LA PINTURA MODERNA

La pintura moderna nace en Paris de la Belle Epoque, el arte moderno

comprende una serie de movimientos artísticos, los cuales se desarrollaron
durante un periodo de 100 años, y cada uno de ellos poseen una estética
vanguardista , la cual sigue inspirando a los artista de hoy en día , no obstante,
el moderno es aquel se llevo a cabo a finales del siglo XlX y principios del siglo
xx después del rompimiento del arte clásico del Renacentismo. Una de las
características que mas identifica a sus autores es que estos buscaban re
imaginan y reinterpretar; rechazando así, las reglas estéticas de los estilos
anteriores. Desde el impresionismo ligero y aireado hasta el expresionismo
abstracto energético, el moderno se compone de varios movimiento d
importantes.

La pintura ha adoptado diferentes formas, según los distintos medios y técnicas

que la han guiado y se han convertido en propios de cada una de ellas. Hasta el
siglo XX, la pintura se apoya, en el arte del dibujo.

Utilizado con un criterio estético, se refiere a la pintura que rompe con los
convencionalismos estéticos del academicismo y desarrolla las nuevas
posibilidades expresivas que llegan a su punto culminante con las
denominadas vanguardias artísticas. De esta manera, su ubicación cronológica
sería el siglo XX; aunque también incluye las obras y autores del siglo XIX que
se caractericen por su modernidad estética (por
ejemplo, Goya, Turner, Courbet, Monet o Van Gogh). Por el contrario, excluye a
las obras y autores del siglo XX que se caractericen por su academicismo o
conservadurismo estético. En la segunda mitad del siglo XX se terminaron
imponiendo las distintas modalidades de expresión vanguardista
como canon estético y del mercado del arte, con notables excepciones..
IMPRESIONISMO

El movimiento impresionista gira en torno a una serie de encuentros entre

diferentes pintores en busca de su independencia artística durante la segunda
mitad del siglo XIX. Si contamos los principales pintores impresionistas que
formaron parte de este movimiento, como Claude Monet, Édouard Manet, Alfred
Sisley, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Camille Pissarro y Vincent Van
Gogh, una misma causa los reunió: deshacerse de los códigos estrictos fijados
en aquella época por la Real Academia de Pintura y Escultura. Por esto, deciden
trabajar en talleres privados, lo que les permite pintar libremente y a su manera.
El espíritu del impresionismo se resume en cierta forma en una frase
pronunciada por Manet: “Pinto lo que veo, y no lo que los otros quieren ver”.

Los cuadros impresionistas se construyen técnicamente a partir de manchas

bastas de colores, las cuales actúan como puntos de una policromía más amplia,
que es la obra en sí. Por ello, al observar los lienzos es necesario tomar cierta
distancia, para que aparezcan las luces sombras y figuras.

CARACTERÍSTICAS DEL IMPRESIONISMO

 Se abrieron a la percepción sensoria del instante del momento irrepetible

que debía ser registrado de inmediato y con rapidez.

 Luz como interés fundamental: el objeto de los colores es el resultado de

la refracción de la luz

 Encuadres y puntos de vista novedosos: Muchos artistas del

impresionismo se dedicaron a explorar ángulos, perspectivas y encuadres
nunca antes vistos en la pintura.

 Abandono del dibujo correcto: Muchos de ellos Eliminan la línea y

proyectarán los volúmenes de las formas coloreando directamente, lo que
revela gran maestría.
  Superposición de colores en el lienzo: Ya no están obligados a pintar
sobre la paleta, los impresionistas mezclan los colores directamente sobre
el lienzo.

 Pinceladas, brochazos y puntos: los impresionistas preferirán pinceladas

directas, muchas veces con trazos gruesos o con brochazos. También
usarán la superposición de puntos para crear masas con volumen.

 Ausencia de acabados y supresión de detalles en favor del conjunto:

suprime los detalles, tan admirados en el arte del pasado, para favorecer
la observación del conjunto. Careciendo de acabados finos, los trazos se
dejan abiertos, las texturas porosas, y las líneas, cuando las hay,
inconexas o repasadas.

 Temas casuales o intrascendentes: Dejan el convencionalismo y

Cualquier tema para ellos es una excusa para un buen cuadro.

Estos pintores han demostrado que se pueden crear arte mirando lo mismo de
distintas maneras, en lugar de buscar un paisaje u objeto diferente cada vez. De
esta manera respondían a la polémica social del momento: Se puede crear un
orden para todos por igual, pidiendo a cada grupo social su colaboración, en
lugar de que el poder pase de un grupo político a otro.
El estilo se clasifica como la primera ruptura del proceso que desembocaría en
el arte moderno. En los cuadros de los inicios del siglo XIX, no se valoraban los
paisajes ni los bodegones, por lo tanto el impresionismo, no sólo abre los ojos
del espectador a la técnica, sino que también a la variedad de formas y la captura
de paisajes cotidianos vistos desde las más ingeniosas perspectivas. Los colores
son puros, poco mezclados y se conjugan en formas de un naturalismo extremo.
Las pautas que consuman esta tendencia son: el movimiento del paisaje, la
naturalidad de las formas y la pureza.

PINTORES IMPRESIONISTAS

1) EDOUARD MANET (1832-1883)

Más que un impresionista es un precursor, un símbolo del antiacademicismo.
Su formación es clásica, con influencias de Tiziano, Velázquez o Goya, aunque
concibe sus obras con un sentido muy moderno del color y del dibujo a base de
grandes manchas de colores planos aplicados con una pincelada suelta. Dentro
de su obra destacan temas con referentes clásicos pero contextualizados en su
época: El almuerzo campestre, inspirado en una obra veneciana del siglo XVI, o
la Olimpia, inspirada en la Venus de Urbino de Tiziano. No obstante estas obras
escandalizaron fuertemente a la sociedad burguesa al situar en el siglo XIX a
desnudos femeninos junto a hombres (El almuerzo campestre) o retratar una
prostituta junto a su criada negra (Olimpia). Dentro de su producción sobresalen
también las escenas de la vida urbana (El bar del Folies-Bergère) o los retratos
(Émile Zola).

2) CLAUDE MONET (1840-1926)

Es el impresionista por excelencia. Se interesa sobre todo por el paisaje y la
incidencia de la luz a diferentes horas. Capta la vibración lumínica mediante
pequeños y rápidos toques de colores puros que dan aspecto inacabado a sus
obras desde cerca, pero que se funden a determinada distancia. Es amante de
representar los efectos de la niebla, el humo, los reflejos de las aguas o la luz
solar. A veces realiza series de un motivo a diferentes horas o estaciones del
año: Catedral de Rouen, Estación Saint Lazare, o las series
de Nenúfares efectuadas al final de su vida. A él se debe el título de la obra que
dio pié a la denominación de impresionistas para el grupo: Impresión. Sol
naciente.

3) AUGUSTE RENOIR (1841-1919)

Comienza captando temas de la vida amable de diversiones en los que refleja
las vibraciones de la luz (Le moulin de la Galette) o desnudos en los que estudia
los efectos de luz y sombra en las carnaciones. Después de un viaje a Italia se
obsesiona por el dibujo abandonando parcialmente el impresionismo.

4) EDGARD DEGAS (1834-1917)

Es un impresionista de la forma más que del color (utiliza el negro). Introduce
temas nuevos en los que aparece el movimiento (carreras de caballos,
bailarinas). No se limita al mundo elegante sino que pinta también el cansancio
(Planchadoras) o escenas íntimas de mujeres
ENTRE OTROS IMPRESIONISTAS FAMASOS TENEMOS:

1. Camille Pissarro (1830-1903).

2. Alfred Sisley (1839-1899).
3. Paul Cézanne (1839-1906).
4. Jean-Frédéric Bazille (1841-1870).
5. Berthe Morisot (1841-1895).
6. Mary Cassatt (1844-1926).
7. Gustave Caillebotte (1848-1894).

PINTURAS FAMOSAS DEL IMPRESIONISMO

POS IMPRESIONISTA

También llamado "Neo impresionismo" o "Post impresionismo" es un movimiento

artístico que nace en Francia a finales del siglo XVIII, es representado como
continuación y contraposición al Impresionismo, toma elementos de este, pero a
la vez rechaza de las limitaciones que supone.
Hoy en día, nuestros ojos están acostumbrados a ver colores puros, paisajes de
la naturaleza, diferentes tipos de pinceladas, etc. Por ello para entender el
postimpresionismo se debe saber que a éste se le debe la libertad artística en
su conjunto. El postimpresionismo es la base de los estilos modernos y
contemporáneos.
El crítico Roger Fry habla por primera vez de este movimiento y llama
“postimpresionistas” a los cuadros que aparecen a finales del siglo XIX hechos
por pintores como Cezanne, Seurat, Gauguin, Van Gogh y otros. Muchos de
ellos empezaron por el estilo impresionista y lo abandonaron, desarrollando el
suyo propio.

CARACTERÍSTICAS DEL POSIMPRESIONISMO

Entre las principales características del Postimpresionismo, tenemos, el nuevo

espíritu que surgía se alejaba del impresionismo, en la medida en que admitía la
importancia del lado subjetivo, humano, emocional y sentimental expresado
en las artes, y no sólo de su aspecto ” superficial”, de reproducción de la realidad,
como lo hicieron los autores del Impresionismo.

Otras Características:

 Admitía el lado subjetivo, humano, emocional y sentimental, no solo su

aspecto superficial de la realidad.
 Superó las tendencias artísticas del impresionismo.
 Utilización de colores vivos.
 Retratación de temas de la vida real.
 Visión subjetiva del mundo.
 Uso de la técnica del puntillismo por algunos pintores posimpresionistas,
entre ellos Paul Signac y Georges Seurat.
  Tendencia de experimentación de la fuerza de la imagen, el contorno de
seguridad y la libertad de color.

De un modo pragmático lo que caracteriza al postimpresionismo son

las pinceladas cortas y precisas, reflejo de los cambios rápidos que se
desarrollan en la época.Los colores puros evocan la radicalidad que se vive en
la sociedad. La naturaleza ya no se ve de forma subjetiva, si no que se observa
como un conjunto. El movimiento de las imágenes junto con la textura, reflejan
el dinamismo cultural que se acelera gracias a los nuevos medios de transporte
y la importación de objetos exóticos, especialmente de oriente. Por ello una de
las ramas destacadas del postimpresionismo es el "japonismo", sub-estilo del
cual Vincent van Gogh fue uno de los principales exponentes, por ejemplo con
obras como: "Un cangrejo de espaldas".

PINTORES POSTIMPRESIONISTAS

VINCENT VAN GOGH (1853-1890)

Hijo de un pastor evangelista, Van Gogh fue un pintor holandés que desde muy
joven comenzó a interesarse por el arte. Quizás por esta influencia religiosa,
buscaba expresar en sus cuadros el poder retratar motivos crudos y que
expresasen algo al observador en sus emociones más profundas. Tenía en alta
estima a Rembrandt y en él se inspiró para sus cromatismos. A los 27 años
ingresa a la Academia de pintura de Bruselas y después de un tiempo viaja a
París, donde conoce a algunos pintores impresionistas como Gauguin, Monet y
Renoir.

Desde un comienzo quiebra con los moldes artísticos de la época y pinta

profusamente, pero no logra vender ninguno de sus cuadros, manteniéndose con
la ayuda de su hermano Theo. Después de un tiempo en la ciudad parisina,
decide irse al sur de Francia, más precisamente al pueblo de Arlés. Allí recibirá
la visita de su amigo Gauguin, pero a causa de una discusión, Gauguin vuelve a
París, haciendo que Van Gogh se corte una oreja y la envíe a una prostituta con
la cual ambos habían quedado.

Después de eso, es internado en un asilo en St-Remy, período donde sufre

de esquizofrenia y de alucinaciones, sin disminuir su carga de trabajo. Su técnica
más distinguible es el empaste, llegando a apretar el tubo de pintura
directamente sobre el lienzo en muchas ocasiones, creando gruesas capas de
pintura en sus cuadros. Pintó sobre diversos temas, como retratos
(especialmente mujeres), naturalezas muertas (donde destaca la serie de Los
girasoles), paisajes, entre otros. Se destaca por sus colores vivos y temáticas de
gran sentimentalismo y expresión, siendo reconocido como uno de los pintores
más destacados y originales que hayan habido.

TOULOUSE-LAUTREC (1864-1901)

Henri de Toulouse-Lautrec fue un pintor y dibujante francés, que nació en el seno

de una familia aristocrática en Albi, teniendo una infancia tranquila. Durante su
crecimiento sufrió caídas que le atrofiaron los miembros inferiores, impidiéndole
alcanzar una estatura normal (se dice que medía 1 metro y medio), lo cual no lo
privó de realizar su carrera de forma normal y sociabilizar con otros. En 1881
decidió radicarse en París y en 1885 tuvo la oportunidad de abrir su propio taller
en el barrio parisino de Montmartre, relacionándose con otros pintores
impresionistas y postimpresionistas.

Además, en ese mismo barrio, frecuentaba diversos locales de

entretenimiento como cafés, prostíbulos, salas de baile, los cuales se verán
reflejados en muchas de sus obras posteriores, siendo estas temáticas que más
lo diferenciaron como pintor.

También realizó carteles publicitarios para algunos cabarets, a pedido de sus

dueños, y en sus últimos años se dio al alcohol, llegando incluso a contraer sífilis.
Murió joven, a la edad de 36 años.

SEURAT (1859-1891)

Georges Seurat fue un pintor francés considerado el fundador del puntillismo,

que por su parte dio paso al nacimiento del Neoimpresionismo, que no es lo
mismo que el Postimpresionismo. El puntillismo en ocasiones también se lo
llama divisionismo, pues transforma la pincelada en puntos.

Seurat entonces se insipiró en las temáticas que le darán identidad alo

puntillismo y postimpresionismo, que son los paisajes, los momentos de ocio al
aire libre, espectáculos, etc. En cuanto a las tonalidades, Seurat buscaba la
descomposición de los colores logrando una luminosidad natural y brillosa, a
diferencia de los pintores impresionistas, más dados a colores y trazos más
firmes.

En lo que se refiere a la biografía de Seurat, podemos decir que Seurat estudió

en la Academia de Bellas Artes de París (1878 – 1879) para luego hacer su
servicio militar en Brest (1880). Una vez vuelto a París, trabajó la técnica del
dibujo monocromático, creando su primera obra en este estilo, la cual fue
llamada Une baignade à Asnières (1883). Como muchos pintores innovadores
de la época, fue rechazado del Salón de París, por lo que fundó junto a otros
artistas la Sociedad de Artistas Independientes (1884).

En esa época conoció a otro destacado expositor del puntillismo, Paul Signac,
junto a quien profundizó esta técnica en sus obras de arte. En 1884 realiza la
que es quizás su obra más célebre: Un dimanche après-midi à l’Île de la Grande
Jatte (ver dibujo), la cual se le considera como el cuadro más importante del
puntillismo. Seurat murió joven en 1891, probablemente de difteria.

PAUL GAUGUIN (1848-1903)

Paul Gauguin fue un pintor francés postimpresionista (o posimpresionista) que

tuvo un reconocimiento una vez fallecido, que se destacó por experimentar con
las tonalidades y colores además de tener un estilo sintetista, sirviendo de
inspiración para el arte moderno, representado por pintores de la talla de Henri
Matisse y Pablo Picasso y sembrando la semilla para movimientos como
el fovismo y el expresionismo en Alemania.

Gaguin no solo fue pintor, sino que también escultor de grabados y

cerámica además de escritor. Se diferenciaba de la mayoría de los pintores
impresionistas ya que no le llamaba la atención quedarse en París y tomar la
ciudad como inspiración de sus telas, por lo que sus primeras obras las realizó
en la provincia francesa de Bretagne, con un gusto por colores fuertes y sencillez
en las pinceladas.

En 1876 fue expuesta una obra suya por primera vez en el Salón de París,
codeándose más tarde con Pissarro y Cézanne e incluso llegando a trabajar
juntos en Pontoise, aunque se dice que Cézanne tenía aprensión de que
Gauguin le robara sus ideas como pintor.

Años más tarde, recorrió Rouen (Francia), Dinamarca para luego volver a
Francia residiendo un tiempo con su amigo Van Gogh, pero es sabido que
sufrieron varias discusiones incluso llegando el pintor holandés a amenzarlo con
un cuchillo luego de una disputa referente a una prostituta. Después de esto,
Gauguin lo dejaría solo en vista de sus evidentes problemas mentales.

En sus pinceladas clásicas se recuerda mucho a grandes exponentes como

Cézanne y Pissarro, logrando dominar bien la técnica del claroscuro, lo que le
da mejor definición a las figuras. En su etapa final de la vida partió rumbo a
Tahiti en busca de escenarios exóticos, luz de gran definición así como sencillez
en el vivir, logrando un estilo y temática propios en sus cuadros inspirados allí.

PAUL CÉZANNE (1839-1906)

Paul Cézanne fue un pintor francés que vino de una familia con muchos
recursos, naciendo en la ciudad francesa de Aix-en-Provence en 1839. En
1861 se traslada a París para estudiar formalmente pintura, en donde asiste en
la Academia Suiza. En este período conoce a Pissarro, otro importante
exponente del impresionismo y que influenció a Cézanne a abordar más
temáticas de paisaje y bodegones y a convertirse en un pintor impresionista
propiamente tal.

Las figuras geométricas fueron siempre el centro de interés de Cézanne, e

intentó siempre subrayar la forma de los objetos mediante el color y no diluirla,
como lo hacían muchos de los otros pintores impresionistas. Por lo tanto, cada
objeto del cuadro es pintado de un punto de vista diferente en cuanto a luz y
color.

Su primera exposición en el Salón de los Rechazados ocurrió en 1863 y entre

1861 y 1870 incursionó en el llamado Período Oscuro, con obras más sombrías
en donde predominaba el color negro, manifestando emociones humanas como
la tristeza, depresión o la ira. Algunos de los cuadros destacados de este período
son El Rapto, La Orgía y El Asesinato.

Una vez superado este período, Cézanne comenzó a pintar lo que se llama
su Período Impresionista, que fue desde 1870 hasta 1878. Una vez instalado en
la localidad de L’Estaque, su temática giró hacia los paisajes, por lo tanto,
disfrutó más el trabajar al aire libre, al igual que otros pintores como Pierre
Auguste Renoir y Claude Monet. Esta forma de trabajar privilegiaba los trazos
rápidos con colores puros, sin necesidad de usar apuntes o bocetos preliminares.
Cézanne ha servido de inspiración para grandes pintores modernos como Pablo
Picasso o Henri Matisse, quienes lo consideraron como el real precursor del
postimpresionismo, siendo el puente entre el movimiento impresionista del siglo
XIX y el cubismo del siglo XX.

PINTURAS MAS FAMOSAS DEL POS IMPRESIONISMO

Un cangrejo
de espalda
 EL FAUVISMO

El fauvismo es un movimiento pictórico francés de principios del siglo XX;

podemos decir que es el primer movimiento artístico revolucionario de nuestro
siglo.
El Fauvismo es una de las tendencias que aparecen en el proceso de la
renovación de las artes, destaca por la intensificación del color, y la creación
de nuevas dimensiones, jugando con las combinaciones cromáticas.
El nombre de este movimiento fue dado en 1906 por el crítico francés Louis
Vauxcelles y proviene de la palabra “fauves” que en español significa fieras,
empleada para referirse a un grupo pintores entre los que destacan Henri
Matisse, Maurice de Vlaminck, André Derain, y Albert Marquet, por mencionar
solo algunos, cuyas obras causan revuelo en el Salón de otoño de París, debido
a la revolucionaria violencia expresiva del color, aplicada en tonos puros.
La homogeneidad del fauvismo tuvo un breve tiempo cronológico, pues apenas
duró dos años, hasta 1908, para que cada artista siguiera su propio camino.

CARACTERÍSTICAS DEL FAUVISMO:

 Fue una reacción contra el Impresionismo

 Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar

sentimientos

 Buscan realzar el valor del color en sí mismo, rechazando la paleta de

tonos naturalistas empleando en cambio colores violentos para crear
un mayor énfasis expresivo

 Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin

mezclas, evitando matizar los colores

 Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de

contorno

 Renuncian a la perspectiva clásica, al modelado de los volúmenes, la

luz y la profundidad desaparecen
  Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores,
paisajes hermosos.

 Tenían un gusto por la estética de las estatuas y por el arte africano-

negro

 Algunos de los precedentes del Fauvismo fueron causados por Van

Gogh y Gauguin, quienes, huyendo del impresionismo, tomaron una
ejecución impulsiva y pasional, apostando por obras intensamente
coloreadas

 Se caracteriza por ser estético y sentimental, ligado a las

circunstancias del momento

 Se apega a la libertad total de la naturaleza, uniendo el arte con la vida

 Es más expresiva que realista

 Este movimiento artístico se destaca por su sencillez

 Utiliza la imaginación, mezclando el mundo real con el mudo interior

 Los artistas más destacados de este movimiento son: Henri Matisse,

André Derain, Maurice Vlamink y Pablo Picasso.

 Liberación del color respecto al dibujo exaltando los contrastes

cromáticos

 Defendían una actitud rebelde, un intento de transgresión de las

normas con respecto a la pintura.

LOS PRINCIPALES AUTORES FUERON:

HENRI MATISSE
La gran figura del fauvismo, iniciador de la corriente con su emblemática
obra “Lujo, calma y voluptuosidad”, de 1904. Este pintor francés fue uno de los
grandes artistas de vanguardia, dando máximo poder expresivo a los colores y
caracterizándose por su trazo fluido, espontáneo. Sus obras están hoy entre las
más cotizadas del mundo del arte.
ANDRÉ DERAIN (1880-1954)
Artista francés co-fundador del movimiento. Es famoso por sus intensos paisajes
en colores puros, muchos de ellos tomados directamente de los tubos de pintura.
El Puente de Westminster es una de las obras más representativas del fauvismo.

MAURICE DE VLAMINCK (1876-1958)

Bohemio y anarquista, Vlaminck fue otro de los artistas parisinos que
conmocionaron al mundo de las ates en aquel "salón de las fieras" de 1905.
Colores vivos e intensos predominan en sus cuadros de paisajes, donde son
especialmente conocidos los árboles rojos.

ALBERT MARQUET (1875-1947)

Gran dibujante, Marquet opta por colores menos estridentes y composiciones
más armónicas.

RAOUL DUFY (1877-1953)

Entre sus obras más famosas hay alegres pinturas con motivos náuticos, con
colores fuertes y formas arabescas. Aplicaba la pintura a manchas, lo que le
daba un carácter muy singular.
PINTURAS MAS FAMOSAS DEL FAOVISMO.
EXPRESIONISMO

El expresionismo fue un movimiento de vanguardia surgido en Alemania a

principios del siglo XX, coincidiendo con el fauvismo francés, con el que tiene no
pocos puntos en común (rechazo de la mímesis, colores violentos…)
Sin embargo difiere de este movimiento por tener un matiz más pesimista, más
feo, por así decirlo, ya que los expresionistas alemanes no escatimaron en
mostrar lo morboso, lo prohibido, lo obscen.
El expresionismo viene a ser una deformación de la realidad para expresarla de
forma más subjetiva (aunque en definitiva, esa puede ser una definición válida
del arte: una deformación de la realidad…). Se quieren mostrar sentimientos,
emociones, algo que ilustre la naturaleza y el ser humano.

Expresionistas, como deformadores de la realidad, los hubo desde los principios

del arte (ahí tenemos los casos de Bruegel, Goya, Van Gogh o El Greco, por
citar solo algunos), pero fue en esta atmósfera pre-bélica de Alemania cuando
artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual se
unieron para la creación de un arte más personal e intuitivo, donde
predominase la visión interior del artista —la “expresión”— frente a la plasmación
de la realidad —la “impresión”.

CARACTERÍSTICAS DEL EXPRESIONISMO:

 El expresionismo es una deformación de la realidad expresándola de

forma más subjetiva
 Los expresionistas creyeron que debían captar los sentimientos más
íntimos del ser humano
 La angustia existencial es el principal motor de su estética
 Pretender potenciar las emociones del espectador distorsionando
deliberadamente y exagerando los temas
 Se basa en la intuición, depura, intensifica e interpreta la realidad, pero
nunca se aparta totalmente de ella
 Los expresionistas manifiestan sus emociones sin preocuparse de la
realidad
  Utilizan colores fuertes y puros, formas retorcidas y una composición
agresiva
 No importa ni la luz ni la perspectiva, alterada de manera intencional
 El arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia
interior
 Podemos encontrar diversas tendencias impresionistas, desde lo
exagerado colorido hasta las abstractas
 Se desarrolla en todas las artes como la poesía, teatro, música, artes
gráficas
 Los impresionistas pretendían realzar la libertad individual, el
irracionalismo y el pesimismo, con una temática de lo morboso, lo
prohibido y lo fantástico
 La opinión del artista es más importante que la concordancia y la
armonía del trabajo realizado
 Los exponentes expresionistas fueron vistos como iconoclastas
 La literatura expresionista se valió del uso de un lenguaje desgarrado,
la presencia constante de la muerte, la violencia y la crueldad, busca
que el lector entre en la historia y sienta como si la hubiera vivido
 Algunos exponentes de la pintura son Der Blaue Reiter, Arnold Böcklin,
Vincent Van Gogh, Pablo Picasso, Fernando Botero, Diego Rivera,
Frida Kahlo, etc.
 Abarca temas sociales, culturales, ecológicos, habla del poder, el
mundo real, la maldad y la guerra.
 Tiene una visión enfocada hacia lo universal
La forma en que uno ve depende también de un estado emocional de la mente.
Esta es la razón por la que un motivo puede ser visto de muchas maneras, y esto
es lo que hace que el arte sea tan interesante. (Munch).

PRINCIPALES REPRESENTANTES

PAUL GAUGUIN (1848-1903)

Después de pasar su niñez en Perú, Gauguin regresó con sus padres a Francia,
más precisamente a Orleans. En 1887 se incorporó a la Armada y más tarde
trabajó en el mercado de valores. A los 35 años, había tomado la decisión más
importante de su vida: dedicarse por entero a la pintura. Así comenzó una vida
de viajes y el libertinaje, que se tradujo en una producción artística única y la
determinación de las vanguardias del siglo XX. Su obra, lejos de ser enmarcada
por algún movimiento, fue tan singular como la de su amigo Van Gogh o
Cézanne. Sin embargo, es cierto que había seguidores y que puede ser
considerado el fundador de grupo Navis, que, más que un concepto artístico,
representaba una forma de pensar acerca de la pintura como una filosofía de
vida.Sus primeras obras trataron de captar la sencillez de la vida en el campo,
algo que consigue con la aplicación arbitraria de colores, a diferencia de
cualquier naturalismo, como lo demuestra su famoso Cristo amarillo. Los colores
se extienden de manera plana y limpia en la superficie, casi de forma decorativa.
En el año 1891, el pintor viajó a Tahití en busca de nuevos temas para ser
liberado de las limitaciones de Europa. Sus cuadros surgen cargados de la
iconografía exótica del lugar, y hay escenas que muestran un erotismo natural
como reflejo de su pasión por las especies nativas. El color tiene prioridad
sobre lo representado a través de los rojos, amarillos, verdes y violetas. Cuando
regresó a París, se celebró una exposición individual en la galería de Durand-
Ruel. Mas tarde, regresó a Tahití, pero finalmente se estableció en la isla
Dominique.

PAUL CÉZANNE (1839-1906)

Su tendencia principal era convertir los elementos naturales en las figuras

geométricas – tales como cilindros, conos y esferas por lo que sería imposible
recrear la realidad de acuerdo a “impresiones” capturadas por los sentidos. En
Francia, durante 1870, Cézanne era conocido como un artista subversivo, de
temperamento difícil, que rompió con el estereotipo de que la obra tenía que ser
una copia de la realidad. En lugar de recrear, Cézanne trató interpretar las
escenas a su alrededor, rompiendo, literalmente, la realidad del objeto. La
mayoría de sus pinturas transmiten una emoción, a veces considerada
desagradable por los críticos de la época. Colega de los artistas franceses del
movimiento impresionista, como Renoir, Monet y Degas, Cézanne difieren de
ellos por su técnica de interpretación estricta que más tarde se convertiría en las
formas. Su inspiración, dijo, era “hacer del impresionismo algo sólido y duradero
como el arte de los museos”. Al principio de su carrera artística conmocionó a la
audiencia por los temas tabú sugerentes en su pintura sensual, entre ellos “La
Orgía” y “La tentación de San Antonio”, ambos pintados entre 1864 y 1868. En
este último destacó el pintor a mujeres desnudas con nalgas grandes. Durante
varios años se obsesionó por retratar a bañistas. Generalmente terminaba
enojado con sus modelos: “¿Por qué se mueve? Una manzana se mueve por
casualidad?” replicaba el artista. En varios artículos que escribió para los
periódicos, Cézanne criticaba el sistema del arte establecido y elogió el arte de
los pintores impresionistas. “Las pinturas tan fuertes y vivas podrían provocar la
risa en la burguesía, pero de ninguna manera indican los elementos de un gran
pintor”, dijo en un artículo de 1877 publicado en un periódico de Marsella. En
octubre de 1906, fue sorprendido por una tormenta en Aix, mientras practicaba
la pintura en el campo. Afectado por una congestión pulmonar, murió una
semana después. Van

GOGH VINCENT VAN GOGH

Para quien el color era el símbolo principal de expresión, nació en Groot Zundert,
Países Bajos. Van Gogh era hijo de un pastor y se crió en un ambiente religioso
y culto. Vincent era muy emocional y lleno de falta de auto-confianza. Entre 1860
y 1880, cuando finalmente decidió convertirse en artista, Van Gogh tuvo dos
romances inadecuados e infelices. Van Gogh había trabajado como empleado
en una librería, como comerciante de arte y como predicador en Borinage (un
distrito minero en Bélgica). Las obras de su etapa holandesa temprana son en
tonos sombríos, fuertemente iluminadas, pinturas de género, de los cuales se
encuentra su más famoso “Los comedores de patatas” (1885) (Los comedores
de papas o Los campesinos comiendo patatas). En ese año van Gogh fue a
Amberes, donde descubrió las obras de Rubens. En 1886 se trasladó a París
donde se reunió Pissarro, Monet y Gauguin, y comenzó a aclarar su paleta con
trazos más impresionistas. Su de temperamento nervioso le hizo un compañero
difícil llegando a una situación muy complicada con Cézanne. En un ataque de
cólera, amenazó a su compañero con una navaja y se cortó el lóbulo de su oreja
en una acalorada discusión. La mayoría de hermosas obras de Van Gogh se
produjeron en menos de tres años con una técnica que se hizo más y más
apasionada en la pincelada y colores simbólicos e intensos llenos de movimiento
y vibración en sus formas. El contenido es de gran alcance: dramático, lírico,
imaginativo y emocional.

PINTURAS FAMOSAS DEL EXPRESIONISMO

CUBISMO

El cubismo fue y sigue siendo un movimiento de las artes visuales a

principios del siglo XX, donde sus principales representantes vienen
siendo el famoso Pablo Picasso y Georges Braque.

Estos pintores exploraron nuevas formas de expresión, apuntando la

experiencia mental subjetiva sobre la experiencia sensible objetiva, la
fragmentación sobre el trazado lineal y múltiples miradas sobre la
perspectiva singular.

El cubismo tuvo mucha influencia de novelistas y poetas modernistas de

la misma época, como Virginia Woolf, James Joyce, Gertrude Stein y
William Faulkner, quienes utilizaron elementos cubistas en sus escritos
para traspasar los límites del retrato literario.

CARACTERISTICAS CUBISTA

1 Manejo del color

‘La Ville de Paris’ de Robert Delaunay.

Los colores intensos y llamativos no formaban parte del cubismo, en
contraposición a otros estilos como el impresionismo o el fovismo. En este
caso, los artistas recurren al uso de tonalidades de baja luminosidad como el
marrón, el gris o el verde. De hecho, en los primeros años de esta tendencia, la
paleta monocromática era la única herramienta válida para el pintor. Ampliando
después sus horizontes.

2.Fuente de inspiración

A pesar de transformar la representación del entorno que les rodea, los cubistas
siguieron buscando la inspiración en los referentes del pasado: paisajes,
retratos, bodegones… Lo único que ellos querían era demostrar su
independencia artística, alejada de la imitación habitual del mundo.
3.Cambio de perspectiva

‘La Roulette’ de Jean Metzinger.

Como ya hemos mencionado con anterioridad, el cubismo rompe con toda
perspectiva tradicional, situando los objetos en un mismo plano. De esta forma,
el artista rechaza la apariencia real de las cosas y su profundidad. Esto permite
representar, por ejemplo, a dos individuos, uno de perfil y otro de frente,
simultáneamente.

4.Introducción de nuevos materiales

En el cubismo, los artistas no solo utilizaban la pintura para crear sus obras, sino
que introdujeron nuevos materiales en el proceso. Así nacieron los famosos
collages, que mezclan el óleo habitual con plásticos, papeles, metales, cuerdas u
otros objetos de uso diario.

PRINCIPALES REPRESENTANTES

ALEXANDER ARCHIPENKO (1887-1964)

Fue un artista y escultor ucraniano. Nació en Kyyiv, Ucrania. Hizo París el centro
de sus actividades desde 1908 hasta 1914; vivió en Berlín desde 1921 hasta
1923; y después de 1923 hizo su hogar en los Estados Unidos, donde enseñó y
dio conferencias en varios colegios y universidades. De 1939 a 1955 condujo
una escuela privada de bellas artes en la ciudad de Nueva York.

Archipenko fue innovador en cuanto a su estilo, pues paso de las obras y figuras
abstractas a esculturas con estilo cubistas, siendo uno de los principales
promotores de las esculturas en el cubismo. Su estilo se basó en las
concavidades y espacios negativos o vacíos.

2. PABLO RUIZ Y PICASSO (1881-1973)

Pintor y escultor español, considerado el mejor artista del siglo XX. Era único
como inventor de formas, innovador de estilos y técnicas, maestro de diversos
medios y como uno de los artistas más prolíficos de la historia.
Nació en Málaga el 25 de octubre de 1881. Picasso era hijo de José Ruiz Blasco,
profesor de arte, y María Picasso y López. Hasta 1898 usó el nombre de su
padre, Ruiz, y el apellido de soltera de su madre, para firmar sus primeras obras.
Ya en 1901 empezó a hacerse más conocido y utilizaba el apellido de soltera de
su madre (Picasso) para firmar sus obras.

3. MARCEL DUCHAMP (1887-1968)

Fue un artista francés, cuya pequeña pero controvertida producción ejerció una
fuerte influencia en el desarrollo del arte vanguardista del siglo XX.
Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville, hermano del artista Raymond
Duchamp-Villon y medio hermano del pintor Jacques Villon, Duchamp comenzó
a pintar en 1908.

Después de realizar varias obras en el modo actual de Fauvismo, recurrió a la

experimentación y la vanguardia, produciendo su obra más famosa, “Nude
Descending a Staircase 2” en 1912; al retratar el movimiento continuo a través
de una cadena de figuras cubistas superpuestas.

4. GEORGES BRAQUE (1882-1963)

Nació el 13 de mayo de 1882. De 1902 a 1904 Braque fue a París para estudiar
en la Academie Humbert y luego en la Ecole des Beaux-Arts (Escuela de Bellas
Artes) en el estudio de Leon Bonnat.

Sus primeras obras de Braque tenian suaves motivos ondulantes y colores

brillantes, fueron hechas entre 1903 y 1905 y fueron influenciadas por André
Derain, Henri Matisse y Maurice de Vlaminck.

En 1907 conoció a Picasso, donde vieron una nueva geometrización de la forma

y nuevas relaciones espaciales que se convertirían en la base del cubismo.
Impulsado por su estrecha asociación con Picasso, cuyo “Les Demoiselles
d’Avignon” ha sido llamado “la primera pintura del siglo XX”, Braque transformó
radicalmente su estilo.
Tres años despues, Picasso y Braque inventaron el cubismo analítico, un nuevo
método completamente ilusorio y no imitativo para representar el mundo visual.

5 FERNAND LÉGER (1881-1955)

Fue un pintor francés que influyó en el cubismo, el constructivismo y el cartel

comercial moderno. Nació en Argentan, Francia, sirvió dos años como aprendiz
de arquitecto en Caen, Francia, y luego estudió extraoficialmente con dos
profesores en la École des Beaux-Arts en París, Francia.

A partir de 1910 fue un destacado expositor y miembro del Salon des

Indépendants. La mayoría de sus primeros cuadros eran de carácter cubista,
como en “Desnudos en el bosque”. Junto con su compatriota Georges Braque y
el pintor español Pablo Picasso, Léger jugó un papel importante en el desarrollo
y la difusión del cubismo.

6. JUAN GRIS (1887 -1927)

Pintor francés nacido en España. Nació en Madrid y se educó allí en la Escuela

de Artes y Manufacturas. Dejó Madrid en 1906 y se fue a París, al llegar Francia
conoció a Pablo Picasso y Georges Braque, los dos máximos representantes de
esta tendencia.

Las primeras pinturas cubistas de Gris aparecieron en 1912, ahí fue su salto a la
cima. Luego, de 1922 a 1924, diseñó escenarios para dos ballets del productor
ruso Sergey Diaghilev, “Les Tentations de la Bergère” (La Tentación de la
Pastora) y “La Colombe” (La Paloma), así como continuar trabajando en sus
propias pinturas.

Sus principales pinturas cubistas son naturalezas muertas, como su obra “Violin
and Guitar” y “The Open Window”.
PRICIPALES PINTURAS CUBISTAS
EL SURREALISMO
Es un movimiento artístico que aspira plasmar un arte nuevo por medio de
formas abstractas, que inspire una nueva sensibilidad traída de lo más profundo
del ser humano buscando representar ideales diferentes a los académico, que
exprese el pensamiento libre, sin control de inquietudes estéticas, a partir del
impulso psíquico de lo imaginario y lo irracional como procesos de creación
artística, creando un mundo absurdo, irracional, donde la razón no consigue
someter al subconsciente. En diversos casos buscó inspiración en el
subconsciente, el mundo de los sueños, la fantasía, la técnica de la escritura y
el estudio de las teorías del psicoanálisis de Freud, siguiendo los designios de
los sentimientos más que los de la razón. La ideología oculta y prohibida será
una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo
será tratado de forma impúdica como armas de lucha contra la tradición, la moral
y la cultura burguesa, a través del cual proponen expresar el funcionamiento real
del pensamiento. Sus planteamientos tenían una raíz política, llegando afiliarse
al Partido Comunista Francés lo que ocasiono discrepancia entre arte y política
entre sus integrantes.

En su inicio era un movimiento para los escritores, pero se expandió a otras

actividades como la pintura y la escultura. Distinguiéndose dos grupos de hacer
arte surrealista: los defensores del automatismo libre o de formas abstractas,
entre los pintores más destacados son: Joan Miro, André Masson quienes
creaban universos figurativos propios de manera rápida, espontánea, fluida, sin
hacer caso para nada de la coherencia y el sentido. El grupo de los pintores
figurativista que utiliza una técnica casi fotográfica para reproducir la realidad
y se interesaban por los sueños y el realismo mágico, ejemplo: Salvador Dali,
Renè Magritte, Paul Delvaux y Yves Tanguy. La primera exposición surrealista
se celebró en París en 1925, y en ella además de Arp, De Chirico y Ernst,
también colgaron sus obras Picasso, Tanguy, Miró y Klee, que más tarde se
separarían del movimiento o mantendrían cierta vinculación con algunos de sus
principios. Algunos años después se unieron al movimiento artistas como Dalí y
Buñuel, entre otros.
Estos artistas introdujeron en sus pinturas máquinas fantásticas, buscando, las
creaciones evocadoras del caos, la confrontación de objetos incongruentes, las
 temáticas eróticas como referencia a la importancia que el psicoanálisis otorga
al sexo, aunque cada artista imprime su propio sello. Se interesaron además por
el arte de los pueblos primitivos, el arte infantil y de los dementes. Preferirán los
títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que encarna que más importaba el
asunto que la propia realización. En 1938 se celebró en París la Exposición
Surrealista Internacional, debido a que el movimiento se había extendido por
muchos países. En 1946, el surrealismo como movimiento unitario ya
prácticamente había desaparecido. Sus precedentes artísticos había sido: El
Bosco, Brueghel, Goya. Se considera como precursor del Surrealismo al pintor
ruso Marc Chagall, a Rousseau, y De Chirico.

CARACTERÍSTICAS SURREALISTA:
1. El surrealismo admite todo lo que rebasa la lógica y el inconsciente, como los
mitos y las visiones, consideran que la verdad está detrás del mundo real.
2. Interpretan la realidad desde el sueño, el inconsciente, la magia y la
irracionalidad basada en las técnicas del inconsciente de Freud.
3. Se reniega de la moral, de las convenciones y de los protocolos sociales porque
consideran que coartan la libertad expresiva del ser humano.
4. El carácter figurativo desaparece en el llamado "surrealismo abstracto"
perdiendo su importancia tradicional, en ese conocimiento desconocido y
amordazado, llevándonos a un arte moderno.
5. Es una estética que propugna poner de manifiesto lo desconocido con imágenes
que se liberan de la imaginación accediendo al subconsciente en espacios
lógicos y realistas, que afloraba a través de los sueños.
6. Como ideal estético se proponían lo maravilloso, reuniendo dos objetos
inadecuados en un contexto ajeno a ambos; el propósito de los surrealistas no
era «hacer arte», sino explorar posibilidades.
7. Utiliza todos los estilos: clásico, barroco, ingenuismo, futurismo, técnicas del
dadaísmo como el fotomontaje, el objeto encontrado, los materiales de
deshecho, etc. acompañado de un automatismo.
8. Representan toda clase de simbologías, especialmente eróticas y sexuales,
como lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la destrucción y lo misterioso.
9. Su práctica pictórica es detallista, minuciosa, con gran cuidado del dibujo y la
figura (Dalí), con juegos perceptivos y ficticios.
10. La perspectiva cónica es exagerada causando la sensación de profundidad
(lejanías).
11. Su variedad de métodos y planeamientos nos muestra una línea Objetiva y otra
Anti-Objetiva.
12. Creen en la existencia de otra realidad y en el pensamiento libre para plasmar
un mundo irracional, incoherente, donde la razón no puede dominar al
subconsciente y al mundo de los sueños.
13. Se inspiraron en el pensamiento oculto y prohibido, y el sexo será tratado de
forma obscena con erotismo descubren realidades oníricas.
14. Prefieren los títulos largos, equívocos, misteriosos y rechazan su carácter
negativo y destructivo.

ARTISTAS REPRESENTATIVO DEL SURREALISMO

1- ANDRÉ BRETON (1896 – 1966)

Breton fue un escritor y poeta francés, considerado el padre del surrealismo. Sus
escritos muestran ciertas características del dadaísmo, movimiento artístico que
precedió al surrealismo y que sentó las bases para el desarrollo del surrealismo.

Entre sus escritos, destacan “Nadja” (1928), “¿Qué es surrealismo?” (1934) y”

Manifiesto surrealista” (1924), obra que apoyaba la libre expresión y la liberación
del subconsciente.

2- SALVADOR DALÍ (1904 – 1989)

Dalí fue un pintor y escritor español. Es probablemente uno de los artistas más
conocidos del movimiento. Entró a formar parte del círculo surrealista después
del estreno de “Un perro andaluz”.

En sus pinturas, combinó elementos superrealistas e hiperrealistas, las cuales

muestran una fuerte influencia de las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud.
Entre sus obras destacan “La persistencia de la memoria” (1931) y “Cisnes
reflejando elefantes”.

3- LUIS BUÑUEL (1900 – 1983)

Buñuel fue un director español. Sus películas se caracterizan por la

representación tanto de imágenes oníricas como de deseos del subconsciente.

Colaboró en dos ocasiones con Salvador Dalí, en 1928 (“Un perro andaluz”) y en
1930 (“La era de oro”). Una de sus producciones más emblemáticas es “El ángel
exterminador”, en la que un grupo de personas se queda encerrado en un
comedor por razones desconocidas.

4- FRIDA KAHLO (1907 – 1954)

Frida Kahlo fue una pintora mexicana conocida por sus autorretratos. Su vida
estuvo marcada por la enfermedad: a los 6, sufrió polio, enfermedad que dañó
su pierna derecha y a los 18 años, sufrió un accidente automovilístico que hirió
gravemente su columna vertebral y la pelvis. En total fue sometida a 35
operaciones, periodo en el que Frida Kahlo comenzó a pintar.

Sus pinturas están fuertemente influenciadas por la cultura mexicana y expresan

el sufrimiento que tuvo que atravesar después del accidente, así como el daño
físico y psíquico que este le generó.

5– JOAN MIRÓ (1893 – 1983)

Miró fue un pintor español caracterizado por representar alucinaciones en sus

pinturas. Sus cuadros fueron pintados con una gama limitada de colores
brillantes, destacando el amarillo, el azul, el rojo y el verde.

Los cuadros de Miró no buscan representar el inconsciente, sino que reflejan el

automatismo del artista.
6- RENÉ MAGRITTE (1898 – 1961)


Magritte fue un pintor belga. A primera vista, sus obras parecen tener un carácter
altamente realista, sin embargo, después de observarlas detenidamente, se
observarán imágenes y escenas incongruentes.

Las obras de Magritte buscaban reflejar lo que subyace detrás de las

apariencias; para esto, solía pintar objetos aislados, de modo que el espectador
se cuestionara sobre el significado de estos.

Se podría destacar su periodo comprendido entre 1920 y 1924, donde muestra

influencias de distintas corrientes artísticas como por ejemplo el Cubismo, el
Orfismo, el Futurismo o el Purismo.

7- MAX ERNST (1891 – 1976)

Ernst fue un pintor alemán, representante del movimiento surrealista, así como
de su predecesor, el movimiento dadaísta. Su colaboración al surrealismo fue de
gran importancia: en 1925, introdujo las técnicas frottage y decalcomanía.

En muchas de sus obras se representan figuras antropomórficas y fantásticas en

paisajes del Renacimiento. Otras reflejan el trauma sufrido durante la I Guerra
Mundial.

8- DOROTHEA TANNING (1910 – 2012)

Tanning fue una escultora, ilustradora, pintora y escritora estadounidense, que

se unió al círculo surrealista después de la II Guerra Mundial. En 1942 conoció
a Max Ernst y en 1946 se casaron. Sus obras reflejan imágenes exóticas, sueños
psicóticos y figuras metamórficas.
PINTURAS FAMOSAS DEL SURREALISMO
EXPRESIONISMO ABSTRACTO
El expresionismo abstracto fue ese movimiento pictórico dentro de la abstracción
posterior a la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. Tras estos terribles
acontecimientos siguió un periodo de lógica incertidumbre y de cuestionamiento
de la moral humana.

Esto da como resultado la proliferación de obras de arte que incluían formas de

creación desgarradas en las que quedaba a un lado el goce estético tal y como
se entendía hasta entonces. Un desencanto por lo colectivo dio como resultado
obras muy personales.

Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense y se dice por

ello que incluso fue directamente financiado por la CIA en el contexto de la
Guerra Fría. Estados Unidos (Nueva York en realidad) había sustituido a París
como capital artística y los expresionistas abstractos cogieron el testigo de la
vanguardia. El país, líder ahora del mundo libre, necesitaba un arte propio que
liderara el arte occidental. Y qué mejor que un arte individual cuya principal
característica es la libertad.

Los expresionistas abstractos fueron unos tipos (y tipas) fascinados por la

soledad y el proceso. Individualistas, decidieron mostrar el carácter expresivo del
arte investigando en búsquedas personales, más que colectivas. El artista
desalentado por su contexto político y social se refugia ahora en su interior y
abandona toda referencia externa. Se valora por tanto el gesto, una especie de
huella dactilar del artista, porque es algo único de cada uno.

Se potencia también la materialidad del cuadro y convierten el proceso artístico

casi en un rito religioso, siendo la pintura la prueba documental del mismo.
La improvisación formaba parte de este trance casi místico, en el que el artista
entraba en contacto directo con sí mismo. Este automatismo podría derivar
del surrealismo,que aún estaba vivo en esos años.

PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS

 Tiene preferencia por los formatos grandes.

 Se trabaja principalmente con pintura de óleo sobre lienzos.
 Son motivos abstractos, aunque los trazos figurativos también suelen
aparecer.
 Realizan cobertura de las superficies para significar un campo abierto sin
límites.
 Tiene un cromatismo bastante limitado, y se usa más el blanco y el negro.
  Representan rasgos de angustia y conflicto.
 Rechazan el convencionalismo estético, pero tienen libre expresión y
subjetiva del inconsciente.
 Valoran lo accidental y tienen intensidad de propósito.
 Predomina el trazo gestual en las expresiones, además de un gran
dinamismo.
 Usan manchas y líneas llenas de ritmo.

AUTORES DEL EXPRESIONISMO ABSTRACTO

JACKSON POLLOCK (1912-1956)

Es el pionero en el expresionismo abstracto. Nació en Cody, Estados Unidos, y

posteriormente en 1929 se mudo a Nueva York. Ese mismo año comenzó a
estudiar pintura en el Art`Students League, Nueva York.
Desarrolló técnicas como el splashing o el dripping, consistentes en lanzar
pintura al lienzo o dejarla gotear encima de este, jamás uso bocetos.

WILLEM DE KOONING (1904-1997)

Willem nació en Rotterdam, Holanda, y abandonó la escuela a la edad de 12
años para trabajar como aprendiz en una empresa de artistas comerciales y
decoradores. Asistió a clases de arte en la Academia de Rotterdam. La figura
humana es el tema favorito del artista. En 1926 se estableció en la ciudad de
Nueva York. En la década de 1950 realizó su magistral serie de Mujeres,
plasmadas de manera grotesca, realzando rasgos sexuales entre un caos de
violentos brochazos de color.

MARK ROTHKO (1903-1970)

Rothko nació en Letonia, Rusia el 25 de Septiembre de 1903. En 1913emigro a
los Estados Unidos, viviendo su mayor parte de la vida allí. Se considera un
autodidacta, ya que estudio solo un corto periodo en la Universidad de Yale no
terminando su carrera de arte. En 1925 inició su carrera como pintor en Nueva
York. Al pasar los años cambio su estilo de pintura pasando casi todos de sus
cuadros a ser dos rectangulos confrontados.
ARSHILE GORKY (1904-1948)
Pintor de origen Armenio. Buena parte de su familia esencialmente su madre fue
victima del genocidio ejercido por los turcos, emigrando así junto a su hermana
a los Estados Unidos. Aunque es esencialmente autodidacta, asiste a la New
School of Design de Boston, entre 1922 y 1924, y en 1926 enseña pintura en el
Grand Central School of Art.

PINTURAS FAMOSAS DEL EXPRESIONISMOS ABSTRACTO