Escultura del Renacimiento

La escultura del Renacimiento se entiende como un proceso de

procuración de la escultura de la Antigüedad clásica. Los escultores
encontraron en los restos artísticos y en los descubrimientos de
yacimientos de esa época pasada la inspiración perfecta para sus
obras. También se inspiraron en la naturaleza. En este contexto hay
que tener en cuenta la excepción de los artistas flamencos en el norte
de Europa, los cuales además de superar el estilo figurativo del
gótico promovieron un Renacimiento ajeno al italiano, sobre todo en
el apartado de la pintura.1 El renacer a la antigüedad con el
abandono de lo medieval, que para Giorgio Vasari «había sido un
mundo propio de godos»,2 y el reconocimiento de los clásicos con
todas sus variantes y matices fue un fenómeno casi exclusivamente
desarrollado en Italia. El arte del Renacimiento logró interpretar la
Naturaleza y traducirla con libertad y con conocimiento en gran
multitud de obras maestras.3

Piedad del Vaticano, obra del Renacimiento de

Miguel Ángel Buonarroti.

Índice
Características
Materiales
Técnicas
Composición
Escultura italiana
El Quattrocento. Escultores florentinos
Cinquecento
Manierismo

Escultura francesa
Escultura española
Plateresco
Escultura alemana
Escultura en los Países Bajos
Escultura inglesa
Escultura portuguesa
Escultura hispanoamericana
Notas
Bibliografía consultada

Características
La escultura en el Renacimiento tomó como base y modelo las obras de la antigüedad clásica y su mitología, con una nueva visión
del pensamiento humanista y de la función de la escultura en el arte. Como en la escultura griega, se buscó la representación
naturalista del cuerpo humano desnudo con una técnica muy perfeccionada, gracias al estudio meticuloso de la anatomía humana. En
Italia convivieron por igual los temas profanos con los religiosos; no así en otros países
4
como España y Alemania, donde prevaleció el tema religioso.

El cuerpo humano representó la Belleza absoluta, cuya correspondencia matemática

entre las partes se encontraba bien definida, y el contrapposto fue utilizado
constantemente desde Donatello a Miguel Ángel. En esta época es cuando se dio
prácticamente la liberación de la escultura del marco arquitectónico, los relieves se
realizaron con las reglas de la perspectiva y se mostraban a los personajes con
expresiones de dramatismo que llevaban a la sensación de gran terribilità en los
sentimientos expuestos en las esculturas de Miguel Ángel, como en el rostro de su
David.5

Un papel fundamental fue la figura del mecenas, representados por la iglesia y

personajes de la nobleza que obtenían con su mecenazgo prestigio social y propaganda
política, y abarcó todos los temas: religiosos, mitológicos, de vida cotidiana, retratos de Camafeo en ágata blanca,
personajes, etc.6 representando a Carlos I, obra
italiana del siglo XVI.
Reapareció con el Renacimiento laglíptica greco-romana, que se había olvidado casi por
completo durante la Edad Media en la labra de piedra finas (salvo algunas muestras de
arte bizantino), y desde el siglo XVI se labraron preciosos camafeos de gusto clásico,
tan perfectos que, a veces, llegan a confundirse con los antiguos. No obstante, apenas sí
alcanzó a restablecerse el uso de los entalles de piedra fina, tan predilectos de las
civilizaciones griega y romana. Estos pequeños relieves sirvieron como modelo, una vez
agrandados, para la decoración por parte de escultores en grandes medallones para
palacios de Italia y Francia.7

Materiales
La escultura del Renacimiento se sirvió de toda clase de materiales, principalmente del Escultura ecuestre de Bartolomeo
Colleoni realizada en bronce por
mármol, bronce y madera. El bronce compitió con el mármol principalmente en
Verrocchio.
monumentos funerarios, fuentes y pequeñas esculturas para decoración de interiores, así
como en estatuas ecuestres como la del condottiere Colleoni en Venecia. Las
reproducciones de estatuillas en bronce tuvieron gran difusión en el Renacimiento, debido al gran número de coleccionistas. En
Florencia fueron Antonio Pollaiolo (Hércules y Anteo) y Andrea del Verrocchio (Niño alado con pez) los iniciadores por encargo de
los Médicis. Del taller de Leonardo da Vinci se conservan pequeños bronces con el caballo encabritado de una altura de 23 cm.8 El
escultor de Mantua Pier Jacopo Alari Bonacolsi, llamado Antico, se instaló en Roma para la ejecución de reducciones en bronce de
mármoles antiguos.9

La madera fue utilizada en países como Alemania y España, donde la gran riqueza forestal y el trabajo tradicional de la madera
10
policromada estaba muy arraigado; se empleó en la ejecución de imaginería religiosa, retablos y altares.

La terracota fue empleada como material más económico; se utilizó terracota en color natural y policromada, como la empleada por
Antonio Rossellino y su discípulo Matteo Civitali en la Virgen de la Anunciación en la iglesia de los Siervos de Lucca. El artista
italiano Pietro Torrigiano realizó en España varias esculturas en barro policromado, algunas de ellas se conservan en el Museo de
Bellas Artes de Sevilla.11 A Lucca de la Robbia, que siguió el estilo donatelliano, se le atribuye la invención del barro esmaltado que
empleó en el tabernáculo de Santa María Novella de Florencia en combinación con el mármol para darle colorido a la obra, y después
en tondos y en Madonnas; su taller seguido por su sobrino Andrea della Robbia realizó gran cantidad de obras de terracota esmaltada
que se difundieron por toda Europa.12

Técnicas
La técnica del tallado de mármol se recuperó en tiempos del Renacimiento con la
perfección que había tenido durante el periodo clásico. A partir del Renacimiento se
empleó el taladro manual o trépano para eliminar la piedra hasta una cierta profundidad.
Esta herramienta se empleaba tanto si se hacía la escultura en talla directa, como a veces
había hecho Miguel Ángel, como si se utilizaba el pasado de puntos de un modelo
realizado en yeso, como normalmente hacían artistas como Giambologna, de quien se
aprecian los puntos marcados en muchas de sus esculturas. Donatello empleó el método
griego de trabajar el bloque en redondo, sin embargo Miguel Ángel lo tallaba desde un
lado.13 Así lo describió Benvenuto Cellini:

El mejor método empleado jamás por Miguel Ángel; después de haber

dibujado la perspectiva principal en el bloque, empezó a arrancar el
mármol de un lado como si tuviera la intención de trabajar un relieve y, de
14
esta manera, paso a paso, sacar la figura completa.

Para las obras en bronce se necesitaba la realización de la obra previamente en arcilla o

en cera para su posterior fundición; después se cincelaba para suprimir los posibles
Rapto de las Sabinas, del
defectos de la fundición, se pulía la superficie con abrasivos y a gusto del escultor se escultor de Flandes
añadían las pátinas.13 Giambologna, donde la
composición se muestra en
La talla en madera, empleada sobre todo en el Norte de Europa y en España, se podía movimiento de espiral.
realizar también en talla directa sobre el bloque de madera con la ejecución de un boceto
pequeño para su guía o con el modelo previo en yeso o arcilla, y también pasarlo por
puntos como en el mármol.13

Composición
Bulto redondo
El Renacimiento adoptó los elementos básicos que había descritoVitruvio, que sostenía:

... que la proporción de la forma humana había de servir de paradigma para las proporciones de las
creaciones del hombre. Ya que la naturaleza ha diseñado al cuerpo humano de manera que sus miembros
están debidamente proporcionados a la figura en su conjunto; parece que los antiguos tenían una buena
razón para su regla, que dice que en los edificios perfectos los diferentes miembros deben guardar
relaciones simétricas exactas con el esquema general en su conjunto.

D'Architectura (siglo I) Vitruvio

La composición de la figura humana se basó en la búsqueda de la perfección en la anatomía, sobre la que muchos artistas de esta
época adquirieron verdaderos conocimientos con la práctica de disecciones para su estudio.15 La primera escultura exenta
renacentista que mostró la armonía del desnudo fue el David de Donatello durante el Quattrocento, en la que se apreciaba la
influencia del estilo de Praxíteles con un ligero contrapposto para conseguir el equilibrio en la composición. Durante los siguientes
años los conocimientos sobre la anatomía humana fueron adquiriendo una gran perfección, hasta llegar a un contrapposto pleno. Las
expresiones de los rostros dejaron de ser hieráticas y ausentes para mostrar sentimientos interiores; la llamada terribilità renacentista
(David de Miguel Ángel, hacia 1504). En los grupos escultóricos de carácter religioso se mostraba la combinación del naturalismo
con una intensa expresividad, la serenidad florentina desapareció ante las pasiones que mostraban los personajes con sus caras
deformadas por los gestos de desesperación y dolor, visibles en los Entierros de Cristo de Guido Mazzoni y de Niccolò dell'Arca.16
La escultura fue evolucionando en su concepción y en las composiciones de sus grupos, hasta llegar a la serpentinata propia del
manierismo, que se muestra claramente en obras como la Piedad florentina (Miguel Ángel) o el Rapto de las sabinas
(Giambologna).17

Relieve
En el relieve se utilizaron la arquitectura y las recién adquiridas leyes de la
perspectiva para componer los fondos de las representaciones, como en la célebre
puerta del Paraíso de Ghiberti o en los relieves con la técnica de stiacciato para el
altar de San Antonio en Padua realizados por Donatello. Se componían estructuras
arquitectónicas como telón de fondo, igual que Giotto había hecho en sus pinturas
protorrenacentistas. Algunas laudas de bronce italianas fueron transportadas a
España, como la que se encuentra en la catedral de Badajoz de Lorenzo Suárez de
Figueroa.18

La escultura flamenca junto con la de países germánicos se desarrolló con un

realismo que se apreciaba en todos los detalles ornamentales, donde el trabajo
escultórico se presentaba casi como una labor de orfebrería que se aplicó en los Relieve de "Adán y Eva" porGhiberti.
grandes altares realizados en madera. También en España, la influencia gótico-
flamenca junto conla italiana se recogió en relieves, como el de una de las puertas de
la catedral de Barcelona realizada por el escultor flamenco Michael Lochner y por
Bartolomé Ordóñez de estilo italiano en el trascoro de la misma catedral. Los
relieves alrededor de los sarcófagos solían representar escenas de la vida de los
difuntos: su vida, milagros y martirio si eran religiosos, o la representación de
batallas y hechos militares si eran personajes de la nobleza. Los monumentos
funerarios fueron desarrollando diferentes fases de composición, desde la estructura
tradicional de la losa funeraria o la estatua del yacente solitario en su sarcófago
empleado en la época medieval, a las tumbas adosadas enmarcadas por elementos
arquitectónicos a la manera de arco de triunfo, y con un resultado parecido a un
retablo, donde en la calle central se encontraba la urna normalmente con la figura del
yacente sobre ella y figuras alegóricas en las calles laterales. Finalmente se
Busto-retrato de Giuliano de Médici
realizaban con la representación de los difuntos en actitud orante propios de España por Verrocchio (1475-1478).
y Francia.19

Durante el Renacimiento se originó en España el estilo plateresco, que representó el cambio de las formas de decoración en los
edificios con elementos escultóricos de estilo principalmente italiano, no solamente se realizó en la piedra de las fachadas sino
también en madera y yeso en los interiores de los edificios, a base de relieves historiados y adornos vegetales típicos del primer
Renacimiento (llamados «in candelieri») con grandesescudos heráldicos y putti a su alrededor.20

Busto
Los retratos en forma de busto siguieron siendo utilizados en el Quattrocento con la nueva concepción humanística que imponía la
representación con gran parecido físico, pero también con la afirmación de la personalidad del retratado. Según Alberti, el artista
debía «caracterizar pero también establecer relaciones armoniosas». Se realizaron en bronce, terracota policromada y mármol
(Donatello, Verrocchio, Francesco Laurana).21

Estatua ecuestre
La estatua ecuestre de tamaño natural en bronce ya había sido tratada por los escultores romanos como el Marco Aurelio emplazado
entonces en San Juan de Letrán; también los caballos de bronce de San Marcos de Venecia sirvieron de modelo para el Renacimiento
italiano, y pueden considerarse inspiradores del Gattamelata de Donatello y del Colleoni de Verrocchio. Los estudios de Leonardo da
Vinci conllevaron un cambio en la representación del caballo, que se colocó apoyado sobre sus patas traseras y en actitud de
22
abalanzarse sobre el enemigo; la idea fue tomada probablemente de relieves de sarcófagos antiguos.
Escultura italiana
La historiografía divide este período entre lossiglos XV y XVI, en dos etapas que toman el nombre deQuattrocento y Cinquecento.

El Quattrocento. Escultores florentinos

Mientras en el resto de Europa imperaba todavía el arte gótico, en Italia comienza en el
siglo XV el Quattrocento o Renacimiento temprano. Es el momento en que triunfa el
Hombre y la Naturaleza. La escultura va por delante de la arquitectura y de la pintura,
desarrollándose vertiginosamente. Sus antecedentes tuvieron lugar en el sur de Italia, en
la corte de Federico II, bajo cuya protección nació una escuela artística que traía ya
luces anticipadas de lo que sería el Renacimiento del siglo XV. Fue la región de la
Toscana durante el anterior periodo trecentista la que heredó esta nueva manera de hacer
escultura en la figura de Nicolás Pisano, seguido por su hijo Juan Pisano, y después
Andrea Pisano (primeras puertas de bronce delBaptisterio de Florencia) y Nino Pisano.

Nicolás Pisano (firmaba sus obras con este

apelativo), cuyo nombre era Nicolás de
Relieve sobre el Sacrificio de
Isaac, de Ghiberti. Puglia, llegó desde esta región del sur de
Italia (llamada en español Apulia) a
establecerse en Pisa (Toscana). En Pisa
(como en la mayoría de las regiones de Europa) se mantenía todavía el arte románico y
se empezaba a emplear el gótico. Nicolás Pisano recibió el encargo de labrar el púlpito
del baptisterio de la catedral de esta ciudad. Lo hizo siguiendo las nuevas corrientes
aprendidas en Apulia sobre todo haciendo hincapié en la forma clásica del Hércules
desnudo. Esta obra, el púlpito, está considerada como precursora del Renacimiento
italiano.23

Tras estos antecedentes, será la ciudad de Florencia (ciudad próspera en estos

momentos, con la poderosa familia de los Medici, mecenas y promotores del arte), la
que tome el protagonismo en la figura de su mejor representante: Lorenzo Ghiberti. A Púlpito del baptisterio de Pisa, de
Nicolás Pisano, precursor del
partir de este momento ya no se detectará ningún atisbo ni lastre medieval. La escultura
Renacimiento en Italia.
florentina será durante siglo y medio la dominadora del retrato de busto, del ecuestre,
del relieve y del bulto redondo. El material empleado por excelencia en este periodo fue
el mármol seguido del bronce.

Ghiberti, Donatello y Jacopo della Quercia como los mejores, seguidos por los della Robbia, Verrocchio, Antonio Pollaiuolo y
Agostino di Duccio, formaron el grupo de grandes escultores de la escuela florentina del Quattrocento.

Esta etapa del Quattrocento comenzó con la obra escultórica de los relieves de las puertas del Baptisterio de Florencia realizados por
Lorenzo Ghiberti, un joven escultor de veinte años. El Baptisterio ya tenía dos puertas labradas por Andrea Pisano en 1330, y en
1401 se convocó un concurso para las otras dos restantes. El concurso fue ganado por Ghiberti (en competición con Brunelleschi),
terminando la primera de las dos puertas en 1424; su trabajo fue admirado y muy bien considerado, por lo que la ciudad le encargó la
segunda puerta. Invirtió unos veinte años en labrar cada una; fue prácticamente la obra de su vida. Esta segunda puerta hecha por
Ghiberti y cuarta del baptisterio es la conocida como Puerta del Paraíso, bautizada así por Miguel Ángel y considerada uno de los
hitos del Quattrocento.

El segundo gran escultor de este periodo fue Donatello, diez años más joven que Ghiberti. Fue mucho más polifacético en su obra,
concentrándose sobre todo en la figura humana. Donatello es tenido en la Historia del Arte como el precursor de Miguel Ángel y es,
en verdad, un artista independiente, fogoso y realista. Su mayor interés fue la figura humana en las distintas edades, abarcando toda
clase de tipos, gestos variados y expresando en su obra los estados espirituales más heterogéneos. Por otra parte, se considera a
Donatello como un gran experto en el tema infantil, sobre todo en la expresión de la
alegría de los niños (tribunas de las catedrales de Florencia y Prato). En la escultura de
bulto redondo Donatello difundió el retrato renacentista del busto cortado
horizontalmente por el pecho y no sobre pedestal (como era costumbre en la escultura
romana). Ejemplos: Busto de Antonio de Narni que lleva un gran camafeo al cuello;
busto en terracota de San Lorenzo, representado como un joven diácono, en la Sacristía
Vieja de San Lorenzo en Florencia. Esta manera de presentar los bustos-retrato fue
adoptada por los escultores del Renacimiento y llegó casi hasta época barroca. En el
siglo XVI el busto se fue alargando hasta ser cortado por la cintura. También dentro de
la escultura de bulto redondo, Donatello fue el precursor de la figura a caballo (en
bronce) en homenaje a un gran personaje y dispuesta en el centro de una plaza pública.
La primera estatua ecuestre de Donatello fue la conocida como Gattamelata (condottiero
Erasmo de Narni).24 25 26
El David de Donatello.
Jacopo della Quercia (muerto en 1438) es el tercer gran escultor de esta escuela
florentina y el único del grupo que no es natural de Florencia sino de Siena. Pertenece a
la generación de Ghiberti. Su estilo es grandilocuente y masivo, en contraste con el
estilo detallado de Ghiberti. Su obra maestra fue la portada central de San Petronio, en
Bolonia, que comenzó en 1425. Se trata de una serie de relieves representando el
Génesis y la infancia de Jesús, con bustos de profetas y la imagen de la Virgen de San
Petronio. En sus relieves domina la monumentalidad y el tratamiento de hercúleos
desnudos, anticipándose al estilo de Miguel Ángel. Jacopo della Quercia es el autor de la Fuente Gaia en Siena.
Fuente Gaia de Siena, de las tumbas de Ilaria del Caretto en Luca y de Galeazzo
Bentivoglio en Bolonia.

El grupo de la familia de la Robbia está encabezado por Luca della Robbia (muerto en 1482), que se dedicó casi por completo al
tratamiento de la infancia y juventud de la figura femenina. Luca creó escuela en la que introdujo la técnica del barro vidriado, que
fue apareciendo en los más diversos temas, desde el pequeño relieve hasta el retablo con copiosas figuras. También trabajó en
mármol y en bronce. Andrea della Robbia, sobrino de Luca, fue el mejor dotado de sus seguidores.27 Es el autor de los tondos
(medallones circulares) de niños labrados en el Spedale degli Innocenti de Florencia. El último del grupo fue Giovanni della Robbia,
que no sólo era escultor, sino también decorador y, en ocasiones, alfarero.28

Andrea del Verrocchio (1435-1488) estuvo muy influenciado por las obras de
Donatello hasta el punto de repetir alguno de sus temas, como el David en Florencia
o la estatua ecuestre del condottiere Colleone en Venecia (ambas de bronce).
Verrocchio se caracteriza por su profundo estudio anatómico. Antonio Pollaiuolo fue
también un buenrepresentante florentino de la interpretación de la ener
gía corpórea y
del movimiento violento. Su obra maestra en este estilo es Hércules y Anteo,
guardada en el Museo de Bargello. Agostino di Duccio (1418-1481) fue también un
seguidor de Donatello, imitando su famoso schiacciato,29 sobre todo en la
decoración de la fachada del oratorio de San Bernardino en Perugia y en el templo
Malatestiano de Rímini.

Otro gran escultor que trabajó en Módena fue Guido Mazzoni (muerto en 1518),
cuya obra en su mayoría fue hecha en barro cocido pintado, técnica que estaba en
estos momentos en gran auge. Una de sus composiciones más famosas fue el Llanto Lorenzo de Medici, por Verrocchio.
sobre Cristo muerto para la iglesia de San Juan de Módena, que a su vez debió
influir en la obra del mismo título elaborada por Juan de Juni en 1463, a raíz de un
viaje a las ciudades deBolonia, Módena y Florencia.
 Llanto sobre Cristo Relieves de Agostino di
muerto de Mazzoni. Duccio en el oratorio de
San Bernardino
(Perugia).

Cinquecento
El Cinquecento o pleno Renacimiento se desarrolló a lo largo del siglo XVI con características diferenciadas en cada una de las dos
mitades del siglo, dominando el clasicismo en la primera y el manierismo en la segunda. Supuso el triunfo de las experiencias del
Quattrocento. Una de sus características principales es el gusto por la grandiosidad monumental, teniendo siempre presente el
hallazgo del Laocoonte y sus hijos clásico, descubierto en 1506. Mientras los artistas del Quattrocento crearon escuela en Florencia,
los artistas del Cinquecento crearon sus obras y desarrollaron su arte principalmente en la ciudad de Roma, que pasó a ser el centro
artístico del nuevo siglo. Florencia se mantuvo como ciudad renacentista importante, y se siguieron haciendo obras maestras de arte
en la capital toscana durante este período, como el David, los sepulcros de las Capillas de los Médici, el Perseo de Cellini, etc. El
artista representativo de este periodo es Miguel Ángel, personaje de gran fuerza y personalidad.

Miguel Ángel Buonarroti, discípulo también de la escuela florentina, resume en su

persona casi todo el arte escultórico de su época en Italia (años 1475-1564). En los
primeros treinta años de su vida conservó su cincel algunas tradiciones del siglo XV
produciendo obras moderadas y bellas aunque vigorosas. A esta primera época se
deben sus ponderadas esculturas de la Madonna de Brujas y la Piedad con algunos
Bacos y Cupidos y el David de Florencia. Pero desde el año en que los papas
comenzaron a encargarle la construcción de grandiosos monumentos, creó un estilo
gigantesco, vigorosísimo, lleno de pasión, independiente y llamado de terribilità
excepcionalmente suyo. De este género son las esculturas de los sepulcros de los
Médici en la capilla de éstos en Florencia (de Julián y su hermano Lorenzo, cuya
estatua sedente se conoce con el nombre de Il Pensieroso por su actitud pensativa) y
las estatuas que preparaba el artista para el sepulcro del Papa Julio II sobre todo el
famoso Moisés que halla en la basílica de San Pietro in Vincoli.

Sansovino (su nombre propio es Andrea Contucci) fue un artista educado entre los
El David de Miguel Ángel. artistas florentinos que se manifiesta en sus esculturas amante de la forma exterior,
de la anatomía y del clasicismo, sobre todo en las estatuas que decoran los
mausoleos del cardenal Ascanio Sforza y del obispo Basso Rovere en la iglesia de
Santa María del Popolo, aparte de otras en Florencia y Venecia. Su discípulo Jacobo Sansovino trabajó principalmente en Venecia,
30
siendo el gran difusor de la obra de Miguel Ángel. Una de sus mejores obras escultóricas es el Baco.

Benvenuto Cellini fue, además de escultor, un gran orfebre. Su obra monumental en bronce de Perseo con la cabeza de Medusa fue
un símbolo del triunfo de la familia Medici sobre la República florentina. Es el autor del Cristo de mármol del monasterio de El
Escorial.
Bandinelli y Ammanati fueron dos escultores contemporáneos de Cellini que
esculpieron para la plaza de la Señoría de Florencia las monumentales estatuas de
Hércules y Caco y Neptuno. Los dos Leoni, Leone y Pompeyo (padre e hijo) fueron
grandes fundidores en bronce y trabajaron principalmente en España, durante el reinado
de Felipe II.

Manierismo
El término manierismo se refiere a un estilo de características propias dentro del
Renacimiento. Se dio a lo largo de siglo XVI, especialmente a partir de 1520.31 La
característica que mejor lo define es la constante búsqueda de lo no convencional junto
con la destrucción de un equilibrio lógico aplicando líneas o posturas deformantes, algo
que a primera vista puede ser desconcertante para el espectador. Es el rechazo del
equilibrio adoptando posturas forzadas.

En el manierismo la escultura rehusó el

clasicismo buscando formas curvilíneas y
dinámicas, la llamada serpentinata o
composición de curva y contra curva en
que los cuerpos giraban en sí mismos, en
espacios estrechos y a veces con escorzos Perseo de Cellini.
muy pronunciados.

En Italia, la escultura manierista está representada por Juan de BoloniaAquí debiera

incluirse el Rapto de las Sabinas de Gianbologna o Juan de Bolonia, citada más arriba
como renacentista, Benvenuto Cellini y Miguel Ángel, uno de cuyos mejores ejemplos
es la Piedad florentina donde el Cristo se muestra con posturaserpentinata.32

Se difundió este estilo por Europa gracias a la extensa colección de grabados, y sobre
todo en el terreno escultórico en la profusión de pequeños bronces venidos de Italia. Así
se desarrolló en las cortes europeas de Francisco I en Fontainebleau con Francesco
Piedad florentina de Miguel Primaticcio, que fue el encargado de traer copias de antigüedades desde Roma.33
Ángel. También se desarrolló en la corte de Rodolfo II en Praga, y de Felipe II en El Escorial,
donde la corrección académica caracterizó el estilo del manierismo empleado por los
Leoni.34 Influenciado por Miguel Ángel,Gaspar Becerra impuso su estilo manierista en
el retablo de la catedral de Astorga, y es en Valladolid, donde se encontraba además de Becerra Juan de Juni, donde se realizó más
escultura de este tipo clásico-heroico.35

Escultura francesa
El interés político de los reyes de Francia por asentar sus dominios en tierras italianas tuvo consecuencias culturales, ya que fueron
varios los artistas italianos que a partir de la segunda mitad del siglo XV se establecieron en la corte francesa, siendo Francisco I el
principal mecenas de estos artistas, entre los que se encontraba Leonardo da Vinci. Hacia 1460 se estableció en Provenza el escultor
Francesco Laurana, al que se considera el introductor del Renacimiento en Francia, que trabajó sobre todo en la parte sur del país.
Una de sus esculturas más conocidas es el sepulcro deCarlos IV de Anjou en la catedral de Le Mans.36

Uno de los temas más tratados en la escultura francesa de esta época es el del Santo Entierro y los monumentos sepulcrales donde la
figura del yacente es tratada con gran realismo. Se representa el difunto como cadáver o incluso en esqueleto; en el momento de la
transición, como es el caso del de Juana de Borbón en el Louvre. De este tipo son dos obras realizadas por Ligier Richier con
policromía en blanco, negro y gris: el Memorial de René de Chalon en Bar-le-Duc en el que el esqueleto parcialmente descarnado
tiende un corazón hacia el cielo; y el demacrado cuerpo yacente de Felipa de Güeldres en la Iglesia des Cordeliers de Nancy. Esta
alegoría de la resurrección de los muertos llega mediante el camino de la
«terribilità» italiana y del desvelamiento del interior del cuerpo, aunque no presente
una anatomía perfecta a los ojos de la ciencia.37

Con la influencia del hacer italiano se destaca Michel Colombe, escultor de la Reina
Ana de Bretaña a principios del siglo XVI y que realizó por encar
go suyo el sepulcro
de sus padres, el duqueFrancisco II y Margarita de Foix en la catedral de Nantes. En
las figuras yacentes del sepulcro todavíase aprecian rasgos góticos, no así en los
elementos decorativos y en cuatro figuras de las Virtudes de tamaño natural
colocadas en los ángulos del monumento funerario.

Las Cuatro Estacionesde Jean Goujon,

(c.1547) (Musée Carnavalet,París).

Su sobrino Guillaume Regnault, también escultor, le sucedió en el cargo como

escultor de la Reina. Su obra maestra son las estatuas yacentes del consejero real
38
Louis Porcher y su esposa, hoy en el Museo del Louvre. Memorial de René de Chalonen Bar-
le-Duc obra de Ligier Richier.
También a principios del siglo XVI, Jean Goujon (llamado el Fidias francés) inició
sus trabajos en Ruan, y en 1544 acudió a París para ser nombrado escultor real en
1547, donde realizó numerosos encargos como las alegorías de Las Cuatro Estaciones, las Ninfas, unas Cariátides para la tribuna de
los Músicos y realizó los signos del Zodíaco para el antiguo ayuntamiento de París. Por estos mismos años Germain Pilon realizó
numerosos monumentos funerarios con gran influencia de Miguel Ángel, entre los que descuella el Cristo Resucitado con figuras de
los guardianes, un grupo para la capilla de Enrique II conservado en el Museo del Louvre, cuyas figuras están inspiradas en
composiciones pictóricas como el José de Arimatea de Rosso Fiorentino. El Cristo muerto se asemeja a los grabados de
Parmigianino, pues las figuras buscan las diagonales y los escorzos son espectaculares, con los pliegues de los vestidos apretados y
muy delgados, recordando los relieves de laantigüedad clásica. Fiel seguidor suyo fue su discípulo Bartolomé Prieur, quien trabajó al
servicio de Enrique IV de Francia. Pierre Puget, llamado el «Bernini francés», fue ya un escultor tardío del Renacimiento; sobresalió
su obra Milón de Crotona.39

Escultura española
Las ideas y formas escultóricas del Renacimiento italiano penetraron en España con los artistas florentinos que fueron a trabajar a la
corte española durante el siglo XV, y siguieron extendiéndose con la obra de artistas de varias nacionalidades y de algunos españoles
que aprendieron en Italia desde los últimos años de dicho siglo. Sin embargo, el nuevo estilo no logró implantarse con firmeza hasta
el advenimiento del ReyCarlos I de España al trono, a principios del siglo XVI.40

Ya en 1339 había llegado a Cataluña el arte de los pisanos con el sepulcro de Santa Eulalia en la catedral de Barcelona, labrado por
Lupo di Francesco, aparte de algunas otras influencias arriba descritas. Casi un siglo después se labraron en el trascoro de la catedral
de Valencia algunos relieves por el florentino Giuliano, discípulo de Ghiberti, junto con otros de mano española. Pero estos ensayos y
tentativas quedaron aislados hasta la llegada de otros maestros de la escuela florentina a finales del siglo XV y principios del
siguiente.
La escultura renacentista se hizo presente a través de tres vías distintas: Escultores
italianos mandados llamar por los mecenas y que realizaron sus obras en España; obras
importadas, procedentes de los talleres italianos; primera generación de artistas
españoles. En el primer grupo se encuentran los escultores Domenico Fancelli, Pietro
Torrigiano y Jacopo Florentino, también llamado el Indaco.41

Domenico Fancelli labró el sepulcro del infante D. Juan (hijo de los Reyes
Católicos, muerto en 1497) en la iglesia del monasterio deSanto Tomás de
Ávila, el de los Reyes Católicos en Granada y el mausoleo mural de Diego
Hurtado de Mendoza en la catedral de Sevilla (año 1509) Sarcófago del príncipe Juandel
Pietro Torrigiano fue un gran escultor Domenico Fancelli.
escultor del barro cocido al que se
adjudican un San Jerónimo y una
estatua de la Virgen que
actualmente se encuentran en el Museo de Sevilla.
Entre las obras encargadas a Italia sirvan de ejemplo el San Juan del taller de Miguel
Ángel para la ciudad de Úbeda y unos cuantos relieves del taller de la familia Della
Robbia.

En cuanto a los artistas escultores españoles, la primera generación estuvo

compuesta por Vasco de la Zarza (trascoro de la catedral de Ávila), Felipe Vigarny
(retablo mayor de la catedral de Toledo), Bartolomé Ordóñez (sillería del coro de la
catedral de Barcelona) y Diego de Siloé (sepulcro de don Alonso Fonseca en Santa
Úrsula de Salamanca).42

San Jerónimo (Pietro Torrigiano). Entrado ya el segundo tercio del siglo XVI y siguiendo hasta el año 1577,
sobresalieron Alonso Berruguete y Juan de Juni; este último de origen francés y con
taller en Valladolid, autor de los retablos mayores en las iglesias de Santiago y la
Antigua, así como de muchas otras obras que se encuentran en Segovia, Ciudad Rodrigo y otras poblaciones de Castilla. Surgieron
también otros grandes maestros del Renacimiento español que siguiendo las normas italianas supieron dar a sus obras un carácter
puramente español, creando escuela en las distintas regiones del ámbito nacional.

El tercer tercio llegó con el gusto clasicista. Trabajaron en la corte del emperador Carlos los dos escultores italianos Leoni (Leone y
Pompeyo, padre e hijo) con la fundición enbronce de las estatuas de Carlos I, deFelipe II y de otras personas de la Real Familia.

Sacrificio de Isaac de San Antonio de Padua, Felipe II por Pompeyo y

Alonso Berruguete. de Juan de Juni. León Leoni.

Plateresco
Dentro del Renacimiento es una variedad puramente española, que se corresponde con el estilo manuelino portugués. Se llama
también Gótico isabelino o estilo Reyes Católicos, por haber empezado con el reinado de estos monarcas, aunque se extiende hasta
los tiempos de Felipe II. El término plateresco suele emplearse para la arquitectura, pero como es un arte puramente decorativo y de
ornamentación escultórica, puede tener cabida aquí en este pequeño apartado.
 Se caracteriza por mantener ciertos
componentes góticos y mudéjares dentro
del hacer renacentista. Las fachadas se
esculpen como si fueran retablos, y junto al
almohadillado típico del Renacimiento se
muestran las columnas abalaustradas con
grutescos y llenas de decoración y ventanas
de tradición goticista. Proliferan los tondos
o medallones y los escudos colocados en Palacio de los duques de
Medinaceli en Cogolludo
las claves de las bóvedas y en las enjutas de
Fachada lateralplateresca del (Guadalajara).
los arcos. Se trata de un género muy
Ayuntamiento de Sevilla.
decorativo. Alcanzó su mayor exuberancia
en Andalucía. Un buen ejemplo puede ser la fachada del Ayuntamiento de Sevilla por
Diego de Riaño.43

Escultura alemana
La prosperidad de las ciudades germánicas se afianzó con el alargamiento de la
época gótica, produciéndose en los primeros decenios del siglo XVI la introducción
de la escultura renacentista con la influencia de la escuela florentina italiana. La
mayor parte de esta escultura se realizó en madera, por la gran riqueza forestal de
sus regiones y con una magnífica policromía y dorado. A los escultores alemanes les
costó abandonar los ropajes góticos y que sus personajes adquiriesen el espíritu
clásico, así se puede ver claramente en las obras de Veit Stoss, en el retablo de la
Virgen en Santa María de Cracovia, en los relieves de la catedral de Bamberg o en la
Anunciación del Rosario en la iglesia de San Lorenzo de Núremberg. También en el
mismo estilo se encuentran las esculturas de Tilman Riemenschneider, obras
extraordinarias como elAltar de la Anunciaciónde la iglesia de Creglingen.44

Como «mundo esculpido» se conoce el carácter que adoptó la escultura en los países
germánicos durante la segunda mitad del siglo XV, que puede verse en los grandes
polípticos de altar de algunas iglesias y catedrales alemanas. Se trata a menudo de
altares de dos y hasta cuatro hojas totalmente esculpidas, con agujas y altos Detalle de San Sebastián, escultura
pináculos que albergan, en su parte central, la «caja», con una escena religiosa. en madera policromada de
Vasari, conocedor del estilo alemán, decía sobre él: Riemenschneider.

(...) paciencia y sutileza grandísima... los escultores operan continuamente de guisa que reducen las cosas a
tanta sutileza que dejan pasmado al mundo.

Michel Erhart de Ulm consiguió un gran control estilístico. Su obra más puntera es el altar del monasterio benedictino de Blaubeurer
(Baden-Wurtemberg) donde se pueden apreciar en la caja cinco grandes esculturas policromadas. En los territorios periféricos
germánicos, al sur del Tirol trabajó el escultor Michael Pacher; entre sus obras se destaca el altar mayor de San Wolfgang, de once
45
metros de altura y donde se combina magistralmente la pintura con la escultura.

La escultura alemana tuvo corta vida en la época del Renacimiento. Descolló como escultor Peter Vischer junto con otros miembros
de su familia inspirados más directamente en el Quattrocento italiano, como se ve en el sepulcro de San Sebaldo (1507-1519) en
Núremberg, así como su participación en el mausoleo del emperador Maxiliano en Innsbruck, que debía agrupar a cuarenta estatuas
de tamaño mayor del natural y cien estatuillas menores con cuarenta bustos de emperadores. De este trabajo solo se llegó a realizar
una tercera parte, y las esculturas realizadas fueron fundidas en bronce. También intervino en esta obra Alberto Durero, para la que
 diseñó la Cabeza del Rey Arturo y realizó la escultura de cuerpo completo
Vischer, con la decoración y la armadura en estilo medieval, pero con el claro
contrapposto de un héroe de la Antigüedad.46

Escultura en los Países Bajos

Caja central del altar de Blaubeurer obra

de Michel Erhart.

En los Países Bajos se habían desarrollado y consolidado completamente las

actividades artísticas durante el períodogótico a niveles muy altos, lo que hace
comprensible que fueran reacios a admitir otros criterios. Así pues, fue tardía
la aceptación del nuevo estilo que venía de Italia y las decoraciones góticas se
Detalle de la tumba deMargarita de
mantuvieron aún durante largo tiempo. En la realización de retablos, sillerías
Austria en Bourg-en-Bresse, realizado por
de coro y mobiliario religioso con escultura incluida, se utilizó la talla en Conrad Meit.
madera, en los que se elaboraron los elementos renacentistas al estilo de los
realizados en la parte lombarda de Italia.

En 1507 se convierte en gobernadora de los Países Bajos Margarita de Austria, en nombre de su

sobrino Carlos I, creando una corte de tipo humanista en Malinas. Margarita era una gran
coleccionista de arte y toma a su servicio todo tipo de artistas, entre ellos el escultor Conrad Meit,
nacido en Worms, el cual trabaja en el arte del retrato y de pequeñas estatuillas de madera de boj o
bronce. A él le encargó Margarita la realización de las figuras «en vivo y en tránsito» de su
marido Filiberto el Hermoso, el de su madre María de Borgoña, y el suyo propio para la iglesia de
Brou de Bourg-en-Bresse.47

El belga Herman Glosencamps construyó las esculturas decorativas de la chimenea de las Casas
Consistoriales de Brujas. En Utrecht se encuentran varias estatuas debidas al escoplo de Uries y
Kéyser, en las que el naturalismo renacentista es apreciable en los detalles anatómicos y en los
plegados de las vestiduras, admitiéndose de manera plena el nuevo estilo en la segunda mitad del
siglo XVI.

Jacques du Broeuq, maestro de Juan de Bolonia, fue nombrado arquitecto y escultor de la corte
por María de Austria, hija de Carlos I de España, para la querealizó numerosas obras; entre ellas
Obra de Jacques du
resalta un conjunto de esculturas en alabastro para el coro de Sainte-Waudru de Mons. Sus
Broeuq.
relieves se acercan a los escultores italianos contemporáneos, y se aprecian rasgos clasicistas en
los pliegues de sus ropas, al estilo de la estatuaria antigua. En los relieves de mayor tamaño como
el de la Resurrección se muestra a los personajes con unas siluetas alar
gadas y casi de bulto redondo muy acusado.

La obra del escultor y arquitecto Cornelio Floris de Vriendt se manifestó con gran semblanza a lo italiano en la fachada del
ayuntamiento de Amberes, en los sepulcros de los reyes de Dinamarca y los duques de Prusia en Königsberg, y en la decoración del
coro de la catedral de Nuestra SeñoraTournai, realizado con un gran parecido al estilo deAndrea Sansovino.48

Escultura inglesa
La escultura inglesa del siglo XVI se deriva de la italiana, siendo de este último país los más notables artistas que trabajaron en
Inglaterra. Los monarcas, para animar la vida artística, ejercieron una función muy importante a la hora de desarrollar este
movimiento artístico. Entre los primeros y principales escultores italianos figuró Pietro Torrigiano, a quien se debe el sepulcro de
Enrique VII e Isabel de York. Está realizado en mármol y bronce dorado, con las figuras
yacentes de los monarcas y en cada ángulo del sepulcro unos ángeles que sostienen los
escudos de armas; se encuentra en una capilla de la abadía de Westminster en Londres. En
1511 esculpió el sepulcro de Margarita Beaufort, madre de Enrique VII. De 1516 data el
sepulcro del archivero real, John Young, a quien también representó en un busto conservado
en la National Portrait Galleryde Londres.

También le fue encargada por Enrique VIII su propia sepultura y la de su esposa Catalina de
Aragón en 1518. A pesar del viaje del escultor a Italia para contratar ayudantes, se desconocen
los motivos por los cuales no llegó a realizar la obra y abandonó la corte inglesa para
instalarse en España en 1525. Este sepulcro se realizó finalmente entre 1524 y 1528 por el
escultor italiano Benedetto da Rovezzano.

Con la implantación de la reforma protestante se suprimió en Inglaterra la escultura religiosa,

y también el contacto con todo lo que pudiera venir de Italia por identificarlo como una vía de
influencia papal. Sólo en los soberbios panteones y en estatuas conmemorativas de personajes
tuvo desde entonces alguna vida el arte plástico, como el realizado por el inglés Richard
Parker para la tumba del conde de Rutland (1543) enBottesford.49

La influencia italiana fue sustituida por la francesa y por la venida de artistas flamencos, entre
ellos Gerard Johnson (llamado también Garret Jansen), que realizó el sepulcro del conde de
Southampton en Titchfield y el monumento funerario en honor de William Shakespeare en
Monumento funerario de
Stratford.50
Shakespeare en Holy Trinity
Church, de Stratford, por
Escultura portuguesa Gerard Johnson.

En las postrimerías del siglo XV, Andrea Sansovino fue a trabajar para el rey Juan II
de Portugal; parece que se tenía la sensación de que los italianos, con su monopolio
casi exclusivo del arte antiguo, poseían también el don de lo que era correcto dentro
del arte.51

Se creó alrededor de la corte de Juan III un foco de humanismo según el modelo de

las cortes italianas. El Renacimiento se impuso en las ciudades de Coímbra, Tomar y
Évora con tanta fuerza que en esta región del Alentejo costó bastante la posterior
implantación del Barroco. La escultura portuguesa se manifestó asimismo italianista
en su primer Renacimiento, siendo sus principales obras tres hermosos relieves en el
claustro de la iglesia de Santa Cruz enCoímbra, labrados por artistas portugueses:

Cristo ante Pilatos

Paso de la cruz a cuestas
Misa de San Gregorio
Procedente de Francia, el artista Nicolás Chanterenne realizó en 1515 los sepulcros
reales para esta iglesia de Coimbra. En 1517 se le encarga el pórtico central del Pórtico del Monasterio de los
Monasterio de los Jerónimos de Belém y las figuras orantes del rey Manuel y la Jerónimos de Belém realizado por
Nicolás Chanterenne.
reina María; entre las muchas obras de este escultor se encuentra el retablo en
alabastro del Palacio de Pena para la ciudad de Sintra. Chanterenne practicó también
el arte del retrato con bustos de gran realismo.52

En Coimbra se encontraban otros dos escultores también franceses: Juan de Ruan y Felipe Duarte u Orarte, venido este último de
Toledo y que fue contratadopararealizar el grupo de La Cena, que fue concluido en 1534 con un realismo extraordinario en actitudes
agitadas e impetuosas. El grupo se conserva actualmente en el Museo de la ciudad de Coimbra. Rouén trabajó en un retablo de la
capilla del Sacramento de la catedral de esta ciudad; también se destaca el púlpito que hizo para el monasterio de Santa Cruz. Este
artista llegó a montar un taller importante, donde se esculpían un gran número de obras. A mediados de este siglo se pudo apreciar la
influencia española en diversas obras del monasterio de Belém, como en un Crucificado de madera cuyo estilo es similar al del
círculo de Diego de Siloé.53

Escultura hispanoamericana
En general la escultura hispanoamericana renacentista se logró, gracias en mayor parte, a las órdenes religiosas y a su labor de
enseñanza junto con la disponibilidad de modelos de obras traídas de España, que fueron de donde en muchas ocasiones se copiaba,
sobre todo la iconografía de las imágenes.

En Ecuador fueron precisamente los misioneros franciscanos de origen flamenco Pedro Gosseal y Jodoco Ricke los que fundaron la
primera escuela en el convento de San Francisco de Quito, enseñando conocimientos en el arte de la arquitectura y la talla, tanto en
piedra como en madera, además de la religión y las letras. Los artistas locales lograron unas buenas interpretaciones mezcladas con
motivos de su tradición con la ingenuidad de los rostros de las imágenes así como de la policromía con colores más primarios y
mucho más llamativos, donde se puede apreciar en los retablos que se construyeron durante el quinientos en México, así como en la
decoración empleada en laspilas bautismales y en las cruces de los patios conventuales.54

Un escultor relevante es el guatemalteco Quirio Cataño, que fue autor, entre otras imágenes, del Cristo Negro de Esquipulas del año
1594.55

Notas
1. Castelfranchi Vegas, Liana (1996), pág. 43.
2. Sureda, Joan, (1988) pág. 10.
3. Sureda, Joan (1988), pág. 13.
4. La Gran Enciclopedia en català, Volumen 7 (2004),
Barcelona, Edicions 62,ISBN 84-297-5435-0
5. Ceysson, Bernard (1996), pp. 70-71.
6. La Gran Enciclopedia en català, Volumen 17 (2004),
Barcelona, Edicions 62,ISBN 84-297-5445-8
7. Ceysson, Bernard (1996), pág. 102.
8. Ceysson, Bernard (1996), pp. 54-55.
9. Historia del Arte Espasa(2004), pág. 703.
10. Ceysson, Bernard (1996), pp. 120-121.
11. Sureda, Joan (1988), p. 229.
12. Sureda, Joan (1988), pp. 128-129.
13. Historia Universal del Arte: Tomo 8 (1984), Madrid,
Sarpe ISBN 84-7291-596-4
14. Hodson (2000), pág. 42.
15. Historia Universal del Arte(1984) Madrid, Ed. Sarpe, p.
721 ISBN 84-7291-593-X
16. Bozal, Valeriano (1983), pág. 198.
17. Bozal, Valeriano (1983), pág. 195.
18. Hernández Perera, Jesús (1988), pág. 222.
19. Ceysson, Bernard (1996), pp. 46-50.
20. Historia del Arte Espasa(2004), pág. 762.
21. Ceysson, Bernard (1996) pp. 56-57.
22. Historia del Arte Espasa(2004), pág. 702.
23. Angulo Íñiguez, Diego. Historia del Arte, tomo II,
Madrid 1982. ISBN 84-400-8723-3
24. Angulo Íñiguez, Diego (Catedrático de la Universidad
de Madrid). Historia del Arte, tomo II, página 64.
25. Azcárate, José María de, catedrático de Historia del
Arte de la Universidad de Madrid; investigador. Historia
del Arte en cuadros esquemáticos, página 54.
26. José Pijoán. Arte del periodo humanístico trecento y
cuattrocento. Summa Artis. Historia general del arte.
Vol. XIII.
27. Angulo Íñiguez, Diego.
28. Era el tercer hijo de Andrea della Robbia. Vasari en
sus biografías le considera el menos dotado del grupo.
Cuando en 1525 sus hermanos abandonaron el taller
familiar para ir a trabajar a otras ciudades, Giovanni lo
mantuvo en activo.
29. Es una técnica usada en el Renacimiento y
perfeccionada por Donatello para representar una
perspectiva ficticia con ayuda de los diferentes
volúmenes en los relieves. Consiste en una
disminución progresiva de las figuras, desde el
altorrelieve del primer plano hasta el relieve apenas
esbozado, casi plano de las figuras del fondo.
30. el Baco (https://web.archive.org/web/20100325190516/
http://www.flg.es/fotos/1000/1468.jpg)
31. La palabra manierismo puede dar lugar a confusión,
pero no debe interpretarse nunca como sinónimo de
amaneramiento.
32. Plantilla:Cita A. libro
33. Ceysson, Bernard (1996) pág.140
34. Historia del Arte Espasa(2004), pág. 707.
35. Historia del Arte Espasa(2004), pág. 731.
36. Alcolea Gil, Santiago (1988), p. 318.
37. Ceysson, Bernard (1996), pp. 158-159.
38. Alcolea Gil, Santiago (1988) pp.321-322
39. Alcolea Gil, Santiago (1988), pp. 334-335.
40. Ceysson, Bernard (1996), pág. 112.
41. Historia del Arte Espasa (2004), pág.719
42. Mínima muestra de la obra de cada escultor. Más
información en la página de cada uno.
43. Historia del Arte Espasa (2004), pp. 762-763.
44. Kahsnitz, Rainer (2006), pp. 244-409.
45. Castelfranchi Vegas, Liana (1997), pp. 197-198. 52. Ceysson, Bernard (1996) p.109
46. Sureda, Joan (1988), p. 352. 53. DDAA, Historia del Arte Espasa(2004), p. 734.
47. Ceysson, Bernard (1996), p. 117. 54. Historia del Arte Espasa (2004), p. 733.
48. Alcolea i Gil, Santiago ( 1988), pp. 336-337. 55. Fotografía del Cristo Negro de Esquipulas. Fecha
49. Alcolea Gil, Santiago (1998), pp. 344-346. enlace:19 de febrero de 2009 (http://farm3.static.flickr.c
om/2079/2196684828_76d5910acb.jpg?v=0)y [1] (htt
50. Historia del Arte Espasa(2004), p. 718.
p://ceciza-gt.blogspot.com/2009/01/cristo-negro-de-esq
51. DDAA, Historia Universal del Arte, volumen 5 ( 1984) uipulas.html)
Madrid, Sarpe ISBN 84-7291-593-X

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Alcolea Gil, Santiago (1988). Historia Universal del Arte: Renacimiento (II) y Manierismo. Barcelona, Editorial
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Angulo Íñiguez, Diego.Historia del Arte, tomo II, Madrid 1982.ISBN 84-400-8723-3
Azcárate, José María de.Historia del Arte en cuadros esquemáticos. Editorial E.P.E.S.A. ISBN 84-7067-099-9
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Morante López, Felisa y Ruiz Zapata, Ana María. Análisis y comentario de la obra de arte. Estudio de obras de
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Sureda, Joan (1988). Historia Universal del Arte: El Renacimiento .I Barcelona, Editorial Planeta.ISBN 84-320-8905-2.

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