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PINTORES
ÉDOUARD MANET
Autorretrato
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alistarse en un buque mercante. Pero al poco tiempo retornó a sus
actividades de rutina.
Paso varios años ahí hasta que abandonó nuevamente el taller, ya que
consideraba anticuadas las enseñanzas de Thomas Couture. Con algún
dinero reunido y con la ayuda de su tío incondicional, emprendió un viaje
por varios países de Europa, Italia, Holanda, Alemania y Austria, donde
visitó infinitos museos, bibliotecas, exposiciones, iglesias y conoció algunos
grandes maestros del momento. Posteriormente, visitó España, quedó
fascinado por sus costumbres, el folclore y el mundo del toreo. Recibió
influencia artística de Frans Hals, Diego Velázquez y Francisco de Goya,
algunos de los artistas españoles más influyentes del momento.
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Otra de sus célebres obras, que al principio fue rechazada por el Salón de
Otoño y criticada por muchos pintores, Desayuno sobre la hierba (1863), es
una mujer desnuda, esta es su modelo preferida Victorine Meurent, cercada
por dos jóvenes engalanados de forma contemporánea. En la obra se emplea
una técnica revolucionaria en el tratamiento de la perspectiva y de la
representación del entorno natural. Las obras de Manet fueron magnificas,
podemos mencionar otra como: Olimpia (1863), en dicho cuadro aparece
Olimpia en compañía de su dama, una mujer negra con un ramo de flores.
Esta pintura generó polémica porque la modelo era una reconocida
prostituta de París. Para la sociedad fue una pintura con un tema poco
respetable, salió a la luz después de dos años de haber sido pintada.
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Émile Zola era un gran aficionado a la pintura y defendía a los pintores que
eran rechazados por la crítica oficial. En 1866, Zola alabó a Manet, y éste,
en reconocimiento por el apoyo, le dedicó este retrato.
"Están lloviendo insultos sobre mí. Alguien debe estar equivocado" escribió
a Baudelaire, autor del título del lienzo "Olympia".
Como escribió Henri Matisse varios años después de su muerte, "el primer
pintor en lograr la traducción inmediata de las sensaciones, liberó el instinto
del pintor".
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ODILON REDON
Autorretrato
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delicuescente de sublime belleza, como por la evanescente irrealidad de sus
composiciones, es considerado como uno de los principales representantes
del simbolismo y un precursor del surrealismo.
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En Odilon Redon, el interés por el inconsciente, lo onírico y lo fantástico se
hace patente en su temática. Su obra se puede dividir en dos partes, una en
blanco y negro y otra en color. Para él, el negro era el príncipe de los colores.
La araña sonriente, El sueño acaba con la muerte o El ojo como un globo
extraño se dirige hacia el infinito son algunos ejemplos. Esta última es un
precedente claro del surrealismo. El tema del ojo permite la conexión con
los surrealistas, aunque también es una actitud simbolista.
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MARIANNE VON WEREFKIN
Autorretrato
"Este es el papel de la mujer. Ella existe para ser portavoz de las nuevas
ideas, sobre todo en el arte, para explicar el genio a la masa".
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Fue víctima de una especie de machismo artístico-sentimental que destruyó
su relación con el arte tanto tiempo como compartieron lecho con sus
admirados y vampíricos pintores.
Después de una crisis privada con Jawlensky que culmina con el nacimiento
de su hijo en 1902 y viajes de rehabilitación por Francia, Marianne von
Werefkin retoma su arte en 1906 bajo la influencia de Edvard Munch.
"¡Volveré a pintar!" fueron las últimas palabras que Marianne Von Werefkin
(1860-1938) dijo, despechada, a Jawlensky, del que se separaba
definitivamente en 1921 después de casi dos décadas de apasionada y
tormentosa relación.
En 1919, otra mudanza los lleva a Ascona, donde se unen al grupo "Großer
Bär." Dos años más tarde, von Werefkin y Jawlensky se separan.
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Su pintura primitivista y sintética, mística, de colorido estridente y
antinaturalista a ultranza. En la década de 1920 fundó su propio grupo, Der
Grosse Bär.
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GUSTAV KLIMT
Autorretrato
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Llevo a cabo varias exposiciones continuas hasta el año 1905. Además
realizó las pinturas murales alegóricas como un encargo para la Universidad
de Viena, en estas pinturas se percibió un evidente cambio de estilo,
originaron duras críticas, por lo que el artista, aun frágil emocionalmente,
decidió abandonar el encargo sin haberlo finalizado. Trágicamente en 1945
un incendio destruyó la parte de las pinturas que se habían concluido.
Se decía de Klimt era una persona muy radical, y luego de este episodio, ya
no volvió a aceptar encargos oficiales, así que realizó gran cantidad de telas
para comerciar, en primer lugar creó paisajes plasmados con una
concepción muy particular de la perspectiva y en los que predominaron los
tonos verdes, y después, en su mayoría, figuras femeninas, que
constituyeron lo más conocido y valorado de su producción. Al paso del
tiempo este estilo fue creado por él.
En ese periodo Gustav Klimt realizaba varios viajes hacia Italia donde entró
en contacto con los mosaicos bizantinos, esto le permitió gozar de cierta
madurez artística y de nuevos elementos en sus creaciones. La realización
de su retrato de Fritza Riedler fue un gran punto clave y un gran éxito
comercial, tal es el hecho que fue llamado “periodo dorado”. A esta etapa
pertenecen su pintura más famosa El beso (1907-1908) y su obra más
valorizada: Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) con un precio de 135
millones de dólares para el 2006.
Estas obras han hecho que Gustav Klimt posiblemente sea el pintor más
famoso de Austria, uno de los artistas favoritos de este país. Además es
catalogado como uno de los representantes históricos de la pintura
modernista y simbolista. En suma, en su momento fue la figura más
representativa del modernismo pictórico, bautizado como Jugendstil en el
mundo de habla alemana. Sin duda ha sido el máximo exponente de grandes
pinturas decorativas en un estilo de corte academicista. También fue un
gran artista del movimiento modernista y simbolista en Viena.
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lograron sobrevivir son aquellas pinturas doradas con figuras femeninas
como por ejemplo: Judith con la cabeza de Holofernes (1901); El beso (1907-
1908); Retrato de Bloch-Bauer I (1907). Otras de sus obras que no hacen
parte de este estilo fueron: Fábula (1883); Retrato del pianista y profesor de
piano Joseph Pembauer (1890); Amor (1895); La música I (1895); Tragedia
(1897); Retrato de Sonja Knips (1898); Las Sirenas (1899); Retrato de Serena
Lederer (1899); Mujer echada (1916).
KLIMT
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HENRI TOULOUSE-LAUTREC
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muerte del hermano menor de Henri y de que él mismo fuera un chico
enfermizo y débil.
Con sus pinturas mostraba los aspectos más ocultos de una civilización
burguesa, que se daba al vicio únicamente en ciertos lugares.
Desde niño siempre mostró interés por el arte, cantaba todo el día, estudiaba
inglés y latín y demostraba mucha afición por el dibujo, así que sus padres
le pusieron un profesor particular, años más tarde se inscribiría en una
academia de arte del pintor Fernand Cormon, donde conocería a Vincent
Van Gogh, pero ésta fue toda su formación no autodidacta.
Sus padres se separaron cuando Henri tenía diez años, y eso le afectó
bastante. Su madre era absorbente y sobreprotectora, y Henri creó un
vínculo dependiente con ella. Su padre, el conde, era en cambio un sibarita
extravagante, que gustaba de organizar reuniones en las que solía
travestirse para ostentar su lujosa y extravagante colección de atuendos.
Cuando decidió ser pintor, contó con el apoyo de su tío Charles y de unos
pintores amigos de la familia, así que se fue a vivir a París en 1881. Su
formación empieza en 1882 con Princeteau, un pintor animalista que le
aconseja inscribirse en el estudio del pintor académico Léon Bonnat. Allí se
ejercita, sobre todo en la disciplina del dibujo, pero Bonnat clausura sus
cursos y Toulouse decide entrar en la academia privada de Cormon en 1883.
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En 1884, Lautrec vivía en el 19 de la Rue Fontaine, como subarrendatario
de los Grenier, en la casa contigua en la que hasta 1891 tuvo su taller Edgar
Degas, donde le conoció y profesó su admiración. Allí conocerá a Suzane
Valadon, la modelo con la que mantiene una relación más duradera y que
la llama su “terrible Marie”. Independiente, bohemia, libertina, mentirosa y
bebedora empedernida. Se cuenta que muchas noches, al volver de sus
sesiones de trabajo y de divertirse con algunos amigos por las tabernas del
viejo Montmartre, encontraba en su puerta un ramito de flores con una nota
de Lautrec que decía: “Vale por unos vasos de absenta”.
Durante dos años convivió con Lautrec, acompañándole a todas partes. Una
relación tempestuosa, llena de alcohol y de mentiras por parte de la modelo,
que finalmente se rompió cuando le pidió que se casara con ella,
amenazándole con suicidarse si se negaba a hacerlo. Cuando Lautrec
descubrió que había sido un falso intento, un engaño más, la dejó para
siempre en 1888.
Por estos años, Toulouse empieza a frecuentar los cabarets y cafés cantantes
de París y se familiariza con la bohemia artística polarizada en torno a
Montmartre.
Todas las grandes estrellas del cabaret y el café concierto en París desde
1890 aparecen en la obra de Lautrec, aunque las más habituales fueron
Jane Avril e Yvette Guilbert, a la que consagró un álbum entero de litografías
en 1894.
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Ese mismo año inicia su amistad con los hermanos Natanson, fundadores
de la Revue Blanche, una revista fundamental para la escena artística
parisina de los años del cambio de siglo en la que se dieron a conocer los
pintores nabis -Bonnard, Vuillard, Valloton-; Lautrec colaboró en sus
páginas y participó en algunas de las exposiciones celebradas en torno a
ella. En paralelo a su obra pictórica desarrolla una abundante y excelente
producción litográfica, que simultánea con carteles publicitarios y trabajos
editoriales.
De su vida sentimental se sabe que vivió dos años con una mujer que luego
intentó (o simuló) suicidarse ante la negativa de Henri de tener un hijo con
ella, sus relaciones posteriores se dieron con prostitutas, donde gustaba
gozar como voyeur del lesbianismo, costumbre bastante habitual entre
bailarinas y prostitutas de esa época, que lo inspiro en obras como la sere
de "Las dos amigas".
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Poseía un ojo avezado para reproducir la vida tal como se vivía, para él todos
son iguales... el intelectual, el caballero de sombrero de copa, el obrero, la
chica de servicio, la mujer galante etc.
"He intentado ser veraz y no falsificar ensueños. Tal vez sea un error, pero
me es imposible dejar de ver las verrugas; conscientemente las hago más
grandes, les agrego pelos desagradables, y les pongo algún pico brillante. No
sé si usted pueda controlar su pluma, pero cuando mi lápiz se mueve, tengo
que dejarlo correr si no ... ¡plumps! se acabó". (Toulouse-Lautrec)
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HENRI MATISSE
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interesó por la pintura impresionista, son las conocidas como
protofauvistas. De vuelta a París, conoció en un taller a André Derain y a
Jean Puy. Matisse reconoció la obra de Vlaminck y Derain como cercana a
la suya y en 1903 participó en el Salón de Otoño junto a Camoin, Derain y
Manguin.
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arrestada su esposa y su hija deportada; Matisse se volcó en su arte. Entre
1948 y 1950 trabajó en la decoración de la Capilla del Rosario de Vence.
Durante sus últimos años de vida recibió varios reconocimientos. Varios
museos rindieron homenaje a su obra: Museo Nacional de Tokio (1951) y en
el Museo de Arte de San Francisco (1952). Además, se inauguró un museo
en su nombre en su ciudad natal. Henri Matisse, murió el 3 de Noviembre
de 1954 en Niza, a la edad de ochenta y cinco años.
Entre estas obras destaca Raya verde (Madame Matisse, 1905, Museo
Estatal de Arte, Copenhague), un retrato con notas expresionistas5 de su
mujer. El título deriva de la amplia pincelada de verde brillante que define
la frente y la nariz de su esposa.
Ese mismo año Matisse expuso junto a pintores de la misma tendencia como
André Derain y Maurice de Vlaminck. Como consecuencia de esta
exposición, el grupo es bautizado como les fauves (literalmente las bestias
salvajes) por su uso estridente del color, distorsión de las formas y su
sentido expresionista en la captación de emociones. El bodegón representó
un papel central en la maduración pictórica de Matisse. Su primer cuadro
fue una Naturaleza muerta con libros.
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En 1902, año de ejecución de Las flores amarillas (Madrid, Museo Thyssen-
Bornemisza), atravesaba lo que algunos han calificado como el periodo
oscuro, que acabó en 1904, periodo de obras de enorme energía que
estallaría en las pinturas fauves de 1905.
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HERMENEGILDO ANGLADA CAMARASA
Autorretrato
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Hispanic Society, en 1917 o su ingreso en diversas academias artísticas
españolas y extranjeras (Milán, Amberes). En 1914 regresó a España y se
estableció en Pollensa, donde vivió hasta su muerte, exceptuando el
paréntesis del exilio francés durante la Guerra Civil y los primeros años de
la posguerra. Su casa de esta localidad mallorquina se convertiría en el
Museo Anglada Camarasa.
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EDWARD HOPPER
Autorretrato
Pintor estadounidense cuya obra marcó un hito en la historia del realismo7
americano pues logró plasmar en su arte esa sensibilidad particular del siglo
XX en Estados Unidos, que se caracteriza por el aislamiento, la soledad y la
melancolía.
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PABLO RUIZ PICASSO
Autorretrato
Síntesis biográfica
Pablo Diego José Ruiz Picasso, conocido luego por su segundo apellido,
nació en Málaga, España, el 25 de octubre de 1881, en el n.º 36 de la plaza
de la Merced de Málaga, como primogénito del matrimonio formado por el
pintor vasco José Ruiz Blasco y la andaluza María Picasso López. El padre
era profesor de dibujo en la Escuela Provincial de Artes y Oficios, conocida
como Escuela San Telmo. La primera infancia de Pablo transcurrió entre las
dificultades económicas de la familia y una estrecha relación entre padre e
hijo, que ambos cultivaban con devoción.
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En 1898 realiza su primera muestra individual en Els Quatre Gats de
Barcelona. Finalmente, en el otoño del año 1900 hace una visita a París para
ver la Exposición Universal. Pablo es ya un artista profesional, y decide
firmar sólo con el apellido materno.
Su obra
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Su evolución estilística y temática dibuja un apasionante itinerario, en el
que asombra la diversidad de registros, las múltiples posibilidades que el
lenguaje pictórico tiene para retratar a la sociedad o los problemas de una
época.
Período Azul
Período Rosa
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la figura del arlequín, Picasso pintó su otro yo, su álter ego, práctica que
repitió también en posteriores trabajos. De su primera época en París datan
su amistad con el poeta Max Jacob, el escritor Guillaume Apollinaire, los
marchantes Ambroise Vollard y Daniel Henry Kahnweiler y los ricos
estadounidenses residentes en Francia Gertrude Stein y su hermano Leo,
quienes se convirtieron en sus primeros mecenas. Todos ellos fueron
retratados por el pintor.
Protocubismo
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ingrista, así denominado porque emula las formas artísticas del pintor
francés Jean Auguste Dominique Ingres. De 1923 es su Arlequín con espejo
(Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid). Obra de su llamado periodo clásico
(1921-1925), anunciado, en parte, en los dibujos ingristas y consecuencia
de su estancia en Italia en 1917.
Escultura cubistta
Realismo y Surrealismo
Pinturas: 1930-1935
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Varios cuadros cubistas de comienzos de la década de 1930, en los que
predomina la armonía de líneas, el trazo curvilíneo y un cierto erotismo
subyacente, reflejan el placer y la pasión de Picasso por su nuevo amor,
Marie Thérèse Walter, con la que tuvo a su hija Maya en 1935. Marie
Thérèse, retratada muy a menudo en actitudes de reposo, fue también la
modelo del famoso cuadro Muchacha ante el espejo (1932, Museo de Arte
Moderno). En 1935 Picasso llevó a cabo la serie de grabados
Minotauromaquia, un bellísimo trabajo en el que mezcla los temas del
minotauro y las corridas de toros; en esta obra, tanto la figura del toro como
la del caballo destripado anuncian las imágenes del Guernica, el gran mural
considerado por la mayoría como una de las obras artísticas individuales
más importante del Siglo XX.
Guernica
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sentada (1954, Museo Picasso, Málaga). Desde entonces residió casi siempre
en el sur de Francia.
Últimos trabajos
Muchos de los últimos cuadros de Picasso están basados en las obras de los
grandes maestros del pasado como Diego Velázquez, Gustave Courbet,
Eugene Delacroix y Édouard Manet. Además de en la pintura de cuadros,
Picasso trabajó también en cientos de litografías que realizó en la imprenta
de Fernande Mourlot. Se interesó también por la cerámica, y así, en 1947,
en Vallauris, realizó cerca de 2.000 piezas. Durante este tiempo Picasso hizo
también importantes esculturas: El hombre del carnero (1944, Museo de
Arte de Filadelfia), un bronce a tamaño natural, y La cabra (1950, Museo de
Arte Moderno), también en bronce, obra de enorme fuerza. En 1964 llevó a
cabo la maqueta de Cabeza de mujer, una monumental escultura levantada
en 1966 en acero soldado en el Civic Center de Chicago. En 1968, y a lo
largo de siete meses, creó las notables series de 347 grabados con los que
retornó a sus primitivos temas: el circo, las Corridas de toros, el teatro y las
escenas eróticas.
París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida
los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con
vivos colores y formas extrañas. Falleció el 8 de abril de 1973 en Mougins,
cuando preparaba dos exposiciones, demostrando su capacidad creativa
hasta el final.
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CHARLES CAMOIN
Autorretrato
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Llamado a filas en 1900, Camoin se trasladó a Arlés, donde pintó algunos
lugares célebres de la obra de Van Gogh y Gauguin. Al año siguiente fue
destinado a Aix-en Provence, donde el joven provoca un encuentro con
Cézanne con el que mantendrá una correspondencia continua hasta el
fallecimiento de este último.
Camoin presentó varias obras en la célebre cage aux fauves del Salon
d'Automne de 1905, aunque los propios comentaristas de la muestra
señalaron su mayor moderación cromática respecto a sus compañeros, fruto
de una aproximación intuitiva y no sistemática a los postulados del
fauvismo. De esa época es su Retrato de Albert Marquet (1904-1905),
considerado su obra maestra. Después del paréntesis debido a la Primera
Guerra Mundial y tras su boda en 1920, Charles Camoin reparte su vida
entre París y Saint-Tropez de la cual le gusta pintar el puerto, simplificando
los contornos y jugando con la luz. Su amistad con Cézanne, cuyo ejemplo
habría de atemperar sus efusiones coloristas. Desde los años 1903-1904
Camoin participó en el Salon des Indépendants y en el Salon d'Automne. El
mismo año de 1904 conoció a Monet en Giverny y celebró su primera
individual en la Galerie Berthe Weill.
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JULIO ROMERO DE TORRES
Autorretrato
(Córdoba, 1880 - 1930) Pintor español. Era hijo del pintor y maestro andaluz
Rafael Romero Barros, director del Museo de Bellas Artes de Córdoba, quien
le inició en el sendero de la pintura desde muy temprana edad. Así, ya en
1907 pudo concurrir el joven Julio Romero de Torres a la exposición de
pintores independientes celebrada en el Círculo de Bellas Artes (Madrid).
Aupado por los cánones modernistas vigentes en su tiempo, logró éxitos -no
exentos de una virulenta controversia crítica que siempre acompañó al
enjuiciamiento artístico de su pintura- en varias exposiciones nacionales e
internacionales, como las realizadas en Barcelona (1911), en Madrid (1912)
y en Munich (1913). Pero lo cierto es que en su tiempo fue aclamado por
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pintores, escritores y contempladores de su obra, quienes celebraban la
exaltación de los tópicos nacionalistas difundidos por la obra de Romero de
Torres; para probarlo, baste con recordar que las monografías de su pintura
y los catálogos de sus exposiciones venían autorizados por comentarios
elogiosos de autores como Jacinto Benavente, Ramón María del Valle Inclán,
Gregorio Martínez Sierra o Santiago Rusiñol.
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FELICE CASORATI
Autorretrato
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internacional como uno de los máximos exponentes de este movimiento.
Murió en Turín en 1963.
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MARC CHAGALL
“Hoy en día nos interesa todo, no solo el mundo exterior, sino también el
mundo interior de los sueños y de la fantasía.” Marc Chagall.
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Pero Chagall, que tuvo una extensa vida (1887/1985) no se dedicó sólo a la
pintura. Fue también poeta (como sus propios cuadros ya nos anuncian),
autor de vidrieras y tapices, creador de escenografías teatrales, escultor y,
sobre todo, un soñador que defendía los valores esenciales de lo humano;
tanto, que llegó afirmar “sabemos que una buena persona puede ser un mal
artista. Pero nadie será un artista genuino si no es un gran ser humano“.
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GEORGIA O'KEEFFE
(Sun Prairie, 1887 - San Vicente de Santa Fe, 1986) Pintora perteneciente a
la Escuela Preciosista americana. Su infancia y adolescencia transcurrieron
en un entorno rural. En 1905-1906 estudió en la Escuela de Arte del
Instituto de Chicago, bajo la dirección de John Vanderpoel.
En 1907 se trasladó a Nueva York, donde siguió las clases de la Art Student
League y conoció el arte europeo (Rodin y Matisse) a través de sus visitas a
la galería 291 de Stieglitz. En 1912 estudió en la Universidad de Virginia en
Charlottesville.
Decidida a dar expresión visual a sus emociones, hizo abstracciones
basadas en motivos naturales, durante los años 1915 y 1916. Éstas
impresionaron a Stieglitz, que organizó su primera exposición individual en
1917; al año siguiente, O'Keffe volvió a Nueva York y se unió al grupo de
artistas de vanguardia que se reunían alrededor de la galería 291. En 1924
se casó con Alfred Stieglitz.
Sus obras más conocidas son las grandes pinturas de flores ampliadas a
una escala gigante, como Black Iris de 1926. A partir de 1920 pintó en
series, como las seis versiones de Jack-in-a-Pulpit de 1930. En 1929 visitó
por primera vez Nuevo Méjico, donde acabará viviendo a partir de 1946 (año
de la muerte de Stieglitz).
Sus obras preciosistas más conocidas son vistas de las calles de Nueva York
desde la ventana de su apartamento, en el piso treinta y tres, del Shelton
Hotel. Durante los años treinta y cuarenta, amplió su repertorio de imágenes
y pintó huesos y cráneos de animales, paisajes de Nuevo México o su casa
de abobe.
Georgia O’Keeffe es un caso curioso en el mundo del arte, porque aun siendo
una de las mujeres que demostró su valía artística de forma más precoz, le
costó mucho exhibir su obra y tardó por ello mucho tiempo en ser
reconocida como una gran artista. En todo caso su condición de mujer
influyó en este aspecto, aunque también su personalidad y la educación
recibida desde pequeña, en la que un principio básico de austeridad y
modestia presidió su infancia.
Flores grandes y en primeros planos, lirios, orquídeas, amapolas, en las que
parece que el espectador quede envuelto completamente. Flores aisladas sin
ninguna referencia espacial. Flores ante las que nosotros parezcamos meros
insectos y que combinan sus formas abstractas con un naturalismo
singular, que algunos han relacionado con el surrealismo.
Para otros, las flores de O’Keeffe son metáforas sexuales por su sensualidad
y sus formas, pero en cualquier caso, la pintura de O’Keeffe trasciende todo
simbolismo y se afianza como una expresión plástica tan genuina y personal
que no puede asociarse a ningún movimiento artístico.
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Nació en Wisconsin, en Estados Unidos, en una familia de granjeros que
vivían humildemente, lo que no impidió que muy niña aún recibiera clases
de dibujo y que a los veinte años ya estuviera estudiando en el Art Institut
de Chicago y muy poco después en la Universidadde Virginia y en la Art
Students League de Nueva York. Desde Nueva York daría el salto hasta
Texas, donde se encontraría dando clases de dibujo en un pequeño pueblo
de vaqueros, Amarillo, quintaesencia del auténtico oeste americano, cuyo
paisaje e idiosincrasia le inspiraron profundamente.
Fue a partir de entonces, hacia 1916, cuando empezaría a realizar sus
primeras acuarelas abstractas, cuyos motivos se basaban en el paisaje del
lugar aunque transformados por su peculiar visión pictórica.
Fueron precisamente estas acuarelas las que empezarían a labrarle el
camino de la fama, especialmente cuando las descubre el fotógrafo y
marchante Alfred Stieglitz que las expone sin el permiso de la artista. No le
importó esta negativa y continuó exponiendo las obras, iniciándose desde
entonces un idilio entre ambos que acabaría en matrimonio.
El apoyo de Stieglitz y la originalidad de su obra fueron multiplicando sus
exposiciones y aumentando su fama. Sobre todo cuando en estos años
comienza a pintar sus famosas flores, que se han convertido en su seña de
identidad.
A finales de los años veinte empezarán sus problemas matrimoniales,
agravados por las continuas infidelidades de su marido y por el cansancio
también que éste le provocaba.
Descubre entonces un nuevo entorno que la fascinará, las tierras de Nuevo
México: su luz cegadora, su amplia extensión, los tonos rojizos del paisaje
la encantarán lo suficiente como para quedarse a vivir allí. De esa época
serán sus vastos paisajes americanos y también sus pinturas de cráneos y
huesos, que junto con sus flores son la otra imagen más conocida de esta
pintora.
De nuevo se analizaron bajo una interpretación simbólica, entendidos
como una metáfora de la desesperación y la muerte, pero también en esta
ocasión es suficiente con verlo como una imagen del desierto que a ella
tanto le atraía.
Georgia O'Keeffe ha obtenido la fama como la pintora de la sexualidad
femenina. Invitando al espectador a mirar las texturas interiores y suaves
de los pétalos y que las formas queden entre boca y vagina, lengua y clítoris,
labios de la boca y labios de la vulva. Esta lectura es consistente con la
imagen de la flor, el órgano reproductor de la flor es un símbolo de lo
femenino.
A la muerte de su marido en 1946, O’Keeffe iniciaría una amplia etapa de
exposiciones y retrospectivas que harían definitivamente justicia a su obra.
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También empezaría a viajar: en realidad no había salido de los Estados
Unidos hasta que tuvo una cierta edad, por lo que para muchos representa
una artista genuinamente americana y al contrario que otros muchos
artistas estadounidenses, sin apenas influencias extranjeras, ni de las
vanguardias europeas.
Viaja por todas partes, pero son frecuentes sus viajes a México, tan próximo
a su lugar de residencia, donde entablará amistad con Frida Kahlo y Diego
Rivera.
Pintará con asiduidad hasta 1975 en que una creciente ceguera le irá
impidiendo poco a poco su trabajo, pero vivirá hasta 1986, año en que
muere a los 99 años de edad.
" (...) Su fuerza destructora era tan grande como su fuerza constructiva,
los extremos coexistían. He experimentado y sobrevivido a ambas..." Alfred
Stieglitz.
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JOAN MIRÓ
Autorretrato
Ese mismo año viajó a París y conoció a Picasso, Max Jacob y algunos
miembros de la corriente dadaísta, como Tristan Tzara. Alternó nuevas
estancias en la capital francesa con veranos en Mont-roig y su pintura
empezó a evolucionar hacia una mayor definición de la forma, ahora
cincelada por una fuerte luz que elimina los contrastes. En lo temático
destacan los primeros atisbos de un lenguaje entre onírico y fantasmagórico,
muy personal aunque de raíces populares, que marcaría toda su trayectoria
posterior.
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signo caligráfico (El carnaval del arlequín). La otra gran influencia de la
época vendría de la mano de Paul Klee, del que recogería el gusto por la
configuración lineal y la recreación de atmósferas etéreas y matizados
campos cromáticos.
En 1928, el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus telas,
lo que supuso un primer reconocimiento internacional de su obra; un año
después, contrajo matrimonio con Pilar Juncosa. Durante estos años el
artista se cuestionó el sentido de la pintura, conflicto que se refleja
claramente en su obra. Por un lado, inició la serie de Interiores holandeses,
abigarradas recreaciones de pinturas del siglo XVII caracterizadas por un
retorno parcial a la figuración y una marcada tendencia hacia el
preciosismo, que se mantendría en sus coloristas, juguetones y poéticos
maniquíes para el Romeo y Julieta de los Ballets Rusos de Diaghilev (1929).
Su pintura posterior, en cambio, huye hacia una mayor aridez,
esquematismo y abstracción conceptual. Por otro lado, en sus obras
escultóricas optó por el uso de material reciclado y de desecho.
La guerra civil española no hizo sino acentuar esta dicotomía entre desgarro
violento (Cabeza de mujer) y evasión ensoñadora (Constelaciones), que poco
a poco se fue resolviendo en favor de una renovada serenidad, animada por
un retorno a la ingenuidad de la simbología mironiana tradicional (el pájaro,
las estrellas, la figura femenina) que parece reflejar a su vez el retorno a una
visión ingenua, feliz e impetuosa del mundo. No resultaron ajenos a esta
especie de renovación espiritual sus ocasionales retiros a la isla de Mallorca,
donde en 1956 construyó un estudio, en la localidad de Son Abrines.
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"Cuando más trabajo es cuando no trabajo. Si no trabajara, la vida dejaría de
interesarme"
"Nunca sueño cuando duermo, sino cuando estoy despierto"
"Un cuadro no se acaba nunca, tampoco se empieza nunca, un cuadro es como
el viento: algo que camina siempre, sin descanso"
"La tela es ante todo una superficie en blanco que es preciso llenar con algo"
"Nunca sueño cuando estoy durmiendo, sino cuando estoy despierto"
"Para mí, conquistar la libertad es conquistar la simplicidad. De hecho, en
último extremo, una línea o un color bastan para hacer un cuadro"
"El más surrealista de todos nosotros", Expreso el 'fundador del surrealismo',
André Breton
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TAMARA DE LEMPICKA
Autorretrato
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amiga de Greta Garbo, Orson Welles, Tyrone Power y Rita Hayworth, entre
otros.
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MARUJA MALLO
(1902 -1995)
Autorretrato
En los años veinte, los artistas empezaban a ser la voz del pueblo, estaban
comprometidos y tenían derecho a opinar sobre la sociedad o la política por
lo que las primeras obras de Mallo mostrarán esa libertad.
“Dalí al conocerme me trajo a Lorca y a Buñuel que eran los residentes más
destacados”
49
En estos momentos de cambios, Mallo junto con otras artistas deciden
batallar contra el clasicismo o convencionalismo artístico. Margarita Manso
Robledo y Concha Méndez lucharán por la causa junto a ella, entraron en
el círculo de Dalí, Alfonso Ponce de León y Lorca. La intención de las tres
mujeres era primero destruir los límites entre géneros y después eliminar
las diferencias de mujeres entre clases sociales.
La relación amorosa que mantuvo con Alberti fue muy comentada debido a
que su trayectoria artística resultó ser bastante simultánea, es decir, a lo
largo de sus vidas aparecieron una serie de paralelismos que enlazaban sus
obras junto con sus poemas. Un claro ejemplo es una de las Verbenas en
relación al poema Cal y Canto hasta que sobre 1928 de un giro su creación
artística y entre dentro del surrealismo.
El tránsito del color de las verbenas y la alegría popular hacia las épocas
oscuras completas de las cloacas y campanarios muestran el oscuro
presagio, la inseguridad, el paso del día y la noche. Esto lo puede revelar el
subconsciente mencionado previamente en lo referente a Freud. Las cloacas
y campanarios serán la representación de la función del arte en un mundo
tan conflictivo como en el que estaba viviendo, poco antes de que comenzara
la guerra.
50
Su exilio no se consideró una huída ya que buscó el pretexto de una
exposición en Argentina para evitar la masacre que sucedía en Galicia. Allí
vivirá 25 años sin parar de pintar de una forma más libre que nunca. En
Argentina pintará su conocida obra “El canto de las espigas”.
Al volver, en la década de los 60, pasó por un silencio público hasta que se
sintonizó con una nueva generación activista pero de una forma más
silenciosa ya que parte de la sociedad española o no la conocía o no la
recordaba. Sin embargo, será considerada la musa de las movidas
madrileñas para los que hayan captado la transformación o apertura social.
Como mujer artista Mallo se tuvo que enfrentar a muchas barreras a pesar
de superarlas sin dificultad, la cita de Carme Vidal define su actividad en la
capital: “Maruja Mallo es la joven que llega a Madrid y revienta las
anticuadas normas de su tiempo”. Es de suponer que el triángulo social
compuesto de Dalí, Buñuel y Mallo debía de ser un bastante restringido
socialmente, sin embargo a “la transgresora” no había nada que la pudiera
parar. Su alma excéntrica puede que fuera lo que llamará la atención de los
intelectuales.
51
artístico no podemos olvidar que fue convocada para exponer junto a Picasso
y a Gris y por ello es necesario destacar el mérito que supone que una
artista, siendo mujer, fuera llamada para colgar una obra junto a tales
artistas.
52
FRIDA KAHLO
53
Se reencuentra con Diego Rivera, cuando éste regresa de Rusia en 1927
pintando los frescos de la Secretaría de Educación, le lleva sus primeros
cuadros y el pintor muestra interés por la artista y su obra; dos años más
tarde se casaron. Ella tenía 22 años y él 43.
54
En 1940 participa en la Exposición Internacional del Surrealismo en la
Galería de Arte Mexicano con sus obras "Las dos Fridas" y "La mesa herida".
Su depresión por la ausencia de Diego y su problema con la bebida se hacen
muy intensos. Pinta su obra "Autorretrato con pelo cortado", obra que
produce en Diego la frase 'mira que si te quise fue por tu pelo...'. El 21 de
agosto de ese año, muere León Trotsky en su casa de Coyoacán.
55
Es internada para la amputación de la pierna derecha por gangrena. Expone
en el British Art Council.
56
ÁNGELES SANTOS
Autorretrato
57
A finales de los años 20 con sus dos primeros cuadros, Ángeles revolucionó
la pintura española y tuvo a sus pies a intelectuales y artistas de la época,
como Federico García Lorca, Jorge Guillén y Ramón Gómez de la Serna, con
quién mantenía una activa correspondencia.
"La tertulia" es una de sus obras más conocidas. Cuatro mujeres modernas
de cuerpos estilizados, se relajan en una salita, leyendo y fumando, cada
una a lo suyo, sin comunicarse entre sí. El cuadro es opresivo y
claustrofóbico, apenas hay espacio alrededor de las figuras, que quedan
comprimidas dentro de los límites del lienzo.
La extraña pintura Alma que huye un sueño tenía que ver con versos de
García Lorca y representa algo muy enraizado con su manera de sentir. El
cuerpo de esta niña aparece como un estuche que se ha roto por la mitad y
dejar salir el alma, la sombra del cuerpo se proyecta, no la del alma que se
escapa y enciende los luceros al amanecer. Estas almas que huyen tienen
quizás que ver con esa angustia suya por lo inalcanzable que atraviesa lo
mejor de su obra.
58
a su vez con la tendencia denominada como “le rappel à l´ordre” o “la vuelta
al orden” frase que se atribuye al pintor André Derain, donde se ponía freno
a una cadena de rupturas radicales que habían marcado la pintura
occidental desde 1914.
59
REMEDIOS VARO
Autorretrato
Allí empezó a trabajar como artesana, pero enseguida pasó a formar parte
del grupo surrealista y a relacionarse otra vez con Esteve Francés y, sobre
todo, con la pintora británica Leonora Carrington, cuyo fuerte ascendiente
60
artístico fue definitivo en la concepción estética de la creadora española.
También formaron parte del grupo al que era asidua Octavio Paz, César
Moro, Eva Sulzer, Gunther Gerzso, José Horna y Gordon Onslow-Ford, entre
otros.
61
LEONORA CARRINGTON
Autorretrato
Leonora Carrington fue una mujer que se estableció a sí misma como una
figura clave en el movimiento surrealista y como una importante artista de
notable individualidad. Su biografía es colorida, incluyendo un romance con
el artista más antiguo Max Ernst, su escape de los nazis durante la Segunda
Guerra Mundial, enfermedades mentales y una vida de expatriados en
México. En su arte, sus composiciones oníricas, a menudo muy detalladas
de criaturas fantásticas en entornos de otro mundo, se basan en un
simbolismo intensamente personal. La artista misma prefirió no explicar
este lenguaje visual privado a los demás. Sin embargo, los temas de la
metamorfosis y la magia, así como los caprichos frecuentes de sus obras, le
han dado a su arte un atractivo que ha logrado perdurar durante años.
62
irlandés. Carrington pasó su infancia en la propiedad familiar en Lancashire
donde creció escuchando cuentos de hadas de su niñera irlandesa y las
historias del folclore celta, fuentes de simbolismo que más tarde inspirarían
su obra de arte.
Sintió una fuerte atracción por la expresión sin embargo sus padres
insistieron en presentarla como debutante en la corte del rey Jorge V.
Cuando ella siguió rebelándose, la enviaron a estudiar arte brevemente en
Florencia, Italia. Quedó enamorada de la escultura y arquitectura medieval
y barroca y se inspiró principalmente en la pintura renacentista italiana.
Cuando regresó a Londres, los padres de Carrington le permitieron estudiar
arte, primero en la Escuela de Arte de Chelsea y luego en la escuela fundada
por el expatriado francés y pintor cubista Amédée Ozenfant.
En 1937, conoció a Max Ernst, quien dejo a su esposa por ella, y fueron a
vivir a Francia. Durante este tiempo se dedicó a las prácticas surrealistas,
explorando pintura, collage y escritura automática con Ernst. Su relación
terminó con la Segunda Guerra Mundial pues Ernst fue arrestado varias
veces por los alemanes y eventualmente huyó a los Estados Unidos con la
ayuda de Peggy Guggenheim.
Características
Técnica
63
Su técnica jugó un papel importante en la internacionalización del
surrealismo luego de la Segunda Guerra Mundial, extendiendo esta
tradición al siglo XXI. Su enfoque visionario de la pintura y su simbolismo
intensamente personal han sido dos de sus principales técnicas. Su teoría
feminista también juega un papel importante en su arte por medio del
lenguaje visual sobre el folclore, la magia y la autobiografía que también
abrió el camino a otras artistas, abordando la identidad y fiscalidad.
Reconocimientos
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•La invención del mole
Los principales exponentes de este movimiento fueron los expuestos en el Salón de Artistas
Independientes de París entre abril y mayo de 1874, una lista que reúne nombres tan
importantes como Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro,
Paul Cézanne, Alfred Sisley y Berthe Morisot.
Este movimiento fue fundamental en su carácter rupturista para dar pie a lo que serían
luego las vanguardias europeas, y sirvió de inspiración para iniciativas semejantes en la
música (Debussy), literatura (hnos. Goncourt), escultura (Rodin) y cine (Jean Renoir).
1.Origen
Inspirado en el título de este cuadro, el crítico arremetió en la prensa contra los treinta y
nueve “pintores impresionistas” expuestos en París, dándole nombre sin saberlo a uno de
los movimientos pictóricos más importantes del siglo.
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2.Precursores
Se considera entre los precursores del impresionismo a los paisajistas ingleses del siglo
XIX, en pleno romanticismo, quienes ya intentaban descripciones de escenas que
trascendieran la forma y se permitieran cierta vaporosidad, cierto talante fugaz, tales como
J. M. William Turner y John Constable.
Otro precursor importante será Édouard Manet con su Almuerzo sobre la hierba (1863),
cuadro del que los impresionistas heredaron la desatención por el relato y el modelo,
dejando de lado los elementos tradicionalmente más importantes en la pintura.
3.Principales exponentes
4.Forma
De modo similar, los impresionistas dejaron la forma en segundo plano, prefiriendo explorar
las distintas modalidades de la iluminación: iluminación artificial en interiores, como en el
caso de Degas y sus bailarinas; iluminación natural filtrada por las hojas, como en Renoir;
o la iluminación natural de un lago y una multitud, como en Monet.
5.Paisajes
El paisaje fue quizá el gran protagonista del impresionismo, dado que los panoramas
abiertos permitían la cantidad de luz y de color necesaria para sus métodos pictóricos. No
obstante, la diferencia entre el impresionismo y el realismo estriba en que el primero confía
en la impresión cromática y lumínica del pintor, más que en su afán por reproducir una
realidad percibida.
6.Colores puros
Así, los impresionistas se atrevieron a hacer juegos de sombra que rompían con la dinámica
del claroscuro, que empleaba valores de luz para generar las sombras y la perspectiva, en
66
favor de sombras hechas con colores complementarios, dando así sensación de mayor
profundidad a la obra.
Este avance sería fundamental luego, para las vanguardias a las que el impresionismo abrió
la puerta.
7. Pincelada gestáltica
La pincelada impresionista era breve y de colores puros, sin importar que aisladamente no
fueran pertinentes a la forma o al color del modelo real; pero una vez completa la obra, esas
pinceladas podían ser percibidas globalmente y reproducían una totalidad definida, dotada
de luminosidad y vibrancia. Una técnica, ésta, que sería aprovechada posteriormente por
los neoimpresionistas o puntillistas.
8.Recepción crítica
Tal vez debido a ello, no tardó en expandir su influencia por las escuelas de arte europeas,
consagrándose como tendencia y traduciéndose a las experiencias artísticas locales con
rapidez. La escuela impresionista gozó de aceptación en muchos países europeos,
generando pronto variantes locales en Alemania, Bélgica, España, Holanda, Hungría, Italia
e incluso en Estados Unidos.
9.Variantes individuales
Si bien numerosos pintores impresionistas fueron y son aún referente obligatorio del
periodo y de la pintura en general, no todos asumieron el impresionismo como una
ortodoxia.
Fue Claude Monet quien ocupó el lugar más representativo del grupo, tal vez porque fue
sumamente prolífico y porque sus obras fueron las que mejor definieron la estética del
grupo.
Pissarro jugó un papel vital en la constitución del grupo, más como conciencia artística y
moral del grupo, que como ejecutor de la técnica propiamente. Fue el único en participar
en las ocho exposiciones del grupo impresionista en París.
10.Exposiciones
Entre 1874 y 1886 hubo en París ocho exposiciones impresionistas, al margen del salón
oficial de la Academia de las Bellas Artes de Francia. Esto supuso un avance en el carácter
independiente del artista plástico contemporáneo respecto a las instituciones oficiales del
arte, y en la constitución de un mercado privado de obras de arte.
67
2 La pintura simbolista
Los artistas de este periodo estaban cansados de los patrones previos que habían marcado
el realismo, el naturalismo, incluso el impresionismo. Con el objetivo de alejarse de un arte
que mostraba la sociedad tal y como era, deciden crear “arte por el arte” como citó Théophile
Gautier.
Con el fin de dejar de lado el mundo exterior que les rodea, los pintores se centran en las
emociones e ideas de los sueños y las fantasías. Cabe destacar que el trabajo de Sigmud
Freud sobre los sueños abre las puertas a considerar estos como parte importante de las
personas, como algo que puede explicar el comportamiento humano mediante la fantasía y
lo simbólico.
y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se
apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando
primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza,
uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El
68
artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida
a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que
rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante.
Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que
este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un
ambiente cada vez más vanguardista.
Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque,
Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. Quien le dio el nombre de fauvismo a este
movimiento, fue Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón de Otoño de 1905, por
causa de los violentos métodos que utilizaban los artistas anteriormente nombrados.
El arte fauvista no busca la perfección de formas, paisajes, retratos, etc, sino que expresa
sentimientos representados por formas mediante un juego cromático, donde plasma colores
saturados, fuertes, alegres, que logran llamar la atención. Al no buscar la perfección, este
movimiento artístico se destaca por su sencillez. Utiliza la imaginación, mezclando el
mundo real con el mudo interior. El Fauve (artista fauvista), deja fluir su intuición al
momento de crear una obra, que es de interpretación libre, lo que la hace subjetiva. Destaca
las formas y paisajes a través de un contraste de colores, saturándolos o marcando los
contornos con líneas oscuras bien definidas. Entre los temas principales de fauvismo se
pueden encontrar: paisajes, retratos, cuadros africanos o árabes, espacios como paredes o
piezas, etc.
vibración luminosa mediante la aplicación de puntos que, al ser vistos desde una cierta
distancia, componen figuras y paisajes bien definidos. En los cuadros todos los colores son
puros y nunca se mezclan unos con otros sino que es el ojo del espectador quien lo hace.
Cada uno de los puntos que componen la obra tienen un tamaño similar, de forma que el
espectador no puede dejar de observar una perfección que hace pensar en una imagen
idílica congelada, como una visión duradera de la realidad o la imagen.
Las obras de Chevreul aseguraban que los colores, cuantos más puros fuesen, tonos más
interesantes conseguirían. Por ello los puntillistas, una vez hechas las figuras sin mezclar
ninguno de los cuatro colores básicos -ni sus derivados- que utilizaban, dejaban al ojo
humano el resto: mezclarlos produciendo una imagen vibrante, luminosa, armónica.
69
En Italia los puntillistas adoptaron el segundo de los nombres expuestos, el de divisionistas.
Del país itálico destacaremos las obras de Segantini y Previati.
El centro de producción puntillista fue Francia, donde desarrollaron sus carreras Seurat y
Signac, máximos representantes de la corriente y pintores que centrarán nuestra atención
más abajo. La relación entre ambos fue profunda.
comienzos del siglo XX, cuyos principios se basan en expresar las emociones en lugar de
intentar plasmar la realidad. Este movimiento supone una reacción al impresionismo, que
pretende representar la impresión que lo real produce en la vista.
Expresionismo
Puede decirse que el expresionismo es una manera de entender el arte. Pintores, escritores,
fotógrafos, coreógrafos, cineastas y músicos, entre otros artistas, abrazaron el
expresionismo y se volcaron a manifestaciones donde sobresale la visión interior del
creador.
Edvard Munch, Vasili Kandinski, Paul Klee y Amedeo Modigliani son algunos de los artistas
que suelen mencionarse como referentes del expresionismo ya que sus trabajos expresan
los sentimientos y no se limitan a representar aquello que reflejan los sentidos.
Cabe destacar que, de acuerdo a los especialistas, ya se podían observar rasgos del
expresionismo en pintores que vivieron antes del siglo XX, como El Bosco (1450-1516), El
Greco (1541-1614) y Francisco de Goya (1746-1828). Luego de la Segunda Guerra Mundial,
el movimiento fue desapareciendo como tal, aunque su influencia se extendió al
neoexpresionismo, el expresionismo abstracto y otras tendencias.
70
la Primera Guerra Mundial. Fue entonces que comenzó a propagarse un rechazo por la
filosofía positivista (la cual confiaba en los avances y progresos de la ciencia para conducir
a la sociedad), y esto se reflejó en una actitud pesimista y en una pérdida de valores que se
aprecia claramente a través del expresionismo;
* estilo: aunque las estéticas que se pueden apreciar en las obras de los diferentes artistas
que representan el expresionismo son muy variadas, algo que permaneció firme desde el
comienzo es el predominio de la subjetividad por sobre otros factores que interesaban a los
impresionistas, como ser la cercanía con la realidad y la armonía de sus formas. La razón
de las diferencias entre los artistas reside precisamente en que cada uno buscaba plasmar
su propia visión, su manera única de ver las escenas que pintaba sobre el lienzo;
significa recortar. Se trata de una técnica manual decorativa en la que se emplean papeles
impresos o telas para pegar sobre soportes varios como madera, cerámicos, metales, velas,
jabones, vidrios, lozas y cartón entre otros. Se busca que al finalizar lo obtenido imite la
pintura a mano, utilizando técnicas de pátinas y pintura, distribuyendo correctamente los
recortes y dando un acabado con barniz.1
El resultado depende de cómo se recorten y peguen los diseños y sobre todo de la habilidad
de lograrlo de una manera armoniosa.
El uso actual de servilletas de papel tiene la ventaja de que necesita muy pocas capas de
barniz, dado el fino grosor que tienen.
7 La pintura realista es una manifestación artística basada en la experiencia de los pintores
Este movimiento consagra al hombre con su realidad, como por ejemplo donde vive, su
habitación, la vida cotidiana, el pueblo o la naturaleza, todo esto representado como
realmente se aprecia en la vida real, sin incurrir en idealismos.
El arte realista aplicado en la pintura encontró una de sus más significativas expresiones
en el paisaje, un género que es catalogado de escala menor dentro de la pintura tradicional.
En los inicios de esta manifestación artística, los pintores reflejaron una visión precisa de
la naturaleza, libre de factores sentimentales y simbólicos del romanticismo.
71
Esto implica que la pintura realista se enfocaba en la exploración de los elementos
completamente plásticos del paisaje.
Pintura realista
Finalmente, la pintura realista surgió luego de la revolución francesa de 1848. Durante esta
época los artistas optaron por reproducir las problemáticas sociales de aquel momento,
entre estas la explotación laboral en niños y mujeres, las viviendas en estados precarios,
los horarios excesivos, todo esto como símbolo de denuncia social.
8 El naturalismo es una corriente inspirada en la adaptación de los principios de la ciencia
El naturalismo se dio a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, y fue una consecuencia
del realismo. A su vez, el realismo comenzó en parte como una reacción al Romanticismo,
centrándose en los detalles de la existencia cotidiana, y no en el mundo interior.
Naturalismo
72
Sin embargo, en la literatura y las artes visuales naturalistas, el realismo se lleva más allá.
Los protagonistas son principalmente personas de origen humilde, y las tribulaciones de
las clases bajas son el punto focal. El naturalismo recibió una fuerte influencia del
marxismo y la Teoría de la evolución.
Intentaba aplicar el rigor científico y las ideas de esas dos teorías sobre la representación
artística de la sociedad. Por otra parte, el impacto que esta corriente ha dejado en el ámbito
de la literatura y las artes visuales es enorme. En gran medida, este contribuyó a la
evolución del movimiento moderno.
Las obras naturalistas exponen aspectos oscuros de la vida, como el prejuicio, el racismo,
la pobreza y la enfermedad. Fue un medio eficaz para criticar la organización social de fines
del siglo XIX.
Por su pesimismo y contundencia, las obras suelen recibir críticas; a pesar del pesimismo,
los naturalistas generalmente se preocupan por mejorar la condición humana.
Origen
Antecedentes
En el siglo XIX los vastos sistemas unificadores de pensamientos, así como las visiones
unificadoras del Romanticismo, colapsaron en una serie de sistemas unilaterales, como el
utilitarismo, el positivismo y el darwinismo social.
Entonces, surgió una tradición de filosofía alternativa, a menudo pesimista. Los diversos
movimientos del socialismo inspirados por Marx, Engels y otros fueron más políticamente
contundentes.
Así pues, tanto el realismo como el naturalismo surgieron a finales del siglo XIX como las
expresiones literarias de esta tendencia general.
El significado preciso del término “naturalismo” varía según las disciplinas. De este modo,
en la literatura, filosofía, teología o política se emplea este término de una manera
ligeramente diferente.
73
En su sentido más amplio, es una doctrina que sostiene que el mundo físico opera de
acuerdo con leyes discernibles a través de la ciencia empírica. Es decir, aquella ciencia
basada en la observación y la experimentación.
El método naturalista, inspirado en las innovaciones del siglo XIX y en las ciencias
experimentales, implica una observación informada y sistemática del mundo material.
Asimismo, el ser humano se concibe como una parte más de este mundo que está sujeto,
como todo lo demás, a las leyes de la física, la química y la biología. Estas gobiernan su
comportamiento de manera inexorable.
De acuerdo con la estricta visión naturalista, cada acción humana tiene una causa en el
plano físico. Así, su comportamiento está completamente determinado por las leyes de
causa y efecto en el mundo material.
Ahora bien, el principal exponente del naturalismo fue Émile Zola, quien usaba la filosofía
naturalista como base para crear personajes. Su ensayo La novela experimental (1880) se
convirtió en el manifiesto literario de la escuela.
Según Zola, el novelista ya no era un mero observador, contento con registrar fenómenos.
Este debía convertirse en un experimentador distante que somete a sus personajes y sus
pasiones a una serie de pruebas.
En 1887 se fundó en París el Théâtre Libre para presentar obras sobre los nuevos temas
del naturalismo con una puesta en escena naturalista.
Un desarrollo paralelo ocurrió en las artes visuales. Los pintores, siguiendo el ejemplo del
pintor realista Gustave Courbet, eligieron temas de la vida contemporánea y sujetos
comunes como campesinos y comerciantes.
De igual modo, los naturalistas retrataban personajes simples dominados por fuertes
pasiones elementales. Estos se desenvolvían en entornos opresivos, monótonos y tristes.
74
Finalmente, no pudieron reprimir un elemento de protesta romántica contra las
condiciones sociales que describían.
Como movimiento histórico, el naturalismo fue efímero. Sin embargo, contribuyó al arte
como un enriquecimiento del realismo. De hecho, este movimiento estaba más cerca de la
vida que del arte.
Asimismo, los escritores naturalistas creen que la verdad se encuentra en la ley natural, y
como la naturaleza opera de acuerdo con principios, patrones y leyes consistentes, entonces
la verdad es consistente.
Además, el enfoque del naturalismo es la naturaleza humana. Por lo tanto, las historias en
este movimiento están basadas en el carácter de los personajes y no en la trama.
Por otra parte, otra característica de esta corriente es el determinismo. Según esta teoría,
el destino de una persona está determinado únicamente por factores y fuerzas que van más
allá del control personal de un individuo.
Émile Zola
Se trata de extensa colección de 20 novelas que siguen a dos familias a lo largo de cinco
generaciones. Una de las familias es privilegiada y la otra empobrecida, pero cada una
tropieza con la decadencia y el fracaso.
Al igual que en las novelas, en esa época de gran incertidumbre para el pueblo francés, el
ambiente en París era de terror e incertidumbre.
Para su epopeya, Zola fabrica más de 300 personajes. No obstante, su preocupación no son
los personajes, sino cómo estos reaccionan a las circunstancias.
Stephen Crane
Una de las primeras obras literarias verdaderamente naturalistas fue Maggie, una chica de
la calle, de Stephen Crane.
75
Este autor americano pasó mucho tiempo en el Bowery del bajo Manhattan, reuniendo
material para su primera novela.
De esta manera, como un científico que acumula datos, Crane quería aprender todo lo que
pudiera sobre la vida de los residentes pobres y, en su mayoría, inmigrantes.
Theodore Dreiser
En esta novela los personajes cambian de clase social y corren el riesgo de perderse en el
mar del paisaje urbano. Estos elementos definen la obra y el movimiento naturalista como
un todo.
Frank Norris
La obra maestra de Norris, The Octopus (El pulpo, 1901), trata sobre las fuerzas
económicas y sociales involucradas en la producción, distribución y consumo de trigo.
El pulpo retrata con audaz simbolismo la siembra de trigo en California y la lucha de los
cultivadores de trigo contra una corporación ferroviaria monopolística.
Naturalismo en pintura
En las bellas artes, el naturalismo describe un estilo que es fiel a la vida real. Este implica
la representación o retrato de la naturaleza (incluidas las personas) con la menor distorsión
o interpretación posible.
De este modo, las mejores pinturas naturalistas se distinguen por una cualidad casi
fotográfica, una calidad que requiere una cantidad mínima de detalles visuales.
En la pintura esta corriente data de principios del siglo XIX, y estuvo muy influenciada por
la moda literaria de la autenticidad. Surgió primero en la pintura paisajística inglesa, se
extendió a Francia y, luego, a otras partes de Europa.
Al igual que todos los estilos similares, el naturalismo recibe influencias —hasta cierto
punto— de la estética y la cultura, así como del subjetivismo inevitable del artista.
Sin embargo, hay que considerar la extensión de estas influencias. Además, ninguna
pintura puede ser totalmente naturalista: el artista está obligado a hacer pequeñas
distorsiones para crear su idea de una imagen perfectamente natural.
76
La escuela de Barbizon (aprox. 1830-1875)
La escuela francesa de Barbizon fue posiblemente el más influyente de todos los grupos
naturalistas. Sus paisajes inspiraron a artistas de Europa, América y Australia con sus
espontáneas pinturas al aire libre.
Estaban dirigidos por Theodore Rousseau (1812-67) y sus miembros más importantes
fueron:
– Charles Daubigny (1817-78): Moisson (1851), Cosecha (1852), La granja (1855), Paisaje
de río (1860).
Impresionismo (1873-86)
De igual manera, sus pinceladas y otras técnicas pictóricas a veces otorgaban a la obra una
cualidad atmosférica, incluso expresionista, que no es naturalista.
Los pintores más representativos del paisaje impresionista al aire libre fueron:
– Claude Monet (1840-1926): Los ciruelos en flor de Vétheuil (1879), El Sena en Vétheuil
(1879), Los sauces (1880), Campo de trigo (1881).
– Alfred Sisley (1839-99): La avenida de los castaños (1869), Nieve en Louveciennes (1874),
Paisaje con escarcha (1874), Invierno en Louveciennes (1876).
literario que se caracterizó por su apuesta por sobrepasar lo real en el terreno del arte,
como reacción al racionalismo burgués y al canon artístico del momento.
77
Se reconoce en André Breton a su fundador y principal ideólogo, autor además del
manifiesto del movimiento en 1924 publicado en París, que llamaba a la creación de un
arte que indagase en el inconsciente en la situación de posguerra.
El arte surrealista tuvo influencias del dadaísmo que se manifiestan en el aparente sin
sentido. El surrealismo se diferencia de su antecesor por querer que ese absurdo sea una
manifestación de la irracionalidad dentro de todos, y que nadie conoce.
El movimiento, no obstante, era permeable a las ideas políticas del momento histórico,
principalmente a las doctrinas de izquierda, y se vio particularmente afectado por el
estallido de la Segunda Guerra Mundial, lo cual ocasionaría que sus miembros se
dispersaran por el mundo.
La palabra, como tal, proviene del francés surréalisme, cuyo origen se atribuye a Guillaume
Apollinaire, quien la usó en 1917 en el subtítulo de una obra; significa ‘lo que está por
encima del realismo’.
El surrealismo se caracteriza por expresar, a través del arte y la literatura, lo absurdo que
hay dentro de nosotros hasta el punto de que, como en un sueño, todo el contexto comience
a tener un sentido, y nuestro inconsciente lo pueda interpretar.
Surrealismo en literatura
En este sentido, apostó por una radical renovación del lenguaje literario y aportó nuevas
técnicas de composición, como el automatismo psíquico y el cadáver exquisito.
Algunos de sus miembros más destacados fueron André Breton, Louis Aragon, Philippe
Souplault, Paul Éluard y Benjamin Péret.
Surrealismo en el arte
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En este sentido, era un arte que apostaba por la exaltación de la imaginación, la ironía, el
erotismo y el absurdo como reacción al canon artístico del momento.
Entre sus precursores más remotos señalaban a pintores como Arcimboldo o El Bosco, en
quienes ya reconocían elementos surrealistas. Entre sus más famosos exponentes y obras
podemos nombrar a Salvador Dalí con La persistencia de la memoria, Joan Miró con El
carnaval de Arlequín, René Magritte con El hijo del hombre, Max Ernst con Celebes y Paul
Klee con Casa giratoria, entre otros.
Existen algunos artistas cuyas obras se encajan en la corriente del surrealismo a pesar de
que sus autores no las consideren como tal. Es el caso de la artista mexicana Frida Kahlo
(1907-1954), quien define sus obras como representaciones de su realidad y no de sueños,
como el movimiento se autodefine. Sin embargo, se cataloga las obras de Frida Kalho como
surrealistas en la medida que materializa la realidad de su inconsciente sobre la tela.
10
El cubismo es un movimiento vanguardista de inicios del siglo XX que rompe con los
valores estéticos predominantes, eliminando la perspectiva y representando la realidad con
formas geométricas y líneas rectas.
El cubismo es reconocido como tal en 1907 con la pintura Les Demoiselles d' Avignon ("Las
damas de Avignon") del pintor Pablo Picasso (1881-1973). En este primer intento, Picasso
incorpora influencias del arte africano y de la corriente postimpresionista, especialmente la
del pintor post-impresionista francés Paul Cézanne (1839-1906).
De esta forma, abusa de las líneas rectas y las figuras geométricas, especialmente la de
cubos y cilindros.
Por último, el cubismo fue considerado como una corriente artística que privilegiaba el
ejercicio mental como la manera de expresar ideas. Abandona la perspectiva de las líneas
de contorno y retrata la naturaleza de forma geométricamente más simple.
De esta manera, el cubismo permite que el arte se vuelva más abstracto y sirve de
inspiración para la proliferación de las corrientes artísticas del siglo XX.
Se considera como la primera fase del cubismo llamado también como proto-cubismo. Se
caracterizó por la influencia de los trabajos del artista plástico Paul Cézanne.
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Cubismo analítico (1909 a 1912)
Se caracterizó por el uso de colores y formas predominantes que permitían realzar la parte
más significativa de la figura. Los pintores de esta etapa buscaron plasmar figuras
reconocibles, utilizaron el método del collage, fijando los objetos reales en la tela
permitiendo fijar las sensaciones visuales que la pintura insinuaba.
Los principales exponentes y sus obras más representativas del movimiento son:
•Pablo Picasso (1881-1973): Guernica de 1937
•Georges Braque (1882-1963): Maison à l’Estaque ("Casas en l’Estaque") de 1908
•Diego Rivera (1886-1957): El marinero en el desayuno de 1914
•Juan Gris (1887-1927): Retrato de Pablo Picasso de 1912
•Jean Metzinger (1883-1956): La femme à l’Éventail ("Mujer con ventilador") de 1914
Cubismo literario
Los principales escritores con influencia del cubismo fueron: Guillaume Apollinaire (1880-
1918), Jean Cocteau (1889-1963), Oswald de Andrade (1890-1954) y Érico Veríssimo
(1905-1975).
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