La transición desde el Barroco: la música hasta 1760

Capítulo I

Panorama general del pensamiento dieciochesco

En los primeros años del siglo XVII, a la sociedad le resultaba muy difícil aceptar las nuevas concepciones científicas
sobre el universo y sobre Dios, y una prueba de su resistencia está en la persecución sufrida por uno de los más
grandes científicos de la época, Galileo Galilei.

en los primeros años del siglo XVIII, la obra de René Descartes 0596-1650), Isaac Newton (1643-1727) y muchos
otros fue bien recibida y completamente aceptada por una comunidad que tenía una formación intelectual más
amplia.

La creencia de que las personas podían controlar su propio destino. El resultado inmediato de este complejo
pensamiento fue el desarrollo del ateísmo y el escepticismo religioso entre los intelectuales y las nuevas clases
comerciantes, así como un cuestionamiento universal de las instituciones políticas.

ideas reformistas de Lutero y Calvino a finales siglo xvii. Hasta entonces la filosofía se había respetado en función del
apoyo que había proporcionado a la religión, ahora se convirtió en una fuerza activa y potencialmente subversiva,
libre de moverse hada donde quiera que la Verdad pareciese llamarla.

varios hitos que marcaron el progreso del pensamiento en el tránsito de la superstición al Racionalismo.

constatación de que la tierra era una mínima parte del Universo y no el centro de la Creación.

Mientras el Racionalismo apelaba al intelecto y al uso de la razón, el lado opuesto de la naturaleza humana (que
opera en términos de emociones, sentimientos.

En las áreas industriales de Gran Bretaña, donde la Iglesia no había logrado acomodarse al cambio social, el
Metodismo y otras especies de incorformismos dejaron su impronta.

Además de replantear la naturaleza de Dios, y la relación de éste con el hombre y la Biblia, también se comenzó a
desconfiar en aquellos seres humanos que, en épocas anteriores, se habían considerado elegidos de Dios:
inevitablemente se puso en tela de juicio el total orden social. La monarquía absoluta daba sus últimos coletazos en
muchos lugares. Lo sublime de la naturaleza se convirtió en una suerte de sinónimo de lo divino.

EL FILÓSOFO Y LAS ARTES

la era de la Enciclopedia, los artistas lograron que la sociedad se plantease preguntas razonables sobre sus
instituciones, y los científicos aplicaron idénticos métodos para solucionar problemas de física y de matemáticas; del
mismo modo, los filósofos intentaron aproximarse a los problemas que plantea la estética, es decir, el modo de
comprender el arte. Dos premisas fundamentales presentes en casi todos los tratados filosóficos

Estamos ante una etapa en la que se suscitó un gran interés por recopilar todo el conocimiento acerca de los
misterios y secretos del universo: fue la era de la Enciclopedia.

Los artistas lograron que la sociedad se plantease preguntas razonables sobre sus instituciones y los cientificos
aplicaron los mismos métodos para solucionar problemas de física y de matemáticas, delmismomodo, los filósofos
intentaron aproximarse a los problemas que plantea la estética, el modo de comprender el arte.

Dos premisas presentes en casi todos los tratados filosóficos que hablaban sobre el arte: la inteligencia no nacía de
un conocimiento innato de la moralidad o de Dios, sino que se desarrollaba tras una serie de evidencias adquiridas a
través de los sentidos y la otra, el Arte imita a la Naturaleza.

Mattheson, como representante tardío del Barroco, se aferra todavía a la idea de que la tarea del compositor reside
en la creación de una amplia variedad de pasiones o sentimientos, desde emociones tiernas como el amor, la pena o
la melancolía, al odio, la obstinación y la volubilidad.
Avisen niega a la música el poder de despertar estados emocionales negativos, tales como el odio, celos, enfado y
venganza.
el rasgo más interesante de todos aquellos intelectuales era una fe común en la capacidad de razonamiento,
aunque, no obstante, éste debía tener en cuenta el principio opuesto del sentimiento. (El corazón del clasicismo)

Capítulo II El músico en sociedad

Conseguir dinero era una tarea difícil para la gran mayoría, tuviesen o no talento. Siglo XVIII llegó a desarrollar una
nueva concepción de la Deidad, que se manifestaba en la presencia de lo sublime que hay en la Naturaleza. Los
artistas en el siglo xix, se convertirán casi en verdaderos profetas reveladores de la verdad divina.

El antiguo sistema de patronazgo, donde el artista dependía de un protector que aseguraba sus necesidades vitales,
bien por el tiempo que duraba la elaboración ele una obra concreta o bien por un largo período, no desapareció.

el crecimiento de la industria editorial y del concierto público, que apenas deben nada al pasado, son dos de las
contribuciones más importantes a la vida musical del siglo xviii

La naturaleza y el tamaño de las agrupaciones musicales cambiaron enormemente. En torno a 1750, un príncipe rico
y amante de la música podía mantener un teatro para representar ópera y obras teatrales, con una orquesta de unos
ocho a diez instrumentos de cuerda y media docena de instrumentos de viento;

La composición se consideraba una más entre las múltiples obligaciones del servicio. No era habitual que los
patrones contasen con un compositor entre los miembros de su servidumbre.

los puntos importantes de un contrato entre un artista y patrón eran la redacción escrupulosa de los deberes y
recompensas, y las condiciones bajo las que podía ponerse fin a dicho contrato. Normalmente, se redactaban
pensando en una relación a largo plazo, y el patrón asumía algo de la relación feuda! entre señor y vasallo. Así,
además de una cantidad específica de dinero, se contemplaba también la provisión de alojamiento y cantidades
prefijadas de leña, vino, sal, etc, junto a un lugar en la mesa principal de la casa en las horas de comida y una
variedad de uniformes para diferentes ocasiones. A cambio de todas estas compensaciones, los deberes musicales
del empleado se detallaban escrupulosamente, además de instrucciones sobre su limpieza, sobriedad, puntualidad y
otras virtudes necesarias para el adecuado funcionamiento de un sistema que involucraba a gran número de
personas. Para que el artista pudiera crear en condiciones óptimas, debía poseer algo de autoestima. La creación de
obras de arte destinadas a un único señor era perjudicial, pues generaba en el creador un cierto sentido de
inutilidad; se le negaba el reconocimiento que precisaba para alimentar su autoestima.

IMPRESIÓN Y EDICIÓN

En el siglo xviii a medida que crecía el negocio editorial, la importancia del patrón fue disminuyendo gradualmente;
al mismo tiempo, se generaba una mayor dependencia entre el compositor y el apoyo y favor del público. No era el
compositor el que ganaba dinero sino el empresario dedicado a la organización de actividades lúdicas en el seno de
los teatros, las salas de conciertos y el negocio editorial.

Los INICIOS DEL CONCIERTO PÚBLICO

El desarrollo del concierto público fue un fenómeno importante para músicos y compositores del siglo xvm, ya que
les puso en contacto inmediato con un público que pagaba, de un modo similar a lo que ocurría sólo en el teatro de
ópera. El concierto fue el responsable de la preferencia por un repertorio específico, y la popularidad de la sinfonia u
obertura ya independiente de la ópera a la que pertenecía- y del concerto solista fueron consecuencia de ello.
Teniendo en cuenta el gusto del público, el poder de atracción de un solista famoso debía ser equivalente a la
popularidad de las obras interpretadas, y las piezas favoritas se repetían si el público lo exigía. Así, la emancipación
del compositor del patrón privado fue progresiva y el concierto público le ofrecía una interesante alternativa a la
vida de servidumbre.

A lo largo del siglo xviii se imprimieron muchas obras dedicadas al aprendizaje de un instrumento. Algunos de estos
compositores fueron, Emmanuel Bach, Quantz y Leopold Mozart. Rameau tuvo gran influencia en la historia de la
música y lo ha convertido en el teorico mas significativo del siglo, y también en un compositor importante.
Capítulo 3

Música en el ámbito privado

Style galant (buen gusto) lo que era moderno, de actualidad. Se utilizaba como sinónimo de rococó. Vocablo
procedente del estilo francés de decoración arquitectónica y de objetos muebles (desde teteras a cepillos para el
pelo, candelabros o diseños de tejidos). Era elaborado, recargado, adornado, solemne y simétrico.

El rococó es un estilo de fantasía, un estado mental que tiende a lo encantador. El hecho de que su nombre derive
del término francés rocaille, que hace referencia a la rocalla que se utilizaba en grutas y construcciones artificiales

de roca, los edificios se hicieron más ligeros y se estilizaron los pilares, de forma que parecían flotar sobre sus
cimientos; hacía uso de elementos presentes en la naturaleza, copiados con total realismo, pero, a menudo, situados
en una fantástica conjunción. La mayor parte de los objetos de plata o cerámica se decoraban con motivos vegetales,
frutales, florales, animales, crustáceos, cangrejos y pájaros, así como figuras de hombres, mujeres y, especialmente,
niños. El resultado era una rica combinación de fantasía, construida sobre una fuerte estructura subyacente, en un
arte que estaba diseñado para vivirse en la intimidad. Su principal objetivo era atraer a un amplio público y, por esa
razón, la música debía ser sencilla y natural, tanto desde la perspectiva del oyente como del intérprete.

La polifonía y el contrapunto imitativo fueron abandonados. Se concentraba en la línea melódica todo el interés. Las
frases no sólo eran regulares sino que solían ser cortas y separadas unas de otras mediante silencios; se utilizaban
frecuentemente afirmaciones tonales de tipo cadencia!, con el fin de separar los materiales. Las texturas se hicieron
más ligeras, incluso hasta el extremo de sacrificar la relación contrapuntística entre el bajo y la línea melódica
principal, que tanto había gustado en el Barroco. El style galant se hizo popular por su simplificación.

LA SONATA A SOLO CON BAJO CONTINUO

Una de las principales características que definen al barroco en música es el bajo continuo que llegando a 1750
empieza a decaer. Permitía al compositor indicar la esencia armónica del acompañamiento mediante la adición de
cifras a la línea del bajo. Las cifras indicaban los intervalos más importantes que se tocaban por encima de la nota
más grave. La sonata a solo con continuo floreció antes de 1760 y se prolongó hasta la década de 1780-90,

LA SONATA A TRÍO

Sonata para dos instrumentos y bajo continuo. Movimientos (rápido/lento/rápido), con el movimiento central
generalmente en la tonalidad de la dominante, subdominante o en el relativo menor. Podía funcionar como una
sinfonía para pequeña orquesta.

LA SONATA A SOLO PARA TECLADO

El compositor de sonatas intentaba segmentar la composición musical de diversas maneras: separando una sección
de otra mediante una cadencia, produciendo un efecto de reposo e inicio de algo nuevo, creando estructuras
periódicas y equilibradas o repitiendo fragmentos melódicos o motivos rítmicos.

EL EMPFINDSAMER STILL

"Estilo de la sensibilidad". Significa sentir. Requiere, tanto por parte del intérprete como del oyente, una
susceptibilidad poco habitual ante la respuesta emocional.

Emanuel Bach fue uno de los compositores más notables. Se consideraba una variación del style galant.

Algunas de las características: el modo menor, utilizado afectivamente, el desinterés por evitar las tonalidades
lejanas en la armadura, y una armonía condicionada por el cromatismo frecuente, abierta siempre a la posibilidad de
modulaciones remotas. Carácter inquieto. Culmina en las décadas de 1760/70. Se lo califica dentro del Sturm and
Drang (tormenta e impulso) que fue un movimiento artístico y literario alemán.
Capítulo IV Música pública

Aparición del concerto público. Absorbió los rasgos más populares de la música de cámara y de la ópera. La mayoría
de las orquestas y organismos musicales, destinados a la interpretación en público, eran pequeñas y la práctica del
bajo continuo era universal, y se utilizaba en todo tipo de géneros musicales. De esta forma, la sinfonía temprana,
que tenía unas sólidas raíces en las oberturas de ópera italiana y francesa y en el concerto ripieno, pudo adoptar la
textura típica de la sonata a trío un medio camerístico y convertirla en uno de sus rasgos fundamentales.

Adoptó muchas reminiscencias procedentes de la ópera, trasladándolas a las salas de concerto, ya que el
instrumento solista presenta, en el marco de una estructura similar al aria, un virtuosismo que más tarde estaría
destinado a sobrepasar incluso la capacidad de aquellos maestros de la técnica del canto, los castrati.

LA SINFONÍA

La base de la orquesta reside en las cuerdas, pues con frecuencia no se contaba con instrumentos de viento. Las
sinfonías tempranas, en particular, eran a menudo arregladas para dos violines y bajo, a modo de sonata a trío,
aunque la mayoría también hacían uso de la viola. En orquestas de mayor tamaño, se contaba con oboes y trompas
(la presencia de los fagotes se da por sentado). Cuando las orquestas eran pequeñas, sus integrantes eran capaces
de tocar varios instrumentos. Finalmente, en el caso de ceremonias u ocasiones especiales, las trompetas y los
tambores podían completar el espectro orquestal.

Uno de los centros estaba en Milán donde nace la primera escuela de sinfonistas. Sammartini fue uno de los
compositores mas aclamados. Las sinfonías tienen tres movimientos: rápido/lento/rápido. La mayoría rezuma un
poderoso sabor a modo menor. Los primeros movimientos tienden a ser de estructura binaria, con gran variedad
temática y de texturas.

En aquel momento la sinfonía vienesa, al igual que la italiana, tenía habitualmente tres movimientos, aunque Monn
fue considerado, durante muchos años, el primer compositor que introdujo un cuarto movimiento, el minueto. El
movimiento lento está generalmente en la tonalidad principal, en la tónica menor, en el relativo menor o en la
subdominante, mientras que el minueto --cuando lo hay suele estar en la tonalidad principal, con su trío en la tónica
menor.

Mannheim fue, durante gran parte del siglo XVIII, el lugar donde se asentó la corte más brillante de los países
alemanes. El elector Karl Theodor, reunió a un grupo de músicos notables en torno a él,-que se convertiría en la
agrupación musical más disciplinada de toda Europa. París fue quizás el centro más importante de edición e
interpretación de música sinfónica, en realidad, de casi toda la música instrumental.

Grout Capitulo 13. La sonata, la sinfonía y la ópera en el clasicismo temprano

La ilustración

Valoraba más la fe individual y la moralidad practica que a la iglesia como institución. Promovía el estudio de la
mente humana, las emociones, las relaciones sociales y las organizaciones. Se prefería a la naturalidad a lo artificial.
El individuo poseía derechos, defendía el convencimiento de que mediante la razón y el conocimiento se podían
resolver los problemas sociales y prácticos. Rousseau, Montesquieu y Voltaire, eran mas reformistas sociales que
filósofos. Promovieron el cambio social. Rameau, había basado sus teorías sobre la armonía y la afinación en la
observación de los fenómenos naturales.

Aspectos de la vida del siglo XVIII

Fue una época de carácter cosmopolita. Los matrimonios entre familias poderosas, gobernantes nacidos en el
extranjero. Los artistas e intelectuales viajaban libremente. El humanismo importaba más que las diferencias
nacionales o lingüísticas. La Viena del siglo xviii era un centro cultural internacional. Los compositores locales fueron
Gluck y Salieri entre otros.

En 1783 la ópera italiana fue reinstaurada bajo el disfraz de opera buffa. Los gobernantes no solo patrocinaban las
artes y las letras, sino que también se ocupaban de programas de reforma social. En esta época se popularizo el arte
y la enseñanza. Se escribían tratados populares para poner la cultura al alcance de todos. Los conciertos públicos
empezaron a rivalizar con los antiguos conciertos privados y las academias.
El público aficionado demandaba y compraba música fácil de comprender y de tocar, y este mismo público estaba
interesado en leer sobre música y discutir al respecto. A mediados de siglo comienza el periodismo musical.

El gusto musical en el siglo XVIII

La música ideal era la que tenía lenguaje universal, debería ser noble y entretenida, expresiva, natural, sin técnicas
innecesarias, y tenía que gustarle a cualquier oyente.

Terminología del periodo clásico: Tradicionalmente se ha considerado que el período clásico se inicia con la

muerte de Bach (1750) y finaliza con la muerte de Beethoven (1827). Distinguiendo un período Preclásico (1750-70)
y un apogeo del Clasicismo

(1770-1827).

Clásico: se ha aplicado a los estilos de Haydn y Mozart y a la música que abarca desde 1720 a 1800. Se utiliza este
termino por analogía con el arte de los griegos y los romanos. Tenía sencillez, equilibro, perfección en la forma,
diversidad, y liberación de ornamentos. Gluck, Haydn y Mozart fueron precursores. Los límites del periodo clásico se
superponían con los del barroco y el romántico.

Rococó: se empleó para la música de las primeras décadas de este periodo. Tenía ornamentaciones refinadas.
(Sinónimo estilo galante).

Nuevos conceptos de melodía, armonía y forma

En el nuevo estilo del siglo XVIII el foco centrado en la melodía contrastaba tanto con la variación motivica como con
su acompañamiento de bajo cifrado. La estructura de la frase era tan irregular que no había una sensación marcada
de periodicidad, de frases antecedentes y consecuentes. Las melodías comenzaron a aparecer articuladas en frases
diferenciadas cuya longitud era típicamente de dos o cuatro compases. Esta técnica dio como resultado una
estructura marcada por cadencias perfectas y semicadencias. El movimiento armónico se interrumpe por una serie
de momentos estables y estáticos. Los cambios armónicos se ralentizan y las modulaciones son menos arriesgadas.
El bajo y la armonía pasan a ser acompañamientos de la melodía. Aparece el bajo Alberti.

La ópera

Opera buffa: opera cómica en la Italia del siglo XVIII. Era una obra de larga duración, con seis o mas personajes
cantantes y, se cantaba en su totalidad. Tenía propósitos morales, ya que caricaturizaba tanto las debilidades de la
aristocracia como las de la gente común. Los personajes cómicos, hablaban o cantaban en un dialecto, o la totalidad
de la obra se debía cantar en el dialecto local. El reparto se completaba por un número de personajes serios,
alrededor de los cuales giraba la trama e interactuaban con los personajes cómicos. El dialogo se expresaba en un
recitativo rápido que se acompañaba al teclado solo. Pioneros: Leonardo Vinci y Pergolessi.

Opera seria: Se basaba en libretos italianos y trataba de temas trascendentes aligerados por escenas y personajes
cómicos. El curso de la acción daba oportunidad para presentar escenas variadas- episodios pastorales o marciales,
ceremonias- y a menudo la resolución del drama giraba en torno a algún acto de heroísmo o de renuncia por parte
de uno de los protagonistas. Constaban de tres actos, divididos en recitativos y arias alternados, la acción se
desarrollaba en dialogo en los recitativos mientras que en cada aria representaba un soliloquio dramático, donde el
actor principal solía expresar sentimientos o comentarios relacionados a la situación del momento. Había dúos
ocasionales, pocos conjuntos grandes y pocos coros. La orquesta acompañaba a los recitativos simples (se
acompañaba por el clave y algún instrumento de bajo) y los recitativos acompañados, la voz y la orquesta alternaban
libremente.

El aria: Es un esquema que permitía variaciones en sus detalles. El ritornello inicial anuncia el material melódico de la
sección a. esta música se componía a la medida del texto poético de la sección A, y luego se reelaboraba y
orquestaba para la introducción. La primera sección A presenta el material melódico principal en la tónica, después
modula a la dominante o a la tonalidad relativa. El ritornello que sigue es corto, transportando y contrayendo un
pasaje del inicial. La segunda sección A empieza repitiendo la melodía de la sección A1 en la dominante o la
tonalidad relativa, pero a veces repite el texto con una variación sobre la melodía original. La sección B, que se
escucha solo una vez, es bastante silábica, con un acompañamiento y puede tener diferente tempo y compas.

La ópera cómica: Francia: Era una forma vulgar de entretenimiento popular, representada en las ferias de los
pueblos, y se fundó en melodías populares. La visita de los bufones italianos creo el estilo ítalo-frances mixto. El
francés Gluck arreglo y escribió varias operas cómicas. Se utilizaba el dialogo hablado. Asumió un tinte romántico y
se trataron los temas sociales que agitaron a Francia durante los años previos a la revolución.

Inglaterra: La ópera de baladas estaba formada en su mayor parte por melodías populares.

Alemania: Los primeros Singspiele fueron adaptaciones de óperas baladas inglesas.

Comienzo de la reforma operística

El aria da capo se modificó. Se usaron otras formas, se alternaron más flexiblemente arias y recitativos. Se utilizó en
mayor proporción el recitativo acompañado y los conjuntos, como los tríos, la orquesta se volvió más importante, los
coros reaparecieron.

La canción y la música religiosa

El lied: Durante el siglo XVIII se crearon canciones a solo, cantatas y otros tipos de música vocal profana aparte de la
ópera. Surge el lied alemán. Los lieder estuviesen compuestos en forma estrófica, con melodías de estilo natural y
expresivo como el de la canción popular, y no más de una nota por silaba, solamente los acompañamientos más
sencillos posibles, totalmente subordinados a la línea vocal estaban permitidos.

Música religiosa: Se adecuo la música sacra al estilo de la música profana. Querían introducir en la iglesia los
modismos y formas musicales de la ópera, con acompañamiento orquestal, arias da capo y recitativos acompañados.

La música instrumental: la sonata, la sinfonía y el concierto

La sonata: Es una composición en tres o cuatro movimientos de atmosfera y tempos contrastantes. La forma del
primer movimiento, conocida en la actualidad como forma sonata, está constituida por dos secciones, cada una de
las actuales puede repetirse. La primera cuenta con un periodo principal, la segunda con dos, el resultado son tres
periodos dentro de una forma binaria. En el primer periodo principal prevalece la tonalidad principal hasta que tiene
lugar una modulación a la dominante (o relativa mayor en una tonalidad menor) que conduce a un punto de
descanso sobre la tónica de la nueva tonalidad. El resto del primer periodo se halla en la nueva tonalidad. El segundo
periodo se inicia en la dominante con el tema principal, a veces con otra idea o en una tonalidad distinta que modula
de regreso a la tónica mediante otra idea melódica mas. El último periodo casi siempre se inicia con el tema principal
en la tonalidad del movimiento. Se revisan las ideas melódicas del primer periodo y, se modula a la tonalidad de la
subdominante sin cadenciar en ella. Finalmente, la sección de conclusión del primero periodo, que estaba en la
dominante o en la tonalidad relativa, se repite en este momento en la tónica.
En 1830 teóricos formularon las formas actualmente reconocidas. Dividen el movimiento en tres secciones: 1.
Exposición, desarrollo, reexposición, y coda.

Las primeras sinfonías y la música de cámara

La sinfonía era la obertura de ópera italiana. Una estructura de tres movimientos en el orden rápido, lento, rápido.
No tenían relación con la opera que habría de seguirlas, se las podía ejecutar como obras independientes en
conciertos. Los principales centros alemanes de composición sinfónica fueron Mannheim, Viena y Berlin.

La orquesta sinfónica

Era más pequeña que la orquesta actual. Rara vez tuvo más de 25 instrumentistas. Durante el último cuarto del siglo
XVIII, se fue desechando el bajo continuo. Desaparece el clave. La responsabilidad de dirigir al grupo recayó en el
violín principal. La orquestación habitual adjudicaba todo el material musical a las cuerdas, y solo se utilizaban los
vientos para duplicar, reforzar y proporcionar las armonías.
La música de cámara

En la música para cuarteto de cuerda el primer violín lleva la mayor parte de la línea melódica, mientras que el cello
funciona como un bajo continuo y la viola como relleno.

Apunte de rasgos estilísticos:

Comparemos lo que hacían con el tema Haydn y Mozart en un Allegro de

Sonata:

• Haydn solía utilizar en sus Allegros de Sonata un solo tema, y de forma característica, señalaba la modulación
hacia la dominante repitiendo los primeros compases en esta nueva posición, aún en el caso en que hubiera utilizado
varios temas. Para él, el discurso musical nace del tema: del carácter del tema y de sus posibilidades de desarrollo.

• Mozart prefería marcar el cambio a la dominante mediante un tema enteramente nuevo (aunque ocasionalmente
siguiera la práctica de Haydn).

Las convenciones formales utilizadas para movimientos individuales de la sonata clásica, independientemente de la
instrumentación, eran comunes en la música de cámara y en las sinfonías. La mayoría de ellas evolucionaron,
probablemente, partir de la forma binaria asociada a la danza.

• Suele ser común que el primer movimiento de este tipo de obras esté en forma sonata.

• Los movimientos lentos centrales, normalmente en una tonalidad diferente, suelen valerse también de la forma
sonata, ocasionalmente con una breve retransición en lugar del desarrollo. C. P. E. Bach prefirió la fantasía libre.

• Otras convenciones utilizadas para este movimiento son la forma binaria simple (habitual en Haydn), un diseño
ternario (favorecido por Mozart y Beethoven), la serie de variaciones y, ocasionalmente, el rondó.

• Si está presente un cuarto movimiento (y su inclusión era infrecuente antes de Beethoven), suele estar
relacionado con la danza y se coloca normalmente entre el movimiento lento y el finale. En las primeras sonatas
clásicas se trata habitualmente de un minueto y trío; en las obras de Beethoven suele tratarse de un scherzo.

• Para los últimos movimientos, las dos convenciones más habituales son las derivadas de la danza (minueto y trío) y
el rondó. El primero fue muy empleado por los primeros compositores clásicos. El segundo fue el preferido de los
tres maestros vieneses, que solían dotar a sus rondós de un desarrollo, dando lugar al rondó-sonata. Otras
posibilidades para el último movimiento son la forma sonata y las variaciones.

Grout – Capitulo 14 – Las postrimerías del siglo XVIII: Haydn y Mozart

Haydn estuvo al servicio del príncipe Nicolás por más de 30 años bajo circunstancias poco favorecedoras para su
desarrollo como compositor. Estaba obligado a componer cualquier música que le solicitase el príncipe, a instruir y
supervisar a todo el personal musical y a encargarse de la reparación de los instrumentos. Como tocaba la viola de
bordón, tuvo que escribir varias piezas para este instrumento. De acuerdo con el contrato con el príncipe le prohibía
la venta o cesión de ninguna de sus composiciones hasta que alcanzó la fama y pudo componer varios encargos de
editores y particulares. Cuando murió el príncipe Nicolás, le dieron una pensión y se fue a Viena. En Londres escribió
las doce Sinfonías Londres. Por otro encargo tuvo que componer una serie de conciertos celebrados en París
(sinfonías parís) Y la Sinfonía Oxford se llama así porque le otorgaron el título de doctor en música por la universidad
de Oxford. Para las primeras sinfonías, los movimientos en forma sonata escogía melodías pegadizas y temas que
podían descomponerse y recombinarse fácilmente. Los cuartetos establecieron la fama de Haydn y fue el primer
maestro del cuarteto de cuerda clásico. En sus últimos cuartetos expande las fronteras armónicas, anunciando la
armonía romántica y utiliza acordes de sexta aumentada. Son una yuxtaposición entre lo serio y lo jocoso. Las
primeras sonatas se interpretaban en el clave, pero las ultimas para interpretar las indicaciones de dinámica, en un
piano. También compuso varias operas, misas y oratorios.
Mozart fue un niño prodigio al cual su padre le dedico mucho tiempo para entregárselo a su educación musical y por
esto viajó por varios lugares importantes, obteniendo así material para sus composiciones. Algunos compositores
que lo influenciaron fueron Eckard, Christian Bach, Haydn. Se convirtió en un compositor comercia. Los temas de
Mozart tienen un perfil melódico marcado. Las frases de la exposición están equilibradas entre antecedente y
consecuente. La mayoría de las piezas son serenatas y divertimentos que compuso para reuniones, serenatas, bodas,
cumpleaños o conciertos domésticos. Estaban destinadas a ser música de fondo y entretenimiento. En Viena tuvo
alumnos distinguidos e ídolo del publico vienes hasta que los gastos familiares aumentaron, su salud empezó a ceder
y no consiguió ningún cargo estable con ingresos constantes. La mayor parte de las obras que lo inmortalizan fueron
compuestas durante los últimos diez años de su vida. Publico seis cuartetos de cuerda para Haydn. Anteponía el
contenido musical al virtuosismo. Sus óperas mas conocidas son Las bodas de fígaro, Cosí fan tutte y la flauta mágica.