conquista de una ciudad (de)nominada Buenos conquest of a city named Buenos Aires. “The
Aires. “Las expansiones” entendidas no solo expansions” understood not only geographically,
geográficamente, sino también como límite interno but also as an inner and outer limit. As starting Contacto / Contact
y externo. Como punto(s) de partida: los primeros point(s): the first ships that arrived on the coast of Bunker Cine/ma
barcos que arribaron a la costa del ilusoriamente the illusively named river “plate” from Europe. Manuel Ferrari
denominado río de “la plata” desde Europa. T +54 11 4551 1854
E lasexpansiones@
gmail.com
Manuel Ferrari
Es montajista, productor y cineasta. Fue uno de los realizadores del film colectivo A propósito de Buenos Aires
(2005) y dirigió Cómo estar muerto/Como estar muerto (2009) y Crónicas de Solitude (2015). Eng He is an editor,
producer and filmmaker. He was one of the directors of the film collective A propósito de Buenos Aires (2005)
and he directed the films Cómo estar muerto/Como estar muerto (2009) and Crónicas de Solitude (2015).

MLA
Argentina, 2017 / 4’ / DM /
Color - B&N /Español - Spanish
D, G: Paulo Pécora F: Paulo
Pécora, Sebastián Tolosa
E: Mariano Juarez S: Mariano
Juárez P: Paulo Pécora,
Fernando Domínguez
CP: Ríoabajo I: Marie-Louise
Alemann

Las películas autobiográficas de la artista experimental
alemana-argentina Marie Louise Alemann exploran
la performatividad y las capas del ser. El retrato que
Paulo Pécora hace de Alemann, registrado en 2013, le
rinde un cálido tributo. La figura de Alemann aparece
gradualmente de entre un mar de granos de Super 8 en
banco y negro, mientras su voz suave nos cuenta cómo
el cine se volvió parte de su vida. Aaron Cutler
Contacto / Contact
Ríoabajo
Paulo Pécora
The autobiographical films made by German-
T +54 9 11 6710 7998
Argentine experimental artist Marie Louise Alemann
E papecora@yahoo.com
explore performativity and layers of the self. Paulo
Pécora’s portrait of Alemann, recorded in 2013, pays
her loving tribute. Alemann’s figure gradually comes
into view from amidst a sea of black-and-white
Super 8 grains while her voice speaks gently about
how cinema entered her life. AC

Paulo Pécora
Nació en Buenos Aires. Es periodista y cineasta. Estudió en la Universidad del Salvador y en la
Universidad del Cine de Buenos Aires. Realizó varios largometrajes; entre ellos, El sueño del perro,
Marea baja y Amasekenalo. Eng Born in Buenos Aires, he is a journalist and filmmaker. He studied at
the Universidad del Salvador and the Universidad del Cine in Buenos Aires. He has made a number of
feature length films, among them El sueño del perro, Marea baja and Amasekenalo.
 275

Où en êtes-vous, Jean-Marie Straub? —

Where Are You, Jean-Marie Straub? ¿Dónde estás, Jean-Marie Straub?
Francia / Suiza - France /
Switzerland, 2016 / 10’ /
DCP / Color
D: Jean-Marie Straub
E: Christophe Clavert
I: Neguib, Kiwi

Contacto / Contact
BELVA Films GmbH
E straubhuillet@bluewin.ch

La película más reciente –¡pero no la última!– de Jean
Marie Straub, obra por encargo del Centro Pompidou
en ocasión de su retrospectiva Straub-Huillet de 2016,
es un sencillo film-diario rodado en Suiza. Bajo la cálida
luz del sol suizo y en un contexto de sonidos hogareños
cotidianos, Straub y su colaboradora Barbara Ulrich
se turnan para acariciar a uno de sus gatos, mientras
recuerdan a otro felino que permanecía en la falda de
Huillet durante la filmación de su corto sobre Arnold
Schöenberg. Ted Fendt
Commissioned by the Centre Pompidou in 2016 on
the occasion of their Straub-Huillet retrospective,
the most recent –but not the last!– film directed
by Jean-Marie Straub is a simple, diaristic film
shot in Switzerland. In warm Swiss sunlight and
a background of everyday household sounds,
Straub and his collaborator Barbara Ulrich take
turns petting one of their cats, recalling another cat
sitting on Huillet’s lap in their short film on Arnold
Schöenberg. TF

Jean-Marie Straub
Nació en Metz, Francia, en 1933. Junto a Danièle Huillet, realizaron films como Moses and Aaron (1968), Black
Sin (1988) y Antigone (1991). Tras la muerte de Huillet en 2006, dirigió Un conte de Michel de Montaigne (2012;
28º Festival) y Dialogue d’ombres (1954-2013; 29º Festival), entre otros. Eng He was born in Metz, France, in
1933. In collaboration with Danièle Huillet, he directed such films as Moses and Aaron (1968), Black Sin (1988),
and Antigone (1991). After Huillet’s death in 2006, he directed Un conte de Michel de Montaigne (2012; 28th Festival),
and Dialogue of Shadows (1954-2013; 29th Festival), among others.

Plus Ultra
España - Spain, 2017 / 13’ / DCP
/ Color / Español - Spanish
D, G, F, E: Helena Girón, Samuel
M. Delgado S: Juan Carlos
Blancas P: Jose A. Alayón,
Beli Martínez CP: El Viaje
Films, Filmika Galaika I: David
Pantaleón, Rubén Rodríguez,
María Isabel Díaz, Elena
Navarro, Mercedes Pintado
“Plus Ultra” es el lema del Estado español. Con él se “Plus Ultra” is the motto of the Spanish State. With
Contacto / Contact
alentaba a los navegantes a conquistar nuevas tierras, it, the navigators were encouraged to conquer
Helena Girón, Samuel M.
olvidando la advertencia de la mitología griega: Non new lands, forgetting about the warning of Greek
Delgado
terrae plus ultra (“No existe tierra más allá”). Canarias mythology: Non terrae plus ultra (“There is no land
T +34 616 546 885
–banco de pruebas de las tácticas utilizadas en la beyond”). The Canary Islands –testing ground for
E helenagiron@
colonización de América– se convierte en el escenario the tactics used in the colonization of America-
gmail.com
de una fábula sobre el territorio. becomes the stage for a fable about territory.
samuelmdelgado@
gmail.com
Helena Girón & Samuel M. Delgado W labandanegra.net
Sus trabajos indagan en las relaciones entre mitología y materialismo. Sus películas han tenido un amplio elviajefilms.com
recorrido en festivales internacionales, entre ellos Toronto, Locarno y Nueva York. Eng Their works focus
on the relationship between mythology and materialism. Their films have been widely screened at
international film festivals, including Toronto, Locarno and New York.
PANORAMA Estados Alterados — Altered States

Fantasy Sentences — Phantasiesätze / Frases de fantasía

Alemania / Dinamarca -
Germany / Denmark, 2017
/ 17’ / DCP / Color - B&N /
Ucraniano - Ukrainian
D, G, E: Dane Komljen
F: Jenny Lou Ziegel S: Simon
Apostolou M: Aaron Hemphill
P: Zsuzsanna Kiràly CP: Flaneur
Films

Hubo una vez un programa de radio conducido por
un hombre llamado Walter Benjamin. En una ocasión,
le pidió a una niña de 11 años que jugara un juego;
que tomara unas palabras al azar que él le decía y
formara frases. Las llamó “oraciones de fantasía”. Ahora,
imagínense jugando al mismo juego al revés y con
imágenes, no sonidos. ¿Pueden adivinar las palabras?
Recuerdo – Familia – Transición / Bosque – Aflicción -
Cemento / Zorro – Gato – Cine. James Lattimer
There was once a radio show presented by a man Contacto / Contact
called Walter Benjamin. One time, he asked an Flaneur Films
11-year-old girl to play a game, to take the random Zsuzsanna Kiràly
words he gave her and form phrases. He called E hello@
it “fantasy sentences”. Now, imagine playing flaneur-films.com
the same game in reverse but with images, not W flaneur-films.com
sounds, can you guess the words? Recollection – 232134862
Family – Transition / Forest – Affliction - Concrete /
Fox – Cat – Cinema. JL

Dane Komljen
Nació en 1986 en Yugoslavia. Estudió dirección de cine en la Facultad de Artes Dramáticas en Serbia, y arte
contemporáneo en Le Fresnoy, Francia. Dirigió varios cortometrajes y el largometraje All the Cities of the North
(2016, 32ª Festival). Eng Born in Yugoslavia in 1986, he studied film direction at the School of Dramatic Arts in
Serbia, and contemporary art in Le Fresnoy, France. He has directed various short films and the feature length
film All the Cities of the North (2016, 32nd Festival).

Scaffold
Canadá - Canada, 2017/ 15’ /
DCP / Color / Bosniano / Inglés
- Bosnian / English
D, G: Kazik Radwanski
F: Nikolay Michaylov E: Ajla
Odobasic DA: Zoe Koke
P: Daniel Montogomery,
Nikolay Michaylov, Kazik
Radwanski CP: MDFF I: Jasmin
Geljo, Igor Drljaca, Nicole
Fairbairn

Dos inmigrantes de Bosnia trabajan arriba de un Two Bosnian immigrants work on a scaffold Contacto / Contact
andamio pintando las paredes de una casa en la painting the walls of a house in the capital of La Distributrice De Films
capital de Canadá. No vemos sus rostros, pero sí Canada. We do not see their faces, but we do Serge Abiaad
sus manos que toman una brocha, sus pies que see their hands grabbing a paintbrush, their feet T +1 514 577 9389
suben escalones, un viejo que barre su vereda y climbing steps, an old man sweeping his sidewalk E serge@ladistributrice.ca
niños que caminan hacia su escuela tomados de and children holding hands on their way to W ladistributrice.ca
la mano. Bresson vive. Jaime Grijalba school. Bresson lives. JG ladistributrice.ca/
catalogue-films/scaffold
Kazik Radwanski 
Nació en 1985 en Toronto. Estudió cine en la Universidad de Ryerson. En 2008 cofundó la compañía de
producción MDFF. Dirigió los largometrajes Tower (2012) y How Heavy This Hammer (2015). Eng Born in
Toronto in 1985, he studied film at Ryerson University. In 2008, he co-founded the MDFF production
company. He directed the feature length films Tower (2012) and How Heavy This Hammer (2015).

PROGRAMA ESPECIAL RAFAeL RAMÍREZ / Special Program: Rafael Ramírez
Más nombres para R.R.
Los heterónimos son personalidades poéticas necesarias
para el arte incómodo, se manifiestan como el síntoma y
a la vez como el antídoto contra el determinismo de una
sociedad plagada de lógicas estúpidas y de gente aburrida.
Los heterónimos son esos cuerpos que trapichean información
en la frontera entre la realidad y la ficción. Aportan al creador
un diálogo interno y pacífico. En la medida en que acepta la
existencia de diversos mundos y les da forma a sus heterónimos,
resuelve las aparentes contradicciones de su ser.
Según me dicen, los heteronimistas vienen de Portugal. A saber
por qué. Lo voy a preguntar: Alberto Caeiro, Álvaro de Campos,
Ricardo Reis, María José y tantos otros. Hay más de setenta. Vaya
locura.
Sin embargo, en Cuba conocí a Mateo Mondeccai, traductor de
una inmensa producción literaria conocida como “Umbralismo”,
un misterio pendiente de resolver, un dolor de cabeza para
los agentes literarios. Fue él quien me presentó a R.R. y a sus
películas, tan arrebatadoras que me llevaron a Venus-Plutón.  took me to Venus-Pluto.
El cine de R.R. es como la constatación de un sueño que parecía
casi imposible: hacer ciencia ficción en Cuba. Así lo demuestra
su magistral Alona y otros títulos tan sugerentes como su
reciente Los perros de Amundsen. Si son documentales o no, si son
sueños o son hechos verdaderos, ¿qué más da? No se le puede
cuestionar al cine su eficacia al hacernos mejores personas y,
cómo no, los saludables heterónimos de otros.
Julius Maynard (a.k.a. Andrés Duque)
277
More Names for R.R.
Heteronyms are poetic personalities necessary for
uncomfortable art. They manifest both as the symptom of and
the antidote against the determinism of a society plagued with
stupid logics and boring people. Heteronyms are those bodies
that smuggle information in the border between reality and
fiction. They provide their creator with an internal, peaceful
dialog. To the extent that one accepts the existence of many
worlds and gives shape to heteronyms, one solves the apparent
contradictions of one’s being.
They tell me that heteronymists come from Portugal. Who
knows why. I will ask: Alberto Caeiro, Álvaro de Campos, Ricardo
Reis, María José and many others. There are more than seventy
of them. What madness.
However, in Cuba I met Mateo Mondeccai, translator of an
immense literary production named “Umbralism,” an unsolved
mystery, a pain in the neck for literary agents. It was he who
introduced me to R.R. and his films, so captivating that they
R.R.’s films are like the verification of a dream that seemed almost
impossible: making science fiction in Cuba. As shown by his
masterful Alona and other titles as intriguing as his recent Los perros
de Amundsen. Whether they are documentaries or not, whether they
are dreams of real events, what difference does it make. One cannot
question film about its effectiveness at turning us into better
people and, why not, the healthy heteronyms of others.
JM (a.k.a. AD)
PANORAMA Estados Alterados — Altered States

Alona
Cuba, 2016 / 13’ / DM / Color /
Inglés / Español - English /
Spanish
D: Rafael Ramírez G: Juan
Carlos Ortega, Rafael Ramírez,
Lisandra López F: Laura Sanz
E: Juan Carlos Ortega S: Jesús
Bermúdez M: Adrián Ronda,
Rafael Morante P: Alexis
Arencibia CP: EICTV

Los habitantes de una casa son estudiados por
una fuerza maligna. No parecen advertir su
destino, con la excepción de un anciano, quien
está seguro de que la culminación de su obra
maestra los salvará de lo inevitable.
A malignant force analyzes the people living
in a house. They don’t seem to notice their fate,
except for an old man who is sure that finishing
his masterpiece will save everyone from the
inevitable.

Diarios de niebla
Cuba, 2015 / 13’ / DM / B&N
D: Rafael Ramírez G: Lisandra
López Fabe F: Laura Sanz
E: Matteo Faccenda S: Jesús
Bermudez M: Rafael Ramírez,
Jesús Bermúdez P: Yamila M.
Montero CP: EICTV

Behamut Limited Corporation montó esta
película sobre los restos del material encontrado
en Ciudad Dzershinsky luego de su implosión. El
doctor James Cracker Fishboume se hizo cargo de
su aspecto estético.
Behamut Limited Corporation has edited this
film using the remaining materials found in
Dzershinsky City after it imploded. Doctor James
Cracker Fishboume was in charge of its aesthetic
aspects.

Rafael Ramírez
Se graduó en comunicación audiovisual en la Universidad de Artes de Cuba y estudió documental Contacto / Contact
en la EICTV. Dirigió numerosos cortometrajes, condujo la orquesta de jazz experimental The Rafael Ramírez
Royal Bakunin Orchestra, y publicó varios libros, incluido Purple Traffic, una traducción de poemas E herrakenaton@gmail.com
de Emily Dickinson. Actualmente está trabajando en su primer largometraje. Eng He graduated
Escuela Internacional de
in audiovisual communication at the University of Arts of Cuba and studied documentary at
Cine y Televisión (EICTV)
the EICTV. He directed several short films, conducted the experimental jazz orchestra The Royal Giselle Cruz
Bakunin Orchestra, and published several books, including Purple Traffic, a translation of Emily T +53 47 383 152
Dickinson’s poetry. He is currently working on his first feature film. E promocioninternacional@
eictv.co.cu
W eictv.org

Limbo
En una apartada región del país, una familia
transforma las acciones cotidianas en ritos. Su
existencia circular está centrada en el padre,
alrededor del cual el limbo de la nación ordena
sus formas.
Los perros de Amudsen
Un inspector que investiga accidentes
industriales escribe poemas con un método que
inventó él mismo. Su trabajo creativo separa su
mundo del de la gente que lo rodea.
Traces of the Inscribed — Indicios de lo inscrito
Una traducción-traición. Film que trata de asir el
hálito del poeta José Kozer y devolverlo a la nada.
La sección Estados Alterados está dedicada a la memoria de Hans Hurch.
279
Cuba, 2016 / 13’ / DM / Color /
Español - Spanish
D, F, E: Rafael Ramírez
G: Lisandra López S: Alejandro
Alonso Estrella, Jesús
Bermúdez
In a faraway region, a family tranforms everyday
actions into rituals. Their circular existence is
focused on the father, around whom the limbo of
the nation organizes its forms.
Cuba, 2017 / 27’ / DCP / Color
- B&N / Español / Inglés -
Spanish / English
D, G: Rafael Ramírez F: Elisa
Barbosa Riva E: Matteo
Faccenda S: Jesús Bermúdez
M: Rafael de Jesús R.
Betancourt CP: EICTV
An inspector who investigates industrial
accidents writes poems using a method he has
invented himself. His creative work separates his
world from that of those around him.
Cuba, 2017 / 5’ / DM / B&N /
Inglés / Español - English /
Spanish
D, F, E, S, P: Rafael Ramírez
A translation/treason. A film that tries to grasp
the breath of poet José Kozer and return him to
nothingness.
The section Altered States is dedicated to the memory of Hans Hurch.
Focos y
Retrospectivas
—
Focus and
Retrospectives
281

mardelplatafilmfest.com
 283

Ado Arrietta

285 Les Intrigues de Silvia Couski

286 Tam Tam
287 Flammes
288 Merlin
289 Belle Dormant
290 Le Crime de la toupie
290 La imitación del angel
290 Le Jouet Criminel
291 Le Château de Pointilly
291 Grenouilles
292 Kikí
292 Eco y Narciso
293 Vacanza permanente
293 Dry Martini
focos y retrospectivas ado arrietta — focus and retrospectives
ado arrietta

El cine de Ado Arrietta fue y es admirado por personajes
como Marguerite Duras, Jonas Mekas, Jean-Claude Biette,
Raúl Escari, Severo Sarduy, Enrique Vila-Matas, Pierre Léon y
Serge Bozon, entre otros. Sin embargo, su obra es una de esas
filmografías que aún se mantienen (casi) secretas, al menos por
este lado del mundo.
Arrietta comenzó su historia de amor con el cine de niño, en los
cineclubes de Madrid. En esta temprana educación informal,
descubrió primero el cine norteamericano y luego nombres
como Cocteau, Antonioni y Bresson. Luego, llegarían el teatro y
la pintura, hasta que su decisión de hacer películas derivó en la
compra de una cámara 16mm Kodak con la cual rodaría, junto
a un grupo de amigos, Le Crime de la toupie, film que marcaría el
nacimiento de Arrietta cineasta.
Tratar de describir su obra en este breve texto parece
imposible. Lotte Eisner, luego de ver una de sus películas,
comentó: “Nunca había visto una película como esta, hecha
con el material del sueño”.
Cineasta artesanal, alejado de escuelas, movimientos y
conceptos prefabricados de profesionalismo, Arrietta hizo su cine
como y cuando quiso. Alteró la ortografía de su nombre como
Adolfo, Adolpho, Adorfo, Udolfo, Udolpho, Alfo, Ado, e incluso
remontó sus obras, reduciéndolas en su duración con la idea
de que sean mejores, años después de haber sido estrenadas.
Un gesto que muestra a un artista (y a un arte) vivo, siempre
escapando de los peligros del aburguesamiento del artista
reconocido y de la admiración museística tan cara a los cinéfilos.
En palabras de Pierre Léon, otro cineasta de la misma estirpe:
“Arrietta es una ostra melancólica que filma sea como sea y sin
preocuparse por hacer obra o dejar huella; solo es consciente
de la felicidad fugitiva (no del placer) que ello procura: que
otros reúnan las perlas en collares. Arrietta filma parezca lo que
parezca porque la urgencia juega en la misma liga que la vida”.
Esa felicidad fugitiva de la que habla Léon es la que podrá
disfrutar el público en esta retrospectiva completa de la obra
de Ado Arrietta, que el Festival Internacional de Cine de Mar
del Plata se enorgullece en presentar. Cecilia Barrionuevo y
Marcelo Alderete
The cinema of Ado Arrietta was and continues to be
admired by such personalities as Marguerite Duras, Jonas
Mekas, Jean-Claude Biette, Raúl Escari, Severo Sarduy, Enrique
Vila-Matas, Pierre León and Serge Bozon, among others.
However, his work is one of those filmographies that is still kept
(almost) secret, at least in this part of the world.
Arrietta started his love story with cinema as a boy, in the film
societies in Madrid. During this early informal training, he
discovered American film first and then names like Cocteau,
Antonioni and Bresson. Later would come theater and painting,
until his decision to make films led to the purchase of a 16mm
Kodak camera with which he would shoot, with a group of
friends, Le Crime de la toupie, a film that would mark the birth of
Arrietta the filmmaker.
Trying to discover his work in this brief text seems impossible.
Lotte Eisner, after seeing one of his films, commented, “I have
never seen a film like this one, made with the stuff of dreams.”
An artisan of filmmaking, far removed from schools,
movements and prefabricated concepts of professionalism,
Arrietta made his films the way he wanted to and whenever
he wanted to. He altered the spelling of his name to Adolfo,
Adolpho, Adorfo, Udolfo, Udolpho, Alfo, Ado, and even reedited
his works, trimming down their running time with the idea
of improving them, years after their release. A gesture that
shows a living artist (and art), always escaping the dangers of
the gentrification of the renowned artist and the museum-like
admiration cinephiles are so fond of.
In the words of Pierre León, another filmmaker of the same
lineage, “Arrietta is a melancholy oyster who somehow manages
to film, unconcerned with building up an oeuvre or making his
mark, only aware of the fleeting happiness (not pleasure) that
it brings: let others string the pearls into necklaces. Arrietta
simply films, because urgency plays in the same league as life.”
That fleeting happiness León mentions will be enjoyed by the
audience of this complete retrospective of the work of Ado
Arrietta that the Mar del Plata International Film Festival is
proud to present. CB & MA

Ado Arrietta
Nació en Madrid en 1942. A los 22 años realizó su primera película. En 1967 se trasladó a París, donde
realizó gran parte de su obra. El cine de Arrietta continúa siendo una pasión secreta y discreta. Su
nombre debería mencionarse más a menudo al lado de algunos de sus hermanos cinematográficos:
Jean Eustache, Philippe Garrel, Jacques Rivette, Werner Schroeter, Andy Warhol, Kenneth Anger
o Jack Smith. Sus películas, como las de Jean-Claude Biette, Paul Vecchiali y Jean-Claude Guiguet,
siguen siendo un secreto dentro de la historia del cine. Eng Born in Madrid in 1942. When he was 22
he made his first movie. In 1967 he moved to Paris, where he did most of his work. Arrieta's cinema
continues to be a secret and a discreet passion. His name should be mentioned more often, alongside
some of his brothers in cinema: Jean Eustache, Philippe Garrel, Jacques Rivette, Werner Schroeter,
Andy Warhol, Kenneth Anger or Jack Smith. His films, like the ones by Jean-Claude Biette, Paul
Vecchiali or Jean-Claude Guiguet remain a secret within the history of cinema.

Les Intrigues de Silvia Couski
Les Intrigues de Sylvia Couski es un musical, o quizás un
cuento de hadas… Todo reducido a superficie como en las
pinturas de los Primitivos, como en los sueños, como en los
musicales… Una historia como pretexto para una serie de
retratos, y una serie de retratos como pretexto para una historia
inventada en una ciudad inventada (París), una ciudad de
travestis que intentan vivir la Belle Époque de las fiestas y el arte….
La película de Arrietta está hecha en París así que pensé que
era francesa y me sorprendió ver que una película francesa
filmara el mundo de los travestis, porque este tema ha sido
tabú en el cine francés moderno (nuevo). Luego, descubrí que
Arrietta era español, de Madrid, y que París era solo uno de
sus paraderos. Francesa o española, encuentro la película de
Arrietta cautivadora, informativa, entretenida y preciosa. Como
dije, su tema es la escena del travestismo en París, descrita con
la elegancia de Jack Smith, la franqueza de Andy Warhol y la
ternura de Arrietta. Saludo al poeta. Jonas Mekas
(Traducido por Manuel Asín para la edición Adolpho Arrietta.
Obras. 1966-2008 / Intermedio)
Francia - France, 1974 / 71’ / DCP / Color
D, P: Adolpho Arrieta G, F, E: Ado Arrietta I: Marie France, Javier Grandes, Gaëtane Gaël,
Michèle Moretti, Howard Vernon, Hélène Hazera, Costa Comnéne, Michel Cressolle, Michelle
Meyer, Severo Sarduy, Maud Molyneux, Miguel Angel de Yrazazabal
285
Les Intrigues de Sylvia Cousky is a musical comedy, or
maybe a fairy tale… Everything reduced to the surface as in the
paintings of the Primitive School, as in dreams, as in musical
comedies… A story as a pretext for a series of portraits, and
a series of portraits as a pretext for an invented story in an
invented city (Paris), a city of transvestites trying to relive the
Belle Époque of festivities and art.
Arrietta’s film was made in Paris so I thought it was French
and I was surprised to see a French film recording the world
of the transvestite because this subject has been a taboo in
modern (new) French cinema. Later I found out that Arrietta
was Spanish, from Madrid, and that Paris was only one of his
stations. French or Spanish – I found Arrietta’s film compelling,
informative, entertaining, and beautiful. As I said, its subject
is the Paris transvestite scene and it’s depicted with the flair
of Jack Smith, the directness of Andy Warhol, and the special
tenderness of Arrietta. I salute the Poet. JM
(Translated by Manuel Asín for the publication Adolpho Arrietta.
Works. 1966-2008 / Intermedio)
Contacto/Contact
Capricci Films
Julien Rejl
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ado arrietta

Tam Tam

Tam Tam quizás sea su mejor film: inolvidables escenas
iniciales en Nueva York en las que las cámaras de Mekas sirven
de soporte a un pequeño journal del escritor que es esperado en
París en una fiesta a la que nunca acudirá. Sarduy, que interviene
como actor en el film, ha manifestado en una entrevista
cardinal que lo que más le interesa en el cine de Arrietta es la
unidad que se utiliza en el trabajo, la unidad de escritura. Según
Sarduy, el cine, al menos hasta el underground, ha trabajado
siempre con grandes unidades, de relato, de intriga, de montaje,
de ficción. (…) "En Arrietta –continúa diciendo–, creo, y eso es
sensible sobre todo cuando actúa en sus películas, se pasa a una
unidad de trabajo aún más pequeña, que estaría al límite de la
articulación que produce el sentido. Lo que este dilata, hasta
constituir la materia prima misma del film, es algo que podría
llamarse escena, algo, en todo caso, interior a la secuencia. El
tiempo de la escena es el tiempo del film". Enrique Vila-Matas
(Extracto. Traducido por Manuel Asín para la edición Adolpho
Arrietta. Obras. 1966-2008 / Intermedio)
Tam Tam may be his best film: unforgettable opening scenes
in New York, in which Mekas’s cameras serve as a kind of
journal of a writer who is expected at a party in Paris that he
will never attend. In a significant interview, Severo Sarduy,
who acts in the film, says that what he finds most interesting
about Arrietta’s films is the unit that he works with, the unit
of writing. At least until the “underground”, according to
Sarduy, film has historically dealt with big units of narrative,
intrigue, editing, fiction. […] “With Arrietta,” he continues, “I
think we move to an even smaller unit of work, which is right
at the limit of the structure that produces meaning; this can
be sensed particularly when he acts in his own films. And the
element that he expands, so much so that it becomes the
actual material of the film, is what we could call a scene, or in
any case something smaller than a sequence. The time of the
scene is the time of the film." Enrique Vila-Matas
(Excerpt. Translated by Manuel Asín for the publication Adolpho
Arrietta. Works. 1966-2008 / Intermedio)

Francia - France, 1976 / 57’ / DM / Color Contacto/Contact

D, G, E, P: A. Arrietta F: Adolpho Arrietta, Bernard Avreux I: Javier Grandes, Maud Molyneux, RE:VOIR
Enrique Vila-Matas, Paquita Paquin, Severo Sarduy, Gaëtane Gaël, Costa Comnéne, Vicente Criado, Pip Chodorov
Hélène Hazera, Marcia Moreto, Mercedes Robidosa, Conchita Sitges, Serge Casado, Kate Manheim, T +33 0 954 225 111
Richard Foreman, Hollis Mekas E pip@re-voir.com

Flammes
Bárbara, una niña que tiene miedo a los truenos, traza con
su mano una sombra en la pared, la sombra de una silueta con
casco. Tras la tormenta sigue pensando en la silueta. Pasa el
tiempo. La niña ya mayor no teme el fuego y solo le gustan los
bomberos. Incluso esconde uno en su habitación. Normalmente
es el dragón quien vomita fuego, se lleva a la hija del rey, la
secuestra y un héroe viene a salvarla, pero aquí es la hija quien
secuestra a su salvador. Una noche, el edificio de Bárbara arde.
Nadie interviene. En cada piso que se quema, ¿es un amigo, un
ladrón, un padre… quien espera junto a la ventana, tan tranquilo?
No, solo un bombero que no puede intervenir, porque está ya
allí, en el interior, cautivo. (…) Si el bombero es, como todos
los héroes de Arrietta, una imitación del ángel, es porque no
hay amor sin disfraz ni seducción sin uniforme, ni incendio sin
salvadores frustrados: “todas mis películas cuentan la historia de
una perversión" (Arrietta). El incendio no está en la película, pero
yo lo veo como su perspectiva oculta, digamos como su verdad.
Cuando pasa un ángel, esto es lo que pasa: un incendio oculto.
Serge Bozon (Extracto de En llamas, en Cahiers du Cinéma,
nº 682, octubre de 2012. Traducido por Manuel Asín para
Adolpho Arrietta. Obras. 1966-2008 / Intermedio)
Francia - France, 1978 / 82’ / DCP / Color
D, G, E: Adolfo G. Arrietta F: Thierry Arbogast S: Fred Pardon, Claude Coiffier P: INA,
Adolfo G. Arrietta I: Caroline Loeb, Javier Grandes, Dionys Mascolo, Isabel García Lorca,
Pascal Greggory, Jeffrey Carey, Marilù Marini, Jaime Santiago, Paquita Paquin, Eloise Bennet,
Enrique Vila- Matas, Raúl Escari
287
Barbara, a little girl, afraid of thunder, traces a shadow on
the wall with her hand, the shadow of a helmeted silhouette.
Since the storm occurred, the silhouette has not left her
thoughts. When the girl has grown up, she no longer fears fire
and only likes firemen. She even hides some in her bedroom.
Usually, the dragon spits fire, grabs the king’s daughter, holds
her hostage, and a hero comes to rescue her. Here it is the
girl who sequesters her rescuer. One night Barbara’s building
catches fire. Nobody intervenes. On each burning floor, is it a
friend, a thief, a relative...who calmly waits near the window?
No, just a fireman who cannot intervene, because he is already
there, on the inside, captive (…) If the fireman is, like all
Arrietta’s heroes, an imitation of the angel, it is because there
is no love without disguise, no seduction without a uniform,
no fire without trapped rescuers. “All my films tell a story of
perversion.” (Arrietta) The fire is not in the film, but I see it
as his hidden perversion, in other words, his truth. When an
angel passes, that is what happens: a hidden fire. Serge Bozon
(Excerpt from On Fire, in Cahiers du Cinéma, #682, october 2012.
Translated by Manuel Asín for Adolpho Arrietta. Works. 1966-
2008 / Intermedio)
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ado arrietta
Merlín
Quien tiene genio no está libremente encerrado en una
lámpara esperando aumentar de tamaño en el viento; calla y
trabaja, entregando pacientemente trozos de la historia cuyo
ensamblaje final conoce ya; tener genio es verdaderamente
recurrir a él, tomarle prestado, jugar con él para “rehacerse”:
es, de algún modo, más científico. (…) Adolpho Arrietta es un
genio; si lo dudan vayan a ver Merlín. Merlín es un genio que
tiene genio. No sé si viene de Cocteau o de la Mesa Redonda,
o de la interpolación de sus lecturas, pero con Arrietta el
cuento (no el teatro) besa en la boca a la leyenda, y apenas
nos reconocemos. Digamos más bien que la magia teatral,
casi infantil, de Cocteau, su juego con los dobles y su alegre
sincretismo encuentran en Arrietta no un exégeta entusiasta o
un copista escrupuloso sino un aprendiz inventor, un pillastre
tan serio como un antipapa, un perfecto Ginifer, finalmente,
ese demonio al que Merlín “tiene el poder de dar la forma que
quiera y manejar a su antojo”. Pierre Léon
(Extracto de Comme un guetteur mélancolique, publicado en
Cinéma, nº 11, primavera de 2006. Traducido por Manuel Peláez
para Adolpho Arrietta. Obras. 1968-2008 / Intermedio)
España - Spain, 1990 / 58’ / DM / Color
D, G, E, P: Udolfo Arrietta F: Carlos Gusi DA: María Elena S: Ibiriku CP: Ruedo Films, Udolfo Arrieta
I: Francis Lorenzo, Clara Sanchis, Gonzalo Armero, Javier Grandes, Udolfo Arrieta, Gabriel Moreno,
Martín Puente, Angélica Barea
An ingenious person is not freely ensconced in a lamp
hoping to grow in the wind. He works quietly, patiently
delivering pieces of the story, already cognizant of the final
assemblage. Being ingenious means really drawing on it,
borrowing it, playing with it in order to be “remade”: it is more
scientific in a sense. (…) Adolpho Arrietta is a genius. If you have
any doubts, watch Merlín. Merlin is a genius who is ingenious.
I don’t know if whether it comes from Jean Cocteau or from the
Round Table, or from the interpolation of his readings, but with
Arrietta the story (not the play) kisses the legend on the lips,
and is almost a stranger. Better still, we could say that Cocteau’s
theatrical, almost childish magic, his play with doubles and gay
syncretism, is met by Arrietta not as a lover of exegesis or an
unscrupulous copyist, but in the guise of an apprentice inventor,
a scoundrel as serious as an antipope, ultimately as the perfect
Ginifer, that demon that Merlin “has the power to change into any
form and train as he pleases.” PL
(Excerpt from Like a Melancholy Watchman, published in Cinéma,
#11, Spring 2006. Translated by Manuel Peláez for Adolpho
Arrietta. Works. 1968-2008 / Intermedio)
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Belle Dormant
Por alguna extraña razón, los cuentos y el cine nunca
han congeniado del todo. Es como si el cine hubiera tenido
que inventar sus propios cuentos, su propia mitología, y en un
tiempo récord. Arrietta ha sabido hacerlo como nadie. En todo
ese tiempo, ha aprendido dos cosas para reconciliar a estos
amantes desde siempre enfadados. La primera: un cuento en el
cine tiene que tener algo cinematográfico. Y aquí son muchas
cosas: la representación borgeana de un reino que vive dentro
de otro, solo que dormido e invisible, es una de ellas. El hecho
de que ese mundo esté inmóvil y, por lo tanto, que capturarlo
en fotografía sea inútil para dar testimonio de él es algo aún
mayor. ¿Cómo lograr que un cuento funcione en cine? Haciendo
que necesite el cine. Segunda lección aprendida: ¿y si en el cine
los cuentos no funcionan porque no los cuentan los niños, o
porque, a menudo, no los cuentan para niños? Jugando a contar,
Arrietta ha conseguido amigos dispuestos a jugar con él, y entre
ellos brilla la niña eterna Ingrid Caven. Fernando Ganzo
Francia - France, 2016 / 82’ / DCP / Color
D: Ado Arrietta F: Thomas Favel E: Ado Arrietta S: Mathieu Descamps M: Benjamin Esdraffo,
Ronan Martin CP: Paraiso Productions, Pomme Hurlante Films et Hellish Producciones
I: Niels Schneider, Agathe Bonitzer, Mathieu Amalric,
Ingrid Caven, Serge Bozon
289
For some strange reason, stories and cinema never got
along very well. It’s as though cinema had to invent its own
stories, its own mythology, and in record time. Arrietta knew
how to do it like no one else. All that time, he has learned
two things two reconcile those lovers that have always been
mad at each other. The first one: a story in film has to have
something cinematic. And here, there are many things: the
Borgean representation of a kingdom living inside another
kingdom, only dormant and invisible, is one of them. The
fact that that world is motionless and, therefore, capturing it
photographically is useless in order to give testimony of it is a
greater one. How does one make a story work on film? Making
it need film. Second lesson learned: and what if, on film, stories
don’t work because they’re not told by children or because
they’re usually not told by children? In his game of storytelling,
Arrietta has found friends willing to play with him, and among
them shines the eternal child Ingrid Craven. FG
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Que los ángeles pasen
“Un día tuve un sueño”, dice el narrador de Le Crime de la toupie,
un sueño que no difiere del resto sino por un cambio de escenario.
Estamos, de pronto, en el campo o en un jardín, un ángel pasea, o al
menos es un hombre joven que se envolvió en una sábana blanca y
cortó alas de cartón con tijeras (como otros lo harán más adelante
en La imitación del ángel y Le Jouet Criminel); luego, otro muchacho
se pone un sombrero mientras que un tercero está amordazado y
atado a un árbol (al igual que Jean Marais, en la primera escena de Le
Jouet Criminel): pareciera ser un sueño erótico… Difícil decir con qué
plano concluye esta secuencia onírica, ya que en Arrietta el sueño
no es contradictorio con el estado de vigilia: dormidos o no, la vida
no es más que un incesante ensueño. La imitación del ángel y Le Jouet
Criminel abolirán cualquier distancia entre el cineasta y el soñador,
logrando restituir como pocas películas “la materia del sueño”. Estas
son también las películas más eróticas de Arrietta, el sueño como
una forma pura de deseo, el deseo en estado bruto, todavía flotante
e indeciso. Imagino que el chico de Le Crime de la toupie habrá soñado
bastante con los serafines y jugado un tiempo largo con el trompo
hasta controlar todos los hechizos, para lograr que los giros del
juguete revelen casi de inmediato un ángel travieso detrás de su
hombro. El trompo es el objeto al cual se aferra la ensoñación, una
posible definición del cine en la medida en que la ensoñación es
la intersección del sueño y de la vida, la brecha del deseo, allí por
donde los ángeles incursionan. Y Arrietta y sus personajes no piden
nada más que eso: estar entre los ángeles. Marcos Uzal
(Extracto de Toupie or not toupie - Publicado en revista Vértigo, nº 39,
invierno de 2011)
Le Crime de la toupie —
El crimen de la pirindola
España - Spain, 1965 / 18’ / DM / B&N
D, G, F, E, P: A. Arrietta I: Javier Grandes
La imitación del angel
España - Spain, 1967 / 21’ / DM / B&N
D, G, F, E, P: A. Arrietta
I: German Portillo,Fernando Mora, Javier Grandes
Le Jouet Criminel
Francia - France, 1969 / 37’ / DM / B&N
D, G, F, E, P: A. Arrietta I: Jean Marais, Florence Delay,
Javier Grandes, Jean-Charles Tisson, Michèle Moretti,
Philippe Bruneau, Sylvain Godet, André Julien
Let the angels come inside
“One day I had a dream,” says the narrator of Le Crime de la toupee,
a dream that doesn’t differ from the rest of his dreams except for a
change in scenery. Suddenly, we are in the country or in a garden. An
angel is walking, or at least it is a young man who covered himself
in a white blanket and cut of cardboard wings with scissors (as
others would do later in La imitación del ángel and Le Jounet Criminel);
later, another young man wears a hat while a third one is gagged
and tied to a tree (like Jean Marais in the first scene of Le Jouet
Criminel): it seems like an erotic dream… It’s hard to say which shot
ends this dream sequence, because in Arrieta’s cinema, sleep isn’t
contradictory with wakefulness: asleep or not, life is no more than an
endless fantasy. La imitación del ángel and Le Jouet Criminel will abolish
any kind of distance between the filmmaker and the dreamer,
managing to restore “the matter of sleep” like few other films. These
are also Arrietta’s most erotic films, dreams as a pure form of desire,
desire in a brutish state, still floating and indecisive. I imagine the
boy in Le Crime de la toupie must have dreamt quite a bit with seraphs
and played for quite a long time with the spinning top until he
gained control of every spell, so that the top’s spinning would almost
immediately reveal a naughty angel over his shoulder. The spinning
top is the object the dream state clings to, a possible definition of
film insomuch as the dream state is the intersection between sleep
and life, the breach of desire, there where the angels penetrate. And
Arrietta and his characters ask for no more than that: to be among
the angels. MU
(Extract from Toupie or not toupie – Published in issue nº 38 of Vértigo
magazine, winter, 2011)
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Le Château de Pointilly
Una muchacha habla de su infancia, vemos algo
de lo que dice: una niña que ríe. Que sueña bajo
una gran mesa de despacho. Que dibuja, dibuja
un castillo de leyenda sobre el que escribe: castillo
de Pointilly. Por encima de la niña que dibuja, hay
alguien. Alrededor de la niña, sobre su mirada, por
todas partes a su alrededor, alguien. Una sombra.
Esa sombra está ahí desde el comienzo. Alguien
vela por la niña. Sombra muda, de naturaleza
lejana, y presente: el padre. Pointilly representa
lo que, precisamente, nunca será alcanzado en la
vivencia. Es la tumba de lo imposible, la edad de
oro de la fusión original, la noche autista, es cierto,
pero de todos los dioses sin exceptuar uno solo.
Marguerite Duras (Extracto de Comme un
guetteur mélancolique - Publicado en Le Monde
extérieur, Outside 2, París: POL, 1993. Traducido
por Manuel Serrat Crespo para Adolpho Arrietta.
Obras. 1966-2008)
Grenouilles
“Pues está rodada en las ruinas de Empùries,
en la Costa Brava, en Catalunya, durante un mes
de agosto; figúrate cómo estaba la playa en ese
momento, llena de veraneantes. Fue el rodaje
más caótico que te puedes imaginar”, explicaba
en una entrevista Ado Arrietta. De ese caos surgió
Grenouilles, un film de espías, playa y venganza que
el crítico Frédéric Majour define como tourneriana
en su relación con el negro y la noche. “Pensemos
en la larga escena de la piscina, que evoca a La mujer
pantera. Pensemos, también, en esos hombres
rana, salidos de alguna desconocida Atlántida, tal
como los hombres pez del último film de Tourneur,
War Gods of the Deep / The City Under the Sea”.
291
Francia - France, 1972
39’ / DM / B&N
D, G, F, E, P: A. Arrietta
I: Françoise Lebrun,
Dionys Mascolo, Javier Grandes,
Virginie Mascolo
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A young woman talks about her childhood. We see
something of what she is talking about: a little girl
laughing, who is dreaming under a large desk, who
is drawing, drawing a castle from a legend under
which she writes: château de Pointilly. From above
the child who is drawing, there is someone. Around
the little girl, above and out of her view, all around
her, someone. A shadow. Right from the start this
shadow is there. Someone is watching over the
child. A mute shadow, of a far-away nature, and
present: the father. Pointilly represents what, in fact,
will not be attained in that which is experienced. It
is the tomb of the impossible, the golden age of the
original fusion, the autistic night, admittedly, but of
all the gods with the exception of none.
MD (Excerpt from Comme un guetteur mélancolique,
published on Le Monde extérieur, Outside 2, París:
POL, 1993. Translated by Manuel Serrat Crespo for
Adolpho Arrietta. Works. 1966-2008)
Francia - France, 1984
35’ / DM / Color
D, G, E: A. Arrietta
F: Claude Michaud
S: Jean-Pierre Laforce,
Jean-Pierre Fénie P: INA,
Les Films du Passage, Gonzalo
Cores I: Pascal Greggory,
Eva Ionesco, Javier Grandes,
Élizabeth Bourgine, Anne
Wiazemsky, Jean-Louis Vitrac,
Adolfo Arrieta
“Well, it was shot in the Empùries ruins, in Costa
Brava, in Catalonia, during the month of August.
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Imagine the beach at that time of the year,
RE:VOIR
filled with summer vacationers,” Ado Arrietta
Pip Chodorov
explained in an interview. From that chaos came
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Grenouilles: a film about spies, a beach and
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revenge that critic Frédéric Majour defines as
tourneurian in its relation with the color black
and the night. “Let us consider the long pool
scene, which evokes Cat People. Let us also think of
those frog men that seem out of some unknown
Atlantis, just like the fish men in Tourneur’s last
film: War Gods of the Deep / The City Under the Sea.”
focos y retrospectivas ado arrietta — focus and retrospectives
ado arrietta
Kikí
“Kikí se hizo para una serie (Delirios de amor) que
hacía Luis Eduardo Aute, y el rodaje fue muy
agradable. Había una libertad absoluta y yo me
sentía muy, muy cómodo y estaba encantado
de hacer una película en un estudio, porque
cambia completamente la idea del espacio.
Había un apartamento dentro de un estudio, y en
realidad el decorado era mucho más grande de lo
necesario, para tener más libertad de movimiento
con la cámara. Esa es la idea del decorado
cinematográfico. Yo lo encontré muy divertido
y apasionante. Kikí está basada en Colette (La
Chatte, 1933). Es el nombre de un gato.” Ado
Arrietta (Extracto de Sobre los ángeles, entrevista
realizada por Alberte Pagán)
Eco y Narciso
Eco y Narciso son, ante todo y en lo que concierne
a Arrietta, la expresión del deseo. Si escuchamos
con atención, es con la palabra “amor” repetida
por Eco que Narciso desaparece. Si miramos con
atención, es en rosa roja que él se metamorfosea.
Ni “adiós” ni narciso. Lo que se pone en juego acá
no es otra cosa que la pasión. Si el cine de Arrietta
tiene que ver con el universo de la infancia, el de
los cuentos de hadas, su mirada sobre el mundo
no tiene evidentemente nada de infantil, aunque
quede teñida por esa inocencia que caracteriza a
la infancia, como en el cine de Jacques Tourneur.
Frédéric Majour (Extracto de Les Règles du jeu -
Publicado en revista Vértigo, nº 39, invierno de 2011)
España - Spain, 1989
22’ / DM / B&N
D, G: Adorfo Arrietta
F: Jaime Peracaula E: Roberto
Fandiño DA: Javier Fernández
S: Goldstein & Steinberg
CP: Televisión Española
I: Clara Sanchis, Javier Grandes,
Costa Comnéne, Miriam
de Maeztu, Anthony Blake,
Gonzalo Armero
“Kikí was made for a series (Delirios de amor)
by Luis Eduardo Aute, and the shoot was very Contacto/Contact
pleasant. There was absolute freedom and I RE:VOIR
felt very, very comfortable and was delighted Pip Chodorov
to be making a film at a studio, because the T +33 0 954 225 111
idea of space changes completely. There was an E pip@re-voir.com
apartment inside the studio, and actually the set
was much larger than it needed to be, to have
more freedom when moving the camera. That is
the idea of a film set. I found it fun and exciting.
Kikí is based con Colette (La Chatte, 1933). It is the
name of a cat.” AA (Extract from Sobre los ángeles,
an interview performed by Alberte Pagán)
España - Spain, 2003
19’ / DM / Color
D, G, E: Ado Arrietta
F: Angel Luis Fernández
S: Luis Marmol I: Sylvia
Riolobos, Julio Montejo,
Stefan Weinert, Regina
Degiorgis, Carlos Marrero,
Enrique Sarasola, Guadalupe
Marcote, Sonia Gara
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Eco and Narciso are, above all and as far as RE:VOIR
Arrietta is concerned, the expression of desire. If we Pip Chodorov
listen closely, it is with Eco’s repetition of the word T +33 0 954 225 111
“love” that Narciso disappears. If we look closely, it E pip@re-voir.com
is a red rose that he is transformed into. Not into
a “goodbye” or a narcissus. What is at stake here is
nothing other than passion. In spite of Arrietta’s
cinema having to do with the childhood universe,
that of fairytales, his view of the world has, of
course, nothing to do with childhood, even though
it’s tinted by that innocence that is characteristic of
childhood, like the films of Jacques Tourneur. FM
(Extract from Les Règles du jeu – Published in issue
#39 of Vértigo magazine, winter 2011)

Vacanza permanente
Vacanza permanente es, sin duda, la película más
áspera de Arrietta. Se siente el esfuerzo, pero es
también ese mismo esfuerzo el que emociona
cuando uno conoce el resto de su obra. Como si
entráramos en su laboratorio, para observarlo
buscando la gracia en los objetos más banales,
lo posible en algunas caras y gestos disparadores
de ficción en algunas conexiones, los fantasmas
sobre una pantalla de televisión (un ángel
de Cocteau, el Dorian Gray de Albert Lewin):
“Deléitame”, parece susurrar el cineasta sobre
todo aquello que filma. Marcos Uzal (Extracto de
Toupie or not toupie - Publicado en revista Vértigo,
nº 39, invierno de 2011)
Dry Martini — Buñuelino cocktail
Me propusieron hacer un documental sobre
Buñuel para el extra de un DVD, y lo que hice fue
tomar un texto de Buñuel en el que habla del
alcohol y el tabaco. Es un texto muy divertido en
el que habla de lo que a él le parecía el alcohol y
el tabaco, le encanta fumar y le encanta beber. La
película es sobre todo el texto de Buñuel sobre
fondo negro, y de vez en cuando hay una imagen,
una ilustración. Le llamo Dry Martini porque
Buñuel explica muy bien lo que es un dry martini
y él mismo había inventado una receta para el dry
martini que se llamaba buñuelino. Ado Arrietta
(Extracto de Sobre los ángeles, entrevista realizada
por Alberte Pagán)
293
España - Spain, 2006
29’ / DM / Color
D, G, F, E, S, P: A. Arrietta
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Vacanza permanente is, undoubtedly, Arrieta’s
roughest film. One can feel the effort, but it is
also that very effort that moves you when you
experience the rest of his work. As though we
had entered his lab and watched him looking
for humor in the most banal of objects, what is
possible in some faces and gestures that trigger
fiction through certain connections, the ghosts on
a television screen (an angel by Cocteau, Albert
Lewin’s Dorian Gray): “Delight me,” the filmmaker
seems to whisper about everything he films. MU
(Extract from Toupie or not toupie – Published on
issue 39 of Vértigo magazine, winter 2011)
España - Spain, 2008
7’ / DM / Color
D, G, F, S: Adorpho Arrietta
E: Mauro Ruvolo
I: Donatello Fumarola
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It was proposed to me to make a documentary
about Buñuel for a DVD extra, and what I did was
use a text by Buñuel in which he talked about
alcohol and tobacco. It is a very amusing text in
which he talks about what he thought of alcohol
and tobacco: he loves to smoke and he loves to
drink. The film is, mostly, Buñuel’s text on a black
background, and from time to time there is an
image, an illustration. I call it Dry Martini because
Buñuel explains very well what a dry martini is
and he himself had invented a recipe for a dry
martini called ‘buñuelino. AA (Extract from Sobre
los ángeles, interview performed by Alberte Pagán)
 295

Claude Lelouch

297 Una chica y los fusiles

298 Un hombre y una mujer
299 Los unos y los otros
300 Chacun sa vie
focos y retrospectivas claude lelouch — focus and retrospectives
claude lelouch

Claude Lelouch tenía apenas 28 años cuando el Festival
Internacional de Cine de Mar del Plata lo premió como Mejor
Director por Una chica y los fusiles (1965).
Al año siguiente, llegó una andanada de premios por Un hombre
y una mujer: la Palma de Oro en Cannes, dos Oscar y muchos
otros premios en todo el mundo. Vivir por vivir, en 1967, marcó
su vuelta a Mar del Plata, donde ganó el premio a Mejor Actriz
para Annie Girardot.
Desde entonces, la prodigiosa carrera de Lelouch incluyó más
de 59 largometrajes como director, 47 de ellos basados en sus
propios guiones. Pero los premios fueron pocos. Y pasó de ser
mimado por la crítica (fue alabado hasta por Cahiers du Cinéma)
a un cineasta que muchos críticos no tomaban muy en serio. El
encono era mutuo; una vez afirmó: “Un día haré una película
para los críticos, cuando tenga dinero para perder”.
Y sin embargo resulta innegable que Claude Lelouch ha tenido
éxito haciendo películas por más de medio siglo, películas que
constantemente conectan con su público fiel, y cada tanto lo
trascienden. Además, es difícil pensar en una estrella francesa
de los últimos cincuenta años que no haya trabajado en al
menos un film de Lelouch.
Una vez, un célebre director de fotografía que trabajó en
películas de autores como Corneau, Fuller, Rivette, Tavernier
y Truffaut (y un par de films recientes de Lelouch) comentó lo
siguiente: “Nadie le da crédito a Lelouch por esto, pero él quizás
sea el único cineasta realmente independiente de Francia”. Por el
éxito comercial de sus films, no necesita depender de los fondos
del Estado o la TV del que todo el mundo depende.
Démosle la bienvenida, entonces, a este tenaz e ingenioso
cineasta que vuelve al escenario de sus primeros triunfos,
apenas después de su cumpleaños número 80, el 30 de octubre.
¡Viva Claude!
Claude Lelouch was only 28 when the Mar del Plata
Film Festival named him Best Director for The Decadent
Influence (1965).
The next year, a veritable flood of awards for A Man and a
Woman: the Palme d’Or at Cannes, two Oscars, and a host
of other awards worldwide. Live for Life in 1967 marked his
return to Mar del Plata, where it won the Best Actress Prize
for Annie Girardot.
Since then, Lelouch’s prodigious career includes 59 more
films as director, 47 of them based on his own screenplays.
But awards – only a trickle. And he went from being a critics’
darling (even Cahiers du Cinema once sang his praises), to
becoming a filmmaker whom many critics found it hard
to take seriously. The scorn was mutual – he famously
remarked, “One day I’ll make a film for the critics, when I
have money to lose.”
Yet it’s an undeniable fact that Claude Lelouch has for over half
a century succeeded in making films, which consistently appeal
to his faithful core audience – and once in a while, beyond it. In
addition, it’s hard to think of a French film star of the past fifty
years who hasn’t appeared in at least one Lelouch film.
A celebrated cinematographer of films by such esteemed
auteurs as Corneau, Fuller, Rivette, Tavernier and Truffaut (and
of a pair of Lelouch’s later films) once commented, “Nobody
gives Lelouch credit for it, but he can be considered the only
real independent filmmaker in France.” Because of the financial
success of his films, he doesn’t have to rely on the funding from
the state or from TV that everybody else depends on.
So let’s welcome this tenacious and inventive filmmaker as he
returns to the scene of his earliest triumphs, only a short time
after his 80th birthday on October 30.
Viva Claude!

Claude Lelouch
Nació en París en 1937. Su comedia Una chica y los fusiles (1965) ganó el premio a la Mejor Dirección
en el 8º Festival. Con Un hombre y una mujer (1966) fue galardonado con la Palma de Oro en Cannes y
el Oscar a la Mejor Película Extranjera. Eng Born in Paris in 1937, his comedy The Decadent Influence
(1965) won the award for best direction at the 8th Festival. With A Man and a Woman (1966) he won
the Gold Palm at Cannes and the Oscar for Best Foreign Language Film.
 297

Una chica y los fusiles

Une fille et des fusils / The Decadent Influence

Como lo hacían varios realizadores franceses que por
aquellos años 60 estaban dando sus pasos iniciales en el cine,
Claude Lelouch declaraba de manera bastante explícita sus
intenciones en sus películas. En este caso, contando la historia
de un grupo de trabajadores parisinos tan influenciados por los
westerns y las películas de gánsteres que deciden convertirse
en los criminales que hasta ese momento solo admiraban en la
pantalla, copiando sus habilidades (desde el combate hasta el
póker) e intentando hacer sus propios golpes delictivos. Entre
un elenco mayormente joven, se encuentran en sus primeros
papeles futuras figuras como Jean-Pierre Kalfon y Pierre Barouh.
El film cruzó el Atlántico para ser proyectado en la octava
edición de este mismo Festival, en la que se llevó el premio a la
Mejor Dirección.
Like many French filmmakers who, during the ‘60s,
were taking their first steps in film, Claude Lelouch declared
his intentions behind his films quite explicitly. In this case,
telling the story of a group of Parisian workers so influenced by
westerns and gangster movies that they decide to become the
criminals that, until then, they had only admired on the screen.
Copying the criminals abilities (from combat to poker), the
workers attempt to pull off their own crimes. In a mainly young
cast, we find some early roles by future figures such as Jean-
Pierre Kalfon and Pierre Barouh. The film crossed the Atlantic to
be screened at the eighth edition of this festival, where it took
home the award for Best Director.

Contacto/Contact
Les Films 13
Tia Sackda-Sananikone
E tia.sackda@lesfilms13.com
Francia - France, 1964 / 90’ / DCP / B&N / Francés - French W lesfilms13.com
D: Claude Lelouch G: Claude Lelouch, Pierre Uytterhoeven F: Jean Collomb E: Claude Barrois, /claudelelouch.officiel
Claude Lelouch M: Pierre Vassiliu P: Claude Lelouch, Felix C. Ziffer CP: Les Films 13, Les Films de la @lelouchofficiel
Pleiade I: Janine Magnan, Jean-Pierre Kalfon, Pierre Barouh, Amidou, Jacques Portet, Betty Beckers claudelelouch
focos y retrospectivas claude lelouch — focus and retrospectives
claude lelouch
Un hombre y una mujer
Un homme et une femme / A Man and a Woman
Las imágenes siguen vívidas. ¿Cómo podríamos olvidar
la clásica saga romántica de Claude Lelouch sobre amantes
desventurados en las orillas de Deauville, que triunfó en el
Festival de Cannes en 1966 y se llevó dos premios Oscar, a Mejor
Película Extranjera y Mejor Guion? Ahí estaba el Mustang rojo
claro de Jean-Louis Trintignant, que desafiaba el tiempo y el
espacio para cruzar Francia a toda velocidad con rumbo al
balneario y hacia los brazos de Anouk Aimee. Hay una escena
sensual, conmovedora e incómoda en la habitación de hotel
Deaville en la que Anne rechaza a Jean-Louis porque todavía
no terminó de aceptar la muerte de su marido un año atrás.
Y aquel inolvidable final en la estación de tren, con los dos
amantes girando sobre el andén al compás de la canción de
Francis Lai, que fue aún más famosa que la película; el himno de
una generación.
Francia - France, 1966 / 102’ / DCP / Color - B&N / Francés - French
D, F, P: Claude Lelouch G: Claude Lelouch, Pierre Uytterhoeven E: Claude Barrois, Claude Lelouch
DA: Robert Luchaire M: Francis Lai CP: Les Films 13 I: Anouk Aimée, Jean-Louis Trintignant,
Pierre Barouh, Valérie Lagrange, Antoine Sire
The images remain vivid. How could we forget Claude
Lelouch's classic romantic saga of star-crossed lovers embraced
on the shores of Deauville, which topped the Cannes Film
Festival in 1966 and grabbed 2 Oscars, for Best Film in a
Foreign Language and Best Screenplay. There was Jean-Louis
Trintignant's bright red Mustang, which defied space, time and
inclement weather to speed across France to the beach resort
and into the arms of Anouk Aimee. There was the sensual,
touching, awkward scene in the Deauville hotel room, when
Anne repulses Jean-Louis because she has not yet come to grips
with her husband's death a year earlier. And the unforgettable
ending at the train station, with the two lovers whirling around
the platform to the strains of Francis Lai's song, which became
even more famous than the film, a theme song of a generation.
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 299

Los unos y los otros

Les Uns et les autres / Within Memory

Un viaje épico a través del tiempo, los países y las historias
de cuatro familias, marcadas principalmente por la Segunda
Guerra Mundial y unidas por el idioma universal de la música.
La ambición de Lelouch aquí atraviesa el desafío de semejante
premisa con tanta valentía como ingenio: la dirección y el
montaje hacen su trabajo manteniendo la fluidez de un
argumento que se extiende por tres horas y con múltiples
ramificaciones que terminan convergiendo. Todo ese esfuerzo
prepara el terreno para el lucimiento avasallante de la
fotografía, la banda sonora (a cargo de Francis Lai y Michel
Legrand) y la monumental coreografía del final con el Bolero de
Ravel, ideada por Maurice Béjart, y con la presencia del bailarín
estrella de su compañía, el argentino Jorge Donn.
An epic journey through the times, the countries and the
histories of four families, marked centrally by World War II
and linked through the universal language of music, Lelouch’s
ambition here overcomes the challenge of such a premise with
equal amounts of bravery and inventiveness. The direction and
editing keep the flow of a three-hour narrative with multiple
plot lines that end up converging. All that effort paves the
way for the overwhelming showcase of the photography, the
score (by Francis Lai and Michel Legrand) and the monumental
closing choreography with Ravel’s Bolero, conceived by Maurice
Béjart and with the presence of the star dancer of his company,
Argentinian Jorge Donn.

Contacto/Contact
Les Films 13
Tia Sackda-Sananikone
Francia - France, 1981 / 180’ / DCP / Color / Francés - French E tia.sackda@lesfilms13.com
D, G: Claude Lelouch F: Jean Boffety E: Sophie Bhaud, Hugues Darmois DA: Jean-Louis Povéda W lesfilms13.com
S: Jean-Pierre Lelong M: Francis Lai, Michel Legrand P: Claude Lelouch, Narcissa Van der Lip @lelouchofficiel
CP: Les Films 13, TF1 Films Production I: Robert Hossein, Nicole Garcia, Géraldine Chaplin, /claudelelouch.officiel
James Caan, Jacques Villeret claudelelouch
focos y retrospectivas claude lelouch — focus and retrospectives
claude lelouch

Chacun sa vie
Everyone's Life / Cada uno con su vida

En la película más reciente de Lelouch, un festival de
jazz llega a la ciudad de Beaune, que será el escenario de
los enredos y complicaciones amorosas de doce hombres y
doce mujeres (un cóctel de estrellas francesas, desde Jean
Dujardin y Johnny Hallyday hasta Julie Ferrer y Marianne
Denicourt), captados por el reconocido pulso de Lelouch para
sostener la fluidez de estructuras narrativas complejas, intacto
a los ochenta años y con más de cuarenta largometrajes
en su haber. La generosidad del director con cada historia
narrada le permite abordar con soltura los malentendidos,
tabúes y prejuicios que siguen dominando nuestras vidas
románticas actuales, además de permitirse ciertos lujos con
las interpretaciones, como contar con el enorme Hallyday
haciendo de sí mismo y de un doble suyo.
In Lelouch’s most recent film, a jazz festival arrives to the
city of Beaune, which will be the backdrop to the amorous mix-
ups and complications of twelve men and twelve women (a
cocktail of French stars, from Jean Dujardin and Johnny Hallyday
to Julie Ferrer and Marianne Denicourt), captured by Lelouch’s
famous ability for handling complex narrative structures,
which is still intact after eighty years of life, with more than
forty features under his belt. The director’s generosity in every
story allows him to tackle, with skill, the misunderstandings,
taboos and preconceptions that still dominate our current
romantic lives, apart from treating himself with some of the
performances, as is the case with the great Hallyday playing
himself and his own imitator.

Contacto/Contact
WestEnd Films
Francia - France, 2017 / 113’ / DCP / Color / Francés - French Alex Pye
D: Claude Lelouch G: Grégoire Lacroix F: Robert Alazraki DA: Bernard Warnas S: Jean Gargonne, T +44 207 494 8300
Harald Maury M: Laurent Couson, Francis Lai, Dimitri Naiditch P: Jean-Paul De Vidas, E info@westendfilms.com
Samuel Hadida, Victor Hadida, Claude Lelouch CP: Les Films 13, Davis Films, France 2 Cinéma W westendfilms.com
I: Éric Dupond-Moretti, Johnny Hallyday, Nadia Farès, Jean Dujardin, Christophe Lambert @WestEndFilms_UK
 301

Maurice Pialat

303 L'Enfance Nue

304 Loulou
305 Sous le soleil de Satan
306 Van Gogh
focos y retrospectivas Maurice Pialat — focus and retrospectives
maurice pialat

“Sepan que, si yo no les gusto, ustedes tampoco me gustan
a mí”. La manera en que el cineasta francés Maurice Pialat
agradeció su Palma de Oro a Sous le soleil de Satan en el Festival
de Cannes en 1987 se volvería legendaria, en gran medida
porque graficaba muy bien esa extraña posición que el director
de A nos amours, fallecido en 2013, ocupaba en el panteón
francés: tan popular como rabiosamente antipopulista, una
figura en constante tensión con la maquinaria del cine y el
universo que lo elevaba a ese pedestal.
Alguna vez llamado el Cassavetes francés, Pialat se distinguió
del resto de sus contemporáneos con retratos tan crudos
como piadosos. “Lo que entiendo como realismo va mucho
más allá de la realidad… El cine transforma lo sórdido en algo
maravilloso, convierte lo ordinario en excepcional”, le dijo
alguna vez a la revista Cahiers du Cinéma.
Cabe preguntarse si los nombres más relevantes del cine francés
actual (Desplechin, Denis, Dumont) no serían otros si no
hubiera existido, antes de este realismo elíptico que se ha vuelto
canon, aquella sedición manifiesta de Pialat con respecto a las
suturas narrativas, una idea de representación poderosa y al
mismo tiempo inasible.
Tan fragmentada como lo son las vidas de las personas, una
película de Pialat es un tren a toda velocidad con estallidos
súbitos e incidentes descontextualizados, con saltos que
pueden durar segundos, o años, y con personajes que pueden
simplemente aparecer en pantalla, sin introducción alguna.
Una idea del cine humilde, no omnisciente, de una bella
imperfección hecha especialmente para nosotros, espectadores
imperfectos.
“Know that if you do not like me, I do not love you either.”
French director Maurice Pialat’s way of offering his thanks for the
Palma de Oro awarded to his Under the Sun of Satan, at the 1987
Cannes Film Festival, became legendary, in large part because
it made powerfully clear this strange position that the director
of To Our Loves, who passed away in 2013, occupied in the French
pantheon: as popular as he was rabidly anti-populist, a figure of
the film world who was in constant tension with the machinery
of the cinema and the universe that placed it on a pedestal.
Once called the French Cassavetes, Pialat distinguished himself
from his contemporaries with portraits that were as crude as
they were pious. “What I understand by realism goes beyond
reality… The cinema transforms what is sordid into something
marvelous, it makes the ordinary exceptional,” he once said to
the film magazine Cahiers.
It is enough to wonder if the most relevant names of
contemporary French cinema (Desplechin, Denis, Dumont)
would be different if he had not existed, faced with that
elliptical realism that has become canonic, Pialat’s revolt
made manifest with respect to the narrative sutures, an idea
of representation that is as powerful as, at the same time, it
is elusive.
Deliberately as fragmentary as our friends’ real lives are to
us, a film by Pialat is a runaway train with sudden explosions
and decontextualized incidents. Jump cuts can span seconds
or years, primary characters can simply appear on the screen
without being “introduced”. An idea of a humble cinema, not
omniscient, and of a beautiful imperfection made especially for
us, the imperfect spectators.

Maurice Pialat
Nació en Cunlhat, Francia, en 1925. Estudió Artes Plásticas, luego se dedicó al teatro y después
al cine. Tras una serie de cortometrajes, debutó con L’Enfance nue (1969). Entre su filmografía se
destacan A nuestros amores (1983, exhibida en el 27º Festival) y Sous le soleil de Satan (1987, Palma de
Oro en Cannes). Murió en 2003. Eng Born in Cunlhat, France in 1925, he studied fine arts, and then
dedicated himself to theater and then film. After a series of short films, he debuted with Naked
Childhood (1969). Some highlights of his filmography are To Our Loves (1983, exhibited at the 27th
Festival) and Under the Sun of Satan (1987, winner of the Gold Palm at Cannes). He died in 2003.

L'Enfance Nue
Naked Childhood
François, el protagonista de la ópera prima de Maurice
Pialat, comparte varias cosas con Antoine, el héroe de otro
debut incandescente: el de François Truffaut, que aquí figura
en los créditos como productor. Pero, a diferencia de Antoine,
la ira contenida de François estalla todo el tiempo, sin previo
aviso, cuando tira a la mascota de su familia adoptiva por el
hueco de las escaleras o dispara trozos de metal a los autos
que pasan debajo del puente. A diferencia de Jean-Pierre
Léaud, Michel Terrazon no disfrutó luego de una carrera
cinematográfica relevante, pero las andanzas de su criatura (y
sus dolores y pequeñas, esporádicas alegrías) siguen siendo
tan deslumbrantes hoy como en el momento del estreno, hace
casi cincuenta años. La prosapia documentalista/realista del
realizador se revela en varias escenas, en las conversaciones en
la cocina o en la boda que cierra el film. El resto es un potente
arco narrativo dispuesto para describir la tristeza diaria de un
chico nacido y criado para desobedecer a sus padres y madres. Y
al mundo. Diego Brodersen
Francia - France, 1969 / 83’ / 35mm / Color / Francés - French
D: Maurice Pialat G: Arlette Langmann, Maurice Pialat F: Claude Beausoleil S: Henri Moline
P: Véra Belmont, Guy Benier, Claude Berri, Mag Bodard, François Truffaut I: Michel Terrazon,
Linda Gutenberg, Raoul Billerey
303
François, the main character in Maurice Pialat’s debut feature,
shares a lot in common with Antoine, the hero of another
incandescent debut: that of François Truffaut, credited here
as producer. But unlike Antoine, Françoise’s contained rage
explodes all the time, unannounced, when he throws his
adoptive family’s pet through a stairwell or shoots pieces of
metal at the cars that pass under a bridge. Unlike Jean-Pierre
Léaud, Michel Terrazon didn’t enjoy a relevant film career
afterwards, but his creature’s adventures (as well as his pain
and his sporadic moments of joy) are still as amazing today as
they were then the film came out, almost fifty years ago. The
filmmaker’s documentary/realist lineage can be seen in many
scenes, in the kitchen conversations or in the wedding that
closes the film. The rest is a potent narrative arc that describes
the daily grief of a boy born and raised to disobey his fathers
and mothers. And the world. DB
Contacto/Contact
Roissy Films
T +33 0 155 995 000
W roissyfilms.com
focos y retrospectivas Maurice Pialat — focus and retrospectives
maurice pialat

Loulou

Coger o no coger. Esa es la cuestión. En realidad, una de
las muchas cuestiones que atraviesan la aparentemente
(engañosamente) sencilla historia de Nelly y Loulou. Nelly,
interpretada por una jovencísima, bellísima Isabelle Huppert,
abandona estrepitosamente a su marido y el confort de su
amplio departamento para echarse a los brazos y miembro
de Loulou (visceral y ya gigante Gérard Depardieu), un vago
en general y ocasional ladrón de poca monta con los bolsillos
llenos de un enorme carisma. La resaca de la revolución
sexual nunca se vio de manera tan precisa como en el quinto
largometraje de Pialat, un relato de esperanzas y decepciones
donde la lucha de clases abandona el estadio de la retórica
para hacerse piel, carne y sangre. Poseer o no poseer. Esa quizá
sea la cuestión central en Loulou, que en su magistral secuencia
en el patio de la familia proletaria desnuda muchísimas más
tensiones, conflictos y contradicciones que el más sesudo de los
análisis político-sociales. Diego Brodersen
To fuck or not to fuck. That is the question. Actually, it is
one of the many questions around the apparently (deceptively)
simple story of Nelly and Loulou. Nelly, played by a very young
and very beautiful Isabelle Huppert, storms out of her married
life and the comfort of her large apartment and into the arms
and private parts of Loulou (a visceral and already huge Gérard
Depardieu), a lazy small-time crook with his pockets filled with
charisma. The hangover of the sexual revolution has never been
depicted as precisely as in Pialat’s fifth film, a tale of hope and
disappointment where class struggle ceases to be rhetorical
and becomes skin, flesh and blood. To possess or not to possess.
That may be the core question in Loulou, which, in its masterful
sequence in the courtyard of the proletarian family, bares a lot
more tensions, conflicts and contradictions than in the brainiest
of socio-political analyses. DB

Francia - France, 1980 / 110’ / 35mm / Color / Francés - French

D: Maurice Pialat G: Arlette Langmann F: Pierre-William Glenn, Jacques Loiseleux E: Yann Dedet Contacto/Contact
DA: Alain Alitbol, Max Berto, Jean-Pierre Sarrazin S: Dominique Dalmasso, Gérard Loupias M: Larry Gaumont
Coryell, William Flageollet, Hubert Laws, Philippe Sarde P: Alain Alitbol, Max Berto, Jean-Pierre T +33 0 146 432 194
Sarrazin I: Isabelle Huppert, Gérard Depardieu, Guy Marchand E classic@gaumont.fr

Sous le soleil de Satan
Under the Sun of Satan
La obra literaria de Georges Bernanos fue la base de
dos grandes películas de Robert Bresson (Mouchette y Diario
de un cura rural) y del “film religioso” en la obra de Maurice
Pialat. Las comillas vienen al caso: no existen en la historia
del cine muchos ejemplos de una espiritualidad tan carnal
como en la versión del Padre Donissan encarnada por Gérard
Depardieu. ¿Cree el protagonista en Dios? Sin dudas cree
en el Diablo, a quien se encuentra una noche fría, en medio
de un campo desierto, poco antes de toparse con una chica
que acaba de asesinar a su amante, la rabiosamente sincera
Mouchette (Sandrine Bonnaire, en su segunda colaboración
con el realizador). Hay pocos milagros de la pantalla grande
tan potentes como el de Sous le soleil de Satan, la otra cara de la
resurrección del Ordet de Dreyer: si allí había luminosidad y paz
en un universo rígido y conflictuado, aquí el regreso a la vida
solo es posible mediante el sacrificio literal, confirmación de la
materialidad satánica del mundo. Diego Brodersen
Francia - France, 1987 / 97’ / 35mm / Color / Francés - French
D: Maurice Pialat G: Georges Bernanos, Sylvie Pialat, Maurice Pialat F: Willy Kurant E: Yann Dedet
DA: Katia Wyszkop S: Valérie Condroyer P: Claude Abeille, Michael Lentz, Daniel Toscan du Plantier
I: Gérard Depardieu, Sandrine Bonnaire, Maurice Pialat
305
Georges Bernanos’ literary work was the basis for two
great films by Robert Bresson (Mouchette and Diary of a Country
Priest) and Maurice Pialat’s “religious film.” The quotation marks
are relevant: there aren’t many examples of a spirituality as
carnal as that of Gérard Depardieu’s Father Donissan in film
history. Does the main character believe in God? He definitely
believes in the Devil, whom he runs into one cold night, in the
middle of a deserted land, shortly before bumping into a girl
who has just murdered her lover, the rabidly sincere Mouchette
(Sandrine Bonnaire, in her second collaboration with the
director). There are few big-screen miracles as powerful as
that of Under the Sun of Satan, the flipside of the resurrection
of Dreyer’s Ordet: if in the latter film there was light and peace
in a rigid, conflicted world, here the return to life is only made
possible through literal sacrifice, a confirmation of the satanic
material nature of the world. DB
Contacto/Contact
Gaumont
T +33 0 146 432 194
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maurice pialat

Van Gogh

Cuatro años después del famoso “puedo decir que a mí
tampoco me gustan ustedes” –la frase dedicada con sorna a la
audiencia al recibir la Palma de Oro por Sous le soleil de Satan–,
Pialat ofreció la menos esperada de las películas biográficas:
un retrato de los últimos dos meses de vida del artista Vincent
Van Gogh que es casi la antítesis (o, en plan conciliador, la
contraparte) del famoso largometraje de Vincente Minnelli, Sed
de vivir. Jacques Dutronc compone a un Van Gogh complejo y
definidamente neurótico a fines del siglo XIX, al cual se le han
eliminado casi todos los rasgos de romanticismo. El guion, escrito
por Pialat –quien tuvo un paso por la pintura antes de dedicarse
de lleno al cine–, se toma varias libertades biográficas en busca
del libre albedrío creativo y le escapa al melodrama recargado
como si se tratara del mismísimo Diablo. La austeridad parece
aquí, irónicamente, la mejor manera de retratar las angustias y
dolores extremos de un creador. Diego Brodersen
Four years after the famous “I can say I don’t like you either”,
the phrase dedicated, with derision, to the audience after
receiving the Palm d’Or for Under the Sun of Satan, Pialat offered
the most unexpected of biographical films: a portrayal of the
last two months in the life of artist Vincent Van Gogh that is
almost the antithesis (or, if we want to be conciliatory, the
counterpart) of Vincente Minnelli’s famous Lust for Life. Jacques
Dutronk plays a complex, definitely neurotic Van Gogh in the
late 19th century whose romantic features have been completely
eliminated. The script, written by Pialat –who was briefly a
painter before devoting himself entirely to film–, takes quite
a few biographical liberties in search of creative freewill and
escapes overcharged melodrama as though it were the Devil
itself. Ironically, austerity seems to be the best way of depicting
the extreme distress and sorrow of a creator. DB

Francia - France, 1991 / 158’ / 35mm / Color / Francés - French Contacto/Contact

D, G: Maurice Pialat F: Gilles Henry, Jacques Loiseleux, Emmanuel Machuel E: Yann Dedet, Gaumont
Nathalie Hubert, Hélène Viard DA: Philippe Pallut, Katia Wyszkop S: Jean-Pierre Duret T +33 0 146 432 194
P: Patrice Arrat, Patrick Lancelot I: Jacques Dutronc, Alexandra London, Bernard Le Coq E classic@gaumont.fr
 307

Zelimir Zilnik

309 Early Works

310 Paradise - An Imperialist Tragicomedy
311 The Second Generation
312 Brooklyn - Gusinje
313 The Way Steel Was Tempered
314 Oldtimer
315 Marble Ass
316 Kenedi Is Getting Married
317 The Old School of Capitalism
318 Pirika on Film
319 Little Pioneers
319 June Turmoil
320 Black Film
320 Inventory
321 The Comedy and Tragedy of Bora Joksimovic
321 Tito Among the Serbs for the Second Time
322 Throwing Off the Yolks of Bondage
322 For Ella
323 Silo Danube, Vukovar
focos y retrospectivas zelimir zilnik — focus and retrospectives
zelimir zilnik

La ingenuidad de los excluidos The Naïveté of the Disenfranchised

La obra de Zelimir Zilnik, miembro icónico de la llamada The oeuvre of Zelimir Zilnik, an iconic member of the so-
Ola Negra y ganador del Oso de Oro en Berlín por su debut Early called Black Wave and a winner of the Berlin Golden Bear for his
Works, abarca los últimos 50 años de historia yugoslava. Su debut Early Works, encompasses the last 50 years of Yugoslavian
cámara registró las protestas estudiantiles de 1968; fue testigo history. His camera was there for the student protests of
del ascenso al poder de Milosevic y registró, en un cinetráct, las 1968; it witnessed Milosevic’s rise to power and captured, in a
congregaciones posteriores en contra del régimen; calcificó la cinétract, the subsequent rallies against his regime; it calcified
transición final del país hacia el capitalismo. Zilnik no era un the country’s final transition to capitalism. No mere chronicler,
mero cronista, sino que pertenece a esa rara especie de cineastas Zilnik belongs to a rare kind of filmmakers who have managed
que se las arreglaron para imaginar y recrear su propia historia to imagine and recreate their own country in cinema (akin to
en el cine (como la obra de Peter von Bagh, por ejemplo). Este es the work of Peter von Bagh, for instance). This is a filmmaker
un cineasta que tuvo que reinventarse a él mismo y su método who had to reinvent himself and his method continuously and
continuamente y, a veces, dolorosamente, resistiendo siempre las sometimes painfully, resisting along the way the temptations
tentaciones de compromiso y chocándose de frente con muchas of compromise and facing head-on the many social, economic,
limitaciones económicas y políticas de su época. and political limitations of his time.
Zilnik es una figura clave de la resistencia cinematográfica Zilnik is a key figure of cinematic resistance which comes in all
que viene en todas formas y tamaños. Su resistencia puede shapes and sizes. His resistance may be intellectual, since he
ser intelectual, ya que siempre fue un artista de izquierda que remains a leftist artist without ever resorting to dogmatism,
jamás recurrió al dogmatismo, o estética (se opone de forma or aesthetic (he violently opposes the accepted notions of
violenta a las nociones aceptadas de “cine de calidad”). En una “quality filmmaking”). In an at least partial exoneration of the
exoneración al menos parcial del tropo del “artista marxista” compromised “Marxist artist” trope, Zilnik always preaches
comprometido, Zilnik siempre predica con el ejemplo. Como by example. A chronicler cum documentarian cum activist,
un cronista devenido documentalista devenido activista, Zilnik he harbors few fantasies about the current political climate,
alberga pocas fantasías acerca del clima político actual, lo cual which might make him lean, on occasion, toward skepticism
puede hacer que, en ocasiones, se incline hacia el escepticismo and pessimism. However, as his faith in a just system, whether
y el pesimismo. Sin embargo, mientras su fe en un sistema communist or liberal, wanes, a new faith—and a new interest—
justo –ya sea comunista o liberal– disminuye, una nueva fe –y in the individual increases in power.
un nuevo interés– por el individuo aumenta en fuerza. Zilnik Zilnik is as much a humanist (the word has by now lost most of
es tanto un humanista (esta palabra ha perdido mucho de su its luster through overuse) as a comedian fortifying his zest for
encanto por exceso de uso) como un comediante que fortalece life with an inimitable sense of humor.
su entusiasmo por la vida con un sentido del humor inevitable. Paul Celan once wrote in a letter: “I see no difference between a
Paul Celan escribió una vez en una carta: “No veo ninguna handshake and a poem.” What is a handshake, and is it possible
diferencia entre un apretón de manos y un poema”. ¿Qué es un to make a film that could be also a handshake? This is the
apretón de manos? ¿Es posible hacer una película que también simplest act of human solidarity, to which Zilnik's entire body of
sea un apretón de manos? Este es el acto más simple de la work stands as a monument. BN
solidaridad humana, y la obra entera de Zilnik pareciera ser un (Retrospective programmed by Boris Nelepo and
monumento a esto. Boris Nelepo Cecilia Barrionuevo).
(Retrospectiva programada por Boris Nelepo y
Cecilia Barrionuevo).
Zelimir Zilnik
Nació en 1942 y vive en Novi Sad, Serbia. Desde fines de los 60, en la antigua Yugoslavia, sus films
y documentales socialmente comprometidos y su estilo visual único lo hicieron merecedor de
elogiosos reconocimientos, pero también de la censura, en los 70, por su estoica crítica al aparato
gubernamental. Películas de bajo presupuesto con temas de desafiante posición política marcan
la prolífica carrera de Zilnik, que incluye más de 50 trabajos entre cortos, largometrajes, ficciones
y documentales. Eng He was born in 1942, and is based in Novi Sad, Serbia. From the late 60s,
his socially engaged films and documentaries in former Yugoslavia and his unique visual style
earned him critical accolades, but also censorship in the 70s for his unflinching criticism of the
government apparatus. Low budget filmmaking and challenging political themes mark Zilnik’s
prolific career that includes over 50 feature and documentary films and shorts.

Early Works
Rani radovi / Primeros trabajos
Filmada durante la conmoción política de 1968, esta
obra explora los impulsos radicales detrás del malestar de
la juventud en un país donde los revolucionarios de una
generación anterior hoy conforman el establishment. Tres
hombres jóvenes y una chica hermosa se van de casa y viajan
por el país en busca de una sociedad justa y un socialismo real,
pero descubren trágicamente que una revolución inconclusa
fracasó en su intento de cambiar la naturaleza del hombre, si
bien logró cambiar la cara del poder. Llena de humor negro,
sexo franco y cuadros estrafalarios, la película se convierte en
una alegoría revolucionaria de la Nueva Izquierda Europea. Si
bien causó que Zilnik tuviera problemas con las autoridades
del país, la corte yugoslava finalmente falló a favor de él, en
una decisión que sentó jurisprudencia. Amos Vogel, Film As a
Subversive Art
Yugoslavia, 1969 / 75’ / 35mm
D: Zelimir Zilnik G: Zelimir Zilnik, Branko Vucicevic, Karl Marx, Friedrich Engels F, E: Karpo Acimovic
Godina I: Milja Vujanovic, Bogdan Tirnanic, Cedomir Radovic, Marko Nikolic, Slobodan Aligrudic
309
Filmed during the political ferment of 1968, this work
explores the radical impulses behind the unrest of the young
in a country where the revolutionaries of an earlier generation
now form the Establishment. Three young men and a beautiful
girl leave home and move across the country in search of a
just society and true socialism, only to discover tragically that
an unfinished revolution, while changing the face of power,
has failed to change the nature of man. Filled with black
humor, frank sex, and bizarre tableaux, the film becomes a
revolutionary allegory of the European New Left. Though it
brought Zilnik into conflict with his country’s authorities, the
Yugoslav courts subsequently ruled in his favor in a landmark
decision. AV, Film As a Subversive Art
Contacto/Contact
Sarita Matijevic
E zilnik@hotmail.com
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zelimir zilnik

Paradise - An Imperialist Tragicomedy

Paradies. Eine imperialistische Tragikomödie
Paraíso - Una tragicomedia imperialista
La dueña de una corporación en problemas decide contratar
a un grupo de anarquistas para simular un secuestro y así
justificar la quiebra de su compañía. Paradise, la segunda
película de Zilnik (la cual, dicen, sirvió de inspiración para
La tercera generación, de Fassbinder), satiriza el secuestro de
Peter Lorenz, un político de derecha que pasó dos semanas
cautivo del grupo terrorista Movimiento 2 de Junio. Lorenz
era un candidato a alcalde de Alemania Occidental, y el
incidente tuvo lugar tres días antes de las elecciones. Cuando
la Ola Negra Yugoslava fue prohibida, Zilnik fue recibido en
Alemania Occidental como refugiado político y niño mimado
de festivales. En lugar de sacar partido de su capital simbólico
y crear una imagen pública de disidente perseguido, Zilnik
eligió poner su nuevo entorno bajo su habitual microscopio
de ironía, provocación y fervor, concentrándose especialmente
en las actividades de la Fracción del Ejército Rojo. La sociedad
democrática reaccionó rápido, deportándolo y censurándolo.
The owner of a struggling corporation decides to hire a
group of anarchists to fake her kidnapping in order to justify
her company’s bankruptcy. Zilnik’s second feature, Paradise
(said to have inspired Fassbinder's The Third Generation)
satirizes the kidnapping of Peter Lorenz, a right-wing
politician who had spent two weeks held in captivity by the
2 June Movement terrorist group. Lorenz was a West Berlin
mayoral candidate, and the incident took place three days
before election. Once the Yugoslav Black Wave is suppressed,
Zilnik was welcomed in West Germany as a political refugee
and festival pet. Instead of cashing in his symbolic capital
and creating a persecuted dissident persona, he chooses to
put the new environment under his trademark microscope
of irony, provocation, and fervor, focusing especially on the
activities of RAF. The democratic society was quick to react
with deportation and censorship.

República Federal Alemana - Federal Republic of Germany, 1976 / 60’ / DM Contacto/Contact

D, G: Zelimir Zilnik F: Andrej Popovic E: Elisabeth Orlov S: Horst Schönberger M: Peda Vranesevic, Sarita Matijevic
Sparifankel I: Gisela Siebauer, Michael Straleck, Dan van Husen, Natasa Stanojevic, Filiz Jakub E zilnik@hotmail.com
 311

The Second Generation

Druga generacija / La segunda generación

Un adolescente criado en Alemania es enviado por sus
padres inmigrantes de vuelta a Yugoslavia, una patria que
apenas recuerda. El joven desplazado es un marginado tanto
con sus compañeros serbios como con sus pares alemanes.
A su familia le preocupa que haya perdido control sobre su
vida. La base de esta película es un documental que Zilnik
había rodado un año antes, llamado The First Trimester of Pavle
Hromis (1983). The Second Generation marca el comienzo de
su acercamiento al tema de la inmigración, que seguiría con
Kenedi Is Getting Married (2007). También podría considerársela
una obra personal si tomamos en cuenta la experiencia
desafortunada de Zilnik en Alemania Occidental. Como la cima
del período televisivo de Zilnik, la película adopta la forma
de un docudrama que resulta muy orgánico para el director
y está perfectamente musicalizada por lo que podría ser una
presentación útil de lo mejor del punk yugoslavo.
A teenager raised in Germany is sent by his immigrant
parents back to Yugoslavia –a motherland he barely
remembers. The displaced young man is an outcast with his
Serbian classmates as well as German peers. His family is
worried that he has lost control of his life. The basis for this
film is a documentary Zilnik shot a year earlier called The First
Trimester of Pavle Hromis (1983). The Second Generation marks the
beginning of the director’s exploration of immigration, which
would be followed by Kenedi Is Getting Married (2007). It could be
regarded as a personal work as well, taking into consideration
Zilnik’s unfortunate experiences in West Germany. A peak of
Zilnik’s TV period, the movie takes on the form of a docudrama
so organic for the director and so perfectly soundtracked
by what could be a serviceable introduction to the riches of
Yugoslavian punk rock.

Yugoslavia, 1984 / 90’ / DM

D: Zelimir Zilnik G: Zelimir Zilnik, Miroslav Mandic F: Ljubomir Becejski E: Slobodan Jandric
S: Karoly Stanyo, Martin Jankov, Dorđe Krstic, Vladimir Stanojevic M: Disciplina kicme, Azra, Contacto/Contact
Obojeni Program, Paraf, Katarina II, Xenia I: Vladimir Sinko, Petar Bosančic, Dragan Sokoljanski, Sarita Matijevic
Sanja Zlatkovic, Danica Jankovic E zilnik@hotmail.com
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zelimir zilnik
Brooklyn - Gusinje
Bruklin – Gusinje
Una joven costurera es atraída hacia un pueblo de montaña
en la frontera entre Yugoslavia y Albania para ser camarera en
un café, con la promesa de libertad y más dinero. Se enamora
de un hombre recién llegado de Nueva York con la esperanza
de que él la rescate de la monotonía de su vida cotidiana y se la
lleve a Estados Unidos. Fue precisamente la televisión la que le
permitió a Zilnik convertir sus reacciones frente a la agitación
política en películas sin perder tiempo. Este melodrama
etnográfico hecho por encargo para la TV de Belgrado muestra
el encuentro entre las culturas, lenguajes, costumbres y
tradiciones familiares de Serbia y Albania en un paisaje
montañoso fascinante. Simultánea al alza del sentimiento
antialbano entre los serbios, su intención fue mitigar el odio,
que crecía cada vez más. Un acto de solidaridad y, al mismo
tiempo, una combinación inesperada de historia de amor y
bosquejo antropológico, donde una canción de Patti Smith es lo
único que da esperanza.
Yugoslavia, 1988 / 85’ / 16mm
D, G: Zelimir Zilnik F: Dragoljub Mancic E: Vladimir Milenkovic S: Ratko Kusic I: Ivana Zigon,
Lidija Stevanovic, Skelzen Uljevic, Becir Uljevic, Seco Sabovic
A young seamstress is lured to a bordering mountain
town between Yugoslavia and Albania to wait tables in a
cafe with the promise of freedom and more money. She
falls in love with a man –recently returned from New York–
whom she hopes will rescue her from the drudgery of her
everyday life and bring her back to the States. It was precisely
television that allowed Zilnik to package his gut reactions to
political upheaval into new movies with no time wasted. This
ethnographic melodrama commissioned by Belgrade TV shows
the meeting of Serbian and Albanian cultures, languages,
customs and family traditions in the fascinating mountainous
landscape. Concurrent with the upswing of anti-Albanian
sentiment among the Serbs, it was supposed to mitigate the
growing hatred. An act of solidarity and, at the same time, an
unexpected combination of love story and anthropological
sketch, where a Patti Smith song provides the only hope.
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Sarita Matijevic
E zilnik@hotmail.com

The Way Steel Was Tempered
Tako se kalio celik / Así se templó el acero
Un fundidor llamado Leo sueña con una vida sin problemas,
pero las condiciones sociales están lejos de ser estables: su
trabajo es difícil y peligroso, la fábrica está en bancarrota y los
jefes están intentando robar lo más que puedan antes de que
el barco termine de hundirse. La comedia más perdurable de
Zilnik, que sigue dándose por TV a menudo, toma su título,
de forma irónica, de la icónica novela de Nikolai Ostrovsky, un
monumento a la doctrina del Realismo Soviético. “Los cambios
dramáticos en Yugoslavia son registrados por The Way Steel
Was Tempered, una comedia proletaria satírica que tiene como
trasfondo el colapso financiero y la economía gris. Aquí, Zilnik
lleva a cabo un comentario sobre el fin del socialismo, sus
símbolos ya borrosos y la decadencia de su sistema de valores:
todos roban, la pasan bien y viven del sistema. Lo único que
diferencia a los trabajadores de sus jefes es el poder que hay
en juego”. Dimitris Kerkinos
Yugoslavia, 1988 / 101’ / 35mm
D: Zelimir Zilnik G: Zelimir Zilnik, Branko Andric F: Miodrag Milosevic E: Slobodan Jandric
S: Vladimir Stanojevic, Karoly Morvai I: Lazar Ristovski, Tatjana Pujin, Ljiljana Blagojevic,
Relja Basic, Jovica Milosevic
313
The smelter Leo dreams of a trouble-free life, but the social
conditions are far from stable: his job is hard and dangerous,
the factory is bankrupt, and the bosses are trying to steal as
much as they can before the ship goes down. Zilnik’s most
enduring comedy, which still frequently plays on TV, is named
ironically after the iconic Soviet novel by Nikolai Ostrovsky, a
monument to the doctrine of Socialist Realism. “The dramatic
changes in Yugoslavia are chronicled in The Way Steel Was
Tempered, a satirical proletarian comedy which takes place
against a backdrop of the financial collapse and the grey
economy. Here, Zilnik comments on the end of socialism, its
faded symbols, and the decline of its value system: everyone’s
stealing, having a good time and leeching off the system. The
only thing that sets the workers apart from their bosses is the
power which is at stake.” DK
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Sarita Matijevic
E zilnik@hotmail.com
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zelimir zilnik
Oldtimer
Stara masina / Veterano
Igor, un rockero entrado en años, trabaja en Radio Student,
en Liubliana. Se da cuenta de que el conserje trabaja para la
policía, interviniendo las paredes y observando a los periodistas
que critican el régimen. Decide irse a Grecia. Mientras viaja
por (lo que todavía era) Yugoslavia, Igor se encuentra con
manifestaciones e indignación: es el comienzo de la “revolución
antiburocrática” de Milosevic. Aquí Zilnik registra su ascenso
al poder mientras reinventa el género de la road movie, solo
posible en una tierra al borde de la desintegración, para que
cada movimiento de ahí en adelante implique deterioro y
falsedad, reuniendo viajantes para luego separarlos de forma
igual de arbitraria. El peligro inminente se asomaba sobre
la tierra de Tito hasta que la tragedia se desató finalmente a
comienzos de los años 90. El protagonista de Oldtimer profetiza:
“La guerra todavía no empezó, pero es mejor estar preparados”.
Yugoslavia, 1989 / 81’ / 16mm
D, G: Zelimir Zilnik F: Andrej Lupinc E: Sonja Peklenk S: Marko Tajic I: Boris Nin (Marjan Ogrinc),
Rahela Macic, Andrej Rozman, Snezana Niksic
The aged rocker Igor works at the Radio Student in
Ljubljana. He notices that the janitor works for the police,
tapping the walls and observing the journalists who are
critical of the regime. He decides to leave for Greece. Travelling
through (what was still) Yugoslavia, Igor comes across
demonstrations and outrage: it is the beginning of Milosevic’s
“antibureaucratic revolution.” Here Zilnik captures Milosevic's
rise to power while reinventing the road movie genre, made
possible only in a land on the brink of disintegration, so that
any movement in it henceforth equals deterioration and
falsehood, pairing fellow travelers at random and splitting
them up just as arbitrarily. The imminent danger loomed
large over Titoland until the tragedy finally erupted in the
early 90s. The protagonist of Oldtimer prophesies, "The war has
not started yet, but it is better to be prepared.”
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Sarita Matijevic
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 315

Marble Ass
Culo de mármol

En la atmósfera desolada de la guerra, la destrucción
y la violencia omnipotente, Merlin y Sanela consuelan a sus
clientes a través del afecto físico. Zilnik tuerce los roles de género
preestablecidos y se burla de una sociedad que vive en estado de
derramamiento permanente de sangre pero se aferra a normas
ilusorias. Ese es precisamente el punto ilustrado por el personaje
de Merlin quien, esforzándose por comunicar en un mundo
extrañado y arrasado, anda en drag y vende su cuerpo, pero aun
así termina siendo la persona más normal y amigable en una
ciudad plagada de violencia militarista. En 2009, el festival LGBT
Merlinka fue bautizado así en homenaje a Vjeran Miladinovic.
“Atrapado en el calor brutal de la guerra, Zilnik demuele la
testosterona belicista con el martillo de la tragicomedia en
Marble Ass, la primera película serbia en incluir a una actriz
transgénero y una de las mejores películas jamás hechas sobre
la estupidez de la guerra”. Celluloid Liberation Front
In the desolate atmosphere of war, destruction and
omnipotent violence, Merlin and Sanela comfort the clients
with physical affection. Zilnik bends the established gender
roles and mocks a society that lives in the state of permanent
bloodshed and yet clings tenaciously to its illusive norms. That’s
precisely the point illustrated by the Merlin character who, in
striving to communicate in a world made strange and razed to
the ground, wears drag and sells his body, and yet remains the
most normal and amicable person in a city beset by militarist
violence. In 2009 the LGBT festival Merlinka was named after
Vjeran Miladinovic. “Caught in the brutal heat of war, Zilnik
demolishes warmongering testosterone with the wrecking ball
of tragicomedy in Marble Ass, the first Serbian film to feature a
transgendered actress and one of the greatest films ever made
about the folly of war.” CLF

República Federal de Yugoslavia - Federal Republic of Yugoslavia, 1995 / 87’ / 35mm

D, G: Zelimir Zilnik F: Miodrag Milosevic E: Vladimir Milenkovic M: Love Hunters, Zbogom Brus Contacto/Contact
Li, Dejan Kijevcanin I: Vjeran Miladinovic, Nenad Milenkovic, Nenad Rackovic, Lidija Stevanovic, Sarita Matijevic
Suzana Zlatanovic (Luna Lu) E zilnik@hotmail.com
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zelimir zilnik
Kenedi Is Getting Married
Kenedi se zeni / Kenedi se casa
Luego de construir una casa para su familia, Kenedi queda
muy endeudado. Finalmente, decide buscar dinero en el
negocio del sexo. Cuando se entera de que las nuevas leyes
europeas son mucho más progresistas en lo que refiere al
matrimonio gay, Kenedi comienza a buscar a alguien con quien
casarse y así obtener un estatus legal en la Unión Europea. La
oportunidad surge durante el EXIT Music Festival. La mayoría de
las veces, Zelimir Zilnik cuenta historias de gente al borde de la
inexistencia. Tal vez sea en el incansable, casi patológicamente
optimista gitano Kenedi, quien cree que no pertenece a ningún
lugar frente al inexpugnable bastión de la “Fortaleza Europa”,
que Zilnik encontró a su héroe arquetípico, capaz de alzarse
en defensa de la gente que ha estado apoyando por décadas.
El crítico de cine Jurij Meden va un poco más allá y considera a
Kenedi el álter ego del director, mientras celebra este particular
ciclo de docudramas como la obra más personal de Zilnik.
Serbia, 2007 / 80’ / 35mm
D, G: Zelimir Zilnik F: Miodrag Milosevic E: Vuk Vukmirovic, Branislav Klasnja I: Kenedi Hasani,
Salji Hasani, Beni Haliti, Max Steiner, Philipp Eisenmann
After building a house for his family, Kenedi finds himself
deeply in debt. Ultimately, Kenedi decides to look for money
in the sex business. When he finds out about new liberal
European laws on gay marriages, Kenedi sees prospects in
looking for a “marriage material,” to obtain a legal status in the
European Union. The opportunity arises during EXIT Music
Festival. Most of the time, Zelimir Zilnik tells stories of people
on the edge of non-existence. It is perhaps in the restless,
almost pathologically optimistic, gypsy Kenedi, who feels like
he doesn’t belong anywhere in front of the unassailable bastion
of “Fortress Europe,” that Zilnik has found his archetypal hero
willing to stand up for the people he has been supporting for
decades. Film critic Jurij Meden goes so far as to call Kenedi the
director’s alter ago, while celebrating this particular cycle of
docudramas as Zilnik’s most personal work.
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Sarita Matijevic
E zilnik@hotmail.com

The Old School of Capitalism
Stara skola kapitalizma / La vieja escuela del capitalismo
The Old School of Capitalism, película semificcional y la obra
maestra del período más reciente de Zilnik, está ambientada
durante la primera oleada de revueltas de trabajadores en
Serbia. Esta película de alcance enciclopédico aborda la
repentina contienda de clases librada entre trabajadores
despedidos y los beneficiarios de unos cuestionables acuerdos
de privatización que se hicieron millonarios durante la era
Milosevic. Zilnik orquesta aquí varias escenas complejas
repletas de personajes que tienen discusiones intensas. Al
seguir esta discusión política improvisada, Zilnik filma con
tres cámaras en simultáneo, un testamento de su método
democrático, y les permite a los antagonistas charlar las cosas
o incluso pelearse por ellas, evitando cualquier solución
predigerida. Rodada en apenas once días, la película registra
el final de la transición del país hacia el capitalismo. Todos los
trabajadores y activistas se interpretan a ellos mismos.
Serbia, 2009 / 122’ / 35mm
D, G: Zelimir Zilnik F: Miodrag Milosevic E: Vuk Vukmirovic P: Sarita Matijevic I: Zivojin
Popgligorin, Robert Paroci, Zoran Paroski, Lazar Stojanovic, Branimir Stojanovic
317
A semifictional work and the masterpiece of Zilnik’s most
recent period, The Old School of Capitalism is rooted in the first
wave of workers revolts in Serbia. This comedy of encyclopedic
scope addresses the sudden class warfare waged between
workers, who found themselves kicked to the curb, and the
beneficiaries of questionable privatization deals, who amassed
immense wealth during Milosevic’s era. Zilnik orchestrates here
several complex scenes populated by a lot of characters caught
up in heated arguments. Steering their improvised political
discussion, he films it with three cameras simultaneously in a
testament to his democratic method and allows the antagonists
to talk it over or even fight it out, refraining from offering any
ready-made solutions. Filmed over a mere 11 days, the film
captures the country’s final transition to capitalism. All the
workers and activists play themselves.
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Playground produkcija
Sarita Matijevic
E playgroundprodukcija@
gmail.com
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zelimir zilnik
Pirika on Film
Pirika na filmu / Pirika en el cine
Zelimir Zilnik conoció a Pirika Capko, una chica de la calle,
mientras filmaba Little Pioneers. Luego, la incluyó en el elenco
de Early Works como la hermana del personaje principal.
Cuarenta y cinco años después, se la encontró en la calle e hizo
una película entera sobre ella. Pirika on Film es una prueba
concluyente del nivel de prudencia y tacto con el que Zilnik
trata a sus personajes. Alimentadas por la duda, sus películas
permiten que los antagonistas hablen las cosas o se peleen
por ellas, y evitan postular Verdades con V mayúscula u ofrecer
soluciones fáciles. El conmovedor epílogo de esta película
es particularmente importante en el contexto de la obra del
director. Termina con una conversación con ex ciudadanos
yugoslavos y soviéticos, quienes tratan de explicar cómo fue
que encontraron su lugar en un mundo que cambió. Pirika
on Film es, de alguna manera, una secuela, una remake y una
reconsideración del espléndido debut de Zilnik.
Serbia, 2013 / 53’ / DM
D, G: Zelimir Zilnik F: Miodrag Milosevic E: Vuk Vukmirovic P: Sarita Matijevic I: Piroska Capko,
Teodora Tabacki, Gabriella Benak, Biljana Stankovic, Zelimir Zilnik
Zelimir Zilnik had first met street urchin Pirika Capko
when he was shooting Little Pioneers. Then he cast her in Early
Works as the sister of the main character. Forty-five years later,
he bumped into her on the street and made an entire film
about her. Pirika on Film proves most conclusively the amount
of caution and tact with which Zilnik treats his characters.
Fueled by doubt, his films allow antagonists to talk it over or
even fight it out, and refrain from positing capital-T Truths or
offering ready-made solutions. A touching epilogue of this film
is particularly important in the context of the director’s oeuvre.
It ends with a conversation with former Yugoslavians and
Soviet citizens, who try to explain how they have found a place
for themselves in a changed world. Pirika on Film is in a way a
sequel, remake and reconsideration of Zilnik’s splendid debut.
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Playground Produkcija
Sarita Matijevic
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Little Pioneers — Pioniri maleni mi smo vojska prava, svakog
dana ničemo ko zelena trava / Pequeños pioneros
El título de la película está tomado de una
canción pionera. Zelimir Zilnik documenta la
población invisible y las historias no contadas
de niños que viven en las calles. Ellos hablan
abiertamente de sus experiencias con el abuso
y la miseria. Los funcionarios de la Yugoslavia
comunista se rehusaban a reconocer su
existencia. Fue aquí que el director conoció
a Piroska Capko, quien se convertiría en la
protagonista de Pirika on Film (2013).
June Turmoil — Lipanjska gibanja / Crisis de junio
El único documento de las manifestaciones
estudiantiles de Belgrado en junio de 1968 fue
rodado en gran parte en el patio del Kapetan
Misino Zdanje (el edificio de la Facultad de
Filosofía). El famoso actor Stevo Zigon declama,
frente a una inmensa multitud, el monólogo de
Robespierre de La muerte de Danton, de Georg
Büchner. Zelimir Zilnik pasa de observador a
participante de la Historia, no su director.
319
Yugoslavia, 1968 / 18’ / 35mm
D: Zelimir Zilnik F: Miodrag
Jaksic Fanđo E: Dragan Mitrovic
S: Dragan Stanojevic
Contacto/Contact
Sarita Matijevic
E zilnik@hotmail.com
The title of the film is taken from a pioneer song.
Zelimir Zilnik documents the invisible population
and the untold stories of children living on
the streets. They speak openly about their
experiences of abuse and squalor. The officials of
communist Yugoslavia refused to acknowledge
their existence. Here, for the first time, the
director meets Piroska Capko, who will become a
protagonist of Pirika on Film (2013).
Yugoslavia, 1969 / 10’ / 35mm
D: Zelimir Zilnik F: Dusan
Ninkov E: Miodrag Petrovic-
Sarlo S: Bogdan Tirnanic,
Branko Vucicevic
Contacto/Contact
Film Archive of the Int. Short
Film Festival Oberhausen
Carsten Spicher
E spicher@kurzfilmtage.de
The only document of student demonstrations
in Belgrade in June 1968 was shot for the most
part in the court of Kapetan Misino Zdanje (the
Faculty of Philosophy building). The famous actor
Stevo Zigon declaims, in front of an immense
crowd, Robespierre's monologue from Georg
Büchner's Danton's Death. Zelimir Zilnik turns
from an observer into a participant of History, and
not its director.
focos y retrospectivas zelimir zilnik — focus and retrospectives
zelimir zilnik
Black Film — Crni film / Película negra
Zilnik se lleva a su casa a un grupo de gente
que vive en las calles de Novi Sad, contra la
voluntad de su mujer y ante la confusión
de las autoridades. En esa época, el director
escribió un manifiesto en el que habla de lo
inútil del humanismo abstracto, la explotación
de la pobreza y el cine “casi involucrado” y con
conciencia social. Ejemplo de cine radical y
accionista, Black Film termina con una pregunta:
“El cine, ¿arma o mierda?”.
Inventory — Inventur - Metzstrasse 11 / Inventario
En Alemania, Zilnik se acercó a los extranjeros
que llegaron allí a trabajar: trabajadores
migrantes como él. Desde el mismo punto de
vista, registra a los residentes de un edificio
mientras bajan las escaleras. Este retrato
melancólico de una sociedad multicultural
amontonada bajo un solo techo ofrece una
muestra de la vida trabajadora, y se revela como
una comedia en algunos momentos, mientras
que en otros captura cuán divertido puede
resultar el rodaje de un film colectivo.
Yugoslavia, 1971 / 14’ / 35mm
D: Zelimir Zilnik F: Karpo
Acimovic Godina E: Kaca
Stefanovic S: Dusan Ninkov
Contacto/Contact
Film Archive of the Int. Short
Film Festival Oberhausen
Carsten Spicher
E spicher@kurzfilmtage.de
Zilnik picks up a group of homeless men from
the streets of Novi Sad and takes them home, to
his wife’s dismay and the authorities' confusion.
At that time, the director wrote a manifesto where
he talks about the worthlessness of abstract
humanism, the exploitation of poverty, and
“quasi-involved,” socially conscious filmmaking.
An example of radical, actionist cinema, Black
Film ends with a question: “The cinema – weapon
or shit?”
República Federal Alemana -
Federal Republic of Germany,
1975 / 9’ / DM
D: Zelimir Zilnik
F: Andrej Popovic
Contacto/Contact
Sarita Matijevic
E zilnik@hotmail.com
In Germany Zilnik was drawn to the foreigners
who came to work there: migrant workers
like himself. He captures, from the same
viewpoint, the residents of a building walking
down the stairs. This melancholy portrayal of a
multicultural society crammed under one roof
furnishes a report on the life of workers, at times
revealing itself as a comedy, at others chronicling
the fun that a collective film shoot may yield.

The Comedy and Tragedy of Bora Joksimovic
Komedija i tragedija Bore Joksimovica
La comedia y tragedia de Bora Joksimovic
Luego de abandonar Alemania, Zilnik regresa
a Yugoslavia y se hace un lugar en la televisión.
Al comienzo se le permitió trabajar en el
departamento de comedia. El director retrata a
un escritor amateur, un mecánico que trabaja en
el mantenimiento de la calefacción de un teatro
de Zrenjanin, y que decide probar suerte como
dramaturgo. Zilnik les puso a muchas de sus
películas el nombre de sus personajes principales,
como si estuviera compilando su propio panteón.
Tito Among the Serbs for the Second Time
Tito entre los serbios por segunda vez
Belgrado, 1994. Un actor vestido con el uniforme
del Mariscal Tito camina por las calles y habla
con el pueblo, que entabla discusiones francas
e intensas con su ex líder. “Quise confrontar a la
gente con su pasado. El pasado desaparece; nunca
es evaluado de forma racional. Se convierte en un
gran agujero negro, en un tabú, en una grieta en
nuestra identidad. Y en Bosnia los tabúes llevan a
la represión y la brutalidad”. Zelimir Zilnik
321
Yugoslavia, 1977 / 30’ / DM
D: Zelimir Zilnik F: Ljubomir
Becejski E: Slobodan Jandric
Contacto/Contact
Sarita Matijevic
E zilnik@hotmail.com
After leaving Germany, Zilnik returns to
Yugoslavia and carves out a niche for himself on
TV. In the beginning he was allowed to work in
a comedy department. The director portrays an
amateur writer, a heating maintenance mechanic
in the Zrenjanin theatre who decides to try his
luck as a playwright. Zilnik named a number of
his films after their main characters, as though
compiling a pantheon of his own.
República Federal de
Yugoslavia - Federal Republic
of Yugoslavia, 1994 / 43’ / DM
D: Zelimir Zilnik F: Miodrag
Milosevic E: Dara Arsenov
S: Zoran Prodanovic
I: Dragoljub Ljubicic,
Milan Pavlovic
Contacto/Contact
Sarita Matijevic
E zilnik@hotmail.com
Belgrade, 1994. An actor dressed in Marshal Tito’s
uniform walks the streets and talks to the people,
who engage in frank and heated discussions with
their former leader. “I wanted to confront people
with their past. The past disappears, it is never
rationally appraised. It becomes a big black hole,
a taboo, a gap in our identity. And taboos lead to
repression and the savagery in Bosnia.” ZZ
focos y retrospectivas zelimir zilnik — focus and retrospectives
zelimir zilnik
Throwing Off the Yolks of Bondage
Do jaja / Arrojando las yemas de la esclavitud
El régimen de Milosevic arregló los resultados
de las elecciones de otoño de 1996, lo cual fue
causante de las congregaciones en masa en
Serbia. Esta película documenta las protestas y su
carga política y crítica, pero también su espíritu
festivo. Durante el séptimo día de las protestas la
película fue editada y proyectada por primera vez.
Este cinétract es otro capítulo más en el proyecto
a gran escala de Zilnik de registrar la turbulencia
política de su país.
For Ella — Za Ellu / Para Ella
Los amigos de Jovica lo llaman “Fitzgerald”.
Un día, Jovica, un proyectorista de la infancia
de Zilnik, un viejo pianista de jazz y uno de los
actores de The Way Steel Was Tempered, se entera
de la inesperada muerte de Ella Fitzgerald. Jovica
está desesperado; toca el piano toda la noche y
llora. Su mujer lo amenaza diciéndole que va a
echarlo de la casa si no se deshace del piano.
República Federal de
Yugoslavia - Federal Republic
of Yugoslavia, 1996 / 12’ / DM
D: Zelimir Zilnik F: Nikola
Majdak Jr., Nenad Mladenovic,
Aca Kostic E: Slavica Lalic
Contacto/Contact
Sarita Matijevic
E zilnik@hotmail.com
Milosevic’s regime has rigged the results of
elections in autumn 1996, which caused the mass
rallies in Serbia. The film documents the protests
and their political and criticizing charge, but
also the carnival spirit. On the seventh day of the
protests the film was edited and had a premiere
screening. This cinétract is yet another chapter
of Zilnik’s large-scale project of capturing his
country's political turbulence.
República Federal de
Yugoslavia - Federal Republic
of Yugoslavia, 1997 / 10’ / DM
D: Zelimir Zilnik
F: Dušan Ninkov
E: Aleksandar Komnenovic
M: Peđa Vraneševic
Contacto/Contact
Sarita Matijevic
E zilnik@hotmail.com
“Fitzgerald” is Jovica’s nickname among his
friends. One day Jovica, a film projectionist from
the childhood of Zilnik, an old jazz pianist and
one of the actors from The Way Steel Was Tempered,
hear of Ella Fitzgerald's unexpected death. Jovica
is desperate; he plays the piano all night long and
cries. His wife threatens him saying that she will
throw him out of the house unless he gets rid of
the piano.

Silo Danube, Vukovar — Silos Dunav, Vukovar
La devastación y los bombardeos en Vukovar,
durante la guerra de independencia de Croacia,
provocan que cientos de toneladas de trigo se
escapen de un elevador de granos destruido. Miles
de cuervos descienden sobre el trigo. En 1992,
Zilnik renunció a Novi Sad TV y se convirtió en uno
de los primeros directores del mundo en pasarse al
video. Silo Danuve, Vukovar se convirtió en la última
película que el director rodó en 35mm.
323
República Federal de
Yugoslavia - Federal Republic
of Yugoslavia, 1993 / 1’ / 35mm
D: Zelimir Zilnik F: Siniša Reljin,
E: Margita Nemet
Contacto/Contact
Film Archive of the Int. Short
Film Festival Oberhausen
Carsten Spicher
E spicher@kurzfilmtage.de
In Vukovar, during the Croatian War of
Independence, after the devastation of the town
and the bombings, hundreds of tons of wheat
have leaked out of a destroyed grain elevator.
Thousands of ravens descend upon the wheat.
In 1992, Zilnik resigned from Novi Sad TV and
became one of the first directors in the world to
switch to video. Silo Danube, Vukovar became the
last film the director shot on 35mm.
 325

Centenario de la
Revolución Rusa:
Arte, Cine, Revolución
—
Centennial of the
Russian Revolution:
Art, Film, Revolution
326 Angels of Revolution
327 Chagall-Malevich
328 Kharms
329 L'Utopie des images de la Révolution russe 
330 Octubre
focos y retrospectivas Centenario de la Revolución Rusa: Arte, Cine, Revolución —
focus and retrospectives Centennial of the Russian Revolution: Art, Film, Revolution

Angels of Revolution
Angely Revolucii / Ángeles de la revolución

La intersección entre política, arte y religión fue, desde
siempre, un área peligrosa y zona de guerra. Ciertamente lo fue
para los artistas de la Unión Soviética, y lo es en este relato que
Fedorchenko pinta con paleta y tonos wesandersonianos para narrar
la historia de seis artistas, liderados por Polina Schneider, que
se las vieron negras para introducir la doctrina leninista a través
del arte en un pueblo indígena de la Siberia profunda. El humor
de Fedorchenko en esta tragicómica historia real coquetea con
Bresson para terminar apostando por la acidez del ridículo y por
una libertad absoluta en el uso de recursos en la pantalla, que van
desde marionetas hasta la transformación del aspect ratio en un
theremín, con una imaginación inagotable que mantiene vivos
los 113 minutos de la película. Esa libertad es la que le permite al
director reírse de un personaje que exclama “Salve el genio del arte”,
al tiempo que su película no deja de hacerle honor a esa máxima.
The intersection of politics, art and religion has always been
a war zone. Certainly it was for the artists of the Soviet Union,
and certainly it is in this tale by Fedorchenko that he paints with
the palette and tones of Wes Anderson, telling the story of six
artists, led by Polina Schneider, who have the extremely difficult
task of using their art to introduce the Leninist doctrine to an
indigenous village in deep Siberia. Fedorchenko's humor in this
tragicomic true story flirts with Bresson and ends up opting for
a biting humor of the ridiculous and complete freedom in his
employment of cinematic resources, ranging from the use of
marionettes to a screen frame that functions like a theremin,
with an inexhaustable imagination that lasts the entire 113
minutes of the film. It is this freedom that allows the director to
laugh at a character who exclaims, "Save the genius of art," while
his film never stops honoring that motto.

Alexey Fedorchenko
Nació en Yekaterinburg, Rusia, en 1966. Estudió ingeniería y más tarde dramaturgia en el VGIK Contacto/Contact
ruso. Dirigió varios mediometrajes documentales y los largometrajes First on the Moon (2005), Silent ANT!PODE Sales &
Souls (2010, ganadora del Ástor de Plata a Mejor Dirección y Guion en el 25º Festival) y Celestial Distribution
Wives of the Meadow Mari (2013), entre otros. Eng Born in Yekaterinburg, Russia in 1966, he studied Evgeniya Chulkova
Engineering and Drama at the Russian VGIK. He directed many medium-length documentaries T +7 962 965 6918
as well as the features First on the Moon (2005), Silent Souls (2010, winner of the Silver Astor for Best E festivals@
Director and Script at the 25th Festival) and Celestial Wives of the Meadow Mari (2013), among others. antipode-sales.biz
W antipode-sales.biz
Rusia - Russia, 2014 / 113’ / DCP / Color / Ruso - Russian
D: Alexey Fedorchenko G: Denis Osokin F: Shandor Berkeshy M: Andrey Karasev
P: Dmitry Vorobyev, Alexey Fedorchenko, Leonid Lebedev CP: 29th February Film Company
I: Darya Yekamasova, Polina Aug, Pavel Basov, Georghi Iobadze, Konstantin Balakirev
 327

Chagall-Malevich
Shagall-Malevich

La primera película de Aleksandr Mitta en más de una
década es una biopic fantástica y extravagante sobre un
pintor que encarnó, como muy pocos artistas, esas mismas
características. En el montaje, la puesta en escena y la fotografía,
el ojo atento al detalle puede observar aquellos lineamientos
que constituyeron la obra de Marc Chagall, los principios que
impartió estando al frente de la Escuela de Arte de Vítebsk y los
aspectos en los que su rival artístico, Kazimir Malevich, salió al
cruce con el suprematismo, en un momento en que la estética
no podía concebirse sin su ética, y el trazo correcto de un pincel
era parte del rumbo político de la revolución. En sus mejores
momentos, Chagall-Malevich alcanza el balance entre sus
libertades formales y el desarrollo de sus historias alteradas por
el devenir de la Historia.
Aleksandr Mitta’s first film in over a decade is a fantastical
and extravagant biopic about a painter who embodied, like
few others, those very characteristics. In the editing, the mise
en scène and the cinematography, the eye that is attentive to
detail can observe the guidelines that make up the work of Marc
Chagall, the principles that he imparted standing in front of
the Vitebsk Art School and the aspects in which his artistic rival,
Kazimir Malevich, came to the crossroads with his suprematism,
at a moment in which aesthetics could not be conceived of
without his ethics, and the correct brushstroke was part of the
political course of the revolution. In its best moments, Chagall-
Malevich achieves a balance between its formal liberties and
the development of its stories that were changed by the path
of History.

Alexander Mitta
Nació en 1933 en Moscú. Se graduó en cinematografía en el VGIK ruso en 1960. Con su película Contacto/Contact
Someone Calls, Open the Door (1966), ganó el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de INTERCINEMA
Venecia. Dirigió y escribió, entre otras, Moscow, My Love (1974), Tales of Wanderings (1982) y Lost in Natasha Zakharova
Siberia (1991). Eng Born in Moscow in 1933, he graduated as a Filmmaker at the Russian VGIK in T +7 495 134 4014
1960. With his film Someone Calls, Open the Door (1966), he won the Golden Lion at the Venice Film E natasha@ intercinema.ru
Festival. He wrote and directed the films Moscow, My Love (1974), Tales of Wanderings (1982) and Lost W intercinema.ru
in Siberia (1991), among others. intercinema.ru/
chagall-malevich
Rusia - Russia, 2014 / 120’ / DCP / Color / Ruso - Russian
D, G: Alexander Mitta F, E: Sergei Machilsky DA: Eduard Galkin, Lyudmila Gaintseva
S: Oleg Tatarinov M: Alexey Aygi P: Shneidermann Larisa, Elizaveta Lesovaya CP: ShiM-Film
I: Leonid Bichevin, Kristina Shneidermann, Anatoliy Beliy, Semen Shkalikov
focos y retrospectivas Centenario de la Revolución Rusa: Arte, Cine, Revolución —
focus and retrospectives Centennial of the Russian Revolution: Art, Film, Revolution

Kharms

Daniil Yuvachev fue un escritor ruso de la primera mitad del
siglo XX. Se creía un genio. Y quizás lo fuera. Pero las editoriales,
por entonces, no querían publicar sus cuentos ni poemas. Así,
sobrevivía escribiendo libros infantiles encerrado en el desorden
de su departamento, siempre al borde de la pobreza. A pesar de los
malos tragos, Daniil Kharms –como se hacía llamar– salía adelante
del mismo modo que los personajes alucinados que creaba:
forjándose su propio mundo, que distaba mucho de coincidir con
la realidad. Arrogante, amante del escándalo, altanero, mujeriego
y convencido de su talento, desafiaba a quienes querían oírlo en
los habituales encuentros literarios a los que frecuentaba en los
rincones de Leningrado. Kharms es una biopic que describe la
vida fascinante de quien vivía en una batalla constante contra la
sociedad de la época, mientras lidiaba con sus propios demonios.
Daniil Yuvachev was a Russian writer from the first half of the
20th century. He believed he was a genius. And perhaps he was.
But the publishing houses of the time did not want to publish his
short stories or poems. So he survived writing children’s books
confined in his messy apartment, always on the verge of poverty.
In spite of the bad times, Daniil Khrams -as he called himself-
got by in the same manner as the astonishing characters he
created: by forging his own world, which had very little to do
with reality. Arrogant, fond of scandals, haughty, a womanizer
and convinced of his talent, he defied those who wanted to hear
him in the literary encounters he used to frequent on the corners
of Leningrad. Kharms is a biopic that describes the fascinating life
of a man who lived in constant battle against the society of the
time, while dealing with his own demons.

Ivan Bolotnivok
Nació en Moscú en 1969. En 2004 se graduó de la escuela de guionistas y directores de Aleksei Contacto/Contact
German y Svetlana Karmalita. Trabajó en la producción de la película de German Qué difícil es ser ANT!PODE Sales &
un dios (exhibida en el 29º Festival). Dirigió los documentales A Melody for German (2008) y The Distribution
Theatrical Novel (2015), entre otros. Kharms es su primera película de ficción. Eng He was born in Evgeniya Chulkova
Moscow in 1969. In 2004, he graduated from the Aleksei German and Svetlana Karmalita’s school T +7 962 965 6918
of writers and directors. He worked in the production of the German film Hard to Be a God (screened E festivals@
at the 29th Festival). He directed the documentaries A Melody for German (2008) and The Theatrical antipode-sales.biz
Novel (2015), among others. Kharms is his first fiction film.
W antipode-sales.biz

Rusia / Lituania / Macedonia - Russia / Lithuania / Macedonia, 2017

95’ / DCP / Color - B&N / Ruso - Russian
D: Ivan Bolotnikov G: Ivan Bolotnikov, Sergei Soloviev F: Shandor Berkeshi P: Andrei Sigle,
Eva Norviliene, Sasho Pavlovsky CP: Manufaktura Production, Proline Film, Tremora
I: Wojciech Urbanski, Aistė Dirziūtė, Darius Gumauskas, Artyom Semakin, Grigory Chaban
 329

foto: LES POISSONS VOLANTS

L'Utopie des images de la Révolution russe

The Russian Revolution Through Its Films

Si la Revolución soviética marcó a fuego la historia social
del siglo XX, lo mismo puede aseverarse sobre la revolución
artística que significó un grupo de directores, actores y técnicos
en la industria cinematográfica a partir de ese período.
Desde los experimentos del montaje de Lev Kuleshov hasta
la espectacularidad de Serguéi Eisenstein, pasando por el
visionario Yákov Protazánov, Pudovkin y Dovzhenko, entre
muchos otros, los nombres se traducen en obras que exponen
ficciones y documentales que dan cuenta de una libertad
creativa y una energía hasta entonces inédita en el cine ruso.
Este documental recorre, a partir de extractos de films y textos
de los artistas, la producción cinematográfica desde la década
del 10 hasta los años 30, cuando la ficción se permitía erosionar
la realidad en películas que ayudaron a construir el imaginario
visual y poético de la Revolución.
If the Soviet Revolution branded the social history of
the 20th Century, the same can be asserted about the artistic
revolution that came from a group of directors, artists and
technicians in the film industry starting in this period. From
Lev Kuleshov’s experiments in editing to the spectacular films
of Sergei Eisentstein through the visionary work of Yakov
Protazanov, Pudovkin and Dovzhenko, among others, these
names translate into works of fiction and documentary that
realized a level of creative energy and freedom that were until
then unknown in the Russian cinema. This documentary traces,
using extracts from films and texts by the artists, the film
production from the 1910s through the 30s, when fiction was
allowed to erode reality in films that helped construct a the
visual and poetic imaginary of the Revolution.

Emmanuel Hamon
Fue asistente de dirección de Maurice Pialat y Robert Altman, y luego comenzó a dirigir Contacto/Contact
documentales para televisión. Entre sus films se destacan Maurice Papon, itinéraire d’un home d’ordre Les Poissons Volants
(2010) y De Sarajevo à Sarajevo (2014). L’Utopie des images de la Révolution russe tuvo su premiere en el Saskia Nilly
último Festival de Venecia. Eng He was assistant director for Maurice Pialat and Robert Altman, T +33 174 704 474
and later started directing television documentaries. His films include Maurice Papon, itinéraire E saskia.nilly@
d’un home d’ordre (2010) and De Sarajevo à Sarajevo (2014). The Russian Revolution Through Its Films poissonsvolants.com
premiered at the latest edition of the Venice Film Festival. production@
poissonsvolants.com
Francia - France, 2017 / 88’ / DCP / Color - B&N / Francés - French W poissonsvolants.com
D: Emmanuel Hamon G: Thomas Cheysson E: Anne Renardet S: Matthieu Deniau, Studio Orlando /LesPoissonsVolants1989
P: Sophie Goupil CP: Les Poissons Volants I: Virginie Efira, Xavier Legrand, Damien Chapelle,
Aurélien Recoing, Emmanuel Salinger
FOCOS Y RETROSPECTIVAS CENTENARIO DE LA REVOLUCIÓN RUSA: ARTE, CINE, REVOLUCIÓN —
FOCUS AND RETROSPECTIVES CENTENNIAL OF THE RUSSIAN REVOLUTION: ART, FILM, REVOLUTION

Octubre
Octjabre / October - Ten Days That Shook the World
Luego del éxito de La huelga (1924) y de El acorazado
Potemkin (1925), a diez años de la Revolución de 1917, el Comité
Central del Partido Comunista encargó a Sergei Eisenstein la
realización de Octubre, la reconstrucción de los acontecimientos
ocurridos desde febrero hasta octubre de aquel año. Dividida
en cinco capítulos –que abarcan desde los primeros días del
gobierno provisional de Kerensky hasta el momento en que
los bolcheviques llegan al poder, con el pueblo oprimido
como protagonista–, la epopeya coral del realizador soviético
representa uno de los picos más altos del cine mudo, y sus
técnicas narrativas y de montaje inéditas fundaron las bases
para el desarrollo del film documental. Casi un siglo después,
Octubre sigue siendo una de las películas más importantes de la
historia del cine.
Se proyecta la versión restaurada y reconstruida en 2012, con
música de Edmund Meisel a cargo de la Orquesta Sinfónica de
Berlín conducida por Frank Strobel.
FOTO: LOBSTER
of Strike (1924) and The Battleship Potemkin
Committee of the Communist Party commissioned Sergie
Eisenstein with directing the film October, a reconstruction
of the events that occurred from February through October
of 1917. Divided into five chapters – beginning with the first
days of Kerensky’s provisional government and ending with
the Bolsheviks taking power, with the people of the nation
as the protagonists –, the choral epic of the Soviet filmmaker
represented one of the peaks of silent film. And his narrative
techniques and unprecedented editing / montage techniques
created the basis for the development of documentary film.
Almost a century later, October continues to be one of the most
important films in the history of cinema.
Screening of the film's restored and reconstructed 2012 version,
with original score by Edmund Meisel played by the Berlin
Symphony Orchestra, conducted by Frank Strobel.

Sergei M. Eisenstein & Grigoriy Aleksandrov Contacto/Contact

Eisenstein nació en Riga, Letonia, en 1898. Es uno de los más destacados directores y pensadores Munich Film Museum
del cine ruso, autor de, entre otras, El acorazado Potemkin (1925), Que viva México (1932) e Iván el Stefan Droessler
terrible (1945). Murió en 1948. Aleksandrov nació en Ekaterinburg, Rusia, en 1903. Fue colaborador T +49 89 233 22575
de Eisenstein como codirector, como guionista y como actor. Dirigió su primera película Jolly Fellows
E stefan.droessler@muenchen.de
en 1930. Murió en 1983. Eng Eisenstein was born in Riga, Larvia in 1898. He is one of the most
W muenchner-stadtmuseum.de
important directors and thinkers of Russian film. He directed Battleship Potemkin (1925), Qué viva
México (1932) and Ivan the Terrible (1945). He died in 1948. Aleksandrov was born in Ekaterinburg,
Russia in 1903, and was Eisenstein’s collaborator as co-director, writer and actor. He directed his
first film, Jolly Fellows, in 1930. He died in 1983.

Rusia - Russia, 1928 / 101’ / DCP / B&N

D, G: Sergei M. Eisenstein, Grigoriy Aleksandrov F: Edouard Tissé CP: Sovkino I: Boris Livanov,
Vassili Nikandrov, Vladimir Popov
 331

Corea del Sur: País Invitado

de Honor
—
South Korea: Guest Country of Honor

333 Loser’s Adventure

334 The Seeds of Violence
335 Autumn, Autumn
336 Behind the Dark Night
337 A Taxi Driver
338 Die Bad
339 The Battleship Island
340 The Villainess
 I NVITADO DE HONOR —
FOCOS Y RETROSPECTIVAS COREA DEL SUR - PAÍS
FOCUS AND RETROSPECTIVES SOUTH KOREA - GUEST COUNTRY OF HONOR
En 2012, también en colaboración con el KOFIC (Korean Film
Council), el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata
realizó un foco sobre nuevos directores coreanos. Aquella vez
se trató de un grupo de directores nóveles que presentaban sus
primeras y segundas películas y producciones independientes.
Esta vez, la selección también incluye títulos realizados con
grandes presupuestos y que lograron cifras millonarias en
taquilla al momento de su estreno. Esta muestra de películas
–que van desde comedias de bajo presupuesto a personales
obras de autor, cine de género y superproducciones que, a pesar
de su destino popular, no dudan en enfrentarse a momentos
históricos y polémicos de la historia del país– revelan por
qué el cine de Corea del Sur sigue interesando al resto del
mundo: una vitalidad cada vez más difícil de encontrar en otras
cinematografías.
Este año el Festival recibe a Corea del Sur como País Invitado
de Honor. A las películas mostradas en esta selección se suman
una serie de charlas y visitantes, directores y profesionales
del cine de diferentes áreas, que visitarán el Festival con el fin
de compartir con la audiencia los secretos del éxito del cine
coreano. Marcelo Alderete
In 2012, in collaboration with the KOFIC (Korean Film Council),
the Mar del Plata International Film Festival focused on new
Korean directors. At the time, it was a group of new directors
who presented their first and second films and along with other
independent productions. This time, the selection also includes
titles made with large budgets and that have made the millions
ranging from low budget comedies to personal works of art,
genre films and super-productions that, despite their popular
quality, do not hesitate to face significant and controversial
moments of the country's history - revealing why South Korean
cinema continues to interest the rest of the world: a vitality
This year the Festival receives South Korea as the Guest Country
of Honor. Along with the films screen in this selection are a
series of talks and visitors, directors and film professionals from
various places, who will visit the Festival in order to share with
the audience the secrets of the success of Korean cinema. MA
 333

Loser’s Adventure
La aventura del perdedor

El cine y el deporte siempre se llevaron bien. Especialmente
con los perdedores, quienes con sus derrotas nos enseñan que
ganar no siempre es lo más importante; desde la canónica
Rocky (1976) hasta clásicos de la generación VHS como Jamaica
bajo cero (1993). Ya desde su mismo título, Loser’s Adventure nos
deja en claro el destino de nuestros protagonistas, un grupo de
muchachos grandes cuyas vidas parecen haberse desviado de sus
sueños de juventud, pero a quienes, sin embargo, se les presenta
la posibilidad de formar un grupo de lucha libre para participar
de un torneo. El director Ko Bong-soo ya había demostrado su
talento y amor por este tipo de personajes en su ópera prima
Delta Boys (2016), realizada en nueve días por la irrisoria suma
de 2184 dólares. Loser's Adventure, filmada en once días, vuelve a
dejar en claro el amor del realizador por la velocidad, sus actores
(los mismos de su película anterior) y los personajes alejados de
una sociedad que ve en el éxito económico y profesional el mayor
de sus logros. Marcelo Alderete
Film and sports have always gotten along well. Especially
with losers, who show us, with their defeats, that winning isn’t
always what is important; from the canonical Rocky (1976) to
classics from the VHS generation like Cool Runnings (1993). By
its very title, Loser’s Adventure makes the fate of our protagonists
clear. They are a group of grown up boys whose lives seem to
have taken a detour from the dreams of their youth, but to
whom the opportunity arises to form a wrestling team in order
to take part in a tournament. Director Ko Bong-soo had already
shown his talent and love for this type of characters in his first
feature, Delta Boys (2016), made in nine days for the ridiculous
sum of 2,184 dollars. Loser’s Adventure, shot in eleven days, again
shows the love the director has for speed, for his actors (the
same ones from his previous film) and characters distanced
from a society that sees financial and professional success as the
best of achievements. MA

Ko Bong-soo
Nació en 1976 en Seúl. Se graduó en el Soodo High School. Su cortometraje A Cup of Coffee (2006) Contacto/Contact
fue premiado en el Chicago Northwestern Film Festival. Su largometraje musical Delta Boys (2016) INDIESTORY Inc.
fue recientemente premiado en el XVII Festival Internacional de Cine de Jeonju. Eng He was born T + 82 27 22 6051
in Seoul in 1976, and graduated at the Soodo High School. His short film A Cup of Coffee (2006) M indiestory@
was awarded at the Chicago Northwestern Film Festival. His musical feature Delta Boys (2016) was indiestory.com
recently awarded at the 17th Jeonju International Film Festival. W indiestory.com

Corea del Sur - South Korea, 2017 / 105’ / DCP / Color / Coreano - Korean
D, G, F, E: Ko Bong-soo M: Cryingnut P: Kim Jun-jong I: Kim Chung-gil, Beak Seungh-wan,
Shin Min-jea, Ko Sung-wan
 I NVITADO DE HONOR —
FOCOS Y RETROSPECTIVAS COREA DEL SUR - PAÍS
FOCUS AND RETROSPECTIVES SOUTH KOREA - GUEST COUNTRY OF HONOR

The Seeds of Violence

Las semillas de la violencia

Existe una tendencia en el cine coreano de los últimos
años a tener como protagonistas a hombres al borde del
estallido. Son historias marcadas por una violencia, social e
interna, que parece estar a punto de explotar en cualquier
momento, y que conduce no solo la historia sino también
su puesta en escena; desde Breathless, debut de Yang Ik-
june vista en la edición 11º del Bafici, hasta Alive, de Park
Jung-bum, visto en el 29º Festival de Mar del Plata. En esta
ópera prima, el director Lim Tea Geu cuenta, en tiempo real
y sin despegarse de su protagonista, la historia de un joven
que durante el cumplimiento del servicio militar deberá
hacerse cargo de una misión fuera de su cuartel (hay aquí
ecos lejanos de El último deber, de Hal Ashby) para tratar de
evitar la furia de uno de sus superiores. Sin embargo, no
podrá evitar caer en una escalada de violencia asordinada
que, como indica el título de la película, parece nacer de los
secretos, frustraciones y sentimientos reprimidos que se
ocultan en las relaciones humanas. Marcelo Alderete
There has been a tendency in the South Korean cinema of
the last few years to have men on the edge as protagonists.
These are stories marked by a violence, both inner and social,
that seems to be about to explode at any moment, and that
not only leads the story but also the mise-en-scène; from
Breathless, Yang Ik-junes’ debut, seen at the 11th edition of
Bafici, to Park Jung-bum’s Alive, seen at the 29th Mar del Plata
Film Festival. In this first feature, director Lim Tea Geu tells,
in real time and without ever distancing himself from his
protagonist, the story of a young man who, during military
service, must take on a mission outside his quarters (some
distant echoes of Hal Ashby’s The Last Detail) in order to try
to avoid the wrath of one of his superiors. However, he won’t
be able to escape falling into a spiral of muted violence that,
as the title indicates, seems to be born from the repressed
secrets, frustrations and feelings that hide in human
relationships. MA

Lim Tea Geu

Nació en 1985. Se graduó de la Escuela de Cine de la Universidad Chungang en 2013, y del Posgrado Contacto/Contact
de Contenidos Cinematográficos en la Universidad Dankook en 2017. The Seeds of Violence es su M-LINE
primer largometraje. Eng He was born in 1985 and graduated from the Chungang University's Film T +82 2796 2425
School in 2013. In 2017, he graduated from Dankook University’s Graduate School of Cinematic +82 2796 2429
Content. The Seeds of Violence is his first feature film. E sales@
mline-distribution.com
Corea del Sur - South Korea, 2017 / 82’ / DCP / Color / Coreano - Korean
D: Lim Tea Geu G: Moon Gwang-baek F: Son Jin-yong E: Lim Tea Geu P: Park Haeo I: Lee Gaseop,
Jung Jae-yun, Kim Soy, Park Seon-gil
 335

Autumn, Autumn
Otoño, otoño

En Autumn, Autumn (cuyo título original hace referencia a
Chuncheon, la localidad turística a la que asisten los personajes)
se cruzan dos historias, cada una con dos protagonistas. Pero no
como un truco ingenioso de guion, sino como un simple y leve
comentario generacional sobre sus personajes. En la primera
de ellas, un joven recuerda a través de un llamado telefónico la
ausencia de un amigo y los momentos de un pasado que pudo
haber continuado en el presente, pero que ya no ocurrirá. La
segunda retrata el encuentro de una pareja de mediana edad
y la posibilidad de una relación, en la que también pesarán
el paso del tiempo, las historias previas y las convenciones
sociales. En su segunda película, Jang Woo-jin demuestra una
capacidad asombrosa de utilizar las herramientas básicas del
cine –la duración del plano y la utilización de la luz (él es su
propio director de fotografía)– para registrar el transcurrir del
tiempo, la incomodidad sentimental de sus personajes y una
leve tristeza que parece marcar las relaciones de estos tiempos.
Marcelo Alderete
In Autumn, Autumn (whose original title refers to
Chuncheon, the tourist town the characters travel to) two
stories intertwine, each with two protagonists. Not as a clever
screenwriter’s trick, but rather as a simple, mild generational
commentary on its characters. In the first, a young man is
reminded, through a phone call, of the absence of a friend
and the moments of a past that could have continued into the
present, but won’t. The second depicts the meeting of a middle-
aged couple and the possibility of a relationship in which the
passing of time, previous histories and social conventions will
also play an important role. In his second film, Jang Woo-
jin shows amazing skill in using the basic tools of film –the
length of the shot and the use of light (he is his own director
of photography) – in order to capture the passing of time, the
emotional awkwardness of his characters and a certain mild
sadness that seems to mark relationships these days. MA

Jang Woo-jin
Nació en 1985 en Ulsan, Corea del Sur. Estudió en Hongik University School of Film, Video and Contacto/Contact
Moving Image, en Sejong, y en Dankook University Graduate School of Cinematic Content. M-LINE
Realizó el largometraje Sae-chul-bal (2014). Eng Born in Ulsan, South Korea, in 1985, he studied T +82 2796 2425
at the Hongik University School of Film, Video and Moving Image, in Sejong, and at the Dankook +82 2796 2429
University Graduate School of Cinematic Content. He directed the feature film Sea-chul-bal (2014). E sales@
mline-distribution.com
Corea del Sur - South Korea, 2016 / 77’ / DCP / Color / Coreano - Korean
D, G, F, E, S: Jang Woo-jin M: Mo Seong-min P: Jang Woo-jin, Kim Dae-hwan, Kim Dong-ho
CP: Bomnae Films, Tiger Cinema I: Yang Heung-ju, Lee Se-rang, Woo Ji-hyeon
 I NVITADO DE HONOR —
FOCOS Y RETROSPECTIVAS COREA DEL SUR - PAÍS
FOCUS AND RETROSPECTIVES SOUTH KOREA - GUEST COUNTRY OF HONOR
Behind the Dark Night
Detrás de la noche oscura
Los falsos documentales que retratan las manías de un
grupo de personajes con un trabajo en común suelen funcionar
bien para mostrar las glorias y miserias de los seres humanos y
sus profesiones. En Behind the Dark Night, el joven realizador Shim
Chan-yang centra su mirada en una banda de jóvenes que realizan
una película de superhéroes mientras uno de ellos registra
el backstage de la preproducción. Al tratarse de una historia
bastante autobiográfica, el director diluye la crítica con humor y
amor hacia sus jóvenes y nerds protagonistas. Pero lo que termina
de transformar al film en otra cosa está en la última parte (las
películas de superhéroes “de verdad” nos enseñaron que no hay
que irse de la sala antes de los títulos finales), cuando descubrimos
que todo lo que vimos no era una gran broma, sino algo que
conviene no espoilear. Como los superhéroes y los villanos, Shim
parece tener que ocultar personalidades: la de un director low-fi y
la de un realizador con futuro hollywoodense. Habrá que esperar a
la secuela para ver cómo sigue la historia. Marcelo Alderete
Shim Chan-yang
Dirigió el cortometraje Minsu Kim in Wonderland (2015). Behind the Dark Night es su primer
largometraje. Eng He directed the short film Minsu Kim in Wonderland (2015). Behind the Dark Night
is his first feature length film.
Corea del Sur - South Korea, 2017 / 117’ / DCP / Color / Coreano - Korean
D, G: Shim Chan-yang
Mockumentaries that depict the obsessions of a group of
characters with a job in common tend to be good at showing
the glories and miseries of human beings and their professions.
In Behind the Dark Knight, young filmmaker Shim Chan-yang
centers his eye on a gang of young men who make a superhero
movie while one of them films the behind-the-scenes of the
pre-production. Being in large part an autobiographical story,
the director waters down the critique with humor and love for
his nerdy leading characters. But what ends up turning the film
movies have taught us we don’t have to leave the theater before
the end credits), when we discover that everything we have
seen is not one big prank, but something we had better not
spoil. Like superheroes and villains, Shim seems to have to hide
personalities: that of a lo-fi director and a filmmaker with a
future in Hollywood. We will have to wait until the sequel to
find out how it goes. MA
Contacto/Contact
Foot-Made Pictures
Chan-Yang Shim
E shimchanfilm@
gmail.com
 337

A Taxi Driver
Un chofer de taxi

A Taxi Driver se centra en un momento tan histórico como
traumático para la sociedad coreana: en 1980, el pueblo de la
ciudad de Gwangju se alzó contra la dictadura que gobernaba el
país. La represión militar no tardó en reaccionar, causando una
masacre con cientos de víctimas civiles. El hecho se convirtió en
un símbolo de la lucha por la democracia, y de la oposición de los
surcoreanos ante los regímenes autoritarios. El levantamiento
de Gwangju y sus consecuencias ya fueron mostradas por el
cine surcoreano, en películas como A Petal, de Jang Sun-woo, y
Peppermint Candy, de Lee Chang-dong. Esta vez, Jang Hun elige
ficcionalizar los hechos y transformarlos en un cuento lleno de
emoción y lágrimas, en el que un chofer de taxi y sus colegas
ayudan a un periodista extranjero a entrar y escapar de una
ciudad sitiada. Una aventura que los llevará a transformarse en
héroes anónimos e inesperados que, casi sin saberlo, lograrán
cambiar la historia de un país. Marcelo Alderete
A Taxi Driver centers on a moment as historic as it was
traumatic for Korean society: in 1980, the people from the
city of Gwangju stood up against the dictatorship that ruled
the country. The military didn’t take long to react, causing the
massacre of hundreds of civilians. The event turned into a
symbol of the struggle for democracy, the opposition of South
Koreans to authoritarian regimes. The rising of Gwangju and its
aftermath have already been shown by South Korean cinema,
in films like Jang Sun-woo’s A Petal and Lee Chang-dong’s
Peppermint Candy. This time, Jang Hun chooses to fictionalize
the events and turn them into a tale full of emotion and tears in
which a taxi driver and his colleagues help a foreign journalist
to enter and escape a city under siege. An adventure that will
turn them into anonymous, unexpected heroes who, almost
without realizing it, will change a country’s history. MA

Jang Hun
Nació en 1975 en Corea del Sur. Fue asistente de dirección de Kim Ki-duk. Dirigió el cortometraje Contacto/Contact
The Villains (2007) y los largometrajes Rough Cut (2008), Secret Reunion (2010) y The Front Line (2011). California Filmes
Eng Born in South Korea, he served as assistant director to Kim Ki-duk. He directed the short film T +55 11 2899 9000
The Villains (2007) and the features Rough Cut (2008), Secret Reunion (2010) and The Front Line (2011). W californiafilmes.com.br

Corea del Sur - South Korea, 2017 / 137’ / DCP / Color / Coreano - Korean
D: Jang Hun G: Eom Yu-na I: Song Kang-ho, Thomas Kretschmann, Yoo Hae-jin, Ryu Jun-yeol,
Park Hyuk-kwon
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FOCOS Y RETROSPECTIVAS COREA DEL SUR - PAÍS
FOCUS AND RETROSPECTIVES SOUTH KOREA - GUEST COUNTRY OF HONOR

Die Bad
Morir mal

Die Bad está incluida en esta selección de nuevas películas
coreanas no solo por la aparición de una copia recientemente
restaurada, sino para recuperar una película llena de furia,
violencia y juventud que no tiene el mismo reconocimiento
que otros títulos del cine coreano moderno. Se estrenó en
2000 (el mismo año de Barking Dogs Never Bite, Joint Security
Area y The Foul King, por ejemplo), se filmó con 3000 dólares
durante tres años, y su elenco incluía a un futuro director (Jang
Kung-jae, autor de Sleepless Night) y a la futura estrella Jeong
Jae-yeong (Right Now, Wrong Then). Se trata de cuatro cortos
interconectados, con historias que tratan sobre las violentas
vidas de personajes fuera de la ley y las relaciones masculinas.
Con el paso del tiempo, el director Ryoo Seung-wan se
transformaría en uno de los realizadores más taquilleros de su
país, con un estilo depurado en thrillers que, en algunos casos,
mantenían ecos de aquella violencia juvenil. Aunque la furia de
Die Bad nunca volvería a repetirse. Marcelo Alderete
Die Bad is included in this selection of new Korean films
not only because of the surfacing of a recently restored print,
but also to recover a film full of anger, violence and youth that
is not as well-acknowledge as other titles of modern Korean
cinema. It opened in 2000 (the same year as Barking Dogs Never
Bite, Joint Security Area and The Foul King, for example), was shot
on a 3,000-dollar budget throughout the course of three years
and its cast included a future director (Sleepless Night’s Jang
Kung-jae) and future star Jeong Jae-yeong (Right Now, Wrong
Then). It is made up of four interconnected shorts, with stories
that deal with the violent lives of characters outside the law and
male relationships. Over time, director Ryoo Seung-wan would
become one of the most successful directors in his country, with
a polished style in thrillers that, in some cases, had echoes of
that youthful violence. Although the fury of Die Bad would never
be repeated. MA

Corea del Sur - South Korea, 2000 / 95’ / DCP / Color / Coreano - Korean
D, G: Ryoo Seung-wan F: Cho Yong-kyou E: Ahn Byeong-ki M: Kim Dong-kyu,
Kim Sung-hyun P: Kim Sun-kuk I: Park Seong-bin, Ryo Seung-bum, Bae Jung-shik
 339

The Battleship Island

La Isla Acorazado

Hay una isla llamada Isla Acorazado a la que muchos
coreanos fueron enviados a la fuerza para servir al ejército imperial
japonés y extraer carbón. El director Ryoo Seung-wan llevó al cine
la trágica historia de esa isla, con muchos paralelismos con la
crítica conceptual de Bong Joon-ho en Snowpiercer. Así como los
líderes del último vagón necesitan cooperar con los del primero
para hacer que el tren avance, los colaboradores coreanos son
esenciales en las minas de la Isla Acorazado. La película expone el
tema de los projaponeses, una mancha en la historia de la Corea
moderna, con seriedad. En Corea hubo polémicas en el momento
de su estreno, lo cual dio lugar a un corte del director que dura
19 minutos más e incluye una escena notoria en la que los pro-
japoneses son erradicados. El segmento en que Mu-young ejecuta
a un traidor que vendió coreanos a la Isla Acorazado vuelve mucho
más clara la conciencia de la película. Nam Dong-chul
There’s an island called Battleship Island, where many
Koreans were forcibly drafted into serving the Japanese imperial
army and mining coal, where they were treated miserably.
Director Ryoo Seung-wan cinematized the island’s tragic
history, with parallels to Bong Joon-ho’s conceptual critique in
Snowpiercer. Just as leaders in the tail carriage must cooperate
with the head carriage to make the train roll onwards, Korean
collaborators are essential in Battleship Island’s mines. The film
seriously brings up the pro-Japanese issue, a stain in the history
of modern Korea. Controversies rose in Korea at the time of the
release, prompting a director’s cut that is 19 minutes longer
and includes a noticeable scene in which the pro-Japanese
are eradicated. The segment in which Mu-young executes a
traitor who sold Koreans out to Battleship Island makes the
consciousness of this film much more clear. NDC

Ryoo Seung-wan
Nació en 1973 en Onyang, Corea del Sur. Es director y guionista y uno de los cineastas surcoreanos Contacto/Contact
más exitosos actualmente, con films como Veteran (2015), The Berline File (2013) y The City of Violence CJ E&M Film Division l
(2006). Su primer largometraje, Die Bad (2000), se proyecta en esta misma sección del Festival. CJ Entertainment
Eng He was born in 1973 in Onyang, South Korea. He is a director and writer. He started his career T +82 2371 8470
with Die Bad in 2000 and became one of the most successful current Korean directors, with films E eunji.kim3@cj.net
like Veteran (2015), The Berline File (2013) and The City of Violence (2006). His first film Die Bad (2000)
is also programmed in this section of the Festival.

Corea del Sur - South Korea, 2017 / 132’ / DCP / Color / Coreano - Korean
D: Ryoo Seung-wan M: Adam Klemens P: Cho Sung-min CP: Filmmaker R & K I: Hwang Jung-min,
So Ji-sub, Song Joong-ki, Lee Jung-hyun, Kim Su-an
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FOCOS Y RETROSPECTIVAS COREA DEL SUR - PAÍS
FOCUS AND RETROSPECTIVES SOUTH KOREA - GUEST COUNTRY OF HONOR

The Villainess
La villana

Cuando la nueva ola de cine coreano hizo su aparición
allá por el año 2000, fue en su mayoría con películas que
trabajaban sobre los géneros cinematográficos, en muchos casos
pervirtiéndolos y dotándolos de un vitalidad extinguida en otras
partes del planeta. The Villainess parece querer recuperar ese
espíritu y, a la vez, lograr ser la película de acción más grande de
los últimos tiempos. Es casi un resumen y a la vez muestrario de
todas las posibilidades de este tipo de cine. Para seguir siéndole
fiel a una tradición, la historia que cuenta es la de una venganza.
Nuestra protagonista, la villana del título, fue entrenada para
matar. El gobierno, para quien terminará trabajando, le promete
que, luego de unos años de servicio, podrá seguir con su vida
pero, obviamente, las cosas se complicarán. En su tercera película
como director, Jung Byung-gil logra mezclar la acción, los tiros y
las patadas con el melodrama más desatado, y a la vez crear un
personaje inolvidable. Incluso en el cine de acción, el futuro es
mujer. Marcelo Alderete
When the new wave of Korean film made its appearance
back in the year 2000, it was mostly with films that worked
on genre, in many cases perverting them and providing them
with a vitality that was extinct in other parts of the planet. The
Villainess seems to want to gain back that spirit and, and the
same time, become the biggest action movie of the last few
years. It is almost a summary, as well as a collection of samples,
of all the possibilities of this type of films. In order to continue
being faithful to a tradition, the story it tells is that of a revenge.
Our main character, the villainess of the title, was trained to kill.
The government, for which she will end up working, promises
with her life, but of course things will get complicated. In his
third film as a director, Jung Byung-gil manages to mix action,
shootouts and kicks with the wildest of melodramas and, at
the same time, create an unforgettable character. Even in action
cinema, the future is woman. MA

Jung Byung-gil
Nació en 1980 en Corea del Sur. Es guionista y director de cine. Realizó el documental Woo-ri aek- Contacto/Contact
syeon-bae-woo-da (2008) y el largometraje de ficción Confesiones de un asesino (2012). Eng Born in Energía Distribución
South Korea in 1980, he is a film writer and director. He made the documentary Woo-ri aek-syeon- T +54 11 4821 2044
bae-woo-da (2008) and the narrative feature Confessions of Murder (2012). E marketing@
energiaentusiasta.com
W energiaentusiasta.com
Corea del Sur - South Korea, 2017 / 123’ / DCP / Color / Coreano - Korean
D: Jung Byung-gil G: Jung Byeong-sik, Jung Byung-gil F: Park Jung-hun E: Heo Sun-mi M: Koo
Ja-wan P: Moon Young-hwa I: Kim Ok-vin, Shin Ha-kyun, Sung June, Kim Seo-hyung, Cho Eun-ji
 341

Clásicos Restaurados -
CINAIN
—
Restored Classics - CINAIN

342 Camila
343 Pizza, birra, faso
344 Los guantes mágicos
345 Lucía
346 All That Jazz
347 Blow-Up
CLÁSICOS RESTAURADOS - CINAIN — RESTORED CLASSICS - CINAIN

All That Jazz

“Son los excesos los que convierten a All That Jazz en
algo tan atractivo, un poco a la manera en que el increíble
ensimismamiento de Joe Gideon fascina a quienes lo rodean. Lo
ven como aquello que deberán soportar para acercarse al encanto
y el talento que vienen con ello. Tomamos la extravagancia de
All That Jazz no como la indiscreción de un artista, sino más bien
como la naturaleza fundamental de la empresa. Luego de haber
llevado a cabo las versiones cinematográficas de sueños ajenos
(Cabaret y Lenny), aquí el Sr. Fosse lleva a cabo las de los suyos”.
Vincent Canby (Extracto de crítica publicada en The New York
Times, 20 de diciembre de 1979)
Una presentación de Park Circus. Restauración en 4K realizada
por Twentieth Century Fox y Academy Film Archive en
colaboración con The Film Foundation. Restauración a partir del
negativo de cámara original, realizado en Sony Colorworks en
Culver City, California.
“It’s the excesses that make All That Jazz as appealing as it
is, in much the way that Joe Gideon's incredible self-absorption
fascinates the people around him. They see it as what they have
to put up with to associate with the charm and talent that go
All That Jazz not as an artist’s
indiscretion but as the fundamental nature of the enterprise.
dreams (Cabaret and Lenny), Mr. Fosse is here attending to his
own.” VC (Extract from the review published in The New York
Times, September 20th, 1979)
A presentation by Park Circus. 4K restoration by Twentieth
Century Fox and the Academy Film Archive in collaboration with
the Film Doundation. Restoration from the original camera
negative, made by Sony Colorworks in Culver City, California.

Bob Fosse
Nació en Chicago en 1927. Arrancó su carrera como bailarín en teatro y cine. Dirigió Sweet Charity Contacto/Contact
(1969), Cabaret (1972), Lenny (1974) y Star 80 (1983). Ganador de numerosos premios internacionales, Park Circus Films
entre ellos el Oscar a Mejor Director por Cabaret. Murió en 1987. Eng Born in Chicago in 1927, he Graham Fulton
started his career as a dancer in theater and film. He directed Sweet Charity (1969), Cabaret (1972),
T +44 0 141 332 2175
Lenny (1974) and Star 80 (1983). Winner of many international awards, including the Best Director
E graham@parkcircus.com
Oscar for Cabaret. He died in 1987.
W parkcircus.com
Estados Unidos - USA, 1979 / 123’ / DCP / Color / Inglés - English @ParkCircusFilms
D: Bob Fosse G: Bob Fosse, Robert Alan Aurthur F: Giuseppe Rotunno E: Alan Heim DA: Philip /parkcircusfilms
Rosenberg S: Stan Bochner, Jay Dranch, Bernard Hajdenberg, Sanford Rackow M: Ralph Burns park.circus.films
P: Robert Alan Aurthur CP: Columbia Pictures Corporation, Twentieth Century Fox Film
Corporation I:
John Lithgow, Wallace Shawn
 343

Pizza, birra, faso

Los ecos del impacto provocado por la primera película de
Adrián Caetano y Bruno Stagnaro todavía resuenan. Como
sus personajes, Pizza, birra, faso tomó al cine argentino por
asalto, llenando un espacio y ocupando un lugar que se venía
preparando. Punta de lanza del llamado Nuevo Cine Argentino,
se convirtió en el film insignia de una manera de entender y
hacer cine, contraponiéndose a los vicios y tics que la producción
local venía repitiendo sin recapacitar. A veinte años de su estreno
–justo en el momento que eligió Stagnaro para presentar su
aplaudida serie Un gallo para Esculapio–, Pizza, birra, faso sigue
siendo un título clave y una de las razones fundamentales por las
cuales el cine argentino ya no pudo mirar más para otro lado.
Una presentación de CINAIN – Cinemateca y Archivo de la
Imagen Nacional. Restauración realizada por el Plan Recuperar
DAC/Gotika en Buenos Aires. Con la supervisión de Bruno
Stagnaro, Adrián Caetano y Marcelo Lavintman.
The echoes of the impact caused by the first film by Adrián
Caetano and Bruno Stagnaro still resound. Like their film’s
characters, Pizza, birra, faso took Argentine film by storm, filling
an empty space and occupying a plot that was being prepared.
Spearhead of the so-called New Argentine Cinema, it became
the emblem of a way of understanding and making films,
in opposition to the vices and clichés that local productions
repeated without reconsidering. Twenty years after its release
-right at the moment when Stagnaro chose to present his
acclaimed series Un gallo para esculapio- Pizza, birra, faso is still a
key title and one of the main reasons Argentine cinema could
no longer look the other way.
A presentation by CINAIN -Cinematheque and Archive of
National Image. Restoration performed by Plan Recuperar
DAC/Gotika in Buenos Aires, under the supervision of Bruno
Stagnaro, Adrián Caetano and Marcelo Lavintman.

Israel Adrián Caetano & Bruno Stagnaro

Adrián nació en Montevideo en 1969. Dirigió, entre otras Un oso rojo (2002), Francia (2009, Contacto/Contact
proyectada en el 24º Festival) y El otro hermano (2017). Bruno nació en Buenos Aires en 1973. Boga Bogagna
Dirigió las series Okupas y Vientos de agua, y recientemente estrenó su nueva serie Un gallo para Alicia Garcias
Esculapio. Eng Adrián was born in Montevideo in 1969. He directed, among others, Red Bear T +54 11 4524 0907
(2002), France (2009, 24th Festival) and The Lost Brother. Bruno was born in Buenos Aires in 1973. +54 9 11 3659 9751
He directed the TV series Okupas, Vientos de agua, and recently premiered his latest show Un E info@bogabogagna.com
gallo para Esculapio. alicia@bogabogagna.com
W bogabogagna.com
Argentina, 1998 / 80’ / DCP / Color / Español - Spanish @bbogagna
D, G: Israel Adrián Caetano, Bruno Stagnaro F: Marcelo Lavintman E: Andrés Tambornino bogabogagna
DA: Sebastián Rosés S: Martín Grignaschi M: Leo Sujatovich P: Bruno Stagnaro CP: Palo y a la Bolsa
Cine I: Héctor Anglada, Jorge Sesán, Pamela Jordán, Alejandro Pous, Walter Díaz, Adrián Yospe
CLÁSICOS RESTAURADOS - CINAIN — RESTORED CLASSICS - CINAIN

Los guantes mágicos

Tha Magic Gloves

Rejtman lleva aún más lejos su personal estética, que
combina una enorme cantidad de acontecimientos contados
con un mínimo de movimientos de cámara y gestos, y una
gran cantidad de diálogos (monólogos sucesivos, habría que
decir) que ocultan mucho más de lo que dicen. Es un estilo tan
personal como inimitable que se despega también de casi todo
el Nuevo Cine Argentino. Los guantes mágicos demuestra que se
puede combinar precisión narrativa con humanidad y ternura,
profundidad conceptual con liviandad anecdótica, y entregar
una serie de trabajos actorales impecables alejados en todo
momento del lucimiento personal. Diego Lerer
Una presentación del Museo del Cine Pablo C. Ducrós Hicken
con apoyo de Mecenazgo Cultural. Restauración realizada en
Cinecolor Argentina (Buenos Aires). Con la producción ejecutiva
de Constanza Sanz Palacios y Paula Félix-Didier.
Rejtman takes his personal aesthetic, which combines a
great amount of events told with a minimum of camera moves
and gestures and a maximum amount of dialog (successive
monologues, we should say) that hide much more than they
reveal. It is a style as personal as it is inimitable, and detached
from almost all of the New Argentine Cinema. The Magic Gloves
proves that you can combine narrative precision with humanity
and tenderness, conceptual deepness with anecdotic lightness,
personal ostentation. DL
A presentation by the Pablo C. Ducrós Hicken Film Museum
with the support of Mecenazgo Cultural. Restoration performed
by Cinecolor Argentina (Buenos Aires). With executive
production by Constanza Sanz Palacios and Paula Félix-Didier.

Martín Rejtman
Nació en Buenos Aires en 1961 y estudió cine en la Universidad de Nueva York. Dirigió, entre Contacto/Contact
otras, Rapado (1992), Silvia Prieto (1999), Copacabana (2006) y Dos disparos (2014). Sus películas han Rizoma Films
realizado un largo recorrido internacional. Como escritor publicó varios libros, incluido Literatura Hernán Musaluppi
y otros cuentos. Eng He was born in Buenos Aires in 1961 and studied film at NYU. His films include T +54 11 4556 1519
Cropped Head (1992), Silvia Prieto (1999), Copacabana (2006) and Two Shots Fired (2014). His films E info@rizomafilms.com.ar
have been shown widely around the world. As a writer, he has published many books, including W rizomafilms.com.ar
Literatura y otros cuentos.
Argentina, 2003 / 90’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, G: Martín Rejtman F: José Luis García E: Rosario Suárez DA: Daniela Podcaminsky S: Guido
Beremblun M: Diego Vainer, Vicentico P: Martín Rejtman, Hernán Masaluppi CP: Rizoma Films
I: Gabriel Fernández Capello (Vicentico), Valeria Bertuccelli, Fabián Arenillas, Susana Pampín,
Cecilia Biagini, Diego Olivera, Leonardo Azamor
 345

Lucía

El primer largometraje de Humberto Solás es un
recorrido épico a través de tres episodios claves de la historia
cubana (la guerra de independencia en 1895, la lucha contra
el dictador Machado en 1933 y los comienzos de la Revolución
Cubana), narradas desde la acción de tres mujeres de clases
sociales distintas y el mismo nombre. La película aborda tanto
el contexto histórico y político de cada suceso como el rol
fundamental de la mujer en estos procesos transformadores,
y las actitudes y nociones patriarcales a las que se enfrentaron.
Presentada por la Film Foundation, está restaurada por la
Cineteca di Bologna en el laboratorio L’Immagine Ritrovata,
en colaboración con el Instituto Cubano del Arte e Industria
Cinematográficos (ICAIC), y con el financiamiento de Turner
Classic Movies y The Film Foundation’s World Cinema Project.
The first feature film by Humberto Solas is an epic tour
through three key episodes in Cuban history (the 1895 Cuban
War of Independence, the 1933 struggle against the dictator,
Machado, and the beginnings of the Cuban Revolution), narrated
through the actions of three women of different social class, but
who share the same name. The film takes on the historic and
political context of each event as well as the fundamental role of
women in these transformative processes, and the patriarchal
attitudes and notions that they had to confront. Presented by the
Film Foundation, the film was restored by Cineteca di Bologna
at the L’Immagine Ritrovata laboratory, in collaboration with the
Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC),
and with the financing of Turner Classic Movies and The Film
Foundation’s World Cinema Project.

Humberto Solás
Nació en 1941 en La Habana. A los 18 años realizó el cortometraje La huida (1959), al que siguieron Contacto/Contact
varios cortos y largometrajes de reconocimiento internacional, como Lucía (1968) y El siglo de las Instituto Cubano del Arte e
luces (1992). Participó como jurado del 16º Festival, y su película Miel para Oshún (2001) se proyectó Industrias Cinematográficos
en la 17º edición. Murió en 2008. Eng Born in Havana in 1941, at 18, he made the short film La huida (ICAIC)
(1959), which was followed by a number of internationally-acclaimed shorts and features, including T +537 838 2859
Lucía (1968) and Le siècle des lumières (1992). He was a member of the jury at the 16th Mar del Plata E presidenciaicaic@icaic.cu
Film Festival, and his film Honey for Oshun (2001) was screened at the 17th edition. He died in 2008. W cubacine.cu

Cuba, 1968 / 160’ / DCP / B&N / Español - Spanish

D: Humberto Solás G: Julio García Espinosa, Nelson Rodríguez, Humberto Solás F: Jorge Herrero
E: Nelson Rodríguez DA: S: Eugenio Vesa Figueras, Ricardo Istueta, Carlos Fernández M: Leo
Brouwer, Joseíto Fernández P: Raúl Canosa, Camilo Vives CP: Instituto Cubano del Arte e Industrias
Cinematográficos (ICAIC) I: Raquel Revuelta, Eslinda Núñez, Adela Legrá, Eduardo Moure,
Ramón Brito, Adolfo Llauradó
CLÁSICOS RESTAURADOS - CINAIN — RESTORED CLASSICS - CINAIN

All That Jazz

“Son los excesos los que convierten a All That Jazz en
algo tan atractivo, un poco a la manera en que el increíble
ensimismamiento de Joe Gideon fascina a quienes lo rodean. Lo
ven como aquello que deberán soportar para acercarse al encanto
y el talento que vienen con ello. Tomamos la extravagancia de
All That Jazz no como la indiscreción de un artista, sino más bien
como la naturaleza fundamental de la empresa. Luego de haber
llevado a cabo las versiones cinematográficas de sueños ajenos
(Cabaret y Lenny), aquí el Sr. Fosse lleva a cabo las de los suyos”.
Vincent Canby (Extracto de crítica publicada en The New York
Times, 20 de diciembre de 1979)
Una presentación de Park Circus. Restauración en 4K realizada
por Twentieth Century Fox y Academy Film Archive en
colaboración con The Film Foundation. Restauración a partir del
negativo de cámara original, realizado en Sony Colorworks en
Culver City, California.
“It’s the excesses that make All That Jazz as appealing as it
is, in much the way that Joe Gideon's incredible self-absorption
fascinates the people around him. They see it as what they have
to put up with to associate with the charm and talent that go
All That Jazz not as an artist’s
indiscretion but as the fundamental nature of the enterprise.
dreams (Cabaret and Lenny), Mr. Fosse is here attending to his
own.” VC (Extract from the review published in The New York
Times, September 20th, 1979)
A presentation by Park Circus. 4K restoration by Twentieth
Century Fox and the Academy Film Archive in collaboration with
the Film Doundation. Restoration from the original camera
negative, made by Sony Colorworks in Culver City, California.

Bob Fosse
Nació en Chicago en 1927. Arrancó su carrera como bailarín en teatro y cine. Dirigió Sweet Charity Contacto/Contact
(1969), Cabaret (1972), Lenny (1974) y Star 80 (1983). Ganador de numerosos premios internacionales, Park Circus Films
entre ellos el Oscar a Mejor Director por Cabaret. Murió en 1987. Eng Born in Chicago in 1927, he Graham Fulton
started his career as a dancer in theater and film. He directed Sweet Charity (1969), Cabaret (1972),
T +44 0 141 332 2175
Lenny (1974) and Star 80 (1983). Winner of many international awards, including the Best Director
E graham@parkcircus.com
Oscar for Cabaret. He died in 1987.
W parkcircus.com
Estados Unidos - USA, 1979 / 123’ / DCP / Color / Inglés - English @ParkCircusFilms
D: Bob Fosse G: Bob Fosse, Robert Alan Aurthur F: Giuseppe Rotunno E: Alan Heim DA: Philip /parkcircusfilms
Rosenberg S: Stan Bochner, Jay Dranch, Bernard Hajdenberg, Sanford Rackow M: Ralph Burns park.circus.films
P: Robert Alan Aurthur CP: Columbia Pictures Corporation, Twentieth Century Fox Film
Corporation I:
John Lithgow, Wallace Shawn
 347

Blow-Up

Blow-Up es la historia de un día en la vida de un fotógrafo, y
lo que descubre a lo largo de ese día. En el parque, toma fotos de
dos personas y, más tarde, examinando las fotografías, descubre
algo que se le había escapado antes. Un elemento de realidad
que parece real y que, de hecho, lo es. Sin embargo, la realidad
contiene una dosis de libertad difícil de explicar. Al final del
día, el fotógrafo ha descubierto varias cosas, como jugar con
una bola imaginaria, lo cual no está mal como resultado, al fin
y al cabo. Blow-Up es quizás como el zen: cuando uno intenta
explicarla, acaba por traicionarla. Michelangelo Antonioni
Una presentación de Criterion, Cineteca di Bologna e Istituto
Luce-Cinecittà, en colaboración con Warner Bros. y Park
Circus. Restauración realizada en Criterion (Nueva York) y en
L’Immagine Ritrovata (Bolonia) bajo la supervisión del director
de fotografía Luca Bigazzi.
Blow-Up is the story of a day in the life of a photographer
and what he experiences during that day. At the park, he
takes pictures of two people and later on, examining the
photographs, he discovers something he had failed to see. An
element of reality that appears real and, as a matter of fact, is.
However, reality has a quality of freedom about it that is hard to
explain. By the end of the day the photographer has learnt a few
things, like playing with an imaginary ball, which is not too bad
of a result, after all. Blow-Up is, perhaps, like Zen: the moment
you explain it, you betray it. MA
A presentation by Criterion, Cineteca di Bologna and Istituto
Luce-Cinecittà, in collaboration with Warner Bros. and Park
Circus. Restoration performed at Criterion (New York) and
L’Immagine Ritrovata (Bologna) under the supervision of
cinematographer Luca Bigazzi.

Michelangelo Antonioni
Nació en Ferrara, Italia, en 1912. Estudió Economía en la Universidad de Bologna y comenzó su Contacto/Contact
carrera trabajando como periodista de cine. Dirigió, entre otras, El eclipse (1962), El pasajero (1975) Park Circus Films
e Identificación de una mujer (1982). Murió en 2007. Eng Born in Ferrara, Italy, in 1912, he studied Graham Fulton
economics at the Univeristy of Bologna and started his career working as a film journalist. He T +44 0 141 332 2175
directed L’eclisse (1962), The Passenger (1975) and Identification of a Woman (1982), among other films. E graham@parkcircus.com
He died in 2007. W parkcircus.com
/parkcircusfilms
Reino Unido / Italia / Estados Unidos - UK / Italy / USA, 1966 @ParkCircusFilms
111’ / DCP / Color / Inglés - English park.circus.films
D: Michelangelo Antonioni G: Tonino Guerra, Michelangelo Antonioni, Edward Bond
F: Carlo Di Palma E: Frank Clarke DA: Asshenton Gorton S: Robin Gregory, Mike Le Mare M: Herbert
Hancock P: Carlo Ponti, Pierre Rouve CP: Bridge Films, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Carlo Ponti
Production I: David Hemmings, Vanessa Redgrave, Sarah Miles, Peter Bowles, Jane Birkin
 349

Generación VHS
—
Generation VHS

350 Doble de cuerpo

351 Donnie Darko
352 Reencuentro
353 Robocop
354 Twin Peaks: Fuego camina conmigo
focos y retrospectivas Generación VHS — focus and retrospectives
generation vhs

Doble de cuerpo
Body Double

En 1984, Brian de Palma ya tenía media docena de obras
maestras en su bolsillo. Y todavía se guardaba una última, la
más extrema de sus películas de los años 80. Doble de cuerpo
es el último acto de amor a su mayor referencia y maestro,
Alfred Hitchcock. Reelaborando los temas y las formas de
La ventana indiscreta y Vértigo, cuenta la historia de obsesión
de un voyeurista accidental que es testigo de un asesinato y
queda inmerso en una trama laberíntica de ribetes terroríficos.
Las ideas visuales del director de Carrie (sus clásicos planos
secuencia, los travellings circulares, el uso del color) llegan aquí
a lugares nuevos, recargando sus elementos y convirtiendo al
cine en un arte de la exageración y el artificio. Maltratada en
el momento de su estreno, Doble de cuerpo ocupa hoy un lugar
de distinción, ahí donde se guardan los hallazgos de mayor
extrañeza y misterio.
In 1984, Brian de Palma already had half a dozen masterworks
under his belt. And he was still holding on to one more, the
most extreme of his films from the 1980s. Body Double is the
final act of love to his greatest reference and teacher, Alfred
Hitchcock. Reworking the themes and forms of Rear Window
and Vertigo, he tells a story of the obsession of an accidental
voyeur who is witness to a murder and ends up immersed in
a labyrinthine plot of terrifying tones. The visual ideas of the
director of Carrie (his classic panning sequence, the circular
traveling shots, the use of color) reach new places here,
recharging their elements and transforming the cinema into
an art of exaggeration and artifice. Mistreated at the time of
its premiere, today Body Double holds a place of distinction
alongside the strangest and most mysterious of revelations.

Brian De Palma
Nació en Nueva Jersey, Estados Unidos, en 1940. Como director de cine fue parte clave del llamado Contacto/Contact
Nuevo Hollywood en los años 70. Algunos títulos de su extensa filmografía son El fantasma del Park Circus Films
paraíso (1974), Carrie (1976), Vestida para matar (1980) y Misión imposible (1996). Eng Born in New Graham Fulton
Jersey in the United States, in 1940, as a filmmaker he was a key part of the New Hollywood Era in T +44 0 141 332 2175
the 1970s. Some titles from his extensive filmography: The Phantom of Paradise (1974), Carrie (1976), E graham@parkcircus.com
Dressed to Kill (1980) and Mission Impossible (1996). W parkcircus.com
@ParkCircusFilms
Estados Unidos - USA, 1985 / 114’ / DCP / Color / Inglés - English /parkcircusfilms
D: Brian De Palma G: Robert J. Avrech, Brian De Palma F: Stephen H. Burum E: Gerald B. Greenberg, park.circus.films
Bill Pankow DA: Ida Random S: John H. Arrufat, David A. Whittaker M: Pino Donaggio P: Brian
De Palma, Howard Gottfried CP: Columbia Pictures Corporation, Delphi II Productions I: Craig
Wasson, Melanie Griffith, Gregg Henry, Deborah Shelton, Guy Boyd
 351

Donnie Darko

Si tratamos de recordar cuál fue la última Gran Película de
Culto, de esas que cambian vidas, crean “sanas” obsesiones y se
transforman en verdaderos hitos, Donnie Darko se lleva todos los
números. Un rápido repaso: premisa intrincada y apasionante
(a Donnie lo visita un amigo ¿imaginario? que le anuncia el
fin del mundo en 28 días), cosmogonía propia rica en detalles
y posibilidades (determinismo filosófico, viajes en el tiempo,
etc.), frases citables (“¡A veces dudo sobre tu compromiso con
Sparkle Motion!”), elenco ecléctico y efectista (Drew Barrymore,
Patrick Swayze) y una banda sonora inolvidable (Echo and the
Bunnymen, Duran Duran, y tantos más). Pero lo que termina de
ubicar a esta oda a la angustia adolescente en el panteón de las
mejores midnight movies, o películas de medianoche, es cómo un
guionista y director de 26 años entiende que la pasión debe ser
el centro de todas las cosas.
If we try to remember the last Big Cult Movie, those that
change lives, create “healthy” obsessions and become true
landmarks, Donnie Darko is the obvious choice. A quick glance
back: intricate, fascinating premise (Donnie is visited by an
imaginary friend -or is he?- who announces that the end of
the world will be coming in 28 days), its own cosmogony filled
with details and possibilities (philosophical determinism,
time travel, et cetera), great quotes (“Sometimes I doubt your
commitment to Sparkle Motion!”), an eclectic, gimmicky
cast (Drew Barrymore, Patrick Swayze), and an unforgettable
soundtrack (Echo and the Bunnymen, Duran Duran and many
others). But what ends up placing this ode to teenage angst in
the pantheon of the best midnight movies is how a 26-year-old
writer-director understands that passion must be at the center
of all things.

Richard Kelly
Nació en 1978 en Virginia, Estados Unidos. Es director de cine y guionista. Su debut, Donnie Darko, Contacto/Contact
se convirtió en película de culto de manera instantánea. Luego dirigió Southland Tales (2006) y Lakeshore Entertainment
The Box (2009). Eng Born in Virginia, U.S., in 1978, he is a director and script writer. His debut film Chris Gray
Donnie Darko, became an immediate cult film. Later on he directed Southland Tales (2006) and The T +1 310 867 8028
Box (2009). E cgray@lakeshore
entertainment.com
W lakeshore
Estados Unidos - USA, 2001 / 113’ / DCP / Color / Inglés - English entertainment.com
D, G: Richard Kelly F: Steven Poster E: Sam Bauer, Eric Strand DA: Alec Hammond S: David Esparza archive.hi-res.net/
M: Michael Andrews P: Adam Fields, Nancy Juvonen, Sean McKittrick CP: Pandora Cinema, donniedarko
Flower Films, Adam Fields Productions I: Jake Gyllenhaal, Jena Malone, Mary McDonnell, Holmes
Osborne, Maggie Gyllenhaal, Daveigh Chase
focos y retrospectivas Generación VHS — focus and retrospectives
generation vhs

Reencuentro
The Big Chill

Primero, contexto. Lawrence Kasdan venía de coguionar
algunos éxitos, como Indiana Jones y los cazadores del Arca perdida
o El imperio contraataca y El regreso del Jedi, además de escribir
y dirigir su ópera prima, Cuerpos ardientes. Currículum tenía. El
elenco de Reencuentro, insuperable: Tom Berenger, Glenn Close,
Jeff Goldblum, William Hurt, Kevin Kline, Mary Kay Place, Meg
Tilly y JoBeth Williams. La propuesta: hacer una comedia coral,
construida básicamente en una sola locación, que sirviera
como fresco de época. Así nació este megahit generacional
ambientado en los años 80. Parte sátira social, parte reflejo fiel
de una dura transición (de hippies de los 60 a neo-yuppies), esta
cálida comedia dramática asume al aburguesamiento como
una de las etapas necesarias para crecer y, a la vez, como algo
contra lo cual rebelarse. Una verdadera celebración.
First, some context. Lawrence Kasdan had just co-scripted
some blockbusters, such as Raiders of the Lost Ark or The Empire
Strikes Back and Return of the Jedi, apart from having written and
directed his first feature, Body Heat. He had quite a resume. The
cast of The Big Chill was unbeatable: Tom Berenger, Glenn Close,
Jeff Goldblum, William Hurt, Kevin Kline, Mary Kay Place, Meg
Tilly and JoBeth Williams. The challenge: making an ensemble
comedy, built basically in a single location, that would work
as portrait of the time. That is how this generational megahit
from the ‘80s was born. Part social satire, part faithful reflection
of a tough transition (from ‘60s’ hippies to neo-yuppies), this
warm comedy-drama accepts gentrification as one of the stages
necessary for growing up and, at the same time, as something
to rebel against. A true celebration.

Lawrence Kasdan
Nació en 1949 en Miami, Estados Unidos. Antes de Cuerpos ardientes (1981), su debut como Contacto/Contact
realizador, se volvió una celebridad por su guion de El imperio contraataca (1980). También dirigió Park Circus Films
Silverado (1985), Wyatt Earp (1994) y Mumford (1999), entre otras. Eng Born in 1949 in Miami, before Graham Fulton
making Body Heat (1981), his debut film as a director, he had already become a celebrity for his T +44 0 141 332 2175
script for Star Wars: Episode V – The Empire Strikes Back (1980). He also directed Silverado (1985), Wyatt E graham@parkcircus.com
Earp (1994) and Mumford (1999), among others. W parkcircus.com
@ParkCircusFilms
Estados Unidos - USA, 1983 / 105’ / DCP / Color / Inglés - English /parkcircusfilms
D: Lawrence Kasdan G: Lawrence Kasdan, Barbara Benedek F: John Bailey E: Carol Littleton DA: Ida park.circus.films
Random S: Dennis Drummond, Patrick Drummond, Robert Grieve M: Meg Kasdan, Mike Deasy
P: Lawrence Kasdan, Marcia Nasatir, Barrie M. Osborne, Michael Shamberg CP: Columbia Pictures
Corporation, Carson Productions, Columbia-Delphi I: Tom Berenger, Glenn Close, Jeff Goldblum,
William Hurt, Kevin Kline
 353

Robocop

Treinta años se cumplen desde la aparición de la primera
película que el holandés Paul Verhoeven hizo en el seno de
Hollywood, una crítica bestial al american way of life al que
miraba azorado, en la forma de un policial ultraviolento. Lo
curioso es que pocos films consiguen ajustarse a una mirada
actual de la manera en que lo hace Robocop: la historia sobre
una ciudad de Detroit distópica, en un país dominado por las
corporaciones y la tecnología y donde la policía está privatizada,
transforma hoy lo que fue sátira en una fábula visionaria, con
una crudeza sin miramientos. El tiempo también convirtió al
Alex Murphy mutante de Peter Weller en ícono cyberpunk (y
hasta en símbolo religioso: crucificado y vuelto a la vida), y a su
historia de venganza futurista en un objeto extraño de humor
corrosivo y del pop más brutal.
It’s the 30th anniversary of the release of the first film
Dutch director Paul Verhoeven made in Hollywood, a brutal
critique of the American way of life he looked at in amazement,
in the form of an ultraviolent cop movie. What’s curious is
that few films manage to adjust to a current viewpoint the
way Robocop does -the story of a dystopian Detroit in a country
dominated by corporations and technology where the police
force is privatized, turns what used to be a satire into a visionary
fable, with some unceremonious rawness. Time also turned
Peter Weller’s mutant Alex Murphy into a cyberpunk icon (and
even a religious symbol: crucified and returned to life), and his
futuristic story of revenge into an object of strange corrosive
humor and brutal pop.

Paul Verhoeven
Nació en 1938 en Ámsterdam. Se graduó en matemáticas y física antes de unirse a la Armada, Contacto/Contact
donde empezó a rodar sus primeros documentales. Dentro de su extensa filmografía como Park Circus Films
director se destacan Delicias turcas (1973), El cuarto hombre (1983), El vengador del futuro (1990) y Graham Fulton
Bajos instintos (1992). Eng Born in Amsterdam in 1938, he received his degree in mathematics and T +44 0 141 332 2175
physics before joining the navy, where he filmed his first documentary films. Some highlights from E graham@parkcircus.com
his extensive filmography as a director include Turkish Delight (1973), The Fourth Man (1983), Total W parkcircus.com
Recall (1990) and Basic Instinct (1992). @ParkCircusFilms
/parkcircusfilms
Estados Unidos - USA, 1987 / 102’ / DCP / Color / Inglés - English park.circus.films
D: Paul Verhoeven G: Edward Neumeier, Michael Miner F: Jost Vacano, Sol Negrin E: Frank J. Urioste
DA: John Marshall, Gayle Simon, William Sandell S: Steve Bartlett, Michael J. Benavente
P: Jon Davison, Stephen Lim, Edward Neumeier, Arne Schmidt, Phil Tippett CP: Orion Pictures
I: Peter Weller, Nancy Allen, Dan O'Herlihy, Ronny Cox, Kurtwood Smith
focos y retrospectivas Generación VHS — focus and retrospectives
generation vhs

Twin Peaks: Fuego camina conmigo

Twin Peaks: Fire Walk with Me

Tras su tercera temporada –o The Return–, este fue el año
de Twin Peaks. Su vuelta no podría haber sido más contundente,
ni en resonancia ni en vuelo artístico. La dupla Lynch/Frost
logró expandir los límites de los formatos (¿serie televisiva /
largometraje secuenciado / videoarte en entregas / flujo de
conciencia con estructura?) mientras ampliaban el universo que
habían construido hasta extremos insospechados. Pero si en algo
hicieron hincapié los flamantes 18 episodios fue en la importancia
extrema de este largometraje, al que transformaron más en credo
que en canon. Aquí estamos prácticamente en otra Twin Peaks
que detalla los eventos previos a la serie inicial, y en la que el
tono zumbón queda de lado para dar lugar a lo que bien podría
ser una de las películas más terroríficas de todos los tiempos. Es
muy recomendable haber visto previamente las dos primeras
temporadas. Y dejarse llevar. Todo un evento. Pablo Conde
With its third season –or The Return-, this was the year of
Twin Peaks. Its return couldn’t have been more powerful, both for
its repercussions and its quality. The Lynch/Frost duo managed
to expand the limits of formats (TV series / sequenced feature-
film / video art in installments / flow of consciousness with
structure?) while broadening the universe they had built to
unsuspected extremes. However, if there was something these
eighteen new episodes highlighted, it was the great importance
of this film, which they turned into more of a creed than a
canon. Here we are in practically another Twin Peaks that details
the events prior to the initial series, and in which the humorous
tone is left aside in order to prompt what could be one of the
most terrifying films of all time. It works much better if you’ve
seen the first two seasons. And then you have to let yourself be
carried along. It’s quite an event. PC

David Lynch
Nació en 1946 en Montana, Estados Unidos. Es director de cine, guionista, actor, músico y Contacto/Contact
productor. Dirigió Cabeza borradora (1977), Terciopelo azul (1986), Carretera perdida (1997) y Mulholland mk2 Films
Drive (2001), entre otros films, además de la serie Twin Peaks. Eng Born in Montana, U.S., in 1946, Marie Tarascon
he is a director, script writer, actor, musician and producer. He directed Eraserhead (1977), Blue Velvet T +33 144 673 256
(1986), Lost Highway (1997) and Mulholland Drive (2001), among other films, as well as the series E intlfest@mk2.com
Twin Peaks. W mk2films.com
/mk2films
Estados Unidos / Francia - USA / France, 1992 / 135’ / DCP / Color / Inglés - English
D: David Lynch G: David Lynch, Robert Engels, Mark Frost F: Ronald Víctor García
E: Mary Sweeney DA: Patricia Norris S: Clare C. Freeman P: Gregg Fienberg, Mark Frost, Tim
Harbert, David Lynch, Johanna Ray, John Wentworth, Francis Bouygues CP: New Line Cinema,
CiBy 2000, Twin Peaks Productions I: Sheryl Lee, Ray Wise, Mädchen Amick, Dana Ashbrook,
Phoebe Augustine, David Bowie
Homenajes
—
Tributes

Alberto Sordi
358 Cuentos de verano
359 Il vedovo
360 Los complejos
361 Detenuto in attessa di giudizio 

mardelplatafilmfest.com

Disculpen, voy a ser breve, es que está por comenzar una
película de Sordi y no me la quiero perder, aunque ya la he visto
por lo menos media docena de veces.
Por identificación, ADN o presencia de una gran colonia de
inmigrantes, el cine italiano impactó mucho en estas pampas.
Entre todos esos rostros inolvidables, el de Alberto Sordi llegó
a un público que lo reconoció como propio en su desfachatez,
chamuyo y personajes. Era alguien con recursos para conseguir
algo que de otro modo, sea pinta, posición social o dinero, no
podría obtener nunca. Un tipo capaz de transmitir ironía, pero
también cierta credulidad y la posibilidad de cambiar de la risa
a la lágrima. Sus ojos lo ayudaban.
Nino Manfredi, Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, con sus
respectivos personajes, mostraron otros perfiles afines a nuestro
público, pero que me disculpen: Sordi fue el preferido por
nosotros. Cuando fue figura e invitado principal en el Festival
Internacional de Cine de Mar del Plata, su máscara agigantada
ocupó las portadas de las revistas de actualidad.
Sordi es un nombre que uno ha escuchado nombrar durante
los últimos 60 años que ha concurrido al cine. Sordi no
defraudaba, emocionaba tanto con la risa como agobiaba por
el humor ácido. Lo vimos en muchas películas. Alrededor de
cien. Verlo manejar un taxi con Fellini de pasajero, riéndose de
sí mismo y de la vida, nos reforzó la ilusión de encontrarlo en
cualquier esquina.
Este año se cumple el octogésimo de su debut cinematográfico.
Fue homenajeado en festivales de distintas partes del mundo,
y hoy nos toca a nosotros encontrarnos varias veces con él, para
gozar de su mímica, su estilo, su voz y su desparpajo. Cuando
supimos que se había ido, sentimos que se había muerto un
amigo, uno de esos que uno tiene desde joven y, aunque no lo
haya visto nunca, lo quiere y lo admira.
Su viaje eterno fue en 2003.
Hace 14 años que no lo tenemos.
Se nota.
José Martínez Suárez
Contacto/Contact
Istituto Italiano di Cultura
di Buenos Aires
T +54 11 5252 6800
E iicbuenosaires@esteri.it
357
Forgive me, I will have to brief. It is just that a film with
Sordi is about to start and I don’t want to miss it, even though I
have already seen it at least half a dozen times.
Maybe because people identify with him, or maybe it is
our DNA, or maybe presence of a large number of Italian
immigrants, but Italian cinema has had a great impact in these
pampas. Among all those unforgettable faces, that of Alberto
Sordi reached a public that recognized it as their own in its
audacity, shiftiness and characterizations. Someone capable of
getting something –whether style, social position or money–
that he could never obtain by other means. Someone capable
of transmitting irony, but also a certain gullibility and the
possibility of shifting from laughter to tears. His eyes helped.
Nino Manfredi, Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, with their
respective characters, revealed other profiles attuned to our
public, but forgive me: Sordi was our favorite. When he was
the main guest at the Mar del Plata International Film Festival,
his enormous face occupied the covers of the magazines of
the moment.
Sordi is a name that one has heard named over the 60 years
that was part of the cinema. Sordi never failed us; he moved us
as much with laughter as he overwhelmed us with his biting
humor. We saw him in many films. About a hundred. Seeing
him driving a taxi with Fellini as his passenger, laughing at
himself and at life, reinforced our illusion that we could find
him on any street corner.
This year is the eightieth anniversary of his debut in the cinema.
He has been honored in festivals all over the world, and today it
is our turn to reunite with him, to enjoy his mimicry, his style, his
voice and his self-confidence. When we heard he was gone, we felt
as if a friend had died, one of those friends that one has had since
youth and, though I never met the man, I love and admire him.
His voyage to eternity began in 2003.
14 years that we have not had him with us.
We can feel it.
JMS
homenajes alberto sordi — tributes alberto sordi

Cuentos de verano
Racconti d’estate / Love on the Riviera

Esta coproducción franco-italiana reunió a varias figuras
populares de la época en distintos períodos de sus carreras, con
Sordi en la plenitud del personaje arquetípico en la comedia a la
italiana, mientras Michèle Morgan se encontraba en la cumbre
de su etapa europea, y un joven Marcello Mastroianni estaba
a las puertas de dos de sus papeles más reconocidos (en 1960
protagonizaría La dolce vita, de Federico Fellini, y un año después
La noche, de Michelangelo Antonioni). Entre las impactantes
postales del golfo de Tigullio, se desarrollan varias historias
entre personas que persiguen el vértigo de un romance y la
comodidad de un buen pasar económico, o la suma de esas
posibilidades. Los conflictos en cuestión y el lucimiento de cada
intérprete lograron equilibrarse correctamente gracias al trabajo
colectivo en el guion, sobre el argumento de Alberto Moravia.
This French-Italian coproduction gathered many popular
figures of the time in different periods of their careers, with
Sordi in the prime of his archetypical Italian-style comedy
character, while Michèle Morgan was at the peak of her
European period, and a young Marcello Mastroianni was at
the about to take on two of his most highly-regarded roles (in
1960, he would star in Federico Fellini’s La dolve vita, and one
year later, in Michelangelo Antonioni’s La Notte). Among striking
images of the Tigullio Gulf, many stories unfold between people
chasing after the vertigo of a romance and the comfort of living
well, or the sum of those possibilities. The conflicts at hand and
the brilliance of each performer managed to balance correctly
thanks to the collective work of screenwriting, from a story by
Alberto Moravia.

Gianni Franciolini
Nació en Florencia en 1929. Estudió Periodismo en Francia, donde comenzó su carrera y dirigió
el documental Vérité sur l’Italie (1938). Dirigió un total de 19 películas, la mayoría comedias
neorrealistas. Racconti d’estate es su anteúltimo film. Murió en 1960. Eng Born in Florence in 1929,
he studied journalism in France, where he started his career and directed the documentary Vérite
sur l’Italie (1938). He directed a total of nineteen films, most of them neorealist comedies. Girls for
the Summer is his penultimate film. He died in 1960.

Italia / Francia - Italy / France, 1958 / 109’ / DCP / Color / Italiano - Italian
D: Gianni Franciolini G: Sergio Amidei, Edoardo Anton, René Barjavel, Ennio Flaiano,
Gianni Franciolini, Alberto Moravia, Alberto Moravia, Rodolfo Sonego, Alberto Sordi F: Enzo Serafin
E: Adriana Novelli DA: Giorgio Giovannini S: Mario Amari, Rocco Roy Mangano M: Piero Piccioni
P: Mario Cecchi Gori, Franz de Blasi CP: Gallus Films, Maxima Film Compagnia Cinematografica,
Monteluce Film I: Alberto Sordi, Michèle Morgan, Marcello Mastroianni, Sylva Koscina,
Gabriele Ferzetti
 359

Il vedovo
The Widower

Risi ya se había posicionado con el público y la crítica
desde 1955, con Pan, amor y…, pero Il vedovo fue el primer giro
importante de su filmografía, por el ángulo que aportó a una
historia de por sí retorcida, y la evidente intención satírica sobre
la sociedad italiana y el milagro económico que atravesó en la
posguerra. Sordi, además, integró una faceta mucho más oscura
a su registro cómico, interpretando a un empresario en grandes
problemas financieros que pergeñará un complejo plan para
convertirse en el viudo de su adinerada y distante esposa, y
concretar así su salvación económica. La actriz Franca Valeri no
solo logró un trabajo brillante, sino que además tuvo la idea
original de “Cretinetti”, el genial y pegadizo apodo con el que
atormentará al personaje de Sordi durante la película.
Risi had already positioned himself with audiences and
critics in 1955 with Bread, Love and Dreams, but The Widower
was the first important change of direction in his filmography
caused by the new angle he gave to an already twisted story,
and the obvious satirical intention on Italian society and the
economic miracle it went through after the war. Further, Sordi
added a much darker side to his comic persona, playing a
businessman in big financial trouble who concocts a complex
plan to become the widow of his wealthy, distant wife, in order
to achieve economic salvation. Not only did actress Franca Valeri
do a wonderful job here, but she also had the original idea for
“Cretinetti,” the ingenious and catchy nickname with which she
haunts Sordi’s character throughout the film.

Dino Risi
Nació en Milán en 1916. Su película Hermosas pero pobres (1957) y sus secuelas Una vida difícil (1961)
e Il sorpasso (1962) son reconocidas como hitos de la comedia italiana. En 2002 recibió el Premio a
la Trayectoria en el Festival de Venecia. Murió en 2008. Eng Born in Milan in 1916, his film Poor, But
Handsome (1957) and its sequels A Difficult Life (1961) and The Easy Life (1962) were acknowledged as
milestones of Italian comedy. In 2002, he received the Lifetime Achievement Award at the Venice
Film Festival. He died in 2008.

Italia - Italy, 1959 / 87’ / DCP / B&N / Italiano - Italian

D: Dino Risi G: Fabio Carpi, Sandro Continenza, Dino Risi, Rodolfo Sonego, Dino Verde F: Luciano
Trasatti E: Alberto Gallitti DA: Piero Filippone S: Giuseppe Serafini M: Armando Trovajoli
P: Edgardo Cortese, Cino Del Duca, Elio Scardamaglia CP: Cino del Duca, Paneuropa
I: Alberto Sordi, Franca Valeri, Livio Lorenzon, Nando Bruno, Ruggero Marchi
homenajes alberto sordi — tributes alberto sordi

Los complejos
I complessi / Complexes

Una vez que el cine italiano dejó atrás al neorrealismo y las
esperanzas que el movimiento depositaba en un renacimiento
social, los directores se volcaron a formar sus diversos espejos
del resultado de esa reconstrucción, enfocándose en los caminos
que ciertos individuos y grupos debían atravesar para alcanzar
la prosperidad, o simplemente encontrar su lugar. Durante la
década de 1960, se volvería usual el estreno de películas episódicas
como I complessi, en las que pequeñas historias ilustraban
aspectos y costumbres de la vida italiana en aquel período. En
el más reconocido de estos tres episodios, Sordi interpreta a un
sobrecalificado y elegante postulante a conductor del noticiero
de la RAI, que supera todas las pruebas y escollos que le presenta
un jurado notoriamente inclinado a excluirlo por el tamaño de su
dentadura, pero a la vez temeroso de explicitar ese ridículo motivo.
Once Italian cinema left neorealism and the hopes that
movement had of a social renaissance, the directors turned
to shaping their diverse mirror images of the result of that
reconstruction; focusing on the paths certain individuals and
groups had to cross in order to achieve prosperity or simply to
find their place. During the 1960s, the release of episodic films
like Complexes would become common. In them, small stories
would illustrate aspects and customs of Italian life from that
period. In the most well-known of these three episodes, Sordi
plays an overqualified, elegant applicant for a job as news
anchor at RAI, who overcomes every challenge and obstacle
presented by a jury that is noticeably trying to exclude him due
to the size of his teeth, but at the same time is fearful of stating
such a ridiculous reason.

Luigi Filippo D’Amico, Dino Risi & Franco Rossi

Luigi nació en 1924. Su ópera prima, Bravissimo (1955), dio inicio a una colaboración con Alberto
Sordi que continuaría en varios films. Dino nació en Milán en 1916. Es uno de los referentes de la
comedia italiana. Franco nació en Florencia en 1919. Alcanzó popularidad cuando dirigió a Alberto
Sordi en Il seduttore (1954). Eng Luigi was born in 1924. His first feature, Bravissimo (1955), was the
beginning of a collaboration with Alberto Sordi that would continue through in many films. Dino
was born in Milan, 1916, he is one of the most prominent Italian comedy filmmakers. Franco was
born in Florence in 1919. He gained popularity when he directed Alberto Sordi in Il seduttore (1954).

Italia / Francia - Italy / France, 1965 / 100’ / DCP / B&N / Italiano - Italian
D: Luigi Filippo D’Amico, Dino Risi, Franco Rossi F: Ennio Guarnieri, Mario Montuori E: Roberto
Cinquini, Giorgio Serrallonga DA: Giancarlo Bartolini Salimbeni, Giorgio Giovannini, Luciano
Spadoni S: Biagio Fiorelli, Ferdinando Pescetelli, Giulio Tagliacozzo M: Armando Trovajoli
P: Ennio Di Meo, Gianni di Stolfo, Gianni Hecht Lucari, Mario Milani, Egidio Quarantotto
CP: Documento Film, S.P.C.E. I: Nino Manfredi, Ilaria Occhini, Riccardo Garrone, Umberto D'Orsi,
Ugo Tognazzi, Alberto Sordi
 361

Detenuto in attessa di giudizio

Why / Detenido en espera de juicio

Uno de los roles más complejos que interpretó Sordi,
en una de las representaciones más crudas de las injusticias
en la sociedad italiana: el topógrafo Giuseppe Di Noi (poco
casual elección de apellido, para señalar la desprotección del
hombre común ante el sistema judicial) es encarcelado por
la policía italiana cuando intenta atravesar la frontera con
su familia para pasar sus vacaciones. Sin conocer el motivo
de la detención, y sin la posibilidad de defenderse, pasará de
cárcel en cárcel mientras el tiempo y el laberinto kafkiano en el
que fue introducido irán venciendo sus fuerzas y esperanzas.
La actuación le valió a Sordi el Oso de Plata en el Festival de
Berlín, además de confirmar su oficio fuera de su zona de
confort. La película, además, incluye la penúltima aparición
cinematográfica de la maravillosa Elga Andersen.
One of Sordi’s most complex roles, in one of the bleakest
representations of the injustices of Italian society: topographer
Giuseppe Di Noi (a not-so-casual choice for the last name,
pointing to the vulnerability of the common man before the
legal system – “noi” means “we” in Italian) is incarcerated by
the Italian police when he tries to cross the border with his
family while on vacation. Without knowing the reason for his
detention, and without the possibility of defending himself,
he will go from jailhouse to jailhouse, while time and the
Kafkaesque labyrinth he was put in crush all of his strength
and hope. Sordi won the Silver Bear at the Berlin Film Festival
for this performance, which also confirmed his talents outside
his comfort zone. The film also includes the penultimate film
appearance of the wonderful Elga Andersen.

Nanni Loy
Nació en 1925 en Cagliari. Graduado del Centro Experimental de Cine en Roma, dirigió, entre otras,
Parola di ladro (1957), Cuatro días de rebelión (1962) y Scugnizzi (1989). Por su trabajo en Detenuto in
attesa di giudizio, Sordi ganó el Oso de Plata al Mejor Actor en el Festival de Berlín. Murió en 1995.
Eng Born in Cagliari in 1925, he graduated from Rome’s Centro Experimental de Cine. He directed
many films, including Honor Among Thieves (1957), The Four Days of Naples (1962) and Scugnizzi (1989).
For his work on In Prison Awaiting Trial, Sordi won the Silver Bear for Best Actor at the Berlinale. He
died in 1995.

Italia - Italy, 1971 / 102’ / DCP / Color / Italiano - Italian

D: Nanni Loy G: Sergio Amidei, Emilio Sanna, Rodolfo Sonego F: Sergio D'Offizi E: Franco Fraticelli
DA: Gianni Polidori S: Mario Amari, Massimo Iabone M: Bruno Nicolai P: Gianni Hecht Lucari,
Fausto Saraceni CP: Documento Film I: Alberto Sordi, Elga Andersen, Andrea Aureli, Lino Banfi,
Antonio Casagrande
Funciones
Paralelas
—
Parallel
Programs
363

mardelplatafilmfest.com
funciones paralelas historias breves — parallel programs short stories
Historias Breves
Ocupamos un terreno abandonado. Cortometrajes.
Sembramos semillas dispersas. Directores jóvenes.
Plantas, árboles y flores se multiplicaron creando un paisaje
multicolor. Imágenes y sonidos.
Autores cinematográficos concretaron sus sueños de filmar.
Dramas, comedias, aventuras.
22 años, 139 cortometrajes, 144 directores debutantes, más de
3000 nuevos técnicos y actores, miles de metros de celuloide y
cantidades multiplicadas de discos rígidos. Historias breves.
En 2017 celebramos el nacimiento de nuevos brotes que serán
los cineastas del mañana.
Bruno, un cura peruano, llega a Buenos Aires luego de que su iglesia
se prendiera fuego. Se reencuentra con Juan, un amigo que conoció
en la cárcel hace muchos años. Bruno piensa que trabajará en un
restaurant peruano, pero Juan tiene otros planes para él.
A sus trece años, Carla siente que su cuerpo está cambiando. Frente
a los acosos de su madre y de sus compañeros, deberá tomar una
decisión: seguir creciendo con el mandato que le impone el entorno
o ser la mujer que quiere ser.
Sandro Guzmán, personaje rural del interior de la provincia de
Tucumán, se prepara para asistir a un velorio y contar chistes,
tradición que heredó y mantiene viva desde hace más de cincuenta
años. Risas, llantos, dolor y compañía.
short stories
We occupy abandoned territory. Short films.
We sow scattered seeds. Young directors.
Plants, trees and flowers have multiplied creating a multicolor
landscape. Images and sounds.
Film auteurs fulfilled their dreams of shooting. Dramas,
comedies, adventures.
22 years, 139 shorts, 144 first-time directors, more than 3,000
new technicians and actors, thousands of meters of celluloid
and large amounts of hard drives. Short stories.
In 2017, we celebrate the birth of new sprouts that will be the
filmmakers of tomorrow.
Capacocha
D: Tomás Pernich, 16’
Bruno, a Peruvian priest, arrives in Buenos Aires after his church
burns down. He reunites with Juan, a friend he met in jail many years
ago. Bruno thinks he will start working at a Peruvian restaurant, but
Juan has other plans for him.
Carla
D: Lucía Ayelén Dobal, 12’
At thirteen, Carla feels her body is changing. Harassed by her
mother and schoolmates, she must make a choice: continue
growing up with the mandate her environment imposes on her or be
the woman she wants to be.
El último cuentista
D: Adrean Ramírez, 14’
Sandró Guzmán, a rural character from the province of Tucumán,
prepares to attend a wake and tell jokes, a tradition he inherited and
has kept alive for more than fifty years. Laughter, crying, grief and
company.

Lautaro (11) y José (6) aprendieron a encontrar en lo que otros
desechan el sustento diario que su familia necesita. Lautaro protege
a su hermanito de una situación que se intuye violenta entre sus
padres. Al día siguiente, José descubre un mensaje en su álbum de
figuritas del Mundial. La de Messi, su favorita, ya no luce como antes.
Su familia tampoco.
En el árido paisaje de la Cordillera, un hombre llega con la
obsesión de recuperar a su mujer. Al llegar descubre que ella ya no lo
espera, lo que genera un drama pasional cargado de violencia.
Un siniestro pote de dulce de leche llega a la rutinaria vida de
Alejandro y Lucía, y lo cambiará todo.
1997, vísperas de Navidad. Camila (11) le roba una camisa a su
hermano, anda en bici y se distrae con un chico judío que compra
pirotecnia. Se tira al agua, salpica a todos, juega con sus primos y se
pone un vestido para la cena. Luego de observar a su familia a través
de una cámara VHS, Camila comenzará a registrarse a ella misma.
365
La de Messi
D: Mauro Iván Ojeda, 13’
Lautaro (11) and José (6) learned to find the daily sustenance their
family needs from what others discard. Lautaro protects his little
brother from an apparently violent situation between their parents.
The next day, José discovers a message in a World Cup sticker album.
Messi, his favorite player, doesn’t look like he used to. Neither does
his family.
La sombra quema
D: Ezequiel Yoffe, 19’
In the arid landscape of the Andes, a man arrives with the
obsession of getting his wife back. Upon arrival, he finds out she is
no longer waiting for him, which triggers a violence-ridden drama
of passion.
Superdulce
D: Guido Villaclara, 17’
A sinister jar of dulce de leche interrupts Alejandro and Lucía’s
routine life, and it will change everything.
Toda mi alegría
D: Micaela Gonzalo, 13’
Christmas Eve, 1997. Camila (11) steals a shirt from her brother, rides
her bicycle and entertains herself with a Jewish kid who is buying
fireworks. She jumps in the water, splashes everyone, plays with her
cousins and puts on a dress for dinner. After observing her family
through a VHS camera, Camila starts to record herself.
FUNCIONES PARALELAS La Noche del Cortometraje — parallel programs
short films night
La noche del cortometraje
El cortometraje es una herramienta de diálogo con el
espectador en la que se expresa nuestra geografía, la historia,
la cotidianidad y la cultura desde todas partes del país, con
sus diferentes matices. Desde hace un largo tiempo, y gracias
a las ideas de los realizadores y de las políticas públicas, se ha
posicionado en el gusto del público, ávido de encontrarse con
estas historias pequeñas en cuanto a duración pero grandes
en cuanto a calidad. Los invito a volver a disfrutar de lo mágico
del cine contado en pocos minutos y a seguir acompañando
esta industria audiovisual con su presencia. Liliana Amate
Departamento de Cortometrajes INCAA
La historia de una despedida, una elegía. Un hombre viaja al
corazón de la montaña llevando en su espalda todo el peso de su
historia; como una cruz, un gran bolso lo acompaña en su andar.
Amalia y Eduardo se preparan para su cita. El único problema es
que viven en siglos diferentes. Los protagonistas desafiarán las leyes
del tiempo a través del montaje y llegarán a la hora justa para ver su
propia película. Gracias al cine, hace 100 años que en Argentina no
existen amores imposibles.
Una mujer árabe llega a Argentina escapando de la guerra para
reencontrarse con su prima y adaptarse a la nueva cultura.
Aventuras y desventuras de Demódoco, un proyectorista de cine
que descubre por azar una original forma de conseguir placer. Sin
embargo, abusar de ella acarrea consecuencias demasiado riesgosas.
short film night
Short films are a tool for communicating with the audience
in which we express our geography, history, everyday life and
culture from all parts of our country, each with its particular
nuances. For some time, thanks to the ideas of the filmmakers
and to public policies, the short film has found its place in the
taste of audiences eager to come across these stories that are
small in their running time but big in their quality. Once again,
I invite you to enjoy the magic of short films and continue
accompanying this audiovisual industry with your presence. LA
INCAA Short-film Department
Al silencio
D: Mariano Cócolo, 16’
The story of a farewell, an elegy. A man travels to the heart of the
mountain, carrying on his back the whole weight of his history; like a
cross, a big bag accompanies him on his journey.
Amalia y Eduardo
D: Tomás Morelli, 5’
Amalia and Eduardo get ready for their date. The only problem is
that they live in different centuries. The protagonists defy the laws
of time through editing and arrive at the right time in order to see
their own film. Thanks to cinema, impossible loves haven’t existed in
Argentina for the past 100 years.
Bienvenida Nur
D: Gabriel Bertini, 10’
An Arab woman arrives in Argentina escaping from war in order to
reunite with her cousin and adapt to the new culture.
Copia A
D: Gervasio Rodríguez Traverso, Pablo Alberto Díaz, 6’
The adventures and misadventures of Demódoco, a film
projectionist who randomly discovers an original way of finding
pleasure. However, abusing it brings very dangerous consequences.

Ambición, explotación laboral, contaminación ambiental,
degradación humana, plusvalía, corrupción y mucho más en el
fantástico mundo del libre mercado.
Julián vive en su mundo imaginario. En un barco abandonado,
junto al Canal de Beagle, guarda sus tesoros. Una cámara Super
8 lo llevará por retazos de la historia y el cine que se esconden en
Ushuaia, y así encontrará el secreto.
En una empresa, el jefe y sus empleados trabajan frente a sus
computadoras, concentrados, productivos. De repente se corta
Internet. La empresa está en crisis. En ese breve lapso, los personajes
conectan con algo más que con su propia pantalla. Hasta que
Internet vuelve.
1917, Carlos Gardel actúa en la película Flor de durazno en la
provincia de Córdoba. Durante el rodaje conquista a Lucía, una
asistente de dirección, a quien le obsequia un anillo de brillantes. En
el presente, Lucía, ya anciana y rodeada por su familia, lleva aún ese
anillo en su mano.
367
Corp.
D: Pablo Polledri, 9’
Ambition, labor exploitation, environmental pollution, human
degradation, capital gains, corruption, and much more is featured in
the amazing world of the free market.
El secreto
D: Rodrigo Tenuta, Ángel Zamora, 6’
Julián lives in an imaginary world. He keeps his treasures in an
abandoned ship by the Beagle Channel. A Super 8 camera will lead
him through fragments of history and film hiding in Ushuaia, and
on this way he will find the secret.
Error 404
D: Mariana Wainstein, 14’
In a company, the boss and his employees work in front of
computers, intensely, productively. Suddenly, the internet stops
working. The company is in crisis. In that brief period, the characters
connect with something else besides their own screen. Until the
internet starts working again.
Flor de durazno
D: Cristian Monetti, 2’
1917, Carlos Gardel acts in the film Flor de durazno in the province
of Córdoba. During the shoot, he wins the heart of Lucía, an
assistant director, and gives her a diamond ring. In the present
day, and surrounded by her family, an elderly Lucía still has that
ring on her finger.
FUNCIONES PARALELAS La Noche del Cortometraje — parallel programs
short films night
Una lata de película, una frontera tropical y dos cines, uno de cada
lado del río.
Las historias pueden contarse de muchas maneras. Once retrata
un episodio verídico, ocurrido en Argentina en 2012. Un accidente
de tren que costó la vida de muchas personas que todos los
días tenían la misma rutina: la de montarse en la desidia de un
transporte descuidado.
Alejandro García es un reflectorista con más de 25 años de carrera
en la cinematografía argentina. A partir de anécdotas, reflexiona
acerca de la profesión y pone en tela de juicio las falencias de la
industria, así como el sueño que ha dejado trunco por ser daltónico:
ser director de fotografía.
Una matrioska en tono de comedia sobre las dificultades de
construcción del cine en el interior de Argentina, inmersa en un
exagerado intento de regionalismo.
Los dos cines de
Yody Jarsún
D: Alejandro Gallo Bermúdez, 5’
A can of film, a tropical border and two movie theaters, one on each
side of the river.
Once
D: Hebe Urricelqui, Juan Cruz Llobera, 7’
Stories can be told in many different ways. Once depicts a true event
that took place in Argentina in 2012: a train accident that ended the
lives of many people who had the same routine every day, that of
riding the indifference of a neglected transportation system.
Reflectorista
D: David Nazareno, 11’
Alejandro García is a “best boy” who has been working in Argentine
films for more than 25 years. Through different anecdotes, he
reflects on the profession and brings into question the flaws of the
industry, as well as the dream he could never fulfill due to his color
blindness: being a cinematographer.
Solemne y melancólico
D: Luciana Bilotti, 3’
A comedic “matryoska” tale on the difficulties of making a film in
the Argentine provinces, immersed in an exaggerated attempt at
regionalism.
FUNCIONES PARALELAS Cortos Premiados CINE.AR — PARALLEL PROGRAMS
CINE.AR Awarded Short Films

Cortos premiados CINE.AR CINE.AR Awarded Short Films

El Premio CINE.AR del Instituto Nacional de Cine y Artes The National Film and Audiovisual Arts Institute (INCAA)
Audiovisuales (INCAA) galardona a cortometrajes argentinos gives the CINE.AR Award to Argentine short films in different
en diversos festivales de cine del país para difundirlos en sus film festivals to promote the though its network screens and
pantallas de canal lineal y plataforma VOD. VOD platforms.

Clausura
D: Jesús Barbosa, 11’

Hace veintiocho y doce años, la Madre Priora y La Hermana For twenty-eight and twelve years, respectively, Mother Priora and
Susana llevan una vida de claustras y, por medio de sus narraciones Sister Susana have been living in a cloister. Through their oral stories,
habladas a través de las rejas, nos cuentan cómo esta decisión heard through the window bars, they tell us how this decision
cambió sus vidas y el sentido que ahora les dan. changed their lives and how they reflect on it now.

El mes del amigo

D: Florencia Percia, 17’

Mientras acepta la difícil idea de separarse de su novio, Emilia se As she deals with the hard notion of breaking up with her boyfriend,
muda a un departamento céntrico. Entre cajas y cosas embaladas, Emilia moves into a dontown apartment. Randomly, amidst boxes
casi por azar, comienza a vivir la vida de la antigua inquilina. and packages, she starts living the life of the previous tennant.

La revancha
D: Pablo Bochard, 6’

Un chico, una chica, un tablero de ajedrez. Una historia de amor que A boy, a girl, a chess board. A love story through time and space.
atraviesa el tiempo y el espacio.

Luego de la curiosa desaparición de su tía, Mateo se ve inmerso
en los recuerdos obtusos de su niñez en el monte. En una serie de
conversaciones telefónicas atravesadas por imágenes de dos familias
en una misma casa, nos adentramos en un viaje atemporal entre
tres relatos donde se confunden los visibles con los invisibles.
A través del relato de tres jóvenes, conocemos cómo es el
crecimiento del skateboarding en un pequeño lugar al norte de la
Patagonia. Esfuerzo, compañerismo, competencias de skateboarding
y la importancia del skate park de Lago Puelo.
La primera travesía en cordada de las tres Torres del Paine en
Chile fue lograda por Oriol Baró (España), Paula Alegre y Esteban
Degregori (Argentina) en enero de 2015. Durante tres días la cordada
escaló un total de 2000 metros de roca vertical en las distintas torres.
371
No hay bestias
D: Agustina San Martín, 21’
After the mysterious disappearance of her aunt, Mateo finds
himself immersed in obtuse memories of this childhood in the
mountains. In a series of phone conversations that feature images of
two families in the same house, we enter a timeless journey between
three stories where the visible blurs with the invisible.
Puelo Park
D: Fabián Soto, Emmanuel Olivares, Bruno Ruiz, Rafael Rigonatto, 8’
Through the story of three young men, we'll get to witness the
growth of skateboarding in a small town in northern Patagonia.
Effort, teamwork, skateboard competitions, and the importance of
Lago Puelo Skate Park.
Sueños de Paine
D: Esteban Degregori, 13’
The first climbing traverse in the three Paine Towers in Chile was
achieved by Oriol Baró (Spain), Paula Alegre, and Esteban Degregori
(Argentina) in January 2015. In three days, she climbed a total of
2000 meters of vertical rock in the different towers.
FUNCIONES PARALELAS Primeras producciones. ENERC NOA y NEA — parallel
programs ENERC First Productions - NOA and NEA
Primeras producciones. ENERC NOA y NEA,
y presentación del ciclo lectivo 2018 Sedes
Enerc
Violencia e identidad de género, infancia y contexto
social, entre otras temáticas, se entrelazan en estos seis
cortometrajes de ficción íntegramente realizados en las
provincias del noreste y noroeste argentino como tesis de
finalización de estudios de los estudiantes de las sedes
regionales de la ENERC, que brindan en todos los puntos
de nuestro país formación audiovisual pública y gratuita.
La proyección será acompañada por la presentación del
ciclo lectivo que se inicia en 2018 en las regiones NEA, NOA,
Patagonia y Cuyo.
Fabricio Garrido es un psiquiatra atormentado por una tragedia
familiar que recibe a un nuevo paciente, Víctor Mansilla, quien dice
poseer un invento que puede ayudarlo a corregir los eventos más
trágicos de su pasado.
Ana y su madre consultan a un Pai umbandista para vengarse de
Diego, la pareja de Ana, quien la golpea.
ENERC First Productions - NOA and NEA
Branches and introduction of the 2018
academic year for Enerc Branches
Gender violence and identity, childhood and social
context, among other subject matters, are interweaved in
these six fiction features entirely made in the provinces of
the Argentine Northeast and Northwest as graduate theses
by students from ENERC’s regional branches, which provide
public, free audiovisual training in the entre country. The
screening will be accompanied by the introduction of the
academic year that starts in 2018 in the NEA, NOA, Patagonia
and Cuyo regions.
El después
D: Leandro Vallejo, 13’
Fabricio Garrido is a psychiatrist whose family has been struck by
tragedy. He receives a new patient, Victor Mansilla, who claims
to have invented something that can change the past and correct
the tragedy.
El trabajo
D: M. E. Pelu Romero, 14’
Ana and her mother visit an Umbanda sorcerer to take revenge on
Diego, Ana’s boyfriend, who frequently hits her.
 373

Eva
D: Dana Gómez, 15’

Eva es una mujer trans definida por su entrega, dedicada a ayudar a Eve is a transsexual woman with a strong sense of duty. She
niños del barrio desde su rol de asistente social. Será esta interacción dedicates her life to helping little children as a social worker in her
entre sus dos facetas la que la llevará a entender que vivir sus ideales hometown. It’s in the process of combining these two experiences
puede ser algo muy difícil. that she realizes that doing the right thing can be difficult.

Hambre
D: Diana Quiroga, 12’

Hambre cuenta la historia de María, una niña sumergida en la Hunger tells the story of María, a girl sunk in poverty along with
pobreza junto a su particular familia. El relato nos obliga a ver cómo her peculiar family. The story leads us to the moment her own
es vendida por su madre a un extraño, quien será el encargado de mother sells her to a stranger, who will be the ultimate responsible
catalizar su destino. for her fate.

Ruido blanco
D: Constanza Epifanio, 13’

En una sociedad apática, Zamira, una joven curiosa y crítica, se In an apathetic society, a young and curious girl named Zamira
desarrolla de niña a mujer en el seno de una familia absorbida grows up in a family consumed by TV and media. Zamira feels
por los medios. Zamira se siente sola, y para acercarse a su madre lonely, she has to change in order to be accepted by her mother.
debe cambiar.

Vidas habitables
D: Gisela Villanueva, 14’

Georgina es una mujer transexual a la que están por desalojar de Georgina is a transgender woman who is being evicted. Omar is a
su casa. Omar pertenece a la policía y sufre la humillación por parte policeman who is being humiliated by his chief because of his sexual
de su jefe, que no soporta su orientación sexual. Julia es una joven preferences. Julia is a young transgender woman conflicted with her
transexual que tiene conflictos con su apariencia. physical appearance.
FUNCIONES PARALELAS concurso Raymundo Gleyzer — parallel programs
raymundo gleyzer Contest
10 ediciones - 5 películas.
Concurso Raymundo Gleyzer
El Concurso Federal de Desarrollo de Proyectos Raymundo
Gleyzer se creó para brindar la oportunidad a jóvenes
realizadores de producir su primera película. Está dirigido a
guionistas, directores y productores que tengan un proyecto de
largometraje y aún no tengan los antecedentes exigidos por el
INCAA para acceder a los subsidios. Se caracteriza por su espacio
formativo, donde cada equipo tiene la posibilidad de trabajar
junto a un jurado capacitador con cada uno de los proyectos.
Este concurso ha generado, a lo largo de sus 10 ediciones, una
multiplicidad de películas de todos los puntos del país.
He aquí una pequeña muestra de ellas.
Clara y Alejandro se mudan a una casa nueva. Pocos días después,
él viaja por trabajo y ella se queda sola, rodeada de cajas cerradas.
Ese desorden la impulsa a aceptar una serie de invitaciones azarosas
que la alejarán del mundo cerrado y hermético en el que vive.
Un montañista y documentalista inicia un viaje por Argentina
para volver a reunirse con los dos amigos con los que intentó hacer
cumbre en el Himalaya. Solo y con ellos, intentará entender qué
pasó con Darío, el cuarto amigo, el que decidió seguir subiendo, el
único que no volvió con vida de la expedición.
10 EDITIONS - 5 FILMS.
RAYMUNDO GLEYZER CONTEST
The Raymundo Gleyzer Federal Contest for the
Development of Projects was created in order to provide young
filmmakers with the opportunity to produce their first film. It
is aimed at screenwriters, directors and producers that have
a feature film project but lack the prerequisites required by
INCAA (the Argentine film institute) to apply for grants and
subsidies. It is characterized by its educational component in
which each team has the chance to work alongside a training
jury on its project. This contest has helped make, in its ten
editions, multiple films from all over the nation.
Here is a small sample.
Cetáceos
D: Florencia Percia, 77’
Clara and Alejandro move to a new house. A few days later, he goes
on a business trip and she stays alone, surrounded by packed up
boxes. That mess draws her to accept a series of random invitations
that will distance her from the enclosed, hermetic world in which
she lives.
Dhaulagiri, ascenso a la
montaña blanca
D: Guillermo Glass y Cristián Harbaruk, 70’
A mountain climber / documentary filmmaker embarks on a
journey through Argentina to reunite with two friends with whom
he had tried to reach a summit in the Himalayas. Alone and with
them, he will try to understand what happened to Darío, their fourth
friend, who decided to keep climbing and is the only one who did
not return from the expedition alive.

Carla llega para acompañar a Martina después de años de ausencia.
La relación entre ellas es distante, hay algo de lo que no hablan.
Martina tiene encuentros furtivos con Diego, un hombre que le
dobla la edad. Ambos se someten a un juego sexual fuerte y fuera
de control.
Batato Barea fue un clown/literario/travesti que se convirtió en
genio y figura del underground porteño en la postdictadura. Desde
una radicalidad poética y libertaria, sus intervenciones fueron
determinantes en la ampliación del imaginario social sobre teatro,
género y sexualidades.
Rina vuelve después de mucho tiempo a su isla, en las
profundidades del delta de Tigre. Allí ella crio a su hijo y pasó la
mayor parte de su vida. Ahora quiere recuperar su casa y volver a
reunirse con Facundo, que también salió de la isla. Ambos, madre e
hijo, descubrirán que todo ha cambiado.
375
Fin de semana
D: Moroco Colman, 74’
Carla returns to accompany Martina after years of absence. The
relationship between them is distant; there is something they do not
talk about. Martina has some furtive encounters with Diego, a man
twice her age, and the two submerge themselves in a powerful and
out of control sex game.
La peli de Batato
D: Goyo Anchou y Peter Pank, 150’
Batato Barea was a clown/literary figure/transvestite who became
an important figure of the post-dictatorship underground scene
in Buenos Aires. With a poetic and libertarian radicalness, his
interventions played an important role in the expansion of the social
imaginary upon theater, gender and sexualities.
Tigre
D: Silvina Schnicer y Ulises Porra Guardiola, 93’
Rina returns, after a long time, to her island in the depths of the
Tigre delta. She raised her son and spent much of her life there. Now
she wants to recover her house and reunite with Facundo, who also
left the island. Both mother and son will discover that everything
has changed.
FUNCIONES PARALELAS Pantalla UBA — parallel programs uba screen
pantalla uba
Muestra de trabajos de la Carrera
de Diseño de Imagen y Sonido de la
Universidad de Buenos Aires
En el cine habitan los más diversos estilos expresivos. No
es difícil visualizar que, así como la palabra escrita construye
ensayos, novelas, cuentos y poemas, el audiovisual es versátil
en el empleo de sus materiales significantes al plasmarlos en
múltiples formatos. Lo figurativo, lo abstracto, lo narrativo, lo
experimental: todo tiene espacio en este medio y es objeto de
producción y de reflexión en el trabajo realizado en los talleres
de la carrera. Aquí presentamos una selección de películas de
corta duración que dan cuenta de ello.
Dos países en una misma ciudad, conformados por un mismo
conjunto de personas, que se sumergen en un diálogo colectivo sin
importar la condición simbólico-territorial en la que se encuentran.
La abuelita le hace el juego del avioncito a su nieto. Cuando este ve
que ella se pone a llorar, se da cuenta de que el avioncito de fantasía
se ha estrellado, y los sobrevivientes se calcinan vivos en el incendio
en su mejilla.
Una mirada despojada y distante nos sumerge en el universo del
culturismo argentino. Con pretenciosa objetividad, retrata diversas
situaciones dentro de una, dos o todas las competencias.
Documental que muestra la convivencia en el CEPT N° 16, una
institución educativa rural de Lobos, en la Provincia de Buenos
Aires, que a través del sistema de internado de alternancia brinda
educación secundaria a los jóvenes de la comunidad.
uba screen
Exhibit of works from the Image and
Sound Design major of the University of
Buenos Aires
The most diverse expression styles inhabit cinema. It
is not hard to visualize that, just like the written word builds
essays, novels, short stories and poems, the world of audiovisual
is versatile in the use of its significant materials when capturing
them in multiple formats. The figurative, the abstract, the
narrative, the experimental: everything has a place in this
medium and is an object of production and reflection in the
work conducted at the school’s workshops. Here, we present a
selection of short films that are proof of that.
Afrontera
D: Felipe Campos, 20’
Two countries in one same city, formed by the same group of
people, who plunge into a collective dialog regardless of the
symbolic-territorial condition they find themselves in.
Ahí viene el avioncito
D: Nicolás Solé, 4’
Grandma plays the little plane game with her grandson. When he
sees her bursting into tears, he realizes that the little fantasy plane
has crashed, and that the survivors are burning alive in the fire in
her cheek.
Coronados
D: Josefina Alen, Abril Lucini, 16’
A stripped down and distant gaze plunges us into the universe of
Argentine bodybuilding. With pretentious objectivity, it depicts
different situations within one, two or all of the competitions.
Educación rural
D: Federico García Bedoya, 13’
A documentary that shows the coexistence of students and faculty at
CEPT Nº 16, a rural educational institution in Lobos, in the Buenos Aires
Province, which, through a rotating boarding system, provides high-
school education to the young men and women of the community.

En un universo paralelo, Benito ha logrado llegar al nirvana a través
de la meditación y trascender a un plano espiritual de baile y color.
Experimentación libre a partir de recortes de imágenes y
collage analógico.
En plena madrugada, Victoria huye por los médanos de un pueblo
de playa fuera de temporada. En su huida necesitará confiar en la
ayuda de Dante, un carpintero del puerto que la refugia en su casa.
Muchos okinawenses emigraron a Latinoamérica durante la
Segunda Guerra; así surgió el primer periódico para orientar a la
población japonesa sobre los acontecimientos de su país. Setenta
años después, este periódico se dedica al fomento y la difusión de
actividades culturales de la comunidad japonesa.
Algunas palabras japonesas no tienen una traducción literal al
español, simplemente significan un suceso, o un instante en el
encuentro entre dos personas. En este trabajo se retratan dos de
estas palabras empleando técnicas de animación.
377
El nirvana de Benito
D: Ariel Fossa Luengo, 30’’
In a parallel universe, Benito has managed to reach nirvana through
meditation and transcend to a spiritual plane of dance and color.
Experimental 1
D: Verónica Flores, 37’’
Freestyle experimentation through image cutouts and
analog collage.
Fuera de temporada
D: Sebastián Badino Lynch, 17’
Late at night, Victoria flees through the sand dunes of an off-season
beach town. During the escape, she will have to trust in the help of
Dante, a carpenter from the port that gives her refuge in his home.
Hochi
D: Melisa Serpas, 10’
Many Okinawans emigrated to Latin America during World
War II, which was how the first newspaper to orient the Japanese
population about the events that happen in their country appeared.
Seventy years later, that newspaper is devoted to the encouragement
and promotion of cultural activities from the Japanese community.
Komorebi
D: Agustina Abeijon, 34’’
Some Japanese words do not have a literal translation into Spanish;
they simply mean an event, or an instant in the encounter between
two people. This work depicts two of those words employing
animation techniques.
FUNCIONES PARALELAS Pantalla UBA — parallel programs uba screen
En clave de autorretrato, una búsqueda personal, reflexiva y
experimental de la directora a través de los distintos estados
emocionales que transita al ahondar en imágenes del pasado,
reflexionando acerca de los problemas y beneficios que conlleva su
trastorno bipolar.
Irrealidades expandidas, futuros posibles, deseos de una
suspensión temporal que nunca sucede. El uso de la simultaneidad
de pantallas crea una nueva experiencia de temporalidad en la que
se pone en duda cualquier posibilidad de una epifanía.
Spot publicitario sobre un restaurante de cocina fusión japonesa.
Cortometraje ficcional realizado con material de archivo. Mediante
la yuxtaposición de imágenes visuales y sonoras se narra una
historia acerca de los recuerdos, el amor y el olvido.
Juancho es un entrenador de salto en trampolín con más de
treinta años de experiencia. Entrena a tres deportistas: sus hijas
Valentina y Delfina, e Ivanna. Ellas necesitan un entrenamiento de
alto rendimiento pero, como no cuentan con el apoyo del Estado,
Juancho se dedica a cubrir sus necesidades.
La araña de mi jardín
D: Daniela Bazzano, 12’
A self-portrait, a personal, reflective and experimental search
by the director through the different emotional stages she goes
through when digging out images from the past, reflecting on the
problems and benefits of her bipolar disorders.
Leal
D: Julieta Caputo, Guadalupe Sierra, 9’
Expanded unrealities, possible futures, hopes for a suspension of
time that never happens. The use of simultaneous screens creates
a new way of experiencing time in which every possibility of an
epiphany is called into question.
Mizuki
D: Maximiliano Cabrera, 1’
Advertisement about a Japanese fusion restaurant.
Nosotros, los de entonces
D: Gabriela Estrin, 2’
Fictional short film made with archival footage. Through the
juxtaposition of visual and sound images, a story about memories,
love and oblivion is told.
Podestá
D: Joaquín Caba, 13’
Juancho is a springboard diving coach with more than thirty years
of experience. He trains three athletes: his daughters Valentina and
Delfina, and Ivanna. They need high-performance training but,
not having support from the State, Juancho dedicates himself to
covering their needs.
FUNCIONES PARALELAS Programa Gipuzkoa Coopera — parallel programs 379
Gipuzkoa Coopera Program

Programa de Gipuzkoa Coopera Gipuzkoa Coopera Program

Con la colaboración del festival de San Sebastián y With the collaboration of the San Sebastian Film
el INCAA. Festival and INCAA.

Estos cortometrajes fueron realizados bajo el Programa
Gipuzkoa Coopera en colaboración con el Festival de San
Sebastián y el INCAA para el fomento de la creación audiovisual
argentina entre adolescentes en situación de desigualdad.
Todos fueron llevados a cabo por los alumnos de la Escuela Nº37
de la ciudad de Mar del Plata.
These short films were made under the Gipuzkoa Coopera
Program in collaboration with the San Sebastián Film Festival
and INCAA to help Argentine audiovisual creation among low-
income teenagers. They were all made by students from School
Number 37 from the city of Mar del Plata.

Mi vecino vende plantas

7’

Juan está harto de su vecino. Un día decide delatarlo. Enseguida se Juan is sick of his neighbor. One day, he decides to rat him out. He
arrepiente. immediately regrets it.

Julieta
14’

Julieta les hace bullying a sus compañeros. Se cree importante, Julieta bullies her schoolmates. She thinks she’s important, strong,
fuerte, poderosa. ¿Por qué lo hace? and powerful. Why does she do it?

Canta para mí
11’

Un aparente agente de casting engaña a Antonella a través de las A fake casting agent deceives Antonella through social networks.
redes sociales.
ÍNDICE POR PELÍCULA — index by film
# Capacocha 364
3/4 174
¡No! 120
12 jours 136
120 battements par
minute 137
5 Therapy 54
78/52 232
9 Fingers 138
A Clasificando sensaciones 255
A fábrica de nada 48
A Hell of a Wedding 242
A Taxi Driver 337
Ábalos, una historia
de cinco hermanos 233
Afrontera 376
Ahí viene el avioncito 376
Al desierto 28
Al silencio 366
Aliens 271
All That Jazz 346
Alona 278
Also Known as Jihadi 139
Amalia y Eduardo 366
American Valhalla 211
Angels of Revolution 326
Años luz 196
As duas Irenes 243
Ata tu arado a una estrella 84
Aterrados 94
Autobiográfico 2 256
Autumn, Autumn 335
B giudizio 361
Bákiro 247
Barbara 140
Baronesa 64
Barrefondo 96
Behind the Dark Night 336
Belle Dormant 289
Bienvenida Nur 366
Black Film 320
Blow-Up 347
Born to Be Blue 260
Brawl in Cell Block 99 214
Brooklyn - Gusinje 312
Bunch of Kunst - A Film
About Sleaford Mods 208
C Eco y Narciso 292
Cabros de mierda 186
Camila 342
Caniba 141
Canta para mí 379
Carla 364
Cerulia 88
Cetáceos 374
Chaco 58
Chacun sa vie 300
Chagall-Malevich 327
Cien caminos - Suárez
segunda parte 209
Claire's Camera 142
Clausura 370
Coco 144
Cocote 78
Columbus 38
Copacabana 262
Copia A 366
Córdoba sinfonía urbana 197
Corina 258
Corky 247
Coronados 376
Corp 367
Cortometrajes
Tungsteno Films 229
Cuentos de chacales 198
Cuentos de verano 358
Cuerpo 257
D Public Library 146
Dá trilogía 261
Despechada 120
Desvío 258
Detenuto in attessa di
Dhaulagiri, ascenso a
la montaña blanca 374
Diarios de niebla 278
Did You Wonder
Who Fired the Gun? 264
Die Bad 338
Doble de cuerpo 350
Doce clavos 121
Donnie Darko 351
Dry Martini 293
Duelo 91
E Fuck You Jessica Blair 175
Early Works 309
Easygoing Teddy 248
Educación rural 376
El azote 98
El chico Pelo-de-flor 248
El contramaestre 91
El después 372
El día después 143
El hilo 90
El mar la mar 265
El mes del amigo 370
El nirvana de Benito 377
El origen de la tristeza 205
El secreto 367
El silencio de los fusiles 187
El silencio del viento 52
El teatro de la
desaparición 60
El trabajo 372
El último cuentista 364
El vigilante 188
El volcán adorado 199
Elementos 271
En el séptimo día 145
En la sorprendente era
de la comunicación 121
Entre Perón y mi padre 200
Era uma vez Brasilia 66
Error 404 367
Escenas de mesa 256
Estoy acá (Mangui Fi) 100
Eugenia 62
Eva 373
Ex Libris – New York
Experimental 1 377
Extraño pero verdadero 189
F Kharms 328
Fajr 172
Fame 234
Fantasy Sentences 276
Farewell 266
Farpões baldios 272
Fattoruso 190
Félicité 147
Fin de semana 375
Flammes 287
Flor de durazno 367
For Ella 322
From a Year of
Non-Events 267
Fuera de temporada 377
G La fuente 259
Good Luck 40
Grandeur et décadence
d'un petit commerce
de cinéma 148
Grenouilles 291
H
Hambre 373
Hannah 176
Hasta que me desates 102
Hello, Horse! 170
Hochi 377
Housewife 215
How to Talk to Girls
at Parties 216
How We Live - Messages
to the Family 149
I
I Want to 150
Il monte delle formiche 177
Il vedovo 359
Infancia intervenida 259
Interferencia 257
Inventory 320
Invisible 30
J
Jeunes hommes a
la fenetre 272
João, o maestro 151
Julieta 379
June Turmoil 319
K
Kenedi Is Getting Married 316
Khalkhali - Fire 249
Kikí 292
Komorebi 377
Kosmos 273
L
L'Enfance Nue 303
L'Utopie des images
de la Révolution russe 329
L’Héroïque lande,
la frontière brûle 152
La araña de mi jardín 378
La batalla de los sexos 153
La Bouche 273
La de Messi 365
La familia 82
La forma del agua 154
La imitación del angel 290
La mujer proyectada 259
La nostalgia del centauro 104
La peli de Batato 375

La revancha 370
La sombra quema 365
La suave noche 201
La telenovela errante 72
Laissez bronzer
les cadavres 217
Las expansiones 274
Las olas 80
Last Flag Flying 155
Le Château de Pointilly 291
Le Crime de la toupie 290
Le Fort des fous 268
Le Jouet Criminel 290
Le Vénérable W. 156
Leal 378
Legítima defensa 255
Lenin 257
Les Affamés 218
Les Garçons Sauvages 178
Les Gardiennes 42
Les Intrigues de
Silvia Couski 285
Liebig 259
Limbo 278
Little Pioneers 319
Los complejos 360
Los Corroboradores 106
Los dos cines de
Yody Jarsun 368
Los guantes mágicos 344
Los olvidados 224
Los perros de Amudsen 279
Los unos y los otros 299
Los vagos 108
Loser’s Adventure 333
Loulou 304
Lowlife 219
Lucía 345
Lucky 157
Lumière. L'Aventure
commence 128
M Visages Villages 168
Macanao 90
Makala 235
Mala vida 225
Marble Ass 315
Marea humana 158
Margaret 129
Mariana 74
Marquis de Wavrin, from
the Manor to the Jungle 236
Marshall 159
Matar a Dios 220
Merlin 288
Metric Film 260
México bárbaro II 227
Mi mundial 244
Mi vecino vende plantas 379
Miedo 122
Mimetismo 256
Mirada de cristal 226
Mizuki 378
MLA 274
Motocross 122
Mrs. Fang 160
Mrs. Hyde 161
Muchos hijos, un mono
y un castillo 237
N Reencuentro 352
Naceré 258
Napalm 162
Natacha, la película 245
Negative Space 249
Ni juge ni soumise 239
Niebla 269
No hay bestias 371
Noches de otoño 269
Nosotros, los de
entonces 378
O Scaffold 276
Octubre 330
Oldtimer 314
Once 368
Open the Door 238
Où en êtes-vous,
Jean-Marie Straub? 275
Où en êtes-vous,
João Pedro Rodrigues? 171
Ouroboros 179
Outrage: Coda 163
P Son 124
Pabellón 4 202
Paradise - An Imperialist
Tragicomedy 310
Parque 262
Pasión oriental 123
Person to Person 180
Piazza Vittorio 164
Pirika on Film 318
Pixied 123
Pizza, birra, faso 343
Playa 89
Plus Ultra 275
Podestá 378
Primas 34
Prototype 270
Proyecto 55 203
Puelo Park 371
Puertas 258
Q The Seeds of Violence 334
Quiero 250
R Tempered 313
Rambla, sin tu amor
yo no soy nadie 240
Ramiro 50
Real - O plano por trás
da História 191
Red Capriccio 279
Reflectorista 368
Réquiem para un film
olvidado 110
Rey 70
Robocop 353
Ruido blanco 373
Rumble: The Indians
Who Rocked the World 212
S
Sabaku 250
Scrambled 251
Sea Sorrow 130
Sepultura Endurance 210
Sexo, zombies y
Bret Michaels 228
Sicilian Ghost Story 181
Silo danube, vukovar 323
Sob o vèu da vida
oceânica 88
Soldado 112
Solemne y melancólico 368
Sous le soleil de Satan 305
Sueños de Paine 371
Superdulce 365
T Western 32
Tam Tam 286
Terremoto 257
The Battleship Island 339
The Charmer 182
The Comedy and Tragedy
of Bora Joksimovic 321
The Dead Nation 165
381
The Disaster Artist 221
The First Lap 36
The Little Bird
and the Caterpillar 251
The Old School
of Capitalism 317
The Second Generation 311
The Villainess 340
The Way Steel Was
Thelma 44
Thirst Street 166
Throwing Off the
Yolks of Bondage 322
Tigre 375
Tito Among the Serbs
for the Second Time 321
Toda mi alegría 365
Todo lo que veo es mío 114
Tokyo Vampire Hotel 222
Tonalidades 89
Tormentero 76
Traces of the Inscribed 279
Tres avisos por un crimen 167
Twin Peaks:
Fuego camina conmigo 354
U
Umbrales 256
Un cine en concreto 204
Un hombre y una mujer 298
Un viaje a la luna 116
Una chica y los fusiles 297
Una mujer fantástica 68
V
Vacanza permanente 293
Valparaíso 262
Van Gogh 306
Verão danado 183
Vidas habitables 373
Violeta al fin 192
W
Wajib 46
Wiñaypacha 193
Wonders of the Sea 3D 246
Wonderstruck 169
Y
Y ahora elogiemos
las películas 124
ÍNDICE POR DIRECTOR — index by director
A Bramuglia,
Abbruzzese, Giacomo 234
Abeijon, Agustina 377
Abramovich,
Manuel 112,196
Alami, Milad 182
Aleksandrov, Grigoriy 330
Alemann,
Marie Louise 255-256
Alen, Josefina 376
Alonso, Alejandro 91
Alsharif, Basma 179
Álvarez, Martín 197
Álvarez, Marto 258-259
Amalric, Mathieu 140
Anchou, Goyo 375
Antonioni,
Michelangelo 347
Antunes, Juliana 64
Arrietta, Ado 285-293
Atallah, Niles 70
Aubert, Robin 218
B Forzani, Bruno 217
Baca, Ernesto 110
Badino Lynch,
Sebastián 377
Bainbridge, Catherine 212
Barbosa, Jesús 370
Bari, Laura 34
Baudelaire, Eric 139
Bazzano, Daniela 378
Beauvois, Xavier 42
Bednarik, Santiago 190
Bemberg, María Luisa 342
Bernardez, Luis 106
Bertini, Gabriel 366
Biazzi, Gustavo 108
Bilotti, Luciana 368
Bing, Wang 160
Biniez, Adrián 80
Bittencourt, Rodrigo 191
Blanco, Fernando 209
Bochard, Pablo 370
Bolotnikov, Ivan 328
Bonnetta, Joshua 265
Bordenave, Sofía 201
Borrajo, Francisco 89
Boulocq, Martín 62
Bozon, Serge 161
Juan Manuel 100
Bratosevich, Nicolás 240
Bulgarelli, Pietro 90
C Eisenstein, Sergei M. 330
Caba, Joaquín 378
Cabeleira, Pedro 183
Cabrera, Maximiliano 378
Caetano, Israel Adrián 343
Cahen, Robert 273
Cambre, Joaquín 116
Campillo, Robin 137
Campos, Felipe 376
Campusano,
José Celestino 98
Caputo, Julieta 378
Carrillo, Sofía 88
Carroll Lynch, John 157
Casas, Caye 220
Castaing-Taylor, Lucien 141
Catacora, Óscar 193
Cattet, Hélène 217
Centeno, Álvaro Aponte 52
Chiapparo, Francisco 122
Cócolo, Mariano 366
Cohen, Diego 227
Colás, Jorge Leandro 96
Colman, Moroco 375
Colombo, Miguel 203
Comello, Natalia 197
Conti, Micaela 197
Cousteau, Jean-Michel 246
Crampi, Mad 225
Cueva, Christian 227
D Gachassin, Diego 202
D’Amico, Luigi Filippo 360
Dayton, Jonathan 153
De la Fuente, Flavia 269
De los Santos Arias,
Nelson Carlo 78
De Palma, Brian 350
Defa, Dustin Guy 180
Degregori, Esteban 371
Del Toro, Guillermo 154
Delgado, Samuel M. 275
Depardon, Raymond 136
Detzel, Guillermo 262
Deutsch, Gustav 149
Díaz, Fernando 225
Díaz, Pablo Alberto 366
Dobal, Lucía Ayelén 364
Duque, Clarissa 90
E Gregl, Tomislav 248
Eloy Martínez, Blas 200
Endelman, Ezequiel 226
Epifanio, Constanza 373
Escofet, Reina 261
Estrin, Gabriela 378
Evrenol, Can 215
F
Farías, Ricardo 227
Farina, Martín 198
Faris, Valerie 153
Farmanara, Bahman 150
Fedorchenko, Alexey 326
Ferrara, Abel 164
Ferrari, Manuel 274
Flores, Verónica 377
Foroughi, Amineh 249
Fossa Luengo, Ariel 377
Fosse, Bob 346
Franciolini, Gianni 358
Franco, James 221
Franco, Max 120, 229
Franz, Christine 208
Frémaux , Thierry 128
Frenkel, Oscar 205
Frölke, René 267
G JR 168
Gallo Bermúdez,
Alejandro 368
Galperín, Mariano 114
Garateguy, Tamae 102
García Bedoya,
Federico 376
Garza, Michelle 227
Gassadonia, Fabio 181
Giorgelli, Pablo 30
Girón, Helena 275
Glass, Guillermo 374
Godard, Jean Luc 148
Goldes, Daniela 197
Gómez, Dana 373
Gomis, Alain 147
González Polo, Augusto 121
Gonzalo, Micaela 365
Gras, Emmanuel 235
Grisebach, Valeska 32
Guarini, Carmen 84
Gude, Chris 74
Guzmán, Rubén 273
H
Hamon, Emmanuel 329
Haneman, Karni 175
Harbaruk, Cristián 374
Haynes, Todd 169
Heeger, Vanessa 248
Hernández, Paula 121
Hidalgo, Hilda 192
Hinant, Yves 239
Hirsch, Narcisa 273
Homme, Joshua 211
Hong, Sang-soo 142-143
Honik, Jorge 271
Hopfner, Ursula Barba 250
Hudlin, Reginald 159
I
Imaz, Rubén 76
Incalcaterra, Daniele 58
J
Jacir, Annemarie 46
Jang, Hun 337
Jang, Woo-jin 335
Jude, Radu 165
Juliano, Otavio 210
Jung, Byung-gil 340
Justiniano, Gonzalo 186
K
Karimi, Shahram 238
Kasdan, Lawrence 352
Kelly, Richard 351
Kim, Dae-hwan 36
Kitano, Takeshi 163
Klotz, Nicolas 152
Ko, Bong-soo 333
Kogonada 38
Komljen , Dane 276

Korovsky, Santiago 123
Krapp, Fernando 199
Kuwahata, Ru 249
L Noé, Pablo 233
Lanchares, Federico 260
Lanzmann, Claude 162
Lelio, Sebastián 68
Lelouch, Claude 297-300
Libon, Jean 239
Lim, Tae-gue 334
Lima, Mauro 151
Linklater, Richard 155
Lipkes, Michel 189
Llobera, Juan Cruz 368
Lonergan, Kenneth 129
López Carrasco, Luis 271
Loy, Nanni 361
Lucini, Abril 376
Lynch, David 354
M Paravel, Vérena 141
Maccarone , Pedro 120, 229
Maiorana, Alfonso 212
Mandico, Bertrand 178
Mantello,
Jean-Jacques 246
Mari, Narimane 268
Márquez, Samot 228
Mateus, Marta 272
McDonagh, Martin 167
McKay, Jim 145
Meira, Fabio 243
Meirelles, Quico 88
Melendez, Carlos 227
Menchon, Juan Pablo 122
Metev, Ilian 174
Milano, Angelo 234
Mitchell,
John Cameron 216
Mitta, Alexander 327
Molina, Adrián 144
Monetti, Cristian 367
Montejano, Leandro 226
Morelli, Carlos Andrés 244
Morelli, Tomás 366
Moro, Antonio 197
Moshonas, Loukianos 272
Mozos, Manuel 50
N R
Nazareno, David 368
Neumann, Andreas 211
New, Miguel 247
O Redgrave, Vanesa 130
Obligado, Polo 197
Ofner, Astrid Johanna 266
Ojeda, Mauro Iván 365
Olivares, Emmanuel 371
Onetti, Luciano 224
Onetti, Nicolás 224
Orozco, Natalia 187
Ortega, Lex 227
Ossang, F. J. 138
P
Pakalnina, Laila 170
Palladino, Riccardo 177
Pallaoro, Andrea 176
Pank, Peter 375
Patiño, Lois 172
Pavlovskaya, Alisa 54
Pécora, Paulo 274
Pelu Romero, M. E. 372
Perceval, Élisabeth 152
Percia, Florencia 370,374
Pérez, Alejandro 91
Pernich, Tomás 364
Phillipe,
Alexandre O. 232
Pialat, Maurice 303-306
Piazza, Antonio 181
Pinho, Pedro 48
Pintó, Albert 220
Pinto, Eduardo 245
Plantier, Luc 236
Podolsky, Román 114
Polanco, Pablo 90
Polledri, Pablo 367
Porra Guardiola, Ulises 375
Porter, Max 249
Primosch, Ty 247
Prows, Ryan 219
Q Small, Alejandro 89
Quattrini, Fausta 58
Queirós, Adirley 66
Quiroga, Diana 373
Radwanski, Kazik 276
Ramírez, Adrean 364
Ramírez, Rafael 278-279
Rapoport, Luz 201
Ravazzola, Agostina 123
Rejtman, Martín 344
Renninger,
Ann Carolin 267
Restrepo, Camilo 273
Reyes, Manuel 257
Ribeiz, Fernanda 245
Risi, Dino 359, 360
Rodrigues,
João Pedro 171
Rodríguez Traverso,
Gervasio 366
Rondón Córdova,
Gustavo 82
Ros, Diego 188
Rosell, Ulises 28
Rossi, Franco 360
Ruciello, Luz 204
Rugna, Demian 94
Ruiz, Bruno 371
Ruiz, Raúl 72
Russell, Ben 40
Ryoo, Seung-wan 338-339
S Vön Dohren, Lenna 251
Salmerón, Gustavo 237
San Martín, Agustina 371
Sanchez, Abraham 227
Santos, Alejo 124
Sarmiento, Valeria 72
Scelso, Germán 197
Schnicer, Silvina 375
Schravendeel,
Bastiaan 251
Schroeder, Barbet 156
Serpas, Melisa 377
Seyed Reza,
Seyed Reza 242
Shim, Chan-yang 336
Sierra, Guadalupe 378
Silver, Nathan 166
Sniadecki, J. P. 265
Solás, Humberto 345
Sole, Nicolás 376
383
Sono, Sion 222
Sorroza, Gabriela 123
Soto, Fabián 371
Stagnaro, Bruno 343
Straub, Jean-Marie 275
Stuart, Jazmín 120
T
Tabacznik, Esteban 100
Tello, Sergio 227
Tenuta, Rodrigo 367
Torchinsky, Nicolás 104
Torrado, Manuel 197
Trier, Joachim 44
Unkrich, Lee 144
U
Urdapilleta, Fernando 227
Urricelqui, Hebe 368
V
Vallejo, Leandro 372
Van der Wel, Marlies 250
Varda, Agnés 168
Verhoeven, Paul 353
Villaclara, Guido 365
Villanueva, Ana 259
Villanueva, Gisela 373
Villar Rojas, Adrián 60
W
Wainstein, Mariana 367
Weiwei, Ai 158
Wilkerson, Travis 264
Williams, Blake 270, 279
Winter, Grace 236
Wiseman, Frederick 146
Y
Yoffe, Ezequiel 365
Z
Zahler, S. Craig 214
Zamora, Ángel 367
Zavalía Ábalos,
Josefina 233
Zilnik, Zelimir 309-323
Zukerfeld, Nicolás 124