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Pontificia Universidad Católica de Chile Instituto de Estética Curso: Fundamentos de la Estética Profesor: Drogett, Rosa

Pontificia Universidad Católica de Chile Instituto de Estética Curso: Fundamentos de la Estética Profesor: Drogett, Rosa

La Complejidad Como Suceso Estético

Aurelio Silva Sáez

  • 04 – Introducción

Indice

  • 10 – Ensayo 1: “La Complejidad de mi Viaje Diario”

  • 12 – Ensayo 2: “La Complejidad de un Ser Creador”

  • 16 – Conclusión

  • 17 – Bibliografía

  • 18 – Anexo 1: Texto “Signos II” de Aurelio Silva (mencionado en el dossier).

  • 19 – Anexo 2: Invitación a escuchar (CD anexo).

  • 22 – Anexo 3: Partitura de “Adagissimo” de Brian Ferneyhough (Se incluye también la Obra en el CD).

“He aquí, en estas páginas acerca del creacionismo, mi testamento poético. Lo lego a los poetas del mañana, a los que serán los primeros de esta nueva especie animal, el poeta, de esta nueva especie que habrá de nacer pronto, según creo. Hay signos en el cielo. Los casi-poetas de hoy son muy interesantes, pero su interés no me interesa. El viento vuelve mi flauta hacia el porvenir.”

Vicente Huidobro

La inevitable introducción ...

Resumen

Este dossier tiene como objetivo plantear una experiencia estética a través de la percepción de la complejidad. También busca explorar a través de un lenguaje ambiguo.

Abstract

This dossier pretends to propose an aesthetic experience through the perception of complexity. It also tries to explore through an ambigous language.

Debo comenzar confesando que no soy muy amigo de los ensayos académicos, y no es porque escriba “mal” o me de flojera. Es simplemente por que tengo la sensación de que en los textos académicos se nos presentan muchos “conceptos”. Cual es el problema; el problema es que si estamos tratando de generar una disciplina que nos “ayude a ser mas libres”, podemos terminar auto convenciéndonos de muchos “conceptos” e ideales que finalmente se dejan caer en la esterilidad cuando tenemos de donde agarrarnos. De todos modos, me encuentro cómodo escribiendo a modo de esteta, pero justamente me resulta paradójico que se escriban y se definan ciertas cosas cuando nuestra búsqueda apunta hacia el lado contrario. Por lo general, creo que es necesario dejar en claro que –no es que yo sea absolutamente contrario a este tipo de textos, de hecho, entiendo lo importante que es para nosotros poder abstraer, como rasgo fundamental del ser pensante, pero mi condición de artista me hace chocar mucho con lo conceptual, y de hecho a veces prefiero la metáfora, el silencio, o la música para contestar alguna pregunta importante – los ensayos académicos sirven, pero hasta cierto punto, porque en su lenguaje muchas veces los mismos autores caen en una complejidad conceptual y lingüística muchas veces innecesaria. Y es justamente en textos como el de Gerard Vilar que a veces me resulta paradójico encontrar tanto análisis con respecto Benjamin (sin desmerecer su análisis), perdiendo esa capacidad de captar estéticamente al lector, cuando justamente menciona que “Benjamin parte, pues, de una crítica de la teoría designativa del lenguaje y se inclina por una teoría expresivista o articulacionista del mismo, entendiéndolo fundamentalmente desde su función poética o estética, fundadora de sentido, constituidora del mundo, y llama a esta dimensión del lenguaje “mágica” o “mimética”, frente a la “semiótica” o meramente “comunicativa”.1 (Bozal, V. 1996: 160) De hecho, yo me estoy contradiciendo en este momento.

1 Artículo: Walter Benjamin: una Estética de la Redención – Gerard Vilar

“Sabemos que conquistar la verdad no es tarea fácil; es mas, a veces hay que pagar demasiado. Por eso hablar de las cosas manejando los conceptos por el lado de la pura nada es jugar con las palabras. Hay que vivirlos. Es la única manera de que dejen de ser abstractos y pierdan su singular contradicción. Por otra parte, sabemos que la contradicción es un invento de la lógica, y nosotros después de dos mil años de historia hemos aprendido que la vida nada tiene que ver con un silogismo”.(Kusch, R., 1999: 10) 2

Lo que estoy tratando de sacar a flote (pero de a poco) es que en mi condición de artista claramente tengo una tendencia a escribirlo todo poética, o metafóricamente, aunque no me considero malo para teorizar. En realidad no sería malo intentar escribir en un lenguaje intermedio, ya qué sería una lástima que por de pronto nuestro ensayo pierda sentido al solo ser un documento meramente teórico o absolutamente poético.

¿Sentido?¡Pero si mi ensayo es muy coherente!

Y de pronto pareciera inevitable una repentina transformación, una mutación, de un texto, en el que no queda claro si es un academicismo o una obra de arte, con la que vivo una experiencia estética, me toca, tiene sentido, trasciende. Y entramos en la ambigüedad. Aquel terreno tenebroso donde no nos gusta mucho pasar, porque nos da miedo. Y pareciera inevitable también que en un momento esta mezcla refleje al hombre que verdaderamente Es, y este ser humano trasracional que comenzamos a descubrir, en el que su mente pasa a ser un canal de lo que le dicta su corazón, pero no deja de especular, de abstraer, de conceptualizar. El hombre que entiende al hombre. ¡Espérame!

Pero no sólo el texto académico pierde su sentido si se mantiene tan experencialmente estéril. Cuantos textos, panfletos, programas de televisión,

religiones, que nos prometen la llegada de un mundo nuevo en el que el hombre se

conectará con el cosmos, y será la luz que bla bla bla

de pronto pareciera que nos

....... invade una serie de nuevos conceptos energéticos y luminosos que nadie entiende

2 Prólogo de Norberto Maicas

mucho. Y es que nuestro lenguaje, tan innecesariamente racional y clasificador esteriliza cualquier cosa que trate de explicar. Además, hace bastante tiempo que no ocupamos una lengua en el que la misma fonética de una palabra tiene directa relación simbólica con lo que representa. Ya no tenemos “el lenguaje originario, el lenguaje adámico ” ...

Para referirme a esto último quiero hacer una especie de paréntesis. Hace aproximadamente dos meses decidí comenzar a escribir un texto 3 , pequeño, que me serviría para vocalizarlo en una obra que estoy escribiendo para soprano, percusión y electrónica. Se lo mostré a algunas personas y a mi profesor de composición para que me ayudara un poco con su experiencia. A el le pareció bastante bueno mi texto, me comentó que debería analizar a Vicente Huidobro (de quién yo en ese entonces no había leído prácticamente nada) porque habían elementos muy parecidos en mi forma de escribir. [Hace mas o menos 5 meses, me encontraba viajando por México y sucedió que me tocaba tomar un bus, y yo para hacer algo gracioso le dije a la vendedora del boleto que mi nombre era Vicente Huidobro. El resultado fue un boleto

de bus con el nombre de “Vicente Huidobro”, que aún conservo.] Al día siguiente de conversar con mi profesor, me encontraba revisando unos libros usados cuando apareció una recopilación de textos de dicho poeta, por lo que decidí comprarla. Me llamó la atención en su manifiesto “El Creacionismo” (Huidobro, V., 1984: 103)lo siguiente:

“Es difícil y hasta imposible traducir una poesía en la que domina la importancia de otros elementos. No podéis traducir la música de las palabras, los ritmos de los versos que varían de una lengua a otra; pero cuando la importancia del poeta reside ante todo en el objeto creado, aquel no pierde en la traducción nada de su valor esencial. De este modo, si digo en francés:

La nuit vient des yeux d’autrui

o si digo en español:

La noche viene de los ojos ajenos

o en inglés:

Night comes from others’ eyes

el efecto es siempre el mismo y los detalles lingüísticos secundarios.”

3 Anexo 1, p. 18.

Ahora si, parece que vamos encontrando un terreno mas amable para nuestro salto hacia lo difuso, alguna pequeña luz se ha encendido, pero no sabemos muy bien donde, estamos, creo que es ahí, en la metáfora, en la creación de imágenes difusas, o en los juegos de palabras que permiten que una idea sea dos o mas posibilidades simultaneas, donde se encuentra el camino de eso que llamamos verdad, o quizás es libertad, o los dos, o estoy equivocado. Pero la invitación es esa, soltarse, soltar y

saltar ...

y ya no sabes que estoy escribiendo, intentas poner cercos pero se caen, ni

siquiera sabes como pienso, piensas, pensamos, te falta.

Todo esto lo he dicho sin tomar en cuenta que me dedico a la composición, y en realidad el lenguaje de la música me ha hecho ser bastante consciente de lo que significa ser y estar en el mundo (Ivelic, R.). La música es el lenguaje de lo ambiguo, pero al mismo tiempo las cosas son muy claras. No es de extrañarse de que en la mitología Hindú, el inicio del cosmos esté simbolizado en un acto por que no decirlo, musical, y que si intentamos hacer una especie de “definición” del cosmos entendido desde esta tradición, puede perfectamente calzar con una “definición” de música (tomando en cuenta lo ridículos que podemos llegar a ser tratando de definirla). En un texto de Claudia Lira puede leerse lo siguiente:

“El Hinduismo describe un universo dinámico, un universo articulado a partir de vibraciones que se expanden dando vida a todo cuanto existe. Es un mundo de frecuencias acústicas, de pulsaciones, de estados que aparecen para luego evaporarse, en un proceso que es dialéctico pero a la vez simbiótico.”(Lira, C., 2003: 2)

...

cuando

leí esto casi me dio un infarto

...

...

y

es el texto anteriormente citado sirve como puntapié inicial para el tema

central de este Dossier. Mi mayor motivación para hacerlo ha sido mi interés y mi acercamiento hacia la complejidad del entorno, con sus variadas formas, colores, sonidos, articulaciones, sensaciones y emociones. Y es así que tengo un particular deleite con el viaje que tengo en el día a día, especialmente en la micro y el metro, donde interaccionan una cantidad de factores perceptivos, simbólicos, y emotivos que son realmente dignos de vivenciar con una actitud estética. Sin duda que la cantidad

de detalles que tiene nuestro entorno se interrelacionan entre si, creando gestos y nuevas formas perfectamente articulados, contrapuntos y rizomas, y es a partir de esa observación y emoción frente a un universo dialéctico y simbiótico, que logro encontrarme con la música del compositor inglés Brian Ferneyhough, del cual hablaré mas adelante.

“Finalmente, podemos agregar que la creación por el sonido, no sólo plantea el carácter lúdico de la creación debido al juego de ocultarse y descubrirse de Brahma, sino que también, las vibraciones acústicas convierten la creación en un suceso estético, es decir, de percepción (de la belleza) de ritmos o armonías.”(Lira, C., 2003: 6)

Quizás de esta última cita podemos llegar a concluir un par de cosas; Se nos ha acostumbrado a ver la belleza como una forma, y justamente creo que viene al punto citar a Gaston Soublette en una entrevista cuando comenta que “la belleza está asociada al concepto de forma. Es decir, hay cosas bellas, hay seres bellos y palabras bellas que son formas. Pero también la belleza puede ser una sucesión de hechos

donde cada uno en sí no es bello, pero su sucesión sí” 4 (Soublette, G. 2007, Web). Puede llegar a ser muy inadecuado comenzar a establecer categorías de mejor o peor arte, aunque somos concientes de que hay obras y artistas que nos tocan en una dimensión mas universal, y que son aquellos quienes nos muestran los rumbos del arte y nuestra humanidad. Sabemos que el arte refleja a una persona, en un tiempo y un lugar, y por ende es muy válido el acto artístico de quien quiera que se llame artista. Lo que si podemos ver es que existen artistas que son mas auténticos, originales, pero no en

de detalles que tiene nuestro entorno se interrelacionan entre si, creando gestos y nuevas formas perfectamente

Dibujo de Marcelo Sepúlveda, estudiante de Pedagogía en Educación Artística, Universidad Católica Silva Henríquez, ingreso 2007.

4 Entrevista publicada el 15 de Febrero de 2007 por Julio Osses, a raíz del lanzamiento de su libro “La Poética del Acontecer”.

el sentido de lo novedoso, aunque lo “novedoso” venga en la mayoría de los casos unido a estos personajes como un rasgo de la dimensión ontogenética y sociogenética. (Droguett, R., 2008: 12) Y digo auténticos y originales porque son artistas que traspasan las dimensiones ontogenéticas y sociogenéticas, para acceder al mundo de las ideas universales, ¡dimensión filogenética!, es decir, se conectan con el sentido original, toca horizontalmente las tres dimensiones, en un camino de humildad y gratititud con la vida. Y es ahí cuando un compositor, el artista, nos hace llorar, cuando nos vemos, nos reconocemos en ello. Y es ahí cuando el ser humano es libre. El hombre, la mujer, artista, poeta, el arte de vivir que transforma, que sigue creando...

y

la obra que es autentica porque de ella saldrán muchas obras, críticas,

... porque se expande en todas las direcciones como si fuera un único ser que se ramifica, y la crítica del arte, que no puede entenderse si no es un arte en si misma.

LA COMPLEJIDAD DE MI VIAJE DIARIO

Resumen

En este ensayo se plantea la posibilidad de una experiencia estética en el viaje que se realiza a diario, en la ciudad, especificamente en un bus.

Abstract

This essay presents the possibility of an aesthetic experience on the daily trip that we made in the city, specifically in a bus.

Hoy en día, dadas las circunstancias sociales, económicas, paradigmáticas, tecnológicas, modernas, en fin, “aquellas”, cada día nos resulta una tortuosa tarea salir de nuestras camas, levantarnos, y es como si nuestra almohada nos tuviera tomados del pelo, y no pudiésemos levantar nuestra cabeza. Pareciera, o mejor dicho, podemos afirmar que muchos hoy en día viven para hacer cosas que no quieren hacer, se casan con alguien que no aman, trabajan donde no quieren, estudian algo que no va con ellos por el simple hecho de que “me va a servir para mas adelante”. La sociedad del ridículo parece tener mucha aceptación, o de otra manera, la ceguera es perfecta y no tiene distinción social. Se cierran nuestros sentidos, y nuestra azul verdad es que nos gusta vivir intensamente todo, aprehender todo, agotarlo todo. Y el ridículo puede ir en aumento; nos “encanta” vivir muy apretados, no podemos vivir sin Internet, estamos muy ocupados, nos fascina estudiar hasta muy tarde.

Sin embargo, en medio de nuestro mundo feliz, aún hay cosas que nos pueden hacer mantener un contacto con nuestra esencia original. Y para mi, el viaje del día a día, el traslado de un punto a otro tiene una gran cantidad de confluencias para provocarnos una experiencia estética, y sobre todo en la micro, donde las personas, las miradas, decisiones, direcciones, tensiones, un constante, objetos, personalidades, identidades, la mujer bonita, el cambio del entorno, del afuera, los colores, alguien tiene que hacer algo, pasamos por un túnel, aparente desconexión de los pasajeros, evitamos las miradas, pero nuestro oído está muy pendiente, los crujidos, sonidos de la micro, códigos, la diferencia entre el bus en movimiento y detenido, el personaje incómodo, la persona de al lado, me hago el dormido, ¿me siento o no?, la parada, el destino final o intermedio, las caras nuevas, alguien mueve la cabeza y se asoma- busca una asiento, una voz muy suave que intenta no incomodarnos “¿me da

permiso?

...

gracia.”

apenas modulando, quedamos pocos de los antiguos, tengo que

fijarme para no pasarme, me bajo a tomar la segunda micro

...

nuevo panorama, menos

amarillo, mas gris, se sube un gordo, seguimos detenidos, se sube una chica como de mi edad, nos reconocemos, en silencio, se sienta cerca mío, no al lado, como en diagonal al frente, nos acompañamos, en silencio, ¿y si pasara algo?, se cierra la puerta delantera, ¿será el amor de mi vida? – Me llaman por teléfono, pierdo un poco mi conexión, no me fijé que se subió una señora con un libro grande, y ella de blanco con pantalones color café, la chica se baja, este chofer es mas calmado que el otro, contrapunto entre el sonido de un envoltorio de dulce y el freno de la micro, protagónicos por un instante, y de fondo, un montón de vidrios y fierros tiritando, con un motor que se entona en diferentes registros y matices, ¡Piiip! alguien se quiere bajar, es insistente, parada, solo el motor y el afuera, cuando uno anda el motor se escucha mas desde adentro, pero en la detención, y si usted esta sentado en el asiento trasero, pegado a la ventana, se escucha desde afuera. Se sube alguien, de rojo, una mujer, parece que la conozco, pero no puedo distinguir muy bien aun, se acerca hacia el fondo, la figura de un señor distinguible me impide verla, muevo mi cabeza pero aparece por el otro lado del cuerpo del tipo, segundo de pausa, la eternidad de un instante de coordinaciones neuronales, sucesión de procesos como mirar-reconocer- procesar- y devolver una leve sonrisa acompañada de un ¡Hola!, y el viaje se detiene en si mismo, pasamos a la dimensión del diálogo hablado, me descentro del exterior, me concentro en mi amiga, aunque a medias, miro el infinito del carro, preguntas, ideas, comentarios respuestas, no la miro, escucho, y hablo, a veces la miro, para confirmar, asentir, y afuera un hombre ejecutivo, camisa blanca, mano derecha con celular, en la oreja, mano izquierda le rasca la cabeza y luego se guarda en el bolsillo del pantalón, asiente, ríe, al tipo que está frente a mi le cortaron mal el pelo, cambio de entonación del motor, se mueve la palanca y tiritamos un poco, cosquillas leves, colegialas intentando seducir, hablando fuerte, mirando de reojo, pelao en bici mira la hora, dos ejecutivos de sonrisa picaresca, camisas celestes, Coca-Cola Light en mano, uno con lentes de sol, barriga pronunciada pero simpática, observan, se ríen, observan mas abajo, soplido de metales, ¡Puertaa!, apoya su mano en el respaldo frente a mis ojos, la señora, se baja, bolsas titánicas, colegialas insistentes, yo y mi amiga no hablamos hace rato, muevo mi cabeza hacia la izquierda, hay un niño que me mira a los ojos.

LA COMPLEJIDAD DE UN SER CREADOR

Resumen

En este ensayo se expone acerca de la pieza “Adaggisimo” para cuarteto de cuerdas del compositor inglés Brian Ferneyhough.

Abstract

This essay sets out on the piece "Adaggisimo" for string quartet by the English composer Brian Ferneyhough.

Brian Ferneyhough es sin duda uno de los compositores mas controversiales del siglo XX. Compositor inglés, pionero en el movimiento de la “Nueva Complejidad”, creador de partituras imposibles de realizar en su totalidad, debido la gran cantidad de detalles que puede llegar a entregar con respecto a una sola nota, y a la gran cantidad de pulsos internos que inserta dentro del pulso general. Solo a modo introductorio, voy a presentar un fragmento muy corto de una partitura que corresponde a una pieza para flauta traversa sola. Cabe también mencionar que la gran mayoría de las partituras de Ferneyhough están hechas a mano, lo que las hace aun mas impactantes. Confluyen complejidad conceptual, gráfica, técnica y sonora.

LA COMPLEJIDAD DE UN SER CREADOR Resumen En este ensayo se expone acerca de la pieza

(Ferneyhough, B., 1975: 2)

Este fragmento correspondiente a la pieza “Unity Capsule” de 1976, en la que podemos apreciar un pentagrama donde se anotan las notas de la flauta, y otra por debajo donde se anotan sonidos que gesticula el flautista con la boca. En realidad podría escribir cinco páginas sobre la cantidad de detalles escritos que hay en este fragmento que dura tres segundos, pero no va al caso en este momento. Me gustaría

LA COMPLEJIDAD DE UN SER CREADOR Resumen En este ensayo se expone acerca de la pieza

(Berio, L., 1958, 2)

de todas formas compararlo con un fragmento de una partitura para flauta sola de Luciano Berio, quien fue otro compositor importante para el siglo XX. En este caso, y pese a ser una pieza bastante avanzada, podemos apreciar una notable diferencia en cuanto a información visual, y que claramente evidencia una diferencia entre una búsqueda mas “melódica” por parte de Berio, y una búsqueda en el detalle del sonido y del timbre por parte de Ferneyhough.

La pieza que escogí de Ferneyhough es un cuarteto de cuerdas titulado “Adagissimo”, compuesta en Noviembre de 1983, y estrenada en 1984 por el “Arditti String Quartet”. La duración de la pieza es de 1 minuto con 45 segundos.

Antes de continuar con la lectura, te invito a escuchar la pieza. Si quieres puedes mirar la partitura ubicada al final también.

En las notas de programa el compositor menciona los siguiente:

“Esta obra emplea técnicas prolacionales complejas en distintos niveles. Los estratos del proceso también se distinguen en el timbre y las texturas. El ensamble está claramente dividido en dos grupos, con dos violines tocando rápido, gestos floridos, y la viola y el cello tocando un material melódicamente mas lineal.”(Ferneyhough, B., 1985: 3)

En otras palabras, lo que Brian nos quiere decir es que ocupó algunas técnicas con operaciones matemáticas complejas para hacer tanto la estructura rítmica, como la conformación de timbres y texturas diversas en el conjunto instrumental. También nos comenta que su pieza está dividida en una especie de contrapunto en el cual los violines están haciendo figuras mas ágiles y floridas, en contraste con la viola y el cello, quienes van haciendo una suerte de melodías extendidas y lentas (Adagio se refiere a un tempo lento en italiano).

Escogí esta pieza por varios motivos; el gran impacto que me produjo cuando la escuché y cuando vi la partitura, la clara sensación de varios contrapuntos simultáneos tanto a nivel macro como micro (que finalmente se perciben como rizomas), que tiene una duración que permite un análisis bastante amable para la

gente que no está acostumbrada ni tiene idea de que esta música existe, y sobre todo lo tan maravillosamente compleja que no permite que podamos hacer “consiente” todo lo que ocurre en el transcurso del viaje. En “Adagissimo” “se descubre una propuesta de conocimiento multidimensional, que exige acoger simultaneidad de realidades que en su naturaleza contrapuesta, conviven en un mismo movimiento: de expansión o concentración (fuerza centrífuga o centrípeta).”(Droguett, R., 2008: 59)

Quizás en este momento valga la pena volver a mirar la pagina 5, donde cito a la profesora Claudia Lira en la definición del Cosmos por parte del Hinduismo.

No se si a ti, pero a mi a veces me da una risa nerviosa cuando veo que las cosas calzan, o al menos, que este cuarteto quede tan bien representado con una definición de cosmos 5 como aquella, y que de pronto este microcosmos sea tan inaprensible como el grande. A veces puedo llegar a insinuar cosas, y entro en un estado de confusión, pero de certezas al mismo tiempo, certezas que no son descriptibles, como si en esa coincidencia se nos revelara algo, algo que no se puede decir, que solo quién esté dispuesto a escuchar atentamente puede acceder a ese misterio, una sublimidad insinuada 6 y sumergida solamente por las barreras de la percepción.

Podrías escucharla otra vez ¿o no?

A Ferneyhough se lo ha criticado innumerables veces por ser extremadamente complejo a la hora de escribir, de hecho muchos interpretes simplemente lo consideran excluido de su repertorio. Y lo que pareciera ser la rigidez absoluta de una partitura tiene para el compositor otra connotación; lo que el pretende de sus obras es que el intérprete, al ver tanta información, tenga que decidir libremente en que va a poner su énfasis interpretativo, ya que claramente resulta imposible abarcar la totalidad de una pieza tan detallada. Y así resulta en nuestra vida cotidiana; tenemos tantos caminos para elegir, tantas veredas por las que pasar, tantas personas con las que compartir, y si, miramos a nuestro al rededor, la cantidad de posibilidades para expandir nuestra vida es infinita. Y nuestro entorno, nuestro planeta, incluso nuestra ciudad, nuestro viaje en micro, está tan llena de detalles que finalmente nuestra

  • 5 Conceptos de Cosmos en el libro de Droguett.
    6 Aquí hago también incapié en el concepto de Lo Sublime Crítico (Aumont, J., 2001: 168-172)

racionalidad no alcanza para cubrirlo todo, y simplemente confiamos en que todo está funcionando. Confiamos, pero a veces a ciegas, y es por eso que hay que darse el tiempo para la contemplación, observar el entorno, ver como se articula y nos incluye en su movimiento, sacarse los audífonos, escuchar esa masa de cosas que están ocurriendo, sonidos violeta-azulado, un gran ente vibrante, pero mas interesante, en otro lado, un poco mas arriba, en las montañas, y solo un instante, se percibe el silencio, la salida.

La esperada conclusión ...

Solo para redimirme un poco, dejo un poema de Huidobro. (Huidobro, V., 1984: 103)

SINO Y SIGNO

Has hablado bastante y no te gusta No te gusta mostrar tus víceras secretas. Y sin embargo vuelves a caer en ello Protestas y repites la causa que te irrita.

Hablas te exhibes te rompes la carne Y permites la entrada a los ojos intrusos. Quieres cortar las cuerdas que te unen a los otros Y vuelves a anudarlas Cojes el aire lo hace tuyo y lo regalas Conquistas horizontes y los repartes Haces luz en la sombra y la entregas Como un paquete de sorpresas arrepentidas de su propia fuerza. ¿Qué entierro es este en que te entierras En los pechos extraños? Te exaltas y te ablandas Te ablandas y te haces flecha de corazón Más ciego que cualquier huracán. Hablas y protestas Y vuelves a hablar y protestar. Te haces árbol y das tu dureza a los ríos Te haces mundo y te disuelves en el mundo. Oh voluntad contraria en todo instante Favor de tierra y grandes ríos y calores Todo grano ¡malhaya! lleva signos futuros Un destino de ola que debe hacer su ruido Y morir dulcemente

Has hablado bastante y estás triste Quieres un país de sueño Donde las lunas broten de la tierra Donde los árboles tengan luz propia Y te saluden de forma tan afectuosa que tu espalda tiemble Donde el agua te haga señas Y las montañas te llamen a grandes voces. Y luego quisieras confundirte en todo Y tenderte en un descanso de pájaros extáticos En un bello país de olvido Entre ramajes sin viento y sin memoria Olvidarte de todo y que todo te olvide.

Vicente Huidobro

Web:

Bibliografía

  • - Entrevista a Gastón Soublette http://osses.wordpress.com/2007/02/

Partituras:

  • - Ferneyhough, Brian: “Adagissimo”. Edition Peters, Londres, 1985.

  • - Ferneyhough, Brian: “Unity Capsule”. Edition Peters, Londres, 1975.

  • - Berio, Luciano: “Sequenza I”. Edizioni Suvini Zerboni, Milán, 1958.

Libros:

  • - Lira, Claudia: La Vía de los dioses. Filosofía y Literatura Oriental. 2003.

  • - Droguett, Rosa: Fundamentos Estéticos para la Educación Artística, Cómo y Para Qué aproximarse a una obra, ediciones UCSH, LOM, Santiago de Chile, 2009.

  • - Bozal, Valeriano: Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas, Visor, España, 1996.

  • - Kusch, Rodolfo: América Profunda – prólogo de Norberto Maicas, Editorial Biblios, Argentina, 1999.

  • - Aumont, Jacques: La Estética Hoy, Cátedra, Madrid, 2001.

  • - Hudobro, Vicente: Sus Mejores Poemas, Selección de José Manuel Zañartu, Zig-Zag, Santiago de Chile, 1984.

Apuntes:

  • - Ivelic, Radoslav: La Percepción Estética.

Anexo 1

Signos II

Anoche soñé que volaba junto a dos golondrinas, sobre una ciudad fantasma… … aun se podía percibir el perfume tóxico, ya menos, de las industrias, sustancias, solo que olían de otro color, como si en un arrebato pasional, aquella otra dimensión de la vida, desconocida, paciente, el otro lenguaje, la verde templanza, hubiese decidido fundir sus carnes y devorar a su paisaje antagónico. A veces la dialéctica puede sorprender, pero lo que importaba en ese momento era que yo fui, y soy en ese lugar, donde se acaba la trascendencia, junto a mis compañeras de viaje. Nos miramos, decidimos descender en algo que parecía ser una gran avenida. A un costado, el alto orgullo descansaba cubierto de flores. Ya estábamos completamente seguras de seguir en la búsqueda, aquello que nos faltaba para descifrar…

… y decidimos, y entramos, no nos mirábamos [Prohibido Hablar]. La oscuridad, el silencio, el velorio, la siesta fúnebre de los artefactos que habían dejado de respirar. No nos mirábamos. Nos detuvimos frente a una puerta, una de las golondrinas se posa sobre mi hombro izquierdo, la otra; suspendida, espera que yo abra la puerta, y entra, y canta, y entramos. No nos mirábamos pero ahí estaba, aun respiraba, una pequeña flor, todavía le quedaban dos luces encendidas, la hélice apenas giraba. No tenemos mucho tiempo (Todo fue muy rápido, una muerte sin dolor, sin esperanza y con… El sagrado manto no tiene compasión, se deja caer, lo cubre todo como quién descubre el tesoro de su propia selva.) para sacarla. En ese momento nos miramos, asentimos, fuimos cómplices, hermanas, salimos, el sonido el ruido era cada vez mas fuerte, mas cercano, venían para quedarse, y en ese mismo lugar, donde comienza la trascendencia, emprendimos el vuelo. Los otros deberían estar esperándonos, nos esperan, no muy lejos, bailando y cantando alrededor del fuego.

Aurelio Silva Sáez

Anexo 2

Solo quiero dejar en este anexo algunos ejemplos musicales que me quedaron dando vuelta a raíz de estos temas. No voy a profundizar mucho, solo dar algunas pinceladas para quizás lograr una mejor comprensión de lo anterior. Quiero recalcar que no se trata de un documento formal, simplemente intento acercar un poco a quien esté leyendo a los fenómenos musicales ligados a la tradición clásica en el siglo XX y dar algunas luces del siglo XXI. Demás está decir que sería un desperdicio escuchar estos ejemplos a un volumen moderado y con audífonos o parlantes de mala calidad.

En el pista 01 de el CD tenemos la pieza “Adagissimo” de Ferneyhough, pero ya la hemos explicado bastante. En la siguiente pista, puse el cuarto movimiento del “Segundo Cuarteto de Cuerdas en Fa sostenido menor con Soprano, Op.10” (1907/08) de Arnold Schönberg, mas que nada por la importancia simbólica de este. Sabemos que Schönberg fue musicalmente educado en la tradición de los románticos, y que el tuvo justamente la “misión” de comenzar a destruir ese lenguaje a través de la invención de su método dodecafónico. Comenzó a darse cuenta de que se había acabado el mundo de la tonalidad, lo que para el fue una constante lucha interna. De todos modos, hizo este cuarteto, donde en su último movimiento aparece una soprano cantando una frase que realmente nos remueve, un presagio del futuro, de los nueva música que estaba por aparecer: “Ich fühle luft von anderem planeten”(“Siento aire de otros planetas”).

A continuación, las próximas 5 pistas les presento las “5 Piezas para Orquesta, Op. 10” (1911–13) de Anton Webern, discípulo de Schönberg, y fue quizás este quién finalmente logra romper en su totalidad con el lenguaje romántico, haciendo una música mucho mas puntillista, o fragmentada, haciendo hincapié mas en el detalle de los sonidos que en un desarrollo melódico. Es interesante la idea de micropieza que genera Webern, y es justamente el IV movimiento de estas piezas fue la pieza mas corta creada hasta ese entonces, con una duración de sólo 19 segundos.

Paralelamente,

pero

en

Francia,

Claude

Debussy

y

Maurice

Ravel

revolucionaban con sus composiciones donde

el “color orquestal” tomaba una

grandísima importancia. Comienzan a mezclar los timbres de los instrumentos, a generar texturas. Los ejemplos que pongo acá corresponde al ballet compuesto por Ravel “Daphnis et Chloé” (1909–1912) En la pista 8, un fragmento de la Suite Nº 1 del Ballet. En la pista 9, un fragmento de la Suite Nº 2. Esta última es realmente un viaje a través del color orquestal, en una descripción que hace del amanecer, donde pululan muchos elementos pequeños, que se dirigen hacia un clímax realmente sublime.

33 años mas tarde, en la clase de Oliver Messiaen, uno de sus alumnos estrella, Pierre Boulez, con tan solo 21 años de edad, escribe las “12 Notaciones para Piano”, un conjunto de 12 pequeñas ideas musicales (Pista 10). Pero es 40 años mas tarde, un Boulez con mucha mas experiencia y madurez, que decide crear una version para orquesta de sus cuatro primeras notaciones. Es una ampliación que va en todas direcciones, con una orquesta gigantesca, en la que hay mas de cien solistas. Son muchísimos elementos pululando en una orquesta (lo que también se puede asociar con los conceptos de contrapunto y rizoma, o complejidad ¡todo!), y en realidad resulta imposible distinguir que está haciendo cada uno, es solo una gran masa de cosas ocurriendo, que van juntas hacia las direcciones que plantea la pieza original. Con “Notaciones para orquesta” (1985) Boulez ha tenido situaciones a veces incomodas en las orquestas. Un a vez un músico le preguntó :¿Para que escribe tantos solos, ensayamos horas de horas y ni siquiera nos oímos” a lo que Boulez respondió; “No se trata de eso. Cuando ves un árbol, no puedes ver cada hoja, pero si faltan lo notas. Yo necesito a todos los solistas, a todas las hojas” (Pista 11).

En 1948, Pierre Schaffer compone “Etude aux Chemins de Fer”, compuesta con sonidos pregrabados y manipulados a través de cortes y reensamblajes de cintas magnéticas con los sonidos pregrabados. Esta obra pertenece a una serie de composiciones que vendrían a dar forma a una muy novedosa filosófica/ estetica manera de componer que marcaría la vida de Schaffer y el mundo musical: la Música Concreta. En realidad se entiende mejor si se escucha (Pista 12).

Solo a modo de ejemplo, para ver hasta donde ha llegado lo anteriormente mencionado, y para ver como se desarrolla actualmente en Chile, la Música Acusmática (evolución de la Concreta), dejo la pieza “El espejo de Alicia” (2009) , de

Federico Schummacher. Tuve la oportunidad de escucharla en México, en un festival en la ciudad de Morelia, en Noviembre del año 2009. En esa ocasión, Federico “espacializó” en tiempo real su pieza a través de 8 parlantes que rodeaban al público. Realmente la pieza nos emocionó mucho a los que estábamos ahí presentes. (Pista 13) Cabe decir que esta también es una forma actual de asumir la complejidad en música.

El siguiente fragmento no se entiende sin el nacimiento de la Música Concreta, y es que el compositor que presento a continuación basó mucho su estética compositiva en la música concreta, pero en los instrumentos de la tradición clásica. Así fue creando toda una estética con los sonidos que generalmente no se le sacan a los instrumentos de la tradición clásica. Como ejemplo, quiero dejar los 7 primeros minutos de una obra titulada “Allegro Sostenuto”(1986-88), para clarinete, violoncello y piano (que en realidad dura 30 minutos). Para mi, Helmut Lachenmann es de los pocos que logran captar nuestra atención mediante el uso de recursos sonoros originales, y por lo menos a mi este compositor me ha dado tremendas emociones. La invitación es a cerrar los ojos y concentrarse en lo que está sucediendo. (Pista 14)

Para ir finalizando, primero dos pequeñas piezas para cuarteto de cuerdas de Brian Ferneyhough, de su época quizás mas espontánea. Las piezas corresponden a las 2 primeras de sus “Sonatas for String Quartet”(1967). (Pistas 15 y 16)

Por último, la ventana abierta al siglo XXI, un segmento de la Obra “En Echo”(1993) del compositor francés Philippe Manoury. El segmento es titulado “II - Un Jardin”. (Pista 17) Luego la obra “Green Yellow and Blue”(2002) del Compositor italiano Fausto Romitelli (1963-2004). De esté último vale la pena (realmente) investigar sus obras “Professor Bad Trip Lessons I, II and III” (2001) y su aclamada video ópera “An Index of Metals”(2004). (Pista 18) Ya para finalizar definitivamente, dejo mi pieza “Signos I”(2008) para flauta y electrónica, la primera del ciclo “Signos”, y mi punto de base para crear el texto que mencioné anteriormente. Versión en vivo, interpretada por Damián Barnett.(Pista 19)