CONCEPTO DEL DIBUJO ARTISTICO

El dibujo artístico es una técnica de

representación gráfica bidimensional de
aquello que el ojo humano percibe de forma
tridimensional. Esta técnica permite
representar, mediante la línea, tanto la forma
como el volumen de los objetos.
El dibujo artístico se realiza a partir de
diferentes técnicas gráficas sobre un soporte
bidimensional. Cada una de las técnicas que se emplean en el dibujo artístico busca
representar los conceptos y la realidad de manera tanto objetiva como subjetiva. Es decir
que podemos definirlo como un lenguaje, porque permite la comunicación y la expresión
del ser humano, sus ideas y sentimientos.
Resumiendo, el dibujo artístico es el lenguaje de las formas, supera las barreras
idiomáticas y sirve para expresar de manera visual las ideas.
CARACTERISTICAS DEL DIBUJO ARTISTICO
El dibujo artístico tiene la propiedad de transformar un
pensamiento o idea en una forma visual. Pero para ello,
como ya mencionamos en los párrafos anteriores, se
requiere una base de conocimientos técnicos y el dominio
de recursos, materiales, herramientas y técnicas gráficas.
Otra de las cualidades del dibujo artístico es que incluye
una profunda intelectualización de los objetos que se
perciben visualmente, con el objetivo de sintetizarlos en
una representación objetiva. El producto final se obtiene a partir de la observación, la
intelectualización y una metodología de trabajo ordenada y racional.
PROCESO EN EL DIBUJO ARTISTICO
Boceto: es la prueba del dibujo en un papel
aparte. Sirve para ayudar a decidir el
encuadre, la composición, qué elementos se
incluyen.
Encajado: son las líneas generales que se
trazan en el papel definitivo (se tapan o
borran después) que sirven como base del
dibujo.
Línea: es el dibujo de los contornos. Se
dibuja primero lo más general y después el detalle.
Valorización: para conseguir más realismo y volumen, se sombrean las zonas más
oscuras. Las zonas de luz se pueden aclarar borrando o usando un lápiz de color blanco o
similar.
Color: un dibujo puede llevar color, especialmente si está destinado a ser una ilustración
(dibujo que acompaña a un texto en libros, carteles, etc.). El color se puede aplicar con
varias técnicas: acuarela, tinta, lápiz de color, ordenador… El color puede ser plano
(homogéneo) o con textura (apariencia irregular que se puede conseguir con el material,
el papel, la técnica…).
Correcciones: los errores se pueden corregir, borrando, cubriendo una zona del dibujo con
pintura o un trozo de papel y dibujando sobre él, o escaneando el dibujo y modificándolo
en un programa de retoque fotográfico (ej.: Photoshop). Con estos programas de retoque
se pueden eliminar, añadir o resaltar cosas, mejorar contrastes y colores…
Proporción: la proporción en el dibujo es muy importante, ya que está dará al objeto
representado la armonía necesaria al relacionar correctamente todos los elementos que lo
conforman.
CONCEPTO DE CLAROSCURO
Claroscuro. En el arte es una técnica de dibujo y pintura que se
basa en producir el efecto de contrastes entre la luz y las
sombras. El claroscuro busca una conveniente distribución de
luces y sombras en una obra, de modo que se opongan y
complementen mutuamente. En escultura es un contraste
acusado de luz y sombra, y se consigue por medio del trépano.
En pintura, es una transición suave entre la claridad y la
oscuridad, e implica la presencia de luz y color en toda sombra,
y la presencia de sombra y color en toda luz.
El claroscuro es una técnica pictórica consistente en el uso de
contrastes acusados entre los volúmenes iluminados y los
ensombrecidos del cuadro para destacar más efectivamente
algunos elementos. Desarrollada inicialmente por los pintores
flamencos e italianos del cinquecento, la técnica alcanzaría su madurez en el barroco, en
especial con Michelangelo Caravaggio, dando lugar al estilo llamado tenebrismo.
ZONA DEL CLAROSCURO
Las zonas del claroscuro se producen cuando la luz natural o artificial incide sobre el
cuerpo. Entre ellas:
Zona de luz propia.
Esta zona es la parte que recibe los rayos
de luz en forma directa
Zona de penumbra.
Esta zona es la zona intermedia entre la
zona clara y la zona oscura, va desde la
clara y hasta la oscura pasando por
variedad de grises.
Zona de sombra propia.
Es la zona que no recibe ningún rayo de luz, y se mantiene oscura.
Zona de luz reflejada.
Esta zona es la parte que recibe la luz que reflejan otros cuerpos que la acompañan, se
caracteriza por medios tonos luminosos. Esta técnica realza el volumen de los objetos,
retratos, expresiones faciales, da más vida al dibujo.
Zona de sombra arrojada.
Esta zona es la sombra que un objeto proyecta sobre otros objetos o sobre la superficie
donde se encuentra.
CONCEPTO DE PINTURA ARTISTICA
Es un área que tiene libre expresar, aplicando la teoría
del color; Este es un arte visual porque desde ese
punto obtiene su valoración.
El pintor siempre se tiene que basarse en las técnicas
de: ritmo, equilibrio, valor, color, composición y forma.
La pintura es una expresión libre que puede valorarse
o identificarse en el papel, en madera, en paredes etc.
de sentimientos y pensares; es decir que toda
pintura tiene que estar hecha con un la aplicación de
las técnicas de pintura y tendrá que basarse en algo
(una situación) para poder definir el título de su pintura.
La práctica de este arte no tiene demanda, sino este tiene el objetivo de transmitir algo,
es decir expresar lo que siente el pintor (como un mensaje aplicado en la pintura).
HISTORIA DE LA PINTURA
La pintura ha adoptado diferentes formas, según los
distintos medios y técnicas que la han guiado y se
han convertido en propios de cada una de ellas.
Hasta el siglo XX, la pintura se apoya, en el arte del
dibujo. En occidente, la pintura al fresco, que
alcanzó su mayor grado de desarrollo a finales de la
edad media y durante el renacimiento, se basa en la
aplicación de pintura sobre yeso fresco o seco. Otra
variedad antigua es la pintura al temple.
Durante el renacimiento, la pintura al óleo vino a ocupar el lugar del fresco y del temple;
tradicionalmente se pensaba que esta técnica había sido desarrollada a finales de la edad
media por los hermanos flamencos Jan van Eyck y Hubert van Eyck, pero en la actualidad
se cree que fue inventada mucho antes.
Otras técnicas de pintura son el esmalte, la encáustica, la grisalla y la acuarela. En los
últimos años se ha extendido el uso de las pinturas acrílicas, con base de agua, de rápido
secado y que no se oscurecen con el paso del tiempo.
Con el transcurrir de los siglos, se han venido sucediendo diferentes métodos y estilos
artísticos, así como teorías relacionadas con la finalidad del arte para, reaparecer en
épocas posteriores con alguna modificación. En el renacimiento, la pintura al fresco en
muros y techos cedió el paso a la pintura de caballete al óleo, pero se reactualizó en el
siglo XX con las obras de los muralistas mexicanos.
La necesidad de expresar una emoción intensa por medio del arte une a pintores tan
diferentes como el español El Greco, del siglo XVI, y los expresionistas alemanes del siglo
XX. En el polo opuesto de los intentos de los expresionistas por revelar la realidad interior,
siempre ha habido pintores empeñados en representar exactamente los aspectos
exteriores. El realismo y el simbolismo, la contención clásica y la pasión romántica, se han
ido alternando a lo largo de la historia de la pintura, revelando afinidades e influencias
significativas.
QUE ES LA CERA “CRAYOLAS”
El crayón o lápiz de color es una barra hecha de
cera, carboncillo, tiza u otros materiales que se
presenta en diferentes colores y que sirve para
escribir, dibujar y colorear. Un crayón fabricado
con resina seca y pigmento se denomina pastel y
cuando está hecho de tiza oleosa, recibe el
nombre de pastel al aceite, que son muy
populares para realizar ilustraciones en color. Los
crayones de cera son usados comúnmente por
los niños para dibujar y colorear. Debido a que
sus pigmentos son lavables, no tóxicos, tienen
una punta redondeada, están disponibles en una gran variedad de colores y son fáciles de
utilizar, los crayones son uno de los útiles básicos en las escuelas de todo el mundo. La
fábrica de crayones más grande del mundo es la compañía Crayola LLC. Esta produce los
populares crayones Crayola, hechos de parafina. Otra materia prima usada con menor
frecuencia en la elaboración de crayones es la semilla de soya, una planta leguminosa.
Algunas fábricas, como la suiza Caran d'Ache, producen crayones solubles en agua,
cuyos colores se mezclan entre sí al untarles éste líquido cuando ya están aplicados en el
papel.

En la fabricación de crayones la cera natural de abeja es muy importante ya que debe ser
un producto no tóxico, en virtud de que los principales usuarios son los niños en su más
temprana edad. Como materia prima esencial la cera puede llegar a constituir hasta el 60
% del total de la formulación. En función de las características que se quieran dar al
crayón se selecciona la cera más apropiada, algunas son derivadas del petróleo como la
parafina. Las características que la cera realza o modifica son: consistencia y plasticidad
(suavidad o dureza), adherencia al papel, capacidad de deslizamiento, entre otras. Es
conveniente que contenga pigmentos orgánicos vegetales y que sus ingredientes estén
libres de asbesto, este último es un tema polémico en debate en EE.UU. y que los peritos
científicos y las autoridades están regulando.