See discussions, stats, and author profiles for this publication at: https://www.researchgate.

net/publication/318216327

Arte de la Pintura en Asia

Chapter · June 2016

CITATIONS READS

0 2,976

2 authors, including:

Erick Valencia
Oxford Brookes University
168 PUBLICATIONS   302 CITATIONS   

SEE PROFILE

Some of the authors of this publication are also working on these related projects:

Neurocompetencia empresariales View project

Interpretacion Neuropsicologica del Arte View project

All content following this page was uploaded by Erick Valencia on 05 July 2017.

The user has requested enhancement of the downloaded file.

 HISTORIA
CRONOLOGICA DE
LA PINTURA

1
 CAPITULO 6

ARTE ASIATICO: CHINA, JAPON, INDIA.

Erick Valencia Merizalde y Eko Valencia

Magister en Historia del Arte
AMERICAN ANDROGOGY UNIVERSITY
(AAU)

2016

2
 Índice

Pg.
Introducción 3
Arte de India 3
- El Arte del Neolítico Hindú 5
- El Arte del Budismo Hindú 6
- El Arte del Clasicismo Gupta 8
- Los Inicios del Arte Hindú 9
- El Arte de las Dinastías del siglo VI al XII 10
- El Arte del Islán en la India 11
- El Arte de las etapas Coloniales y la independencia 11
- El Arte de la India del siglo XX. 12
Arte de China 15
- Introducción al Arte de China 15
- China Republicana 18
- Shanghái 1930 18
- Arte Chino desde 1949 y sus tres etapas 21
- El Arte Chino después de 1989 23
- Caligrafía 24
Arte de Japón 25
- Xilografía 27
Conclusión y Opinión Personal 29
Bibliografía 31

3
 INTRODUCCION

No por ser oriente, or ser lejano, por no ser de la misma religion occidental, ni por ser
mucho mas avanzados en el pensamiento espiritual del ser humano, hace del arte de
Asia de menos importancia. Por el contrario, muy posiblemnte en la medida en que el
lector se permita el ingreso a la interpretacion “Cronologico-Historica del Arte
Asiatico”, se dara cuenta que es muy poco lo que el occidente conoce. Asi que, podria
ser uno de los temas abordados que con la mayor humildad posible que le pueda
ofrecer el lector al tema, se encontraran muchisimos aspectos cronologicos, historicos,
artisticos, culturales, religiosos y geograficos; muy desconocidos por el estudioso
occidental.
De esta forma, la “Historia Cronologica del Arte” en este caso será abordada en
grandes tópicos: Arte de China, Arte de Japón y Arte de la India. Sin embargo, no se
pude desconocer que estas zonas no son toda asia, y en este orden de ideas se
intentara mostrar algunos rasgos del Arte de Indonesia, Arte de Camboya, Arte de
Tailandia, Arte de Laos, Arte de Birmania y Arte de Vietnam, porque la mayoría de los
orígenes del arte de estos países tienen la misma raíz de la India o China. Se debe
hacer la misma aclaracion que se ha recalcado en los anteriores ensayos; en aquellas
zonas, o tipos de arte en los cuales exista la preponderancia de el arte arquitectonico,
se dejara para que este sea abordado por un colega y solo se realizara el enfoque del
arte plastico asiatico.
Concentrar en un solo ensayo el arte de asia, tanto de grandes imperios culturales
como de zonas culturales pequeñas, es, sin duda, un enorme desafio. Su particularidad
reside en descubrir, por una parte, la asombrosa diversidad de este espacio cultural y,
por otra, la cantidad de elementos comunes que lo componen. Las religiones – desde
el budismo en todas sus manifestaciones hasta el confusionismo en china y el zen en
Japón – desempeñan un papel unificador que se hace evidente en las concepciones de
los iluminados y en el conjunto de divinidades y espirituos que les acompañan. Cada
uno de los paises evaluados posee un estilo de arte que es el resultado de la influencia
y el enriquecimiento mutuos.

ARTE DE INDIA

La civilizacion india rebasa el marco de la peninsula de Indostan y se extiende por una

amplia zona de expansion en la que divulga su lenguaje artistico y sus formas
culturales, especialmente religiosas. Por el sur, a traves de la via maritima, llega a Sri
lanka (Ceilan), Indochina e Indonesia; por el norte se difunde a los paises del Himalaya:
Nepal, Tibet y Buthan.
El arte indio constituye un elemento fundamental de esta civilización; de una gran
variedad y riqueza, es uno de los patrimonios artisticos del planeta. Una de sus
caracteristicas mas patentes es la influencia de la naturaleza: las formas plasticas
parecen evocar la escencia de esta.
La escultura y la pintura presentan en su ritmo fluido un modo de operar que alude a
las formas naturales. Ademas, montañas, arboles y animales son en si mismos
elementos sagrados que reciben culto y que son inseparables de las formas religiosas.

4
Las montañas son la residencia de las divinidades, los arboles y las plantas representan
la fertilidad y los animales son dioses o el vehiculo de estos.
El Artista, casi siempre anónimo, actúa como un mediador entre lo espiritual y lo
material: su misión es hacer palpable lo trascendental a través de un lenguaje ritual,
codificado en textos sagrados, que establece un sistema de proporciones y un lenguaje
simbólico muy elaborado.

Tabla 2. Cronología del Arte Hindú.

Etapa de Formación Evolución Artística

Etapa Neolotica
3000-1500 a.C. Civilización del valle del Indo
1500-800 a.C. Periodo védico
800-300 a.C. Periodo Brahmánico
Etapa Budista
Siglo IV-II a.C. Dinastía Maurya
II a.C. Dinastía Shunga (Ganges) y Andhra (Sudeste)
I-III d.C. Dinastía Kushana
IV-V d.C. Dinastía Gupta
VI-VII d.C. Postgupta
Etapa Hindú
Norte:
IX-XIV d.C. Reinos Rajput
Sur:
VI-IX d.C. Dinastía Pallava
IX-XII d.C. Dinastía Cholla
X-XIV d.C. Dinastía Hoysala
XII-XIV d.C. Dinastía Pandya
XIV-XVI d.C. Dinastía Vijayanagar
XVI-XVII d.C. Dinastía Nayaka
Etapa Islámica
X-XIII Indu-islamico: invasiones turco-islámicas, goridas y gaznebidas
XIII-XV Sultanatos Independientes
XVI-XVIII Imperio Mogol
Etapa Colonial
XVIII Portugueses, franceses y británicos en India
XIX Dominio Británico
1876 Reina Victoria, emperatriz de India
Independencia
1947 Independencia y separación de Pakistán y Sri Lanka

Su lenguaje artístico se desarrolla desde el Neolítico, del que deriva la primera

civilización urbana que termina con la invasión aria. Posteriormente se produce el
desarrollo del arte budista, cuya difusión por el resto del continente asiático es

5
determinante en la evolución del lenguaje artístico. La invasión de los pueblos
islámicos genera un nuevo lenguaje artístico, de mayor presentación en el norte, que
tiene su continuidad en el arte mogol. Por ultimo hay que resaltar la importancia del
arte indio contemporáneo, que desde la independencia obtenida en 1947 hasta estos
días ha sido de gran vitalidad (tabla 2, página anterior).

El Arte del Neolítico Hindú (Etapa Neolitica).

Los orígenes de la civilización india se remontan al neolítico con la aparición de una

economía agraria que se desarrolla entorno al rio Indo en el noreste de la península,
en lo que hoy corresponde a los estados de India y Paquistán. En esta misma zona, en
torno al 3000 a.C., encontramos restos de una civilización urbana muy desarrolla. Esta
civilización urbana termina en el 1500 a.C. cuando se producen las invasiones de los
arios o indoeuropeos.
El desarrollo de la economía agraria generó un excedente que permitió la aparición de
las formas de vida urbanas en la que las diversas industrias, la metalurgia del bronce
sobre todo, y el comercio ocupan un lugar fundamental. Además, se conservan ciertos
objetos tales como: sellos que muestran la existencia de una primera escritura aun sin
descifrar, y una iconografía en la que predominan los animales; estatuillas con
representaciones femeninas alusivas a la importancia de los cultos relacionados con la
fertilidad, centrados en la mujer; piezas de cerámica y
esculturas en piedra susceptibles de ser consideradas las
primeras muestras de una manifestación artística que
tendrá un papel sobresaliente en el desarrollo del arte
Indio.
Los restos escultóricos aparecidos en la civilización del Indo,
muestran el desarrollo de un lenguaje platico que tendrá
constitución en el arte indio posterior. La primera obra
maestra de la cultura India data de 2000 a.C., y son dos
esculturas de torsos (uno masculino y otro femenino) de
alrededor de 10 centímetros. Son una acentuada
representación del volumen corporal realizadas en piedra
muy pulimentada. Las muescas que se presentan en cuello y
hombros podrían deberse a una temprana representación
de lo que luego será tradicional en el arte indio para aludir a
la omnisciencia y a la omnipotencia: la multiplicidad de
cabezas y brazos. En el torso femenino resulta sorprendente
la expresión del dinamismo, otra constante del arte indio posterior, pues parece girar
una pierna hacia adelante. También estarían en relación con una religión que giraba en
torno a la fertilidad (figura a la derecha y arriba).
Existen también un número considerable de representaciones de diosas madres, que
pueden significar las primeras interpretaciones de la energía femenina, alusivas a una
cultura matriarcal. Realizadas mediante la técnica de pastillaje con barro cocido,
utilizan un etilo esquemático, para representar estas figuras femenina con los
caracteres sexuales bien definidos y adornados con abundantes joyas.

6
En el 1500 a.C. pueblos arios e indoeuropeos procedentes de las estepas euroasiáticas,
probablemente movidos por un cambio climático, descienden hacia el sur invadiendo
la India, Oriente medio y Europa. Si bien no se encuentran restos arqueológicos de
este periodo en India, si existen evidencias de la civilización aria: los textos que son la
base del Hinduismo, escritos en sanscrito, que se ha conservado como lengua ritual. La
religiosidad reflejada en ellos esta centrada en ritos oficiados por los sacerdotes
(brahmanes), que comienzan a tomar un papel preminente, oponiéndose a una
devoción mas intima y personal que seria característica de los drávidas. En estos
textos, además de concepciones religiosas, aparece el concepto de jerarquía dentro de
la sociedad, del que derivan las castas. Se distinguen dos períodos a partir de la
invasión: 1) el periodo Védico se desarrolla del 1500 al 800 a.C.; es la época en que se
gestan los Vedas, conocimientos (veda quiere decir “sabiduría”) que constituyen la
base de la cultura India. 2) el periodo brahmánico se añaden las interpretaciones y los
textos normativos que componen el Vedanta y los Upanishad.

El Arte del Budismo Hindú (Etapa Budista).

Tras los periodos Védico y Brahmánico de los que no se conservan restos, en el 250
a.C. se inicia la etapa budista que supone un florecimiento del arte Indio y se extiende
desde el siglo III a.C. hasta finales del siglo V d.C.,
desde la dinastía Maurya a la Gupta. Este apogeo
artístico va unido al desarrollo de un sistema
político unificado, apoyado en un sistema de
leyes.
El comienzo de este periodo bien marcado por la
conversión del emperador Ashoka (268 a.C. a 237
a.C.) De la dinastía Maurya al Budismo, doctrina
surgida en el siglo VI a.C. de las enseñanzas de
buda sakyamuni.
Entre los restos conservados destaca el llamado
capitel de Sarnath, que remataba una de estas
stambhas, y en el que se concentran, a través de
un lenguaje heráldico, algunos de los símbolos
fundamentales del budismo. Erigido en Sarnath,
donde se desarrollo la primera predicación de
buda, se puede considerar la primera obra del
arte budista. En el aparecen cuatro leones
confrontados que simbolizan los cuatro puntos
cardinales para los que se difunde la predicación
de Buda (figura a la izquierda).
Este capitel se convirtió en el emblema del
imperio Maurya, sintetizando los símbolos
fundamentales del budismo, y en 1947, al alcanzar India su independencia, fue incluido
en la bandera del nuevo estado.

7
La creacion de una imagen de culto antromorfizada, surgió durante el periodo
Kushana, es un elemento fundamental en la difusion y la expansion del budismo en su
vertiente Mahayana, pues permite al fiel materializar los principios abstractos de la
doctrina. Las representaciones de Budas y Bodhisattvas presentan un punto de vista
frontal, siguen un sistema de proporciones establecido y tanto sus posturas (asanas)
como gestos reslizados con las manos (mudras) constituyen un lenguaje ritualizado,
algo que tambien sucede en el arte jaina e hindu. En la iconografia de buda se definen
rasgos fijos lakshana para señalar su carácter de iluminado: el pelo recogido en la
coronilla (usnisha); la urna o simbolo de la iluminacion en el entrecejo; las orejas con
el lobulo muy alargado, simbolo de riqueza y belleza; la sonrisa simbolo de serenidad;
los ojos enmarcados entre parpados semicerrados, simbolo de pureza; el cuello con
pliegues, simbolo de felicidad. Su cabeza aparece rodeada por un nimbo o aureola,
simbolo de santidad. Va vestido con un manto que le cubre el hombro izquierdo,
simbolo de austeridad y aparece descalzo. Puede estar tanto de pie como sentado en
postura de meditacion y suele apoyarse sobre una flor de loto (Figura abajo).
El desarrollo de las imágenes de culto en el budismo Mahayana va a dar lugar a tres
escuelas fundamentales: 1) Gandhara, 2) Mathura y 3) Amaravati.
El Estilo de Gandhara (siglo II a IV d.C.) es considerado de influencia griega y se
desarrolla en el reino de este nombre (actual Pakistan) que había sido conquistado por
Alejandro Magno en el siglo IV a.C. Se trata de un estilo realista idealizado en el que se
subraya el voumen corporal y que produce ademas de imagens de Buda y de
Bodhisattvas, abundantes relieves en los que tambien se acusa la influencia del
clasisismo griego en la composicion ordenada en la que resalta la figura central.

8
“El Budismo: Esta doctrina de la iluminacion fue fundada en el siglo VI a.C. por el Buda
(El Iluminado) hitorico, Siddartha Gautama, principe de la dinastia Shakya. Buda nace
en el periodo Brahmanico y su vida pasa por tres etapas fundamentales: la cortesana,
la ascetica y la de peregrinacion. Su nacimiento comienza con un milagro cuando su
madre, la reina Maya, sueña que un elefante blanco se posa en su seno. Tras un
periodo de vida principesca, durante el cual se casa y tiene un hijo, Rahula, se producen
los cuatro encuentros, con un anciano, un enfermo, un muerto y un pobre asceta.
Despues de estos, impresionado por el sufrimiento humano que hasta entonces
desconocia, decide renunciar a la vida de palacio e iniciar una nueva vida como
ermitaño”.
En Mathura, se desarrolla una escuela de escultura
budista que llega hasta la epoca Gupta con un estilo más
plenamente indio, que contrasta con el de Gandhara, y
que tiene una mayor influencia de la expansion de la
iconografia budista. Utiliza, como materiales, areniscas sin
policromar, de tonalidades rosadas o amarillentas. Es el
estilo que mejor refleja el idealismo conceptual del arte
indio, el deseo de plasmar una etnia superior, tomando
como inspiración más que las formas antropomorficas,
como sucede en gandhara, las de la naturaleza.
Representa tambien un lenguaje artístico más sacro,
subrayando el frontalismo y definiendo un unico punto de
vista, el de adoracion. Se ha destacado a menudo el
énfasis en unas formas humanas orgánicas y carnosas en
las imágenes de Mathura, así como la casi total desnudez
de las figuras (figura a la
izquierda). Los bajos de los
ropajes eran a menudo
indicados simplemente a través de líneas incisas sobre
los brazos, piernas y torsos, por lo demás desnudos. Los
ojos en blanco comunes en la escultura de Mathura se
explican por el hecho de que estas imágenes habrían
estado originariamente cubiertas con pigmentos; no
sólo el blanco de las pupilas habría estado pintado,
también la mandorla, las ropas y las joyas estarían
ricamente coloreadas.
El estilo Amaravati, es el unico que se desarrolla en el
sur de india, bajo la dinastia Andhra. Posteriormente,
con la expansion maritima del budismo, tendra gran
difusion en indochina e indonesia. Representa un buda
más jovial y amable, humano y sonriente, de gran
difusion popular.

9
El Arte del Clasisismo Gupta (Etapa Budista).

La dinastia Gupta es fundada en Pataliputra por el rey Chandragupta en el año 320

d.C., a partir de ese momento se consolida un imperio que acaba con la llegada de los
hunos en el año 490 d.C. Este momento de apogeo, en el que el budismo continua
siendo la religio oficial, supone tambien el florecimiento del primer arte hindu. Se trata
de un periodo de auge intelectual, la dinastia Gupta funda universidades (como la
budista de Nalanda) y recopila textos.
Respecto a las artes plasticas, el clasicismo Gupta supone el final apoteosico del arte
budista indio y el inicio del arte hindu, que tendra su continuacion en las etapas
posteriores. Como todo arte clasico, establece un sistema de proporciones, se guia por
los principios de la simetria y el orden, rechazando los excesos en la expresion, y
desarrolla el virtuasismo tecnico empleado materiales nobles (imagen a la derecha,
pagina anterior). Ejemplo maximo de este clasisismo es el Buda de Sarnath. Que
supone una evolucion del Buda de mathura cuyas caracteristicas son ahora reforzadas.
Se trata de un altorelieve de 160 cm de altura, realizado en una arenisca muy fina y
blanca, en el que se representa una figura de gran purismo volumetrico cuyo punto de
vista claramente frontal refuerza su aspecto eterno, frio y heratico. Todos los rasgos de
este Buda aluden a la primera predicacion realizada en Sarnath.
Ajanta, es un monasterio que se remonta a la epoca Sunga-Andhra (Siglos I y II a.C.).
Tiene su epoca de esplendor en el periodo gupta (siglo V), dentro de una concepcion
plenamente budista Mahayana. Ajanta supone la culminacion de la arquitectura
excavada y la obra maestra de la pintura india. Como obra clasica recoge estilos, temas
iconograficos y recursos tecnicos
claves en el arte indio. Aunque
todas las cuevas posiblemente
tuvieron pinturas murales en su
interior, solo se conservan seis
con las pinturas en buen estado.
Estas pinturas se realizaron con
una tecnica consistente en aplicar
primero un mortero que alisa la
pared y aisla de la humedad,
sobre este se coloco una capa
adhesiva, de melaza o resinas, y
encima el yeso o cal que
constituye el soporte pictorico
propiamente dicho. Con un
punzon se grabaron los contornos del esbozo y se aplico un tono de fondo. Despues, se
pazo a trazar con pincel los contornos de las figuras y se aplicaron los colores. Estos,
aunque dispuestos en tintas planas, dan la impresión de volumen y movimiento por el
contraste de colores y el dinamismo de la linea (imagen arriba a la derecha).
La composicion de las pinturas recuerda escenas teatrales, organizadas en torno a una
figura principal o central, que se van relacionando siguiendo un ritmo ondulado y
suave. Se emplea una ligera perspectiva en plano inclinado. Cada elemento tiene su

10
propio punto de fuga, un foco movil que produce dinamismo e integra al espectador
que es atraido por gestos o miradas de los personajes, conduciendole a traves de las
escenas.

Los Inicios del Arte Hindu (Etapa Hindú).

Ademas del esplendor del arte budista, el periodo gupta supone el inicio del arte hindu
que se desarrollara en los siglos posteriores. A partir del siglo V d.C., el budismo deja
de ser la religion predominante en la india y se produce un espactacular renacimiento
de la religion Brahmánica, enriquecida con la asimilacion de los cultos populares, que
recibira el nombre de hinduismo y que es hoy en dia la religion mayoritaria en la india.
Se trata de la religión más antigua entre las vigentes en la actualidad. Su origen data
del periodo Vedico (1500 a 800 a.C).
Al romperse la hegemonia Gupta con la
invasion de los hunos heftalitas en el año
490 d.C., el territorio indio se fragmenta
en varios reinos independientes
gobernados por dinastias.
El arte hindú surge como un arte
eminentemente religioso, fuertemente
empatico. De marcado carácter simbolico
y conceptual, esta sometido a todo uns
serie de normas y canones (sadanga),
que ya habian aparecido en el periodo
gupta, cuya mision es la de transmitir la
emocion (rasa) a quien contempla la obra
de arte. Shiva Nataraja, en escultura de
bronce del siglo XI (imagen a la
izquierda), mostrando la iconografia del
dios, en su aspecto como rey de a danza
(Nataraja), se va a definir en este primer
periodo del arte hindú. La inspiracion del
arte hindú viene de la naturaleza, se que
se convierte en uno de los condicionantes esteticos mas importantes, y esta
fuertemente impregnado de un espirituo popular lo que explica su gran implantacion
entre las masas.
La produccion posgupta, en la que se produce una multiplicacion de estilos, tiene un
carácter vigoroso e innovador y, aunque existe poca unidad artistica, destacan aquellos
centros que preservan cultos locales, especialmente el del dios hindú Shiva en Ellora y
Elephanta.

“Hinduismo es en realidad una religion monoteista: todo es Brahma, el atman o alma

universal de la que todo emana y a la que todo retorna. Todos los seres, hasta los mas
primitivos, sufren un proceso de purificacion (karma) a traves del circulo de las
reencarnaciones (samsara).”

11
El Arte de las Dinastias del siglo VI – XII d.C. (Etapa Hindú).

Desde el siglo VII hasta la incorporacion de la india al imperio Britanico, en 1858, se

suceden en el sur de la peninsula indostani una serie de dinastias de religion hindú,
que se van solapando en el tiempo y en el espacio, y dando lugar a estilos artisticos
diferentes pero que responden a una tradicion comun. La primera dinastia unificadora,
del sur, los Pallava, se desarrolla entre el siglo VI y el siglo IX d.C. La disnastia Pallava
crea las primeras manifeataciones artisticas que se han conservado en el sur de la
india. La dinastia chola, a partir de finales del siglo IX, establece tambien su modelo de
templo en el Brihadeshvara, construido hacia el año 1000 d.C. Las expresiones
artisticas de las dinastias Hoysala y Vijayanagar fueron diferenciaciones de sus templos
arquitectonicos. Con la dinastia Pandya (siglos XII-XIV d.C.), comienza el desarrollo de
las ciudades santuario, verdaderos nucleos urbanos y centros economicos. A esta
ultima dinastia se debe la creacion de la primera ciudad santuario, la de Madurai, “la
ciudad aromatica”, la mas sagrada del sur de la india.

El Arte del Islam en la India (Etapa Islamica).

La impronta del islam se extiende hasta nuestros dias, aunque es especialmente

notable en el norte y centro de la peninsula indostani, los contactos se inician en el año
711, con la expansion de la primera dinastia musulmana, los Omeya, que alcanzan la
peninsula del Sind y algunos puntos de la costa malabar.
En la produccion artistica de los primeros siglos de la llegada de los islamicos se
distinguen dos estilos: 1) el Indo-islamico (siglos VIII-XIII d.C.) y 2) Estilo Provincial
(siglos XIV y XV d.C.). El primero es un estilo hibrido del que un ejemplo sobresaliente
es el Qutb-minar de Delhi (1190 d.C.) una construccion arquitectonica. El estilo del arte
islamico provincial corresponde
a la produccion artistica de los
sultanes independientes, en
esta primera arquitectura
islamica aparecen modelos
arquitectonicos que tendran
gran influencia en el arte
islamico posterior: Mezquitas y
mausoleos, pobres en tecnicas y
materiales, de aspecto
fortificado.

El Esplendor del arte Mogol o

Gran Mogol. Este no se debe
confundir con el imperio Mongol
que domino gran parte de asia
en siglos XIII y XIV. La dinastia de los mogoles, turco-mogoles descendientes de
Tamerlán, de cultura persa (el termino mogol, derivado de mogol es persa), se inicia

12
con Babur, que tras varios intentos anteriores, en 1526 consigue dominar el norte de la
india. Se establece asi un imperio que vive el esplendor en los siglos XVI y XVII,
especialmente durante los reinados de Akbar (1556-1605 d.C.), Jahangir (1605-1627
d.C.) y Shah Jahan (1627-1658 d.C.). A partir de este ultimo emperador, se inicia su
decadencia que concluye con su desaparicion al ser sometida la india por el imperio
Británico en 1858 d.C. El arte mogol se desarrolla durante todo este periodo,
destacando especialmente la arquitectura y las miniaturas. Los mogoles, al llegar a la
india, traen consigo la influencia de otros paises islamicos como Persia, Afganistan y
asia central y su produccon artistica se caracterizo por su sincretismo.

El Arte de las etapas Coloniales y la independencia (La pintura India) (imagen

superior derecha, página anterior).

Ademas de la pintura mural que se desarrolla apralelamente a la arquitectura, con

obras maestras como las pinturas en las cuevas de Ajanta, existe en la india una
pintura sobre papel, seda u otros soportes, que en un principio ilustra los libros
manuscritos, y que recibe habitualmente el nombre de miniatura. Esta, cuyos ejemplos
mas antiguos datan de los siglos XII y XIV, se continúa realizando durante todo el
periodo islamico, de hecho vive un gran esplendor entre la segunda mitad del siglo XVI
y el siglo XVIII. Durante este periodo, surgieron importantes escuelas de miniatura que
pueden englobarse en dos grandes grupos: 1) realizado bajo patronazgo islamico,
fundamentalmente en la corte de los emperadores mogoles, y un 2) segundo grupo
que abarca las pinturas realizadas paralelamente en las cortes hindúes de los rajputs.
La tecnica empleada recuerda a la de la pintura mural; sobre el fondo se traza un
esbozo con un pincel mojado de un rojo ligero; se aplica una fina capa de yeso blanco
que deja transparentar el esbozo; se repasa y retoca este con marron o negro; despues
se colorean el fondo, los arboles y los edificios dejando en blanco los personajes, que
se detallan posteriormente haciendo lo ultimo la cara. Un rasgo caracteristico es la
representacion de los personajes con el torso de frente y el rostro de perfil, en el que
aparecen simultaneamente los dos ojos.

El Arte de la India del siglo XX.

La historia del arte Hindú esta lleno de personas

activas, valientes e irreverentes que han desafiado
las tradiciones del siglo XX. De esta forma, para
terminar el camino por el arte de la India se
abordaran artistas del ultimo siglo, artistas que
han repercutido en demostrar la tradicion de los
años de arte religioso en coneccion con el arte
contempraneo.

Amrita Sher Gil (imagen a la derecha). Amrita

Sher – Gil se convirtió en un ícono debido a su
legendaria belleza, su talento precoz, su

13
escandaloso comportamiento, su importante posición en el arte moderno y finalmente
su breve y convulsa vida que terminó con su trágica muerte a la edad de 28 años.
Desde la época del Renacimiento, la influencia de estilos ha sido la piedra angular en la
historia del arte mundial. El siglo 19 fue la era del dominio Occidental, sin embargo en
India, el uso de las técnicas vanguardistas, como por ejemplo el cubismo, cuyo máximo
exponente fue Picasso, etiquetaba a un pintor como “dependiente del poder
colonizador Inglés”. Para hacer las cosas aún más complicadas, si el producto final era
muy parecido a la fuente original, se tildaba al pintor como esclavo de la mentalidad
colonial y si por el contrario, la imitación era
imperfecta, su representación artística era un
fraude. La consolidación del Imperio Británico
en el siglo XIX trajo como consecuencia la
introducción de escuelas de arte, exhibiciones y
otras instituciones modernas producto de la
Occidentalización. Así que la primera fase del
vanguardismo o modernismo en India, ofreció a
los artistas como Rabindranath Tagore y Jamini
Roy, una nueva arma contra la resistencia anti -
colonial. Esta etapa finalizó con la
independencia del país en 1947. Estas nuevas
corrientes que surgieron entre los años 1920 y
1930 estaban en contra de la pintura histórica o
narrativa nacionalista que había predominado
la escena artística la generación anterior. La
guerra, el hambre, la rebelión de los
campesinos y el descontento político radicalizó
a los artistas quienes, más allá de
reconocimiento público, buscaban participación activa en movimientos populistas
mientras le juraban obediencia a la vanguardia formalista de París. En Calcutta, el
estado de Bengala, se inició en el siglo XIX un movimiento intelectual conocido como el
Renacimiento Bengalí cuyas ideas provenían en su mayor parte a través de los medios
impresos ya que pocas personas tenían contacto directo con europeos. Abanindranath
Tagore (1871–1951) se considera el padre del arte moderno en la India, ya que fue el
artista principal de la Escuela de Arte Bengalí e introdujo estilos novedosos en el arte
Asiático en sintonía con el naciente nacionalismo Indio. Gaganendranath Tagore
(1867–1938) también fueron destacados exponentes de la corriente vanguardista en
India.

Existieron dos Amritas…una era descarada, controversial en sus opiniones, creaba

escándalos, hacía declaraciones atrevidas y disfrutaba la libertad de espíritu (imagen a
la izquierda, arriba).
La otra era introvertida, melancólica, rodeada de conflictos personales sin resolver,
traumada por infecciones sexuales y abortos, la Amrita que ansiaba la aprobación de
su padre, la Amrita que permaneció virgen emocionalmente en medio de sus
numerosas aventuras sexuales. Existía también una Amrita Húngara y una Amrita

14
India, la que no perteneció a ningún lugar, desesperadamente buscando su identidad
India.
Si por modernismo entendemos arte radical no ilusionista, ella fue menos radical que
Rabindranath Tagore o Jamini Roy, excepto en sus
últimos trabajos. Su modernismo cabalgaba sobre
el vértice de la representación y la abstracción.
Paradójicamente, su mentalidad, era por lo menos
medio siglo más avanzada para la época.
Nosotros, los que vivimos hoy en dia en este
mundo globalizado, donde la modernidad abarca
la diáspora cultural y el intelecto como forastero,
entenderíamos mejor las trágicas contradicciones
de su existencia. La llevaron a Europa para
enrrolarse en la Académie de la Grande
Chaumière en París a la de edad de 16 años. Más
tarde tomó clases con el pintor post –
impresionista Lucien Simon en el École des
Beaux-Arts. Sus primeras obras en carboncillo de
la figura humana muestran un don natural al
reducir detalles a masas y volúmenes. A la edad de 19 años ganó el máximo premio en
el Gran Salón, pasando a ser uno de sus miembros más jóvenes. Mientras tanto en
París comenzaba a darse a conocer como la exótica “pequeña princesa India”. En el
año 1937, la Bombay Art Society, le otorgó una medalla de oro a su pintura “Tres
Mujeres” (imagen a la derecha arriba). Rabindranath Deb, habló de “la fuerza
masculina de su trabajo, lo cual muestra la inmensa cualidad intelectual de la
artista…una extraña cualidad en una mujer”. Otros críticos sentían que la realística
brutalidad de sus obras eran más típicas del arte moderno Francés que del arte Indio.
Murió el 5 de Diciembre de 1941 a la edad de 28 años, cuando una breve enfermedad,
tratada por su esposo, resultó ser fatal. Al momento de su muerte, era famosa en toda
la India.

Maqbool Fida Husain, 1915-2010 (el Picaso Hindu)

(imagen a la derecha). Era uno de los pintores más
famosos de India, es musulmán y fue acusado
formalmente por extremistas hindúes de cargos de
obscenidad y de tratar de ofender sentimientos religiosos
en relación con un cuadro llamado "Madre India", obra
en que aparece una mujer desnuda, arrodillada en el
piso, creando la forma del mapa nacional. Durante años,
sus exposiciones fueron atacadas por grupos extremistas
hindúes. El pintor - más conocido, por sus iniciales, como
M F Husain - no tuvo una educación artistica
sistematizada por lo que podríamos decir que es autodidacta. Además de artista fue
diputado y parlamentario. Vivió años autoexiliado en Dubai, Emiratos Árabes Unidos,
pero en setiembre de 2008 los jueces del principal tribunal indio rechazaron los

15
 argumentos de la parte
acusadora, señalando que
históricamente la desnudez ha
formado parte de la cultura india
y de de los artistas indios más
celebrados y de mayor éxito,
sino uno de los más
controvertidos su iconografía
religiosa. Husain agradeció la
decisión de declararlo inocente y
dijo que los jueces confirmaron
la dignidad del arte indio
contemporáneo (imagen a la
izquierda). M F Husain siempre dijo ser un vagabundo, durmiendo en las calles de
Mumbai durante su juventud empobrecida, vagando por Europa para estudiar a
Rembrandt, o saltando, como lo hizo al final de sus días, entre varios departamentos y
villas de lujo en Dubái - o más bien, desplazándose entre ellos, en uno de sus cinco
espléndidos autos, entre ellos un Ferrari color rojo, uno de sus favoritos. Fue el artista
mejor cotizado de India. En marzo del 2008, en una subasta de Christie, su "Batalla de
Ganga y Jamuna", parte de una serie de 27 lienzos sobre la Mahabharata, la épica
hindú, alcanzó los 1.6 millones de dólares.

Tayyabb Mehta, (1925-2009) (imagen a la derecha). Fue,

junto a Anish Kapoor, el artista internacionalmente más
reconocido y el que acumula más récords en ventas en las
subastas. La clave está en unas composiciones repletas de
diagonales y colores, al estilo de las viejas miniaturas
hindúes, que eran reflejo de una profunda angustia vital.
Una producción que se centraba en representaciones
místicas y mitológicas y que absorbió de la pintura de
Francis Bacon, Paul Klee o Barnett Newman. Hizo parte del
grupo de artistas progresistas de Bombay. Entre las mas
notorias pinturas fue la “Celebracion Triptica”, la cual fue
vendida en la subasta de la casa Christie en el 2002 por el valor de USD 317.500. Murio
en el 2009 en un hospital de Mumbai por un ataque cardiaco.

ARTE DE CHINA

Introduccion al Arte Chino.

China fascinó durante siglos a Occidente con multiples objetos de arte, que eran
compartidos en el comercio, al principio en forma esporadica y posteriormente con
mayor frecuencia. Aun asi, para occidente nunca fue claro lo que era concebido como
verdadero arte para china: la pintura, la cerámica, la porcelana, la caligrafía y/o
escultura. La pintura china, siempre fue acogida en occidente con reservas, fue poco

16
valorada y a menudo mal interpretada a causa de su falta de perspectiva. Sin embargo,
desde los años treinta del siglo XX, la pintura china se expone con regularidad en
Occidente, con un interes en aumento.
La pintura y la caligrafía fueron practicadas por artistas que, en su mayoria, habian
recibido la formacion necesaria para una carrera cortesana y/o habian desempeñado
una carrera de funcionarios y, por lo tanto, se deben contar entre los miembros de la
elite. Por ello, según el punto de vista de historiadores del arte de europa se produce
un hecho de interaccion de estratos sociales: los productores de arte y los
consumidores de arte, es decir; los coleccionistas, pertenecian a la misma clase social –
incluso podrian llegar a ser ambas cosas al mismo tiempo – y eran afisionados.
Ademas de con la singularidad de la pintura china, el observador se enfrentara con una
valoracion completamente distinta de la tradicion. Las formas que resultaron idoneas o
fueron consideradas por la sociedad como esteticamente perfectas fueron copiadas y,
por lo tanto, trasmitidas a lo largo de los siglos. Ese intercambio a traves de los siglos
muestra la estructura de la obra: “Historia Cronologica del Arte Chino”.
La importancia de la caligrafia se puede equiparar a la de la pintura, si no es que la
primera recibe una valoracion superior. Resulta dificil o es practicamente imposible
valorar la caligrafia o su estetica si no se dispone de conocimientos de los ideogramas
chinos.
La artesania ocupaba y sigue ocupando hoy en dia el centro de interes occidental, ya
que, por ejemplo, la porcelana fue una rareza que en Europa, esta no se pudo producir
tecnologicamente hasta el sglo XVIII.
La tradición artística china no empieza con la pintura y la porcelana, sino en el pasado
remoto, hace 5000 o 6000 años, en la ceramica artistica, las pequeñas esculturas y los
bronces rituales, un poco más modernos.
Ademas de los restos del neolitico, que se expresan y muestran su significado por si
mismos, existen los hallazgos funerarios y de tesoros del segundo y el primer milenios
antes de Cristo. Asi como las obras de arte conservadas procedentes de epocas
posteriores, la literatura china es considerada la aportacion mas importante al arte de
China y a la comprension del mismo. A veces, los antiguos textos chinos logran aportar
conceptos que complementan vacios existentes o proporcionan indicaciones sobre la
situacion del arte en epocas determinadas. Para aprender a contemplar el arte tal
como se veia en la antigua, media y nueva China, tambien se debe ceder la palabra a
los literatos que escribieron sobre este tema. Los testimonios escritos, junto con los
catalogos de los inventarios de las colecciones y las valoraciones de antiguedades, son
textos literarios que dan fe de una intensa dedicacion a la pintura y la caligrafia. Los
literatos fueron, asimismo, los primeros que describieron la estricta distincion entre
“arte sublime”, en primer lugar, y “otros”, en segundo lugar.

China no conoce conceptos estilisticos de tipo cronologico claramente delineados,

como el arte de Occidente. Aunque la clasificacion del desarrollo del arte chino se
relaciona estrechamente a la historia dinastica, si puede incluirse cada grupo de
dinastias y sus desarrollos artisticos en cinco etapas o eras cronologicas: 1) China
Antigua, 2) China Clasica, 3) China Medieval, 4) China Imperial y 5) China

17
 Republicana. En este sentido, la historia del arte chino empieza en el neolitico, con el
arte en piedra y la ceramica.

Tabla 1. Cuadro de Dinastías de China.

Dinastia Fecha Caracteristicas

China Antigua
Se usaron las propiedades de la arcilla en las primeras
Neolitico 7000 a.C. – 1766 a.C. ceramicas, oxido de hierro en ceramica.
Era del Jade

Dinastia Shang 1766 a.C. - 1123 a.C. Estuvieron en la zona del valle del rio Amarillo, primeras
Caligrafias
Periodo inestable, denominado “Anales de Primavera”, la
Dinastia Zhou 1111 a.C. - 221 a.C. formacion de estados genero desintegracion.
Dinastía Qin (Qin Shi Huang Unificacion del pais por el primer emperador amarillo: Shi
Di: primer emperador chino, 221 a.C. - 206 a.C. Huangdi, se comenzo a construir la muralla china, se
posible creador de la palabra realizaron los Guerreros de Terracota
China = Chin = Qin)
China Clasica
Periodo de expansion geografica, se introdujo el Budismo
Dinastia Han 206 a.C. - 220 d.C. Via de la Seda
Ajustes funerarios como escultura y ceramica
Inicio de la Pintura
Dianastias septentrionales y 219 a.C.-580 d.C. Se establecio un estado en el norte
meridionales
China Medieval
Tres Reinos (San Guo) 220 d. C. – 280 d.C. Medioevo Chino (Wei, Shu, Wu)
Dinastia Jin 265 d.C – 420 d.C. Xi Jin, Dong Jin
Dieciseis Reinos y Cinco Clasisismo Artistico de la Ceramica, manifestaciones de
Barbaros, dinastias del norte y 420 d.C. – 557 d.C. Caligrafia y la pintura
del sur
Dinastia Sui 581 d.C. - 618 d.C. Segundo periodo de unificacion
China Imperial
Dinastia Tang 618 d.C. - 906 d.C. Periodo rico en la musica, en la literatura y en las artes
visuales, aparecen dos corrientes en la pintura.
Cinco Dinastias 907 d.C. - 960 d.C. Se derrumba la organización y reaparecen estados
Dinastia Liao 907 d.C. - 1125 d.C. Se forma un estado al norte de la frontera manchu,
culturalmente union entre corea y china.
Dinastia Song 960 d.C. - 1279 d.C. Periodo de gran riqueza en el terreno de la estetica, aparece
la Academia Imperial de Pintura.
Dinastia Yuan 1260 d.C. - 1368 d.C. Pais dividido es invadido y unificado por los mongoles de
Gengis Kan. Se utiliza el oxido de cobalto.
En este periodo se construyo la ciudad prohibida, los
Dinastia Ming 1368 d.C. - 1644 d.C. emperadores le daban el nombre al reinado, los nombre
solian ser inscritos en la ceramica para identificar la fecha de
la pieza, ceramica con esmaltes, barniz y colores.
De nuevo una dinastia extranjera, invasores manchues, solo
tres reinados de 10 se distinguieron por actividad cultural,
Dinastia Qing 1644 d.C. - 1911 d.C. reapertura de la academia imperial: surgen dos escuelas: 1)
los academicistas y 2) los pintores del sur.
China Republicana
Republica de China 1912-1949 d.C. Arte contemporaneo comunista oriental
Republica Popular de China 1949 hasta hoy Arte del siglo XX oriental, arte contemporaneo

18
Como se menciono antes, las artes visuales desempeñaron en china unas funciones
caracteristicas cuya importancia fue variando a la vez que se iba desarrollando la
propia cultura china.
Desde los primeros tiempos de china, el sentido de lo visual que tuvo el hombre del
neolítico solo ha persistido a través de su cerámica. Una vez que se familiarizaron con
las propiedades de la arcilla, los ceramistas fueron creando unas formas que quedaron
luego establecidas como parte de una antigua herencia. Sus esquemas decorativos,
aunque son distintivos del periodo, muestran la sensibilidad y el sentido de la
proporción que habrían de caracterizar las artes decorativas chinas de los siglos
venideros. La característica del arte plástico neolítico fue basada en cerámica, no había
muchas manifestaciones de pintura rupestre de cuevas o inscripciones en piedra.
Sigue luego un periodo de un gran arte hierático, al servicio de una cultura de la edad
de bronce de considerable duración. Esta época se caracterizó por una expresión de
arte a través de vasos de bronce fundido y piezas de jade tallado (tabla 1).

La distribución cronológica de la tabla numero 1 permite comenzar a estructurar

mentalmente como fue el comportamiento de la estructura de la nación china a
medida que cambiaba su expresión cultural y de esa forma se realizada el desarrollo
cronológico del arte chino. A pesar de ser una cultura tan diferente al mundo
occidental, sus manifestaciones artísticas fueron muy influenciadas por el pensamiento
filosófico y la interacción hombre naturaleza.

La adecuada subdivisión del la cronología del

arte Chino por épocas, permite poder observar
la evolución de los diferentes descubrimientos
en el arte. Mostrando como en la China Antigua,
predomino la escultura, desde las
manifestaciones del jade en pequeñas esculturas
hasta la elaboración de esculturas de apariencia
completamente individual de cada guerrero en
los guerreros de terracota. La manifestación de
esa época como reflejo de la pintura lo mostro la
aparición de la caligrafía; y en la arquitectura, la
muralla China que dividió el imperio más antiguo en un antes y un después.
La China Clásica fue un poco más conservadora en la aparición de exuberancias
artísticas, pero el predominio del budismo en China influyo mucho en que los
desarrollos del arte fueran ligados a desarrollos religiosos y funerarios. Sin embargo,
este periodo pude ser considerado el de la aparición de la pintura china, como
evolución de la caligrafía de los periodos anteriores. En la pintura, el artista Chino
conserva el principio ancestral del foco móvil en la pintura, “la mano, el ojo y el
corazón”. Los tres componentes fundamentales para la pintura China.
Los 800 años de la China Medieval fueron muy importantes para el desarrollo
sociopolítico del imperio, reduciendo muchísimo las expresiones artísticas, pero sin
dejar de evolucionar en caligrafía y pintura.

19
Este penúltimo periodo, denominado China
Imperial es el denominado por el autor como la
época del perfeccionamiento del arte chino:
aparecen dos corrientes de pintura, surge la
academia imperial de pintura, se perfecciona el uso
de colores diferentes y arquitectónicamente se
construye la ciudad prohibida.

Debido a que la mayoría de los textos de arte chino

lo han enfocado en artistas de las épocas anteriores descritas, el autor reforzara las
características de los artistas chinos de la época Republicana, época que ha
permanecido oculta por el inmenso apogeo que presento el arte europeo, y de esa
forma dejando en la obra las manifestaciones artísticas de China del siglo XX.

China Republicana.

Shanghái 1930. Tras el fin de la dinastia Qing, China fue a parar, desde el punto de
vista politico, a una situacion de desolacion. La ruina interna asi como las injerencias y
las amenazas del exterior caracterizaron los
años entre 1912 y 1949. Y lo más
sorprendente es que el arte no se paralizo,
sino que grandes obras de la pintura china
moderna en tinta china, entre otros
generos, datan de esos años.

En 1921, Sun Yatsen (Sun Zhongshan) se

convirtio en presidente de la Republica. La
máxima ambición de Sun de crear una democracia parlamentaria según el modelo
occidental se había alcanzado, por lo menos en una parte de China. En el momento en
que los intelectuales de orientación comunista vieron que el confusionismo resucitaba
dentro del Kuomintang se produjeron escisiones y, finalmente, estallo una guerra civil
entre ambos partidos y sus seguidores. Jiang persiguió el Ejército Rojo, que bajo la
dirección de Mao Tse Tung inicio la Larga Marcha (1934-1935). Durante la guerra
chino-japonesa de 1937 a 1945 en China hubo 3
gobiernos: Jiang Jieshi tenía su sede en Chongqing,
la provincia donde huirían tantos pintores; Mao
Tse Tung en Yan´an y Wang Jingwei, en Nanjing.
Habia que agradecer al partido comunista la
liberación, que seria, al fin y al cabo, doble: del
dominio de Japón y de Jiang Jieshu, que tras la
proclamación en 1949 de la Republica Popular por
parte de Mao se retiró con su séquito a Taiwán.
Ante estos acontecimientos se plantea la cuestion
de que efectos tuvieron esos años en el arte. En
medio del caos general, los pintores siguieron

20
desarrollando el estilo tradicional chino en todos los generos de la pintura de la
segunda mitad del siglo XIX; este tipo de pintura fue denominada gouhua, que se
puede traducir como arte nacional. La pintura se desmembro de nuevo en estilos
regionales: 1) En Pekin, pintores como Yao Hua o Pu Ru,
hermano del emperador derrocado, cultivan la pintura de
paisajes en el estilo academico, inspirandose en los cuatro
Wang. 2) En Shanghai, lugar de prosperidad y placer, había
innumerables clientes para los cuadros de flores de vistosos
coloridos mientras que los paisajes estaban menos de moda.
Alli se tomaban como modelos a los individualistas y a los
pintores de la escuela de pintores de Shanghái, como Ren
Bonian (primera imagen del capitulo de chinar) o Wu
Changshi (primera imagen pagina anterior derecha). 3) los
pintores de la escuela de Lingnan, en Cantón, que adoptaron
sobre todo influencias occidentales.
Tras el fin de la Primera Guerra Mundial, muchos pintores
jovenes, asi como otros intelectuales, fueron a estudiar al
extranjero. Entre estos se encontraban Liu Haisu (segunda
imagen página anterior), Xu Beihong y Lin Fengmian
(tercera imagen pagina anterior a la derecha). Francia fue
decisiva, aunque también Japón adopto el papel de
mediadora del arte occidental para los estudiosos. En esa
epoca el arte europeo era un campo de experimentacion de
nuevos medios estilisticos de la modernidad; se había establecido el impresionismo, y
tambien el realismo; el expresionismo, el cubismo y el surrealismo. ¿Trajeron algo de
todo esto a China los jóvenes artistas? Estos importaron la pintura al óleo, la escultura
y la arquitectura occidental. No obstante, nada de esto
parece haber afectado el pilar de la pintura moderna en tinta
china, el gran artista Qi Huang conocido como Qi Baishi
(1853-1957). Sus pinturas de paisajes fueron poco apreciadas
por sus coetaneos, aunque durante los años veinte y treinta
del siglo XX pinto un gran numero de paisajes como
asimilacion de las impresiones de sus largos viajes. Qi Huang
fue un vanguardista de la pintura china de paisajes. Esta
sencillez, casi una forma de primitivismo, surge de la
necesidad de la expresión directa y la inmediatez simbólica.
Lo que se dice de sus paisajes también se puede aplicar a las
pinturas de sus flores (imagen a la izquierda arriba), aunque
el predominio de su fama lo mostro con el paisajismo,
aunque con poca aceptación. Además creo numerosas
representaciones de insectos y cangrejos, que gozan de una
gran fama y populairad en todo el mundo. Qi Huang ya se
denomina a si mismo anciano en el sello (inscripción del sello “viejo Baishi”, Baishi
Weng) y la inscripción, “viejo de las montañas”, shan weng. La expresiva y enérgica
obra, con sus colores claros, que forman los contornos de las flores y los tallos

21
pintados con un solo trazo firme de tinta china con el pincel, resulta característica del
estilo de pintar de Qi. El modelo de pintura de este tipo de pintura de flores fue el
artista ya mencionado de la escuela se Shanghái Wu Changshi.
De forma completamente distinta pintaba Xu Beihong
(1895-1953) (imagen abajo a la derecha, pagina
anterior), que ya procedía de la segunda generación de
pintores después de Qi. Xu formaba parte de los
pintores jóvenes que habían viajado a Europa y se
puede considerar un pionero en el intento de difundir la
pintura occidental en China. En 1919 fue por primera
vez a Francia como becario y permaneció 9 años en
Europa. Como estudiante de la Ecole de Beaux-Arts en
Paris recibió una profunda información en temas
básicos, que para el eran completamente nuevos y en
Europa, sin embargo, eran convencionales. Cuando
regreso dominaba el dibujo con una exactitud
anatómica sombrosa, la utilización de la perspectiva central, el claro oscuro y la pintura
al óleo. Sobre todo la pintura histórica según el modelo europeo fue un ámbito de su
actividad creativa en los años treinta. Son conocidos en todo el mundo los caballos
galopando de Xu Beihong. Estos aparecieron al mismo tiempo que la pintura histórica
en la técnica de la tinta china, ya que el pintor reconoció una cierta insuficiencia en su
pintura al óleo: el óleo no le pareció adecuado para el entorno chino, aunque
dominaba magistralmente la técnica.
También Fu Baoshi (1904-1965) (imagen a la izquierda, arriba) se cuenta entre los
pintores tradicionales, aunque encontró el camino hacia una nueva época. Nacido en
una familia pobre, a los once años comenzó a dedicarse a la talla de sellos, la pintura y
la caligrafía. A los veintiún años escribió su primer libro y un año después termino sus
estudios en la escuela superior de arte. En 1933, gracias a la intercesión de Xu Beihong,
viajo como becario a Japón y estudio en Tokio historia del
arte del Asia oriental. Su obra se puede dividir en tres
grandes periodos creativos, de inspiración diversa. El primer
periodo, hasta aproximadamente la edad de treinta años, se
caracterizó por los estudios de los viejos maestros, con un
interés especial por shitao, el gran individualista. El estilo
individual de Fu Baoshi se caracteriza por las líneas finas,
realizadas también con el pincel seco, y la armonía de tinta
china y color. El segundo periodo, paso la época de la
invasión japonesa (a partir de 1937) en la lejana Sichuan,
como otros pintores. En todos ellos, este cambio de
escenario produjo una nueva experiencia del paisaje que se
tradujo en sus cuadros: las montañas y lagos de las provincias
de Gansu, Xinjiang y Qinghai enriquecieron los motivos. Fu
pintaba en esa época principalmente paisajes lluviosos y
figuras históricas. La tercera fase de su creación empezó con

22
 la fundación de la nueva China en 1949. Siguió
dedicándose al paisaje aunque, adopto influencias
occidentales y japonesas en sus composiciones.
Xiao Sun (1883-1944) (imagen a la derecha pagina
anterior) no oculto su admiración por el pintor de la
época Yuan Ni Zan, cuya influencia se puede observar
en muchas de sus obras.
Huang Binhong (1864-1955), procedía de Anhui y se
inspiró en los inicios de la creación artística en los
paisajes de la escuela de Anhui. Este fue denominado
frecuentemente como el segundo pilar de la
modernidad, fue uno de los mejores pintores en el
estilo Xieyi. Se puede dividir su creación en cuatro
partes: su fase juvenil de copias, hasta los cincuenta
años, la fase de viajes y pinturas y las impresiones
recogidas de esta forma, desde los cincuenta hasta
aproximadamente los ochenta años; la fase tardía, los
doce años hasta su muerte a los noventa y dos años,
durante la cual una enfermedad ocular le condeno a una ceguera progresiva, a pesar
de la cual siguió pintando. Los años en que concebía los paisajes con su visión interna y
los copiaba de memoria sobre el papel sin poderlos ver realmente y los últimos años,
tras una operación eficaz de la vista, en que descubrió los cuadros impetuosos,
desordenados y más bien abstractos de los años de ceguera y los reelaboro con la
técnica de su estilo maduro en cuadros de paisajes parecidos a acuarelas (imagen a la
izquierda, arriba).

Desde 1949 y sus tres etapas. En los

tiempos después de la segunda
guerra mundial, el arte moderno
chino dedica un amplio espacio en
las exposiciones, y aumenta en todo
el mundo el número de trabajos
especializados en los distintos
géneros, como la pintura en tinta
china y al óleo (imagen a la
derecha), pero también en formas
expresivas contemporáneas como la
performance, la instalación el arte
fotográfico y el video arte. El arte de
los últimos 50 años se puede dividir
en tres fases, que se pueden
observar tanto en las artes plásticas
y la pintura como en la arquitectura.
Para ese entonces el arte comenzó a
servirle a la política, y las

23
expresiones artísticas se encontraban ligadas a la china comunista. Mao Tsè-Tung ya
afirmo a principios de los años cuarenta que el “arte debía servir al estado” y “debía
gustar a las masas de trabajadores y campesinos”. En la fase entre 1949 y 1979
predomino una tendencia artística que se denomina “Realismo Revolucionario”. En él
se unen el modelo del realismo socialista de la unión soviética y su glorificación de los
trabajadores, los campesinos y la tecnología con el arte popular chino. La segunda fase
entre 1979 y 1989, China se abrió progresivamente al mundo occidental y, por tanto
también al mundo artístico contemporáneo. La tercera fase comenzó en 1989, con el
fracaso del movimiento democrático, constituye un punto de inflexión en este
desarrollo, aunque desde entonces aparecen cada vez más artistas.

Pintura. El panorama en los

últimos cincuenta años de
la pintura es, de hecho, una
historia de lo que se
permitió, tolero, aclamo,
vio con malos ojos o se
prohibió. Los artistas chinos
ya habían tenido contacto
con occidente antes de la
Revolución, y habían
conocido el arte occidental
(realismo, impresionismo y surrealismo) con sus pinturas tradicionales al óleo o la
tempera. La pintura al óleo se convirtió en la técnica preferida de la pintura en el
espíritu del realismo socialista. Los motivos son los héroes de la liberación, los
soldados, el pueblo pobre y sencillo, los trabajadores, todos ellos luchando contra el
imperialismo y por la liberación de la nueva China. La forma de representación casi se
puede denominar “fotorealista”. Los colores acentuados siempre son los rojos fuertes;
el rojo como símbolo de la fuerza, el valor, la inteligencia y el calor. Se podría decir que
la pintura al óleo de la época maoísta, parece un juego de
colores luminosos al estilo de la solemnidad romántica, para
ilustrar un momento de entusiasmo político, aunque no deja
de ser un arte unitario. El arte genuino de China, la pintura
tradicional con tinta china, emprendió nuevos caminos, con
lo que siguió siendo pluralista. En ella se utilizaron
contenidos, colores y composiciones del pasado y del
presente, como la perspectiva occidental, la pintura al aire
libre, la reivindicación política. Los artistas se dividieron al
elegir sus motivos en dos bandos: los que se incorporaron a
las exigencias artísticas socialistas y los que cultivaron, como
los pintores literatos, una pintura tradicional de paisajes o
flores.
Del año 1950 hasta ahora se resaltan pintores como el gran
maestro de la escuela pictórica de Shanghái, Qi Baishi, Wang
Qingfang (1900-1957), un discípulo de los grandes maestros

24
Qi Baishi y Xu Beihong, Li Keran (1907-1989) (primera imagen página anterior) con su
incursión en el mundo de los jardines. El pintor de los temas industriales como Li Hu
(1919-1975); He Tianjian (1981-1977) (imagen a la izquierda, pagina anterior),
autodidacta y profesor de la escuela superior y editor de revistas de arte. Como
procedente de un mundo completamente diferente, en franco contraste, aparece el
artista, Lu Shoukun (1918-1975). Cui Zifan (1915…), alumno de la escuela superior del
partido en Yan`an, pintaba, con sus flores
y pájaros, en un género desde siempre
más bien apolítico.
Desde Qi Baishi se utilizó a menudo en
los cuadros de flores y pájaros técnicas
pictóricas combinadas entre la pintura
exacta (el gognbi) y la tinta china
expresiva en el estilo de la técnica xieyi
(combinación de pintura e insinuaciones con un trazo caligráfico los tallos, flores u
hojas).

El Arte después de 1989. Los jóvenes estudiantes de las academias o escuelas

superiores de arte están al mismo nivel que sus colegas occidentales en la utilización
de nuevos medios expresivos como la fotografía, el video y el ordenador.
En la pintura se desarrolla una corriente de sátira política y una pintura de “Realismo
Cínico”, que se difunden tanto con la pintura tradicional en tinta china como en la
pintura al óleo. Los pintores nacidos en los años cincuenta se deben agrupar en el
campo de la parodia política. Los artistas nacidos a mediados de los años sesenta
representan más bien la tendencia del realismo cínico. Estos últimos se describen a sí
mismos y describen fragmentos cotidianos, aburridos, casuales y absurdos de su
entorno con desprecio por sí mismos, desvergüenza indiferencia y cinismo.
Wang Guangyi (1956-), que en
la primera gran exposición
vanguardista de Pekín en 1989
consiguió más notoriedad con
sus “Tres Maos Enrejados”
(imagen a la izquierda arriba)
que la que había conseguido
hasta entonces con sus
variaciones de “iconos” del
arte europeo y sus
publicaciones. Wang dedico
otras series con el mismo
efecto de extrañamiento a
fotografías de la prensa y paso recientemente al pasaporte (1994) y el visado (1995).
También explica, desde su punto de vista, el estado del mundo como una acumulación
de identidades nacionales, no de individualidades. Los collages pintados de Wang
Cheng reflejan en forma diferente el entorno y el presente. Wang Cheng, nacido en
1965, crea “collages“, para los cuales busca su inspiración en los diarios. Elabora

25
repintados y reducciones a colores negros, blancos y marrones o grises, con lo que el
artista analiza lo que dice el diario y lo que reproduce en él. Hay corrientes muy
diversas cuyo camino ha llevado a la abstracción. En los años ochenta se encendió un
acalorado debate entre artistas y críticos sobre la cuestión de hacia donde debía llevar
el arte. Actualmente se puede comprobar que se extiende en todas las direcciones.
Qiu Shishua (1940-), Shen Fan (1952-) (imagen a la derecha pagina anterior), Zhou
Chunya (1955-), el artista Ma Kelu (1952-), que ya no reside en China, Ma Desheng
(1952-) o Ding Yi (1962-) se decidieron por la abstracción, un arte tranquilo y nada
llamativo, comparado con las obras políticas del pop art, basado en la reducción.
En cuanto al arte que se expresa en forma de performances o instalaciones, este
elemento crítico es una cuestión menos candente. Forma parte de la naturaleza de las
primeras el hecho de que no se pueden
reproducir de forma idéntica, y de las
naturalezas de las segundas, que al instalarlas
en otros espacios o entornos puedan
desarrollar un efecto completamente
diferente. Lin Yilin (1964-), escultor de
Cantón y miembro de un grupo de trabajo
que difunde la exigencia de una tendencia
china independiente en el arte moderno (Grupo elefante de cola grande), trabaja de
forma seriada con instalaciones de piedras. El las considera fragmentos
arquitectónicos, representantes simbólicos del ambiente domestico; además, el
observador ve en ellas, la antigua y moderna China, el yin y el yang, o también la
rigidez y la movilidad (imagen arriba a la izquierda).

Caligrafía. Así comienza la caligrafía: “En una silenciosa estancia de un templo situado
sobre una montaña, un anciano sacerdote está ultimando los detalles para comenzar a
escribir: para proteger los tatamis coloca un pedazo de fieltro sobre el suelo y encima
extiende una hoja de papel fino y blanco. En la parte superior e inferior pone unos
dragones de jade para que el papel no se enrolle. A la derecha deposita una antigua
moleta, una pequeña jarita con agua, y, sobre un recipiente de porcelana cuya forma
se asemeja a una montaña en miniatura. Algunos de sus pinceles favoritos. Además,
coloca una barrita de tinta china con un ligero aroma a incienso. Vierte un par de gotas
en el hueco de la moleta y a continuación frota la barrita de tinta china hasta que se
forma el preciado líquido. Este proceso requiere su tiempo, ya que para escribir es
imprescindible que la tienta sea de un negro intenso. Una vez finalizados los
preparativos, el anciano se arrodilla delante de la hoja de papel y posa sus ojos unos
instantes fijamente sobre la blanca e intacta superficie. No soy sumerge demasiado, ya
que si no el papel se empaparía. Mantiene el pincel suspendido sobre el papel, respira
profundamente y traza entonces la primera y genial pincelada. Las pinceladas son
anchas y negras o finas y delgadas, incluso quebradizas, cuando el pincel se está
quedando sin tinta. Y así, cual bailarinas, surgen los signos sobre el papel. ¡Ah…que
delicia!”

26
 ARTE DE JAPON

Japón son un grupo de islas cuyas características de la naturaleza y situación en el

mapa ha condicionado el carácter de su gente y su arte, así como la unión y conexión
al arte del continente y las culturas China y de Corea, que exportaron a Japón no solo
el budismo sino los instrumentos para su transmisión.
Desde fines del siglo V d.C. y principios del VI d.C. el clan que logro imponerse en Japón
estableció la dinastía imperial; también en ese momento se introdujeron las ideas de
Confucio, que establecieron un régimen patriarcal que se impuso a la sociedad
matriarcal preexistente, así como un sistema estrictamente jerarquizado con una
marcada división entre las clases superiores e inferiores.
Ni arqueólogos ni historiadores han conseguido hasta el momento determinar con
exactitud el origen del pueblo japonés. Este se divide en varias etapas:

Etapas Fecha Arte Características

Japón Antiguo
Escultura denominada Jamon, este Pueblos cazadores y pescadores,
Neolítico 8000 a.C. – 250 nombre denomina el estilo, piezas con agricultores desde el 6000 a.C.
a.C. formas humanas y de animales que Los dogu eran ídolos de rituales
reciben el nombre de dogu, religiosos
Periodo Yayoi 250 a.C. – 250 Asentamiento en Yamato, región
d.C. Cerámica con color rojizo, los dotaku. de Tokio, trabajaban el hierro y
el bronce
Periodo de 300 d.C. – 600 Arte en las tumbas antiguas “Kofun”, Periodo de sepultar los muertos
Tumbas d.C. pinturas en las tumbas con grandes tumbas y
pertenencias
Japón Clásico
Escultura influenciada por la dinastía
Periodo Nara 710 d.C. – 784 Tang China, se individualizan los rasgos Periodo de influencia China, se
d.C. de los personajes: “El monje ciego usa lengua escrita
Ganjin”.
Periodo 794 d.C. – 1185 Clasicismo Japonés, florecen las artes, Nace la pintura secular,
Heian d.C. pinturas muy próximas al arte tibetano vinculada a la literatura:
“Romance de Genji”.

Estas clasificaciones de las manifestaciones culturales de Japón fueron las que

permitieron que el arte mostrara caminos diferentes:

Japón Medieval
Etapas Fecha Arte Características
Escultura con dramatismo y realismo extremo, Aparecen sectas
Periodo 1185 d.C. – 1333 se coleccionan obras de arte Chino en la religiosas, la principal el
kamakura d.C. pintura, surgen pintores como Josetsu, “Zen”
Shumbun y Sesshu.
Periodo 1573 d.C. – 1615 El gusto es por los objetos suntuosos y
Momoyama d.C. brillantes, tales como lacas y objetos dorados. El oro se convierte en
En pintura se crea el estilo de fondos dorados: poder.
“kinpekiga”.
Japón Moderno
El periodo EDO 1615 d.C. - 1867 Convivieron varias escuelas de la pintura Dictadura absoluta que
d.C. (Escuela Kano, escuela Tosa, pintura dio paso a dos siglos y
costumbrista y la estampa Ukiyo-e. medio de paz

27
Los artistas del periodo Kamakura (imagen a la derecha,
abajo) estudiaron la pintura China con tinta china y se
inspiraron en ella; tomando su técnica monocroma y
muy rápida, similar a la acuarela, que no permite
retoques ni arrepentimientos y que exige una total
visualización del conjunto antes de empezar el trabajo
con la finalidad de transmitir la expresión de la
naturaleza en un acto gestual. Como en la pintura China,
los maestros japoneses reducen la figura humana a las
mas mínima expresión y desmaterializan la realidad en
medio de brumas y neblinas que dan lugar a obras muy
sugerentes, con grandes espacios vacíos.
Los artistas del periodo Momoyama crearon lo
denominado kinpekiga o kompekiga: es el gran estilo
del paisaje dorado con colores, cuyos principales artistas
de este género fueron Kano Eitoku (1543-1590) y
Hasegawa Tahaku (1530-1610). Dentro del arte de este momento destaca también la
temática occidental: o nanban (literalmente “barbaros del sur”), que refleja la llegada
de los primeros europeos, fundamentalmente portugueses a Japón. Una de las
grandes diferencias del periodo kamakura y el periodo momoyama es la manipulación
del color (imagen a la izquierda, abajo). No se pierde el interés por la naturaleza, la
capacidad del delineamiento y el contorno de las hojas y los árboles en la unión con el
alma de lo natural ni las flores típicas de la zona. Pero en este caso se le da mucha
importancia al color puro del agua sin un fondo definido, todo en un espacio vacío.

El periodo EDO ya hace parte del Japón Moderno, en el confluyeron muchas escuelas
de arte plástico: La Escuela Kano, que se había creado en época Momoyama, y que
ahora representa la pintura oficial del gobierno Tokugawa y la Escuela Tosa, que
encarna el estilo pictórico
cortesano y que conserva
fielmente el carácter de la pintura
Yamato-e, que se había
desarrollado en el periodo Heian.
También surge el género de
pintura costumbrista japonés
(fuzoku-ga), que será un
importante documento histórico sobre usos sociales y costumbres.
Tawaraya Sotatsu (imagen página siguiente a la derecha) es considerado el fundador
de la Escuela Rinpa o Escuela Decorativa, que, combinando la línea del yomato-e, el
dibujo de la escuela Kano y el color de la escuela de Tosa crea obras de gran
simplicidad y fuerza dinámica. A esta escuela pertenecen artistas de la talla de Ogata
Korin (1658-1716) o Honami Koetsu (1558-1637), que realizan no solo pinturas, sino
además, todo tipo de objetos, tales como cajas o cerámicas, que comenzaran a llegar a

28
Occidente en el último tercio del siglo XIX,
provocando un gran impacto en el arte
contemporáneo occidental.
Por otro lado, en la época Edo hay toda una tradición,
llamada Nanga, que se inspira en los pintores chinos
de las dinastías Ming y Qing, así como una pintura de
letrados o Bunjinga, que realizan monjes y nobles no
profesionales y que está ligada a la práctica del
budismo Zen. Esta última escuela, que sigue a los
maestros chinos de la escuela Chan, cultiva un estilo
muy espontaneo, gestual y expresivo que también
tendrá importantes repercusiones en Occidente y que
tiene mucha proximidad a la poética del haiku. Entre
sus artistas más destacados estuvieron Fugai Ekun
(1568-1645), Hakuin Ekaku (1685-1769) y Sengai Gibon (1750-1838).
El budismo Zen, procedente de la escuela China Chan, que a su vez, procede de la
escuela del budismo indio de meditación, dhyana, sostiene que las enseñanzas de
Buda no se obtienen a través de la palabra, sino a
través de la meditación y el silencio y proclama la
inutilidad de los rituales o las discusiones
doctrinales. En consonancia con este espíritu Zen
se desarrolló en Japón lo que en Occidente
conocemos como “Ceremonia del Té”, chanoyu, en
torno a la que se genera toda una estética, un arte
de una belleza sutil y exquisita, caracterizado por la
sobriedad, la simplicidad y la sencillez, que abarca
toda una serie de manifestaciones plásticas, que
van desde la arquitectura donde se realiza, hasta
los objetos que participan de ella. El arte del té se
instauro en China, bajo la dinastía Tang (618-907
d.C.), llego a su apogeo durante la dinastía Song
(960-1279 d.C.) y llego a Japón con el budismo,
alcanzando su momento de esplendor con el
manual que escribió Eisan en 1202. El maestro más conocido del té es Sen no Rikyu
(1522-1591) (imagen arriba izquierda), que fue el encargado de convertir esta
expresión cultural en un arte. Tras él destacaron Nanmbo Sokei, autor de la obra
“Namboroku”, el maestro Shino, Fura Oribe Kobori Enshu y Sen no Sotan, nieto de
Rikyu, y último de los grandes maestros.

Xilografía. En 1615 la sede del gobierno de Japón se trasladó a Edo, aldea de

pescadores que posteriormente se convertiría en Tokio. Uno de los géneros artísticos
que ha tenido más repercusiones en el mundo del arte es la estampa Xilográfica, que
recibe el nombre de ukiyo-e hanga, termino compuesto por varios ideogramas: uki,
que indica algo “pasajero” o que es arrastrado por la corriente, “flotante”, yo, que
significa “mundo” y e, que incorpora el sentido de imagen, representación, o pintura.

29
 Finalmente han significa “tabla de madera” y ga “pintura”,
por lo que estamos ante: “las representaciones sobre
madera de las imágenes del mundo flotante”, es decir ante
las imágenes que protagonizan el mundo de la burguesía
japonesa en la época de Edo, sus actividades de ocio y,
muy especialmente tres de ellas, que dan lugar a tres
géneros característicos: el teatro kabuki con sus artistas y
personajes, que recibe el nombre de yakusha-e; el mundo
de las cortesanas y las casas de placer que surgieron en las
principales ciudades: el bigin-ga (“pintura de bellas
mujeres”) y el género de paisaje (fukei-ga) que refleja la
afición de los japoneses por viajar y visitar lugares
emblemáticos de su geografía.
En cuanto a la estampa de teatro, sus principales artistas
son Torii Kiyonobu (1664-1729), (imagen a la izquierda),
que fundo la “Escuela Torii”, que contó con cientos de
seguidores, entre los que cabe destacar a Kiyomasu,
Kiyomitsu, Kiyohiro y Kiyonaga (imagen abajo a la
derecha). Katsukawa Shunsho (1726-1792) retrato a los actores sobre el escenario
durante sus actuaciones y fundo la “Escuela Katsukawa”, de la que salieron artistas
como Shunko (1743-1812), Shunei (1762-1819), Shuncho (activo entre 1780 y 1795) y
Shunro mas tarde conocido como Katsushika Hokusai (1760-1849), uno de los más
grandes artistas de la historia universal. También entre los artistas más brillantes
dentro del género de yakusha-e es
obligado citar a Toshusai Sharaku
(1770-1825), artífice de 134
retratos de actores y nueve de
luchadores de sumo. En esta misma
época trabajo también Utagawa
Toyokuni (1769-1825), fundador de
la “Escuela Utagawa” a la que
pertenecieron Kunimasa, Kunisada,
Kuniyasu, Munimaru y Utagawa
Kuniyoshi (1797-1861), conocido
como el “pintor de guerreros”. A
finales de la época Edo destacan
Kikukawa Eizan (1787-1867) y Keisai Eisen (1791-1848). Todos estos artistas
retrataron a los actores de los teatros japoneses.
El género dedicado al retrato de cortesanas fue iniciado por Kaigetsudo Ando (1671-
1743), fundador de la “Escuela Kaigetsudo”, que retrato a las mujeres de Edo,
mientras que Nishikawa Sukenobu (1671-1750) se volcó a los retratos de las
cortesanas de Osaka, siguiendo una moda mucho menos ampulosa protagonizada por
jóvenes pequeñas y delicadas, vestidas con kimonos. Uno de los grandes maestros de
este género fue seguidor de Sukenobu: Suzuki Harunobu (1725-1770); y destaca
también Okumura Masanobu (1686-1764), que también fue editor y contribuyo al

30
desarrollo de la técnica Xilográfica. Pero, sin duda, el más conocido de los artistas de
bigin-ga fue Kitagawa Utamaro (1753-1806), que creo un ideal femenino, de mujeres
extremadamente delgadas y elegantes, vestidas con ropajes de mucha caída.
Torii Kiyonaga (1752-1815), introdujo un paisaje como fondo de sus representaciones
de figuras, pero los grandes maestros que independizaron el paisaje en el grabado
fueron Katsuchika Hokusai (1760-1849) y Utagawa Hiroshige (1797-1858). Hokusai
nació en Edo y desde los seis años
comenzó a pintar. Primero fue
aprendiz de grabador y en 1777
entró a formar parte del taller de
Shunsho, pero estudio las técnicas
y recursos de las diferentes
escuelas del momento, así como
la pintura china y la occidental.
Famoso por sus treinta y seis
vistas del monte Fuji en las que
representa al volcán emblemático
de Japón desde distintas
perspectivas (imagen a la
derecha). Dentro de esta serie,
una de sus obras maestras es la
gran ola de Kanagawa, en la que el Fuji se ve desde el interior del mar y estableciendo
un extraordinario dialogo con el agua; se trata de una obra de gran efectismo, que ha
marcado una pauta en el mundo del diseño gráfico japonés.

CONCLUSION Y OPINION PERSONAL.

Podría llegarse a aseverar que este tema es uno de los temas no solo más extraños
sino complejos y desconocidos de todo el compendio de “Historia Cronológica del
Arte”. El poco conocimiento de la cultura oriental, lo tardío en llegar al occidente la
información valiosa y valedera de la cultura artística oriental; el poco contacto de los
artistas chinos con el arte occidental, lo diferente del pensamiento Chino y Japonés en
lo relacionado a las religiones, la filosofía, la muerte y el más allá, etc., son causas de
este aislamiento. La presencia de culturas como la de Indonesia, Camboya, Laos,
Tailandia, Birmania y Vietnam; que a pesar de estar en el continente asiático, no son
iguales; ni en pensamiento, economía, costumbre religiosa, filosófico, político y mucho
menos artístico.
Las variaciones anteriormente comentadas más la extensión de la manifestación
artística desde 5000 a 7000 años antes de cristo hasta nuestros días hacen del análisis
de este tópico una experiencia muy, pero muy extensa aun para 30 paginas. Además,
la cultura oriental no solo ha contado con pintura como arte plástico, ha mostrado que
temas como la caligrafía, la escultura del jade y la pintura de porcelana requieran un
conocimiento artístico, comparable al requerido por Miguel Ángel para su “Piedad”, al
que poseía Diego Velásquez para pintar “Las Meninas” y al requerido por Claude

31
Monet para ser el padre del impresionismo y terminar sus días pintando “el puente
japonés” en Giverny.

En este orden de ideas, el autor hace lo posible por abordar las principales tres
culturas artísticas del oriente lejano: India, China y Japón. Con el extenso análisis de
estar tres expresiones artísticas se logra abordar el arte asiático, porque algunas de la
manifestaciones de países pequeños o son muy similares a lo realizado en China, o
fueron derivadas de escuelas de China o no tuvieron mucho arte plástico, sino arte
arquitectónico. De esa forma, la escultura arquitectónica o el arte de edificaciones esta
ajena al objetivo del texto denominado “Historia Cronológica del Arte”.

El arte de la India es muy influenciado por la religión, pero el haber seleccionado

artistas del siglo XX al final del tema permite observar un país que ha cambiado en la
forma de mostrar sus anhelos, esperanzas, rencores, iras y amores con una pintura
más realista y menos adherida a las enseñanzas de Buda.

El arte plástico Chino, a diferencia del arte plástico Hindú, es mucho más variado y
versátil. Cuenta con caligrafía, escultura de jade, pintura en porcelana, pintura con
tinta china, etc. El autor hace una buena correlación entre las fechas y el cambio del
arte a través del tiempo, pero con el fin de no caer en repetición de conceptos en el
arte plástico de las épocas de la China Antigua, Clásica, Medieval, Imperial y
Republicana; el autor hace una buena descarga de información de lo que sucedió en el
arte plástico en la China del XX. Esto hace de la obra de un valor más que importante
por lo original y novedoso.

El arte Japonés, no se queda atrás en la generación de diferencia. Aunque sea un país

muy distinto, Japón posee muchísimo menos variedad artística en modos y
manifestaciones a través del tiempo. No por eso deja de ser valioso en lo denso de la
información que se plasmó y lo exquisito de la correlación de “Tiempo y Arte”.

Aunque algunos artistas Chinos han permitido entrar las técnicas al óleo a sus
capacidades en el desarrollo de técnicas del pintura, son muy pocos los que han
abandonado el uso de la tinta china, la manifestación de la naturaleza en la forma en
que lo muestran las pinturas orientales y en la posibilidad de mezclar el óleo y la tinta
china. Por lo tanto, para entender como pinta un artista oriental, se debe conocer
como es el uso de la tinta china en el lienzo.

El crítico de arte puede que se exprese en una forma muy idónea cuando se refiere al
arte; pero, el saber manjar el pincel le permitirá no solo hablar, sino sentir el cómo y el
porqué de lo hablado.

32
 BIBLIOGRAFIA.

1. Rafols J. F. Historia Universal del Arte. Editorial Ramón Sopena S.A. Barcelona,
España. 1974.
2. Gombrich E.H. La Historia del Arte. Phaidon Press Limited. London, UK, 1954.
3. Juan José Junquera, José Luis Morales. Historia Universal de la Pintura.
Editorial ESPASA Calpe S.A. Madrid, España. 2001.
4. José Gay. El Mundo de la Pintura. Grupo OCEANO. Barcelona, España. 2002.
5. Sarah Carr-Gomm. Historia del Arte. Editorial BLUME. Londres, UK, 2009.
6. Carmen Garcia-Ormaechea, El Arte Indio, Impresión Rufino Gonzalez, Caja
Madrid, obra social, Madrid, España, 2002.
7. Mary Tregear, El Arte Chino, Ediciones Destino Thames and Hudson S.A.,
Barcelona, España, 1991.
8. Gabriele Fahr-Becker, Arte Asiatico, Tandem Verlag, GmbH, Germany, 2006.
9. Eva Fernández del campo Barbadillo. Historia del arte, Asia Oriental. Editorial
Cultural S.A., Vituco Grafico S.L. Madrid, España, 2008.
10. Pablo Comesaña. Escuela de Pintura China. Libsa Editores, Madrid, España,
2008.
11. Franca Bedin. Como Reconocer el Arte Chino. Editorial Edunsa. Barcelona,
España. 1993.
12. Víctor Álvarez. SUMMA ARTIS, Historia General del Arte, Antología, Arte de la
India, China y Japón. Editorial ESPASA. Madrid, España, 2004.

33

View publication stats