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SUMÁRIO
Introdução . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 4
Crítica jornalística . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 5
Crítica ou Resenha . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 8
Bagagem Cultural . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 9
Conhecimentos Técnicos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 11
Roteiro . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .12
Direção . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 16
Interpretação . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .17
Direção de arte . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 20
Direção de Fotografia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 22
Efeitos visuais . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 23
Mixagem, edição de som e trilha sonora . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 25
Finalização . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 27
Gêneros . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 29
Ação . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 32
Animação . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 34
Adaptação Literária . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 36
Comédia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 38
Drama . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 42
Fantástico . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 46
Ficção científica . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 47
Musical . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 49
Terror . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 53
Thriller . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 55
Western . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 57
A crítica na era da internet . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 59
Os veículos digitais . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 61
Ferramentas e apoio de materiais exclusivos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 62
Tipos de eventos para críticos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 63
A filosofia a serviço da crítica cinematográfica . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 68
Análise de críticas . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 71
Crítica: Quem quer ser um milionário? por Marcelo Janot . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 71
Crítica: Os Vingadores, por Rubens Ewald Filho . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 74
Crítica: UP - Altas Aventuras, por Luiz Carlos Merten . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 77
Crítica: Um método perigoso, por Filipe Quintans . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 79
Crítica: A Pele que Habito, por Gabriel Medeiros . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 80
Conclusão . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 83
Glossário . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 85
Referências bibliográficas . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 86
Referências FILMOGRÁFICAS . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 87
 

INTRODUÇÃO
A crítica cinematográfica representa uma das maneiras de apreciação de uma obra por parte
da mídia especializada, mas não é apenas uma questão de julgamento ou intuições que comporão
sua construção. Criticar representa não apenas manifestar uma opinião subjetiva sobre uma
determinada produção, mas a análise objetiva e ponderada, atribuindo visões que contribuam para
uma elaboração de pensamento mais precisa e que possa ajudar o apreciador a compreender certas
nuances que podem escapar durante a apreciação do filme.

Não podemos também acreditar que seja uma ferramenta para julgamentos de valores de uma
única pessoa, temos que nos lembrar de que o crítico possui suas próprias ideologias e opiniões,
que normalmente não devem transparecer durante a produção da crítica, pois caso isso ocorra de
forma agressiva e sem certos limites, teremos um discurso unilateral sobre a obra e o sentido de
expor os pontos positivos e negativos será perdido.

A opinião do crítico deve existir, mas o mesmo deverá deixar claro quais são os pontos em
debate para que o espectador possa tirar suas próprias conclusões também, ou seja, o crítico deverá
manifestar seus pontos de vista com o apoio de alguma explicação ou exemplificação pertinente.

O cinema é uma arte que transporta o público para mundos novos e diferentes, ele ultrapassou
os limites da própria criação ao dar movimento e vida às pinturas e esculturas, expoentes máximos
de uma época em que essas formas de cultura eram o símbolo principal de uma sociedade. Agora
a realidade é moldada e nos possibilita viver vidas que nos incentivem a nos tornarmos melhores
do que somos.

O cinema é a forma contemporânea da arte: a da imagem sonora em movimento.

Nele, a câmera capta uma sociedade complexa, múltipla e diferenciada, combinando
de maneira totalmente nova, música, dança, literatura, escultura, pintura, arquitetura,
história e, pelos efeitos especiais, criando realidades novas, insólitas, numa imaginação
plástica infinita que só tem correspondente nos sonhos. (CHAUI, p. 333, 2010).

Desta forma, podemos esperar que a produção de materiais que façam análises de filmes seja
um tipo de produto com elementos suficientes para ajudar e orientar o espectador na sua jornada
pelo entendimento da obra. O crítico deve saber o momento exato de informar ou se calar, pois o
melhor de um filme são as surpresas que existem no decorrer da trama, mas se divulgarmos uma

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cena-chave ou o final da obra em nossa produção textual ou de vídeo estaremos quebrando com
as expectativas e sonhos dos cinéfilos.

Eles confiam no crítico para ajudar na decodificação dos símbolos escondidos da trama, mas
não para estragar o elemento surpresa, aquele pequeno trecho que desenvolverá ou abrirá uma nova
percepção para o público. Neste caso devemos nos ater às opiniões técnicas: figurino, maquiagem,
elenco, direção etc.

E assim manter uma linha clara e objetiva da análise do filme, é óbvio que a opinião deve ser precisa
e pontuada por informações que possuam base e lógica, caso contrário, estaremos manifestando
apenas sentimentos pessoais e sem fundamento, o que ocasionará revolta e frustração por parte
do público que pretendemos atingir.

Figura 1 – Crítica Jornalística

Fonte: shutterstock.com / Por Fer Gregory

CRÍTICA JORNALÍSTICA
O crítico tem a função de explorar, absorver e compreender a experiência de uma obra
cinematográfica com o intuito de transmitir suas opiniões e impressões sobre o tema abordado.
Os autores Rabaça e Barbosa afirmam que é uma:

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Discussão fundamentada e sistemática, a respeito de determinada manifestação

artística, publicada geralmente em veículos de massa (jornal revista, livro, rádio,
TV) e emitida por jornalista, professor, escritor ou por outros especialistas. Em geral
profissionalmente vinculados ao veículo como colaboradores regulares. Apreciação
estética e ideológica, desenvolvida a partir de um ponto de vista individual, em que
entra a experiência prática e/ou teórica do crítico, a respeito de trabalho literário, teatral,
cinematográfico, de artes plásticas etc. O exercício da crítica implica na compreensão
de tudo o que participa do processo de criação de uma obra artística, suas técnicas,
significados, propostas e importância no âmbito de um contexto cultural. “A crítica
visa ao conhecimento e valoração da obra, tendo em mira orientar o gosto e a da
curiosidade leitor”. Elaborada a partir de um padrão – moderno ou acadêmico – de
proposta artística e pela comparação dos valores e informações da obra com o ideal
estético daquele que analisa e opina, a crítica é também uma atividade criativa, na
medida em que reinterpreta intelectualmente o objeto examinado e propicia ao leitor
um conjunto de impressões, ideias e sugestões, enriquecendo a informação original.
(RABAÇA e BARBOSA, 2001 apud CASSAROTI, 2006, p. 31).

Ainda podemos afirmar que ao observarmos a elaboração atual de críticas no cenário

contemporâneo há um direcionamento em torno do consumo cultural, ou seja, criou-se um tipo
de situação em que a produção em massa de textos e/ou vídeos comentando os filmes tornou-se
necessária para atender uma demanda cada vez maior por parte do público ávido por informações
de suas obras preferidas.

A crítica jornalística distancia-se cada vez mais de funções que o ambiente cultural
lhe atribuía no passado, de forma que entre o exame analítico dos filmes, de um
lado, e o registro jornalístico do produto e a caracterização veloz dos elementos que
permitem que um público de massa forme a sua decisão de consumo, de outro, tende
decisivamente a ficar com o segundo. Importa ao analista identificar as características
fundamentais que estabelecem as pequenas diferenças entre os produtos em oferta
de modo a orientar a decisão sobre o filme que deverá ser consumido. (MIMURA,
2011, p. 2).

Dentro do contexto da análise o crítico deve ter conhecimentos amplos sobre diversos aspectos
do campo do cinema e das artes para poder elaborar da melhor maneira possível seu texto e/ou vídeo
e para que possa conduzir o tema de uma maneira agradável e direta, ponderando suas opiniões
com fatos que comprovem suas ideias.

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No ambiente técnico, o conhecimento das linguagens audiovisuais é imprescindível para que

sua análise possa passar as informações mais importantes sobre como a obra foi produzida de
acordo com as novas tecnologias e elementos que utilizem meios eletrônicos digitais.

A questão artística envolve como o crítico fará uma avaliação da direção, atuação e roteiro
do filme, neste caso conhecer o processo de preparação do ator, a visão do diretor e noções de
concepção de roteiros e peças de teatro são ferramentas valiosas para agregar valor ao tipo de
material que deseja produzir e divulgar ao seu público.

Um ponto importante é a forma como a obra será apreciada pelo especialista em cinema, pois a
cultura prévia sobre determinado tema será um indexador dos demais elementos a serem analisados,
ou seja, um drama histórico não poderá ser ponderado caso o crítico não tenha conhecimento sobre
o fato explorado na produção.

Temos então quatro pontos de interesse que devem ser observados pelo crítico: o consumo
cultural, a linguagem audiovisual, a qualidade artística e a apreciação que formarão a base para que
a opinião do especialista possa ser absorvida pelo seu público e daí gerar novas ideias e debates.
O crítico de cinema não é uma ilha ou um dono da verdade absoluta, sempre deve levar em conta
que sua opinião expressará um momento capturado da obra e que haverá discordâncias de seus
pontos de vista, mas o aprofundamento é de suma importância para contribuir com um maior
entendimento dos pontos fundamentais e essenciais que serão explorados na crítica.

Quando o assunto é a crítica que envolva uma produção que não segue os grandes circuitos
culturais, como cinema alternativo e estrangeiro independente, temos um grande problema de
acesso a esses materiais que, normalmente pelo receio de não serem bem aceitos por suas
produtoras, acabam em um tipo de marginalidade e são exibidos em horários alternativos das
grandes produções e em salas de cinema pouco conhecidas a não ser por aquele público que já
é focado neste tipo de obra.

Neste caso, o consumo cultural torna-se um tipo de relacionamento que não envolve as grandes
chamadas de marketing ou venda direta ao consumidor de produtos relacionados, mas o filme
em si é o produto principal e sua objetividade de história é que deve prevalecer sobre os demais
elementos externos.

Claro que o público é mais focado e se interessa por assuntos que não são apreciados por
grande parte dos cinéfilos, é o que podemos considerar como desinteresse coletivo por obras de

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menor exposição, ou seja, as grandes estreias e produções com atores e atrizes famosos são o
chamariz para que uma obra seja considerada rentável e de sucesso. No caso do cinema alternativo,
as produções têm um orçamento mais baixo, seus protagonistas são desconhecidos do grande
público, mas não de seu fiel espectador.

Então temos essa linha que divide o cinema de consumo cultural com uma visão mais
mercadológica no cenário do entretenimento daquele consumo cultural sem interesse no lucro
apenas, mas na produção de materiais com qualidade e roteiro mais centrado na análise intelectual
e social de uma determinada situação.

Figura 2 – Crítica ou resenha

Fonte: shutterstock.com / Por Your Design

CRÍTICA OU RESENHA
Crítica e resenha se apresentam como segmentos distintos, pois enquanto a primeira nos remete
a um juízo de valor, a segunda, na maioria dos casos, representa uma análise mais didática e sem
opinião de uma obra, ou seja, são destacados os pontos positivos e negativos sem fazer julgamentos.

A escolha de um tipo ou outro é determinada pela necessidade do público do veículo ou mídia

vinculada à obra. No caso do cinema, teatro, artes em geral há a figura do crítico cultural que
interpreta e dá sua opinião sobre como a produção foi apresentada e de que maneira ela irá agradar

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ou não ao público interessado. Esse julgamento será refletido pela sua própria experiência pessoal
no campo debatido e seus conhecimentos sobre o tema.

A resenha também pode ser atribuída a esses três elementos das artes quando são feitas
sinopses na forma de pequenos textos que divulgam um resumo do que acontecerá na obra. Na
literatura temos mais casos de resenhas que refletem apenas o principal do trabalho, mas existe a
figura da resenha crítica que mescla não apenas essa análise literal do material, mas agrega uma
opinião do especialista para proporcionar um maior entendimento por parte do público.

Quando buscamos uma diferenciação mais precisa, esta pode ser um grave problema, pois
dependendo do meio no qual o crítico for inserir ou publicar seu material, visto que o veículo terá
uma decisão ou comentário que poderá alterar em alguns pontos a própria crítica para adequá-la ao
público daquela mídia. O importante sempre que o especialista em cinema for aceitar determinado
trabalho, é que seja direto em suas expectativas com o veículo e deixe claro que não se deixará
influenciar por questões econômicas, políticas ou sociais, pois seu trabalho deve ser isento de
quaisquer tipos de manifestações que não sejam relacionadas às obras analisadas.

Alguns elementos se destacam para a produção destes materiais descritivos ou opinativos e

merecem especial atenção pela mídia especializada para que não ocorram problemas de interpretação
pelos leitores ou espectadores.

Bagagem Cultural
O crítico que não possuir conhecimentos que vão além do que se observará na obra cinematográfica
terá grandes problemas para convencer seu público de que aquele material seja de valor, pois a
crítica é um conjunto dos contextos culturais, históricos, filosóficos, artísticos, estéticos, sociais,
entre outros, que possibilitam a inclusão de informações que estão subjetivamente embutidas nos
filmes e que precisam ser decodificadas para o grande público.

Não que a intenção de qualquer produção seja de elitizar e segregar os interessados no filme,
mas devido à grande quantidade de informações que uma película pode conter, há a necessidade de
que o crítico sirva de guia para elucidar algumas questões que podem ter passado despercebidas
pelo grande público ou que geraram alguma dúvida.

O crítico, atualmente, promove uma mediação cultural, ou seja, colabora e ajuda os espectadores
na decodificação de códigos dos filmes traduzindo algum ponto ou explorando aspectos que podem

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ser desconhecidos da maioria e expõe seus pontos de vista de maneira isenta, assim colabora com
o bom entendimento das obras cinematográficas.

Essa função de intermediário ao serviço do consumidor cultural ganhou recentemente

ainda mais primazia em virtude da dilatação das fronteiras da arte às chamadas
indústrias culturais, assim como da respectiva intensificação 983 Vítor Sérgio
Ferreira da produção, da mercantilização e do consumo de toda uma variada gama
de produtos culturais, traduzindo-se hoje o discurso crítico não apenas em ganhos
de inteligibilidade sobre os objectos fabricados em ambos os pólos — da dita «arte
pura» e das indústrias culturais —, como também em ganhos de facilidade no trabalho
de selecção do consumidor. Este, disperso entre o inumerável cultural que cada
vez mais encontra diante de si, procura efectivamente na crítica contemporânea
elementos de informação, contextualização e judicação que, sob diversos moldes,
venham facilitar-lhe e orientá-lo nessa tarefa (FERREIRA, p. 10, 1995).

Figura 3 – A bagagem Cultural

Fonte: shutterstock.com/ Por VLADGRIN

Podemos relacionar e incluir a publicidade no papel do crítico como mediador cultural. O

próprio filme é um produto concebido pela indústria do cinema e, como material de consumo, as

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produções tendem a agradar determinado tipo de público. Para aumentar o convencimento, as peças
promocionais como cartazes, banners, ações de marketing com interação de atores e diretores
ajudam na divulgação e consequentemente reafirmam a necessidade de o espectador consumir
este tipo de produto.

Assim, também são os eventos com a presença de atores e atrizes que possibilitam um contato
mais direto entre eles e o público alvo e promovem uma interação que agradará e divulgará ainda
mais a obra.

As produtoras também colocam o crítico em situações em que podem entrevistar os atores e

atrizes para criar um vínculo que possibilitará um maior entendimento do filme e complementará
algum ponto que pode ser explorado de uma maneira melhor. Este tipo de entrevista também ocorre
com diretores, produtores e equipe técnica, sempre dependendo da necessidade dos veículos e do
interesse das distribuidoras.

Desta forma, a própria mediação ganha novos rumos, pois o crítico não depende exclusivamente
da obra ou informações passadas por terceiros, agora ele tem acesso direto a quem realmente
viveu e realizou o projeto, podendo vislumbrar frente a frente as reações e sentimentos que cada
um demonstrar durante o contato direto.

Conhecimentos Técnicos
O conhecimento de diversas áreas e departamentos do meio cinematográfico é de suma
importância ao crítico de cinema. Assim, o especialista terá uma visão mais ampla de como é
concebida uma obra e o seu processo de produção.

São diversas áreas que promovem a produção, e o empenho e esforço de cada uma é que vai
somar e realizar o projeto no seu final. Tendo o diretor como condutor deste processo, toda a equipe
envolvida segue um cronograma e uma logística própria para a realização de um filme.

O que deve ser levado em consideração é que os profissionais envolvidos devem ter experiência
no meio cinematográfico, pois a não observância deste ponto poderá acarretar atrasos e tentativas
em fazer certos processos, por este motivo, a indústria cinematográfica é muito seletiva na escolha
de seus profissionais. Então, o crítico mesmo não sendo especialista em todas estas áreas deverá
estudar e conhecer como funcionam esses processos, pois só poderemos manifestar alguma
opinião a respeito com base em conhecimentos previamente adquiridos.

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Os curiosos, que são muitos, acabam atrapalhando as boas críticas existentes que são pontuais
e precisas. Essas pessoas acreditam que apenas por assistirem ao filme estão capacitadas a opinar
sobre a direção de fotografia, mas precisamos de conhecimentos, pelo menos básicos, sobre luz e
formatos de fotos para minimamente manifestarmos uma opinião mais centrada e objetiva.

Conheçamos agora os principais conceitos técnicos que ajudarão na formação de uma crítica
mais profissional e uma análise mais pontual sobre o assunto desejado.

Figura 4 – O roteiro

Fonte: shutterstock.com / Mark Poprocki

SAIBA MAIS

Para ser um crítico de cinema, é necessário entender a arte dos filmes e ver além do que o público
vê. Clique nesse link e veja 12 dicas ilustradas e de fácil entendimento sobre Como ser um Crítico de
Cinema.

Roteiro

A roteirização de um filme é um trabalho individual ou de equipe, pois o roteiro pode ser classificado
em dois aspectos:

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• Originais: são obras que foram criadas exclusivamente para o cinema e surgiram das ideias
de escritores, diretores e artistas que vislumbraram uma história inédita e criaram mundos,
dimensões, tramas, amores, dores e tantas outras emoções que podem envolver os espectadores.
• Adaptados: são materiais que já existiam na literatura, vídeos, contos, histórias reais de vida
que foram moldadas para o ramo cinematográfico. As tramas são baseadas em fatos ou
acontecimentos e o roteiro dá vida aos momentos que foram narrados em outras linguagens.

O grande problema sempre será como escrever um roteiro que prenda a atenção de seu público.
Não importa o gênero narrativo, mas condensar uma história em pouco mais de duas horas é uma
tarefa que exige conhecimento do tema, imaginação, coesão e muita sensibilidade.

QUANDO, NO ANO 335 a.C., Aristóteles dissecou princípios e práticas da arte dramática
em seu tratado Poética, ele conseguiu antecipar “um texto em prosa ainda sem nome”,
que seria a literatura, mas não o que viria a ser um dos usos mais comuns de seu
trabalho — o roteiro cinematográfico. Ouso dizer que, sem Aristóteles e Poética, o
roteiro não seria a clara e definida peça de literatura dramática que é hoje, e roteiristas
ainda estariam quebrando a cabeça para tentar contar uma história complexa em
menos de 120 minutos, sem perder a atenção das pessoas na sala escura. (BAHIANA,
p. 31, 2012).

Na atualidade, os grandes estúdios, geralmente os americanos, optam por roteiros que atraiam
um público maior a cada nova produção e investem pesado em orçamentos gigantescos e roteiros
fechados em uma temática da “moda” para conquistarem uma grande audiência. Um exemplo de
roteiro adaptado “engessado” é a série de filmes do jovem bruxo Harry Potter que foi líder de vendas
em seus livros e nos cinemas e agora lançou uma nova produção baseada em uma história à parte
Animais Fantásticos e Onde Habitam. Este livro não tem uma história, mas um pequeno guia para
o “mundo bruxo”, ainda assim gerou um roteiro de cinema para um filme de mais de duas horas de
duração.

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Figura 5 - Cartaz do filme Animais Fantásticos e Onde Habitam

Fonte: http://www.atoupeira.com.br/wp-content/uploads/2016/11/
Animais-Fantasticos-Poster-Final-cr%C3%ADtica.jpg.

Não devemos esquecer que a produção de um bom roteiro também depende de uma boa dose
de criatividade aliada à pesquisa de campo, ou seja, o roteirista deve sair de seu estúdio ou escritório
e “ver o mundo”, pois assim terá melhores referências sobre diversos assuntos e poderá ter novas
ideias e conceitos sobre determinados pontos que podem ter passado sem que tivesse percebido.

Uma boa ideia apenas não basta, pois a pesquisa também é de suma importância para evitar
plágio indevido que pode ocorrer por termos uma concepção em nossas mentes, mas ela já ser
derivada de algo que vimos anteriormente e esquecemos com o decorrer do tempo.

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CURIOSIDADE

Dez dicas para escrever um roteiro de sucesso de Hollywood!

Tony Gilroy é um dos roteiristas mais cotados de Hollywood, por causa de sucessos como
Armageddon (1998) e O Advogado do Diabo (1997). Ele ganhou o Oscar de melhor roteiro original com
Conduta de Risco, em 2007.

O site BBC perguntou a ele qual é a chave para escrever e ser bem-sucedido no centro da indústria
cinematográfica americana. Estes são seus dez conselhos:

1. Consuma cinema;
2. Invente histórias, mas que sejam reais;
3. Comece com uma ideia modesta;
4. Aprenda a conviver com a sua invenção;
5. Escreva para a TV;
6. Aprenda a escrever em qualquer lugar, a qualquer momento;
7. Consiga um emprego;
8. Viva a vida;
9. Não se mude para Los Angeles;
10. Resista e siga em frente.
Clique no link e conheça o comentário completo sobre10 dicas publicado no site BBC

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Direção
Figura 6 – Direção

Fonte: .shutterstock.com / Por doomu

Dentre as funções mais importantes está a do diretor, pois é a sua visão que determinará os
rumos da obra cinematográfica. Ele também é conhecido como cineasta e acompanha toda a
execução da produção do filme até sua finalização.

Por mais que o roteiro que receba tenha sua própria linha de ação, o diretor tem liberdade, em
muitos casos, de imprimir sua própria opinião e alterar determinadas cenas e sequências para
atender uma necessidade de adaptação de uma obra literária para o cinema, por exemplo, ou apenas
para deixar sua marca.

Em alguns casos, o próprio roteiro é do diretor e sua linha de atuação e direção serão suas marcas
registradas. Diretores como Alfred Hitchcock e James Cameron são dois exemplos de diretores
autorais ou o chamado cinema de autor. Essa expressão representa uma visão diferenciada do
diretor, pois ele será considerado como o foco principal da concepção e realização do filme.

O crítico deverá analisar além das partes estéticas e técnicas, o trabalho de um diretor, pois a
condução da narração será algo pessoal e o cineasta terá sempre uma impressão única em cada

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gênero que dirigir, pois a narrativa de um filme sofrerá consideráveis alterações de acordo com a
construção das cenas e a orientação dos atores e atrizes no set de filmagem.

Há situações em que um determinado diretor segue uma linha de trabalho muito parecida com
outro e, neste caso, o crítico deverá saber como fazer uma separação precisa de elementos que os
diferenciem, caso contrário, ele poderá cair em um erro muito comum que é dizer que um copiou
o outro, quando na verdade pode ser que o diretor em questão foi aprendiz de outro e com ele
assimilou suas técnicas e adaptou para suas produções.

SAIBA MAIS

A vida de Alfred Hitchcock no cinema começou aos 20 anos, desenhando cartões de filmes mudos.
Desde cedo, mostrou interesse por aprender tudo que estava relacionado ao mundo do cinema.
Aprendeu edição, cenografia, direção, cinematografia e como escrever um bom roteiro. Clique nesse
link e veja a relação de suas participações no cinema e na televisão

Interpretação

A atuação é outro elemento caracterizador da produção cinematográfica. Os atores e atrizes

de diversos filmes, séries e peças são os pontos centrais ou secundários que dão vida ao filme e
às suas personagens que passam do âmbito da imaginação para o mundo real.

Os diálogos bem construídos e conduzidos no roteiro são transformados em ações pela atuação,
enquanto a direção se encarrega de organizar e orientar o elenco da obra para que seja extraído
o máximo de sua interpretação, afinal, a mesma tem que ser vista como uma “realidade dentro da
fantasia”.

Os atores e atrizes nos dias de hoje são um fenômeno cultural, pois de acordo com suas
interpretações são ícones representativos de uma sociedade, ou seja, as pessoas se identificam
com suas atuações e passam a segui-los (fãs) em redes sociais, notícias de mídias especializadas
em cinema e tomam muitas vezes a decisão de ver uma produção de acordo com o elenco escolhido
e não pela trama em si. É algo que acontece com o gênero dos filmes, há espectadores que adotam
o terror como seu preferido e não assistem a mais nada, por assim dizer, que não seja nessa linha.
O mesmo pode acontecer com as atuações.

Existe uma grande indústria por trás deste tipo de atitude por parte do público em geral. A
já conhecida indústria do cinema acaba por direcionar certos atores e atrizes para filmes com

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temáticas parecidas para atrair um tipo de espectador. O ator Tom Hanks e a atriz Meg Ryan, em
muitos filmes, interpretaram casais românticos para atender uma demanda de seu público. Mens@
gem para você e Sintonia de Amor são dois exemplos que usaram o gênero comédia romântica e
com escalação dos mesmos protagonistas para atrair um determinado tipo de público.

Também há a necessidade de se tomar cuidado com interpretações exageradas ou sem

expressividade que acabam por abalar a credibilidade da obra. E há a questão da “química”, ou
seja, um ator pode ser muito bom em sua atuação, mas para aquele determinado papel não haver
uma ligação. É o caso que ocorreu durante as filmagens do primeiro De Volta para o Futuro, quando
o diretor e os produtores queriam a presença do ator Michael J. Fox para o papel principal de
MartyMcFly, mas como este estava envolvido em outro projeto. Optaram então, pelo ator Eric Stoltz
que chegou a gravar diversas sequências do filme, mas no final ele não “pertencia” àquele set de
filmagens e a decisão de tirá-lo poderia comprometer todo o trabalho já realizado. Este tipo de risco
deve ser bem pensado pelo diretor, pois pode representar o sucesso ou o fracasso de sua produção.

Neste caso, dependendo do atraso das filmagens, uma troca de atores não poderá ser realizada e
corre-se o risco de um fracasso de bilheterias, mas há ocasiões em que as mudanças são necessárias,
pois determinados atores recusam os papéis como foi o caso do personagem Indiana Jones para
o qual o ator cotado era Tom Seleck que interpretava um detetive particular em Magnum, mas que
recusou o papel por estar envolvido na série. Outro ator foi chamado, Harrison Ford aceitou o manto
do famoso arqueólogo e deu tão certo que se tornou um cult entre os amantes da sétima arte.

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Figura 7 – Harrison Ford em Indiana Jones

Fonte: shutterstock.com / Por Anton_Ivanov

Assim podemos afirmar que uma análise do perfil de atores e atrizes é importante, sua filmografia,
suas preferências ou aceitação em determinados gêneros podem ser significativas para criar um
material crítico onde não será apenas determinada a questão técnica, mas a sensibilidade por
trás de cada gesto e movimento de corpo. Isto é determinante para que a criação da personagem
atinja o seu ápice e envolva o espectador em uma aura de magia e emoção que muitas vezes não
consegue distinguir o ator da personagem.

Neste ponto, cria-se outro problema, pois se o ator ou atriz ficarem marcados como determinado
personagem, suas carreiras poderão ser regidas por essa escolha e ficarem restritos a papéis que
girem apenas nesses elementos. Aconteceu com o ator Willian Shatner da série de TV Star Trek
(Jornada nas Estrelas): ele ficou tão marcado com o papel de capitão Kirk que durante décadas não
conseguiu mais trabalhos importantes na indústria do cinema. Mas também pode ser uma questão
de escolhas: o ator Patrick Stewart ficou marcado como o capitão Jean-Luc Picard de Star Trek The
Next Generation, mas transformou o fato em uma plataforma de lançamento para outros trabalhos
importantes como a franquia X-Men entre outras produções que estrelou.

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Direção de arte
Figura 8 – Direção de arte

Fonte: shutterstock.com / Por SFIO CRACHO

Um ponto de interesse dos cinéfilos, pois corresponde à parte conceitual e visual dos filmes,
ou seja, cenografia, maquiagem, figurino, entre outros. O importante é que o diretor de arte deve
estar atento a todos os detalhes para manter a continuidade da cena. Imaginemos uma sequência
em que um ator esteja representando um personagem do século XVIII e que o mesmo use cartola
e de repente o adereço suma na cena seguinte. Este é um erro clássico de falta de continuidade,
normalmente cometido pelo fato das cenas nem sempre serem sequenciais e poderem ser rodadas
de um ponto específico que foi finalizado no dia anterior, por exemplo.

A área de cenografia responde pelos objetos e grandes ou pequenas construções do set de

filmagem. Tudo que for relativo ao ambiente interno e externo do filme será de responsabilidade do
cenógrafo que terá a árdua tarefa de retratar fielmente um determinado ambiente.

Nesta mesma linha, o figurino atende às necessidades de roupas que sejam designadas para a
obra. Desde meias e sapatos até grandes vestidos e roupas que necessitem ser criadas para uma
obra de ficção científica por exemplo.

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A maquiagem atende a toda parte estética dos atores e atrizes. Trabalha com o tipo de cabelo
adequado aos personagens, unhas, cor de olhos, rostos, maquiagem artística para filmes de terror
ou cenas que exijam caracterizações com machucados e sangue etc.

Com a junção destas áreas, a magia do cinema é conseguida, mas os técnicos e especialistas
envolvidos precisam ser mais do que criativos para inovarem e inventarem soluções para problemas
que eventualmente surjam ou sejam sugeridos por diretores e produtores. No filme O Exorcista,
de 1973, a atriz Linda Blair passou por 80 testes de maquiagem até que conseguiram o resultado
esperado, que levava cerca de 8 horas para ficar pronto, misturando massa de pizza aos demais
elementos.

CURIOSIDADE

William Cameron Menzies foi um diretor de arte e cineasta estadunidense.

Menzies tem um lugar garantido na história do cinema pelo seu aplaudido trabalho como diretor de
arte. Em 1929, inclusive, ganhou o prêmio Oscar da categoria pelos filmes Mulher Cobiçada, de 1927,
e A Tempestade, de 1928. Começou a se destacar nessa função com a fantasia oriental O Ladrão
de Bagdá, de Raoul Walsh, estrelada por Douglas Fairbanks. O barroquismo esplendoroso de seus
cenários pode ser apreciado também nos três últimos filmes de Rodolfo Valentino: Cobra, de 1925;
A Águia, também de 1925, e O Filho do Sheik, de 1926. No cinema sonoro, emprestou seu talento a
filmes como E o Vento Levou, de 1939, de Victor Fleming, que lhe deu um Oscar honorário, devido
a soluções encontradas para o uso da cor no filme; Nossa Cidade, de 1940; Em Cada Coração um
Pecado, de 1942 e Por Quem os Sinos Dobram, de 1943, esses três dirigidos por Sam Wood. (fonte:
adaptado de https://pt.wikipedia.org/wiki/William_Cameron_Menzies)

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Direção de Fotografia
Figura 9 – Direção de fotografia

Fonte: shutterstock.com / Por nmedia

A fotografia no cinema sempre causa certa dualidade nos cinéfilos mais apaixonados e nos
críticos mais duros, por ser um tema que necessita de uma visão aprofundada de imagens, cores
e cenas, pois o que vemos em um filme são frames em movimento. Como se víssemos fotografias
colocadas lado a lado e passadas rapidamente por nossos olhos.

Temos um trio de diretores para a decisão estética da obra: o diretor, o diretor de arte ou
computação gráfica, e o diretor de fotografia. Estes três profissionais terão a trabalhosa tarefa de
criar imagens que fiquem marcadas na visão de seu público como cenas de um quadro. Usemos
o exemplo do filme O Regresso, sua produção visual foi concebida praticamente pela dependência
da luz do dia, ou seja, o diretor só filmava certas cenas e trechos com a luz adequada, caso não
conseguisse teria que fazer no dia seguinte e assim por diante.

Dependemos da luz para termos as percepções das cores e, em um mesmo ambiente, uma
pequena alteração da luz pode mudar todo o conjunto de cores de um objeto, pessoa ou cenário.

A luz é o elemento essencial em qualquer atividade, somos essencialmente cegos e vemos as

cores e objetos por um conceito conhecido por luz reflexiva, ou seja, a luz direta ou indireta é refletida

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nos objetos e pessoas e a partir daí é que conseguimos identificar suas cores. Caso fiquemos no
escuro total não poderemos distinguir nada.

Então, a cada mudança no horário do dia, a luz diminui ou aumenta dependendo da sua intensidade
e fatores como tempo e nuvens, mas se quisermos trabalhar com as cores que imaginamos, o controle
do tempo de filmagem e de atuação deve ser preciso para que não se perca um segundo sequer
da sensação desejada. Poderá ser utilizada uma luz artificial como holofotes, por exemplo, mas
dependendo do tipo de filmagem ela ficaria artificial demais e diversos cineastas são perfeccionistas
e desejam levar a realidade ao extremo em suas obras.

ACONTECEU

O diretor de fotografia Walter Carvalho não enxerga um palmo adiante do nariz. Mesmo assim, os
7,5 graus de miopia não o impedem de ver o país com mais nitidez que muitos conterrâneos. Filmes
fotografados por ele, como Central do Brasil, Lavoura Arcaica, Abril Despedaçado e Carandiru são
exemplos do olhar cristalino desse paraibano de 55 anos, agora reconhecido como cineasta pelo
grande público. Seu filme, Janela da Alma, co-dirigido por João Jardim, já foi visto por um grande
número de espectadores. O mais curioso: trata-se de um documentário, gênero que costuma esvaziar
salas de cinema. E, mais surpreendente: ele trata de deficiência visual, misturando oftalmologia e
filosofia sem cerimônia. Convoca até um fotógrafo cego, o esloveno Evgen Bavcar, para provar que ver
e enxergar não são sinônimos.

Bavcar assume-se como “a fotografia em grau zero”. Ele cria uma “imagem mental” da realidade.
Essa obstinada luta para ver o que outros não enxergam também levou o brasileiro a registrar na
tela detalhes que passam despercebidos. Há ótimos diretores de fotografia no cinema brasileiro,
de Mário Carneiro a Affonso Beato, colaborador preferido de Almodóvar, mas por que os cineastas
estão procurando Walter Carvalho? “Ele tem a importância que Gabriel Figueroa teve no passado
para a cinematografia latino-americana”, afirma Walter Salles, diretor de Central do Brasil e Abril
Despedaçado, identificando nele traços do parceiro mexicano de Buñuel.

Conheça a matéria em comemoração e todos os trabalhos de Walter Carvalho, clicando nesse link.

Efeitos visuais

Este tipo de elemento do cinema existe desde sua criação, pois a inserção de elementos do
cotidiano de forma mais crível como incêndios, chuvas e tempestades são exemplos simples de
forças da natureza que foram recriadas nas telas. Na atualidade, os efeitos visuais são muito mais
elaborados e fantásticos, pois com o auxílio de computadores e programas avançados de modelagem
3D e CGI como modelos de duas tecnologias existentes nos filmes. Com orçamentos gigantescos,
especialmente no cinema norte-americano, as produções puderam investir e proporcionar espetáculos
cada vez mais elaborados.

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Com tecnologias de chroma key, recurso onde atores e atrizes interpretam com um fundo neutro,
os filmes puderam transportar seus espectadores para lugares jamais imaginados no planeta
Terra, ou até mesmo fora dele, chegando a utilizar a captura de movimentos de atores para dar vida
a personagens de animação. Podemos ver um exemplo de tecnologia 3D bem utilizada no filme
Avatar, que foi feito especialmente para captar esse tipo de efeito, com a migração de movimentos
e expressões de atores para personagens alienígenas ficcionais.

Tais avanços representam o que as técnicas visuais modernas podem nos proporcionar, mas
devem ser um agregador e não a função principal do filme que é a de contar uma história por meio
das atuações e roteiro, e não ser apenas um belo show de luzes.

Temos que saber avaliar uma obra que utiliza os recursos visuais e quais são eles. Por exemplo,
em um filme em 3D quando o espectador utilizar um óculos especial para ter a sensação de imersão
na tela, devemos perceber se os elementos estão sendo bem utilizados e se são um acréscimo
importante, pois quando este recurso surgiu, algumas produtoras resolveram fazer um processo
de migração de filmes 2D para o 3D, mas o produto final não fica bom, pois os longas devem ser
produzidos com um fim específico já definido e qualquer alteração de uma tecnologia para a outra
pode não gerar os frutos desejados.

A própria computação gráfica tem evoluído a cada dia e não seria uma total surpresa se alguns
atores e atrizes fossem substituídos por animações de suas próprias representações. Um exemplo
é quando há a necessidade de deixar o personagem mais jovem e um recurso visual é utilizado com
o próprio ator: temos um caso recente no filme Rogue One: Uma História Star Wars no qual a atriz
Carrie Fisher precisa aparentar seus 19 anos de idade como na época do lançamento do primeiro
Star Wars na década de 1970. Ela foi rejuvenescida e o produto final ficou maravilhoso.

Claro que fica perfeito em cenas mais curtas como a citada, mas é um tipo de recurso que
começou a ser usado recentemente e pode auxiliar muito a indústria cinematográfica quando um
ator morre ou desiste da produção. Às vezes, há a necessidade de se arrumar um dublê de corpo
para filmar algumas cenas para dar um “adeus” ao personagem, o que nem sempre funciona.

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CURIOSIDADE

O canal Burger Fiction fez uma montagem com pouco mais de 11 minutos listando todos os
vencedores na categoria de melhores efeitos Visuais, responsável por boa parte da magia nas
telonas. Os efeitos foram melhorando com o tempo, mas incríveis em suas respectivas épocas, sendo
que alguns são impressionantes até hoje.

Não estranhe a sequência de anos: em 1927 e 1928, o prêmio se chamava Efeitos de engenharia. Ele
só voltou a ser entregue em 1938, dessa vez com o nome de Conquista em criação de efeitos de som
e fotografia especial. Logo depois, virou Melhores efeitos especiais. Por fim, em 1963, ele ganhou o
nome atual, Prêmio de melhores efeitos visuais, sendo entregue em todas as cerimônias, exceto 1973.
Assista o vídeo clicando nesse link (fonte: https://www.tecmundo.com.br/cinema/114169-montagem-
incrivel-mostra-vencedores-oscar-efeitos-visuais-video.htm)

Mixagem, edição de som e trilha sonora

Figura 10 – Edição de som e trilha sonora

Fonte: shutterstock.com / Por Kundra

Engana-se quem acredita que ao filmar uma história o diretor e sua equipe só têm o trabalho de
editar e enviar para o estúdio, pois na gravação todos os sons de falas de atores e atrizes, sons de
fundo etc. estão perfeitos e podem ser usados como ficaram. Em uma produção, a equipe de som
é responsável por gravar todos os ruídos, falas, explosões e sons por menores que sejam.

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A edição do som promove a escolha e melhor utilização dos elementos captados descartando
os que estiverem sem condições de uso e utilizando efeitos sonoros externos para identificar uma
explosão por exemplo. E na mixagem o responsável, juntamente com o diretor começa a inserir em
sincronia as falas e ruídos existentes no filme.

Atualmente, com os sistemas mais avançados de áudio nas salas de cinema, o som é peça
mais do que fundamental e representa o efeito que determinada cena irá causar. Aliás, apesar de
ser viável, não seria mais interessante produzir um filme sem som como antigamente acontecia no
cinema mudo, uma vez que sem a tecnologia adequada era necessária a inserção de uma música-
tema para acompanhar o longa nos cinemas com uma orquestra ao vivo.

Hoje em dia, ainda se utilizam orquestras, mas para a composição da trilha sonora que determina
inclusive o sucesso de uma produção. Os temas de Superman e de Star Wars são dois exemplos de
como uma trilha bem produzida consegue marcar o filme. Ao ouvirmos essas duas composições,
sabemos imediatamente a qual obra pertencem.

O item áudio é um elemento fundamental da crítica, pois não só a beleza da fotografia ou os

efeitos visuais são itens determinantes da criação de um filme, mas sua criatividade em captar a
música ideal para cativar o espectador ou um som característico que assuste mais do que uma cena
são essenciais, como exemplo deste último podemos citar Tubarão que com uma batida simples
e contínua causa terror nos corações dos cinéfilos.

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Finalização
Figura 11 - Finalização

Fonte: shutterstock.com / Por Fer Gregory

O processo de finalização ou montagem, como também é conhecido, reflete a forma como o

cineasta e o editor realizará a ordenação das imagens e sons da obra. Este trabalho não é linear,
ou seja, não se inicia das primeiras gravações até as últimas, temos que ter em mente que o filme
será gravado em momentos não sequenciais (não linear), pois depende das condições externas
(locações, tempo, estrutura) e internas (cronograma, visão do diretor).

As imagens brutas são repassadas, orientadas, cortadas, inseridas, mixadas e moldadas ao

estilo do diretor. A mensagem será passada dentro de um contexto e do roteiro seguido para as
filmagens.

Antes das mídias digitais trabalhava-se muito com o analógico que era conhecido como ilha de
edição linear, neste tipo de processo recebia-se a fita com o filme em película e o editor era obrigado
a seguir o rolo de imagens e “cortar” em linha reta, ou seja, precisava passar por todo o filme para
chegar a determinada parte, separar e depois voltar para fazer a inserção em outro equipamento e
fita virgem. Isso demorava muito e demandava tempo.

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Atualmente temos a ilha de edição não linear, que recebe o material gravado digitalmente, e pelos
novos softwares de edição (Premiere ou Final Cut, apenas para citar dois dos mais conhecidos)
o editor pode manipular livremente todas as faixas da filmagem (vídeo e som) separadamente e
na ordem que deseja sem ter o trabalho de mudar de mídia ou equipamento. Esse foi um grande
progresso não só na ordem de tempo, mas de qualidade de gravação.

Como foi dito, a ordem da edição e da filmagem não segue uma ordenação em linha reta e
cronológica. Muitas vezes, o final pode ser gravado antes que seu início ou seu meio. Um exemplo
é o filme De Volta para o Futuro, para o qual foi necessária a construção de uma cidade cenográfica,
(Hill Valey), que teria que passar por duas datas distintas, 1955 e 1985, a primeira deveria ser nova,
limpa e mais adequada à época, o que não seria problema depois de sua construção, pois seria
assim que ela estaria, mas para transformar para a década de 1980 ela precisaria ser “destruída”,
ou seja, ficar mais escura e suja como na época desejada. O custo para duas cidades diferentes
estava fora de cogitação então a solução foi filmar todas as cenas de 1955 primeiro e 1985 por
último (detalhe: a trama começa em 1985). Depois na edição as cenas foram montadas de acordo
com a cronologia do roteiro.

SAIBA MAIS

Pesquisa realizada pelo ECA-USP apresenta informações em três linhas de pesquisa: História,
Teoria e Crítica; Poéticas e Práticas; Cultura Audiovisual e Comunicação sobre a análise
fílmica perspectivando tanto os momentos históricos da produção cinematográfica quanto a
problematização temática específica. Clique no link para acesso ao estudo.

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GÊNEROS
Figura 12 – Gêneros

Fonte: shutterstock.com / Por iQoncept

Quando um filme é rotulado como faroeste, musical ou comédia romântica, isso cria
no público expectativas em relação ao gênero ou tipo de filme que verá. Ainda que
alguns aspectos variem dentro de cada categoria, eles têm padrões reconhecíveis
em termos de tema, época, ambientação e trama, além da iconografia e os tipos
de personagens retratados. O conceito de gênero nasceu na era dos estúdios de
Hollywood, quando facilitou decisões de produção e comercialização dos títulos,
além de servir de modelo para os roteiristas, no auge da produção de centenas de
filmes em ritmo frenético. (BERGAN, p. 115, 2007).

A questão dos gêneros no cinema é um assunto que causa divergências, pois com o surgimento
a cada dia de novos títulos, os temas acabam se multiplicando e criando subgêneros e itens que
se relacionam entre si. Então um gênero de terror pode muitas vezes ter um pouco do fantástico
ou da comédia e criar um novo tipo de gênero como o Trash, por exemplo.

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Desta forma não há limites para a imaginação de cineastas e roteiristas que podem mesclar
várias formas de gêneros em obras diversas e criar mundos novos para seus públicos.

O gênero também é utilizado como definição de expectativa de público, ou seja, em determinado

momento de um ano, os temas mais apreciados pelo espectador serão determinados por uma
pesquisa da indústria cinematográfica, ou pela reação de determinadas produções em cartaz.

É comum vermos uma grande quantidade de filmes com a mesma temática em certo momento
e em outro mudam-se as regras e a ação vira romance por exemplo, fazendo com que as escolhas
girem em torno do que seja mais rentável, assim como a quantidade de salas disponíveis para
determinado filme.

No que respeita à produção, os gêneros permitem jogar com um repertório de

elementos testados e instituídos que criam familiaridade nas expectativas do
espectador. Desse modo, originam-se fórmulas ou padrões facilmente aplicáveis
e passíveis de segura avaliação prévia sob uma perspectiva industrial e comercial.
Permitem, portanto, antecipar as possibilidades de sucesso e controlar o risco
do investimento na produção de uma obra (ou produto, se quisermos). Daí que,
apesar das mutações que ocasionalmente ocorrem, os gêneros tendam a ser, sob
um ponto de vista cultural, reiteradamente conservadores – precisamente porque
os produtores tendem a minimizar os riscos criativos em função da maximização
comercial. (NOGUEIRA, p. 13, 2010).

Mas não quer dizer que apenas os de cunho comercial são produzidos, os demais que não estão
em destaque naquele momento continuam a ser feitos, ainda que em uma escala bem menor e
com menos visibilidade.

O gênero possui etapas para sua definição e empregaremos a utilizada pela autora Ana Maria
Bahiana (2012, p. 80-81) em sua obra:

• Narrativa: tramas, premissas e estruturas parecidas (até o); situações, obstáculos,conflitos e

resoluções previsíveis.
• Caracterização dos personagens: tipos semelhantes de personagens (próximos aos estereótipos)
com qualidades, motivação, objetivos e aparência similares.
• Temas básicos: os filmes são sobre temas semelhantes, frequentemente em contextos
históricos, culturais e sociais semelhantes.

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• Ambiente: o lugar – geográfico ou histórico – onde a trama se passa é o mesmo.

• Iconografia: uso de “ícones” semelhantes – objetos, atores, atrizes, cenários; uso de certos
tipos de linguagem e terminologia.
• Técnicas e estilo: iluminação, paleta de cores, movimentação de câmera e enquadramentos
semelhantes.

Todos os elementos citados acima representam estágios na vida de um gênero e devem ser
utilizados em sua totalidade ou alguns deles, para que possamos produzir uma obra que esteja
completa e que seja do agrado tanto do cineasta quanto de seu público.

Claro que outras técnicas existem, mas cabe a cada desenvolvedor adaptar e reinventar o
modo como estes elementos devem ser utilizados e manuseados para a criação de seu processo
cinematográfico.

A lista de gêneros e subgêneros pode ser interminável, por este motivo nos atentemos apenas
aos mais conhecidos e que estão listados abaixo para que possamos navegar por suas descrições
e particularidades.

A ordem adotada abaixo foi a alfabética apenas por uma questão de organização, ou seja, não
estão colocados do mais para o menos importante, pois cada um tem sua própria individualidade
e importância dentro do cenário do cinema.

• Ação
• Adaptação Literária
• Animação
• Comédia
• Drama
• Fantástico
• Ficção Científica
• Musical
• Terror
• Thriller
• Suspense
• Western

Desta forma, com a divisão de categorias, o crítico pode se especializar em alguma área de
seu próprio interesse. Se sua melhor especialização for o drama, ele tentará ser o melhor dentro

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deste item, e promover a publicação e comentários dos filmes de uma forma mais aprofundada.
Infelizmente nos dias de hoje, com a pressa diária dos veículos de comunicação, em alguns casos,
vemos a figura do crítico tentando “abraçar” todos os gêneros e neste caso acabam nem fazendo
um trabalho aprofundado e nem uma boa análise, pois podem não ter os conhecimentos necessários
para analisar um suspense, por exemplo.

O que eles deve fazer é tentar conhecer mais sobre o assunto e não escreverem “deduzindo”
sobre o que não sabem. Algumas vezes uma crítica negativa de um bom título pode acontecer, pois
o crítico não entendeu o significado da obra e partiu para uma opinião pessoal e parcial do que viu.
Neste caso ele não foi profissional e deixou-se levar por suas próprias convicções e preconceitos
sobre o tema abordado.

SAIBA MAIS

A noção de gênero é uma das mais importantes da doxa da história e da teoria do cinema. O objetivo
do artigo é examinar a emergência de gêneros no cinema produzido no Brasil, desde os primeiros
filmes até a chanchada e a pornochanchada. Em primeiro lugar, enfatizando uma perspectiva
institucional. Em segundo, considerando a noção genérica como um pacto entre os sistemas
de produção e difusão de filmes e os espectadores. E, finalmente, analisando tanto as marcas
reveladoras dos elementos que regulam a formação do próprio discurso cinematográfico no País,
quanto as formas que atravessam a identidade daquilo que, institucionalmente, se constitui em
cinema brasileiro. Clique e veja o estudo completo.

Ação
Filmes em que essencialmente o bem prevalecerá sobre o mal, ainda que para isso seja necessário/
inevitável passar pelas mais diversas provações e obstáculos (materiais ou não). Essa é a premissa
do gênero ação.

Contando com protagonistas fortes, muitas vezes aliando a força física à inteligência, esse tipo
de filme não precisa de maneira obrigatória ter um roteiro rebuscado para conseguir contar boas
histórias, e não é raro primar por sequências memoráveis (como a cena da imensa bola de pedra
em Os Caçadores da Arca Perdida), em detrimento de blocos de texto complexos.

Para a realização de muitos feitos, devem-se ignorar sumariamente as leis da física ou sua
viabilidade no mundo real. O herói dos longas de ação é aquele que consegue subjugar seu inimigo
através de atitudes improváveis (como acontece com a protagonista da saga Kill Bill), mas que

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atinge de todo modo seu objetivo: colocar o público sob constante atenção e ânimo, fazendo-o
sentir-se parte da narrativa.

A façanha convencional do herói começa com alguém a quem foi usurpada alguma
coisa, ou que sente estar faltando algo entre as experiências normais franqueadas
ou permitidas aos membros da sociedade. Essa pessoa então parte numa série de
aventuras que ultrapassam o usual, quer para recuperar o que tinha sido perdido,
quer para descobrir algum elixir doador da vida. Normalmente, perfaz se um círculo,
com a partida e o retorno. (CAMPBELL, p. 138, 1990).

Locações pouco convencionais e/ou cenários exóticos surgem como um detalhe a mais no gênero,
assim como personagens que fogem da realidade comum. Seja uma luta entre Batman e Coringa
na ficcional cidade de Gotham City (vista em Batman: O Cavaleiro das Trevas), um protagonista
androide e letal como o T800 de Arnold Schwarzenegger na franquia “O Exterminador do Futuro”,
ou dinossauros gerados em laboratório como peças de entretenimento em pleno século XXI (como
em Jurassic World: O Mundo dos Dinossauros), não é raro os fãs esperarem pelo inusitado para
dar sua aprovação às obras.

Mas também há a ação simultânea, pura e simples, que se alia a outros gêneros para acontecer.
Tudo ocorre em locais reais, comuns, que apenas servem como pano de fundo para as façanhas dos
personagens (ainda que estes possam fazer uso de algo excepcional para tal realização). A bem-
sucedida franquia Missão Impossível e os filmes de espionagem de James Bond são exemplos disso.

Vale ainda destacar o aumento no número de produções baseadas em histórias em quadrinhos,

que levam paras as telonas toda a ação vista nas revistas, cada vez com mais qualidade nas
adaptações. O sucesso inquestionável conta com três títulos com heróis de HQs como protagonistas,
entre as dez maiores bilheterias de todos os tempos (sem correção da inflação): Os Vingadores,
Vingadores: Era de Ultron e Homem de Ferro 3.

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Figura 13 - Cartaz do filme Batman: O Cavaleiro das Trevas

Fonte: http://www.atoupeira.com.br/wp-content/uploads/2013/07/170708-
Critica-Batman-O-Cavaleiro-das-Trevas.jpg

Animação
O chamado desenho animado é parte fundamental da história do cinema. Através de uma
técnica bastante minuciosa, cada fotograma é gerado de forma individual para ser fotografado
posteriormente, o que vai criar a ilusão de movimento aos olhos da plateia.

Primeiro longa-metragem de animação dos Estúdios Disney, o clássico de 1937, Branca de Neve
e os Setes Anões foi agraciado com um Oscar Especial, entregue a Walt Disney pela jovem atriz
Shirley Temple. A curiosidade se dá pelo fato de além da estatueta padrão, outras sete pequeninas,
simbolizando cada anão da fábula, terem sido produzidas para a premiação.

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Além da animação tradicional, a técnica de stop-motion também utiliza o recurso de registro

individual dos fotogramas para simular movimentos. A diferença está no que é fotografado: nesse
caso, não são apenas desenhos, mas personagens e locações palpáveis, feitos basicamente com
uma espécie de massa de modelar específica. Um dos maiores nomes desse estilo, Tim Burton, é o
responsável pelos aclamados O Estranho Mundo de Jack (como roteirista e criador dos personagens),
A Noiva Cadáver (como criador da ideia original e diretor ao lado de Mike Johnson) e Frankenweenie
(como criador da ideia original, roteirista e diretor).

Se, em seu surgimento, o gênero foi pensado como forma de atrair o público infantil, com o passar
dos anos, essa ideologia se modificou por completo. Atualmente não são raras as produções que
tencionam agradar espectadores das mais variadas idades, através de inúmeros recursos visuais
ou textuais.

O uso de referências a outros filmes costumam ser um diferencial que agrada os mais velhos,
que se propõem a encontrá-las durante a exibição. Assim como os chamados Easter eggs (“Ovos
de Páscoa”, em tradução literal), que são pequenos detalhes inseridos nas mais improváveis
situações/cenas e que normalmente exigem bastante atenção para serem encontrados. Como
exemplo, a produção Zootopia – Essa Cidade é o Bicho, que carrega em sua narrativa dezesseis
pontos a serem percebidos.

Já em se tratando do roteiro, é visível a opção dos grandes estúdios em criar histórias que
consigam ter o apelo necessário de acordo com a idade de cada espectador. Em Procurando Dory,
as crianças menores se encantaram pela aventura e amigos da famosa peixinha com problemas
de memória de curto prazo (que passou de coadjuvante do grande sucesso Procurando Nemo a
protagonista de seu filme solo). Já os maiores conseguirão perceber que há mais por trás da história,
como a importância de seguir em frente apesar dos obstáculos do cotidiano e o valor que a família
costuma ter em nossas vidas.

Há ainda as produções que conseguem mesclar a atuação de atores reais a outros animados.
Títulos como Uma Cilada para Roger Rabbit e Space Jam: O Jogo do Século são exemplos bem-
sucedidos. Assim como as modernas animações digitais, criadas a partir do uso de programas de
computador, o longa brasileiro Cassiopeia, de Clóvis Viera, é considerado precursor do estilo, por
grande parte dos profissionais da área.

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SAIBA MAIS

Conheça a filmografia completa de Tim Burton, clicando nesse link.

Figura 14: Cartaz da animação Procurando Dory

Fonte: http://www.atoupeira.com.br/wp-content/uploads/2016/07/Procurando-
Dory-novo-p%C3%B4ster-nacional-cr%C3%ADtica.jpg

Adaptação Literária
Genericamente falando, os amantes de obras literárias sentem uma enorme satisfação ao ver
seus personagens favoritos saltarem das páginas dos livros direto para as telas de cinema. Apesar
de não ser uma grande novidade, com o crescente êxito das adaptações, estas se tornaram algo
semelhante a um subgênero que tem encontrado nos mais diversos temas, um filão bastante rentável
para as produtora /distribuidoras cinematográficas.

Mas essa é uma via de mão dupla e raramente uma produção baseada em um livro passa
despercebida sob o crivo do público e da crítica. É fato que muitas coisas que funcionam no papel

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não teriam o mesmo impacto em movimento, mas há uma exigência de que haja fidelidade com a
obra original seja um dos pontos fundamentais.

Um livro de pouca expressão pode ter seu público ampliado após a adaptação para o cinema,
mas na maioria das vezes, a obra já é considerada um best-seller antes de chegar às telonas, o
que amplifica a necessidade de se ter o máximo de cuidado ao transportar as ideias para um ramo
completamente distinto.

Como o livro, o cinema tem o poder extraordinário, próprio da obra de arte, de tornar
presente o ausente, próximo o distante, distante o próximo, entrecruzando realidade
e irrealidade, verdade e fantasia, reflexão e devaneio (CHAUI, p.333, 2010)

Há casos em que uma saga composta por vários volumes não consegue ter o apelo necessário
para que todos os livros sejam adaptados, como aconteceu com Eragon, primeiro romance da
quadrilogia Ciclo da Herança, de autoria de Christopher Paolini, e A Bússola de Ouro, título inicial da
trilogia Fronteiras do Universo, de Philip Pullman, cujas bilheterias fracas motivaram o cancelamento
de possíveis continuações.

Em contrapartida, há quem conquiste triunfo, como a aclamada trilogia O Senhor dos Anéis de
R. R. Tolkien e a série de sete livros (que rendeu oito filmes) Harry Potter, da autora J. K. Rowling. A
saga do menino bruxo cujo nome aparece em todos os títulos rendeu bilhões de dólares ao estúdio
responsável pelos filmes, ao longo de 10 anos de produção. A manutenção do elenco principal e as
filmagens acompanhando o crescimento em tempo real do trio de protagonistas infantis colaboraram
com a verossimilhança dos produtos finais, o que conseguiu agradar não só uma legião de leitores,
mas também os novos fãs obtidos através dos filmes.

As alterações necessárias para que se possa colocar em movimento algo inicialmente visto
num texto estático devem ser feitas da maneira mais sutil possível, a fim de não comprometer a
qualidade aos olhos de quem já conhece a obra original. Nossa percepção pode mudar de forma
radical, dependendo de quando vemos os filmes. É possível ter simpatia por um longa cuja trama não
conhecemos no papel e apenas perceber suas falhas após a leitura do livro, o que pode significar
que o público que mais se procurou atingir foi aquele que vai o cinema, sem se preocupar em ter
conhecimento prévio da obra na qual a adaptação se baseia.

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Mas também há aqueles em que é possível identificar várias passagens levadas à perfeição
para a tela, assim como a opção por fazer uso de diálogos literais (que muitas vezes significam
páginas inteiras), o que acaba sendo de grande valia para fazer sucesso com os leitores prévios.

Exemplos de adaptações literárias para o cinema: A Guerra dos Mundos, It – Uma Obra-Prima
do Medo, Jogos Vorazes, A menina que roubava livros e O Curioso Caso de Benjamin Button.

Figura 15: Cartaz do filme Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 2.

Fonte: http://www.atoupeira.com.br/critica-harry-potter-e-as-reliquias-da-morte-parte-2/

Comédia
Gênero muito popular entre os espectadores que procuram por momentos descontraídos, que
os conduzam para longe da rotina diária através de situações divertidas, fazendo uso de piadas e
cenas por vezes inusitadas. Esta é a comédia.

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Segundo Aristóteles, a comédia é a “irmã” menor e menos importante do drama.

Sua origem está no Komos, dança-pantográfica fálica praticada na antiguidade nos
vilarejos gregos. A comédia como forma mais exaltada de imitação da ação tem a
hamartia (falha de caráter/“errar o alvo”) como essência. Uma falha ridícula, um erro
não doloroso ou destrutivo, um caráter inocente, ao contrário do drama, em que lições
são aprendidas, mas nada se pode fazer depois de deflagrada a ação, na comédia
o herói deve ter a oportunidade de corrigir o erro e escapar das consequências. Seu
objetivo é necessariamente suscitar o riso. (BAHIANA, p.103, 2012).

Nesse caso, os protagonistas não precisam contar grandes histórias e os roteiros podem
buscar na simplicidade uma fórmula quase garantida de êxito. Apesar de parecer fácil, fazer rir é
considerada uma das tarefas mais complicadas pelos profissionais da área, uma vez que o humor
é algo muito particular a cada pessoa.

As chamadas comédias-pastelão foram as que deram o pontapé inicial para que o gênero caísse
nas graças do público. O famigerado artifício de tortas na cara, tombos e situações absurdas era
o que dava o tom às obras. A primeira que se tem notícia é uma produção francesa dos irmãos
Lumière, datada de 1896, L’arroseurarrosé (O Regador Regado). Como seus maiores representantes,
temos Charlie Chaplin, Os Três Patetas e O Gordo e o Magro.

Figura 16 – Ícone da comédia – Charles Chaplin

Mural por Jerry Ragg. Charlie “Chaplin foi um ator cômico inglês e um cineasta que se levantou à fama na era
silenciosa do filme. (fonte: adaptado de https://www.shutterstock.com/pt/image-photo/hollywood-ca-usa-
april-13-2015-272297342?src=NXNaiH1HIzW4aFIKBET6tg-1-3) Fonte : shutterstock.com /Por meunierd

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Com situações beirando o exagero, diálogos por vezes sem tanto sentido e piadas inseridas no
meio da narrativa, o gênero trilhou um caminho de sucesso com o passar das décadas, apesar da
nítida falta de entusiasmo por parte das grandes premiações cinematográficas que não costumam
colocá-lo entre os favoritos com regularidade (fica o destaque para o Golden Globe Awards que tem
categorias específicas para premiar as comédias).

É preciso destacar grandes expoentes como Mel Brooks, que com exímia habilidade para criar
paródias, é responsável por títulos como O Jovem Frankenstein e A História do Mundo - Parte 1.

Fazendo uso de um humor mais intelectual, do qual o sarcasmo é a mola propulsora, Woody
Allen esteve à frente de longas como Noivo Neurótico, Noiva Nervosa, vencedor de quatro Oscars
em 1978, incluindo melhor filme e melhor diretor.

Famosas franquias do gênero surgiram na década de 1980 e o grande nome à frente dos elencos
que as compuseram foi o veterano Leslie Nielsen, protagonista de Apertem os cintos... O piloto
sumiu! (citado em diversas pesquisas temáticas como um dos filmes mais engraçados de todos
os tempos) e Corra que a polícia vem aí!. Em comum, os roteiros apresentam inúmeras referências
a outros filmes e elementos da cultura pop, além de piadas de duplo sentido.

Subgênero de grande visibilidade, a comédia romântica tem público fiel a suas histórias repletas
de sensibilidade, mas que também fazem uso da comicidade moderada. A atriz Meg Ryan é
considerada um dos grandes nomes desse tipo de longa, com títulos como Harry e Sally – Feitos
um para o outro e Surpresas do Coração em sua extensa filmografia.

Mais recentemente, produções que fazem humor com uma mescla de roteiros dos mais variados
gêneros (transitando livremente pelo terror, o policial e até mesmo o drama) encontraram seu lugar
entre as preferidas do público. Sagas como Todo Mundo em Pânico, que já conta com surpreendentes
cinco filmes e arrecadação mundial de mais de US$ 800 milhões, número significativo quando
se trata desse tipo de obra, aparecem com frequência nas telas, e acabam pondo em risco a real
qualidade desse filão.

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Figura 17 - Cartaz do filme O Jovem Frankenstein (1974)

Fonte: http://www.imdb.com/title/tt0072431/mediaviewer/rm1617677312. Acesso em 20/01/2017

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SAIBA MAIS

Os Prêmios Globo de Ouro são premiações entregues anualmente aos melhores profissionais do
cinema e da televisão dentro e fora dos Estados Unidos.

Entregues desde 1944 pela Associação de Correspondentes Estrangeiros de Hollywood (Hollywood

Foreign Press Association), são reconhecidos como uma das maiores honras que um profissional
dessas indústrias possa receber, sendo o maior prêmio da crítica, já que o Oscar e o Emmy são
prêmios atribuídos ao cinema e à televisão respectivamente.

O Globo de Ouro é entregue no começo de cada ano (no formato de um jantar para os convidados e
indicados), baseando-se nos votos de 93 membros da Associação de Correspondentes Estrangeiros
de Hollywood e que são associados com a mídia de fora dos Estados Unidos. A cerimônia é realizada
desde 1961, no Hotel Beverly Hilton, em Beverly Hills. Conheça os premiados de todos os anos,
acessando esse link.
Figura 18 - Troféu Golden Globe Awards

Fonte: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Golden_Globe_icon_(format_change).jpg

Drama
Encontrando-se no lado oposto da comédia, o drama carrega consegue a mesma “árdua missão”:
conquistar o púbico pelo emocional, neste caso, causando comoção através de fatos tristes.

Se o símbolo máximo do teatro são as icônicas máscaras da Tragédia e da Comédia, há de se

colocar o gênero dramático no meio do caminho, já que em uma produção do tipo, não é impossível
haver cenas mais leves, que têm como tarefa “acalmar” a audiência numa espécie de preparação
para algum outro evento que possa causar alguma emoção mais extrema.

O drama não é apenas justaposição de tragédia e comédia. É sim, alguma coisa mais,
alguma coisa além, que resulta do produto de ambas. Diz (Hegel) ele que no drama, o
que se faz é aparar as saliências de ambos os gêneros precedentes, obtendo assim

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um gênero novo. Nele, a personalidade subjetiva da comédia, ao invés de agir com

a desproporção cômica, faz-se penetrar da seriedade dos caracteres firmes e lança-
se ao enredado de colisões no qual, através da sua vontade consciente, buscará
seu fim, que pode ser mais ou menos infeliz. Isto é importante. Não se busca mais
a “queda da felicidade ao infortúnio” de Aristóteles nem, necessariamente, a obra
teatral deverá ter um fim feliz. O que acontece é que, ainda que ocorra um resultado
oposto ao desejado pelo protagonista, por exemplo, a existência humana tem suas
retribuições, suas compensações. (PALLOTTINI, p.33, 1989).

Em longas do gênero é comum que logo no início, a plateia já seja devidamente apresentada
aos principais elementos da narrativa, a fim de que possa ter um envolvimento com a história/
personagens durante toda a exibição. A intenção é aproximar a vida real (público) da ficção (filme),
fazendo com que haja uma identificação que provoque, sem maiores esforços, uma carga emocional.

A música também é um pilar importante. Aliada aos diálogos corretos (ou até mesmo aos
momentos em que faltam palavras), as melodias instrumentais normalmente são as favoritas para
compor as trilhas sonoras. Mas há casos em que as letras das canções tornam-se tão grandes
quanto as próprias produções, como My heart will go on da cantora Céline Dion, marcada até hoje por
ser o tema de um dos maiores vencedores do Oscar, Titanic, longa com a segunda maior bilheteria
mundial desde 1997 (sem correção da inflação) e gigantesca aposta do diretor James Cameron.

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Figura 19 – Poster do filme Titanic

Fonte: shutterstock.com / Por Anton_Ivanov

Visto como um dos gêneros mais populares, o drama possui verdadeiros clássicos atemporais
que permanecem entre as grandes obras cinematográficas, como os aclamados E o Vento Levou,
Casablanca e A Felicidade não se compra.

Quando o tema escolhido é a guerra e suas terríveis consequências, a possibilidade dessa

aproximação imediata torna-se ainda maior (sejam roteiros verídicos ou não). Produções como A
Lista de Schindler, A Vida é Bela e O Menino do Pijama Listrado, cujas tramas se passam durante a
Segunda Guerra Mundial e têm como pano de fundo o triste cotidiano em campos de concentração,
são bons exemplos.

Histórias de superação ou que envolvam alguma grande tragédia pessoal são outra fonte segura
de sucesso. Menina de Ouro e 12 Anos de Escravidão, ambos vencedores do Oscar de melhor filme,
em 2005 e 2014 respectivamente, são a prova disso.

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Cada um carrega sua própria bagagem emocional e o que às vezes pode tocar alguém, não tem
o mesmo impacto em outra pessoa. Há casos bem específicos como filmes que têm protagonistas
animais. Estes, geralmente, obtêm grande êxito entre os que já são (ou foram) tutores de algum
animal, e até mesmo os que não o são, mas veem a causa com bons olhos. Como exemplos, a
história verídica de Sempre ao seu lado e a ficcional Quatro vidas de um cachorro.

Figura 20: Cartaz do filme 12 Anos de Escravidão

Fonte: http://www.atoupeira.com.br/wp-content/uploads/2014/02/12-
Anos-de-Escravid%C3%A3o-Cr%C3%ADtica.jpg

CURIOSIDADE

Os visitantes do site Adoro Cinema elegeram os melhores e piores. Clique no link e acesse para
conhecer esta lista.

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Fantástico
Universos paralelos, mundos imaginários, seres surreais e todo tipo de criatura que difere
de nossa rasa concepção do comum, esse é o fantástico. Um dos gêneros de filmes com maior
complexidade narrativa, por sua perspectiva padrão de enveredar por histórias que, para terem êxito,
precisam fazer sentido apenas na imaginação de cada espectador.

É possível unir o tema fantástico a outros, sem que este perca sua real essência. Da união com
o musical, nasceu o atemporal clássico O Mágico de Oz, que já teve inúmeras refilmagens desde a
concepção do original de 1939, estrelado por Judy Garland e vencedor de duas estatuetas do Oscar.
Mais recentemente, em 2014, foi possível ver personagens dos mais famosos contos de fada vivendo
em um mesmo lugar, sob uma nova narrativa permeada por canções, em Caminhos da Floresta.

Já quando a fantasia se une à animação, o que costuma ocorrer com frequência, a liberdade
de criação torna-se ainda mais ampla. Alice no País das Maravilhas é um caso em que ambas as
versões, a animada (de 1951) e realizada em live-action de 2010 (com a participação de atores reais),
foram bem-sucedidas.

Há produções que fazem uso de um ou mais elementos fantásticos, trazendo-os para a vida
cotidiana dos personagens, ou como artifício para conduzi-los a mundos paralelos. Sob a direção
de Guillermo Del Toro, a produção mexicana e espanhola O Labirinto do Fauno, de 2006, encontrou
um equilíbrio perfeito entre o drama, o suspense e a fantasia. Assim também acontece na trama de
Labirinto – A Magia do Tempo, grande sucesso de 1986, que mostra uma adolescente que tem que
lidar com as consequências de ter um desejo atendido por Jareth, o Rei dos Duendes (interpretado
por David Bowie).

A realidade não é um componente delimitador para a criação dos roteiros. O gênero é capaz de
comportar assuntos delicados como a morte (como visto em Sete Minutos Depois da Meia-Noite)
com a mesma fluidez com que faz o público viajar na companhia de um garotinho nas costas de
um dragão em A História Sem Fim. Não é necessário (nem recomendável) se prender à lógica, ou
ao que nos é conhecido, para aceitar o que cada produção fantástica propõe.

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Figura 21: Cartaz do filme Sete Minutos Depois da Meia-Noite

Fonte: http://www.atoupeira.com.br/wp-content/uploads/2017/01/Diamond_
SeteMinutosDepoisdaMeiaNoite_Poster-cr%C3%ADtica.jpeg

Ficção científica
A ciência, suas respostas viáveis, suas inúmeras especulações em busca de resultados vindouros.
Esta é a base central dos filmes de ficção científica, que há mais de um século conquistam
espectadores ávidos por informação aliada ao entretenimento.

Um dos marcos da indústria cinematográfica, o francês Viagem à Lua, produzido em 1902,

fascinou platéias ao sugerir o que estaria à espera de viajantes que fossem conduzidos com sucesso
ao destino do título, este filme é apontado como o primeiro do gênero. Foi roteirizado e dirigido por
Georges Méliès, considerado o “pai dos efeitos especiais”.

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Invasões alienígenas (com escravização da raça humana ou destruição do planeta), a sociedade

do futuro em que androides e robôs não são mais uma novidade (interagindo de maneira natural
ou letal com as pessoas), viagens no tempo (em máquinas construídas com tal finalidade) ou pelo
espaço (em naves que podem ultrapassar a velocidade da luz), mundos e raças desconhecidas.
A riqueza de assuntos que a ficção científica consegue englobar em suas produções mostra a
versatilidade do tema.

Datado de 1968, 2001 – Uma Odisseia no Espaço permanece com seu lugar garantido em
diversas listas montadas a partir de pesquisas feitas entre críticos profissionais ou mesmo entre
o público consumidor de entretenimento. Dirigido por Stanley Kubrick, o longa que tem um dos
mais icônicos vilões do gênero, o computador HAL 9000, é baseado na obra literária homônima de
Arthur C. Clarke, que também é coescritor da versão cinematográfica. Vencedor do Oscar de efeitos
visuais, também é constantemente lembrado por sua trilha sonora.

Desde 2009, o filme que está no topo da lista de maiores bilheterias do cinema é Avatar, do
diretor James Cameron, com arrecadação de US$ 2.788 bilhões. O ganhador de 3 estatuetas do
Oscar, conta com uma tecnologia de ponta e uso do recurso 3D que impressionou plateias mundo
afora. O filme se passa em 2154, na lua de Pandora, que vê seus habitantes conhecidos como Na’vi
serem postos em risco, com a chegada de um insaciável antagonista: o ser humano.

As longevas franquias Star Wars e Star Trek são exemplos de sucesso que ultrapassam gerações
e que tornam-se muito maiores que as telonas, encontrando êxito nos mais diversos filões do
mercado, de livros a brinquedos, de roupas a parques temáticos. O infinito parece pouco para ambas.

A possibilidade de acompanhar histórias que contemplam o desconhecido (seja na forma de

seres de outros planetas ou mesmo o futuro de nosso próprio mundo) e a liberdade criativa que há
por trás do triunfo de roteiros de ficção, fazem com que o público sinta-se ao mesmo tempo curioso
e confortável com o gênero.

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Figura 22: Cartaz do filme Star Trek: Sem Fronteiras

Fonte: http://www.atoupeira.com.br/wp-content/uploads/2016/09/Star-
Trek-Sem-Fronteiras-p%C3%B4ster-Nacional-492x768.jpg

Musical
Gênero de filmes que, como o próprio nome indica, tem na música um de seus alicerces principais.
O interessante é que em seus roteiros é possível englobar as mais diferentes categorias, indo de
comédias a terror, transitando pelo drama e o romance.

Para se apreciar um musical, é necessário deixar de lado a ideia do que faria sentido literal em
algumas situações, pois, na vida real, não costuma ser frequente enfrentar uma forte chuva ou
adentrar em um imóvel habitado por indivíduos de índole duvidosa com um sorriso no rosto e uma
canção na cabeça, mas em longas como Cantando na Chuva e The Rocky Horror Picture Show, isso
parece absolutamente normal.

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Deve-se destacar a importância não só da melodia, mas das letras das canções, que costumam
fazer alusão ao momento em que a cena se passa, servindo como apoio para os diálogos que
permearem as sequências das quais o número musical é integrante.

Datado de 1927, O Cantor de Jazz é o primeiro filme que conta com trilha sonora sincronizada,
abrindo caminho para o início da produção em massa de longas musicais e que anos depois
serviriam de base para a definição do gênero.

SAIBA MAIS

O filme O Cantor de Jazz (The Jazz Singer, no original) é considerado como o primeiro filme de
grande duração com falas e canto sincronizado com um disco de acetato. É um filme musical norte-
americano estreado em 6 de outubro de 1927. A partir daí, os filmes mudos passaram a ser totalmente
substituídos pelos filmes falados, que tornaram-se a grande novidade. Al Jolson foi o ator principal do
filme e o primeiro a falar e cantar num filme, com sua voz gravada em banda sonora sincronizada.

Na verdade sempre existiu a fala e o canto no cinema, pois em muitas das primeiras projeções
os atores e atrizes cantavam escondidos atrás da tela, como uma dublagem, assim como muitos
pianistas ficavam a frente da tela, improvisando, enquanto a projeção dos primeiros curtas
seguia. Por isto, O Cantor de Jazz é considerado o primeiro filme onde o som estava gravado, mas
separadamente, tocando em um disco de acetato. (fonte: https://pt.wikipedia.org/wiki/O_Cantor_de_
Jazz_)

Figura 23 – The Jazz Singer

O primeiro filme no gênero musical. Fonte: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:The_Jazz_Singer.gif

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Títulos marcantes e premiados fazem parte da aclamada “Era de Ouro” de meados dos anos
de 1960. Entre eles, dois que contam com a atriz Julie Andrews como protagonista e que ainda
conquistam admiradores: A Noviça Rebelde e Mary Poppins.

Já na década de 1970, outras produções, hoje consideradas cult, à época de seus lançamentos
não tiveram a recepção que se deseja para esse momento, como um dos maiores sucessos da
carreira do astro John Travolta, Grease – Nos Tempos da Brilhantina.

Com o gênero em baixa nos anos de 1980, poucas produções tiveram o merecido destaque e
o grande diferencial é o fato dos personagens não interpretarem as canções (como habitualmente
acontece em filmes do gênero), mas ainda assim, a trilha sonora ter um papel fundamental na narrativa.
É uma época de fartura para premiações de canções no Oscar, com Dirty Dancing – Ritmo Quente
e Flashdance sendo laureados com o prêmio, além da indicação dupla de Footloose – Ritmo Louco.

Posteriormente, ainda é possível destacar produções animadas e as adaptações de peças

teatrais para os cinemas, que encontraram nesse filão um êxito considerável. Como exemplos,
O Rei Leão, Chicago e Mamma Mia!. Também vale citar a adaptação da aclamada obra de Victor
Hugo, Os Miseráveis, que conseguiu manter o interesse do público em um drama musical de duas
horas e meia de duração.

Ainda há quem faça o caminho contrário, indo do cinema para o teatro, como é o caso de Moulin
Rouge: Amor em Vermelho. Com roteiro baseado em três icônicas óperas e vencedor de duas
estatuetas do Oscar, o longa é tema de inúmeras adaptações para os palcos.

A aposta arriscada do drama francês O Artista, que em 2011 surpreendeu o mundo ao levar para
o cinema um filme mudo e em preto e branco, cuja história se passa nos anos de 1920, e mostra
a evolução das obras sem som para as que começam a contar com este tão importante recurso,
como os primeiros musicais. Grande sucesso de público e crítica obteve inúmeras conquistas em
várias premiações.

Cinco anos depois, em 2016, foi a vez do americano La La Land: Cantando Estações ser produzido
para brilhar com uma proposta completamente inversa. Sai o drama, para entrar o romance numa
narrativa cheia de cor, passada nos dias atuais em Los Angeles.

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Figura 24 - Cartaz do filme La La Land: Cantando Estações

Fonte: http://www.atoupeira.com.br/critica-la-la-land-cantando-estacoes

CURIOSIDADE

La La Land: Cantando Estações é um filme estadunidense de 2016, dirigido e escrito por Damien
Chazelle. Estrelado por Ryan Gosling, Emma Stone e John Legend, segue a história de um pianista
de jazz e uma aspirante a atriz que se conhecem e se apaixonam em Los Angeles. O título é uma
referência à cidade na qual o filme é ambientado e ao termo lalaland, que significa estar fora da
realidade.

Chazelle idealizou o roteiro em 2010, mas não conseguiu reproduzi-lo tão rápido devido à falta de
estúdios dispostos a financiá-lo ou aceitá-lo como estava escrito. No entanto, após o sucesso de
seu filme Whiplash (2014), o projeto foi apoiado pela Summit Entertainment. La La Land: Cantando
Estações teve sua primeira aparição no Festival de Cinema de Veneza em 31 de dezembro de 2016
e seu lançamento oficial em 9 de janeiro do 2017. Desde então, arrecadou mais de 430 milhões de
dólares em todo o mundo. (fonte: https://pt.wikipedia.org/wiki/La_La_Land_(filme).

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Terror
“O que é um monstro? Qual a sua origem? Como reconhecê-lo? Onde ele vive? Devemos
temê-lo? Estas são questões curiosas, assim como o próprio conceito de monstro, que
sempre dependeu do período histórico e da cultura em que foi formulado. Cada cultura
cria seus monstros. E cada monstro só pode nascer, crescer e gerar descendentes
dentro de culturas que o alimente, o sustente; seja com carinho e cuidado, seja com
medo e rejeição, mas sempre lhe dando atenção”.

ALEXANDRE, Silvio [Orelha do livro]. In: JÚNIOR, Gonçalo, 2008).

O ser humano pode, ao longo da vida, ser portador das mais inúmeras fobias. Sejam medos
atávicos ou adquiridos através de algum trauma pessoal, o assunto é amplo o suficiente para tornar-
se razão principal de um gênero cinematográfico próprio, atraindo um público bem específico.

O longa de terror oferece basicamente a experiência de vivenciar momentos perigosos, repletos

de tensão e sustos, sem de fato correr nenhum tipo de risco, uma vez que toda a ação se passa na
tela, com os “monstros” fora do alcance dos espectadores.

O cineasta Georges Méliès foi responsável por mais de uma centena de curtas-metragens do
gênero sobrenatural, incluindo Le manoir Du diable, de 1896, que com uma duração de apenas 3
minutos, é tido como um dos primeiros filmes de terror já produzidos.

É importante destacar que, apesar das preferências por determinados temas em épocas distintas
(zumbis, serial killers, invasões alienígenas, guerras nucleares, monstros como vampiros, lobisomens,
múmias etc), há elementos padrão que normalmente servem de base para a execução de um bom
roteiro de terror. Obras do expressionismo alemão datadas da década de 1920, como Nosferatu e
O Gabinete do Doutor Caligari, ainda hoje são consideradas marcos pelo eficaz jogo de sombras e
mistério contido em suas tramas.

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Figura 25 – Das Cabinet dês Dr. Caligari (1920) / O Gabinete do Doutor Caligari (PT/BR)

Filme alemão expressionista e mudo de 1920, dos gêneros terror e suspense, dirigido por
Robert Wiene. (fonte: https://pt.wikipedia.org/wiki/Das_Cabinet_des_Dr._Caligari) Fonte
https://commons.wikimedia.org/wiki/File:CABINETOFDRCALIGARI-poster.jpg

O uso do exagero na criação dos personagens ou da história em si, possibilita ao gênero uma
gama quase infinita de possibilidades. Sejam psicopatas que resistem a todo tipo de ferimentos
(como em Sexta-feira 13, A Hora do Pesadelo e Halloween – A Noite do Terror), possessões ou
encarnações demoníacas (A Profecia e O Exorcista) ou ainda pessoas comuns que carregam em
si a maldade implícita (O Massacre da Serra Elétrica).

Se no início produções de terror eram vistas, por muitos, como algo “de segunda linha”, hoje em
dia a coisa é diferente. Franquias como Invocação do Mal rendem milhões em bilheteria e contribuem
para o aumento da venda de livros temáticos, assim como a ampliação das histórias em filmes
derivados (nesse caso, Annabelle). É bem mais fácil atualmente encontrar nomes conhecidos nos
elencos, coisa que não acontecia com frequência em décadas passadas.

Mesmo que a intenção seja sempre a mesma (assustar e causar incômodo), o gênero consegue
atrair um público bastante variado, uma vez que apresenta várias ramificações dentro do mesmo
tema. O terror trash, representado por produções de baixíssimo custo e com roteiros muitas vezes

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risíveis, ganhou fama através de seu representante máximo, Ed Wood, conhecido como “o pior
diretor do mundo” e responsável por obras como Plano 9 do Espaço Sideral e A Noiva do Monstro.

Já o gore é basicamente calcado na escatologia exagerada, com uso de muito sangue e cenas
explícitas, recursos julgados chocantes por muitos. Como exemplos de sucesso, a franquia Jogos
Mortais, que mostrou em seu primeiro filme um dos finais mais surpreendentes de todos os tempos,
e Uma Noite Alucinante - A Morte do Demônio, clássico do gênero dirigido por Sam Raimi.

Há ainda as produções que já são concebidas para, entre um susto e outro, acabar divertindo
o público, desde seus inusitados títulos como O Ataque dos Tomates Assassinos e O Ataque dos
Vermes Malditos.

Na busca de referências de filmes de terror, podemos ir a tempos mais recuados e apontar

títulos como Drácula ou Frankenstein. Mais recentemente, temos O Homem nas Trevas e A Bruxa.

Figura 26: Cartaz do filme Invocação do Mal

Fonte: http://www.atoupeira.com.br/wp-content/uploads/2016/06/
Invoca%C3%A7%C3%A3o-do-Mal-p%C3%B4ster-cr%C3%ADtica.jpg

Thriller
Bastante popular entre os gêneros cinematográficos, o thriller basicamente faz uso da tensão
aliada ao suspense para manter a atenção da audiência em alta do início ao fim do filme.

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As tramas costumam ser desvendadas ao longo da produção, com direito a pistas mostradas
em momentos cruciais. Em geral, o protagonista encontra-se no meio da ação quase ininterrupta,
que pode exigir eficiência de seu físico ou mente, dependendo do subgênero explorado.

Com a ansiedade e a argúcia do espectador levadas ao limite, as produções costumam ter seu
clímax apresentado próximo ao final, depois do protagonista ter passado por diversas provações,
com o perigo iminente de sua derrocada.

Falando das provações que acometem os heróis da tragédia, Aristóteles diz que
aquilo que nos dá pena ver acontecer com os outros provoca, em nós, o medo mais
profundo: o “medo trágico”. A questão essencial do medo trágico — e, por extensão,
do thriller — é: o que não suportamos perder de modo algum? O que mais amamos
e valorizamos a tal ponto que a antecipação de sua perda deflagra o medo absoluto,
o medo profundo, o medo trágico? (BAHIANA, p.141, 2012).

Dentro do gênero, há várias subdivisões, cada uma com características próprias:

Thriller policial: os acontecimentos giram em torno de uma investigação criminal e o personagem

principal geralmente é o antagonista que deve ser capturado por um detetive (profissional ou
amador). O trabalho do vilão é o que movimenta a história e encontrar as pistas que levam até ele e
à sua futura captura, este é o trabalho do mocinho (e do público). Exemplos: Seven: Os Sete Crimes
Capitais e O Silêncio dos Inocentes.

Thriller político: Filmes cuja temática principal é alguma espécie de disputa pelo poder. Esse
tipo de produção tem liberdade para fazer uso de fatos reais, totalmente fictícios ou ainda uma
mescla de ambos, com roteiros baseados em casos de corrupção, terrorismo e guerras (de políticas
internas ou de maior alcance). Exemplos: Argo e V de Vingança.

Thriller psicológico: Como o próprio nome deixa claro, nesse subgênero quem dá as cartas é a
mente dos personagens. É a partir dela que encontramos as principais características das tramas
desse tipo, que muitas vezes podem ser representadas por uma confusão mental (explícita ou não)
do protagonista, ou por sua inteligência acima da média. Exemplos: Cisne Negro e Garota Exemplar.

Thriller de conspiração: Considerado por alguns uma ramificação do thriller político, este tipo
conta com pessoas absolutamente comuns no centro de seus relatos. Muitas vezes representados
como jornalistas, os protagonistas assumem os riscos de desvendar intrincadas histórias repletas

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de pontas soltas, cujas respostas podem colocar sua integridade e das pessoas próximas em risco.
Exemplos: Sob o Domínio do Mal e O Dossiê Pelicano.

Thriller tecnológico: Por apresentar inúmeros dados e informações técnicas em suas tramas, é
muitas vezes confundido com filmes de ficção científica. Novas tecnologias (plausíveis na atualidade
ou não) com pretensão de uso em um futuro próximo normalmente são o eixo central das narrativas
que além de contarem com muita ação, ainda podem se embasar em temas como espionagem (o
que costuma envolver a inclusão de hackers como personagens). Exemplos: Ex-Machina: Instinto
Artificial e Matrix.

Figura 27: Cartaz do filme Cisne Negro

Fonte: http://www.atoupeira.com.br/wp-content/uploads/2017/02/Cisne-Negro-P%C3%B4ster-cr%C3%ADtica.jpg

Western
Embora conte com produções de outros países (como a Itália com sua linha de filmes conhecida
como spaghetti western), o western é considerado essencialmente americano, sendo inclusive, o
gênero do primeiro filme oficialmente rodado em Hollywood, em 1920: Caminho Fatal, de D. W. Griffith.

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Os cenários das produções são, em sua maioria, o velho oeste americano, onde o protagonista
é normalmente um cowboy solitário. No roteiro, há uma clara divisão entre o bem o mal, e é fácil
perceber quem são os mocinhos em busca da ordem e justiça e os vilões fora da lei. Duelos com
tiroteios para se resolver os mais diversos dilemas são recorrentes nas narrativas.

Apesar de ainda estar na ativa, com novas produções chegando ao cinema (como Os Oito
Odiados, de Quentin Tarantino e o remake de Sete Homens e um Destino, cujo original de 1960 no
qual se baseia, é uma versão passada no velho oeste de Os Sete Samurais), o gênero perdeu muito
de sua influência com o passar dos anos.

À frente da direção de memoráveis títulos de western da história do cinema, estão dois nomes:
John Ford responsável por produções como No Tempo das Diligências e O homem que matou o
Facínora e Howard Hawks, diretor da trilogia composta por Onde começa o Inferno, El Dorado e Rio
Lobo.

A grande estrela cujo nome até hoje é amplamente associado a qualquer assunto que trate do
tema, foi o ator norte-americano John Wayne, que protagonizou todos os exemplos citados acima.

No quesito premiações, o êxito mais recente se deve a Os Imperdoáveis, obra dirigida e

protagonizada por Clint Eastwood, que conquistou quatro Oscars, em 1993.

Vale destacar que o gênero fez enorme sucesso também na TV, com aclamadas séries como
Bonanza e Laredo.

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Figura 28: Cartaz do filme Os Oito Odiados

Fonte: http://www.atoupeira.com.br/wp-content/uploads/2016/01/Os-
Oito-Odiados-cr%C3%ADtica-completa-518x768.jpg

A CRÍTICA NA ERA DA INTERNET

Durante nossos estudos sobre a crítica de cinema foram citados os veículos tradicionais
(jornal, rádio, tv e revistas) como os principais meios de consumo de cultura para os textos sobre
obras cinematográficas, mas claro que a internet possui um papel mais do que importante no novo
contexto de produção, publicação e divulgação de filmes.

Com a convergência das mídias, ou seja, a integração dos veículos de comunicação em uma
única plataforma (internet) tem-se a possibilidade de agregar os melhores estilos de cada mídia: o
texto do impresso, o som e imagem da televisão e a agilidade do rádio. Assim podemos expandir
as áreas de atuação do crítico para sites/portais, redes sociais, vlogs e blogs.

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O crítico ainda conta com outras ferramentas e apoio das próprias produtoras para adquirir
material importante e exclusivo dos filmes. Ele é convidado a participar de cabines de imprensa,
coletivas, entrevistas, vídeo conferências, acesso a imagens e vídeos (trailers) entre outros elementos
que propiciam uma imersão na criação e conceito da produção de interesse.

As tecnologias atuais também proporcionam novas experiências de imersão do crítico nas

obras cinematográficas o que possibilita uma perspectiva inédita do ponto de vista do espectador,
ou seja, os cinemas 3D e 4D nos transportam para “dentro” da tela do cinema e permitem que os 5
sentidos sejam amplamente utilizados: visão e audição (2D e 3D) olfato, tato e paladar (4D), somos
levados a um novo nível de apreciação de filmes.

É o que chamamos de realidade virtual e ampliada. Na virtual, temos o contato com o imaginário,
o que nos é apresentado na tela do cinema e somos inseridos em seu contexto, temos que nos sentir
dentro da ação do filme aí sim poderemos dizer que tivemos uma experiência plena de absorção
dos elementos transmitidos pela obra. Já na ampliada são todos os elementos externos que ajudam
nessa imersão, como óculos 3D, poltronas com recursos de movimento e inclinações diversas entre
outros tópicos. O que não pode acontecer é que um fator externo negativo tire a concentração, pois
uma pessoa conversando ou utilizando o aparelho celular na sala de cinema acaba por interferir e
estragar o prazer de imersão total do espectador.

Figura 29- Realidade virtual

Fonte: shutterstock.com / Por Nestor Rizhniak

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Os veículos digitais
• Sites/portais: são os meios mais conhecidos na Internet para a postagem (publicação), pois
atuam como vitrines de vários tipos de materiais e são a evolução dos jornais impressos
tradicionais divididos em editoriais (seções) que abordam assuntos específicos. Claro que não
precisam necessariamente serem sobre vários assuntos e são focados em temas distintos
como o cinema, sempre em busca de diferenciais para competir em um mercado em expansão.
E seus layouts fogem do tradicional, a fim de atrair um determinado público que procura por
inovação ou elementos que não se prendam aos padrões tradicionais.

Dica: A Toupeira é um portal que também possui informações recentes e atualizadas sobre o
mundo do cinema. Acesse nesse link e conheça.

• Redes sociais: Atualmente, boa parte dos materiais sobre cinema (críticas, imagens, notas etc.)
é postada nas redes sociais digitais: Facebook, MeWe, Google+, apenas para citar algumas, pois
a intenção é atingir o público móbile que utiliza smartphones e tablets, que requer agilidade
na hora de acessar o material de seu interesse. Enquanto nos sites encontramos textos mais
completos, nas redes sociais digitais temos dois caminhos: postar um link que direcione o
internauta para o portal ou produzir um texto mais curto e adequado à mídia desejada para o
leitor. Claro que a atualização constante é ponto fundamental para o sucesso da crítica nestes
veículos e agregar informações sobre bilheteria e outros dados mais estatísticos ajuda na
complementação da matéria.

Dica: O CF Notícias é um site que desde 2008 passa informações sobre o mundo do entretenimento
e cinema. Conheça o site, clicando no link.

• Vlogs, também chamados de Vídeo Logs (Diários em Vídeo). A plataforma YouTube é a mais
conhecida entre os internautas e nos últimos anos temos acompanhado a ascensão de pessoas
que gravam e postam vídeos de forma irreverente e descontraída para atrair um público cada
vez mais exigente com o entretenimento. São os chamados youtubers, uma clara alusão à
plataforma, ainda que mais recentemente tenham ganho o título de “influenciadores digitais”,
pois alguns canais chegam a ter mais de dez milhões de inscritos. Em comparação com a
TV, as plataformas de vídeos buscam os mesmos índices: audiência, fidelidade de público,
anunciantes e serem os primeiros, mas com a característica de serem segmentados, ou
seja, focam em apenas um único aspecto, em nosso caso, o cinema. Temos a crítica fílmica
ilustrada com som e imagem garantindo ao espectador do canal uma melhor avaliação do
filme de seu interesse.

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Dica: No YouTube existem vários canais divulgando informações e crítica sobre cinema e
entretenimento. Indicamos o CinePOP, criado em 2000, o CinePOP mantém você ligado em tudo o
que ocorre na sétima arte. Clique e conheça.

• Blogs: São conhecidos como diários na Internet, ou seja, uma página simples, diferente dos
portais e sites convencionais onde o seu autor pode escrever suas impressões pessoais e de
vida para o público da internet. É mais opinativo e pode ser comparado às seções de editoriais
de jornais impressos onde um especialista comenta sobre determinado assunto. Em cinema,
temos vários críticos que possuem seus próprios espaços, independente de escreverem para
outros veículos, isso ajuda na sua visibilidade como profissional da área.

Dica: Blog do UOL com comentários e curiosidade. Conheça clicando nesse link

Ferramentas e apoio de materiais exclusivos

Fora as plataformas digitais que auxiliam no trabalho de divulgação assim temos: o YouTube, o
Facebook e Twitter como exemplos de locais que possibilitam a interação e troca de dados entre
diversas áreas e mídias, o crítico tem à sua disposição, ferramentas que possibilitam uma melhor
compreensão e busca de informações que visam colaborar com a produção de seu texto: buscadores
como o Google ajudam na hora de procurar informações mais técnicas e dados sobre uma obra.

Os sites de cinema e das produtoras também são altamente importantes para uma melhor
leitura de como os filmes são percebidos pela crítica especializada e postagens opinativas de
espectadores colaboram para termos uma visão opinativa do público. Lembrando sempre que a
checagem das fontes deve ser prioridade

As produtoras trabalham para a divulgação de suas obras por meio da postagem de trailers do
filme, ações como pré-estreias em cinemas antes do lançamento oficial, disponibilizam ao público
imagens e dados sobre o elenco e filmagens, entre outras atividades. Mas, um ponto importante,
é tentar chegar ao crítico e obter um texto favorável, e neste sentido, utilizam seus recursos para
promover junto aos especialistas uma experiência em primeira mão antes da estreia para que
possam levar aos seus leitores e/ou espectadores suas impressões (positivas ou negativas) da
obra que irá entrar em cartaz.

Temos então a figura da assessoria de imprensa que é um órgão interno ou externo da produtora
que visa o trabalho junto aos críticos para controle, cadastramento, informações, envio de materiais,
agendamento de eventos e entrevistas, gerenciamento de crises etc.

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Lembrando que a utilização destes recursos não caracteriza uma “compra” da opinião favorável
ao filme, mas apenas uma forma de aproximar e fornecer elementos adicionais para a produção do
texto ou vídeo que possam colaborar com sua melhor interpretação.

É importante citar que o trabalho da crítica não termina após o lançamento do filme, pois há a
questão dos DVDs e Blu-Rays que chegam às lojas com cenas extras, material adicional de bastidores
e depoimentos da equipe de produção (atores, diretor etc). Neste contexto, um bom exemplo de
trabalho conjugado é quando há o lançamento de uma sequência de um filme e a assessoria pode,
no dia da exibição, entregar aos críticos uma cópia do primeiro filme para poderem conhecer ou
relembrar a trama desde o começo.

Os críticos também estão limitados a algumas exigências das produtoras ao aceitarem participar
de eventos de lançamentos. Um exemplo é quando um grande filme está próximo de sua estreia e
temos que assinar um termo de embargo de publicação, ou seja, nada poderá ser comentado ou
divulgado sobre a produção até determinado dia antes de sua estreia, assim evita-se o risco de que
alguma informação importante ou que poderia estragar a surpresa do público seja divulgada com
muita antecedência. Os embargos são levados muito a sério e podem ocasionar a suspensão do
crítico caso o mesmo não cumpra as exigências impostas.

Um problema nos dias atuais é a necessidade (absurda) de ser o primeiro a publicar algum
dado. Alguns veículos nacionais, nessa ânsia, acessam sites estrangeiros, fazem a “tradução” de
materiais e postam em suas páginas, o que pode ocasionar graves erros de informação, pois, em
alguns casos, a tradução foi mal feita ou o que foi um evento de grande porte realizado de uma
maneira para um determinado país, no Brasil será feito de outra forma com menos recursos, e
quando o leitor ou espectador for conferir ficará decepcionado.

Tipos de eventos para críticos

Dentre os diversos tipos de atividades que podem ser oferecidas aos críticos, destaco cinco
que são as mais conhecidas e utilizadas na atualidade:

• Cabine de Imprensa: a função principal é atrair a imprensa para o lançamento de um filme,

quando os críticos irão assistir em primeira mão o material e podem opinar em seus veículos
sobre suas impressões antes do título entrar em cartaz. Neste caso a assessoria possui um
cadastro conhecido como mailling com os dados dos interessados (veículo e área de atuação)

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e são enviados convites para saber o interesse em participar da atividade que é realizada em
uma sala de cinema.
Figura 30 - Imagem de convite de cabine de imprensa

Exemplo de convite de cabine de imprensa enviado pela produtora California

Filmes Fonte: arquivo pessoal do autor Clóvis Furlanetto

• Coletiva de Imprensa: neste caso, há similaridades com a cabine: a assessoria utiliza seu
mailling com os dados dos interessados (veículo e área de atuação) e são enviados convites
para saber o interesse em participar da atividade que é realizada em uma sala de cinema

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ou em espaço no qual possa ser montada uma mesa para acomodar a equipe de produção,
atuação ou técnica, pois eles responderão perguntas sobre o filme.

Este tipo de atividade pode ser realizado logo após a cabine de imprensa, exatamente para
aproveitar o momento. Também há a opção em que os atores e a produção participam de entrevistas
individuais, quando o crítico tem a oportunidade de ficar “sozinho” com os atores e atrizes para
focarem e direcionarem suas perguntas para seus veículos apenas. Vídeoconferência é algo comum
neste tipo de evento, caso os atores e atrizes sejam de outros países ou não estejam disponíveis
na mesma cidade, estado ou país.

Figura 31: Imagem de evento de coletiva de imprensa

Coletiva de imprensa do filme “X-Men: Dias de um Futuro Esquecido” com os atores Patrick
Stuart e James McAvoy em 14 de maio de 2014, visão do palco. Fonte: arquivo pessoal
da crítica de cinema AngelaDebellis, do site http://www.atoupeira.com.br/

• Tapete Vermelho: é um tipo de evento apenas para a promoção do filme com a presença de
atores, mas sem a possibilidade de entrevistas ou contato mais direto. Os críticos e fotógrafos
ficam restritos por uma grade de proteção e as celebridades passam por um tapete (que não
necessariamente precisa ser de fato, vermelho), acenando e fazendo poses para as fotos. Fãs
e convidados são chamados para este evento que muitas vezes está ligado a uma pré-estreia.
A intenção é causar certo “tumulto” para gerar maior exposição na mídia.

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Figura 32: Imagem de evento tapete vermelho, visão do público

Tapete vermelho do filme O Agente da U.N.C.L.E. com o ator Henry Cavill em 24 de agosto de 2015.
Fonte: arquivo pessoal da crítica de cinema AngelaDebellis, do site http://www.atoupeira.com.br/

Figura 33 - Imagem de evento tapete vermelho, visão dos atores

Tapete vermelho do filme O Agente da U.N.C.L.E. com os atores Henry Cavill e Armie
Hammer, em 24 de agosto de 2015, visão do palco. Fonte: arquivo pessoal da crítica
de cinema AngelaDebellis, do site http://www.atoupeira.com.br/

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• Junket: um evento que pode ter vários nomes: press summit e line-up, basicamente significa
uma exibição fechada de cenas de filmes ou séries e dos lançamentos para o próximo ano
de determinada produtora para os críticos em geral, a fim de que, desta forma, prepare-se o
terreno para a estreia e verifique-se as primeiras reações do público. Normalmente, não exibem
mais do que 20 ou 30 minutos de cenas aleatórias da produção.
Figura 34: Imagem de convite de evento summit e line-up

Exemplo de convite de Press Summit e Lineup enviado pela produtora Fox

Film. Fonte: acervo pessoal do autor Clóvis Furlanetto

• Gerenciador online: é um sistema próprio ou contratado pelas assessorias de imprensa e/ou

produtoras para disponibilizar pela internet, imagens, vídeos e demais informações de seus
filmes sem a necessidade de envio de material físico ou por e-mail aos críticos. Funciona
como um repositório digital onde podemos baixar o que desejarmos sobre a obra e assim
complementar a crítica e confirmar dados sem a preocupação de informações incorretas
oriundas de outras fontes. Para ter acesso, o profissional de cinema deve ter seu cadastro

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validado pela assessoria e se comprometer com os termos de uso e publicação constantes

no regulamento da plataforma utilizada.

CURIOSIDADE

Gerenciador image.net é o serviço de distribuição de publicidade digital exclusivo para meios de

comunicação em 18 idiomas. Utilizado por diversas produtoras no Brasil. Clique e conheça.

A FILOSOFIA A SERVIÇO DA CRÍTICA CINEMATOGRÁFICA

Há um lado da crítica que não é conhecido do grande público, pois a visão que se tem é a de
um especialista que por meio de termos técnicos e informações das obras o material de análise
de um filme é produzido. Cada crítico tem sua formação e estilo próprio para a concepção do texto
ou vídeo, mas devemos também abrir nossas mentes para ensinamentos e conceitos existentes
muito antes da invenção do cinema.

Os pensadores gregos contribuíram muito para a arte e entretenimento na antiguidade e nos dias
atuais também, claro que devemos tomar um grande cuidado ao citar ou utilizar ensinamentos que
datam de antes da criação do cinema, pois foram feitos para um determinado tipo de espetáculo, por
exemplo, o teatro, mas elementos básicos constituem a base de toda a estrutura de interpretação,
direção e outros itens que são de suma importância.

Aristóteles em sua obra conhecida como a Poética discorre sobre como trabalhar os temas da
epopeia a tragédia o autor Verusk Arruda Mimura apresenta uma visão interessante de que a obra
deve ser pensada de acordo com sua destinação, ou seja, podemos traduzir para os dias atuais
como o filme deve ser produzido para atingir seu público e como sua produção atingirá seu objetivo
de retratar o roteiro proposto de maneira correta.

A primeira intuição realmente importante retirada da Poética de Aristóteles consiste

na sua ideia de que a obra deve ser pensada em função da sua destinação. É problema
central na Poética antiga, os critérios a serem levados em conta no cumprimento
da destinação ou finalidade de cada espécie de representação. A destinação ou
dynamis de uma espécie de representação é o que ela deve ser ou realizar por sua
própria natureza. O mais interessante, todavia, é que para Aristóteles a destinação
de uma composição qualquer, a sua realização é o seu efeito. Mas efeito que não
se realiza senão sobre aquele que desfruta ou aprecia a representação. (MIMURA
apud GOMES, 2006, p.4, 2011).

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Ao pensarmos em utilizar a Poética de Aristóteles ao cinema somos apresentados a duas

situações ou hipóteses que com seus próprios objetivos que devem provocar certo tipo de efeito
em seus espectadores que pretende identificar e despertar emoções. São os elementos técnicos
(como o figurino, a fotografia e a maquiagem) e emocionais (como a atuação e a direção) que
levarão os espectadores a uma imersão na obra apresentada, mas todos esses itens devem estar
em harmonia, caso contrário, o filme perderá sentido e utilidade e não poderá passar sua carga de
emoção, suspense, drama etc assim como deve ser com o gênero ao qual está ligado.

Natureza da peça cinematográfica: o filme pode ser entendido corretamente se visto

como um conjunto de dispositivos e estratégias destinados à produção de efeitos
sobre o seu espectador. Tais dispositivos e estratégias podem ser identificados,
isolados e relacionados à família de efeitos procurados pelo realizador. A perspectiva
metodológica que daí decorre indica um procedimento analítico cuja destinação
consistiria em indicar os recursos e meios estrategicamente postos no filme. A
poética estaria, então, voltada para identificar e tematizar os artifícios que no filme
solicitam esta ou aquela reação, esse ou aquele efeito no ânimo do espectador.

Natureza da apreciação do filme: um filme não existe enquanto obra em nenhum

outro lugar ou momento a não ser no ato da sua apreciação por um espectador
qualquer. Como uma sinfonia não existe como música nem na partitura nem no CD,
mas no ato da sua apreciação quando executada, um filme só existe no momento
da experiência fílmica, só existe no momento em que desabrocha em sentidos e
efeitos. (GOMES, 2006 apud MIMURA, 2011, p.5).

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Figura 35 – O cinema é uma programação ou criação de efeitos (PENAFRIA, 2009, p. 6)

Fonte: .shutterstock.com / Por Denis Rozhnovsky

No entendimento de Wilson Gomes (apud PENAFRIA, 2009, p.6) e sua análise poética, o filme é
uma programação ou criação de efeitos. A seguinte metodologia rege tal análise:

1) Enumerar os efeitos da experiência fílmica, ou seja, identificar as sensações,

sentimentos e sentidos que um filme é capaz de produzir no momento que é visionado;
2) A partir dos efeitos chega à estratégia, ou seja, fazer o percurso inverso da criação
de determinada obra dando conta do modo como esse efeito foi construído. Se
considerarmos que um filme é composto por um conjunto de meios (visuais e sonoros,
por exemplo, a profundidade de campo e a banda sonora/musical) há que identificar
como é que esses meios foram estrategicamente agenciados/organizados de modo
a produzirem determinado(s) efeito(s).

Podemos citar também o texto de Platão Alegoria da Caverna que trata da visão restrita de
homens e mulheres que apenas enxergam sombras em suas cavernas pessoais (“computadores”)
e não buscam a fundo as verdadeiras informações. Neste caso, estamos falando de críticos e
espectadores que tomam como verdade tudo o que é publicado e veiculado na Internet sem fazer

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o devido aprofundamento das informações. Então um filme que poderia ser apreciado melhor pode
cair no limbo do esquecimento, caso não seja devidamente analisado e corretamente entendido.

Pois usando a analogia da Alegoria da Caverna, as pessoas neste caso estão de costas para a
entrada da caverna e apenas vislumbram as sombras projetadas na parede interna: é o que ocorre
com as informações na internet, quando as vemos em nossos monitores, elas são sombras que
precisam ser levadas à luz da verdade para que possamos realmente acreditar em seus dados.

ANÁLISE DE CRÍTICAS
Sem adentrarmos no campo do debate entre erros e acertos, analisaremos a construção e a
argumentação de críticas feitas por profissionais experientes em distintos gêneros cinematográficos,
visando o entendimento e possíveis caminhos para uma boa crítica fílmica. Informo que os textos
utilizados neste capítulo servem única e exclusivamente para ilustrar os diversos tipos de estilos
de críticas, os mesmos estão com as devidas citações e endereços eletrônicos de suas fontes e
não há a intenção de ferir nenhum direito autoral.

Crítica: Quem quer ser um milionário? por Marcelo Janot

É difícil dizer em que aspecto Quem quer ser um milionário? é mais falho: como drama
de forte cunho social ou como fábula romântica. São quase dois filmes distintos
misturados no mesmo saco de gatos para agradar a gregos, troianos e votantes da
Academia de Hollywood. Se analisarmos pelo lado do drama social, o que se percebe
é um olhar deslumbrado sobre a miséria do terceiro mundo. Para nós, brasileiros,
não é nenhuma novidade ver crianças sendo exploradas para pedir esmolas, catando
comida em depósitos de lixo para sobreviver, cometendo pequenos golpes contra
turistas e até mesmo pegando precocemente em armas, um fetiche já devidamente
explorado por Fernando Meirelles em Cidade de Deus. Mas o inglês Danny Boyle
não só reitera o que Meirelles já havia mostrado, com direito a perseguição frenética
na favela, tal qual o início do filme brasileiro, como vai além, mostrando, de forma
superficial, desde os conflitos étnico-religiosos ao desenvolvimento urbano de
Bombaim, a bordo de um roteiro que se pretende engenhoso, mas é cheio de clichês
e simplificações.

Explicar cada resposta certa no quiz televisivo com flashbacks que mostram a
trajetória de vida de Jamal é uma fórmula interessante, mas esquemática demais

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para se sustentar ao longo das duas horas de projeção. Boyle quer chamar a atenção
para as maldades feitas pelos exploradores da miséria infantil, mas permite que o
protagonista do seu filme, já como uma celebridade televisiva, aceite ser torturado na
delegacia e no dia seguinte desperdice a oportunidade de denunciar os maus-tratos
em rede nacional. E como imaginar um novo herói da nação saindo da emissora de
TV anônimo e curtindo sua fossa, sentado no chão da estação de trem, sem ser
incomodado? Esses e outros equívocos não conseguem ser justificados pelo segundo
filme que há dentro de Quem quer ser um milionário?: a fábula amorosa envolvendo
Jamal e Latika. Só mesmo no reino do faz de conta e no cinema de B(H)ollywood
somos levados a crer na forma que se dão os encontros e desencontros dos dois,
um amor tão puro e irreal que nas cenas em que aparece com uma cicatriz tão bem
desenhadinha no rosto, Latika parece a miss Índia numa propaganda de cosméticos.

Tirando a obsessão pelos coliformes fecais (lembram da cena em que Ewan McGregor
mergulha numa latrina em Trainspotting?), Danny Boyle parece ter se tornado outro
cineasta, que nem de longe faz lembrar o diretor promissor e ousado de seus primeiros
filmes. Depois de uma sequência de realizações decepcionantes em Hollywood, ele
parece ter mirado o populoso mercado indiano e, graças à globalização, ampliou seu
mercado. Boa música, belas imagens e muita sacarose acabaram bastando para
que os cada vez menos exigentes público, crítica e Academia se deliciem com este
insosso curry inglês. (Fonte: http://criticos.com.br/?p=1697)

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SAIBA MAIS

Quem quer ser um milionário?

FICHA TÉCNICA

Título Original: Slumdog Millionaire

Ano do lançamento: 2008

Produção: EUA

Gênero: Comedia, Romance

Direção: Danny Boyle

Roteiro: Simon Beaufoy e Vikas Swarup

Sinopse: Jamal K. Malik (Dev Patel) é um jovem que trabalha servindo chá em uma empresa de
telemarketing. Sua infância foi difícil, tendo que fugir da miséria e violência para conseguir chegar ao
emprego atual. Um dia ele se inscreve no popular programa de TV “Quem Quer Ser um Milionário?”.
Inicialmente desacreditado, ele encontra em fatos de sua vida as respostas das perguntas feitas.
Conheça mais críticas sobre esse filme ganhador de 8 Oscar. (fonte: http://www.ccine10.com.br/
quem-quer-ser-um-milionario-critica/)

Figura 36: Cartaz do filme Quem quer ser um milionário?

Fonte: http://www.ccine10.com.br/wp-content/uploads/2014/01/QUEM-QUER-SER-UM-MILIONARIO.jpg

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Comentário

A crítica feita por Janot enfatiza os problemas no roteiro, personagens caricatas e situações
inverossímeis. Utiliza-se de uma visão social para demonstrar como o filme tenta fazer uma ligação
sentimental do protagonista com o espectador e ainda expõe a relação amorosa, que existe também
para buscar um elo com o público, mas que parece ser inusitada e sem bases realistas, assim como
a situação vivida no concurso e na polícia por Jamal.

Janot termina com uma crítica aos trabalhos anteriores do diretor e ao público pouco exigente,
fechando com um recurso muito utilizado: a comparação do filme com algo fora de si, mas que
possui laços culturais, sociais ou artísticos. As comparações com o cotidiano comum são muito
úteis para fazer um fechamento ou serem utilizadas em momentos adequados durante uma crítica.

Crítica: Os Vingadores, por Rubens Ewald Filho

Os Vingadores (The Avengers) EUA, 2012. Direção e roteiro de Joss Whedon. Marvel
Disney Paramount. 142 min. Com Robert Downey Jr, Gwyneth Paltrow, Scarlett
Johanson, Jeremy Renner, Samuel L. Jackson, Chris Evans, Chris Hensworth, Mark
Ruffalo, Tom Hiddleston, Stalan Skasgaard, Paul Bettany (voz de Jarvis), Lou Ferrigno
(voz de Hulk), Jenny Agutter

Já faz anos que a gente está se preparando para a chegada deste Avengers, promovidos
de maneira muito hábil com teasers no final dos filmes individuais dos super-heróis
e endereçados diretamente aos fãs de quadrinhos.

Também a escolha do diretor parecia acertada ao usar o critério de aproveitar um

diretor que fosse fã do gênero (como fizeram com Sam Raimi em Homem-Aranha)
e que mesmo fazendo algumas mudanças, respeitasse as regras fundamentais do
original. No caso, Joss Whedon, vindo da TV (mais adiante a biografia dele e algumas
restrições).

Ainda assim este primeiro grande blockbuster do ano (não esqueçam que o fracassado
John Carter levou à derrubada do Presidente da Disney!) deve agradar e fazer sucesso.
Para mim, por uma razão básica: é bem divertido!

É verdade que o filme custa um pouco a engatar por uma razão evidente: são muitos
personagens e depois de uma primeira sequência de ação há muito o que explicar
e contar (o que às vezes é feito em flashbacks, recurso pouco usado neste tipo de

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filme). Mas as informações são fundamentais. Nick Fury (Jackson), que não possui
superpoderes, tem surpreendentemente pouco a fazer a não ser gritar ordens e brigar
com o Conselho Supremo, já que a ação fica por conta dos outros super-heróis que
andou convocando e recolhendo.

O que tem mais presença, a princípio, é mais conhecido do público em geral: O Homem
de Ferro (que afinal já teve duas aventuras próprias). Robert Downey está com a língua
afiada soltando farpas e sendo até amoroso com Pepper ou implicando com outro
que retorna, o Capitão América (Chris Evans, já mais a vontade com o personagem).
Logo a princípio, um desconhecido ainda para o espectador, o Gavião (Hawkeye) já
é cooptado pelo inimigo (não gosto do ator que o interpreta, Jeremy Renner, que é o
único que não me convence) assim como o Professor Erik Selvig (Stellan).

Toda a ação é motivada por um ataque de alienígenas que vêm recuperar uma fonte
de energia que estava sendo estudada e explorada pelos humanos, e advinha quem
está no comando da invasão? Justamente o irmão adotivo de Thor (que naturalmente
se junta ao grupo e em determinado momento, veja que alívio, irá recuperar o seu
martelo!). E o tal de Loki é interpretado sinistramente pelo britânico Tom Hiddleston.
Desta vez, sem o menor escrúpulo de assumir sua vilania, encenando um espetacular
assalto e destruição a Nova York. Scarlett Johanson faz a única mulher do grupo, a
Viúva Negra, de origem russa (não fizeram o filme dela ainda).

Mas sabem quem rouba o filme? É justamente o Hulk, que já vinha de duas tentativas
fracassadas de ser aceito no cinema e que parece encontrar seu passo certo com a
cara de Mark Ruffalo (que sempre é uma boa figura) e sempre desenhado por efeitos
digitais. Acho que Whedon sacou o importante: Hulk vem com senso de humor e
provoca duas ou três situações que fazem os fãs vibrar!

Faço restrições apenas à direção de Whedon, já que ele insiste em closes e planos
próximos (defeito que adquiriu da televisão de onde veio, que incomodam principalmente
na tela grande das salas). Há muita câmera na mão e principalmente uma ausência
de estilo, de enquadramentos mais elegantes, de um desenho de produção marcante
(melhora a situação na criação dos ETs e principalmente suas naves, já que nesse
caso a execução ficou em cima dos computadores).

Mas a restrição acaba não sendo tão importante, porque o filme sabe brincar com os
possíveis defeitos (numa hora em que Chris Hensworth que faz o Thor, começa a falar

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com seu vozeirão empolado, Downey Jr. vem tirando sarro: “Para com essa história
de fazer Shakespeare” (se referindo a  Shakespeare no Parque, que é a temporada
de peças do autor que são encenadas anualmente no Central Park, em Nova York).
(disponível em: http://cavernadohulk.blogspot.com.br/2012/04/rubens-ewald-filho-
elogia-o-hulk-em-os.html)

Figura 37 – Cartaz do filme Os Vingadores

Fonte: http://br.web.img2.acsta.net/medias/nmedia/18/89/43/82/20052140.jpg

Comentário

Rubens Ewald Filho desenvolve uma crítica opinativa e descritiva do enredo do filme. Ainda
que comente de forma rápida aspectos técnicos como enquadramento ou informe dados sobre os
realizadores, é com opiniões sobre atores, o andamento do longa e até sobre as ações de promoção
feitas pelo estúdio que o texto se desenvolve. Esse tipo de crítica se comunica diretamente com
o espectador porém, por ser opinativa, acaba criando grupos através de pontos de concordância
entre leitores frequentes. Em contrapartida, o grupo que não concordar deixa de ler suas críticas.

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Crítica: UP - Altas Aventuras, por Luiz Carlos Merten

Cannes habitualmente se veste de gala, mas este ano o festival adotou óculos
especiais para a abertura com UP - Altas Aventuras. A nova animação da Pixar, em 3-D,
permanece fiel ao primeiro mandamento do estúdio que revolucionou os desenhos,
tudo pela história. A de UP lembra um pouco a de Almoço em Agosto. Assim como os
produtores italianos diziam ao diretor e roteirista Gianni Di Gregorio que ninguém ia
querer ver um filme sobre um grupo de velhas, havia a mesma descrença na Disney,
parceira da Pixar, de que o público pudesse se interessar por um velho rabugento
como Carl.

Foi John Lasseter quem incentivou o diretor Pete Docter e o roteirista e codiretor
Bob Peterson a seguirem em frente. “Se a história é boa, o público segue”, é sua
norma. Foi assim que surgiu o garoto aventureiro que virou adulto, se casou, ficou
viúvo e nunca perdeu o sonho de se perder no mundo, o que realiza com o garoto
Russell, quando a vizinhança em que vive se torna pequena demais. Cal foi dublado
na França por Charles Aznavour e, no Brasil, fala com a voz de Chico Anísio, que se
emocionou com a trama.

Como a técnica 3-D, o garoto, no fundo, é outro recurso para contar a história de Cal
e de como, no limite da dor, a mensagem que a mulher lhe deixou vai mudar tudo
para o velho. Tempo perdido, tempo reencontrado, como em Ratatouille. Os cães
falantes, a ave rara e o aventureiro, meio Jules Verne, que enlouquece elevam o
tom da aventura. Docter conta que foi fundamental ter ido às montanhas Tepui, na
Venezuela, que lhe forneceram a paisagem. Cal, fisicamente, parece reminiscência
de Spencer Tracy, um dos ícones da era de ouro de Hollywood. Ninguém foi mais
sólido que o velho companheiro de Katharine Hepburn. Só que Tracy não foi a única
fonte de Cal. O repórter lembra James Whitmore, para o diretor. “Oh, sim, Whitmore
e Walter Matthau”, acrescenta Docter, todos grandes, inspirando um personagem
maravilhoso. (Fonte: http://cultura.estadao.com.br/noticias/cinema,critica-sobre-
up-de-luiz-carlos-merten,429471).

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Figura 38: Cartaz do filme UP – Altas Aventuras

Fonte: http://br.web.img3.acsta.net/medias/nmedia/18/92/03/73/20176438.jpg

Comentários

Normalmente encontramos esse tipo de crítica em espaços diminutos nos jornais, estilo “tijolinho”
e, devido ao espaço muito reduzido, costumam apenas dar uma direção com uma opção de leia
mais, ou seja, a cada parágrafo o leitor deve decidir se continuará a leitura. Luiz Carlos Merten fala
sobre o que se pode esperar quando comenta que a animação permanece fiel ao estúdio, uma vez
que grandes foram os sucessos da Pixar, mas não é muito claro em outros pontos. Esse tipo de
crítica costuma estar acompanhado por uma avaliação numérica ou outra semelhante para apoiar
os argumentos.

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Crítica: Um método perigoso, por Filipe Quintans

Raros são os cineastas cujos filmes podemos reconhecer num estalo. Assim é com
os filmes de Scorsese, assim sempre foi e sempre será com os filmes de Hitchcock
e Billy Wilder. Nesse nem tão vasto universo temos David Cronenberg, que com bem
menos representatividade e apelo, faz por merecer integrá-lo. 

O caso de Um Método Perigoso é exemplar. Nada do que se passa é por força do

conflito, mas por força da vontade pura. A direção de arte é um personagem, a palavra
é comedida, embora contundente. Se ainda é possível imprimir estilo pessoal no
cinema, aí está, sem dúvidas.

Cronenberg talvez tenha dirigido o primeiro filme sobre um triângulo psicanalítico de

que se tem notícia. Quando Carl Gustav Jung (Michael Fassbender) tem o primeiro
contato com sua paciente Sabina Spielrein (Keira Knightley) sabemos que dali sairá
um romance. Sairá a fórceps, mas sem maiores prejuízos, apenas deixando o gosto
amargo do fim da paixão. O encontro com Sigmund Freud (Viggo Mortensen) faz
Jung ficar entalado entre a interpretação de certas neuroses pelo viés sexual (teoria
da qual não discorda, mas acha limitante) e o amor, cada vez mais latente, por sua
paciente. 

O triângulo assim se estabelece e a partir dele o roteiro de Christopher Hampton,

também autor do texto teatral no qual ele é baseado, tece conexões e consequências.
O trabalho de Cronenberg é tirar a melhor foto. A beleza das locações e o delicado
trabalho de cenografia conferem certo encanto até. A câmera é instrumento de
observação, pelo reflexo do espelho, pela porta entreaberta do quarto onde Jung
surra Sabina, única maneira de levá-la ao clímax. Eis o tema central do longa: o prazer
não é simples, sobretudo entre quem estuda suas motivações. (Fonte: http://www.
jb.com.br/cultura/noticias/2012/03/30/critica-um-metodo-perigoso/ >)

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Figura 39: Cartaz do filme Um Método Perigoso

Fonte: http://www.imdb.com/title/tt1571222/mediaviewer/rm1628880128

Comentário

Filipe Quintans consegue descrever a beleza do filme de forma técnica e comparativa com
dados relevantes sobre os realizadores e a obra em si. Reúne conhecimento e passa ao espectador
tudo que ele precisa saber para tomar a decisão de ver ou não e o que esperar. Esse texto pode
não atingir a todos, mas deverá atingir aos mais cinéfilos, como os críticos de cinema. Filipe diz o
essencial sem ficar descrevendo cenas, com bom ritmo e relevância. É importante ressaltar que
o crítico não deve se prender no “culto ao artista” por se tratar de um filme de Cronenberg. Deve
levar em consideração as obras anteriores, porém sem gerar influência direta ao texto sobre o filme
pretendido.

Crítica: A Pele que Habito, por Gabriel Medeiros

O que significa ser genial no cinema contemporâneo? No caso específico de dois
grandes cineastas do nosso tempo, Quentin Tarantino e Pedro Almodóvar, a criação
de uma obra-prima passa pelo processo de construção de um sistema de referências

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(filmes vistos, livros lidos, situações vividas etc.), que precisa ser desconstruído,
misturado e reinventado para que algo novo possa nascer de coisas que já foram
utilizadas antes. No caso do cineasta espanhol, a mescla de gêneros, que podem ir
do filme noir ao melodrama, da comédia escrachada à ficção científica, tudo isso
em um mesmo filme (ou, até mesmo, em uma única cena!), sempre foi sua marca
registrada. Em A pele que habito temos a oportunidade e o privilégio de observar
a maestria do diretor em controlar essa salada de gêneros, em mais uma trama de
complexidade única, que já nos acostumamos a ver em grandes filmes como Fale
com ela (2002) e Má educação (2004).

A história se passa no sugestivo ano de 2012 (seria uma ironia colocar sua história
futurista tão próxima do nosso tempo?), e traz o impecável Antonio Banderas como
o bem-sucedido cirurgião plástico Richard Legrand que, após a trágica morte de sua
esposa (que tem seu corpo completamente incinerado em um acidente), parte em
busca de uma “pele perfeita”, que poderia tê-la salvado. Sem limites em sua insaciável
busca, Richard é capaz de tudo para tentar reescrever a história e evitar o inevitável.

A verdade é que qualquer resenha sobre a nova película de Almodóvar seria redutível
em relação à grandiosidade da obra. O diretor vai e volta no tempo e constrói a
história de forma que nossas emoções fiquem sempre suspensas, na espera do
que pode acontecer no momento seguinte. E as reviravoltas não param em nenhum
momento da trama.

O diretor francês François Truffaut disse uma vez que o diretor de cinema era o único
que não podia se queixar de nada, pois, independente do que fizesse, o filme teria a
sua marca no final. Almodóvar tem a consciência disso e sabe a responsabilidade que
sua posição traz. Ele tem o controle perfeito sobre o tempo cinematográfico, sobre o
espaço cênico e sobre o que seus atores têm a oferecer. Com isso, cria momentos de
sensibilidade ímpar. A mescla de sentimentos opostos e de gêneros completamente
diferentes em uma mesma cena é a maneira que Almodóvar tem de mostrar a sua
visão sobre a vida, em que tragédia, comédia e melodrama digno de novela mexicana
estão sempre misturados, com limites muito mal-estabelecidos entre eles.

Em A pele que habito, por trás da complexa trama, Almodóvar traz ainda uma complexa
discussão. Na busca do homem pelo controle sobre a vida, na tentativa eternamente
frustrada de evitar a morte e alcançar a eternidade, vimos nossas ciências e tecnologias
chegarem a níveis extremos de evolução. E se, nessa busca, tivermos a chance de

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enfim darmos à luz a esse “super-homem”? Quais são os limites que estaremos
dispostos a ultrapassar e os sacrifícios que estaremos dispostos a fazer? A última
fala do filme pode ser, talvez, um sopro desesperado para que se veja a humanidade
por trás de toda a “perfeição” técnica. A superficialidade dessa última não pode se
sobrepor à intensidade da primeira.

Com seu ensaio sobre amor, ódio, vingança e busca pelo inalcançável, Pedro Almodóvar
nos brinda com mais uma pérola de seu cinema único. Um filme imperdível. (Fonte:
http://www.jb.com.br/programa/noticias/2011/11/04/critica-a-pele-que-habito/)

Figura 40: Cartaz do filme A Pele que Habito

Fonte: http://www.imdb.com/title/tt1189073/mediaviewer/rm3210394624

Comentário

Gabriel Medeiros faz uma crítica elogiosa, justificando os pontos positivos da narrativa e da
habilidade de Almodóvar em mesclar gêneros e prender a atenção do espectador, tudo com boas
referências, exaltando o cinema de autor e tendendo para o elogio. Faz ainda um breve comentário

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sobre questões implícitas no filme e termina “com aplausos”. Almodóvar possui um público específico,
fãs acostumados com o seu trabalho e com esses espectadores, a crítica comunica muito bem.
Cabe, porém, pensarmos mais uma vez sobre o “culto ao autor”.

CONCLUSÃO
Após este estudo sobre o aprendizado da análise crítica sobre as obras audiovisuais, podemos
concluir que o cinema é um processo complexo e multifacetado que trabalha os diferentes elementos
da cultura, arte, entretenimento, sociais, psicológicos e filosóficos para proporcionar ao seu espectador
uma sensação e percepção de realidade ou fantasia que o levará para um novo entendimento das
diversas facetas da sociedade ou do lúdico.

Assim libera em cada pessoa a sua expressão crítica e opinativa que demonstra que a sétima
arte não é simplesmente um produto de consumo cultural que visa apenas o lucro e se preocupa
em produzir materiais fechados em determinadas situações só para atrair o máximo possível de
pessoas que consumirão alimentos, vestuário, brindes e diversos elementos relacionados à obra
para gerar uma maior arrecadação sobre o filme.

Atualmente, se uma bilheteria não atinge a marca de 1 bilhão de dólares o filme é considerado
fraco por sua produtora, isso no caso de grandes lançamentos, em títulos menores espera-se que
a obra atinja, pelo menos, o triplo do que se gastou em sua produção e, desta forma, cria-se um
círculo vicioso de cada vez mais arrecadar e não apenas produzir um filme de qualidade. Mas em
contrapartida, temos diversas agências de produção de cinema que investem visando um lucro
mais modesto e com isso conseguem manter a magia e sensibilidade dos filmes dentro de um
patamar de qualidade muito alto.

Por favorecer a liberação da expressividade de seus espectadores, o cinema contribui para

que a figura do crítico possa ser algo mais do que apenas a pessoa especializada que aponta
os pontos negativos e positivos de uma obra, ele é elevado ao degrau de guia pelos meandros e
labirintos das produções, iluminando ao grande público as áreas sombreadas que possibilitarão
uma maior compreensão da obra e assim fornecem elementos essenciais para uma decisão sobre
a apreciação do filme.

A informação sobre os conhecimentos técnicos de produção, como funcionam as direções

de fotografia e arte, como a interpretação é fundamentada, de que maneira os efeitos visuais se
integram na edição de som e finalização, proporcionam aos cinéfilos uma mostra muito mais clara

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e abrangente de como o filme foi concebido e permite que tenham uma visão do próprio cineasta
que dirigiu e deu o tom aos elementos que se tornaram aquele filme.

Claro que a identificação dos gêneros é fundamental e nunca deve ser deixada de lado, pois
saber diferenciar a ação do drama, a comédia do romance e o terror do suspense é importante
para não se cometerem erros imperdoáveis ao analisar cada item que são os temas das obras.
Cada gênero tem seu subgênero que pode gerar outro e assim por diante, devemos sempre lembrar
que não é um elemento fechado, a cada dia surgem novas formas de expressão no cinema e suas
classificações podem ser alteradas a qualquer instante, gerando assim novas formas de ver as
obras e seus principais componentes.

Com a chegada da internet, temos uma nova forma de divulgar, produzir e segmentar o público.
A web revolucionou o cinema, pois com o acesso às diversas plataformas de inserção de vídeo
e redes sociais digitais, o cinema ganhou um novo fôlego e uma nova roupagem: o digital, que
nada mais é que a transposição da película fílmica para uma nova geração de gravação em vídeo,
mas sem a necessidade de um processo físico de impressão, ou seja, podemos gravar nossas
produções em mídias digitais (cartões de memória, hds, entre outros) e reproduzir e divulgar com
maior segurança e qualidade.

A figura do crítico também teve que acompanhar essa evolução, se modificar e adaptar para as
novas plataformas de publicação de materiais sobre as produções. Hoje é muito comum termos
canais de vídeo nos quais as opiniões se manifestam quase que instantaneamente nas telas de
computadores, smartphones e tablets. Textos são produzidos e anexados com vídeos e fotos em
número muito maior que antigamente em veículos impressos (jornais e revistas).

O acesso a esse tipo de informação também foi melhorado, agora um número muito maior de
pessoas possui suas próprias redes e contatos que ajudam a disseminar as informações.

Sem esquecermos que a análise crítica depende da percepção da pessoa que assiste à obra e
necessita de sua total atenção e critérios para que seus argumentos sejam devidamente aceitos e
validados pelo seu público. Manifestar uma opinião de forma simplória com “não gostei”, é ofender
a inteligência e bom gosto de um público cada vez mais exigente, por este motivo devemos ter
sempre em mente que a análise das obras é um processo de pesquisa e estudo constante e que
não deve ser tratado de modo leviano.

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GLOSSÁRIO
Argúcia: Perspicácia; agudeza de espírito; raciocínio sagaz (fonte: https://www.dicio.com.br/
argucia/)

Atávico: Hereditário; transmitido ou adquirido de maneira hereditária; também usado no sentido

figurado: tinha um comportamento atávico; possuía um rancor atávico. (fonte: https://www.dicio.
com.br/atavico/)

Escatologia: é uma parte da teologia e filosofia que trata dos últimos eventos na história do
mundo ou do destino final do gênero humano, comumente denominado como fim do mundo. Em
muitas religiões, o fim do mundo é um evento futuro profetizado no texto sagrado ou no folclore.
De forma ampla, escatologia costuma relacionar-se com conceitos tais como Messias ou Era
Messiânica, a pós-vida, e a alma. (fonte: https://pt.wikipedia.org/wiki/Escatologia)

Indexador: Dispor em índice, numa lista que metodicamente indica o conteúdo de alguma coisa;
ordenar: indexar os livros de uma biblioteca. (fonte: https://www.dicio.com.br/indexador/)

Primazia: Cuja categoria é superior; que se apresenta de modo excelente; excelência. / Que
está em primeiro lugar; que ocupa um cargo importante. / Que detém a primeira colocação; que
ocupa esse primeiro lugar. / Em que há prioridade; que se encontra em primeiro. (fonte: https://
www.dicio.com.br/primazia/)

Risível: Risível também pode ser usado em um sentido pejorativo, como algo que seja ridículo,
grotesco, que faz rir, mas não em um sentido agradável, e sim rir de um fato patético, que não é
necessariamente cômico. (fonte: https://www.significados.com.br/risivel/)

Suscitar: dar origem a, fazer aparecer ou nascer; provocar / dar lugar a; motivar, ocasionar,
promover, provocar (fonte: https://pt.wiktionary.org/wiki/suscitar)

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REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFICAS
BAHIANA, Ana Maria. Como ver um filme. Rio de Janeiro: Nova Fronteira, 2012.

BERGAN, Ronald. Guia ilustrado Zahar de cinema. São Paulo: Zahar, 2007.

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CASSAROTI, Lourdes Cividini. Crítica de cinema no jornal Folha de São Paulo: um estudo do gênero.
Dissertação (Mestrado em Ciências da Linguagem). 2006. 103 p. Universidade do Sul de Santa
Catarina, Tubarão/SC.

CHAUI, Marilena. Convite à Filosofia. São Paulo: Ática, 2010.

FERREIRA, Vítor Sérgio. Do lugar da Crítica. Revista Análise Social, vol. xxx (134), 1995 (5.°), 977-1022.

JÚNIOR, Gonçalo. Encicoplédia dos Monstros. Rio de Janeiro: Ediouro, 2008.

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NOGUEIRA, Luís. Gêneros Cinematográficos: Manuais de Cinema II. Portugal: Labcon Books, 2010.

PALLOTINI, Renata. Dramaturgia: a construção do personagem. São Paulo: Atica, 1989. 

PENAFRIA, Manuela. Análise de filmes - conceitos e metodologia(s). In: CONGRESSO DA SOCIEDADE

PORTUGUESA DE CIÊNCIAS DA COMUNICAÇÃO (SOPCOM), 6., abr. 2009, Lisboa. Anais eletrônicos...
Lisboa: Sopcom, 2009.

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REFERÊNCIAS FILMOGRÁFICAS

1. Animais Fantásticos e Onde Habitam (Fantastic Beasts and Where to Find Them, David
Yates, 2016)
2. Mens@gem para você (You’ve Got Mail, Nora Ephron, 1999)
3. Sintonia de Amor (Sleepless in Seattle, Nora Ephron, 1993)
4. De Volta para o Futuro (Back to the Future, Robert Zemeckis, 1985)
5. O Regresso (The Revenant, Alejandro González Iñárritu, 2016)
6. Avatar (Avatar, James Cameron, 2009) – pag.16
7. Superman (Superman, Richard Donner, 1978)
8. Tubarão (Jaws, Steven Spielberg, 1975)
9. O Exorcista (The Exorcist, William Friedkin, 1973)
10. Os Caçadores da Arca Perdida (Raiders of the Lost Ark, Steven Spielberg, 1981)
11. Kill Bill: Volume 1 e Volume 2 (Kill Bill, Quentin Tarantino, Volume 1 de 2003 e Volume 2 de
2004)
12. Batman: O Cavaleiro das Trevas (The Dark Knight, Christopher Nolan, 2008)
13. O Exterminador do Futuro (The Terminator, James Cameron, 1984)
14. Jurassic World: O Mundo dos Dinossauros (Jurassic World, Colin Trevorrow, 2015)
15. Os Vingadores (The Avengers, Joss Whedon, 2012)
16. Vingadores: Era de Ultron (The Avengers: Age of Ultron, Joss Whedon, 2015)
17. Homem de Ferro 3 (Iron Man 3, Shane Black, 2013)
18. Branca de Neve e os Sete Anões (Snow White and the Seven Dwarfs, David Hand, 1937)
19. O Estranho Mundo de Jack (The Nightmare Before Christmas, Henry Selick, 1993)
20. A Noiva Cadáver (Corpse Bride, Tim Burton e Mike Johnson, 2005)
21. Frankenweenie (Frankenweenie, Tim Burton, 2012)
22. Zootopia – Essa Cidade é o Bicho (Zootopia, Byron Howard e Rich Moore, 2016)
23. Procurando Dory (Finding Dory, Andrew Stanton, 2016)
24. Procurando Nemo (Finding Nemo, Andrew Stanton e Lee Unkrich, 2003)
25. Uma Cilada para Roger Rabbit (Who Framed Roger Rabbit, Robert Zemeckis, 1988)
26. Space Jam: O Jogo do Século (Space Jam, Joe Pytka, 1996)
27. Cassiopeia (Cassiopeia, Clóvis Vieira, 1996)
28. Eragon (Eragon, Stefen Fangmeier, 2006)
29. A Bússola de Ouro (The Golden Compass, Chris Weitz, 2007)

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30. Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 2 (Harry Potter and the Deathly Hallows – Part
2, David Yates, 2011)
31. A Guerra dos Mundos (The War of the Worlds, Byron Haskin, 1953)
32. It- Uma Obra Prima do Medo (It, Tommy Lee Wallace, 1990)
33. Jogos Vorazes (The Hunger Games, Gary Ross, 2012)
34. A menina que roubava livros (The Book Thief, Brian Percival, 2013)
35. O Curioso Caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin Button, David Fincher,
2008)
36. O Regador Regado (L’Arroseur Arrosé, Louis Lumière, 1895)
37. O Jovem Frankenstein (Young Frankenstein, Mel Brooks, 1974)
38. A História do Mundo – Parte 1 (History of the World – Part 1, Mel Brooks, 1981)
39. Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (Annie Hall, Woody Allen, 1977)
40. Apertem os cintos... O Piloto sumiu! (Airplane, David Zucker e Jim Abrahams, 1980)
41. Corra que a Polícia vem aí! (The Naked Gun, David Zucker, 1988)
42. Harry e Sally – Feitos um para o outro (When Harry Met Sally, Rob Reiner, 1989)
43. Surpresas do Coração (French Kiss, Lawrence Kasdan, 1995)
44. Titanic (Titanic, James Cameron, 1997)
45. E o Vento Levou... (Gone with the Wind, Victor Fleming e George Cukor, 1939)
46. Casablanca (Casablanca, Michael Curtiz, 1942)
47. A Felicidade não se compra (It’s a Wonderful Life, Frank Capra, 1946)
48. A Lista de Schindler (Schindler’s List, Steven Spielberg, 1993)
49. A Vida é Bela (La Vita e Bella, Roberto Benigni, 1998)
50. O Menino do Pijama Listrado (The Boy in the Striped Pyjamas, Mark Herman, 2008)
51. Menina de Ouro (Million Dollar Baby, Clint Eastwood, 2004)
52. 12 Anos de Escravidão (12 Years a Slave, Steve McQueen, 2013)
53. Sempre ao seu lado (Hachi: A Dog’s Tale, Lasse Hallström, 2009)
54. Quatro vidas de um cachorro (A Dog’s Purpose, Lasse Hallström, 2017)
55. O Mágico de Oz (The Wizard of Oz, Victor Fleming, King Vidor, 1939)
56. Caminhos da Floresta (Into the Woods, Rob Marshall, 2014)
57. Alice no País das Maravilhas – animação (Alice in Wonderland, Hamilton Luske e Wilfred
Jackson, 1951)
58. Alice no País das Maravilhas – live action (Alice in Wonderland, Tim Burton, 2010)
59. O Labirinto do Fauno (El Laberinto del Fauno, Guillermo del Toro, 2006)
60. Labirinto – A Magia do Tempo (Labyrinth, Jim Henson, 1986)
61. Sete Minutos Depois da Meia-Noite (A Monster Calls, Juan AntonioBayona, 2016)

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62. A História sem Fim (The Never Ending History / Die Unendliche Geschichte, Wolfgang
Petersen, 1984)
63. Viagem à Lua (Le Voyage dans la Lune, Georges Meliès, 1902)
64. 2001 – Uma Odisseia no Espaço (2001 – A Space Odyssey, Stanley Kubrick, 1968)
65. Rogue One: Uma História Star Wars (Rogue One – A Star Wars History, Gareth Edwards, 2016)
66. Star Trek: Sem Fronteiras (Star Trek Beyond, Justin Lin, 2016)
67. Cantando na Chuva (Singin’ in the Rain, Stanley Donen e Gene Kelly, 1952)
68. The Rocky Horror Picture Show (The Rocky Horror Picture Show, Jim Sharman, 1975)
69. O Cantor de Jazz (The Jazz Singer, Alan Crosland, 1927)
70. A Noviça Rebelde (The Sound of Music, Robert Wise, 1955)
71. Mary Poppins (Mary Poppins, Robert Stevenson, 1964)
72. Grease – Nos Tempos da Brilhantina (Grease, RandalKleiser, 1978)
73. Dirty Dancing – Ritmo Quente (Dirty Dancing, Emile Ardolino, 1987)
74. Flashdance (Flashdance, Adrian Lyne, 1983) – pag.37
75. Footloose – Ritmo Louco (Footloose, Herbert Ross, 1984)
76. O Rei Leão (The Lion King, Roger Allers e Rob Minkoff, 1994)
77. Chicago (Chicago, Rob Marshall 2002)
78. Mamma Mia! (Mamma Mia!, Phyllida Lloyd, 2008)
79. Os Miseráveis (Les Misérables, Tom Hooper, 2012)
80. Moulin Rouge: Amor em Vermelho (Moulin Rouge!, Baz Luhrmann, 2001)
81. O Artista (The Artist, Michel Hazanavicius, 2011)
82. La La Land: Cantando Estações (La La Land, DamienChazelle, 2016)
83. Le manoirdudiable (Le manoirdudiable, Georges Meliès, 1896)
84. Nosferatu (Nosferatu, Eine Symphonie des Grauens, Friedrich Wilhelm Murnau, 1922)
85. O Gabinete do Doutor Caligari (Das Gabinetdes Dr. Caligari, Robert Wiene, 1920)
86. Sexta-Feira 13 (Friday the 13th, Sean S. Cunningham, 1980)
87. A Hora do Pesadelo (A Nightmare on Elm Street, Wes Craven, 1984)
88. Halloween – A Noite do terror (Halloween, John Carpenter, 1978)
89. A Profecia (The Omen, Richard Donner, 1977)
90. O Massacre da Serra Elétrica (The Texas Chainsaw Massacre, TobeHooper, 1974)
91. Invocação do Mal (The Conjuring, James Wan, 2013)
92. Annabelle (Annabelle, John R. Leonetti, 2014)
93. Plano 9 do Espaço Sideral (Plan 9 from Outer Space, Ed Wood, 1958)
94. A Noiva do Monstro (Bride of the Monster, Ed Wood, 1955)
95. Jogos Mortais (Saw, James Wan, 2004)

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96. Uma Noite Alucinante – A Morte do Demônio (The Evil Dead, Sam Raimi, 1981)
97. O Ataque dos Tomates Assassinos (Attack of the Killer Tomatoes!, John de Bello, 1978)
98. O Ataque dos Vermes Malditos (Tremors, Ron Underwood, 1990)
99. Drácula (Dracula, Tod Browning, 1931)
100. Frankenstein (Frankenstein, James Whale, 1931)
101. O Homem nas Trevas (Don’t Breath, Fede Alvarez, 2016)
102. A Bruxa (The Witch, Robert Eggers, 2016)
103. Seven: Os Sete Crimes Capitais (Se7en, David Fincher, 1995)
104. O Silêncio dos Inocentes (The Silence of the Lambs, Jonathan Demme, 1991)
105. Argo (Argo, Ben Affleck, 2012)
106. V de Vingança (V for Vendetta, James Mc Teigue, 2006)
107. Cisne Negro (Black Swan, Darren Aronofsky, 2011)
108. Garota Exemplar (Gone Girl, David Fincher, 2014)
109. Sob o Domínio do Mal (The Manchurian Candidate, John Frankenheimer, 1962)
110. O Dossiê Pelicano (The Pelican Brief, Alan J. Pakula, 1993)
111. Ex-Machina: Instinto Artificial (Ex-Machina, Alex Garland, 2015)
112. Matrix (The Matrix, Lana Wachowski, Lili Wachowski, 1999)
113. In Old California (In Old California, D. W. Griffith, 1920)
114. Os Oito Odiados (The Hateful Eight, Quentin Tarantino, 2015)
115. Sete Homens e Um Destino – remake (The Magnificent Seven, Antoine Fuqua, 2016)
116. Sete Homens e Um Destino – original (The Magnificent Seven, John Sturges, 1960)
117. Os Sete Samurais (Shichinin no Samurai, Akira Kurosawa, 1954)
118. o Tempo das Diligências (Stagecoach, John Ford, 1939)
119. O Homem que matou o Facínora (The man Who shot Liberty Valance, John Ford, 1962)
120. Onde começa o Inferno (Rio Bravo, Howard Hawks, 1959)
121. El Dorado (El Dorado, Howard Hawks, 1966)
122. Rio Lobo (Rio Lobo, Howard Hawks, 1970)
123. Os Imperdoáveis (Unforgiven, Clint Eastwood, 1992)

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