Troy Stetina es el director de los Estudios de

Guitarra Rock en el Conservatorio de Música de

Milwaukee, Winsconsin. Es también el autor de la
serie de metodos Heavy Metal Publicados Por Hal
Leonard, metodos aclamados por la revista Guitar
Player como “...una de las mejores series de
rock disponibles...” (Nov, 87).
Stetina es el coautor de Heavy Metal Tricks,
también publicado por Hal Leonard. Su trabajo
discográfico ha aparecido en Guitar Player
Magazine (Agosto 87, demo, Maniac Music). Con
una inclinación hacia la música clasica, Troy ha
trascrito y tocado piezas clasicas de violín,
incluyendo trabajos de N. Paganini.
Es también el compositor principal de la
banda, “Assent”.

reconocimientOs

Me gustaría agradecer a la gente del Conservatorio de Música de Winsconin, en particular a su

presidenta, la Dra. Patricia Jones, y el Jefe de la facultad de Guitarra, por el apoyo al desarrollo
del programa de guitarra de rock. La idea para este libro nació de una clase llamada “Tecnicas de
Practica para la Guitarra Solista”. Y de no ser por el apoyo del Conservatorio, el programa y las
clases no se habrían dado, y este libro jamás habría sido escrito. Ademas, quiero agradecer a la gente de
Hal Leonard Corporation.

Y por encima de todo, quiero agradecer a mis estudiantes, presentes y pasados, sin los cuales no
habría sido capaz de formular y organizar las ideas de e’ste libro. Quiero mencionar algunos
entusiastas y perseverantes estudiantes que me han mantenido interesado en seguir enseñando—
escucharon, trabajaron y mejoraron: Takis Kinis (con Realm), Cory Bonnet, Paul Finley, Dan
Johnston, Darryl Miescke, yJohn LaMacchia, solo para nombrar algunos. Muchos me hacen saber
cuanto los he inspirado, pero ellos no saben cuanto me han inspirado a mí. Durante el año y medio
que tomó completar este libro, gran parte del trabajo realizado con estos estudiantes sobresalientes llegó al
libro de una manera u otra.
Éste libro te enseña lo que todo guitarrista serio debe saber , cómo practicar para lograr tu maximo
potencial. Éste provee el entendimiento completo de todas las habilidades necesarias para la guitarra solista
desde un punto de vista practico y enfocado a la guitarra en sí. Al dividir la complejidad de la guitarra solista en
sus habilidades componentes, te puedes enfocar en una parte del todo, y así progresar mas rapidamente.

Éste libro te enseñará lo que es el estilo solista, que factores y habilidades entran en juego, y
cómo desarrollarlas de la manera mas rapida. Te ayudara a expresarte en la guitarra, y a desarrollar
tu estilo personal.

Este libro esta diseñado con el guitarrista serio en mente. No es la clase de libro que puedes hacer
obsoleto en semanas, y no es algo que te quedara corto. Es algo que te servira por años, ya que estas
habilidades siempre se aplican. Mientras mejor domines las habilidades que se te presentan aquí, mejor
seras, y te convertiras en un mejor músico.

Si eres principiante, debes usarlo con paciencia. Necesitaras aprender las destrezas que se te presentan aquí, por
lo que debes tomarte tu tiempo. ¡Nadie se vuelve un gran guitarrista de la noche a la mañana! Toma su tiempo.

Para algunos de ustedes, el material no sera completamente nuevo; y cualquier guitarrista con una
técnica bien desarrollada ha usado, conciente o inconcientemente, estas tecnicas y principios. (Hay
generalmente una relación directa entre la cantidad de éste tipo de practica y la maestría alcanzada.)
Con este libro, sin embargo, por primera vez, estos principios y técnicas estan estructurados en una
manera muy comprensible, y estan aplicados a la guitarra de rock. (Algunas de las ideas presentes han sido
tomadas de la pedagogía para violín y piano).

Las destrezas que desarrollaras pueden ser divididas en tres categorías: Habilidad Mecanica, Habilidad
Rítmica, y Creatividad.
La parte mecanica es la mas obvia—el movimiento físico para tocar las notas. Esta incluye te'cnicas
para la mano izquierda y derecha, metodos para desarrollar la velocidad y articulación, etc.

La habilidad rítmica es la habilidad de tener un sólido y exacto sentido del tiempo. Ésta es, por
supuesto, una obligación para cualquier buen músico.

Y al final, la creatividad es el aspecto mas importante que es, desafortunadamente, muy a menudo dejado de
lado por muchos guitarristas. La creatividad implica elegir que notas tocar; y trata con el desarrollo de tu
imaginación musical.

Por supuesto el material de éste libro no es lo único que debes practicar. Éste cubre el cómo practicar,
y cuales destrezas necesitas dominar, pero tú debes aplicar estos principios a la música que te gusta.
Todas las tuercas y tornillos del mundo son inútiles a menos que las uses para construir algo, digamos,
un auto, que puedas luego manejar. Los riffs, ejercicios, y las pocas selecciones musicales aquí
provistas estan únicamente para encaminarte en cómo practicar estos principios. Para que puedas construir tu
propio auto.

El libro es un “manual de practica”- un sistema estructurado que cubre cada destreza necesaria para el dominio
total de la guitarra. Te indica dónde debes poner tu tiempo.
introducción
La música de este libro esta escrita en su mayoría en tablatura (TAB), un sistema que nos indica la
ubicación de los dedos al darnos el número de traste en cada cuerda. Cada línea representa una
cuerda, con la más baja representando la cuerda más grave.

Para leer la tablatura de manera rápida y fácil, es buena idea memorizar los números de los puntos que
aparecen en el diapasón de la guitarra. Esto se vuelve especialmente importante cuando estamos leyendo
números en la parte mas aguda del diapasón.
Por ejemplo, puedes hallar el traste 18 rapidamente si sabes que el segundo punto sobre el doceavo traste
es el numero 17. El traste 18 estará un traste mas arriba.

Los ataques descendentes de púa/vitela seran indicados por un .

Los ataques hacia arriba se indicaran por un .
Estos símbolos aparecerán por encima del pentagrama.

Los dedos de la mano izquierda se enumeran así:

Índice l
Medio 2
Anular 3
Meñique 4
Los ejercicios a, b y c nos muestran respectivamente, un hammer-on, un pull-off, y un slide. Para tocar un
hammer-on, hacemos sonar la segunda nota al martillar nuestro tercer dedo sobre la cuerda. El Pull-off es lo
contrario a un hammer-on. Para este, ambos dedos deben estar en su respectivo lugar. Toca la primera nota con la
vitela, luego retira el tercer dedo para hacer sonar la nota mas grave. Para el slide, el dedo que está aplastando al
cuerda basicamente mantiene su presión a medida que mueves la mano izquierda para llegar a la nueva posición
deseada. Solo un dedo tocara el diapasón.
notacíon ritmica
Los símbolos de notación se muestran en el pentagrama y bajo el, aquí, los símbolos de notación rítmica son aplicados
directamente a la tablatura.

Notas y Silencios de Redonda Notas y Silencios de Blanca

Cuatro beats cada una Dos beats cada una

Notas y Silencios de Negra Notas y Silencios de Corchea

Un beat cada una Medio beat cada una

Notas y Silencios de Semicorchea

Un cuarto de beat cada una
En la mayoría de los casos en el libro la partitura es omitida y los símbolos de notación rítmica son
aplicados directamente sobre la tablatura como se muestra a continuación. Toca los siguientes ejercicios. El conteo
esta escrito por debajo de la tablatura. Si tienes problemas para leer símbolos basicos de notación rítmica,
consulta mi Heavy Metal Rhythm Guitar Vol 1, para una revisión más profunda.

Los siguientes ejercicios usan ambos sistemas. Aquí, los símbolos de notación están únicamente en la
partitura. Los números mas pequeños bajo el pentagrama indican la digitación de mano izquierda.
 !

! !!
!
 Aquel guitarrista que desee dominar realmente la guitarra, deberá desarrollar una técnica que le permita tocar
cualquier cosa que su mente pueda conjurar—-cualquier secuencia de notas. Él o ella deberá desarrollar
un formato constante que se pueda acomodar a todo el espectro de posibilidades inherentes al instrumento, en
lugar de tener un enfoque en que se tome a cada lick como un caso especial con su propia secuencia de punteo.
En la sección “Movimientos Básicos” se cimientan los fundamentos de e’ste formato. Los ejercicios de mano
izquierda establecen el control, eficiencia e independencia de cada dedo. Luego, cubriremos el cambio de cuerdas.
Cada movimiento es aislado, analizado, y practicado por su cuenta, y luego son usados en el contexto de runs y
licks.
A continuación, en “El Arte de Practicar” aprenderás cómo debes practicar para avanzar de la manera más
eficiente. Aprenderás a reconocer tus puntos débiles y a diseñar tus propios ejercicios para superar tus
deficiencias específicas. Aprenderás las diferentes te'cnicas de práctica para lograr una mejor articulación,
control, y velocidad. La pieza “El Vuelo del Moscardón” termina esta sección y te da la oportunidad de poner
estos principios en práctica.
“Construyendo Velocidad” continúa, ofreciéndote un número de ejercicios, fragmentos de escalas, y
secuencias que te ayudaran a ser más rápido al enfocarte en patrones repetitivos específicos.
Finalmente en “Sweep Picking” se cubrirán en detalle varias tecnicas para el sweep picking.

la mecánica de los ejercicios de practica

Los ejercicios son herramientas para mejorar destrezas particulares. Te permitirán enfocarte en una técnica,
para que la puedas dominar más rápidamente. Al practicar los ejercicios correctamente puedes lograr en
cuestión de semanas o meses lo que de otra manera te costaría años.

* Ve Despacio
Toca lo suficientemente lento como para no cometer errores. Tus dedos se moverán como los entrenes para
moverse. Si practicas algo rápido y mal mil veces, ¿Por que habrías de esperar que la milésima primera vez
te salga perfecto? Sin embargo, si practicas algo cien veces bien, puedes estar seguro que la próxima vez te
saldrá perfecto.
Puedes tocar casi cualquier combinación de notas perfectamente si lo haces lo suficientemente lento. Los
dedos entrenados lentamente (y por tanto, más precisamente) serán más fluidos y confiados. Los dedos que
solo son entrenados para tocar rápido son menos controlados y son propensos a “congelarse” cuando te pones
nervioso. Piensa en la calidad no en la cantidad.

* Evita los bloqueos mentales

Evita los bloqueos mentales Si te concentras tanto que te empiezas a ofuscar, entonces la tensión y
ansiedad te llevaran a decirte “toca esto bien ÉSTA vez”. Esta presión en realidad te hará cometer más
errores, y solo aumentará tu frustración. No te sobre exijas. Mantén un ritmo fluido cuando practiques. El
movimiento natural asociado al ritmo se opone directamente a la rigidez y tensión que te causan el
bloqueo mental.

* Concentrate en el propósito del ejercicio

Ya que los ejercicios están diseñados para desarrollar una destreza específica, debes estar conciente de
cuál destreza busca desarrollar ese ejercicio y concentrarte en ella mientras practicas.

* No pases demasiádo tiempo en un ejercicio.

Cuando una persona empieza a levantar pesas, los primeros intentos son muy desgastantes. Al
descansar, y luego entrenar, descansar otra vez, y entrenar, una y otra vez, la persona se vuelve más
fuerte. Es lo mismo cuando tocas la guitarra. Si tocas algo una y otra vez por demasiado tiempo, llegarás a
un punto en el que en realidad empiezas a empeorar. Lo mejor es descansar los músculos que has
estado entrenando. Toca algo diferente, y regresa más después, ¡te sorprenderás lo mucho que se te
facilitará la segunda vez!

Cuidado: Si algo se vuelve doloroso, no te presiones - ¡Para! Puedes dañar tus músculos y tendones, y su
recuperación siempre es lenta. Como un atleta, asegúrate siempre de haber calentado lo suficiente antes de
intentar un ejercicio que requiera mucha fuerza o elasticidad.
 Movimientos basicos
Posición del Mano izquierda
Pulgar:
Hay dos posiciones basicas para la mano izquierda: una con tu pulgar detrás del
mango, y la otra con el pulgar cubriéndolo por arriba.
La posición con el pulgar por detrás te da un mayor alcance y te permite controlar mejor el
movimiento de tus dedos. Usa esta posición para runs o riffs que requieran un amplio
estiramiento. La otra posición te da más fuerza y control para estirar las cuerdas.

Posición de los La posición de los dedos es denotada por números romanos (I, II, II, IV, etc.) y se refiere al
dedos: traste que el primer dedo (de tu mano izquierda) ocupa.

Movimiento de Mientras mas lejos tengas que mover un dedo, más le tomara llegar a su destino. Ya que
los dedos: distancia es igual a tiempo, mantén tus dedos cerca de las cuerdas -acerca de un centímetro
de los trastes. No permitas que un dedo suba demasiado cuando hagas un hammer o un pull
off con otro. Será demasiado para corregirlo una vez que haya sucedido. Debes evitarlo
antes de que pase, si es que quieres corregirlo.
Si se te dificulta controlar los dedos cuando no estan tocando, estas tocando con demasiada
presión. Este trabajo extra te está robando tiempo.

Fluidez de la mano Practica levantando el dedo anterior cuando el siguiente toca. Esto te ayudara a
izquierda: desarrollar una mayor fluidez en tu mano izquierda, lo que hara que toques runs
rapidos de manera más fácil y cómoda. (Anclar uno o mas dedos también es una
técnica común, que sera revisada más adelante.

Precisión de los dedos: Has un habito el que tus dedos golpeen

cada vez justo detras del rnetal del traste,
no en cualquier lugar dentro de e’ste. Esto
le dará a tu mano izquierda mas certeza y
exactitud.
Toca con la punta de los dedos. (Puedes recostar un poco los dedos
para acallar las cuerdas contiguas). Hay excepciones pero en general,
tocar con las puntas de los dedos es lo mejor.
Ejercicios para El grado al que los dedos de tu mano derecha se pueden mover sin afectar el
la independencia movimiento de los demas se llama “independencia de dedos”. Con una mejor
de los dedos: independencia, tu mano izquierda estará más relajada y nuevos patrones saldrán “de
entre tus dedos” mas rápido y con menos práctica.
Pon tu amplificador en un sonido limpio, sin distorsión de manera que puedas
escuchar realmente lo que tus dedos hacen, y usa la posición “detras del mango” para
el pulgar. Como con todos los ejercicios, practica lentamente para tocar bien, y siente
un ritmo continuo sin dudas y sin cambiar el paso. La clave esta en la precisión y el
control, ¡no en la velocidad!

Concéntrate en:
*Mantener tus dedos cerca de las cuerdas todo el tiempo.
*Digitar la cuerda justo por detrás del traste metálico.
*Tocar con la punta de los dedos.
*Levantar cada dedo cuando el siguiente baja.

Continúa a través de las posiciones V-VI, VII-VIII,IX-X, y luego regresa por el diapasón.

Usa las mismas secuencias de posiciones para los siguientes ejercicios:

Ejercicios de “Trills”: Un Trill son dos notas tocadas en rápida alteración. Mantén el dedo que está tocando
la nota mas grave aplastando la cuerda. Para eliminar el ruido indeseado, toca
ligeramente las cuerdas adyacentes con tu primer dedo (véase la foto). Un Slash (/)
significa repetir el grupo anterior de notas.
El ejercicio 6 usa el patrón escalar menor pentatónico que se muestra a continuación.

Mueve el patrón una posición hacia arriba y repite.

Continúa lo largo del diapasón hasta alcanzar la posición A (La) en la siguiente octava. (XVII)

El siguiente ejercicio usa una variación del trill. El primer dedo permanece anclado a lo largo de cada grupo
de notas (hay, sin embargo, mas de dos notas en la secuencia). Experimenta con diferentes patrones de trill y
diferentes escalas.

El ejercicio 8 es ¡todo un reto! Es particularmente bueno para desarrollar la independencia entre tu 2do 3er y cuarto
dedo. Concentrate en tocar cada nota en su lugar. Practica lentamente y recuerda, si se vuelve doloroso, ¡para!

Repite en las cuerdas 2,3,4,5 y 6.

Luego pasa a la segunda posición y repite en las cuerdas 6,5,4,3,2 y l
Martillando sobre Los hammers también se pueden aplicar a una cuerda sin haber tocado una nota
una cuerda nueva: anterior. Nota cuan sutil suena. Mantén tus dedos abajo como se muestra. Usa tu
primer dedo para acallar las cuerdas adyacentes cuando sean necesario.

En la Grabación:
Troy: “Los ejercicios 9 10 11 y 12 te dan 4 riffs cortos en la escala menor en A. Aquí esta el primero, ejercicio
9...

Aquí tenemos los patrones de la escala de A menor; improvisa con estas posiciones. La digitación y la
explicación detallada se daran en la grabación.

El ejercicio 14 incorpora cuerdas al aire. No deberías tocar ninguna nota con la mano derecha (Nota que la
primera nota también es martillada, sin uso de la Vitela)
Ejercicios de Secuencia: Una “secuencia” es una serie de ideas rnelódicas que se repiten idénticarnente,
con la excepción de que pueden empezar en diferentes notas. Las escalas en
secuencias de tres (tresillos) crean excelentes ejercicios para la mano
izquierda.

Nota las secuencias usadas en los siguientes licks. Éstos licks, que combinan el modo Dórico con la escala de
blues, son típicos de la “Costa Oeste” (George Lynch, Warren Di Martini.) Una escala de blues es una escala
menor pentatónica con una 5b añadida. Vease Heavy Metal Lead Guitar Vol. I. El Modo Dórico es como la
escala menor pero con una sexta mayor. (Véase Heavy Metal Lead Guitar Vol II, Sexta parte para una
explicación acerca de los Modos.)
Ejercicios de Estiramiento Para el guitarrista solista, los estiramientos (bendings) y el Vibrato son unas
de Cuerdas : de las mas importantes tecnicas a dominar. En los siguientes ejercicios, toca la
primera nota, luego estírala hasta el timbre mostrado. Una vez que hayas
logrado el timbre deseado, añadele un Vibrato. (El Vibrato es una serie de
estiramientos sobre un timbre en particular. Una vez que hayas estirado la
cuerda hasta el tono deseado, libera un poco de presión del bend y vuelve a
estirarla, una y otra vez. Para lograr un buen Vibrato, practicalo lentamente
primero, como en la grabación).
Para el Vibrato usa la posición con el pulgar por encima del diapasón.
"Deslizandonos" para A menudo, los riffs pueden contener notas ubicadas en el mismo traste, pero
cambiar de cuerdas: en cuerdas adyacentes. Para tocar esto, sin dejar que las notas suenen juntas
(corno acorde), debes deslizar tu dedo de una a la otra sin levantarlo del
diapasón. (Levantar el dedo puede causar una pequeña pausa entre las notas,
haciendo que dejen de sonar fluidas y conectadas.)
Toca la primera nota con la yema de tu dedo, luego sin quitar presión del
diapasón, pasa a la tercera cuerda. Tu primer dedo debera entonces estar
acallando la cuarta cuerda, presionando únicamente la tercera cuerda. Has lo
misrno con cualquier dedo.

Un asterisco nos indica el lugar donde usar la técnica antes mencionada

ejercicios de mano
derecha
Punteo en una sola Con la mano derecha, el primer paso es alternar en una sola cuerda. Toca los
cuerda: downbeats hacia abajo. Esto puede ser invertido, pero los punteos hacia abajo son
naturalmente mas fáciles de acentuar (debido a la gravedad), lo que le da a tu música
una mejor fluidez rítmica.

Una vez que hayas memorizado cada ejercicio, practícalo con un metrónomo:
* Empieza alrededor de 80 beats por minuto (BPM)
* Mueve el metrónomo dos unidades la vez hasta que sientas una
velocidad cómoda.
* Presiónate dos unidades mas arriba, luego baja una, una y otra vez.
* Cuando llegues a tu velocidad maxima, baja a 20 BPM y repite el
tercer paso.
(Si descubres que tienes problemas para tocar con el metrónomo, pero a la vez
puedes tocar mucho mas rápido sin el, has desarrollado la velocidad pero
careces de control rítmico. En ese caso lo mejor es practicar con el metrónomo
constantemente, hasta que puedas tocar a tu maxima velocidad con el beat).
Cuando tocas moderadamente rapido (semicorcheas a 80 o 120 BPM o algo así),
puedes salirte con la tuya desperdiciando movimiento. Cuando superas los 144 bpm,
sin embargo, no hay lugar para desperdiciar nada.

Debido a esto, cuando toques lentamente, concéntrate en hacer los movimientos mas
cortos que puedas, eliminando los movimientos innecesarios de la vitela. La vitela
debería moverse únicamente de arriba abajo, sin ningún movimiento que la aleje de
las cuerdas. Si tienes el mal habito de mover demasiado la vitela, puedes intentar
practicar a alrededor de 144 BPM. Esto te puede forzar a eliminar el movimiento
indeseado, obligandote a hacer movimientos mas pequeños. Luego baja la velocidad,
concentrandote en mantener el movimiento justo.

El ejercicio 25 usa cuerdas al aire (como en los riffs de Iron Maiden y Gary
Moore)
Concéntrate en :
* Hacer únicamente movimientos pequeños de arriba abajo con la vitela.
* Seguir las instrucciones antes dadas para usar el metrónomo.

Repite en las cuerdas 2, 3, 4, 5, y 6

El ejercicio 26 usa una secuencia cromática. (“Cromatico” significa que usa todos los semitonos en lugar de usar una
escala diatónica [de siete tonos])

Repite en las cuerdas 2 3 4 5 y 6

El ejercicio 27 usa tres notas por beat (tresillos de corchea). Éste es similar al lick de la versión en
Vivo del solo de “Suicide Solution” de Randy Rhoads (justo antes de la parte del tapping a dos manos).

Repite en las cuerdas 2 3 4 5 y 6

El ejercicio 28 es similar al 25, pero usa seis notas por beat (seisillos). Puedes pensar en los seisillos
corno tresillos de sernicorchea, un grupo en el downbeat y otro en el upbeat. Baja el ternpo del
metrónorno según sea necesario.

Repite en las cuerdas 2 3 4 5 y 6

 Los ejercicios 29 y 30 se mueven arriba y abajo por escalas menores en una cuerda, similar a los
licks característicos de Yngwie Malmsteem

Los ejercicios 31 y 32 usan diferentes secuencias para recorrer la escala.

El ejercicio 33 involucra una progresión de acordes que nos da ese clásico sonido “Malmsteem”

Antes de pasar a la siguiente página, deberías estar seguro de poder tocar el ejercicio 25 por lo menos a 132 beats por
minuto. La idea es ser lograr un bien controlado movimiento de punteo cuando aun es facil, una cuerda a la vez.
Luego, en las siguientes páginas, trabajaras en la aplicación de estas tecnicas de punteo a los cambios de cuerdas.
Iniciando con un punteo Aquí, cambiaras de cuerdas: Primero, dirigiéndote hacia cada cuerda nueva
descendente : con un punteo descendente, en grupos de cuatro. La idea es aplicar el mismo
movimiento corto de punteo que has desarrollado, para cambiar de cuerdas.
Mira tu mano de punteo en un espejo mientras practicas para asegurarte que la
Vitela nos e aleje demasiado cuando cambies de cuerda. Usa el metrónomo
como antes.
El ejercicio 34 usa una secuencia en la escala cromática (usando cada semitono
con un patrón de cuatro notas por cuerda). El ejercicio 35 simplemente sigue el
patrón de cuatro notas por cuerda que usaste en el ejercicio l.
Tocar dos notas por cuerda es aun el mismo tipo de movimiento que el usado para cuatro notas por
cuerda. Siempre pasaras a la siguiente cuerda con un punteo descendente.

El ejercicio 37 usa el mismo punteo que el ejercicio 36, pero el uno se mueve mientras que el otro
se mantiene igual. Este es también un excelente ejercicio de estiramiento para la mano izquierda.

El siguiente ejemplo usa el mismo tipo de secuencia tocada por Randy Rhoads al final de su
versión en Vivo del solo de “Suicide Solution”. Nota cómo todo el patrón ha sido movido
cromáticamente, subiendo la nota de apertura un semitono, para luego tirar de las otras tres.
Cambiando con un
punteo descendente:
Todos los ejercicios previos han cambiado de cuerda empezando con un
punteo descendente. Sin embargo, cuando tocas patrones de tres notas por
cuerda, la Vitela cruza y empieza con un punteo ascendente. Mira tu mano de
punteo en un espejo mientras practicas para asegurarte que la Vitela no se aleje
demasiado de la cuerda,

Memoriza el patrón escalar de tres notas por cuerda en A menor en cada posición del diapasón. La
digitación y las secuencias son explicadas en la grabación.
 Los ejercicios a continuación usan los patrones uno y dos que aprendiste en la página anterior. Toca
las seis notas superiores del primer patrón, luego pasa al segundo para descender.

Ahora añade la tercera y cuarta cuerda.

Ahora la quinta y sexta

Ahora aplica la misma idea que usaste en los ejercicios anteriores al resto de los patrones escalares mostrados
en el ejercicio 42. Los detalles están en la grabación.
Los siguientes licks muestran varias ideas para runs que puedes utilizar. Aunque las notas cambian,
mecánicamente hablando, se mantiene el mismo movimiento (Grupos de seis). Esto hace que sean
relativamente fáciles para tocar rapido, ya que lo único que debes dominar es un movimiento basico. Los runs
orientados a escalas hacen parte importante de los estilos mas rápidos de hoy en día, y son generalmente
patrones de tres notas por cuerda.
Mecanica para el Hay basicamente dos maneras diferentes para cambiar de cuerda. Yo las llamo
cambio de cuerdas: “punteo interior” y “punteo exterior”. Toca el siguiente ejemplo y nota la diferencia
entre el primer grupo de notas y el segundo.

En el primer set de notas, tu vitela parece estar vacilando entre las cuerdas, huyendo
del centro para tocar las cuerdas. Éste tipo de movimiento, de entre las cuerdas
(desde el interior, es el punteo “interior”. En el segundo set de notas, la vitela se
acerca a las cuerdas “por fuera” (la parte externa de ambas cuerdas).
Ya que cada cambio de cuerdas debe corresponder a uno de estos movimientos uno
podría pensar “Si solo practico éstos dos movimientos, no tendre problemas”
¿Verdad? Desafortunadamente no es tan simple.
Sí, ayudaran, pero cambiar de cuerda con punteo interior se siente diferente si la
mayoría de notas tocadas en una cuerda más aguda que cuando se tocan
principalmente en una cuerda más grave. Debido a esto, he aislado cinco
movimientos de punteo que creo cubren todas las diferentes posibilidades. (Hay mas
si de verdad te quieres poner técnico, pero las demas pueden en realidad deducirse
con éstas cinco.)
Primero, en cada ejercicio, se muestran los movimientos de punteo (las líneas
representan dos cuerdas cualquiera). Luego aplicamos el patrón a una
Usa un metrónomo, y descubre exactamente cuáles se te dificultan mas, y enfócate
en ellos. Mejoraras mas rápido si te concentras en tus puntos débiles. (Si tienes
problemas con un movimiento en particular, tendrás problemas cada vez que al tocar
un run este aparezca. Por supuesto puedes evitarlo, pero eso no te acerca a ser un
maestro de la guitarra y mucho menos a ser capaz de expresarte libremente.
Los siguientes ejercicios combinan los movimientos previos en varias secuencias. Nota cada vez si
el cambio de cuerdas sea “interior” o “exterior”. Además, trata de descubrir que tipo de movimiento
se usa en cada beat. (Cuando las notas no caen en grupos de cuatro, no encajaran exactamente en los
movimientos dados en la página anterior. Sin embargo, aun se parecerán a uno de los cinco, o en
algunos casos, serán la combinación de dos de ellos.
Añadiendo Hammers Cuando un lick usa hammers y pulls simplemente esquiva la cuerda con la Vitela,
y Pulls : pero no cambies el patrón general de punteo. Practica los siguientes ejercicios hasta
que te sientas cómodo con el punteo.

Los siguientes licks usan hammer-ons y pull-offs en conjunción con

un estricto punteo alternado. El ejercicio 65 es similar a la línea
tocada por Randy Rhoads en “Over The Mountain”
Punteo para figuras Cuando el ritmo no es parejo, la secuencia de arriba/abajo también cambiara.
rítmicas: Escucha cada ritmo y practica con la grabación. Asegúrate de usar el punteo
adecuado.

Nota que la primera y tercera semicorchea siempre se tocan hacia abajo, mientras que la segunda y
cuarta se tocan hacia arriba. Cuanto toques los siguientes licks, debes estar conciente que cuando
tocas dos notas pickup, el punteo inicia con un punteo descendente, pero cuando se usa una o tres, el
punteo inicia hacia abajo.

Toca los siguientes licks hasta que el punteo se sienta natural. Esto te ayudara a establecer un fuerte
fundamento rítmico. Recuerda que el punteo alterno se mantiene consistente únicamente cuando las
notas son tocadas en un tiempo regular. Cuando usamos hammers pulls o se introducen ritmos
cortados, el punteo alternado se interrumpirá.
el arte de practicar
acerca de los ejercicios...

En la última sección aprendiste y practicaste una serie de ejercicios para ayudarte a desarrollar el mejor
fundamento para tu tecnica guitarrística. Ese es el primer paso. Entiendes las destrezas que deberías alcanzar, y
cómo alcanzarlas. Sin embargo, en cierto punto necesitaras dejar estos ejercicios atras.

No hay dos personas iguales. Cada uno tiene sus propias fortalezas y debilidades. Ademas, tenemos nuestros
propios gustos musicales. Por lo tanto aprenderemos diferentes frases, y cuando creemos nuestra música cada
uno tocara de manera diferente. Debería ser obvio que si cada uno toca cosas diferentes, cada uno necesitará su
propio set de ejercicios. Aprender a hallar tus puntos débiles, analizarlos, y luego diseñar ejercicios para
mejorar es una de las cosas mas importantes a aprender. Entonces, en cierto modo nos convertiremos en
nuestros propios maestros.

Cómo practicar es una de las cosas mas importantes que debes aprender. Éste sistema de técnicas de practica te
enseña justamente eso. Úsalo cada vez que quieras tocar algo mas rapido o mejor. Aprenderas a crear tus
propios ejercicios para vencer las dificultades que se presenten entre ti y la música que te inspira. No habra dos
guitarristas que acaben este libro y practiquen exactamente los mismos ejercicios. Convierte en tu objetivo el
descubrir lo que necesitas ser capaz o que debes mejorar, y diseña tu propio sistema de ejercicios para llegar a
ese objetivo.
En esta sesión aprenderás un sistema completo para lograr una practica efectiva incluyendo el cómo analizar la
música para hallar tus puntos de'biles y cómo crear variaciones y ejercicios para superarlos. Entonces dejaras de
cometer los mismos errores una y otra vez y progresaras de verdad.

técnicas de práctica
Las siguientes técnicas crean un sistema completo de practica. Cada una logra un diferente objetivo, dándote
todo un arsenal de “armas” para dar batalla aun en las partes mas difíciles. Funcionan bien si se usan en ese
orden. Sin embargo, cuando las hayas dominado, puedes usarlas de manera separada cuando sientas que
necesitas poner mas énfasis en un aspecto de la música.

* Aislar la dificultad
* Crear Variaciones
* Tiempo de Transición
* Dinamica
* Practica en Bursts (Estallidos)

Para mostrarte cómo es que éstas técnicas funcionan, cada una de ellas sera aplicada al tema del
“Vuelo del Moscardón” mostrado a continuación (la pieza completa se halla después de ésta
sección). Primero tómate unos minutos para saber a dónde deben ir tus dedos.
 Aislar la dificultad no solo significa descubrir que parte de la música o el lick es mas difícil, sino
también descubrir por qué es difícil. Ve al punto que necesitas mejorar y “separa las manos”. Tanto
la mano izquierda como la derecha deben ser capaces de hacer su parte sin la ayuda de la otra. (Una
mano puede “tirar” de la otra a través de una parte difícil).

Empieza con las notas “ofensivas” y practica solo la parte de la mano izquierda únicamente con hammers
y pull offs. (En este ejemplo, asumamos que la parte que se muestra a continuación es la mas difícil).
Luego añade notas en ambas direcciones.

Después pon atención al punteo en la mano derecha. Primero, tienes que asegurarte que estas haciendo los
movimientos correctos de manera consistente. Ubica algunas notas y determina si se tocaran hacia arriba o
abajo. Cuando toques lentamente, pon particular atención en esas notas para asegurarte que tu punteo es el
correcto. (Ademas, puede ayudarte el exagerar el movimiento en estas notas para que este’s seguro que
llevas un punteo alternado consistente).

Nota que tipo de punteo estas usando. ¿Te estas moviendo a una nueva cuerda con un punteo
ascendente o descendente? ¿Es un punteo interior o exterior? Si algún movimiento de entre cuerdas
en particular te está causando problemas, analiza cual es y practícalo.

Ahora, ponlo todo junto empezando en el punto que te causó problemas y muévete en ambas direcciones.
Crear En la pagina anterior, analizaste cuales eran los movimientos difíciles para la mano izquierda y
Variaciones : derecha. Ahora, pon en práctica ese conocimiento y crea variaciones que compartan o exageren
esa dificultad. Crea tus propios ejercicios para tratar tus problemas específicos. Luego podrás
practicar la misma tecnica repetidamente, pero estaras tocando diferentes pasajes musicales. Con
algo de creatividad puedes practicar una tecnica por horas, hasta en verdad dominarla.
Por ejemplo, los problemas para la mano izquierda que vimos anteriormente eran causados por la
falta de independencia entre el tercer y cuarto dedo: específicamente, levantar el cuarto dedo
hacia una nueva cuerda luego de que el tercero ha tocado una nota. Crea ejercicios que te hagan
hacer eso, o que te obliguen a tocar una versión aun más difícil. (Pon una cuerda extra entre esas
dos notas difíciles, o repítelo dos veces antes de pasar a las siguientes notas). Luego, busca un
metrónomo, y ¡a trabajar!
Algunos ejercicios específicos para tratar ese problema en particular podrían incluir:

El problema de la mano derecha era el cruce entre cuerdas para pasar de cuerda con ataques
ascendentes. Analiza los movimientos del punteo y crea ejercicios que compartan los mismos
movimientos de punteo, pero usa diferentes patrones de notas en la mano izquierda. A
continuación, la dificultad de punteo ha sido aislada, seguida por variaciones que la incorporan.

El último beat del segmento del “Vuelo” usa un punteo descendente para pasar a una cuerda más
alta. Si te es difícil, aquí tenemos algunos ejercicios para ayudarte.

Mira que cosas se te ocurren, trata de ser lo más creativo musicalmente mientras mantienes la
esencia del ejercicio. Se te pueden ocurrir cosas muy interesantes para usarlas como licks propios.
Tiempo de El “tiempo de transición entre las notas” se refiere a la sincronización de tus dos manos, eso es,
Transicion: cómo trabajan juntas. Mientras mejor sea tu sincronización, podras tocar de manera más
articulada.
Si te tomases una fotografía de alta velocidad mientras tocas algo rapido y la vieras lentamente,
descubrirías que para cada nota, tu Vitela golpeó primero seguida de cerca por tu dedo o
viceversa. El siguiente diagrama representa cuatro notas siendo tocadas. El área blanca representa
la duración de la nota, mientras que la parte negra representa el tiempo de transición entre las
notas (es decir, cualquier “ruido”, o falta de claridad de la nota).

Cuando tocas mas rapido las notas son más cortas, pero la transición permanece casi
igual. El Resultado es un sonido entrecortado.

Para tocar rapido de manera correcta, necesitarás también reducir el tiempo de

transición, no solo las notas.

Toca las notas lentamente, pero mientras tocas cada nota, el cambio debe ser rapido.
Eso es, deja que las notas suenen, pero cuando sea tiempo de toca la siguiente nota,
hazlo tan rápido como puedas. No toques demasiado rápido. Mientras más rápido
toques, mas debes preocuparte en hacia donde se dirigen tus dedos, en lugar de tocar las
notas correctamente y callar el ruido indeseado. Piensa en calidad no en cantidad. Tus
notas sonaran mas inteligibles y articuladas. Tendras mejor sincronización, lo que a su
vez te permitira tocar mas rapido!
Haz un habito el practicar así cada vez que repases algo lentamente.
Dinámica: Aprender a controlar tu dinámica, desde tocar muy suavemente, hasta golpear las cuerdas
con todas tus fuerzas, te dará un dominio mucho mayor sobre la guitarra.
La dinamica de volumen se indica de la siguiente
manera: pp — Muy suave (pianissimo)
p — Suave (piano)
Mp — Moderadamente suave(Mezzo piano)
mf — Moderadamente fuerte (Mezzo forte)
f — Fuerte (Forte)
ff — Muy Fuerte (Fortissimo)
Sfp — Muy fuerte, seguido por suave (sforzando piano)
Tambien deberas aprender estos importantes símbolos dinámicos:

Crescendo — Subiendo el volumen gradualmente

Diminuendo — Bajando el volumen gradualmente

Acento — Toca esta nota más fuerte que las que

le rodean.
Pon tu amplificador en modo limpio para practicar los siguientes ejercicios.

Ahora, enciende la distorsión y toca los mismos ejercicios. Aunque la distorsión comprime el sonido y en general
elimina la dinamica de volumen, el volumen y tono cambiarán de todos modos dependiendo de que tan fuerte toques.
(Cuanto cambiaran dependerá de tu tono y de la cantidad de overdrive que estés usando). Cuando usas un sonido
distorsionado, puedes ayudar a la dinámica al mutear las cuerdas con la palma (en varios niveles). Ademas los acentos
se pueden lograr usando armónicos falsos (también llamados armónicos de pulgar) sobre la nota, ademas de tocando
mas fuerte. (Los armónicos falsos y el muteo de palma se explican en la grabación. Para mayor información véase
Heavy Metal Lead Guitar Vol. I, o Heavy Metal Guitar Tricks).

Toca los ejercicios 90, 91, 92 con distorsión

Practica en “Estallidos” He guardado lo mejor para el final. Ésta técnica es una de mis favoritas. El propósito
(Bursts) : principal de practicar en “estallidos” es lograr ser rapido, ¡en verdad rapido! Lo deje para
el final porque solo te servira si has pasado suficiente tiempo creando las bases al tocar
lenta y correctamente (lo que se logra con las técnicas anteriores).
El concepto aquí es practicar en “estallidos” cortos y repetitivos de notas. Con ésta tecnica,
en lugar de tocar una larga línea de notas a una velocidad confortable e incrementandola
gradualmente, empiezas con una secuencia muy corta, tocandola tan rapido como puedas,
y añadiendo una nota a la vez. Al darte un momento de respiro entre cada esfuerzo, tu
mente puede “reagruparse” y prepararse para el siguiente set de notas. Fuérzate para tocar
rápido, pero no tan rapido como para que cometas errores.
Primero, la tecnica es aplicada al tema del “Vuelo”. Así es como funciona:

Ahora, prueba con otros ejercicios de punteo y mira si puedes empujar tu velocidad.

Ahora estas armado con todo lo que necesitas para trabajar en cualquier línea que te puedas imaginar (e
incluso para las que ni te imaginas). En las siguientes paginas el desafío es tuyo. La pieza clasica “El
Vuelo del Moscardón” usa patrones muy difíciles para ambas manos. Usa todas las tecnicas aprendidas.
(Las necesitarás todas, ¡esta no es nada fácil!)
Aprende un a sección corta a la vez, memorízala, y tócala lentamente (de 70 a 90 bpm). Luego usa las
tecnicas de practica.
*Aísla la dificultad.- Separa las manos, luego muévete en ambas direcciones.
*Crea variaciones.- Y ejercicios que comparta o exageren la dificultad.
*Trabaja en la transición.- Toca lenta pero haciendo movimientos rápidos y precisos.
*Trabaja en tu dinamica- Improvisa con diferentes dinamicas así como en las que se indican.
*Practica en Bursts.- Expande cada compas hacia un ejercicio de velocidad-para tocar
una pieza rapido, tienes que ser capaz de tocar cada parte que la compone rapidamente.

Cuando hayas logrado cada parte a una velocidad razonable (por lo menos 132 bpm), intenta juntarlas.
Lo ideal sería a partir de los 160 bpm.
Construyendo Velocidad
Patrones Cíclicos
La velocidad añade intensidad, y esa es la razón por la que los guitarristas en el rock y el metal tocan rapidos solos.
Sin embargo, no debes olvidar que la velocidad está conformada por notas, y que jamas debes sacrificar esas notas por
un montón de ruido rápido. Cada nota forma parte de lo que estas construyendo y si pierdes los ladrillos terminas por
no construir nada.
Así que cuando estés practicando estos cortos patrones repetitivos escalares, recuerda que la velocidad es una rapida
sucesión de notas, y que las notas deben estar ahí en primer lugar. Usando el metrónomo, pon tu amplificador en el
canal limpio y aplica las técnicas de practica a cada uno de éstos patrones cíclicos.
Luego, enciende la distorsión, súbele la velocidad al metrónomo y mira que’ tan rápido puedes tocar!
En la grabación, cada ejercicio es tocado a tres velocidades diferentes:
Lenta (alrededor de 80 bpm), moderadamente rápida (alrededor de 120), y en verdad rápida, (más de 160).
Muchos de éstos runs escalares suenan parecidos a los estilos de los guitarristas más veloces de hoy en día,
incluyendo a Yngwie Malmsteern, Tony MaeApline, Paul Gilbert, Vine Moore, Chris Irnpellitteri, y otros.

Trata de crear tus propios patrones cíclicos.

Patrones Secuenciales
Una “secuencia” es una serie de ideas melódicas que se repiten de manera idéntica, con la diferencia de que pueden
empezar en timbres mas agudos y mas graves. El ejercicio 109 muestra una secuencia de cuatro notas ascendentes.
Nota que la primera nota de cada grupo se mueve a traves de la escala un paso a la vez. El ejercicio 110 muestra una
secuencia descendente que recorre la escala hacia abajo.

Los tonos de la escala están enumerados y son llamados grados. Si pensamos en los grados de una escala
como en los escalones de una escalera, puedes ver al ejercicio 109 como si se subiese 4 escalones,
regresara 3, sube 4, regresa 3, etc. etc.
Las notas de Am estan numeradas a continuación. Hay siete grados diferentes. Luego la escala se repite
en una octava mas alta, (8:1, 9:2, 10:3 etc., cuando es necesario distinguir entre diferentes octavas).

No confundas los grados de la escala con los tonos de la escala. Los tonos de una escala menor son
l,2,3b,4,5,6b,7b y reflejan las variaciones los tonos de la escala en relación a una escala mayor. (Véase
Heavy Metal Lead Guitar Vol. I, pag. 34).
Los grados simplemente se refieren a los pasos dentro de la escala—1er paso, 2do paso, 3er paso, etc....
Usando grados, cualquier secuencia puede ser escrita y aplicada a cualquier escala o arpegio. Por
ejemplo, el ejercicio 109 podría ser escrito como 1234, 2345, 3456, 4567 etc... El ejercicio ll0 sería 4765,
2654, 6543, 5432 etc.
 Un grupo ascendente de notas puede ser tocado a través de una escala descendente o viceversa. El ejercicio 111 usa el
grupo ascendente de cuatro notas para ascender por 1a escala de Arn para luego regresar, luego el grupo descendente
es usado para subir y para bajar por la escala.
Sube 1 2 3 4, 2 3 4 5, 3 4 5 6, etc.
Baja 8 9 10 11, 7 8 9 10, 6 7 8 9, etc.
Sube 4 3 2 1, 5 4 3 2, 6 5 4 3, etc.
Baja 11 10 9 8, 10 9 8 7, 9 8 7 6, 8 7 6 5, etc.

Am
Grupo Ascendente de 4 - Escala Descendente

Grupo ascendente de cuatro - Escala Descendente

Grupo descendente de cuatro - Escala Ascendente

Grupo descendente de cuatro - Escala descendente

Los siguientes tres ejercicios usan diferentes secuencias. La secuencia en términos de grados está escrita
sobre cada ejercicio.

Sube: 1 2 3 1, 2 3 4 2, 3 4 5 3, 4 5 6 4, etc.
Baja: 8 7 6 8, 7 6 5 7, 6 5 4 6, 5 4 3 5, etc.
 Sube 1 3, 2 4, 3 5, 4 6, 5 7, etc...
Baja 8 6, 7 5, 6 4, 5 3, 4 2, etc...

Baja 8 7 6 , 7 6 5 , 6 5 4 , 5 4 3, etc...
El ejercicio 115 usa una secuencia descendente en tresillos en la escala de blues en A. (La escala de blues
es una escala menor pentatónica con una 5b añadida, Véase heavy Metal Lead Guitar, Vol. I, Pag. 23)

El ejercicio 116 usa una secuencia de seis notas.

La secuencia para el 117 es:

Sube 1 2 3 4 5 4 3 2, 3 4 5 6 7 6 5 4, 5 6 7 8 9 8 7 6, etc...
Baja 8 9 10 11 10 9 8 7, 6 7 8 9 8 7 6 5, 4 5 6 7 6 5 4 3,etc...

El ejercicio 118 se mueve a través de un arpegio de 7ma disminuida en grupos descendentes de cuatro.

Practica estas secuencias usando escalas mayores, menores, pentatónicas, y arpegios.

otros ejercicios de velocidad
En el ejercicio 119, tocaras una escala mayor en cada posición a lo largo del diapasón.

Continúa a lo largo del diapasón hasta llegar a la posición XII

Luego regresa hasta la posición V

El ejercicio 120 aplica la misma idea a la escala menor armónica.

Continúa a lo largo del diapasón hasta llegar a la posición XII

Luego regresa hasta la posición V

Este último ejercicio es definitivamente uno de los mejores y merece mucha atención. Empieza
lentamente, e incrementa gradualmente tu velocidad a medida que añades una nota de la escala a la vez.
Esta es una excelente manera para practicar una nueva escala. Prueba con diferentes escalas.
sweep picking
arpegios "barridos"
El sweep picking es particularmente útil para los licks orientados hacia los arpegios donde muchas notas yacen en
cuerdas adyacentes, con una nota por cuerda. Cuando estas “barriendo” a través de las cuerdas, la vitela no debe
levantarse luego de cada cuerda, en su lugar, debe hacer un único movimiento, como un brochazo a traves de las
cuerdas. Levanta cada dedo en la mano izquierda lentamente a medida que las notas son tocadas, de manera que tu
mano ruede a lo largo del mástil. Además, mueve la punta de la vitela un poco hacia la dirección en la que estas
“barriendo”.
Primero, practica el sweep picking a través de tres cuerdas a la vez en los siguientes barridos a lo “Yngwie”. El
ejercicio 123 tiene un arpegio menor con un único movimiento descendente. El ejercicio 123 tiene un arpegio de 7ma
disminuida que utiliza un barrido descendente y ascendente

El siguiente ejercicio incorpora un patrón repetitivo de barrido en tres cuerdas. Concéntrate en hacer que las
notas de cada barrido suenen rítmicamente precisas.
Los ejercicio 126, 127 y 128 emplean la técnica de barrido para arpegios de dos octavas. Concéntrate en
hacer que las notas suenen rítrnicarnente bien ubicadas. Además fíjate que te rnano “ruede” correctamente
para evitar que las notas suenen juntas.

El ejercicio 129 es mas difícil debido a los hammers y pulls en el medio.

El ejercicio 130 es otro lick "a lo Yngwie" que implica cambios de posición
El ejercicio 131 se mueve a través de todos los acordes en la tonalidad de E mayor.

Aquí tenemos algunos barridos más avanzados que involucran cambios de posición.

Ahora, el “sweep” del ejercicio 133 es incorporado en un monstruo-barrido que se mueve a todo lo que da
la guitarra. (En caso de que no te hayas sentido desafiado por los sweeps, diviertete con éste - estoy seguro
que no me fallara)
 chueco

sweep picking en licks

Si un lick usa principalmente hammers y pull offs, tratar de mantener un estricto punteo alternado sería mas
un dolor de cabeza que una ayuda. Para éste tipo de licks el enfoque mas apropiado es el de “barrido”. A
continuación, los ejercicios primero te daran algunos útiles movimientos para sweeps/hammers. Luego,
serán incorporados en varios licks.
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Un fuerte y sólido sentido del ritmo es muy importante. Es el fundamento sobre el cual todas las demás
habilidades descansan, y sin un buen sentido del tiempo nada sonara muy bien. Desafortunadamente, para muchos
guitarristas solistas, esta es la habilidad menos practicada.

Un músico ordena sonidos en el tiempo. El ritmo, en su sentido mas general, se refiere a todo el aspecto temporal
de la música. En ocasiones se dice que algo es “rítmico” cuando su calidad de ritmo cautiva o es repetitiva, pero en
realidad toda la música tiene ritmo - todo tipo de música es creada con sonidos ordenados en el tiempo.
En un sentido mas específico, el “ritmo” se refiere a las relaciones particulares de tiempo usadas en cierta frase. En
este caso, un ritmo es una secuencia específica de notas cortas y largas.
Cuando escuchas un ritmo, sientes un pulso que parece “por debajo” del ritmo. Cada vez que golpeas el pie contra el
suelo (o quizas sea más adecuado decir, cada vez que sacudes la cabeza) al escuchar música, estás sintiendo ese
pulso. Tecnicamente, esto se conoce como métrica, más comúnmente llamado “beat”. A menudo, el ritmo
coincidira momentáneamente con el beat, para luego contradecirlo, y despues regresar al beat. Ésta interacción entre
el ritmo y el pulso subyacente es uno de los pilares de la música rock - se halla en cada canción.
Para tocar bien, (ya sea en la guitarra solista, o en llamada “guitarra rítmica”) necesitarás desarrollar la habilidad
de sentir el beat en todo momento. ¿Cómo podrías tocar un offbeat (una nota que cae entre los beats)
perfectamente ubicado, si no puedes sentir dónde está el beat? Mientras mejor mantengas el beat al tocar en
contradicción de este, mejores y mas precisos serán tus ritmos. Cuando todos los miembros de la banda lo pueden
sentir, la banda sera como una maquina bien aceitada.

Ya que la mayoría de la gente es más visual, y los patrones se ven, reciben la mayor parte de la atención. Pero el
ritmo merece tu tiempo también. Mientras mejor aprendas la notación rítmica, mejor serás para visualizar ritmos.
Entenderas la relación particular de cada nota con el beat, y te ayudara a tocar tus ritmos mejor, aprender nuevos
ritmos mas rapido, recordarlos mejor, y crear los propios mas rápido.

cómo practicar los ejercicios rítmicos

La mayoría de guitarristas puede llevar el beat en su mente mientras tocan, pero ese no es un método muy confiable
para mantener el tiempo. Como sabes, cuando haces algo que disfrutas el tiempo parece pasar más rápido que cuando
estas aburrido. Eso nos da una buena idea y nos recuerda que la mente no es confiable en cuanto al sentido exacto del
tiempo. Cuando tocas algo fácil, puede que seas capaz de llevar el beat en tu mente. Sin embargo, cuando la
música se dificulta, debes concentrarte más en lo que estas tocando y no tendrás la misma conciencia del ritmo.

Necesitaras ser capaz de sentir el groove en lugar de pensarlo. En los siguientes ejercicios, asegúrate que tu pie esté
golpeando el suelo a un ritmo constante mientras tocas. De hecho, el propósito principal de estos ejercicios es
hacer que seas capaz de sentir el beat (llevándolo con el pie) al mismo tiempo que tocas contradiciéndolo.
Estarás practicando el sentir dos cosas a la vez.

Los siguientes ejercicios usan notación rítmica con tablatura. Para una revisión de los símbolos rítmicos, regresa a
la pag. 5 en la sección de introducción.
variaciones de 12 compases
corcheas y upbeats
El ejercicio 140 es una clasica progresión de 12 compases. El objetivo es desarrollar la habilidad de sentir el beat, y al
mismo tiempo sentir un ritmo diferente. Es el sentido mas profundo del beat, que sale de ti, el que mueve el pie y la
mano. Trata de sentirlo con todo el cuerpo. Tu mano, tocando corcheas debera moverse al doble de velocidad que tu
pie, que estara golpeando en negras. Toca todo con ataques descendentes, y usa un muteo de palma (pero retíralo para
los acordes acentuados). Recuerda, si no golpeas el pie llevando el beat, no estás practicando este ejercicio.

En el ejercicio 141, lo acentos caen en el upbeat del beat cuatro (del compas anterior) y es ligado con el
downbeat del Uno. Esto se conoce como ritmo sincopado,. Escucha la grabación y nota la interacción entre
los downbeats y los acordes acentuados. Mantén el pie golpeando con el beat. Cuando tocas los acentos tu
pie deberá estar en el aire (para el upbeat). Practica con un metrónomo.

El ejercicio 142 usa varios upbeats dentro del compás. Repite un compas a la vez lentamente hasta que
puedas llevar el beat con el pie. Usa el metrónomo a varias velocidades en todos estos ejercicios.
El metrónomo es una buena herramienta para saber que tan estables son tus ritmos, el nunca miente.
tiempo recortado
El tiempo recortado significa que el valor temporal de cada nota es cortado a la mitad. Las negras se tocan en
corcheas, las corcheas como semicorcheas, etc.... Toca el ejercicio como lo hiciste en el 141, pero golpea tu pie
únicamente en los beats 1 y 3.

Por supuesto, esto podría ser escrito en un tiempo de 4/4 usando semicorcheas. A continuación, los
primeros dos compases estan escritos en tiempo recortado, y luego se escribe lo mismo en 4/4.

Lo mismo

Aquí hay otra variación de la progresión de 12 compases en tiempo recortado.

"offbeats"
"offbeats de semicorchea"
A medida que los ritmos se vuelven mas complejos, la clave para un bien tiempo reside en la habilidad de sentir
todas las subdivisiones del beat - incluso las que no estas tocando. A este punto, deberías ser muy hábil con las
subdivisiones de corchea (downbeats y upbeats). Cuando el beat es subdividido en cuatro partes (semicorcheas), el
downbeat cae en la primera semicorchea y el upbeat en la tercera.

Ahora, puedes trabajar en los mas complejos acentos de offbeats de semicorchea—la segunda y cuarta
semicorchea.
Los siguientes ejercicios te ayudaran a sentir estos “offbeats”. El ejercicio 145 acentúa la cuarta
semicorchea. El 146 añade el upbeat en el beat dos. Luego, el ejercicio 147 añade la segunda semicorchea
del beat tres y el down y upbeat del cuatro. Dejando de lado las notas sin acentuar, tenemos el ritmo
mostrado en el ejercicio 148.

El ritmo anterior es muy común. Escucha la guitarra rítmica despues del solo de “Stairway to Heaven” de
Led Zeppelin para un ejemplo clasico. Los ejercicio 149, 150 y 151 son similares a los ejercicios anteriores,
pero usan notas en una sola cuerda.
Aquí tenemos algunos riffs basados en este ritmo.

offbeats de tresillos
Toca primero el ejercicio 154 para que le agarres la maña al ritmo de tresillos.

El ejercicio 125 y 156 crean un ritmo de offbeats de tresillos. Luego el ejercicio 157 deja fuera las notas sin
acentuar.

Este ritmo tiene tres notas igualmente distribuidas en dos beats. Si dejamos que las notas suenen en lugar de
tocar con silencios, tenemos un tresillo de negras!
ejercicios de secuencias ritmicas
Otra técnica para ayudarte a sentir los diferentes offbeats es la de las “secuencias rítmicas”. Eso es, tocas una
secuencia, pero la tocas en un grupo rítrnico diferente al sugerido por el patrón de notas. Por ejemplo, el ejercicio 159
usa una secuencia en grupos de cuatro notas que son tocadas sobre un ritrno de tresillos. Escucha la grabación y
nota el feel rítrnico.

El ejercicio 160 usa una secuencia en grupos de seis, tocada sobre sernicorcheas.

En los siguientes ejercicios, prirnero toca las notas en sus grupos naturales, como antes. Luego intenta
tocarlas con el tiernpo escrito. Esta tecnica puede ser aplicada virtualmente a cualquier ejercicio para
hacerlo más interesante.
casos especiales
En el ejercicio 163, un tresillo es tocado en cada tresillo de negra, haciendo un total de nueve notas
distribuidas en 9:3 dos beats. Puede ser escrito así pero debes sentir el beat así:

El ejercicio 164 es un reto aún mayor. Primero, un ritmo similar al del 148 se muestra. En el segundo
compas del lick este ritmo es convertido, en cada espacio de tres semicorcheas ligadas hay cuatro notas! El
primer compas esta ahí únicamente para adentrarte en el feel de semicorchea de manera que recibas todo el
impacto del efecto de este nuevo ritmo. Parece como si todas las notas estuviesen simplemente embutidas
ahí, pero al mismo tiempo tienen algún sentido y terminan teniendo un tiempo perfecto!

El ejercicio 165 cambia entre tresillos y semicorcheas, asegúrate de usar un metrónomo para practicar ésta
técnica.
otros ritmos
ritmo de shuffle
Un ritmo de swing o shuffle es común al blues y al rock orientado al blues, pero no se limita únicamente a esos
estilos. Muchas canciones de Stevie Ray Vaughan usan el ritmo de shuffle, pero también “Satch Boogie” de
Joe Satriani, “I’m the One” y “Beautiful Girls” de Van Halen, y “Smoking” de Boston, solo para nombrar algunas.
En el ritmo de shuffle, el upbeat cae en la tercera nota del tresillo en lugar de en el centro exacto de los
downbeats (como en un ritmo de corcheas).

Lo mismo

El símbolo es usado al inicio de una canción para indicar el ritmo de shuffle. Por lo que
cada vez que veas esto en una canción , deberas tocarlo así:

Practica el ejercicio 166 para lograr entender el ritmo de shuffle. El ejercicio 167 usa e’ste ritmo en una
frase mas larga. Asegúrate de usar el punteo adecuado o será mas difícil de lograr.
tiempo de 6/8
El tiempo de 6/8 es en ocasiones usado en el heavy metal de influencia clasica. En este tipo de compás hay seis beats
y una corchea recibe un beat.

Aquí hay una melodía tocada en “versión recortada” de 6/8 con solo dos beats por compás.

Cuando tocamos semicorcheas en este tipo de compás hay seis por beat.

Escucha los siguientes ejemplos en la grabación y pon especial atención al punteo.

La sección de inicio del décimo Capricce de Niccolo Paganini (1782-1845) usa notas de gracia y trills en un
compas de 6/8, haciéndolo muy demandante rítmicamente hablando (así como mecánicamente!) Primero
repasa los ejercicios de preparación a continuación.
El ejercicio 170 introduce “notas de gracia”, que son notas cortas y rápidas, tocadas en el tiempo robado a
la nota anterior.

En el ejercicio 171 no hay mucho tiempo para “robar” de la nota anterior ya que es solo una semicorchea.
“Mete” las notas de gracia lo mejor que puedas. En el mejor de los casos, el beat debe apenas y vacilar, a lo
mucho, pero no sacrifiques articulación por velocidad.

El ejercicio 172 introduce un trill. Primero, el beat es tocado sin el trill. Acostúmbrate a este ritmo antes de
tratar de usar el trill. Nota que el trill usa hammers y pulls—por lo que tu punteo no debe cambiar cuando
añadas el trill. Concéntrate en mantener el punteo estable y te ayudara a llevar un mejor ritmo.
 !) )

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Los guitarristas primero aprenden escalas como patrones de puntos que deben ser memorizados. Pero cuando
las notas son vistas como un montón de puntos que se pueden ordenar en diferentes secuencias, ¿por que tocar una
nota en lugar de otra? ¿Por que’ mantener una nota en particular por mas tiempo que otra?
Es más, ¿para que tocar notas?
La respuesta es que las notas tienen un valor musical. Cuando se las ubica en un arreglo en particular, hacen una
afirmación o invocan cierto sentimiento. Tocar la guitarra no es solamente un logro físico como escribir en teclado o
trotar. También es un logro musical.
Los capítulos “Habilidad Mecanica” y “Habilidad Rítmica” trataron el Cómo tocar las notas - el logro físico de tocar.
Sin embargo, la cuestión mas importante de todas es Qué notas tocar. Después de todo, crear y tocar música (no
ejercicios) es la meta final. Puedes aprender a desarrollar tu propia creatividad, pero primero definamos lo que es
la creatividad para un guitarrista...
Creatividad es “la habilidad de traer algo a la existencia por medio de la destreza imaginativa”. Es la habilidad
de inventar algo nuevo. Lo creado o inventado, es música.

En el principio un guitarrista copia los licks y solos de otros guitarristas, luego empieza a “mezclar” éstos licks
creando los propios. Aunque requiere cierto grado de creatividad, simplemente reordenar los licks de los demás no
es un gran logro. Ninguna música nueva es creada.

En el mejor de los casos, y con algo de tiempo y practica el guitarrista empieza a crear música que suena cada vez
menos como la de los demás, y más única y con un caracter propio. Idealmente, se define un estilo - la nueva música
creada. La mayoría de guitarristas estarán de acuerdo en que desarrollar un estilo propio es el objetivo mas
importante.

estilo
Tener un estilo significa que hay algo que diferencia tu música de la de los demas.

Al principio los licks, escalas, frases y solos que aprendes y practicas forman tu “vocabulario” musical. Ya que
únicamente te puedes expresar dentro del “lenguaje” que has aprendido, tus licks muy probablemente seran muy
similares a los de aquellos a quienes has copiado. A medida que escuchas mas y más a tus propias ideas, empiezas a
dejar los otros licks atrás. Eventualmente, tu “vocabulario” sera completamente tuyo.

Ten en cuenta que la clave para definir tu “vocabulario” original (o estilo) es escuchar tus propias ideas -tocar lo
que escuchas en tu cabeza. Para hacer esto, debes desarrollar la habilidad de imaginar melodías y licks. La
imaginación canalizada en música se conoce como “oído interno”.

Para empezar con tu “oído interno”, debes ser sensible a los sentimientos asociados con los tonos y melodías.
Luego deberas canalizar esos sentimientos hacia ideas musicales, y hallarlas en la guitarra. Finalmente, por
supuesto, debes ser capaz de hacer los movimientos necesarios para tocar las notas.

Desarrollar tu propio estilo es una consecuencia del desarrollo de cada paso de e'ste proceso, de adentro a afuera. El
aspecto mas “externo” ya ha sido cubierto (los movimientos físicos para tocar las notas). La siguiente sección
“Valor Musica ,” se enfoca en desarrollar tu “oído interno” - tu imaginación musical. Luego en “Creando la
Conexión” se te presentan ejercicios que te ayudarán a traducir esas ideas en la guitarra más fácilmente.
valor musical
El “valor musical” es el “feeling” que crea cada nota y frase. Como músico deberás ser capaz de desarrollar una
sensibilidad para ello. Debes ser más conciente de los estados de animo y sentimientos que la música tiene para
ofrecer. En “Ambiente, Tema e Historia”, verás ejemplos mas específicos de lo que me refiero. Además, las
siguientes secciones te ayudarán a escuchar los diferentes “sabores” de los intervalos y las sutiles variaciones de las
notas melódicas.

tema, ambiente, e historia

En una novela el “ambiente” se refiere al tiempo, lugar, animo y atmósfera en los que la historia toma lugar.
El “tema” se refiere al asunto principal o tópico más importante. La música tiene también un ambiente y un
tema. El sonido de los instrumentos usados y lo que tocan establecen, una clase de ambiente, o sentimiento
de un estilo en particular. El tema seran las ideas musicales específicas que aparecen dentro del ambiente, y
lo definen hacia un sentimiento mas específico.
Cuando escuches diferentes bandas, se conciente de sus diferentes feellngs. ¿Suena funky, mecanico, fuerte,
pesado, triunfante, gracioso, soñador, misterioso, místico?

Por ejemplo escucha “Dreams” de Van Halen. Los sentimientos que proyecta pueden incluir: fuerza,
confianza o exito, felicidad o animo (mayor). Ademas, la confianza que expresa parece hacer que uno
reflexione sobre cosas con una perspectiva mas profunda, casi filosófica. Y esto es reforzado por la letra de
la canción.
Ahora escucha “Jamie’s Crying,” también de Van Halen. Escucha la sarcastica imitación de un llanto
(“awww - no es terrible?!) En la guitarra solista y en los coros.
Escucha las simples y relajadas estrofas contrastando con los fuertes coros de “Walk This Way” de
Aerosmith. O que me dicen del ensueño de “Comfortably Numb” de Pink Floyd, o su perfecta
representación del sombrío ambiente a lo 1984 en “The Machine”.

Y ni hablar del brutal peso de “Master of Puppets” de Metallica - serio, sombrío e intenso. La envolvente y
potente guitarra y las voces desgarradas de seguro acabarían con cualquier pensamiento cuerdo. O los
sonidos macabros de “show de horror” de los otros speed metalers (AnthraX, Slayer, etc.).
Escucha los fuertes pero poperos sonidos de bandas como Def Leppard, Scorpians, Dokken, Cinderella,
Ratt, y White Lion, o el Heavy Metal mas directo de Judas Priest, Ozzy Osbourne, Dio, o Queensrynche.
En conjunción con el ambiente y el tema, una composición cuenta algún tipo de historia—-musical y
líricamente - y una buena historia nos debe llevar a algún lugar o sera aburrida. Lo mismo se aplica a los
solos. Un buen solo debe tener algo de acción y movimiento. No es estático. Una nota alta puede aparecer
sorpresivamente, luego la melodía se puede hundir, como para balancear o pedir disculpas. A medida que
las notas ascienden la melodía se vuelve mas aguda. Algunas notas graves pueden actuar como fondo. Un
pequeño burst de notas puede terminar con un signo de interrogación, seguido por una respuesta. Luego la
pregunta es replanteada y la respuesta es más enfática. La melodía puede llegar al clímax con una nota alta,
para luego descender por el mismo camino, como un pensamiento posterior, regresando al principio,
atándolo todo en un pequeño paquete.
Se conciente de esto cuando escuches un solo. Solo despues de poder escucharlo, puedes empezar a pensar
en términos de “historias” musicales propias.
Una conciencia de éstas cosas te ayudará a desarrollar tu oído interno, de manera que te permita hacer que tu
música vaya a cualquier lugar. Tendrás una perspectiva mayor para trabajar. Te ayudará a elegir las mejores
ideas cuando escuches música. Si las notas suenan bien, hay alguna razón, pero podría no ser tan obvia
como simplemente mirar las notas. A veces, debes retroceder para tener una perspectiva mas amplia - ¿Qué
esta sucediendo en ese punto de la música?
intervalos
Un intervalo es la distancia entre dos notas. Cuando tocamos notas juntas se conoce como un “intervalo
armónico”, cuando se tocan en sucesión se conoce como “intervalo melódico”. Aquí, nos enfocaremos en los
intervalos armónicos.
Cuando dos notas se tocan juntas, escuchamos tres cosas: dos notas más un tercer componente—la manera en que se
relacionan. Cada intervalo tiene sus propias cualidades.
Los intervalos se enumeran con las notas de la escala mayor. Estan divididos en dos categorías: perfectos e
imperfectos. Los intervalos imperfectos tienes versiones mayores y menores. Los mayores se hallan en las notas de la
escala mayor, las menores se hallan bajándolas un semitono (un traste). Los intervalos perfectos no tienen versiones
mayores/menores.

La distinción mas obvia entre los intervalos es su grado de consonancia o disonancia - eso es, si las notas se
funden o no. El siguiente grafico muestra los intervalos con sus niveles relativos de consonancia o
disonancia.

Mas alla de esto, cada intervalo tiene su “sabor” particular. Tócalos y escucha cada intervalo anterior, y mira
si puedes identificarlo con alguna de las descripciones que se dan a continuación.

Unísono y octava: La misma nota, se funden perfectamente sin interacción, suena delgado.
Quinta perfecta: Fuerte, hueca, vacía, desolada
Cuarta Perfecta: Menos consonante que la quinta, quiere caer hacia la tercera.
Tercera Mayor: Colorida, feliz, satisfecha, no quiere moverse.
Tercera Menor: Delicada, triste, sombría, melancólica
Sexta Mayor: Colorida y feliz como al tercera, pero no tan tranquila, quiere caer sobre la quinta.
Sexta Menor: Triste como la tercer menor, pero tira fuertemente (quiere caer) hacia la quinta.
Segunda Mayor: Turbia, disonante, suspendida.
Segunda Menor: Muy turbia, dramática, tira fuertemente hacia la tónica.
Séptima Mayor: Disonante, tira fuertemente hacia la octava, también delicada y jazzera
Séptima Menor: Suspendida, quiere caer hacia un acorde mayor con la tónica en la cuarta.
Quinta Disminuida: Muy inestable, exige resolución como intervalo armónico, suena extraña como un
intervalo melódico.

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tendencia melódica
Algunos de los intervalos se hallan cómodos mientras que otros se quieren mover. Esto se conoce como tendencia
melódica. En general, los intervalos más disonantes quieren moverse hacia los intervalos más estables, como si
hubiese una dificultad o tensión que exigiera ser resuelta. Moverse de un estado de disonancia a uno de
consonancia se conoce como resolución. Esto es causado por la tendencia melódica.
Los tonos de acorde (1era, 3era y 5ta) son los más estables. Escucha y toca los siguientes ejercicios y nota las
tendencias melódicas de los varios tonos.

Los semitonos tiran mas fuertemente:

*Séptima mayor, hacia la octava
*Sexta menor, hacia la quinta.
*Cuarta perfecta, hacia la 3era mayor.
*Segunda menor, hacia la tónica.

Los tonos enteros también tiran, pero no

tan fuertemente:
*Séptima menor, hacia la octava.
*Segunda mayor, hacia la tónica o hacia la tercera mayor.
*Sexta mayor hacia la quinta.
*Cuarta perfecta hacia la tercera menor (en una tonalidad menor)

Mantenerse sobre una nota que se quiere mover, y resistiendo la resolución crea una suspensión.

177 Las suspensiones más comunes usan la

cuarta y la segunda
*La cuarta quiere caer hacia la tercera mayor.
*La segunda quiere subir a la tercera menor.

Todos los ejercicios anteriores reflejan tendencias melódicas solo sobre la tónica. Por supuesto, la tendencia
de hacia donde quiere moverse una nota en particular cambiara a medida que los acordes cambian. Pero una
vez que puedes escuchar las sutiles inclinaciones de las notas, eres guiado por tu oído. Y escuchar es el
punto.
Escuchar música de los periodos barroco y clásico es muy bueno para desarrollar una mayor sensibilidad a
la tendencia melódica. La resolución se halla en las bases mismas del movimiento de esa música. El período
“barroco” corresponde mas a menos a los años 1600-1750 e incluye a compositores como Bach, Vivaldi y
Handel. El periodo clasico incluye compositores como Mozart, Haydn, y Beethoven, y data
aproximadamente de 1775-1825. (Una buena pieza para empezar es la Sonata No. 14 en C menor, también
conocida como “Sonata a la Luna”. Mientras escuches, trata de anticiparte a hacia a donde irá).
Sin embargo, tocar la música te ayudará más que simplemente escucharla. La siguiente pieza es parte de la
primera Sonata de J. S. Bach para cello, y es un clasico para el repertorio de la guitarra clásica. Encontrarás
la melodía en las voces mas agudas de los acordes arpegiados. Escúchala subir y bajar a medida que los
acordes se mueven y resuelven.

Aquí esta transcrita para guitarra con vitela. En los pocos lugares que halles dos notas que se deben tocar
juntas, toca la nota mas alta con el dedo medio y la más grave con la vitela. Una vez mas, el objetivo
principal con esta pieza es escuchar las sutiles inclinaciones de las notas.
creando la conexión
Si alguna tuviste una idea en la cabeza, pero no lograste sacarla bien, o, para cuando sacaste algunas de las notas
perdiste la esencia de la idea, el problema podría ser que tus ideas son demasiado vagas. No estás pensando en
terminos de notas con un timbre definido. Las ideas musicales deben ser mas concretas.
Tu voz esta muy integrada a tus pensamientos. Si puedes tararear un timbre, puedes estar muy seguro que tu mente
tiene una clara percepción de esa nota. Si, por el otro lado, no puedes tararear el timbre, es por que no lo tienes lo
suficientemente claro en tu mente como para ser capaz de expresarlo. En cierto modo, la voz es una mera extensión
del pensamiento. Si conoces el timbre claramente como para tararearlo, entonces lo conoces en verdad.

integración voz/escala
En los siguientes ejercicios, toca la nota mas grave y tararea o canta su timbre. Continúa con cada nota de la escala y
regresa. Los tonos de la escala son mostrados en relación con la tónica bajo cada nota.

Empezando como antes, toma las mismas escalas e intenta tararear cada nota de la escala antes de
tocarla. Luego tócala para comprobar si la cantaste bien. La siguiente vez, usaremos la tonalidad de G.
reconocimiento de intervalos
Cuando se te da cierto sonido de una nota, la habilidad de saber el sonido de cualquier otra nota se conoce como tener
“timbre relativo”. Desarrollar el timbre relativo te ayudara a aprender música mas rapido y facil de oído. (De hecho,
eventualmente podrás a render una canción simplemente escuchandola y sabrás como tocarla aun antes de poner un
dedo sobre la guitarra!) También te ayudara a sacar la música de tu cabeza de manera mas clara.
Para logra esto debes saber dos cosas - cómo se ve un intervalo en la guitarra y cómo suena. Primero memoriza los
patrones de intervalos en la guitarra:

Los patrones se mantienen iguales en cualquier cuerda, a excepción de aquellos intervalos que cruzan entre
la segunda y tercera cuerda. En ese caso, la nota mas alta debera ser aumentada un traste para mantener el
mismo intervalo. (Esto se debe a que las cuerdas de la guitarra en afinación estandar se encuentran a una
cuarta perfecta de distancia [5 trastes] a excepción de la tercera y la segunda que se hallan a una tercera
mayor de distancia [4 trastes])

En los siguientes ejercicios de entrenamiento auditivo, primero se nombra el intervalo, luego se da la tónica.
Toca el intervalo correcto. Luego de unos segundos, se tocara el intervalo para que puedas saber si lo hiciste
bien.

Intervalos-Dado el nombre y la tónica, tocar la forma correcta en la guitarra.

En el siguiente ejercicio, primero se nombra el intervalo, luego se toca la
tónica. Tararea el tono correcto de la segunda nota. Luego de unos
segundos, la segunda nota del intervalo sera tocado para comparación.

Intervalos-Dado el nombre del intervalo y la tónica, ubicar (tararear) el segundo tono.

Aquí, las dos notas de un intervalo son tocadas. Intenta nombrar el
intervalo de oído. Si no lo reconoces, puedes cantar los tonos de la escala y
contarlos. Luego de cada ejercicio, el intervalo es nombrado para
comparación.
Intervalos-Dados los dos tonos, nombrar el intervalo.
integración diapasón/voz
Aquí tenemos algunas melodías que usan varias escalas. Toca/canta éstos ejercicios lentamente, luego trata de
improvisar algunos propios. Los ejercicios 194 y 195 usan notas de transición cromáticas (notas que no se hallan en la
tonalidad).

Para este momento, deberías tener una imagen bien clara del diapasón en tu mente; tararea una melodía, e
inmediatamente imagínate el traste que debes tocar para cada nota que estas cantando. Puedes practicar esto
cada vez que estes solo y sin tu guitarra en las manos. Puedes incluso practicar en silencio - creando
melodías y riffs en tu mente. Estarás construyendo un puente directamente entre tu imaginación y tu guitarra
- mientras pienses melodías, podras visualizar los patrones de notas.

A medida que desarrolles la habilidad de imaginar las notas mas claramente y sepas donde hallarlas en la
guitarra, la música que crees vendra mas de las melodías que escuchas en tu mente. Vendrá de tu
creatividad, y no de simplemente reordenar puntos en un patrón. Estarás en el camino correcto para
expresarte de verdad a traves de la guitarra, para así desarrollar tu estilo propio. Cada cosa que escuches
empezara a afectar tu música ya que afectará a tu imaginación—afectará el tipo de ideas musicales que se te
ocurren y a donde quiere tu oído que se muevan las notas.
solismo creativo
Una “Melodía” es la sucesión de sonidos. Algunas melodías son envolventes y más cantables que otras, y éstas son a
menudo llamadas “melódicas”- ya que una melodía cantable no puede ser demasiado rápida, generalmente “melódico”
significa lento para los guitarristas. Sin embargo, una melodía no tiene que ser lenta, y las mismas tendencias
melódicas que hacen que una línea lenta suene bien (melódica) harán que una línea rapida también suene bien. Para
aplicar las ideas de la tendencia melódica a los solos más rápidos, debes saber cómo hallar las notas más importantes.

como "delinear" un solo

No todas las notas son iguales. Algunas notas sobresalen, mientras que otras ofrecen una pequeña contribución para
crear un efecto general. Aquí están algunos de los principios que gobiernan las notas que sobresaldran más. Al
aplicarlos, eres capaz de hallar aquellas notas mas importantes para un solo mas rapido.
* Mientras mas rápido vayan las notas, menos valor tendran. Cuando las notas son rapidas, escuchas menos de cada
una y más del efecto general del grupo o run. Por ejemplo, si un run está en una escala menor pentatónica,
escucharás el “feel” de esa escala. O si el run se mueve por una escala mayor, recibiras el sonido alegre de esa
escala. Si se toca un arpegio rapidamente, escucharas la tonalidad del acorde.
* Dentro de un run, las notas que caigan en un downbeat seran enfatizadas naturalmente para el oído de la audiencia.
Ademas, generalmente la primera y última nota del run sobresalen más. Cuando un run o riff recurre a un tono
continuamente, ese tono sera acentuado.
* La nota mas aguda del run sobresaldra aun si no cae en un downbeat y, por supuesto, cualquier nota pausada
sobresaldrá para el odio del público.

“Delinea” tu solo al eliminar las notas menos esenciales. Ahora, las notas que quedan nos forman una clase
de “esqueleto” o marco general. Has que esas notas se muevan melódicamente y tus solos iran a algún lugar.

haciéndolo mover
Analiza tu “esqueleto” armónica y melódicamente. Armónicamente, mira cómo se relacionan las notas con
la tonalidad o el acorde de fondo. (La tonalidad se refiere a la clave en la que te encuentras. Por ejemplo, en
la tonalidad de A menor, la tonalidad subyacente es A). Como has aprendido, cada tono escalar
(l,2b,2,3b,3,4...etc.) tiene sus propias cualidades. Si tu marco general muestra que generalmente te
mantienes dentro de los mismos tonos escalares, tu solo probablemente sonará estancado. ¡Haz que se
mueva!
También puedes analizar esas notas importantes de manera melódica. Tu oído escucha los intervalos
melódicos en secuencia, así como sus cualidades armónicas. Por ejemplo, toca una sexta mayor seguida por
una tercera menor. Armónicamente, sabes los efectos que ofrece cada tono, pero cuando se tocan en
secuencia, tu oído escuchara el intervalo melódico de una quinta disminuida. Analiza también los espacios
entre tus saltos melódicos.
Un principio fundamental a tener en cuenta es la continuidad versus e] contraste. Las notas derivan sus
cualidades de el contexto musical que las rodea. Si un patrón es establecido las notas que rompan aquel
patrón recibirán mayor atención. Puedes lograr ese efecto al iniciar una secuencia en una escala para luego
romperla, quizas cambiando el tipo de secuencia, cambiando de escala, o simplemente parando en una nota.
Puedes establecer un motif rítmico (un ritmo corto recurrente), luego usar saltos melódicos (un movimiento
cortado). Al establecer una continuidad en primer lugar, y luego romperla, el contraste creara variedad y la
parte contrastante sobresaldrá.
Mientras escuches los siguientes solos, mira como se mueven. Todas las técnicas antes mencionadas, y más,
estan incorporadas en ellos. Cuando los escribí, sin embargo, no tenía ningún punto específico en mente:
simplemente escuché mi oído interior, y las ideas musicales se presentaron solas.
 a) Ejercicio auditivo—Solo de “The Fiend” ®1988 Troy Stetina

b) Ejercicio auditivo—Solo de “Olympus” ®1988 Troy Stetina

c) Ejercicio auditivo—Solo de “Better Days” ®1988 Troy Stetina

Analiza algunos solos de manera que puedas entender estos principios. Por supuesto, no tienes ninguna idea
teórica específica cuando estas componiendo o tocando, simplemente sigues tu imaginación. Pero de cierta
manera tocan tu creatividad. Si un solo suena interesante, es probable que contenga estos principios.
Espero hayas disfrutado éste libro. Si tienes algunas ideas o comentarios sobre el material presentado,
puedes escribirme ala dirección que se muestra a continuación. ¡Buena suerte!

Sinceramente,

Creditos:
Traducción : Christian Carvajal Christian_AcG@hotmail.com
Optimización :Angel Valda atoldvalda@gmail.com

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