Categorie: Text general 
Nivel: Masterat 
Domeniu: Artă – Istoria artei 

 
THE CLASSICAL CONCEPT OF ‘ART’ 
In a Western context, art understood as a practical, craft‐based activity has the longest history. 
For example, within ancient Greek culture there was no word or concept approximating to our 
understanding of ‘art’ or ‘artist’. However, the Greek word ‘techne’ denoted a skill or craft and 
‘technites’ a craftsman who made objects for particular purposes and occasions (Sörbom 2002: 
24).  Similarly,  within  the  classical  world,  examples  of  craft,  such  as  statues  and  mosaics,  had 
practical, public and ceremonial roles. The classical sculpture of Zeus, copy after a fifth‐century 
BCE  original  (Figure  3,  p.  7),  would  have  been  judged  according  to  the  technical  standard 
demonstrated, and by the extent to which it fulfilled the social and civic roles expected of craft. 
Foremost of these was the belief that the human form should be represented in its most life‐like 
and  vital  sense  as  the  union  of  body  and  soul  (Sörbom  2002:  26).  The  idea  that  a  sculpture  or 
mosaic  should  be  judged  on  criteria  independent  of  such  purposes  was  alien  to  the  classical 
concept of craft.  
Within a Western tradition of art, originating from Greek and Roman practice, the categories of 
art and craft have become familiar within specific contexts, cultures and in relation to particular 
audiences.  Throughout  Europe  and  North  America  for  example,  cultural  assumptions  about 
what art customarily was were closely linked to the origins and development of the academic 
subject  of  art  history  itself.  Of  central  importance  to  this  were  the  social  institutions  such  as 
academies  and  museums  which  were  established  from  the  late  sixteenth  century  onwards. 
Collectively, these interests, and those associated with them, established normative definitions 
of art, that is, ideas about how art should look and what it should do, variations of which have 
continued  today.  Another  point  worth  making  is  that  to  label  something  as  art  implies  some 
kind  of  evaluative  judgement  about  the  image,  object  or  process.  That  is,  it  recognises  the 
specificity of a range of practices within a broader category or tradition with particular claims to 
aesthetic  and/or  social  value.  But  it  is  important  to  understand  that  the  meaning  and 
attributions  of  art  are  particular  to  different  contexts,  societies  and  periods.  Whatever  the 
prevalence through time of objects and practices with aesthetic purpose, ideas and definitions of 
art are neither timeless nor beyond history, but relate to the social and cultural assumptions of 
the societies and environments which fashion them.  
FINE ART AS AN EXCLUSIVE CATEGORY 
The  academy‐based  categorisation  of  fine  art  and  the  consensus  which  underpinned  it  for 
several  centuries  demonstrate  how  durable  and  hegemonic  such  interests  were.  But  from  the 
later  nineteenth  century  onwards  many  avant‐garde  artists  began  to  make  work  which 
questioned  either  the  conventional  subject  matter  and  primacy  of  these  distinct  categories 
  
(history  paintings  and  portraiture  for  example),  or  the  tradition  of  representation  which  they 
signified.  For  example,  the  work  of  Paul  Cézanne  (1839–1906),  Pablo  Picasso  (1881–1973)  and 
Georges  Braque  (1882–1963)  underlined  the  importance  of  still‐life  as  a  genre  to  the  birth  of 
modernism  (Bryson  1990:  81–86).  Similarly,  the  development  of  collage  by  Braque  and  Picasso, 
and their inclusion of everyday objects such as flyers and tickets, explored the actuality of the 
flat  surface,  rather  than  concealing  it  through  illusionism  which  had  been  such  a  dominant 
feature  of  academy‐sponsored  painting  and  sculpture.  Academy‐based  ideas  typically 
marginalised non‐Western art practices which reflected different ideas about aesthetics, culture 
and  meaning.  Overseas  trade,  colonisation  and  imperialism  stimulated  interest  in  tribal  masks, 
carvings,  fabrics  and  fetish  objects  from  regions  such  as  Africa,  Asia,  India  and  Iberia.  These 
objects,  and  the  indigenous  cultures  they  represented,  contributed  to  major  ethnographic 
collections  throughout  Europe,  stimulating  widespread  interest  in  non‐Western  art  and 
artefacts  (Ratnam  2004a:  158–60).  Within  the  avant‐garde,  various  artists  like  Braque,  André 
Derain  (1880–1954),  Ernst  Kirchner  (1880–1938),  Henri  Matisse  (1869–1954),  Picasso  and 
Maurice  de  Vlaminck  (1876–1958)  popularised  the  cult  of  primitivism.  Whilst  such  interests 
frequently  reflected  romanticised  stereotypes  about  what  primitive  art  and  culture  actually 
signified, there was also recognition of the social and political dimensions to such use (Leighten 
1990: 609–30). 
 
Pooke, Grant și Newall, Diana, Art History: The Basics, Routledge, Londra, 2008, pp. 5‐9.