Pintores de bodegones

Publicada el 26.07.2018 a las 14:32h.

Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra de arte que
representa animales, flores y otros objetos, que pueden ser naturales (frutas,
comida, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios de cocina,
de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, etc.) en un
espacio determinado. Esta rama de la pintura se sirve normalmente del diseño,
el cromatismo y la iluminación para producir un efecto de serenidad, bienestar y
armonía.

PICASSO
(Pablo Ruiz Picasso; Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973) Pintor español. La
trascendencia de Picasso no se agota en la fundación del cubismo,
revolucionaria tendencia que rompió definitivamente con la representación
tradicional al liquidar la perspectiva y el punto de vista único. A lo larg.
FRANCISCO BARRERA
Francisco Barrera, o Barreda, (c.1595-1658) fue un pintor barroco español activo
en Madrid, especializado en la pintura de bodegones o naturalezas muertas.
«Pintor de tienda», según la terminología de la época, y de considerable fortuna,
ha sido conocido en la historia del arte por su defensa.

PEDRO DE CAMPROBÍN
(Almagro, 1605-Sevilla, c. 1674) Pintor español. Se estableció en Sevilla en 1630
y se especializó en la pintura de bodegones, muy influenciada por la obra de
Zurbarán.
ANDY WARHOL
(Andrew Warhola; Pittsburgh, Estados Unidos, 1928 - Nueva York, 1987) Artista
plástico estadounidense que llegó a ser el más conocido representante del pop
art, corriente artística en boga durante las décadas de 1950 y 1960 que se inspiró
en la cultura de masas. Hijo de emigrantes eslovacos..

FRANCISCO DE GOYA
Nadie fue más sordo que Goya al siglo XIX, pese a haber cumplido en él casi
tres décadas y haber sobrevivido a sus feroces guerras. Se quedó sordo de
verdad cuando amanecía la centuria, pero no ciego. Y a fuer de mirar a su aire
se convirtió en un visionario. Ese hombre cabal, lúcido y baturro.
JUAN DE ESPINOSA
Juan de Espinosa (activo entre 1628 y 1659), fue un pintor barroco español,
especializado en la pintura de bodegonesBiografía[editar] Se conocen dos
pintores casi homónimos, activos en Madrid y dedicados ambos a la pintura de
naturalezas muertas, lo que ha dado lugar a confusiones entre ellos

JUDITH LEYSTER
Judith Jans Leyster (también Leijster) (Haarlem, 28 de julio de 1609–Heemstede,
10 de febrero de 1660)1 fue una pintora del Siglo de Oro neerlandés. Trabajó
con formatos de dimensiones variadas. Cultivó la pintura de género, los retratos
y los bodegones. Toda su obra fue atribuida a Frans Hals.
 EL BODEGÓN

Es la representación gráfica y pictórica de objetos inanimados o inertes, también

conocido como “naturaleza muerta”, que son extraídos del ambiente o de la vida
diaria, como: Jarrones, porcelanas, cristales, cestos, objetos de cocina,
alimentos, frutas, flores, formas geométricas, etc. asimismo formas creadas por
el artista y plasmados sobre una superficie bidimensional.

Bodegón de Luis Meléndez

Esta representación artística está centrada en la composición armoniosa de

objetos, donde la forma, el tamaño, la textura, el color y la luz se pone ostensible.

UN POCO DE HISTORIA:

En la historia del arte, es cierto que muchas manifestaciones pictóricas ya

existían antes de ser reconocidos y clasificados, esto mismo ocurrió con las
denominadas “naturalezas muertas”, inclusive los bodegones formaban parte de
las pinturas murales romanas.

Estas primeras composiciones de naturalezas muertas se conocen en el mundo

occidental con los frescos y mosaicos procedentes de la región de Campania
(Herculano y Pompeya) de Roma, donde habían composiciones de frutas, aves
y peces; todas estas a gran escala; por otra parte otras pequeñas al fresco,
bodegones con melocotones y jarra (70 d C.), en el herculano predominaba el
claro-oscuro, luz sobre los objetos, que daba mayor volumen y aumentaba la
ilusión de la realidad.
Bodegon con canasta de manzanas – Paúl Cézanne

Igualmente, muchos bodegones ya adornaban los interiores de las tumbas del

antiguo Egipto, los de esa cultura creían que los objetos relacionados con la
comida y lo cotidiano se harían reales en la otra vida, asimismo las pinturas sobre
jarras de la antigua Grecia, representaban objetos cotidianos y animales.

En la edad media, los bodegones formaron parte de las pinturas de temas

religiosas, con objetos de la vida cotidiana, acompañaban a las figuras de interés
protagonista, estaban en un segundo plano, subordinado a otros géneros como
la pintura de retratos y temas netamente religiosos; en fin, el bodegón era
considerado arte menor. Los artistas de esa época tenían mucha fascinación por
el simbolismo y el realismo, por ello el mensaje global de sus pinturas; todo esto
sucedió hasta el surgimiento de Renacimiento.
Naturaleza muerta con limones naranjas y una rosa – Francisco de Zurbarán

Michelangelo da Caravaggio (1596), fue uno de los primeros en representar

naturalezas muertas (canasto de fruta), y a partir de ello muchos artistas
empiezan a especializarse en este género artístico, Holanda y Flandes
alcanzaron su mayor esplendor y difundieron comercialmente (siglo XVIII) y
después toda Europa. El término de “Naturaleza muerta” aparece en el léxico
artístico francés e italiano opuesto al concepto de “vida silenciosa” (still-life) al
no haber otra forma de definir “Naturaleza muerta”, pareciera algo despectivo
con las otras figuras en acción.

El precursor del bodegón en España fue: Juan Sánchez Cotán, juntamente con
Francisco de Zurbarán, Diego de Velásquez, y Luis E. Meléndez, realizaron
bodegones con un realismo enorme, este último fue un grande, que se
especializó exclusivamente en este género.

La naturaleza muerta o bodegón fueron pintados por muchos artistas según su

estilo o corriente, así como algunos bodegones muy conocidos como: Juan
Sánchez Cotán: “Bodegón de caza, hortalizas y fruta” (1602), Francisco
Zurbarán “Naturaleza muerta con limones, naranjas y una rosa (1633), Abraham
Van Beijeren: “Bodegón de banquete” (1660), Jean Simeón Chardin: “Bodegón
con gato y raya (1728), Luis Egidio Meléndez: Bodegón con salmón limón y
recipientes (1772), Vincent Van Gogh: “Vaso con quince girasoles” (1888), Paúl
Cézanne: “bodegón con canasta de manzanas (1890), Pablo Ruiz Picasso:
“Naturaleza muerta con botella y licor” (1909), Geoges Braque: “Violín y
candelabro” (1910), entre muchos otros.
Bodegón: “Cazo esmaltado” – Pablo Picasso

El bodegón en sí, es una expresión humanística, porque sensibiliza y permite la

mejor comprensión de la realidad del mundo observador, quizá los objetos no
sean tan importantes; pero está presente la destreza y creatividad del artista, así
como los detalles de su composición.

El bodegón contemporáneo, se apunta en el siglo XX, en el cual se incorporan

nuevos procedimientos y técnicas quizá no pictóricas, donde el artista incluye
elementos de diseño, algunos bodegones actuales rompen la barrera
bidimensional y emplean técnicas mixtas tridimensionales, usan la fotografía,
gráficas generadas por un ordenador, sonido y video;
ésta es la nueva expresión del bodegón.

bodegon hecho por un ordenador

Esta nueva propuesta requiere equipo y preparación técnica de alto nivel; sin
embargo, conseguir un bodegón se encuentra al alcance de cualquier persona,
basta iniciar con una cámara y equipo de iluminación, lo demás hacer es volar la
imaginación, prestando atención a sus formas, volúmenes, tamaños, colores y
texturas; la iluminación es importante que crea una atmósfera muy especial. Con
ésta técnica, los artistas inclusive pueden incorporar espectadores en sus obras

Clasificación:

Las Escuelas de arte o instituciones Educativas emplean el bodegón con fines

netamente académicas, y de acuerdo a ello se clasifica en:

 Bodegón Geométrico, es la composición en base a figuras geométricas,

elemental para el inicio del dibujo artístico, sirven para relacionar formas
que se encuentran en el entorno. El artista cuando observa un objeto, lo
asocia de inmediato con una forma geométrica, así podrá obtener las
características de la figura. Dibujo de inicio de estudiantes.
 Bodegón Artístico, género pictórico donde se representa objetos
inanimados o naturaleza muerta, pueden ser simples o compuestos.
 FIGURA HUMANA MASCULINA Y FEMENINA
LA FIGURA HUMANA

DIBUJO DE LAS MANOS

PROPORCIÓN:
Una de las cuestiones a definir antes de dibujar una mano es la proporción de esta con
respecto a la cara. Una mano más pequeña puede hacer ver a nuestro personaje como si
estuviese desnutrido, una mano más grande que su cara lo puede hacer ver como una
caricatura, como un simio o un ser muy rudo.
Para comenzar debemos tener en cuenta la proporción del cuerpo humano respecto a la
cantidad de cabezas que constituyen su altura. Tenemos en este esbozo el dibujo de una
cabeza, una mano y un pie; comparando la longitud de estos. De esto concluimos lo siguiente:

1) Si empuñamos la mano, la altura desde donde terminan la muñeca y hasta donde terminan
los nudillos, es igual a la altura desde donde empieza la barbilla hasta la punta de la nariz

2) si abrimos la mano, la longitud desde donde terminan la muñeca y hasta donde termina el
dedo del medio, es correspondiente desde donde empieza la barbilla hasta la mitad de la
frente.
NOTA: No quiere decir que las manos alcancen siempre esta misma longitud comparada con
el rostro, existen en la vida real muchas diferencias debido al carácter genético. Otras son
debidas al maltrato por el oficio o los deportes que hacen que la mano engorde o se alargue.
 NATURALEZA DE LA MANO:

Para aprender a dibujar una mano, lo que debemos hacer es aprendernos sus partes.

La ilustración aquí arriba nos muestra como se llama cada una de las partes del dibujo de una
mano. Si pudiéramos ver a través de la piel como si fuese una radiografía podremos observar
los huesos que existen en este, el carpo, el metacarpo y las falanges. Los huesos definen la
forma, la proporción y la naturalidad de una mano.
En muchos dibujos del cuerpo humano para hacer un esbozo de una pose complicada
siempre es bueno basarse en la posición de los huesos.

Ahora yo mencionaba las razones de las diferencias en las manos, para empezar existe una
gran diferencia en la mano de un hombre a la mano de una mujer, para empezar los hombres
tienen la mano más larga, los dedos son más gruesos, los nudillos son más notorios en un
hombre al igual que los tendones. Por el contrario en una mujer, las manos son un poco más
cortas, son muy delgados en los dedos, no se notan los nudillos ni los tendones, el dedo índice
es de igual longitud que el dedo anular.
Esto es debido a que los hombres ejercen trabajos que requieren mucho esfuerzo, más que
las mujeres. Por otra parte un deporte puede deformar la mano y no solo sino también el
cuerpo, si ha tenido la oportunidad de comparar su mano con la de un jugador de baloncesto,
vera que aunque usted y esa persona tengan la misma estatura, la longitud de la mano de esa
persona supera la suya.
Podemos observar en esta imagen que cada una de los movimientos de la mano afecta la
geometría del brazo. Debido a la tensión producida. al tomar la mano derecha y al realizar un
movimiento es esa dirección, el brazo produce una contracción en esa dirección. Si
efectuamos el movimiento en el sentido contrario, el esfuerzo se produce en sentido
contrario.

Podemos ver claramente la descripción del pulgar. Que realiza un movimiento cónico para
sujetar objetos, este a su vez produce una denotación muy clara en los pliegue de la mano.
A continuación observamos 2 manos, la primera esta contraída, denotando los pliegues en la
palma, la segunda se encuentra extendida generando todo lo contrario, pero este a su vez
denota los pliegues interfalangicos y los metacarpicos y la tensión de los tendones
PASOS PARA EL DIBUJO DE UNA MANO:
1) Lo primero es dibujar figuras geométricas simples para definir la forma, un ovalo y un dedo,
parecido a un guante de cocina o al guante de un muñeco de navidad.
2) Luego incluimos las líneas separadoras de cada uno de los dedos y la línea que separa la
palma de los dedos y el semicírculo que define el musculo del pulgar.
3) Ahora incluimos los cilindros que determinan las falanges de los dedos
4) finalmente organizamos el boceto para proceder a detallar el dibujo

Estas son poses muy comunes a la hora de dibujar las manos en poses más complejas.
Siempre debemos tratar de dibujar lo que nos parezca difícil en base de las figuras
geométricas para facilitar el trabajo y que nuestro boceto sea lo más preciso posible
 CIERRE DE LA CLAS

Aclaración de dudas

- Evaluación: Se propone una evaluación formativa, continua y cualitativa que atienda los
siguientes criterios: Participación activa, Ejecución, Acopio de producciones
realizadas, Aprendizajes esperados, Competencias alcanzadas.
TALLER #1
- Dibuja las manos en diferentes posiciones.

- ACCIONES DE MEJORAMIENTO

Alternativas de solución para mejorar el aprendizaje de la educación artística

- Facilitar y respetar la originalidad de cada educando y estimular su creatividad.
- Propiciar la formación integral del educando a medida que avanza en su proceso de desarrollo.
- Orientar El desarrollo de las actividades artísticas en los estudiantes con desempeño bajo.
- Crear un clima de libertad para que todos los estudiantes expresen sus sentimientos, vivencias,
emociones y aprendan a respetar y valorar sus creaciones y las de los demás.
CLASE # 3 y 4
APERTURA DE LA CLASE
Explicación del Objetivo de la clase

Exploración de conocimientos previos

Descubrir las respuestas a las preguntas hechas.

Estrategias: Analogías, Desarrollo de la creatividad

DESARROLLO DE LA CLASE

CONTENIDOS

DIBUJO DE LOS PIES

PROPORCIÓN:

En el anterior tutorial veíamos esta misma ilustración, lo único que queda agregar a esta
ilustración es que por lo general el pie supera la longitud de la cabeza, por lo menos en unos 5
centímetros, pero la medida casi mas exacta es que desde donde empieza el codo de su
propio brazo hasta la muñeca es la misma longitud desde el talón hasta la punta del pulgar de
su pie.

NATURALEZA DEL PIE:

PARTES: La siguiente ilustración muestra como se denomina cada una de las regiones del pie.
 DIBUJO DE LOS PIES

El contenido dentro del recuadro rojo representa el pie visto desde arriba, el recuadro azul
representa la planta del pie, para ambos se usa el mismo esquema de dibujo.
En el recuadro rojo el esquema del dibujo del pie esta descrito por una forma básico como si
fuese un triángulo redondeado por la parte del talón. Los dedos del pie ya no son tres
cilindros sino dos en cada dedo, en el recuadro azul tomamos el mismo esquema, solo que
esta vez serán algunos círculos que definen las yemas de los dedos al final de este. Además le
agregamos algunos círculos que determinan la región del talón y el musculo del pulgar
 El dibujo de un pie de perfil es muy sencillo, primero se dibuja el pie al estilo de un maniquí
articulado o más bien como los pies que se usan de prótesis. lo importante es no olvidarse del
hueco de la palma y de la localización de los tobillos a la hora de dibujar

En este esbozo vemos claramente la separación del pie en varias partes, la sección de los
dedos, la sección tenar, la sección del talón y la pierna.

Aquí está el dibujo de varias posiciones del pie visto desde varios puntos el primero es de 3/4,
luego de frente y luego detrás. Cabe destacar algo y es la posición de los tobillos, siempre es
recomendable trazar una línea diagonal para hallar la ubicación de los tobillos, recuerden,
nunca los tobillos pueden ir nivelados.

CIERRE DE LA CLASE

- Aclaración de dudas
- Evaluación: Se propone una evaluación formativa, continua y cualitativa que atienda los
siguientes criterios:
-Participación activa
-Ejecución

-Acopio de producciones realizadas

-Aprendizajes esperados

-Competencias alcanzadas

-Lograr la autoevaluación como forma superior del sistema de evaluación.

TALLER #2

- Dibuja los pies en diferentes posiciones.

ACCIONES DE MEJORAMIENTO

Alternativas de solución para mejorar el aprendizaje de la educación artística

- Facilitar y respetar la originalidad de cada educando y estimular su creatividad.

- Propiciar la formación integral del educando a medida que avanza en su proceso de desarrollo.
- Orientar El desarrollo de las actividades artísticas en los estudiantes con desempeño bajo.
- Crear un clima de libertad para que todos los estudiantes expresen sus sentimientos, vivencias,
emociones y aprendan a respetar y valorar sus creaciones y las de los
- demás.
CLASE # 5 A LA 9
APERTURA DE LA CLASE
Explicación del Objetivo de la clase

Exploración de conocimientos previos

Descubrir las respuestas a las preguntas hechas.

Estrategias: Analogías, Desarrollo de la creatividad

DESARROLLO DE LA CLASE

CONTENIDOS

LA FIGURA HUMANA
El estudio de las proporciones humanas se remonta a mas de unos 5000

años atrás, con la cultura egipcia. Donde encontraron el canon

más antiguo del estudio de las proporciones humanas.
Desde esos tiempos, el estudio de las proporciones fue evolucionando y perfeccionando.
Existen tres cánones para determinar las proporciones de la figura humana:

-Un canon de siete cabezas y media = figura común

-Un canon de ocho cabezas = figura ideal
-Un canon de ocho cabezas y media a nueve = figura heroica
Los griegos consideraban que la figura humana era un símbolo de la perfecta proporción como
manifestación de la naturaleza; gracias al profundo estudio de las proporciones, pudieron
imitar fielmente la anatomía humana y los rostros ganaron una expresividad y realismo
perfectos en sus admirables obras. La belleza griega encierra en su interior una exaltación del
desnudo como algo natural que nos devuelve al tiempo en que hombre y Naturaleza no se
hallaban en contradicción. Los desnudos griegos son nobles, armonizan lo natural con lo más
sublime, lo espiritual. los hombres griegos debían estar hechos a imagen y semejanza del
estado, fuertes y bien proporcionados.

El canon es el término que se aplica a partir del arte clásico a conjunto de proporciones ideales
para la representación perfecta del ser humano. Es un código orientativo que, mediante
fórmulas matemáticas, establece las proporciones ideales del cuerpo humano, dividiéndolo en
sectores que reciben el nombre de módulos.
La medida estándar del cuerpo humano es de ocho cabezas de altura. Es decir que para
comenzar a dibujar un personaje partiremos por la cabeza, la que tomaremos como referencia
para el tamaño del cuerpo.

• La cabeza es una octava parte del cuerpo, y por lo tanto un módulo. Dicho módulo se mide
desde la parte alta de la cabeza hasta el fin del mentón, sin incluir el largo del cuello.
• La anchura de las sienes, determina la anchura del hombro desde la base del cuello hasta la
articulación.
• El codo corresponde con la cintura, la muñeca con el pubis y la mano con la mitad del
muslo.
• La longitud del muslo es igual a la de las piernas.
Tanto en el hombre como en la mujer el brazo llega más o menos hasta la cintura. El tamaño
del antebrazo es igual al del brazo. La muñeca debe llegar más o menos hasta el pubis.
Observa que el hombre tiene la espalda mucho mas ancha que la mujer. La mujer en cambio
tiene las caderas más anchas que las del hombre.
Es obvio que en el hombre se resaltan más los músculos que en la mujer.
Como dije, ésta es una medida estándar, lo que quiere decir que no todos nuestros personajes
deben medir necesariamente ocho cabezas. El tamaño cambia de acuerdo a la edad o el sexo
del personaje. Pero siempre debemos recordar que, sin importar la altura, el centro del
cuerpo humano se encuentra a la altura del pubis.
LOS MUSCULOS

También es bueno que conozcamos los músculos para poder dibujar bien la figura humana. En
estos dibujos podemos ver (más o menos) los principales músculos frontales y dorsales.

Ya conocemos las proporciones del cuerpo humano y algo de los músculos. Pero, ¿cómo
empezamos a dibujar nuestro personaje en distintas posiciones?.
Antes que nada debes imaginar en qué posición se encontrará tu personaje. Una vez que has
decidido la posición, dibuja un esquema del personaje como se ve en los siguientes dibujos
(no te vayas a dibujar todos los huesos del cuerpo). Esto es muy importante si aún no tienes
mucha experiencia con las proporciones del cuerpo. ¿Por qué? Imagínate que comienzas a
dibujar tu personaje, lo terminaste y hasta lo entintaste. Luego, cuando observas bien tu obra
de arte te das cuenta de que un brazo te salió muy corto. ¿Qué haces? Para evitarte esta clase
de problemas es que debes hacer el esquema. Dibújalo en la posición que quieras, revisa bien
que todo esté en orden, corrige todos los errores de proporción y una vez que estés cien por
ciento contento con tu esqueleto recién puedes empezar a darle volumen. Ni se te ocurra
empezar a dibujar a tu personaje vestido. Los detalles como los ojos, el cabello y la ropa se
hacen después.

COMO REALIZAR LA FIGURA HUMANA CON FIGURAS GEOMÉTRICAS

Empecemos con la construcción de la estructura. La estructura humana se puede

simplificar empleando formas geométricas.

Veamos:

La figura humana se divide en tres partes de gran importancia: la cabeza, el

tronco y las extremidades.

Voy a explicar un poco cada una de estas partes

Cabeza:
-Esta dividida en dos partes, el cráneo y el rostro. Compone 1/8 parte del largo
vertical de la figura humana (ver imagen anterior). Puede ser representada por
un ovalo.
Tronco:
- Comprende desde los hombros hasta el pubis. Ocupa casi 3/8 del largo de
la figura humana. Podemos facilitar su dibujo representándolo con un triangulo
(ver imagen anterior).

Extremidades:
- Las extremidades se dividen en 2, las superiores (brazos) y las
inferiores (piernas), se pueden representar fácilmente empleando óvalos.
Practica: Para poner en práctica lo anterior te recomiendo seguir estos pasos:
1) Traza el eje central de la figura.

2) Dibujar con líneas auxiliares el tronco y las extremidades.

3) Luego realizar la figura por medio de triángulos, círculos

y óvalos.

4) Pulir la figura.

Practiquen hacer estructuras de la figura en diferentes posiciones!. También es recomendable

estudiar un poco de anatomía para guiarse mejor.
PROPORCIONES EN LOS NIÑOS
Los niños guardan otras proporciones:
Como el niño es una persona en constante y rápida evolución es difícil concretar un canon,
aunque podemos establecer uno aproximado: cinco cabezas para niños de dos años, de seis
cabezas entre seis y doce y siete entre los doce y los quince, aproximadamente.

Pide a un amigo o familiar que pose para ti e intenta dibujar su postura. Traza un sencillo
esquema donde aparezcan las líneas principales
Aquí te dejo algunos ejemplos para que practiques.

Puedes comenzar como te dije anteriormente por medio de un esquema con figuras
geométricas.
Por medio de la practica constante se pueden lograr buenos dibujos, desde ahora te aconsejo
que cargues un block y aproveches los espacios libres y comienza a realizar bocetos sencillos.
 TÉCNICAS DE DIBUJO
En esta sección presento las técnicas, materiales y herramientas sobre el dibujo
artístico, para aprender a dibujar mejor. El dibujo es una técnica básica a partir
de la cual se desarrollan otras artes como la pintura, la escultura y la arquitectura.
Crear un boceto en papel con un simple lápiz suele ser el inicio de una gran obra
de arte.
TÉCNICAS DE DIBUJO

Dibujar con carboncillo

Cómo dibujar con cuadrícula

Dibujo creativo 1. Dibujo lineal

Dibujo creativo 2. Dibujo gestual

Dibujo creativo 3. Volumen y modelado

Anatomía de la figura en movimiento

 Las perspectivas

Tinta china o japonesa

LOS MATERIALES DEL DIBUJO
Carboncillos, barras de carbón, lápices de grafito, tintas, rotuladores, lápices de
color, barras o lápices de pastel e incluso pinceles para dibujar…
El caballete con tablero para grandes formatos. También se utilizan las mesas
de dibujo, que tienen una inclinación más baja cerca del dibujante. Para evitar
las deformaciones y tener más comodidad al dibujar hemos de intentar que
nuestra vista sea perpendicular al papel. El papel se fija en el tablero con
chinchetas o celo de papel.
Los papeles para dibujo. Los más famosos son Canson, Ingres y Fabriano, pero
hay una gran variedad. Los papeles pueden ser de color blanco (clásico) o con
color. El papel puede ser satinado, no satinado, más o menos absorvente, de
grosor mayor o menor, etc, y debemos escogerlo según la especialidad de dibujo
que vayamos a realizar.
Difuminos, para difuminar el trazo del lápiz o carbón.
Esponjas, pañuelos de lana, trapos, para limpiar y difuminar.
Cutter y sacapuntas, para preparar los lápices.
Cinta adhesiva para papel para reservas o para fijar el papel.
Reglas, tanto rígidas como cuerdas flexibles, para tomar medidas y crear
cuadrículas.
Fijativo para que el dibujo no se desprenda del papel una vez finalizado o por
fases de dibujo que se van fijando.
Goma de borrar, para corregir o sacar luces al carboncillo.
ALFABETIVIDAD VISUAL

TÉCNICAS DE PINTURA

MATERIALES DE ARTE