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editorial 216 / julio-agosto 2012 boletín de información discográfica 3

(julio-agosto 2012) año XXI nº 216
julio-agosto 2012
puede consultar los catálogos de todos nuestros sellos en www.diverdi.com

abc classics
accent
aeon
agruparte
almaviva
alpha 10 Herreweghe y Victoria
alto
altus El maestro gantés realiza su sueño de grabar el Officium Defunctorum
ambroisie
analekta
andromeda
anima e corpo
arcana
archipel
índice 11 Il tormento e l’estasi
ar re se Una formidable contribución de Luis Antonio González y Los Músicos
arsis
arte verum de Su Alteza a la discografía del oratorio barroco romano
arts
audite
avenira
bbc legends 13 Gardiner y los Motetes de J. S. Bach
bellavoce
bis
bmc
La versión ‘definitiva’ del maestro inglés y el Monteverdi Choir
bongiovanni
bridge
camerata
carus 15 Un soberbio Haendel nuestro
cdm
challenge Seis conciertos del op. 6 en versión magistral de Eduardo López Banzo
christophorus
col legno
columna música
cpo
cypres
19 Por fin, Il pirata
dux
dynamic Opera Rara regresa a Bellini con brillantes resultados artísticos
ecm
enchiriadis
ensayo
etcetera
fuga libera
24 El joven Kubelík
gala
gebhardt Supraphon inicia su serie histórica Grandes directores checos
globe
glossa
golden melodram
gramola
hänssler
30 Sin palabras, la redención de un repertorio
hardy classics
idis Transcripciones de Llobet recreadas por Stefano Grondona
immortal
ina
ivm-ins. valencia de la música
kairos 33 Flores petersburguesas
klara
la ma de guido
lauda Tres caras de la música soviética en el nuevo sello Northern Flowers
lindoro
london sinfonieta orquesta
london philharmonic orchestra
mdg dabringhaus & grimm 35 El Debussy de Alexei Lubimov
medici arts
melodiya
mode Los Preludios y adaptaciones para dos pianos en ECM
musiépoca
musique en wallonie
myto
naïve 38 Barce infinito
neos
new world records El Cuarteto Leonor graba para Verso la integral de sus cuartetos de cuerda
nmc
obs
olive music
ondine
opera rara 42 ECM: Travesías de norte a sur
opera tres
orfeo Un recorrido por tradiciones y estilos musicales diversos de la mano
pan classics
passacaille del productor Steve Lake y varios artistas del sello muniqués
pentatone
phi
preiser
ramée 56 el chupito: Equipaje de mano para un
raumklang
regis
ricercar
verano barroco
royal concertgebouw o.
soli deo gloria
somm recordings
stradivarius
supraphon Diverdi, S.L. Diseño y realización: Diverdi
tahra Eloy Gonzalo 27 (entrada por Santísima Trinidad, 1) Maquetación: Jose Pascual (macprimo@diverdi.com)
testament
timpani 28010 Madrid Publicidad: diverdi@diverdi.com
tudor tel.: 91 447 77 24 Dep. legal: M-10066-94
trito fax: 91 447 85 79 La discografía incluida en este Boletín se puede
verso
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wergo e–mail: diverdi@diverdi.com principales tiendas del país.
wigmore hall live
winter & winter
zig zag
 4 di v e r di
conci e rt o s & ac t ua l i da d
Rial, alumna de Xirgu
La soprano Nuria Rial tiene la virtud de cantar
como si fuese fácil. Su timbre purísimo, crista-
lino, entrenado durante años por Kurt Widmer
en la Musik Akademie de Basilea, ha hecho las
delicias de, sobre todo, los amantes de la músi-
ca renacentista y barroca, pese a no tener forma-
ción historicista. Esto, unido a su adolescente
belleza, hace que tanto en escena como en dis-
co sea un placer escucharla, cosa que compro-
barán en julio los aficionados que acudan a las
representaciones que tendrán lugar en el Teatro
Real de Madrid de la ópera Ainadamar (la tra-
ducción del árabe sería “fuente de lágrimas”)
del compositor argentino Osvaldo Golijov. En
esta obra, cuyo argumento versa en torno a la
actriz Margarita Xirgu y su relación con Federico
García Lorca, Rial encarnará a Nuria, una alum-
na de Xirgu a quien ésta, en su lecho de muer-
te, narra y transmite todo el bagaje de
experiencias, sentimientos, luchas y desgarros
que ha vivido en torno a Lorca y el exilio. No es
muchos más conciertos en diverdi.com
ni mucho menos el primer acercamiento de esta
soprano a la música contemporánea, pero nos
tiene acostumbrados a hacer cabotaje musical
por las costas barrocas, de Corselli a Haendel
(brillante su Aminta e Filide junto a Maria Grazia
Schiavo, La Risonanza y Fabio Bonizzoni), atra-
cando con gran éxito en puertos hispanos como
Valderrábano o Fuenllana. Gran parte de su
carrera discográfica la ha desarrollado junto a
José Miguel Moreno, con quien tiene en el sello
Glossa varios álbumes ya casi míticos, como
Claros y frescos ríos o la Música en el Quijote. Sus
más recientes lanzamientos en nuestras orillas
han sido dos dobles álbumes: el primero, con
L’Arpeggiata y Christina Pluhar en el sello
Alpha, es la Rappresentatione di Anima et di
Corpo de Emilio de’Cavalieri, y el segundo es
un recopilatorio con algunas de sus mejores
intervenciones en el sello escurialense, titulado
The Spanish Album. Deseamos todo lo mejor a
esta versátil soprano manresana en su veranie-
ga aventura lorquiana.
Teatro Real, Madrid, del 8 al 22 de julio
foto © Thomas Mueller
Ghielmi contra Ghielmi
El mayor, Lorenzo, al clave y el menor, Vittorio,
a la viola de gamba. Los hermanos Ghielmi,
como en los antiguos combates de esgrima, se
batirán el próximo 8 de agosto en el Convento
de Santa Teresa, dentro de la sección de músi-
ca antigua de la Quincena Musical Donostiarra
y al día siguiente muy cerca de Jaca, en la igle-
sia parroquial de Santa Cruz de la Serós, con
motivo del Festival Internacional en el Camino
de Santiago. Las armas escogidas para estos dos
enfrentamientos titulados Duelos musicales serán
composiciones de Bach, Marais, Marchand y
Forqueray. Van a ser todo un acontecimiento,
pues esta coincidencia en el escenario de estos
dos hermanos no es tan frecuente como los
melómanos quisieran. La última vez que se reu-
nieron, discográficamente hablando, fue en un
CD de Winter & Winter interpretando El arte
de la fuga de Bach. El talento debe ser cosa de
familia en este caso concreto, pues, cada uno
por su lado, no cesan de cosechar triunfos tan-
to en conciertos como en discos. Los más recien-
tes álbumes de Lorenzo han aparecido en el sello
Passacaille y se dedicaban ambos a música de
Johann Sebastian Bach, uno con Sonatas en trío
para órgano y otro, en clave, con el Concierto
Italiano y las tres primeras Suites francesas. Por
su parte, Vittorio, en el mismo sello, nos ha
deleitado con dos discos titulados Barbarian
Beauty, y La force et la douceur, éste junto al lau-
dista suizo Luca Pianca. Con este último com-
pañero y un programa con el nombre de La
marcha persa recorrerá los Pirineos dentro de su
Festival de Música Antiga dels Pirineus (el día
10 en El Pont de Suert, el 11 en Estamariu y el
12 en La Torre de Capdella). Emocionémonos
este verano con los dos hermanos milaneses,
juntos o por separado.
Quincena Musical Donostiarra, San
Sebastián, 8 de agosto
Festival Internacional en el Camino de
Santiago, Jaca, 9 de agosto
Festival de Música Antiga dels Pirineus,
10, 11 y 12 de agosto
conciertos & actualidad
Bamberg rima con Nott
“Las historias que hay en la música de Mahler
tienen tantos vericuetos y son tan complejas que
por muchas veces que se aborden, nunca se ago-
tarán las formas (válidas) de contarlas. Sus pen-
tagramas están llenos de precipicios y desniveles,
que son como trampas para el intérprete.” Quien
así hablaba en diciembre de 2009 en nuestra
revista era nada menos que Jonathan Nott, direc-
tor de la insigne Orquesta Sinfónica de Bamberg
y uno de los mejores “mediums” actuales no
solo de Mahler, de quien ya ha grabado todas las
sinfonía a falta de la 6ª y la 8ª, sino de Schubert,
de quien tiene editado, con la misma orquesta,
la integral de sus sinfonías en un estuche de lujo
en el sello Tudor. Nott, que comenzó como can-
tante, confiesa que se hizo director para guiar a
la gente y sacar lo mejor que hay en ella. Este líder
nato reinará durante tres días en el Kursaal de
San Sebastián extrayendo lo mejor de los instru-
mentistas de Bamberg en tres conciertos de
repertorio tan diverso como sugerente. El 30 de
agosto este exigente director unirá fuerzas con
un monstruo del piano, el versátil Christian
Zacharias (que también actuará este verano en
nuestro país en varias ocasiones) para ofrecer-
nos el Concierto nº 2 de Brahms, la Incompleta
de Schubert y la sobrecogedora La pregunta sin
respuesta de Charles Ives. El 1 de septiembre lle-
ga el plato fuerte, la Sexta de Mahler, una de las
deseadas sinfonías que el perfeccionista Nott
aún no ha grabado en disco, y de las que ha dicho
que “El verdadero significado de las sinfonías no
puede extraerse sin más, de una manera mecá-
nica. Basta que toquemos un compás de una
manera ligeramente distinta para que se desca-
bale el resto del movimiento. Preservar la clari-
dad en la lectura es algo dificilísimo con Mahler.”
Al día siguiente su orquesta se unirá al Orfeón
Donostiarra para interpretar la Sinfonía de los
Salmos de Stravinsky, La mer y el ballet Jeux de
Debussy en el concierto de clausura de la
Quincena Musical Donostiarra.
Auditorio Kursaal, San Sebastián, 30 de
agosto y 1 y 2 de septiembre
 conciertos & actualidad
Temporada de ABAO 2012-2013
El presidente de ABAO-OLBE, Juan Carlos
Matellanes, y su director artístico, Jon Paul Laka,
han presentado en conferencia de prensa la pró-
xima Temporada 2012-2013, que incluye un total
de 30 funciones de siete óperas, el ciclo infan-
til ABAO Txiki, con cinco títulos, y dos con-
ciertos. El presupuesto para la temporada es de
9,3 millones de euros (dos millones por debajo
del presupuesto de 2008); los responsables han
asegurado que han intentado llevar a cabo “un
ajuste eficiente, sin reducir las actividades y la
calidad”. ¶ La programación refleja en cierta
medida esa necesidad de asegurar una buena
respuesta del público, pues los títulos populares
ocupan un espacio superior al de temporadas
anteriores. Concretamente, tres de ellos figu-
ran entre los más programados por ABAO a lo
largo de su ya sexagenaria historia: La traviata,
Tosca y La bohème. Junto a ellos se recuperan
otros dos mucho menos habituales: la donizet-
tiana Maria Stuarda y Les vêpres siciliennes, esta
última como segunda aportación de la próxima
temporada al desarrollo del magno ciclo Tutto
Verdi, con la particularidad de que la versión ele-
gida es la original francesa creada en la Ópera
de París en 1855, que posiblemente constituirá
estreno en España. Por último, ABAO continúa
abriendo su repertorio a nuevos títulos, y así se
verá en Bilbao por primera vez una infrecuen-
te ópera verdiana, Un giorno di regno, segunda
de las óperas del bussetano, una comedia cuyo
estreno fue marcado por el fracaso pero que en
años recientes ha empezado a recuperar el favor
del público, y que completa el capítulo verdia-
no. Y la gran novedad está constituida por el
estreno de Król Roger (El rey Roger), de
Szymanowski, que se suma a las numerosas ópe-
ras del siglo XX que ABAO ha ido dando a cono-
cer a su público en la última década, debidas a
Strauss, Schoenberg, Bartók, Janácek, Korngold,
Poulenc, Britten y Floyd. ¶ La temporada, que
contará con las Orquestas Sinfónicas de Euskadi,
Bilbao y Navarra, y la del Teatro Regio de Parma,
y con el Coro de Ópera de Bilbao (C.O.B.) diri-
gido por Boris Dujin, se abrirá el 29 de septiem-
bre con La traviata en la conocida producción
de Pier Luigi Pizzi para el Teatro Real y ABAO;
216 / julio-agosto 2012
dirigida por la canadiense Keri Lynn
Wilson, contará con el Alfredo de
José Bros, junto a la soprano alba-
nesa Ermonela Jaho, quien en 2010
obtuviera un gran triunfo como
Violetta en el Covent Garden, y el
emergente barítono polaco Artur
Rucinski. Seguidamente subirá a
escena en octubre Un giorno di reg-
no, en producción del Regio de
Parma debida también a Pizzi, con
Alberto Zedda en el podio y los
barítonos Dalibor Jenis y Paolo
Bordogna, José Manuel Zapata (en
su debut en ABAO) e Irina Lungu
y Silvia Vázquez. El estreno de El
rey Roger tendrá lugar el 24 de
noviembre en una producción de
ABAO y el Teatro Wielki de Poznan
debida a Michal Znaniecki, y esta-
rá protagonizada por el excelente
barítono polaco Marius Kwiecien, triunfador
en Bilbao como Don Giovanni en 2005, junto
a Iano Tamar, José Luis Sola, Francisco Vas y la
Leioa Kantika Korala, todos bajo la dirección de
Lukasz Borowicz. ¶ En enero de 2013 llega el tur-
no de Tosca dirigida por Bertrand de Billy, tam-
bién debutante en ABAO, y la actuación de
Violeta Urmana, Massimo Giordano y Falk
Struckmannn, en la ya rodada producción de
Nuria Espert para el Teatro Real. El 16 de febre-
ro comienzan las esperadas funciones de Les
vèpres siciliennes protagonizadas por Tamara
Wilson, Gregory Kunde, Vladimir Stoyanov y
Dmitry Ulyanov bajo la dirección de John
Mauceri (que regresa tras su éxito en la Susannah
de Floyd en 2010), en una modernista copro-
ducción de ABAO con el Regio de Turín y el
Sao Carlos lisboeta debida al italiano Davide
Livermore. Sondra Radvanovsky, muy recorda-
da en Bilbao como Leonora (Trovatore) y
Rusalka, regresa como Maria Stuarda en la ópe-
ra homónima de Donizetti a partir del 20 de
abril, junto a tres jóvenes artistas italianos de
prometedora carrera, la mezzo romana Veronica
Simeoni, el tenor sardo Francesco Demuro y el
bajo de Rímini Mirco Palazzi, bajo la dirección
musical del también joven director español José
Miguel Pérez Sierra, debutante la pasada tem-
porada con L’elisir d’amore; la producción de la
Ópera de Graz está firmada por Stefano Poda.
Y la programación operística concluye en mayo
con una Bohème cantada por Inva Mula, Stefano
Secco, Carmen Romeu y Simone Piazzola, con
dirección musical de Miguel Ángel Gómez
Martínez y escénica de Emilio Sagi proceden-
te de Oviedo. Tanto Traviata como Bohème ten-
drán una función adicional para jóvenes
cantantes, dentro de la iniciativa Opera Berri. ¶
Los dos grandes conciertos programados con-
sisten en el recital a dúo de Patrizia Ciofi y Celso
Albelo, con Pérez Sierra dirigiendo a la Sinfónica
de Navarra el 27 de abril, y un homenaje a
Wagner y Verdi en su común bicentenario, en el
que Daniele Gatti dirigirá a la Orquesta Nacional
de Francia el 21 de junio. Un suculento y com-
pletísimo programa con el que ABAO hace un
brillante quiebro a la crisis.
5
ETIPO - TELETIPO - TELETIPO - TELETI
El instrumento aborigen australiano conocido
como didjeridu ha sido ampliamente utilizado
en el campo del concierto “clásico” por compo-
sitores oceánicos como Peter Sculthorpe, Nigel
Westlake o Carl Vine. Ahora el sello autraliano
ABC rinde un homenaje a este instrumento de
sonoridad inconfundible y a su virtuoso intér-
prete William Barton con un CD titulado
Kalkadunga en el que se recogen algunas de las
mejores piezas concertantes para didjeridu y
orquesta de la mano de la Sydney Symphony
Orchestra, The Queensland Orchestra, Southern
Cross Soloists y los directores Richard Gill y
Michael Christie.
El diario galo Le Monde ha editado
durante la última temporada y en
venta conjunta con su periódico
una elegante colección de libro-dis-
cos titulada Le Monde de la Musique
sacrée. Con textos firmados por
Renaud Machart, los veinte volú-
menes dobles de la colección dibu-
jan un itinerario por las más distinguidas obras
del repertorio sacro (de Bach a Haydn, de
Haendel a Dvorák o de Fauré a Milhaud) sin
olvidar las destacadas aportaciones de cantan-
tes como Alfred Deller o el acervo de gospels y
espirituales. La colección estará próximamen-
te disponible a través de Diverdi.
Al margen de las novedades que el sello ruso
Northern Flowers está preparando de cara a la
temporada 2012-2013, recuperamos dos álbu-
mes procedentes de su colección Archivos musi-
cales de San Petersburgo: el primer volumen de las
Sinfonías Dante de Boris Tishchenko (la Primera,
Entre los vivos y la Segunda, Abandonad toda espe-
ranza) por la Filarmónica de St. Petersburgo y
los directores Nikolai Alexeev y Yuri Kochnev
y otro primer volumen, el de los ciclos vocales
para bajo y piano de Shostakovich por Fyodor
Kuznetsov y Yuri Serov.
Las próximas novedades ECM
New Series para el verano están
encabezadas por algunos de los
artistas más excepcionales de la
casa: la violista Kim Kashkashian
firma un díptico Kurtág-Ligeti en
Music for Viola; por otra parte, la
cantante Natalia Pschenitschnikova
y el pianista Alexei Lubimov defienden la músi-
ca para voz y piano de John Cage en un disco titu-
lado As It Is. Y por último, el pianista “clásico”
del sello, András Schiff, registra una versión de
El clave bien temperado destinada a hacerse un
hueco en la discografía.
Melodiya acaba de exhumar en CD varias graba-
ciones orquestales de Alexander Lokshin, un com-
positor que ha sido frecuentemente comparado
con Mahler y Shostakovich por la intensidad trá-
gica de sus sinfonías. Se trata de un monográfi-
co orquestal que compacta varios registros
históricos de las Sinfonías 4ª, 9ª y 11ª dirigidos por
Rudolf Barshai y Gennady Rozhdestvensky al
frente de la Sinfónica de la Radio de Moscú y
que se redondea con una temprana Fantasía hún-
gara para violín y orquesta ejecutada en su parte
solista por Yulian Sitkovetsky.
6 di v e r di conciertos & actualidad

PO - TELETIPO - TELETIPO - TELETIPO -

Tras sus monográficos de Lassus, Agricola e

Isaac, Capilla Flamenca rinde homenaje en
Ricercar al renacentista Adrian Willaert por su
450º aniversario con una grabación de las Vespro
della beata Vergine. El maestro de capilla en la
Iglesia de San Marcos de Venecia es el inventor
de la técnica policoral cuya práctica se extende-
ría por la escuela veneciana y que adopta tam-
bién en esta obra. El bajo Dirk Snelling y Joris
Verdin al órgano refrendan con su arte esta gra-
bación historicista realizada en la Basilica di
San Petronio de Bolonia.
Columna Música anuncia la salida
de un disco del guitarrista Àlex
Garrobé sobre transcripciones de
obras de los barceloneses Federico
Mompou (Cançó i dansa nº XIII,
Suite compostelana) y Joan Manén
(la straussiana Fantasía-sonata op.
A22) y del uruguayo Carlos Pedrell
(Página romántica, Lamento, Guitarreo y las pos-
trománticas Danzas de las tres princesas cautivas)
originalmente concebidas para piano o disposi-
tivo sinfónico. El arte de Garrobé, que ya ha
sido descrito como “único” y de una “elegancia
insuperable” por la revista Guitar Player, consi-
gue transfigurarlas al punto de olvidar la instru-
mentación primera.
Si Uniko fue saludado la pasada temporada como
el álbum crossover del año, en 2012 dará que
hablar el nuevo álbum de The Syrian Hewar
Trio, titulado Hewar, Cartas a la patria. Editado
por Dreyer Gaido, Hewar combina música ára-
be tradicional con jazz, scat y música clásica
occidental en un efervescente diálogo transcul-
tural. Por si fuera poco, la grabación cuenta con
la presencia estelar de los legendarios solistas
Djivan Gasparian (dudk) y Ronny Barrak (dar-
buka), así como la participación de la Orient
Chamber Orchestra y el bajista Andreas Müller.
Descubierto otro “Orlando furioso”
El 20 de julio, en el Festival de Beaune (Francia),
tendrá lugar un acontecimiento muy especial
para todos los amantes de la ópera barroca: el
estreno en tiempos modernos de una ópera de
Vivaldi recién redescubierta, nada menos que
un segundo Orlando furioso... compuesto 13 años
antes que la obra de 1727 que todos conocemos,
y que tan brillantemente ha sido llevada a disco
y DVD, entre otros, por Jean-Christophe Spinosi
y un reparto encabezado por Marie-Nicole
Lemieux. ¶ En 1714, Antono Vivaldi aún era
sacerdote, aunque acababa de asumir la dirección
del Teatro San Angelo. Esa puede ser la razón
de que el joven compositor, tratando de evitar lla-
mar la atención de la censura veneciana, hubie-
se preferido no poner su nombre en el
manuscrito, que aunque forma parte de la libre-
ría personal de Vivaldi que actualmente se halla
en Turín (y de la cual se nutre la Vivaldi Edition
de Naïve), no estaba atribuido a ningún com-
positor. Hasta este año
2012. Federico Maria
Sardelli, el actual respon-
sable de la numeración de
las obras de Vivaldi, le ha
asignado el RV 819 des-
pués de haber sometido
a la partitura a un exhaus-
tivo estudio durante el
cual descubrió numero-
sas similitudes entre las
arias de este Orlando y las
de las dos primeras ópe-
ras “oficiales” del compo-
sitor. Su intuición fue
confirmada por los análi-
sis de Reinhard Strohm,
otro de los grandes exper-
tos en la obra de Vivaldi,
y por otros musicólogos
de prestigio. Parece, pues, que el Orlando furio-
so que en 1714 obtuvo, según documentos de la
época, un gran éxito en el Teatro San Angelo y
que estuvo dirigido por Vivaldi y su padre, es pre-
cisamente esta obra que ahora se dispone a resu-
citar en Beaune el mismo Sardelli al frente de su
conjunto Modo Antiquo y de un elenco de solis-
tas de primera categoría, entre los que se encuen-
tran Riccardo Novaro (barítono, en el papel
principal), Romina Basso, Delphine Galou o
Roberta Mameli. ¶ Según nos comenta Susan
Orlando, la directora de la Vivaldi Edition de
Naïve, el día después del reestreno de Beaune
director, solistas y orquesta viajarán a Florencia
para grabar la ópera en condiciones de estudio.
Las sesiones tendrán lugar en el Teatro della
Pergola y el disco resultante será editado por
Naïve en noviembre de este mismo año. Será
sin duda uno de los grandes acontecimientos
discográficos de la nueva temporada...

La compañía videográfica
Intermedio edita este verano un
nuevo y lujoso pack dedicado al Saïram, Tahiri y Vellard “trialogan” en Glossa
cine de Chris Marker. Bajo el títu-
lo Mosaico (1968-2004), la edición
recoge varias películas clave del
autor que suele ser considerado
padre del “cine-ensayo”. La selec-
ción abarca la mayor parte de la carrera del cine-
asta, arrancando con su famoso reportaje del
68 sobre la marcha contra el Pentágono de
Washington y llegando hasta 2004 con el que de
momento es su último largometraje y una de las
obras más influyentes de los últimos años: la
extraordinaria Gatos encaramados.

En la Francia de Luis XIV, el petit motet (peque-
ño motete) fue una de las dos formas de músi-
ca religiosa más recurrentes en el contexto de la
práctica litúrgica y el compositor André Campra
(1660-1744) una de las figuras claves en la evo-
lución de este género hacia su independencia
con respecto de la música sacra. El próximo
monográfico de Cypres, dedicado al composi-
tor galo, recrea en toda su elocuencia, sensibili-
dad y profunda espiritualidad un muestrario de
sus elaborados petits motets de la mano del gru-
po Folies Françoises.
Dominique Vellard, director del Ensemble Gilles Binchois, lleva ya muchos años buscando cone-
xiones intelectuales, espirituales y musicales con tradiciones no occidentales, vínculos a través de
los cuales persigue una mejor comprensión y aprehensión del canto medieval europeo, del cual es
uno de los mayores especialistas desde hace ya más de tres décadas. Su acercamiento implica el encuen-
tro de nexos que permitan la yuxtaposición y el realce de las cualidades de estas músicas, pero nun-
ca su mezcla gratuita. ¶ El encuentro de Vellard con la legendaria cantante india Aruna Saïram a
mediados de los noventa ya supuso el establecimiento de las claves para construir un rico diálogo
musical y humano, que los llevó a dar más de treinta conciertos en Europa, la India, Marruecos y
Malasia y a grabar un disco para EMI en 1999. En 2002 comenzó la colaboración de ambos con el
cantante marroquí Noureddine Tahiri, incorporando así la tradición islámica a una aventura que
por lo pronto ha culminado en una nueva grabación para Glossa, titulada Trialogue, que será publi-
cada en septiembre.
 conciertos & actualidad
Rebecca Franks habla con el pianista sobre la
búsqueda de los instrumentos idóneos para gra-
bar la música pianística de Debussy. El álbum
Préludes de ECM (reseña en página 35) ha sido
el exquisito resultado.
REBECCA FRANKS: ¿Cómo se decidió por
estos dos pianos en particular de principios del
siglo XX?
ALEXEI LUBIMOV: Debussy tenía un piano
Blüthner en su casa, pero en una ocasión dijo que
su música estaba hecha para el Bechstein. Los dos
instrumentos que he elegido –un Steinway y un
Bechstein– aportan el color, el olor y el sonido
de la época. Abundan los pianos de ese periodo,
pero en general me resultan un tanto unidimen-
sionales y limitados en su variedad: ¡demasiado
franceses! Pero los dos que he usado en esta gra-
bación me han brindado unas mezclas de colo-
res tan inesperadas e inusuales como la propia
paleta orquestal de Debussy.
R.F.: ¿Tocar con estos instrumentos le ha influi-
do de algún modo en su propia visión musical
de Debussy?
A.L.: Sí, en parte. Influyeron en mi oído profun-
do, en mi forma de captar la instrumentación
de estos Préludes, en la apreciación del color y de
la distribución espacial; cada uno posee un tono
y una resonancia particular dependiendo de los
diferentes registros y secciones del piano. Y esto
216 / julio-agosto 2012
PREGUNTAMOS A...
Alexei
Lubimov
supuso una influencia decisiva.
Por ejemplo, en esta grabación
he tocado los Préludes con más
ligereza, aire y transparencia que
como lo habría hecho en un pia-
no moderno. En los años 70 gra-
bé por primera vez estos Préludes
para el sello Melodiya con un
piano moderno. Pero al sugerir
este programa a ECM estaba
absolutamente convencido de
que debía ser interpretado con
instrumentos de la época de
Debussy.
R.F.: ¿Y cómo decidió con qué
piano debía tocar cada libro?
A.L.: Debussy compuso el pri-
mer libro de Préludes en su
periodo “clásico”, en el que des-
tacaba la claridad en la textura, una escritura
tonal y un interés por las relaciones. El
Bechstein parece responder mejor a este esti-
lo. El segundo libro es mucho más complicado;
de cuando en cuando se vuelve atonal o más
politonal; los colores y la mezcla de sonidos
resultan más misteriosos. El Steinway de 1913
se antoja el instrumento ideal para materializar
estos sonidos como imprecisos, neblinosos o
fundidos. Y, por supuesto, a la hora de enfren-
tarme a las piezas a dos pianos tuve muy claro
que debía utilizar ambos instrumentos. Me
gusta mucho tocar con mi ex alumno Alexei
Zuev, un pianista brillante que ha tocado estas
obras numerosas veces con pianos modernos.
Creo que en estos instrumentos las transcrip-
ciones suenan menos homogéneas que con los
pianos modernos. Ha sido una forma intere-
sante de recrear la instrumentación original de
estas partituras orquestales.
alexei lubimov ha grabado para sellos
como ecm, bis, zig-zag y passacaille y tie-
ne previsto publicar en el primero un
álbum dedicado a la música para voz y
piano de john cage junto a la cantante
natalia pschenitschnikova.
la entrevista, realizada por rebecca
franks para bbc music magazine y tra-
ducida por david rodríguez cerdán para
diverdi, ha sido reproducida con permi-
so expreso de bbc music magazine.
(www.classicalmusic.com)
7
ETIPO - TELETIPO - TELETIPO - TELETI
Stefan Winter, recientemente galardonado con
el Schwabinger Kunstpreis 2012 de manos del
alcalde de Múnich, acaba de anunciar las próxi-
mas novedades Winter & Winter: a la reedición
del primer disco de Paul Motian en JMT, Monk
In Motian, se suma un nuevo viaje musical a la
capital porteña (Diaspora in Buenos Aires) de la
mano de The Linetzky Family, un nuevo disco
de Fumio Yasuda y Theo Bleckmann titulado
provisionalmente Mothergoose y un box set limi-
tado con los legendarios cinco volúmenes del
On Broadway de Motian.
Tras el rompedor dúo formado con
el pianista Brad Mehldau para su
debut en Naïve, la mezzo Anne
Sofie von Otter vuelve a la carga en
el prestigioso sello francés con un
recital dedicado al más bello barro-
co italiano: en A baroque journey la
cantante sueca propone un recorri-
do por el exquisito universo vocal de Cavalli,
Monteverdi, Provenzale y Rossi en el que no fal-
tan los dúos con Sandrine Piau y Susanna
Sundberg. El director rioplatense Leonardo
García Alarcón y la Cappella Mediterranea sir-
ven el acompañamiento a tan bellos mimbres.
Cuatro son los lanzamientos de Supraphon para
el verano: una integral histórica de las Sinfonías
de Prokofiev por la Czech Philharmonic
Orchestra y Zdenek Košler presentada en estu-
che de cuatro discos, una nueva grabación dedi-
cada al repertorio de canciones y danzas del
barroco bohemio (Songs of Dances of Bohemian
Baroque) interpretado por Musica Bohemica,
un monográfico de los Conciertos para violín de
Frantisek Benda a cargo de Ivan Zenatý y la
Prague Philharmonia y, para terminar, un disco
sobre el clave inglés, español y portugués defen-
dido por Zuzana Ruzicková.
CPO ha compactado en un doble
álbum una integral de obras para
piano y orquesta del compositor
soviético Dmitri Kabalevsky que
incluye los cuatro Conciertos para
piano, la Fantasía sobre Schubert D
940 y la Rapsodia op. 75. El solíci-
to Michael Korstick oficia al piano
un programa que constituye el núcleo estético
de su obra y que refleja perfectamente todas las
fases de la evolución musical de este composi-
tor tristemente ignorado por su adhesión al régi-
men. Alun Francis y la NDR Radiophilharmonie
de Hannover ponen la guinda a tan bienvenida
integral.
Sigiswald Kuijken y La Petite Bande celebran
este año un 40 aniversario un tanto amargo
debido a un posible cese de actividades por fal-
ta de subvenciones y ayudas. No obstante, el
sello Accent ha querido brindar a su salud edi-
tando tres estuches conmemorativos que recu-
peran algunas de las mejores grabaciones del
ensemble holandés: el primero, The Da Ponte
Operas, incluye sus alabadas versiones de Così
fan tutte, Don Giovanni y Le nozze di Figaro; el
segundo es una reedición de su Die Schöpfung
haydniano y el tercero –A Portrait– un box set
recopilatorio.
8 di v e r di
Prometedor estreno
Magister Petrus, nuevo conjunto para el repertorio monofónico
medieval, ofrece en Vacillantes un primer y excelente trabajo
Este estreno aborda un repertorio musical que
no es nada fácil, la monodia latina ni propiamen-
te litúrgica ni profana de los siglos XII y comien-
zos del XIII (composiciones goliárdicas o Carmina
Cantabrigensia por ejemplo), campo arrincona-
do por el atractivo de las piezas litúrgicas para una
sola voz y las escritas en lenguas “nacionales”.
Valiente decisión, que se aplaude, la de adentrar-
se en territorios menos explorados musical y filo-
lógicamente hablando, más pendiente de otros
latines plenomedievales o directamente compo-
siciones vernáculas. Presentamos así el primer
resultado discográfico de Magister
Petrus, un nuevo conjunto dirigido
Magister Petrus
por el musicólogo, docente e intér-
prete de origen colombiano, forma-
ción neoyorquina y residencia en
Barcelona, Mauricio Molina, autor
asimismo de un libro fundamental
para entender el mundo del pandero
en la Iberia medieval, y de una pró-
xima monografía sobre la canción
monofónica en Europa en los siglos
XII-XIII que esperamos con impa-
ciencia por el mismo motivo.
Vacillantis conforma una hora de
música en la que no se abusa del con-
curso instrumental. Trata de melodí-
as que fundamentalmente adornan
discursos, y estos deben decirse bien, que se entien-
dan. Aquí ocurre, y esto es noticia. El canto corre
a cargo del gerundense José Pizarro, poseedor de
una voz controlada, de timbre bonito y ajustada dic-
ción, y el acompañamiento lo protagonizan cordó-
fonos diversos pero sin amontonarse, fídulas,
cítolas, gigas (Irantzu Zuasti, Maritxell Genís, Pepe
Morales Luna, Oriol Casadevall i Crespo y Antonio
Ruiz), y una discreta percusión (algo difícil cuan-
do el director es el tañedor de tales instrumentos,
que propenden al abuso). Por pedir, desearía que
en próximos trabajos de Magister Petrus se sume
una voz femenina para darle más color y variedad
(el bajo Néstor Pindado canta dos piezas, conse-
cutivas) a un grupo que en su debut demuestra un
buen hacer sorprendente.
Josemi Lorenzo Arribas
La mitad de las piezas son anónimas, dos de
Pedro de Blois, una composición de Gualterio de
Châtillon, y cuatro de Felipe el Canciller, aquel
que con una de sus melopeas encolerizó a una
superiora (fecit cantilenam cum qua priorissa iras-
cebatur). Hemos de suponer que el repertorio que
hoy disfrutamos irritaría a más de un magnate
eclesiástico, además de la citada monja, demos-
trando que la música, y más en la Edad Media, fue
algo más que sonidos acordados, todo un vehícu-
lo de expresión de los más variados discursos,
entre ellos el de crítica y autocrítica al clero, pues
de este ámbito se extraen los literatos y músicos
que crearon estas piezas. “Reina la avaricia / y rei-
nan los avaros. / Todos tras el dinero / se desviven
afanosos; / la codiciada gloria / se encuentra en
presumir” se lee en Ecce torpet probitas de
Gualterio, en la traducción del propio Molina, idea
que vuelve a repetirse en el Fas et nefas goliardes-
co, ambas piezas interpretadas. Parece un titular
de periódico de nuestros días.
Algunas composiciones son monótonas por
su propia estructura compositiva, como Luto carens,
por su marcada cadencia rítmica, que cierra el dis-
co, lo que se compensa con la muy inspirada y con-
tenida versión instrumental de Dum medium
silentium, con una cítola tan solo, o la virguería de
investigación e interpretación de dos piezas de
repertorio de San Marcial más una catalana mono-
fónica que componen el corte 3, de las que se encar-
gan a dúo fídula y giga. La información musicológica
es correcta y precisa, con expresión de fuentes y cri-
terios de interpretación, algo que particularmente
inquieta a Molina, y se cuida el tradicionalmente
arrinconado apartado fonético, ajustándolo a un
entorno francés, origen de la mayoría de las piezas.
En definitiva, un muy buen comienzo, que ha de
tener continuidad. Con discos así, Petrus justifi-
cará su condición magisterial.
VACILLANTIS: La canción amorosa, religiosa y moralista en
el s. XII
Magister Petrus. Mauricio Molina, director / ENCHIRIADIS /
Ref.: EN 2034 (1 CD) D5
antigua
Una nueva Juana de
Arco
El nuevo libro-disco de Savall,
una absoluta referencia
Josemi Lorenzo Arribas
El VI Centenario del nacimiento de Juana de Arco
no podía pasar desapercibido para Jordi Savall,
autor de la banda sonora de las dos partes de la
película que Jacques Rivette (1994) dedicó a la
heroína de Orleáns ejecutada en 1431. El resulta-
do del trabajo se envasa en un formato bien cono-
cido y celebrado por los seguidores del músico de
Igualada y de Alia Vox, su sello discográfico: un
impresionante libro con un disco doble. En total,
dos horas de música(s) y casi quinientas páginas
ilustradas, con ensayos traducidos a seis idiomas.
Cobra mayor fuerza en este proyecto con respec-
to a otros la presencia de la narración (tres narra-
dora/es) que se acompaña de caracterizaciones
musicales según el personaje que habla, acentuan-
do el carácter épico del personaje que se celebra y
la unidad del planteamiento programático; y tam-
bién sobresale en esta entrega el uso de piezas
construidas “a partir de”, es decir, elaboraciones
propias basándose en originales de época. En esto
es un maestro el violagambista, con esos arreglos
enormemente efectivos que seducen a la audien-
cia. Una manera honesta de tratar el material, y
no hacerlo pasar por “original”, dando rienda suel-
ta a la creatividad de Savall.
Las piezas contenidas en los dos discos que
sirvieron antaño de banda sonora, grabados en
1993, se entreveran con otras escogidas ad hoc para
este regalo, formando un programa enteramente
original. Vano sería el intento de dar cuenta del
contenido musical, proteico y bien conocido por
Savall, poseedor de uno de los fondos de armario
en cuanto a repertorio más amplios en el campo
de la música antigua. Nos quedamos, pues, con la
novedad: esa narración que se puede seguir tra-
ducida en el libro, y la calidad de algunos de los
ensayos, quizá excesivamente académicos, pero
que nos ofrecen un mosaico de interpretaciones de
Juana cuya comprensión realza el fondo musical de
estos dos discos.
JEANNE D'ARC: Batailles & Prisons (La epopeya de una
visionaria)
Figueras, Kiehr, Wessel / La Capella Reial de Catalunya.
Hespèrion XXI. Dir.: Jordi Savall / ALIA VOX / Ref.: AVSA
9891 (2 SACD + Libro) P.V.P.: 39,95 €.-
 antigua
Ministrilas
Vinum et Musica, canciones y
danzas renacentistas
Josemi Lorenzo Arribas
Sorprendente portada del disco, con una fotogra-
fía que bien podría figurar en cualquier revista de
viejos rockeros. Chupa de cuero, negro riguroso,
y la curtida faz del contratenor parisino Dominique
Visse con su melena cana al lado de la jovial pero
madura estampa de Katharina Bäuml. Esta muni-
quesa es una de esas no tantas mujeres que se han
especializado en instrumentos altos renacentistas
(chirimías, bombardas, cornetos, sacabuches, bajo-
nes), los de sonoridad fuerte, los que no tañían
ellas, o al menos no tenemos documentada su par-
ticipación, acompañada para más inri de otras dos
ministrilas. Ella misma dirige desde 2005 este
ensemble de nombre español, y es conocida su
pasión por la música de aquende los Pirineos y su
regular participación en la nómina de la Capella de
Ministrers y otros grupos hispanos. En este caso
las danzas y canciones son de la zona de
Nuremberg, con más de una decena de composi-
tores representados y numerosas piezas anónimas
para recrear la ciudad antaño imperial, en torno al
año 1500.
Desde un punto de vista formal, hay buena
expresión de fuentes musicológicas y organológi-
cas, buen hacer que se dobla de la propia interpre-
tación y su notable inspiración en los arreglos, como
la solemne interpretación de la Basse Dance Aliot
Nouvelle. Quizá lo más flojo sea la integración de la
voz de Visse, con algún portamento sorprendente
(en la pieza de Rossi, autor que se sale cronológica-
mente del resto del repertorio). Pero no empaña un
buen disco, titulado Vinum et musica aprovechando
el frontispicio de una edición musical de
Formschneider (1537) para mostrar que los registros
sacro y profano estaban antes más confundidos. Y
con ministrilas, que no es poco. Otra grabación
más reivindicando estas formaciones, que fueron las
que acercaron música y autores que hoy compramos
en disco a los oídos de la gente común.
VINUM ET MUSICA: Canciones y danzas de Nuremberg (s.
XV y XVI)
Dominique Visse, alto. Capella de la Torre. Katharina Bäuml,
chirimías, dulzaina y dirección / CHALLENGE RECORDS /
Ref.: CC 72544 (1 CD) D2
216 / julio-agosto 2012
A vivir,
que son dos días
Les Sacqueboutiers nos invitan
a la Francia de Rabelais
Josemi Lorenzo Arribas
“Haz lo que quieras, o la abadía de Thelema”, es
el título completo de este disco exultante, que cele-
bra a Rabelais a través de la historia de Gargantúa
y Pantagruel, empleando como lema el de esa fic-
ticia abadía, Thelema (del griego, voluntad), con la
que el literato francés arremetía contra la pedago-
gía monástica o, mejor, contra toda instrucción. Ese
mensaje lleno de joie de vivre transmite la última gra-
bación de un veteranísimo conjunto, de los pocos
en activo en la música antigua que ha entrado en
su cuarta década, de esos que nunca han dejado de
acompañarnos con sus casi treinta discos en su
haber dedicados exclusivamente a autores france-
ses del Renacimiento, una especialización que se
agradece, cuando la tendencia general es a abarcar
lo más posible. Y aquí llegan, con este precioso
disco-libro de más de cien páginas en que nos
cuentan y cantan la historia de estos gigantes a
través de una pléyade de compositores cuyas fechas
extremas enmarcan el nacimiento de Josquin (1455)
y la muerte de Gabriel Bataille (1630).
La historia se cuenta con piezas musicales y
extensos recitados en francés moderno. Por poner
algunos peros, es una pena que los textos no se
hayan traducido a otras lenguas (en internet, para
no encarecer costes de producción), porque así se
multiplicaría la labor de difusión precisamente en
otros contextos no francófonos, donde más hace
falta. No hay división entre partes vocales e instru-
mentales en la indexación de pistas. Hay que escu-
charlo todo, y puede cansar un poco a quien no
puede seguir el relato por desconocimiento de la
lengua. Pero es un disco musicalmente proteico.
Preciosa La nuiet froide et sombre de Orlando de
Laso, una original versión del oidísimo Tourdion de
Attaingnant para instrumentos altos, o La guerre
de Clément Janequin por el Clément Janequin. Y
parece que rejuvenecemos varias décadas, porque
tiene la misma fuerza, gracia y vitalidad (onoma-
teyas, síncopas, cachondeo…) de antaño.
RABELAIS: Fay ce que vouldras (obras de Desprez, Lejeune,
Janequin, Sermisy, Bataille, Costeley, de Lassus, ...)
Les Sacqueboutiers. Ensemble Clément Janequin.
Dominique Visse, director / FLORA / Ref.: FLORA 2410 (1
CD) D2
9
La Pasión del Saco
de Roma
Una de las primeras muestras
del género, obra de Corteccia
Pablo J. Vayón
Aunque muy recientemente nos hemos familiari-
zado tanto con las Pasiones de Bach que parece que
el Cantor fuera el creador del género, las versio-
nes musicales de los sufrimientos y muerte de Cristo
son casi tan antiguas como la propia Iglesia. En
época medieval, las pasiones gregorianas se canta-
ban con tres tonos de recitado, que se conserva-
ron cuando a finales del siglo XV empezaron a
cantarse polifónicamente, si bien durante un tiem-
po la polifonía se reservaba exclusivamente para
las intervenciones de la multitud (los coros de tur-
ba). De este tipo de pasiones, llamadas responso-
riales, han quedado algunos ejemplos (las de san
Juan y San Mateo del Oficio de Semana Santa de
Victoria son buenas muestras), aunque la monoto-
nía de su recitado, interrumpido ocasionalmente por
sencillos coros homofónicos, no las han hecho muy
habituales en los registros fonográficos.
La Bottega Discantica ofrece ahora la más
antigua de este estilo conservada en Italia: la escri-
bió Francesco Corteccia en 1527, el año del Saco
de Roma. Es una obra compuesta en un estilo seve-
ro, que incluye polifonía a 4 (en su mayor parte,
homofónica) para un Exordio introductorio, los
coros de turba y un Evangelium de cierre. Mario
Fabbri, responsable del rescate y ensamblaje de
las partes encontradas en diferentes fuentes, pien-
sa que en la época la parte narrativa debía leerse,
más que declamarse, en lengua vernácula, y por
eso aquí se usa el italiano moderno. Siete respon-
sorios de tinieblas del propio Corteccia, donde la
polifonía se hace imitativa, se usan como medita-
ciones intercaladas en el grueso de la Pasión, que
además aparece escoltada por dos himnos grego-
rianos. Las cuatro voces viriles que se encargan de
dar vida a la turbarum vox son bien conocidas de
los aficionados (Giordani, Fagotto, Scavazza,
Testolin), cuatro estupendos solistas italianos que
se integran con absoluta excelencia en las voces
rectas, limpias y bien moduladas del Officium
Consort.
FRANCESCO CORTECCIA (1502-1571): La Pasión de Cristo
según San Juan
Officium Consort. Danilo Zeni, director / BOTTEGA DIS-
CANTICA / Ref.: BDI 214 (1 CD) D3
10
Hablando Victoria
Herreweghe, La Chapelle Royale
y el Officium Defunctorum
Caronte
Philippe Herreweghe quería grabar este Victoria
desde, al menos, 1988. En aquel tiempo, el direc-
tor belga estaba viendo su espectacular take-off.
Había dejado de ser el proveedor de un buen coro
para la integral Bach de Leonhardt-Harnoncourt y
se había convertido en el flamante director de La
Chapelle Royale de París, llamada en aquel momen-
to Ensemble Vocal Europeo. Pues bien; aquella
Chapelle Royale (hoy desaparecida) vino a Madrid
a ofrecer en el Auditorio Nacional este Officium
Defunctorum, en noviembre del 88. El grupo, for-
mado por cantantes de varios países, se reunió
directamente aquí en Madrid, y el primer ensayo
tuvo lugar en el salón de actos de la Facultad de
Filosofía y Letras de la Universidad Autónoma.
Esto explica la presencia de este humilde barro,
que por aquel entonces era estudiante de dicha
facultad, en tan señalado momento. Sí, yo lo vi, yo
lo escuché, fui testigo, lo puedo contar. Herreweghe
dispuso a sus doce cantantes en un semicírculo,
indicó un número de página de la edición de
Mapamundi, levantó la mano y se hizo el silencio.
Cuando golpeó el aire con su gesto nervioso pero
benevolente, el Versa est in luctum comenzó a colo-
nizar la sala: Mi arpa se ha tornado en triste canto....
En ese momento supe que esa mañana no asistiría
a ninguna de mis clases. No sé si fue Victoria,
Herreweghe, sus cantantes o una confluencia de
los tres, los que me empujaron así a mis primeros
novillos universitarios.
Ya entonces se dijo que la grabación de esta
obra para el sello Harmonia Mundi era inminen-
te, pero... como tantas veces ocurre, se ve que la
idea no prosperó. Y ahora, veinticuatro años des-
pués, Herreweghe nos propone su visión de Victoria
(no sé si aquella u otra; creo que, en todo caso, muy
semejante). Es el suyo un Victoria reposado, den-
tro de lo que puede serlo este Réquiem, un Victoria
sereno, hablado, muy meditado, también humano,
alejado de la espiritualidad ascendente de las ver-
siones inglesas, un Victoria caminante, sólido y
robusto. Un Victoria necesario.
T. L. DE VICTORIA (1548-1611): Officium Defunctorum
Collegium Vocale Gent. Philippe Herreweghe, director / PHI
/ Ref.: LPH 005 (1 CD) D2
di v e r di
Un hermoso recorrido Homenaje al sacabuche
La Division-Musick en la
Inglaterra del siglo XVII
Manuel de Lara
El arte de las disminuciones sobre la melodía de un
bajo, tratado como aria o ground, tuvo diversas
formalizaciones vocales y, sobre todo, instrumen-
tales en la Inglaterra del siglo XVII. El dúo de vio-
lagambistas que forman Musicke&Mirth, junto a
Amandine Beyer y el teclista Johannes Strobl, nos
ilustran con ejemplos de esta práctica musical en
una grabación ciertamente bella.
Durante su longeva vida, John Jenkins culti-
vó diversas formas musicales, desde consort de
violas de grave textura polifónica hasta formas
más melódicas influenciadas por la sonata italia-
na como son las fantasías a tres partes. Jenkins
dedicó especial atención a la “Lyra-viol” en diver-
sas combinaciones; él mismo fue excelente tañe-
dor del instrumento, un bajo de viola cuya
particularidad, más que por reunir características
físicas diferentes, se derivaba de la adecuación de
la notación en tablatura a su lenguaje acórdico y a
una variable afinación respecto a la division-viol, y
que le aproxima en espíritu al laúd. Se graban aquí
algunos de sus Aires para treble, lyra [vyole], base
[vyole] (and) harpsecord, suites para la formación
conocida como Lyra consort, escritas a cuatro par-
tes sobre una serie de movimientos de danza, con
un lenguaje idiomático donde tanto el violín como
el bajo de viola desarrollan variaciones y disminu-
ciones sobre las líneas base conducidas por la lyra-
viol, cuya parte está escrita en tablatura, y el clave,
que también pueden hacer figuraciones o doblar
otras partes.
Tratando de la division-viol, no podían faltar
obras de quien mejor explicó sus fundamentos,
Christopher Simpson. Se recogen aquí tres de sus
hermosas divisions junto a otra del gran Lawes. El
recorrido musical nos conduce también a ejem-
plos extraídos de las dos recopilaciones del division-
violin: un precioso preludio de Baltzar y dos obras
de Eccles y Banister llenas de gracia, fantástica-
mente interpretadas por Beyer. Lo mismo que
acontece con las dos excelentes gambistas y la nota-
ble aportación de clave u órgano.
DIVISION-MUSICK: El arte de la disminución en la
Inglaterra del XVII
Musicke & Mirth / RAMÉE / Ref.: RAM 1204 (1 CD) D2
antigua
Extraordinario recital a cargo del
grupo flamenco Oltremontano
Eduardo Torrico
La historia del sacabuche es intensa durante casi
cuatro largos siglos. En España, la primera referen-
cia a este instrumento, denominando como tal, se
encuentra recogida en la Crónica del condestable
Miguel Lucas (año 1470). Aún figuraría con esa deno-
minación en el Diccionario de Autoridades, publica-
do por la Real Academia Española entre 1726 y 1739,
no mucho años antes de que empezase a generali-
zarse en toda Europa el empleo de la palabra trom-
bón. En dicho Diccionario de Autoridades, aparece
esta descripción: “Instrumento a modo de trompe-
ta, hecho de metal, dividido por medio à el qual
suben y baxan por la parte de abaxo, para que haga
la diferencia de voces, que pide la Música”. Sin
embargo, en Italia, tierra de promisión del sacabu-
che, jamás renunciaron a llamarlo trombón, que no
es sino el aumentativo de tromba, es decir, de trom-
peta. A lo largo de los siglos XVI y XVII prolifera-
ron en aquella península las agrupaciones de
cornetas y sacabuches, entre las cuales la más céle-
bre fue el Concerto Palatino, de la catedral de
Bolonia. No hubo compositor, grande o pequeño,
que no le rindiera tributo, como puede apreciarse
en el presente registro del grupo flamenco
Oltremontano; desde Frescobaldi a Monteverdi,
pasando por Fontana o Cima. En el programa tie-
nen, igualmente, cabida los españoles Selma y
Salaverde y Cabezón, así como el polaco Mikołaj
Zielenski. Oltremontano recurre para esta grabación
a toda la familia del sacabuche: alto (Robert Schlegl),
tenor (Adam Bregman) y bajo (Wim Becu), escol-
tados, claro, por sus inseparables cornetas (el omni-
presente Doron Sherwin y Adrien Mabire). El
acompañamiento se completa con arpa, violonche-
lo, tiorba y órgano, aunque en varias piezas la ins-
trumentación se reduce tan sólo a sacabuche bajo
(verdadero protagonista del disco) y órgano.
Colaboradores habituales de grupos polifonistas
como Capilla Flamenca o Gesualdo Consort
Amsterdam, Oltremontano demuestra aquí una vez
más el alto predicamento de que goza.
TROMBONE GRANDE: Música para sacabuche bajo de 1600
Oltremontano. Wim Becu, director / ACCENT / Ref.: ACC
24263 (1 CD) D2
 antigua
Contrarreforma y misticismo en Roma
Il tormento e l’estasi, formidable contribución de Luis Antonio González y Los Músicos de Su Alteza
a la discografía del oratorio barroco romano
En torno a 1640, Roma era la capital de la
Contrarreforma católica, y en consecuencia la del
arte barroco, la majestuosa urbe en la que todo
parecía posible, el gran teatro del mundo. Los gran-
des mecenas eclesiásticos, salidos en buena medi-
da de las familias Barberini y Pamphili, levantaron
palacios e iglesias, abrieron plazas y avenidas e
impulsaron las artes plásticas y la música con deci-
sión. Puede que su labor tuviera intereses espu-
rios, que el nepotismo y el deseo de engrandecer
el propio nombre y enriquecer a la familia estuvie-
ran en la base de su dedicación, pero los efectos,
no solo sobre la ciudad sino sobre toda la Europa
de su tiempo, fueron notables y decisivos.
Maffeo Barberini, que reinó como Urbano
VIII entre 1623 y 1644, construyó un nuevo pala-
cio para su familia, pero también propició el tra-
bajo de Bernini en San Pedro (el famoso
baldaquino) y mantuvo estupendas relaciones con
artistas y científicos (aunque acabara propiciando
la condena de Galileo, cuyo trabajó había previa-
mente impulsado). Lo sucedió en el trono papal
Giovanni Battista Pamphili, quien reinó once años
con el nombre de Inocencio X tratando de ajustar
cuentas familiares con los Barberini, pero conti-
nuando su labor de mecenazgo. El retrato que de
él dejó Velázquez, uno de los más portentosos de
la historia de la pintura universal, capta admirable-
mente la psicología del personaje. Como un sím-
bolo de su labor en el terreno de las artes puede
considerarse el hecho de que, días antes de su muer-
te, consintiera en la conversión al catolicismo de
la reina Cristina de Suecia, cuya labor de mece-
nazgo sería también crucial en la segunda mitad del
siglo.
Son los duros tiempos de la Guerra de los
Treinta Años, que los papas manejaron haciendo
a menudo difíciles equilibrios en la cuerda de la
diplomacia. Y musicalmente son los años de con-
solidación y desarrollo de un género musical que
había nacido con el siglo, el oratorio. Esta convul-
sa y exuberante década romana de 1640 es la que
Luis Antonio González retrata en este nuevo tra-
bajo para el sello Alpha. Y lo hace apoyándose
básicamente en dos obras ya bien conocidas, pero
216 / julio-agosto 2012
que adquieren una nueva luz bajo su mirada. Un pec-
cator pentito es obra anónima que habitualmente
se atribuye a Luigi Rossi y que se presenta como
cantata a 5, pero que no es otra cosa que un orato-
rio en diálogo, en este caso la tremebunda conver-
sación de unas almas atormentadas por el pecado
y el deseo de redención; Jephte es la obra más difun-
dida de Giacomo Carissimi, ejemplo supremo del
arte del oratorio tal y como se practicaba en la
Roma del tiempo.
Vinculado en sus orígenes al cantar parlando
y al estilo representativo, el oratorio se volvió lati-
no con Carissimi, haciéndose a la vez más sofisti-
cado, aunque sin perder su carácter dramático,
incluso acentuándolo. Ese carácter lo debe acaso
al destino de muchos de los oratorios escritos por
Carissimi, el
Colegio
Alemán y la
aristocrática
Archicofradía
del Santísimo
Crucificado.
Son obras que
se manejan en
un lenguaje
alambicado en
el que concep-
tos opuestos
de gran carga
emocional se
asocian en un
juego que
aspira al mis-
ticismo, ese “Un CD que es posiblemente el mejor, el
que tantearon
tantos poetas más fino y redondo, de la carrera ya
de la época.
Tormento y dilatada de Los Músicos de Su Alteza.”
éxtasis. Un
camino plagado de abruptas dificultades que se
corona con una dicha que tiene mucho de placer
voluptuoso, erótico, enmascarado siempre en la
fusión del alma con la divinidad.
La imagen de la antítesis aparece muy seña-
lada en Jephte, donde a la primera parte, marcada
por el regocijo del triunfo de Israel sobre los amo-
nitas, se opone el hondo lamento de la segunda,
cuando la hija de Jefté conoce su destino (su padre
prometió sacrificar a la primera persona que vie-
ra salir de su hogar a la vuelta de la victoria, y fue
ella quien lo hizo). Este escabroso contraste es
admirablemente plasmado en el terreno musical:
modo octavo, triunfal, para el principio; una mez-
cla de tercero y cuarto, penoso y depresivo, al final;
donde los coros son luminosos y vivaces, se impo-
ne luego el ritmo lento y opresivo; el recitativo
puramente narrativo da paso al recitado expresi-
vo. Acudiendo a las fuentes originales, Luis Antonio
González ha enfatizado el carácter de esta oposi-
ción, usando por ejemplo unos tempi de extasian-
te lentitud en la segunda parte, que corona ese
11
Pablo J. Vayón
conmovedor, intensísimo coro a 6 (Plorate filli
Israel), ese lamento que inflama los sentidos con su
pausada escansión rítmica, o adjudicando el papel
de la hija de Jefté a Olalla Alemán, una soprano de
voz lírica y seductora, con una anchura y un color
que parece desmentir el carácter pueril de la pro-
tagonista, otorgando así una nueva dimensión,
más carnal y encendida incluso al eco de su llanto
(“Ululate!”).
El uso de las voces masculinas para las ánimas
torturadas impone de igual forma un sentido peni-
tencial especialmente intenso en el oratorio de
Rossi, en el que los detalles de retórica están muy
marcados: esos “abissi” son profundísimos en los
graves abismales de Joao Fernandes, mientras la
“sovrana inmensa clemenza” parece rodearnos y
Los Músicos de su Alteza
alcanzarnos a todos en la envolvente voz de la
soprano Eugenia Enguita. Los ritornelli instru-
mentales siguen con atención los afectos del tex-
to, ofreciendo en más de una ocasión su
contrapunto luminoso, enfatizando la antítesis
conceptual con una extraordinaria perspicacia
musical, gracias a un sonido a la vez cristalino y
hondo, una perfecta mezcla cuya eficacia debe des-
cargarse en el haber de un conjunto que se pre-
senta como magnífica representación de la pujanza
de la joven música antigua española. Una breve
aria a 3 de Domenico Mazzochi, en la que domi-
nan también los sentimientos del pecado y de la cul-
pa, y el conocido Passacaglio de Biagio Marini
completan un CD que es posiblemente el mejor,
el más fino y redondo, de la carrera ya dilatada de
Los Músicos de Su Alteza.
IL TORMENTO E L'ESTASI: Obras de Rossi, Mazocchi y
Carissimi
Los Músicos de su Alteza. Luis Antonio González, director /
ALPHA / Ref.: ALPHA 183 (1 CD) D2
12
Castello y el Stile
Moderno
Sonatas venecianas del Seicento
para vientos y cuerdas
Manuel de Lara
Tras algún tiempo, el Caecilia-Concert vuelve con
una grabación que nos sitúa en el momento histó-
rico donde se forjará la emancipación definitiva de
la música instrumental frente a la vocal, un tiempo
de transición donde emergerá de entre bastidores
para ganar un lugar preponderante en el futuro. El
nuevo estilo nace de la mano de los cambios que las
ideas de la seconda prattica han provocado ya en la
música vocal, conformando aspiraciones formales
y estilísticas que buscan la expresión de los afectos
y la declamación del texto. A partir de la nueva for-
ma de la música vocal, el lenguaje instrumental
explorará también nuevos límites de expresividad.
Será un grupo de compositores como Castello,
Marini y otros representados aquí, los que eleva-
rán la naciente sonata a una nueva posición de supre-
macía a través de esa búsqueda de la emoción en el
oyente. La introducción del bajo continuo, los cam-
bios bruscos en la búsqueda de afectos, dinámicas
y tempos serán alguno de los elementos utilizados.
Castello parte del lenguaje estricto de la can-
zona para crear un nuevo estilo basado en los afec-
tos y la flexibilidad métrica, que introduce libertad
rítmica, pasajes virtuosos, la búsqueda extrema del
contraste y texturas cambiantes, explorando y lle-
vando a un nuevo estadio el lenguaje instrumental.
Si autores como Marini primarán el lenguaje idio-
mático del violín como trasmisor principal de emo-
ciones, lo que iniciará su pujanza inexorable, Castello
prestará una especial atención al lenguaje idiomá-
tico del fagot y su familia. Varias sonatas para 2 a 4
voces y bajo continuo de los dos libros de Castello
son el eje conductor de esta grabación que incorpo-
ra obras de Marini, Scarani, Picchi, Bertoli o
Frescobaldi. Además del indudable protagonismo
de los violines como instrumentos sopranos, es des-
tacable en la presente edición la riqueza de los ins-
trumentos de viento, como cornetas, trombones o
el bajón, éste último con un papel dominante en
esta interesante aportación discográfica.
CASTELLO & CO: Sonatas venecianas para vientos y cuer-
das del s. XVII (obras de Frescobaldi, Castello, Bertoli,
Marini, Scarani y Picchi)
Caecilia-Concert / CHALLENGE RECORDS / Ref.: CC 72547
(1 CD) D2
di v e r di
Algo más que yerno
Segundo monográfico con música
de Schieferdecker
Eduardo Torrico
Quizá una de las anécdotas más célebres de la
música llamada clásica es la que detalla los ímpro-
bos esfuerzos de Dietrich Buxtehude para casar a
su hija. Para sucederle como organista de la
Marienkirche de Lübeck, ponía como condición
sine qua non contraer matrimonio con la nada agra-
ciada Anna Margreta. Cuentan que los amigos
Händel y Mattheson, tras haber superado las prue-
bas musicales a que les sometió Buxtehude, salie-
ron despavoridos cuando vieron a la dama. Algún
tiempo después fue Johann Sebastian Bach el que
renunció al cargo con tal de no tener que cargar con
la muchacha. Fue finalmente Johann Christian
Schieferdecker el que hizo de tripas corazón, aun-
que es posible que la leyenda haya sido magnifica-
da, pues parece que no se trataba de una imposición
de Buxtehude, sino de una inveterada tradición
que regía Lübeck, el que el nuevo organista de la
Marienkirche contrajera matrimonio con la hija
de su predecesor a la muerte de éste. Pese a lo poco
conocido que es hoy, Schieferdecker tuvo que ser
un músico muy considerado en el norte de
Alemania, como lo demuestra el hecho de que,
siendo aún estudiante en la Thomasschule, estre-
nara dos óperas en Leipzig. Colaboró en alguna
ocasión, ya establecido en Hamburgo, con
Mattheson y mantuvo una larga amistad con Keiser.
Hace bien poco aparecían, en la fastuosa interpre-
tación de Elbipolis, seis de sus Musicalische
Concerte, compuestos en 1713 en la ciudad hanse-
ática (que no son conciertos, sino suites orquesta-
les al más puro estilo francés). Hamburger
Ratsmusik incluye ahora en este registro dos de
ellos (el segundo, el número XIII, ya figuraba en
la grabación de Elbipolis), pero lo verdaderamen-
te mollar de esta novedad son cuatro de sus
Geistliches Konzerten (que tampoco son conciertos,
sino cantatas), nunca antes llevados al disco y
espléndidamente interpretados por un Klaus
Mertens, por el que por suerte no pasan los años.
JOHANN CHRISTIAN SCHIEFERDECKER (1679-1732):
Geistliche Konzerte (conciertos sacros)
Klaus Mertens, Jan Kobow. Hamburger Ratsmusik. Simone
Eckert, director / CARUS / Ref.: CARUS 83.398 (1 CD) D2
antigua
Bach francés,
Bach italiano
Precioso recital clavecinístico
bachiano de Lorenzo Ghielmi
Pablo J. Vayón
Lorenzo Ghielmi ha mostrado ya innumerables
veces su condición de estupendo bachiano, tanto
en el órgano como en el clave, igual en solitario
que en función de solista o de acompañante (has-
ta dos versiones en disco lleva de las Sonatas para
viola da gamba junto a su hermano Vittorio) y aquí
la reafirma con un precioso recital que reúne las
tres primeras Suites francesas (¿principio acaso de
una integral?) con el Concerto italiano y la menos
difundida Aria variata BWV 989, una obra que
recuerda a las Goldberg, por su estructura de aria
con variaciones, aunque en este caso se trata de una
pieza mucho más breve (solo diez variaciones),
menos elaborada y muy anterior, ya que data posi-
blemente de la época de Arnstadt (hay quien la
retrasa al período de Weimar, datándola en torno
a 1709).
Con un clave cuyo origen no se identifica,
Ghielmi se mueve entre el estilo francés de la sui-
te y el italiano del concierto con absoluta propie-
dad. Hay en las suites un tratamiento del ritmo
que tiene mucho que ver con la tradición france-
sa de las notas desiguales, en especial en las pie-
zas más lentas (alemandas, zarabandas), aunque es
algo apreciable incluso en la giga de la nº 1.
Especialmente acertada me parece la interpretación
de los minuetos, tocados por una grácil y elegan-
tísima cantabilidad. La mayor regularidad rítmica
de las piezas italianas no se traduce en un peso
menor de la sutileza poética, que alcanza su máxi-
ma expresión en el Andante del Concierto italia-
no, en cuyos tiempos rápidos la agilidad de la
digitación y la radicalidad de la articulación termi-
nan en un Presto por completo efervescente. En el
Aria domina sobre todo la claridad, que se hace
especialmente cristalina, y el tono ligero, fundamen-
talmente volcado hacia la melodía. Un Bach de pri-
merísimo nivel.
JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): Concierto italiano;
Suites francesas I-III
Lorenzo Ghielmi, clave / PASSACAILLE / Ref.: PAS 984 (1
CD) D2
 antigua 216 / julio-agosto 2012 13

Un banquete verdade- Ha comenzado...

ramente celestial
Cantatas y piezas organísticas de Versión “definitiva” de los Motetes de Bach por John Eliot Gardiner
Bach por Damien Guillon y el Monteverdi Choir
Javier Sarría Pueyo Caronte

bien lo que hacía. En aquella grabación remota

Al recibir el disco que hoy presento y contemplar
su contenido, por un momento creí que “Le Banquet
Céleste” era el título del disco y no la denomina-
ción de la agrupación protagonista. Y es que los
cuatro bocados que Damien Guillon y los suyos
nos presentan son manjares que no por conocidos
son menos apetecibles. Primera parte: la muerte
en la fe cristiana como liberación del mundo. Tópico
bachiano; tópico luterano. Y muy real. Bach desa-
rrolla este tema a lo largo de numerosas cantatas,
El fin de la Historia. Ha comenzado. No sé si es
trágico o simplemente un hito, pero es así. En lo
que respecta a los Motetes de Bach se terminó.
The End. C’est fini. Telón. Desconozco si en los
planes de Gardiner está dar finiquito también a
las Pasiones, al Oratorio de Navidad, o a la Misa,
aunque ahí es más difícil, imposible tal vez, son
obras más extensas, con más variables, puede que
no se pueda, siempre
queda algo, una rendi-
podíamos ponerle algún “pero” técnico al Komm,
Jesu Komm, puede que el Lobet den Herren fuera
mejorable, pero el Jesu meine Freude era deslum-
brante, aplastante, y la fuga final del Singet den
Herrn no admitía dudas, estábamos ante algo gran-
de, grande de verdad. Luego pasaron los años, y
Gardiner recorrió todo Bach, de punta a cabo, y
en el 2000, cuando grabó las cantatas decidió com-
pletar algunos de los discos con una nueva versión
de los Motetes, la segunda, ¡en directo! Ahora
sabemos que aquello fue un aviso. No lo vimos, o
no lo quisimos ver. La amenaza estaba ahí. Creo
–es sólo una opinión– que fue entonces cuando
Gardiner empezó a pergeñar su plan, a decirse
“estoy cerca, debo seguir explorando, estoy cer-
ca”. Así llegamos a octubre de 2011. Gardiner y su
coro habían hecho los motetes cientos de veces. Y
se dijo “ahora o nunca”. Voy a cumplir los seten-
ta, he reflexionado desde niño sobre cada palabra
de esta música inmensa, sobre cada frase, sobre
cada nota, cada ataque, llevo treinta años buscan-
do y ahora sé qué es lo que quiero. Hagámoslo. Y
lo hizo. Reunió al Coro Monteverdi y les dijo:
“señoras y señores, es el momento de recapitular,

especialmente para voz solista –reflexión indivi-
dual del alma perdida sin Cristo en un mundo terri-
ble–. El esquema es siempre progresivo, aunque
admite variaciones: dolor del mundo –pecado, sufri-
miento–; esperanza en Cristo/anhelo de muerte;
regocijo por la próxima muerte/vida ultraterrena,
sin pecado ni sufrimiento. Dos ejemplos paradig-
máticos de este esquema son las maravillosas can-
tatas BWV 35 y 170, ambas para alto con
importantes contribuciones del órgano. Uno escu-
cha la genial mezcla de serenidad trascendente y
delicadeza pastoral que exhala la primera aria de la
170 y penetra de golpe en su –para nuestra actual
óptica– distante concepción del mundo. Luego lle-
ga el satánico sufrimiento, con su casi físicamente
dolorosa melodía para órgano y el danzante rego-
cijo: ¡Jesús, llévame contigo! Damien Guillon, una de
las estrellas ascendentes del universo contraltista,
se desempeña espléndidamente en su cometido,
con su voz de bellísimo timbre –se parece, ¡vaya si
se parece! al de su maestro Andreas Scholl–, nota-
ble técnica y excelente expresión. Está divinamen-
te –¿celestialmente?– acompañado de su propia
agrupación, en formación solista muy adecuada
para esta música, aunque los ingenieros de sonido
hacen un magnífico trabajo para equilibrarla con
el poderoso sonido del excepcional órgano de la
Iglesia Reformada del Bouclier, en Estrasburgo
cuyas cualidades son aprovechadas de manera admi-
rable por Maude Gratton, en particular en la apa-
bullante Fantasía y fuga en sol menor, BWV 542.
JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): Cantata, sonata y
fuga
Le Banquet Céleste. Damien Guillon, contratenor y dirección
/ ZIG-ZAG TERRITOIRES / Ref.: ZZT 305 (1 CD) D2
Monteverdi Choir
ja, un hueco, una ranu-
ra, siempre pueden
venir directores jóve-
nes y seguir contando
cosas, cosas nuevas
me refiero.
Pero con los
Motetes... con los
Motetes me temo que
hemos llegado al final,
el limón se exprimió
del todo y no queda ni
una gota. Gardiner ha
sido implacable. Llegó
con la lupa de mil
aumentos, con la expe-
riencia de treinta años,
con el mejor instru-
mento posible, y no
hubo caso, cayó sobre ellos como un león sobre su lo haremos aquí, en Londres, en vivo, ante los
presa. Y encima ha sumado el Ich lasse dich nicht, micrófonos de mi sello, para dejar testimonio. Hoy
incorporado al catálogo de Bach en 1999 (¡canta- vamos a hacer historia”. Y fue, para los Motetes de
do en pianissimo!, como una figura de vidrio a Bach, el “fin de la Historia”.
punto de quebrarse). ¿Cómo es posible? dirán. Escuchen. Se han grabado muchas y excelen-
¿Qué va a ocurrir ahora? Y yo no lo sé. Supongo tes versiones de estas obras descomunales.
que es algo que podía suceder, no lo queríamos Mientras leen estas líneas se están grabando otras,
ver, pero podía suceder. y serán fabulosas. Se grabarán, con seguridad,
Aunque tal vez, pensaba el otro día, que, de muchas más, y algunas de ellas serán extraordina-
alguna manera, estábamos advertidos, que existí- rias, maravillosas. Pero ninguna de ellas será ésta.
an indicios, síntomas. Todo comenzó con la gra-
bación del 80, para el sello Erato. La toma de sonido
no era muy buena, pero Gardiner ya tenía treinta
JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): Motetes
y siete años, no era el estudiante aventajado de sus
años de Cambridge, con mirada traviesa y un mun- Monteverdi Choir. John Eliot Gardiner, director / SOLI DEO
do por conquistar. Treinta y siete años: sabía muy GLORIA / Ref.: SDG 716 (1 CD) D2
14
Scimone siempre
El veterano director en un variado
programa Vivaldi et al. en MDG
Mariano Acero Ruilópez
Aunque no puedo considerarme seguidor suyo,
siento un enorme respeto por la figura de Claudio
Scimone y su larguísima trayectoria profesional
al servicio de la música barroca (o, simplemente,
de la música). Tuvo su época de esplendor cuan-
do el movimiento de interpretación historicista
iniciaba su andadura y aunque no se sumó a él
–hizo sus pinitos, no obstante, con alguna serena-
ta de Albinoni–, sí supo incorporar muchas de sus
premisas interpretativas, aun sin abandonar la ins-
trumentación tradicional. Y así, Scimone y sus
inseparables Solisti Veneti se convirtieron en uno
de los más seguros refugios de quienes, sin acep-
tar a los innovadores que quisieron saltar sobre
románticos y postwagnerianos para aterrizar
–menos impolutos de lo que algunos pretendían–
en los semivírgenes campos barrocos, seguían
amando esta gloriosa música. Y los barroquizan-
tes desapasionados debieron reconocer que de
todos los modernos, era uno de los que mejor encar-
naba el espíritu de los antiguos. Casi octogenario,
sigue al pie del cañón, con su energía, brillo y lumi-
nosidad característicos, cultivando a su amado
Vivaldi y colegas. En este disco, que tiene algo de
totum revolutum, presenta el hermosísimo Stabat
Mater vivaldiano junto a un par de arias de Orlando
furioso –“Nel profondo”, claro está, entre ellas– y
otra de Farnace, acompañadas por una más de
Haendel –la extraordinaria “Morirò, ma vendica-
ta” de Teseo– y aquella aria del Tancredi de Bertoni
–ópera que Scimone descubrió– que utilizó Gluck
en su Orfeo parisino (aunque quizá Bertoni la
habría tomado de un Gluck anterior). La protago-
nista vocal del disco es la mezzo griega Marita
Paparizou. Es buena conocedora de las peculiari-
dades estilísticas del barroco, posee una bella voz
rica en colores, domina las agilidades y tiene una
emisión clara y precisa. El disco encantará, sin
duda, a los más tradicionalistas, pero en absoluto
defraudará a los puristas.
VIVALDI MA NON SOLO: Obras de Vivaldi, Haendel y
Bertoni
Marita Paparizou, mezzosoprano. I Solisti Veneti. Claudi
Scimone, director / MDG / Ref.: MDG 1744 (1 CD) D2
di v e r di
Yo las interpreto sin
bajo...
Dynamic inicia su integral de
Sonatas para violín solo de Tartini
Mariano Acero Ruilópez
“Me han encargado algunas óperas para los tea-
tros de Venecia, pero siempre me he negado por-
que sé que una garganta humana no es un violín”,
cuenta el francés Charles de Brosses que le dijo
Giuseppe Tartini para justificar su dedicación casi
exclusiva al instrumento de sus amores (y lanzan-
do, de paso, un alfilerazo al Vivaldi, que hacía pre-
cisamente lo contrario). Conocía a fondo, desde
luego, el violín y pocos contemporáneos suyos le
prestaron tanta atención. Atención que, sin embar-
go, no se ha visto correspondida por la industria
discográfica. No faltan, por supuesto, grabaciones
de sus conciertos y sonatas, con Il trillo del diavo-
lo en lugar destacado. Pero siempre se nos anto-
ja menos de lo que su significación habría
requerido. La excepción viene representada, sin
duda, por el sello italiano Dynamic, con su meri-
toria integral concertística bajo la dirección de
Giovanni Guglielmo, y otro buen puñado de dis-
cos más heterogéneos. De estos llega hoy a nues-
tras manos el primer volumen de las Sonatas para
violín solo. Unas piccole sonate escritas a veces con
el bajo continuo “por mera costumbre” (eran sus
propias palabras), pero que el compositor inter-
pretaba “sin bajo, que es mi verdadera intención”,
que encierran una música bellísima. De estructu-
ra tri o cuatripartita, con ecos corellianos, pero per-
sonalísimas en su concepción, presentan
desarrollos no convencionales y la riquísima vena
melódica y el virtuosismo marca de la casa, sin
rehuir aquí y allá ciertas vetas de inspiración popu-
lar. El violinista Crtomir Šiškovic, que de vez en
cuando viaja de su habitual repertorio romántico
al Setecientos, las interpreta con sobriedad, vigor
y sentimiento, mostrando que esta hermosa músi-
ca no le es ajena en absoluto.
GIUSEPPE TARTINI (1692-1770): Sonatas para violín solo
Crtomir Šiškovic, violín / DYNAMIC / Ref.: CDS 721/1-2 (2
CD) D10 x 2
antigua
La iniciación
del maestro
Las Sonatas en trío, op. 1 de
Caldara, por El Arte Musico
Javier Sarría Pueyo
La sonata en trío se desarrolló en las décadas cen-
trales del siglo XVII, especialmente por los com-
positores de la escuela boloñesa, y alcanzó su
perfección canónica con las cuatro colecciones de
Arcangelo Corelli –dos da camera y dos da chiesa–
en las dos últimas décadas del siglo. Pronto se con-
virtió en una especie de examen de acceso a la cate-
goría de compositor en vías de consagración, de
suerte que ningún compositor italiano que quería
ser tomado en serio podía comenzar su carrera sin
publicar, como opera prima, una colección de sona-
tas en trío. Tal fue el caso no sólo de compositores
de la Italia central, sino también de la septentrional,
incluida Venecia, así ocurrió con Vivaldi, Albinoni
y, naturalmente, Antonio Caldara. Las XII suonate
a tre, Opera Prima, (Venecia, 1693) hubieron de cau-
sar una fuerte impresión en su medio, pues dos años
más tarde nuestro compositor accedió a la condi-
ción de miembro estable de la capilla musical de la
Basílica de San Marcos, de la que, hasta entonces,
fue violonchelista ocasional. Estas composiciones
pertenecen al estilo da chiesa, caracterizado –fren-
te a las sonatas da camera– por la ausencia de indi-
caciones coreográficas y la mayor importancia del
contrapunto, según el siguiente esquema en cuatro
movimientos: Introducción lenta y solemne, con
gran importancia de las tensiones armónicas-
Fugado-Movimiento adagio, expresivo y, con fre-
cuencia, cantabile-Conclusión vivaz, con juego de
contrapunto imitativo. Este esquema casa a la per-
fección con el estilo de las op. 1 de Caldara, delibe-
radamente arcaizante, quizá para lograr un buen
encaje en el repertorio de San Marcos, pero en abso-
luto secas o academicistas. Presentan, además, una
característica peculiar que las hace sumamente atrac-
tivas, cual es la destacada intervención del violon-
chelo en el desarrollo armónico y contrapuntístico,
con una textura a veces próxima al cuarteto (sin
duda consecuencia de la dedicación de nuestro com-
positor al instrumento). Los españoles de El Arte
Mvsico cumplen con calidad su cometido.
ANTONIO CALDARA (1671-1736): Suonate a tre Op. 1 per 2
violini, violoncello e basso continuo
El Arte Mvsico / VERSO / Ref.: VRS 2123 (1 CD) D10
 antigua
Las siete últimas
palabras de Graupner
Geneviève Soly recupera otra
obra dormida del genial sajón
Eduardo Torrico
Pues sí, no fue Haydn el primero que se sirvió de
las supuestas últimas siete frases que Cristo pro-
nunció en la cruz, según los testimonios de los
cuatro evangelistas, para escribir una de las obras
más universales de la música. Antes de que la gadi-
tana hermandad de la Santa Cueva encargara, en
1787, una obra instrumental (transformada luego
en vocal) al compositor austríaco sobre este tema,
ya habían sido otros los que lo habían abordado.
Por ejemplo, Jacobus Gallus (1587), Leonhard
Lechner (1593), Heinrich Schütz (1645) o Augustin
Pfleger (1670). Y también Graupner, que la com-
puso en 1743. No hace falta recordar aquí la gran
admiración que Johann Sebastian Bach sentía por
Graupner ni tampoco que el concejo de Leipzig se
decantó por él antes que por el susodicho Bach
para ser el Kantor de la Thomaskirche, si bien no
pudo ocupar al cargo por no recibir el necesario
permiso de su patrón, el Landgrave de Darmstadt.
Graupner fue un músico prolífico, como lo prue-
ba el hecho de que se conserven, sólo en Darmstadt,
1.418 cantatas suyas. Die sieben Worte Jesu am Kreuz
no es una pasión propiamente dicha, sino un ciclo
de siete cantatas, que tampoco fueron agrupadas
bajo este título, sino bajo otro muy parecido: Die
sieben Worte des Heylands am Kreuz. Como suele
bastante habitual en estos casos, la obra no volvió
a escucharse nunca más después de su estreno,
hasta que en 2005 la recuperó la directora y clave-
cinista canadiense Geneviève Soly, quien le viene
dedicando a Graupner una larga e interesante serie
de grabaciones tanto de obras vocales como ins-
trumentales y para clave en el sello Analekta. Estas
siete cantatas de Graupner son sumamente expre-
sivas y están confeccionadas con la exquisitez que
caracteriza a este compositor sajón. Soly se incli-
na por una distribución orquestal parca (diez músi-
cos), similar a la que debió de disponer Graupner
en Darmstadt. Sin alardes superfluos, el cuarteto
vocal cumple sobradamente con su cometido.
CHRISTOPH GRAUPNER (1683-1760): Las Siete Palabras de
Cristo en la Cruz (Primera Grabación Mundial)
Les Idées Heureuses. Geneviève Soly, reconstrucción y
dirección / ANALEKTA / Ref.: AN 29122 (2 CD) D3 x 2
216 / julio-agosto 2012
El extravagante
anacoreta
Sugestivas obras con chalumeau
de Graupner por Letzbor
Javier Sarría Pueyo
Christoph Graupner resulta ser un personaje curio-
so –no por su vida, aburrida hasta la desesperación–
sino por el vivo contraste entre ésta y su obra.
Prácticamente encerrado desde su nombramiento en
la corte de Darmstadt en 1709 hasta que quedó cie-
go en 1754, a fin de cumplir con las exigencias musi-
cales de su patrón –su ubérrima producción sacra
sólo es comparable con la de Telemann– tuvo a su
disposición, sin embargo, partituras de muchos de
los más destacados compositores de la época, de
manera que su aislamiento pudo ser conveniente-
mente contrapesado. Eso y su propia personalidad
musical contribuyeron a crear un mundo musical
propio y muy característico, que maduró estilística-
mente desde el último barroco hasta lo galante y
transicional. Maestro en contrapunto, Graupner
desarrolla un esquema melódico inconfundible, basa-
do en la repetición insistente, a veces casi obsesiva,
de células motívicas que apenas desarrolla. Y, junto
a ello, goza en particular con la explotación de los tim-
bres, combinando toda clase de instrumentos. Uno
de los que gozó de su particular favor fue el chalu-
meau, instrumento relacionado con el clarinete, aun-
que no antecesor de éste, como a veces se repite. Y
a este instrumento se dedica la parte principal del dis-
co que tengo entre las manos. Si hay un sustantivo
que puede describir este disco es extravagancia. Sólo
pensar en una obertura para dos trompas, timba-
les, dos chalumeaux, fagot, cuerda y bajo continuo da
cabal idea del gusto de nuestro compositor por los
contrastes instrumentales. No es ajeno a esta extra-
vagancia Gunar Letzbor –una criatura nocturna,
como decía el difunto Michel Bernstein– y sus músi-
cos, quienes acentúan lo que de bizarro y peculiar
tiene cada compás –largos silencios, articulación
desarticulada (una especie de deconstrucción barro-
ca), fraseo cortante, marcada acentuación –casi un
látigo, a veces– e incluso llegan a aportar en algún
pasaje ese aroma jenízaro que se ha convertido en el
sello distintivo de la manera austríaca de hacer su
barroco. Un disco que no le dejará indiferente.
CHRISTOPH GRAUPNER (1683-1760): Chalumeaux (con-
ciertos, oberturas y sonatas)
Ars Antiqua Austria. Gunar Letzbor, director / CHALLENGE
RECORDS / Ref.: CC 72539 (1 SACD) D1
15
Un soberbio Haendel
nuestro
Seis Concertos op. 6 en magistral
versión de López Banzo
Mariano Acero Ruilópez
Que Eduardo López Banzo es una de las figuras
más sólidas en el campo de la interpretación his-
toricista española –afortunadamente, cada vez más
nutrida– es algo que sabe todo el mundo. Que,
además, es un espléndido intérprete de Haendel lo
ha demostrado con dos de sus óperas de ámbito
hispano (Amadigi di Gaula y Rodrigo), recibidas
con general aplauso de crítica y público (Vid.
Boletín, nº 165 y 180). Y lo sigue demostrando.
Porque ahora presenta seis conciertos de la Opus
6 en Challenge Classics. Compuestos en octubre
de 1739, Haendel perseguía con ellos disponer de
material orquestal para completar los programas
de su próxima temporada teatral y ofrecer parti-
turas –lo que se traducía en ingresos extras– para
sociedades musicales y aficionados. Musicalmente,
partiendo de la clásica fórmula corelliana, matiza-
da y enriquecida con multitud de aportaciones
personales, dejó su obra maestra orquestal y, en opi-
nión de Michael Talbot, “el mejor compendio del
concierto barroco en su totalidad”. López Banzo
ha seleccionado los conciertos primero (HWV
319), cautivador en su conjunto; quinto (HWV 323),
que va de la solemnidad a la ligereza y la gracia; sex-
to (HWV 324), que se mueve entre la melancolía y
la danza; octavo (HWV 326), el más próximo al
concerto da camera italiano; décimo (HWV 328),
dominado por los movimientos rápidos; y undé-
cimo, (HWV 329), virtuosa, original y contrasta-
da reelaboración de otro anterior. ¿Que cuál es el
resultado? Un Haendel nuestro y distinto a lo habi-
tual: una interpretación apasionada que aúna fuer-
za y poesía, calor y color, seriedad y expresividad,
con un acariciante sonido de terciopelo, en la que
nada sobra y en la que hasta la más leve ornamen-
tación tiene sentido. Una interpretación soberbia,
con un sólo fallo: no tiene más que seis conciertos.
¡Necesitamos los otros seis!
HAENDEL MEMORIES: Una selección de los Grandes
Conciertos, op. 6
Al Ayre Español. Eduardo López Banzo, director / CHA-
LLENGE RECORDS / Ref.: CC 72548 (2 SACD) D4 x 2
16
La herencia inglesa de
Corelli
Mitzi Meyerson y Glossa se fijan
de nuevo en Richard Jones
Eduardo Torrico
Coincidiendo con la llegada de Haendel a Londres
(o, tal vez, a causa de la llegada de Haendel), se
establecieron en la capital británica numerosos
músicos italianos. Uno de ellos fue un discípulo del
gran Corelli, Giovanni Stefano Carbonelli, el cual
se ganó el respeto y la admiración de los londi-
nenses gracias a los diez años en los que ofició de
líder en la orquesta del Theatre Royal de Drury
Lane. Cuando Carbonelli decidió en 1730 ejercer
de freelancer, lo sustituyó Richard Jones, quien no
sólo heredó el cargo, sino al parecer también la
tradición violinística corelliniana. De la vida de
Jones hay poca literatura: trabajó en Drury Lane
a las órdenes de Carbonelli y fue precisamente allí
donde se estrenó, en 1723, la segunda de sus obras
de las que se tiene noticias, Apollo and Daphne (la
primera es la cantata While in a Lovely Rurall Seat,
de 1720). No fue un compositor prolífico y prác-
ticamente toda su música se halla extraviada. En
2006, la clavecinista húngara Judit Peteri grabó,
para Hungaroton, tres de las seis suites para clave
que escribiera en 1732. En 2009, Mitzi Meyerson
grabó íntegramente para Glossa esas seis suites.
Tanto debió de gustarle Jones a la clavecinista nor-
teamericana que ha grabado ahora, junto a la vio-
linista Kreeta-Maria Kentala y al violonchelista
Lauri Pulakka, ambos fineses, otro de los juegos
de música instrumental que se conservan del inglés:
los ocho Chamber Airs for a Violin and Thorough
Bass (1735). De no saber que fue Jones quien las
compuso, estas ocho sonatas podrían perfecta-
mente pasar por hijas de Corelli, pues la calidad que
atesoran es extraordinaria. Pero si impresiona la
música de Jones, no impresiona menos la inter-
pretación. Meyerson no necesita a estas alturas
presentación alguna, pero se me antoja que es un
pecado mortal no haber tenido noticias antes de
sus dos acompañantes finlandeses (especialmen-
te, de la violinista). El disco es, desde cualquier
ángulo que se contemple, una alhaja.
RICHARD JONES (?-1744): Aires de cámara para violín (y
bajo continuo)
Kreeta-Maria Kentala, violín. Lauri Pulakka, violonchelo. Mitzi
Meyerson, clave / GLOSSA / Ref.: GCD 921806 (1 CD) D2
di v e r di
El verbo italiano de
Tessarini
Sus conciertos para violín opus 1
por el Ensemble Guidantus
Stefano Russomanno
Poco conocidos en nuestros días (es esta la prime-
ra grabación integral de la colección), los doce
conciertos para violín opus 1 de Carlo Tessarini
gozaron de una muy considerable reputación y
difusión en ámbito europeo, perfectamente com-
parable con la que en aquellos mismos años expe-
rimentaba la música de Vivaldi. La fortuna de estos
conciertos había empezado antes de su publica-
ción en Ámsterdam en 1724. Ya en 1716, Pisendel
había copiado en Venecia cuatro de ellos para su
propio uso y los había dado a conocer en Dresde.
Otros cuatro serían utilizados por Telemann en
1725 como “sinfonías” en el marco del estreno de
su Pimpinone en Hamburgo.
Nacido en Rimini alrededor de 1690, Tessarini
desempeñó la primera parte de su actividad en
Venecia hasta que en 1731 consiguió un cargo musi-
cal en el duomo de Urbino. Aquí permaneció
durante tres décadas aunque con frecuentes inte-
rrupciones en Italia y en el extranjero, donde su pre-
sencia era solicitada a menudo: Brno, Frankfurt,
París, Arnheim y finalmente Holanda, donde trans-
currió sus últimos años de vida y donde murió
alrededor de 1767.
El opus 1 de Tessarini retoma la tipología for-
mal del concierto vivaldiano y también algunos de
sus modos más característicos, pero sin la genia-
lidad y el ímpetu que caracterizan al veneciano.
Se trata de música elegante y bien armada, donde
el brío se ve sometido a cierta contención, desta-
cando el lirismo de los movimientos lentos. El
Ensemble Guidantus interpreta estas páginas con
entusiasmo, propiedad y convicción, si bien se les
podría reclamar un mayor abandono en los movi-
mientos lentos de algunos conciertos como el nº
11, llevado a una velocidad muy sostenida.
CARLO TESSARINI (1690-1767): Integral de conciertos para
violín, op. 1
Marco Pedrona, violín barroco. Ensemble Guidantus / INDE-
SENS! / Ref.: CAL 1207 (2 CD) D3 x 2
antigua
Un compositor casi
fundamental
Conciertos y oberturas de
Pepusch en Ramée
Javier Sarría Pueyo
Hace unos años se discutió con fuego y albacete-
ña en los foros de música cibernéticos acerca del
carácter de Johann Christoph (o John Christopher)
Pepusch como compositor fundamental en la
Historia de la Música. Mi personal opinión dista
mucho de considerarlo como tal. Ello no obsta,
sin embargo, a que merezca una atención muy
superior a la prestada hasta la fecha. Y, de paso, se
pueden deshacer algunos equívocos sobre el per-
sonaje, pues Pepusch ha pasado a la Historia como
creador de un sainete musical –The Beggar’s Opera–
en el que su única contribución consistió en la
obertura y la armonización de melodías popula-
res inglesas y cuya verdadera importancia descan-
sa en la feroz sátira política que contiene contra el
Primer Ministro Walpole. Musicalmente nada
aporta, ni anticipa futuras evoluciones del teatro
musical. Donde verdaderamente destacó nuestro
hombre fue en el concierto; de hecho fue el prin-
cipal compositor del género en Inglaterra duran-
te la primera mitad del siglo XVIII. Así, de la mano
de Ramée, The Harmonious Society of Tickle-
Fiddle Gentlemen –conjunto londinense que toma
su nombre de la expresión utilizada por el poeta
Ned Ward para describir la que comenzó como
agrupación de notables ingleses aficionados a la
música y acabó siendo la matrona de la primera
serie de conciertos públicos de pago del mundo, de
la que Pepusch, como Haendel, formó parte– da
buena cuenta de seis jugosos conciertos y dos ober-
turas en los que predomina absolutamente el ele-
mento italiano –las sombras de Vivaldi y Albinoni
son muy evidentes–, con violines, chelos, oboes,
fagotes y trompetas dándose la mano en unas obras
muy bien elaboradas y colmadas de inspiración.
Música tal vez no fundamental, pero sí bella y
curiosa.
JOHANN CHRISTOPH PEPUSCH (1667-1752): Conciertos y
oberturas para Londres (Primera Grabación Mundial)
The Harmonious Society of Tickle-Fiddle Gentlemen. Robert
Rawson, director / RAMÉE / Ref.: RAM 1109 (1 CD) D2
 clasicismo
De tal palo...
Sinfonías de los vástagos de Bach
por Ewald Demeyere, en Accent
Pablo del Pozo
El joven Bach Concentus de Ewald Demeyere está
llamado a encabezar la nueva hornada de conjun-
tos historicistas venida de Bélgica; talentosa tierra,
no lo olviden, de agrupaciones tan indispensables
para el melómano de la música antigua como La
Petite Bande, Il Fondamento, la Orchestra of the
Eighteenth Century o Anima Eterna. El excelso cla-
vecinista, a quien admiro especialmente por un
disco con obras de Wilhelm Friedemann, presen-
ta su tercer registro con el grupo que lidera (tras
grabar a Johann Bernhard Bach y a Telemann, tam-
bién en Accent): una selección de sinfonías de tres
de los cuatro hijos de Bach que hicieron carrera
como compositores. Perdonémosle la ausencia en
esta ocasión del primogénito del “viejo peluca”,
que la inclusión, a cambio, de dos ejemplos del
apenas frecuentado Johann Christoph Friedrich
(apenas frecuentado, pero no por ello exento de la
genialidad familiar) bien que lo merecen. Así como
la presencia de otras dos sinfonías poco conocidas
del bien conocido benjamín, Johann Christian, y
en especial de aquella en sol menor, cual vigesi-
moquinta mozartiana, que dinamita cualquier insi-
nuación de esa frivolidad con la que solía acusarse
al Bach de Londres, otrora de Milán. Y para Sturm
und Drang, permitámosle también, y con sumo
placer, otra versión más de la apabullante Wq. 177
de Carl Philipp Emanuel; convertida ya, con todo
merecimiento, en obra de repertorio para toda
orquesta dieciochesca que se precie. Frescura, cla-
ridad y decisión caracterizan a estas visionarias
sinfonías tempranas y a este enorme Bach
Concentus, denominación que, conviene subra-
yarlo, no es solo un homenaje a Johann Sebastian
sino a toda su estirpe. Estén pues atentos, que aún
les quedan muchos tesoros con los que deslum-
brarnos si siguen buceando así de bien en tan oce-
ánico apellido.
SINFONÍAS DE LOS HIJOS DE BACH: Obras de Johann
Christoph Friedrich, Johann Christian y Carl Philipp
Emanuel Bach
Bach Concentus. Ewald Demeyere, director / ACCENT /
Ref.: ACC 24257 (1 CD) D2
216 / julio-agosto 2012
El flautista real
Conciertos para flauta de Quantz
por Frank Theuns en Accent
Stefano Russomanno
Johann Joachim Quantz, el mayor flautista del barro-
co alemán y posiblemente uno de los más grandes
de la historia de la música, ligó su destino al de su
señor, Federico II de Prusia, a quien impartió cla-
ses de instrumento además de tener un destacado
papel dentro de la vida musical de su corte en la
doble faceta de instrumentista y compositor. Sobra
decir que en el inmenso catálogo de Quantz la flau-
ta tiene un predominio casi absoluto (¡281 concier-
tos y 184 sonatas!) que sirvió para saciar la desmedida
pasión que el soberano sentía por el instrumento.
Quantz fue un gran conocedor de todos los lengua-
jes musicales entonces en boga en Europa, si bien
se sirvió de ellos para realizar una mezcla estilísti-
ca sorprendentemente homogénea. Ello hace que los
cuatro conciertos incluidos en la presente graba-
ción puedan considerarse, a pesar de su exiguo
número, representativos del conjunto total.
La audición permite identificar las dos líneas
maestras que recorren la producción de Quantz: la
primera, italianizante, remite sobre todo a la lección
de Vivaldi, con la flauta ejerciendo un papel análo-
go al del violín en los conciertos del veneciano. La
segunda refleja el universo musical de la corte de
Berlín y muestra varias afinidades con los concier-
tos de Carl Philip Emmanuel Bach. A este último
grupo pertenecen los conciertos en sol menor y la
menor, que presentan un acusado rasgo sturm und
drang, perceptible en el calibrado dramatismo de los
movimientos iniciales y en el lirismo inquieto de los
movimientos centrales. En cambio, los conciertos
en re menor y sol mayor desprenden un talante más
brillante y despreocupado, si bien el Lento del con-
cierto en sol mayor asume los modos de un intro-
vertido recitativo instrumental.
Estos conciertos, que alegraron en su día los
oídos de Federico II, consiguen el mismo efecto
sobre el oyente moderno, máxime en la excelente
versión de Frank Theuns y el conjunto Les
Buffardins.
EL MAESTRO FLAUTISTA DEL REY: JOHANN JOAQUIM
QUANTZ (1697-1773): Conciertos para flauta
Frank Theuns, flauta travesera. Les Buffardins / ACCENT /
Ref.: ACC 24258 (1 CD) D2
17
El mejor Boccherini
Soberbio CD Boccherini por
La Real Cámara, en Glossa
Francisco de Paula Cañas Gálvez
De entre la prolífica producción boccheriniana de
finales de la década de 1770, los Sei quartettini per
due violini, viola e violoncello op. 26 sobresalen,
quizá, como uno de los ejemplos más sobresalien-
tes de la madurez estilística del de Lucca en sus
años de mayor esplendor personal y creativo.
Publicados poco después por Artaria, hacia 1785-
1790 se redactó una copia anónima readaptada al
clavecín o pianoforte cuyo original se conserva
actualmente en la Sächische Landesbibliothek de
Dresde. Es, precisamente, esta versión con el pia-
noforte como protagonista la que ahora nos ofre-
ce La Real Cámara.
Con una formación renovada en cuanto a sus
miembros (viola y violonchelo), el liderazgo insus-
tituible de Emilio Moreno y la brillante participa-
ción de Arthur Schoonderwoerd, Glossa nos ofrece
la que con total seguridad es la mejor versión que
existe de esta extraordinaria colección de cuarte-
tos y, sin duda, una de las mejores lecturas bocche-
rinianas de los últimos años, sólo equiparable,
claro está, a las mismas realizadas por Moreno
con el Ensemble 415 o más recientemente con La
Real Cámara.
Sobre estos presupuestos, el lector debe haber
advertido a estas alturas mi admiración, respeto y,
si se quiere, hasta mi reverencia por la trayectoria
de Moreno, una carrera que ahora culmina con
este magnífico disco compacto que difícilmente
podría defraudar, incluso al espíritu más exigen-
te. Impecable ejecución musical, conocimiento del
repertorio, respeto absoluto por una partitura bri-
llantísima, soberbia presentación, estos son, en mi
opinión, los rasgos definitorios, por otra parte
habituales en el sello escurialense, de un disco al
que no tardarán, ustedes mismos lo podrán com-
probar, en lloverle las distinciones y los elogios
más superlativos.
LUIGI BOCCHERINI (1743-1805): Seis cuartetos para clave
o pianoforte, vioín, viola y bajo obligado (G259)
La Real Cámara / GLOSSA / Ref.: GCD 920312 (1 CD) D2
18 di v e r di clasicismo

Brunetti: Refinamiento y elegancia Hijos de un dios menor

Carmen Veneris se muda en cuarteto para rememorar al compositor Carpenter y la Tapiola Sinfonietta
italiano y director de la Real Cámara de Carlos IV en Concertos para viola de Kraus
Andrés Ruiz Tarazona Martin Lasalle

“Todo el encanto del

siglo de las luces nos
es servido por el
cuarteto Carmen
Veneris en estas
interpretaciones que
realzan obras tan
elegantes como, a
La coincidencia casi exacta de fechas tornó inevita-
veces, atrevidas.” ble que a Joseph Martin Kraus la posteridad le aco-
modase el sobrenombre de ‘Mozart sueco’. Dejando
Una grata sorpresa nos ha proporcionado el grupo Carmen Veneris (Canto de Venus) de Sevilla, fun- aparte el hecho de que Kraus no era oriundo del
dado en el año 2005 por el altista Pablo Almazán y el violonchelista Guillermo Martín. Aunque inicial- país escandinavo (nació en Miltenberg, en pleno
mente empleó formatos de cámara de variada composición, hoy se centra tan solo en el repertorio de centro de Alemania, si bien su carrera se desarro-
cuerda. En esta ocasión Carmen Veneris ha añadido a los dos músicos citados dos violinistas, Miguel lló en torno a la corte de Estocolmo) el manido ape-
Romero y Rafael Muñoz-Torrero, conformando el clásico cuarteto de cuerdas. Con él nos ofrecen lativo parece en este caso más que justificado; no sólo
cuatro de los casi medio centenar legados a la monarquia española por Gaetano Brunetti (Fano, Las el gran Haydn consideraba a sus dos jóvenes cole-
Marcas, Italia, c.1744 – Colmenar de Oreja, Madrid, 1798). Brunetti estudió con el violinista Carlo gas como los más grandes talentos musicales de su
Tessarini, director de una academia en Fano, pero se cree amplió sus estudios en Livorno con Nardini. tiempo, sino que sus catálogos dan fe de paralelis-
Es un hecho que cuando llegó a Madrid con su padre, en 1762, era ya un hábil ejecutante. Entró al ser- mos artísticos evidentes. Un innato sentido dramá-
vicio de Carlos III en 1767, como violinista de la Capilla Real, pasando a ser, tres años después, profe- tico, que se manifiesta en el gusto por el contraste
sor del Príncipe de Asturias. Estuvo además un tiempo al servicio de la casa de Alba, para la que escribió y en sus audacias armónicas, aporta a las composi-
sus Cuartetos op.2, uno de los cuales abre la grabación que comentamos. ciones de Kraus, en especial a sus obras escénicas
Al ser coronado rey Carlos IV en 1788, Brunetti comenzó a ejercer el cargo de director de la Real y orquestales, un regusto mozartiano que cualquier
Cámara, escribiendo la zarzuela Jasón y gran cantidad de obras orquestales, entre ellas seis oberturas seguidor del gran Amadeus no dejará de percibir. La
y 34 sinfonias. La nº 33, denominada Il maniatico es famosa por confiar el papel de este personaje al versatilidad de su producción, en la que destacan con
violonchelo. En la música de cámara fue tan incansable como su supuesto adversario, Boccherini. El fuerza sus óperas y sinfonías, aproxima también su
archivo de Música del Palacio Real de Madrid guarda centenares de composiciones (sextetos, quinte- mundo creativo al del salzburgués. La línea, a veces
tos, cuartetos de cuerda, tríos, sonatas para violín y bajo, para viola y bajo, divertimentos, duetos… Al sutil e imperceptible, que separa al gran talento del
ejecutar los cuartetos, él asumía el violín primero y el rey Carlos IV el segundo, Alejandro Bucher el puro genio, es quizá el único rasgo diferencial entre
viola y Francisco Brunetti, su hijo, el violonchelo. los dos compositores.
Sus “adagios” por lo general, son muy hermosos y los “allegros” iniciales, en forma sonata, tienen Las obras rescatadas y primorosamente eje-
extensas secciones de desarrollo, aunque se nota que la parte principal es siempre la del primer violín cutadas para esta grabación por David Aaron
que él ejecutaba y en algún caso la del violonchelo, tocado entonces por su hijo Francisco, que llegó a Carpenter y la Tapiola Sinfonietta, fueron atribuí-
ser con el tiempo director de orquesta de la Real Cámara. das hasta hace poco a Romanus Hoffstetter, proba-
En 1996, el Cuarteto Cassadó grabó uno de los Quintetos Op.1 (para dos violines, viola y dos vio- ble compositor también de los Cuartetos op.3 de
lonchelos) de Brunetti, y en 2001 apareció una grabación por el Schuppanzigh Quartett de Colonia de Haydn. Sin embargo, la predilección de Kraus por
cuatro de los Cuartetos de Brunetti, primeras salidas al mercado discográfico de obras de este exce- la viola (único instrumento que se encontró junto
lente maestro, conectado claramente con las obras de Joseph Haydn; era este muy apreciado en el a sus pertenencias en la hora de su muerte) así como
Madrid de su tiempo, como bien muestra la poesía de Iriarte, la pintura de Goya o los documentos de diversos detalles del único manuscrito conservado,
la casa de Benavente-Osuna. han terminado por convencer a los especialistas.
Todo el encanto del siglo de las luces nos es servido por el cuarteto Carmen Veneris en estas inter- Estas tres joyitas para viola y orquesta son hijas legí-
pretaciones que realzan obras tan elegantes como, a veces, atrevidas, aunque en una primera audición timas de Kraus, y exhiben las galas que los que segui-
pueda parecer algo simple el tratamiento del segundo violín y el de la viola, y en el Cuarteto Op.2, o en mos fielmente a este dios menor desde aquellas
el “Cuartetino” Op.3, la viola y el chelo estén demasiado relacionadas. Brunetti era minucioso en su fabulosas grabaciones del sello Musica Sveciae de
trabajo y daba instrucciones muy precisas a los intérpretes. Y en este caso han sabido transmitir la gra- hace dos décadas, reconocemos y asociamos con
cia y el refinamiento de una época en la que aristocracia y realeza se comportaban como tales. nuestro ‘Mozart sueco’: elegancia, pasión, genuina
inspiración lírica y un sentido dramático que anun-
cia y prefigura el siglo XIX.
JOSEPH MARTIN KRAUS (1756-1792): Conciertos para viola
(Primeras Grabaciones Mundiales)
GAETANO BRUNETTI (1744-1798): Cuartetos de cuerda
D.A. Carpenter, viola. R. Pesola, violonchelo / Tapiola
Carmen Veneris / LINDORO / Ref.: NL-3011 (1 CD) D2 Sinfonietta / ONDINE / Ref.: ODE 1193-2 (1 CD) D2
 ópera
Por fin, Il pirata
Brillantes resultados artísticos en la segunda incursión de Opera Rara en el repertorio belliniano,
con Giannattasio, Bros y Tézier y la LPO bajo la dirección del gran veterano David Parry
Opera Rara ha jugado con nuestra paciencia. Tras
una larga espera, quebrantando sus anunciados
planes de publicación, nos llega con bastantes
meses de retraso la ansiada grabación del que fue-
ra el primer éxito belliniano, Il pirata, su segunda
grabación completa de una ópera del siciliano tras
La Straniera. Valió la pena tanto desasosiego. Il
Pirata no ha tenido la difusión de otras partituras
bellinianas, sin duda superada por su producción
posterior, esa mágica trilogía que integran Norma,
Sonnambula y Puritani. Maria Callas, tras ser Elvira,
Amina y la mejor Norma de los tiempos moder-
nos, vio sin vacilación las posibilidades que tam-
bién podría facilitarle su atormentada protagonista,
Imogene, sacándola a la luz en mayo de 1958 para
la Scala de Milán, cinco funciones de las que (inex-
plicable y desgraciadamente) no ha quedado cons-
tancia discográfica. Algún día… Meses antes que
la Callas en Milán, Anna de Cavalieri (americana
de origen, italiana de adopción, siempre un poco
a la zaga de la ilustre soprano griega) la había pre-
cedido en una lectura del Pirata muy respetable
para la RAI turinesa.
Inciso: la Callas también se planteó interpre-
tar Alaide, y con la partitura de La Straniera bajo
el brazo embarcó en el Christina de Onassis para
estudiarla durante el que sería un crucero desas-
troso para su carrera y para su vida personal.
Para conformarnos con la Imogene de Callas,
hubimos de contar con su interpretación concer-
tística en el Carnegie Hall de Nueva York en 1959,
con unos acompañantes algo indignos de medir-
se con ella. Más si los comparamos con los que
había contado en la Scala: Franco Corelli y Ettore
Bastianini. Tras la Callas y la Cavalieri, (teniendo
en cuenta que Renata Scotto, la más cualificada
para seguir el modelo de la griega, sólo cantó la
escena final de la heroína), Montserrat Caballé
puso la aséptica exquisitez de su canto y su limpie-
za impoluta de sonidos en una Imogene que fue
retomada después, entre otras menos dignas de
consideración, por la vista y no vista Lucia Aliberti,
la corajuda Adelaida Negri, una desprendida y bas-
tante generosa Renée Fleming de camino hacia
otros repertorios, la infalible Mariella Devia, la
216 / julio-agosto 2012
imprevisible (certera, valga la redundancia, cuan-
do acertaba) Mara Zampieri y, entre nosotros, una
todo terreno como es Angeles Blancas, actriz-can-
tante de primera magnitud, y muy recientemente
una chica a tener en cuenta: Saioa Hernández.
Opera Rara, ya pasada la hora de la fascinan-
te Nelly Miricioiu, ha elegido para su plasmación
discográfica, como siempre presentada de mane-
ra ejemplar y al completo (dura casi media hora más
que la grabación de Callas, en vivo y con aplausos)
a una “de la casa”, con la que ha trabajado ya en
anteriores ocasiones (Ermione, Elena, Parisina):
Carmen Giannattasio. Esta joven y bella soprano,
que estudió con Leyla Gencer, que de lo que es el
canto belliniano sabía lo suyo y lo de los demás,
ofrece un resultado notable. Sin forzar sus pre-
ciosos medios de soprano lírica, con ciertos toques
o disposiciones de ligera, procura informar del
conflicto que vive la noble dama siciliana. Lo con-
sigue a través de un canto cuidadosísimo, aprove-
chando las oportunidades de los ricos andantes
bellinianos, sacando adelante las algo traidoras
cabalette (con variaciones dinámicas en la repeti-
ción, como corresponde), enfrentándose a tenor
y barítono con dominio de la parte y credibilidad
en las consecuencias. Destaca
sobre todo la parte victimaria
de esta heroína tan precurso-
ra de numerosas figuras poste-
riores en el tan fértil capítulo
que fue el Ochocientos italia-
no. Quizás la cantante supera
a la actriz, pero en este terre-
no ya nos lo ha dado todo
Callas, ¿para qué queremos
más? Gualtiero, el tenor ena-
morado de una soprano que,
para no variar, se ha casado
con el barítono, fue escrito
para Giovanni Battista Rubini,
uno de los nombres míticos de
la historia del canto, el proto-
tipo del héroe romántico por la
delicadeza de su canto en
medio de repentinas manifes-
taciones de furor y con una tesitura aguda bastan-
te considerable. Mirto Picchi, Bernabé Martí, Pier
Miranda Ferraro, Flaviano Labò, Stuart Neill,
Marcello Giordani, al completo, dieron al ator-
mentado pirata sicologías bien diferentes, de resul-
tados distintos, y solamente Giuseppe Morino
pareció acercarse al ideal, aunque para ello nos
obligara a soportar un timbre “caprino”, con un
vibrato molesto. No debe parecer una exageración
el considerar a José Bros como el más genuino
heredero del arte de Rubini, al menos el más cer-
cano, y en consecuencia el mejor cualificado para
traducir a este héroe, un fuera de la ley como corres-
ponde a la estética romántica. Canto impecable,
legato de manual, comodidad para moverse en la
complicada tesitura, gusto inatacable y charme per-
sonal… todas son cualidades para acreditar tal
19
Fernando Fraga
apreciación. Con la comodidad de efectuar la gra-
bación en estudio, las posibilidades aumentan,
aunque en vivo, junto a Mariella Devia en Ancona
2007, ya fue el tenor catalán capaz de adelantar
tan rutilante oferta. En Pietosa al padre, punto álgi-
do del extenso y significativo dúo entre Imogene
y Gualtiero, tanto Bros como Giannattasio elabo-
ran un instante belcantista de emocionante reali-
zación. Ludovic Tézier completa el terceto con
comodidad y holgura, un barítono noble de líricos
colores y acentos ajustados a una parte como la
de Ernesto que le va bastante mejor que algunos
personajes verdianos asumidos por este impor-
tante artista. La rudeza natural del personaje vie-
ne matizada por varios momentos de canto más
sosegado e introspectivo, diferentes estados de
ánimo que Tézier distingue con sus medios atrac-
tivos y solventes. Prueba de ellos, entre otras, es la
capacidad de dar relieve a su página de presenta-
ción que, dicho sea con honradez, es de lo más
vulgar y menos interesante de una partitura tan
llena de aciertos. El resto del equipo, como de cos-
tumbre, son cantantes asociados a la casa discográ-
fica que cumplen con profesionalidad en partes
de bastante menor relieve, aunque sus instrumen-
tos vocales no sean a veces de índole demasiado
agradable. De la calidad de la orquesta (Filarmónica
de Londres) y de las masas corales (Geoffrey
Mitchell), que tienen mucha oportunidad de lucir-
se, su sola cita exime de los elogiosos comentarios
que merecerían. Lo mismo que sus directores,
Renato Balsadonna (quien ha modelado a la per-
fección el actual coro titular de Covent Garden) y
David Parry, cuya experiencia en el bel canto
romántico es hoy día inigualable.
VINCENZO BELLINI (1801-1835): Il pirata
Ludovic Tézier, Ernesto. Carmen Giannattasio, Imogene.
José Bros, Gualtiero. Mark Le Brocq, Itulbo. Brindley Sherratt,
Goffredo. Victoria Simmonds, Adele / Geoffrey Mitchell
Choir. London Philharmonic Orchestra. David Parry, director
/ OPERA RARA / Ref.: ORC 45 (3 CD) D3 x 3
20
Viaje sonoro por los sesenta
Cuatro títulos puccinianos y dos verdianos en históricas grabaciones
a cargo de intérpretes hoy ya legendarios
Myto, Walhall, Andromeda y Archipel, un cuarte-
to de ases en registros discográficos en vivo, están
empeñados en que no olvidemos nuestro inme-
diato pasado lírico-operístico. Y así, proponen a
la atención de los ansiosos melómanos nacionales
una media docena de oportunidades de renovar o
enriquecer la discoteca personal. Con reposicio-
nes tan jugosas como el primer Rodolfo de Luciano
Pavarotti o el inusitado Des Grieux pucciniano de
Bergonzi. Con recordatorios de dos sopranos en
lo mejor de sus posibles, como la insuperable
Turandot de Nilsson o la prodigiosa Tosca de
Crespin, la única en su momento que podía hacer-
le alguna sombra a la de Callas.
Comienza este relato con un Requiem verdia-
no importante por el clima de la captación (Festival
de Edimburgo, agosto de 1960), por la sutilísima,
mística dirección de Carlo Maria Giulini; por el
reparto tan italiano en lo mejor de sus días
(Fiorenza Cossotto, el poderoso Luigi Ottolini,
Ivo Vinco) donde la soprano (Joan Sutherland)
pone una especial nota de color y personalidad;
por la clase de orquesta y coros (los de la Filarmonía
de Walter Legge). Una experiencia inolvidable tras
cada escucha.
Saltamos de Edimburgo a Nueva York, del
Verdi religioso al Puccini más mundano, cuatro
meses más tarde de ese mismo 1960. Nada más
comenzar Manon Lescaut se capta que está en
manos de un auténtico director-concertador con
una experiencia de 40 años en fosos operísticos:
Fausto Cleva. En medio de los habituales nom-
bres de la compañía metropolitana de entonces
(Charles Anthony, de Paolis, Cehanovsky, Sgarro,
etc.), unos a punto de dejar el teatro, otros comen-
zando un periplo que alcanza tres décadas más (el
caso del sólido comprimario Anthony), emerge
un terceto de calidad: Salvatore Baccaloni, un
Geronte di Ravoir de la vieja y gran escuela,
Bergonzi desde luego (en un personaje poco aso-
ciado a su carrera, de ahí el interés de este regis-
tro) y la glamurosa en todo el mejor sentido de la
palabra Dorothy Kirsten, de carrera esencialmen-
te americana con pocos registros oficiales capa-
ces de dar cuenta de una interesante artista y
di v e r di
notable cantante. Versión para disfrutar de, hay
quien lo dice, la mejor ópera pucciniana, por el
fraseo de incalculables matices del tenor; por el
canto y la inmaculada caracterización de la sopra-
no.
Marzo de 1961 en un retorno europeo, a París,
para escuchar la versión francesa de Rigoletto, el
bufón que con el cambio de idioma vuelve a hablar
el original de Victor Hugo. Un terceto galo de cali-
dad asegura la conveniente realización, al que mere-
cería la pena añadir por méritos equiparables y
suficientes la Maddalena de Denise Scharley, una
de las Carmenes francesas más dignas de haber-
lo sido. Robert Massard da a Rigoletto una esta-
tura reconocible, Renée Doria (tan encantadoras
Juliette y Mireille y luego, en contraste, tan seduc-
toras Thaïs y Fanny de la Sapho de Massenet) da
a Gilda lo que le corresponde y el Duque es uno
de los mejores tenores que ha dado Francia, de
atractivos coloridos, canto impecable (a lo Kraus,
baste decir esto) y aptitudes desenvueltas: Alain
Vanzo. En el foso, Jesus Etcheverry, otro profe-
sional con clase y pericia.
De París a Reggio Emilia, en Italia. Pavarotti,
él nos lo cuenta con todo lujo de detalles en su
libro Mi propia historia, debutó aquí con un per-
sonaje que se convertiría en su segunda piel:
Rodolfo de Bohème. Personaje a medida de su per-
sonalidad, su vocalidad y su lirismo. Esa velada,
dirigida por un prestigioso Francesco Molinari-
Pradelli, nos lo rescata en toda su espontánea y
apasionada juventud con el timbre ya irresistible-
mente bello y comunicativo. De todos sus compa-
ñeros, premiados en un mismo concurso (Alberta
Pellegrini, Bianca Bellesia, Vito Mattioli), sólo hizo
algo de carrera el bajo encargado de Colline, Dmitri
Nabokov que, entre otras cualidades, era el hijo
del escritor de ese apellido, el autor de Lolita que
en cine ha adquirido los rostros de Sue Lyon y
Dominique Swain. Es el primer Rodolfo pavarot-
tiano, el del comienzo de una enorme lista que lle-
ga hasta el de la conmemoración del estreno de La
Bohème en Turín en 1996. Más de tres décadas
calentando la “manina” de Mimìs tan susceptibles
de merecer ese calentamiento como Freni, Scotto,
Izzo d’Amico, Lorengar, Cotrubas, Focile…
Pocos días más tarde, nos trasladamos de la
Emilia Romagna peninsular a Londres, siempre
con Puccini: Tosca. Un director de la casa, Edward
Downes, pone en pie una versión de indudable
fuerza teatral y dramática. Se la dan Régine
Crespin, francesa pero muy mediterránea (de
Marsella, ya se sabe), espléndida de medios e inten-
ciones en una noche gloriosa donde la voz carece
de algunas durezas que afeaban su siempre certe-
ro canto; un Giuseppe di Stefano (siciliano para
más datos), un año antes de la grabación de estu-
dio con Karajan, mejor de posibles y con más gene-
rosa matización. Scarpia es Ottokar Kraus, checo
nacionalizado inglés (por eso no es raro encon-
trarlo aquí) quien, más proclive a lucirse en otros
repertorios, es capaz no obstante de no dejar de
ópera
Fernando Fraga
lado las posibilidades inmensas de su personaje. Al
menos no se lo “comen” sus otros más dotados y
carismáticos compañeros.
Un mes y cuatro días más tarde, Di Stefano
se encuentra en la Scala milanesa para un ardoro-
so Calaf de Turandot, un príncipe “ignoto” que
nunca registró en estudio: la EMI prefirió colocar
en su lugar a Eugenio Fernandi cuando la planteó
con su compañera de siempre la Callas. Di Stefano,
como tres años antes en el mismo escenario, ha de
competir con la opulencia sonora de la mejor
Turandot que escucharse pueda desde Eva Turner:
Birgit Nilsson. Aunque el duelo no es tan sobre-
cogedor como cuando la sueca se enfrentaba a
Franco Corelli, merece la pena disfrutar también
este inflamado mano a mano. Pese a que nos incli-
namos más ante el lirismo de la Liù de la anterior
función recordada, la deliciosa y tan italiana
Rosanna Carteri, ahora Leontyne Price pone en la
humilde esclava una voz de una dimensión y sen-
sualidad considerables. Nicola Zaccaria al frente
de un equipo inequívocamente escalígero (donde
Kostas Paskalis en, nada menos, Ping) da a Timur
la esperada autoridad a un conjunto, que desde el
foso destaca el sonido imponente de Molinari-
Pradelli en una de sus más privilegiadas partituras.
Redondean esta función fragmentos de otra, esta
vez en Viena y con La forza verdiana en el atril de
Di Stefano. Aquí termina este fascinante recorri-
do operístico. Para mejor deleite, las grabaciones
técnicamente son de buen nivel.
GIUSEPPE VERDI (1813-1883): Misa de réquiem
Sutherland, Cossotto, Ottolini, Vinco. Carlo Maria Giulini,
director (1960) [primera grabación] / MYTO HISTORICAL
LINE / Ref.: 1CD 00309 (1 CD) D7
GIACOMO PUCCINI (1858-1924): Manon Lescaut
Kirsten, Sereni, Bergonzi, Baccaloni / Orquesta y Coro del
Metropolitan. Fausto Cleva, director (1960) / WALHALL /
Ref.: WLCD 0363 (2 CD) P.V.P.: 11,90 €.-
GIACOMO PUCCINI (1858-1924): Tosca
Crespin, di Stefano, Otakar Kraus, Robinson / E. Downes,
director (1961) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref.: 2CD 00311
(1 CD) D10
GIUSEPPE VERDI (1813-1901): Rigoletto
Vanzo, Massard, Doria, Adam / Jesús Etcheverry, director
(1961) / WALHALL / Ref.: WLCD 0362 (2 CD) P.V.P.: 11,90 €.-
GIACOMO PUCCINI (1858-1924): La Bohème
Pavarotti, Pellegrini, Bellesia / Orquesta y Coro del Teatro
Municipale Reggio Emilia. Dir.: Francesco Molinari Pradelli
(1961) [el debut de Pavarotti] / ARCHIPEL / Ref.: ARPCD
0487 (2 CD) P.V.P.: 13,95€.-
GIACOMO PUCCINI (1858-1924): Turandot
Nilsson, Klein, Zaccarina, Di Stefano, Price / Orquesta y Coro
de la Ópera de Viena. Dir.: Federico Molinari-Pradelli (1961)
/ ANDROMEDA / Ref.: ANDRCD 9110 (2 CD) P.V.P.: 13,95€.-
 ópera
¡Más madera!
La Valquiria, selecciones de Tristán y Réquiem de Verdi en grabaciones de los años treinta a sesenta
con las batutas de Barbirolli, Furtwängler, Leinsdorf y Schmidt-Isserstedt
Sorprende que, a estas alturas, sigan apareciendo
inéditos o rarezas en el mundo de las grabaciones
históricas, después de casi treinta años de era digi-
tal, con lo que eso significó en cuanto a facilidad
de reproducción, copia y transmisión. Más recien-
temente, internet ha contribuido no poco a este
fenómeno al facilitar la difusión de documentos
“privados”, que alguien “sube” generosamente
movido por un espíritu altruista y otros “descar-
gan” con avidez y espíritu coleccionista. Ahora no
es infrecuente ver editadas en disco grabaciones
exóticas que llevan tiempo circulando por internet,
grabaciones de origen dudoso y sonido amateur,
inferior al de las ediciones oficiales.
Archipel saca a la luz una grabación de la que
no tenía noticia: el segundo acto de Tristán e Isolda
que el 16 de abril de 1939 dirigió Sir John Barbirolli
a la Filarmónica de Nueva York (Barbirolli suce-
dió a Toscanini al frente de la orquesta, de la que
fue titular entre 1936 y 1943, cuando regresó a
Inglaterra para hacerse cargo de la Hallé), parece
que a instancias de Kirsten Flagstad, que quería
cantarlo sin cortes, no como se hacía entonces en
el Met. Fue la primera vez que se transmitía com-
pleto por radio en los EE.UU., como se oye decir
al locutor en la presentación. Flagstad, colosal,
majestuosa, nos escamotea algunos agudos: unos
directamente no los da (deja que la orquesta la
tape), otros los cala. Su Tristán es Eyvind Laholm,
nacido Edwin Johnson en Eau Claire, Wisconsin,
de padres suecos, un tenor sin suerte y dicen que
de voz pequeña. Primer tenor de la ópera de Essen,
habitual en Wiesbaden, Stuttgart y Berlín, solo
cantó una temporada en el Met, siendo despedi-
do sin contemplaciones tras cantar La Valquiria
(con Lotte Lehmann y Marjorie Lawrence) y
Tannhäuser (con Flagstad, Herbert Janssen y Rose
Pauly). Su arranque es prometedor, con una voz
tonante, de cierto squillo, pero a mitad del dúo se
viene abajo, la emisión se torna vacilante, bordea
el gallo y abusa de los sonidos afalsetados. La
Brangäne de la húngara Enid Szantho es una agra-
dable sorpresa: voz carnosa, oscura, de generoso
caudal, y con una pasmosa facilidad para regular
el sonido. Sorprende igualmente, por su calidad,
216 / julio-agosto 2012
el serio y contenido (algo monótono quizá) Rey
Marke de John Gurney, voz importante, noble, de
volumen generoso. Lo que convierte a esta graba-
ción en algo excepcional es la dirección febril, alu-
cinada, a veces casi fuera de control (pasión
desbordada), de Barbirolli, que por su recreación
de ambientes (lo que permite apreciar el discreto
sonido), poder evocador, pasión, nervio, presen-
cia constante, me ha recordado al gran Carlos
Kleiber. Este Acto II de Tristán también ha apare-
cido recientemente en el sello West Hill Radio
Archives (WHRA6044), y en un disco privado
italiano (Disco Archivia 1079).
Complementario de la mítica grabación de
estudio de 1952 (EMI), el incompleto (sólo actos
2 y 3) registro berlinés en vivo de Tristán e Isolda
dirigido por Furtwängler en 1947 (una produc-
ción de Frida Leider) ha tenido mucha menor difu-
sión y es poco conocido pese a estar disponible
en CD desde hace veinte años (Arkadia). Editado
por varios sellos, Archipel entre ellos, lo reedita
ahora Andromeda con sonido mejorable (la mejor
edición, con magnífico sonido, es la de la Societé
Wilhelm Furtwängler francesa). En vivo,
Furtwängler es más carnal y menos metafísico (y
más rápido). Lo que en estudio es un éxtasis oní-
rico es en el teatro un drama humano. Su puesta
en música de la noche del segundo acto, con olea-
das de sonidos perfumados que ascienden hacia el
clímax y se desvanecen, es pura magia. En el ter-
cer acto, el anhelo de Tristán es envuelto en una
mayor intensidad dramática, que llega al paroxis-
mo con la anunciada llegada de Isolda. Ludwig
Suthaus, estupendo Tristán de voz voluminosa y
tintes oscuros, el favorito de Furtwängler, parece
poseído por una fuerza superior, un impulso ele-
mental, y se muestra más inspirado que en el estu-
dio. Pese a su juventud (sólo contaba 43 años) Erna
Schlüter es ya el rescoldo de una gran Isolda, vis-
ceral, volcánica, toda pasión, rescoldo avivado por
las ráfagas de una orquesta que bulle. A su lado, la
incomparable Brangäne de Margarete Klose, toda
calidez y pathos. Atemperado por la batuta, Gottlob
Frick es un Rey Marke blando y apocado. Hay que
mencionar también el matizado y conmovedor
Kurwenal de Jaro Prohaska.
Hace dos meses comentaba en estas páginas
(ver boletín nº 214) el Prólogo del Anillo del Met
de la temporada 1961-62, y conjeturaba que podría
ser el preludio a una edición del Anillo completo.
Nos llega ahora La Valquiria, una buena función (el
público se muestra entusiasmado) lastrada por un
claro error de reparto, al que me referiré en segui-
da. Jon Vickers, que no empieza cómodo y va supe-
rando los problemas y creciéndose a medida que
transcurre la función, demuestra que ya tiene domi-
nado el papel, al que presta su canto sutil, variado,
de gran clase, y por qué fue uno de los mejores
Siegmunds de los 60. La norteamericana Gladys
Kuchta, que hizo carrera en Europa (llegó a can-
tar Brünnhilde en Bayreuth en 1968 y 69, y susti-
tuyó a Birgit Nilsson como Isolda en 1968), es una
21
Miguel Ángel González Barrio
Sieglinde de raza, voz generosa, bien proyectada,
con un centro carnoso. La gran Nilsson, en su pri-
mer broadcast del Met como Brünnhilde, es una alti-
va estatua de mármol hasta el anuncio de la muerte.
A partir de aquí el mármol se ablanda, y el acera-
do instrumento de la soprano sueca se torna dúc-
til y expresivo. Irene Dalis, de generosos medios,
intérprete inteligente, sutil, redondea una memo-
rable Fricka. El error, que pesa mucho, es el Wotan
innoble de Otto Edelmann, un vozarrón fuera de
control, de afinación dudosa, intérprete plano y
tosco, con problemas vocales que se acentúan a
medida que la función avanza. He dejado para el
final algo con lo que no contaba y que contribuye
al interés de la velada: la dirección fogosa, exalta-
da, inspiradora, de un Eric Leinsdorf desconoci-
do (en los 60).
Como remate, y contrapunto a tanto Wagner,
una grabación rara, un Requiem de Verdi de 1961
dirigido por el sólido Hans Schmidt-Isserstedt,
director que merece mayor atención. Schmidt-
Isserstedt obtiene una soberbia respuesta de orques-
ta y masas corales (coros de la NDR y la WDR),
que cuentan con imponentes voces graves. La direc-
ción del fundador de la Orquesta de la Radio de
Hamburgo (la menos alemana de las orquestas ale-
manas), directa, eficaz, con indudable sentido dra-
mático, no está exenta de finos detalles orquestales
(“Rex tremendae”, exquisito fraseo de la cuerda en
el “Domine Jesu”). Ha sido un descubrimiento la
soprano polaca Stefania Woytowicz (grabó una
Tosca en alemán, para DG, con Sándor Kónya,
Kim Borg y dirección de Horst Stein) de voz bella,
centro carnoso, mórbido y agudo radiante. Flojea
en el “Recordare”, demasiado grave para su tesitu-
ra de lírica, y en el comienzo del “Libera me”, que
pide una voz con más cuerpo. El incombustible
Nicolai Gedda, con sus característicos agudos
abiertos y la siempre sublime Christa Ludwig,
completan un cuarteto vocal que es realmente un
trío de lujo, en el que sólo desentona el bajo pola-
co Boris Carmeli, de voz áspera, desclasada, ple-
beya, calante y con legato escaso.
RICHARD WAGNER (1813-1883): Tristán e Isolda (Acto 2)
Flagstad, Laholm, Szantho, Gurney, Harris / Filarmónica de
Nueva York. Dir.: Sir John Barbirolli (1939) / ARCHIPEL / Ref.:
ARPCD 0485 (1 CD) P.V.P.: 7,50 €.-
GIUSEPPE VERDI (1813-1901): Misa de Requiem
Woytowicz, Ludwig, Gedda, Carmelli / NDR Orchestra. Dir.:
H. Schmidt-Isserstedt (1961) [Primera Grabación Mundial] /
ARCHIPEL / Ref.: ARPCD 0480 (1 CD) P.V.P.: 7,50 €.-
RICHARD WAGNER (1813-1883): La valquiria
Vickers, Wiemann, Edelmann, Kuchta, Nilsson, Dalis /
Orquesta y Coro del MET. Dir.: Erich Leinsdorf (1961) /
WALHALL / Ref.: WLCD 0365 (3 CD) P.V.P.: 17,85 €.-
RICHARD WAGNER (1813-1883): Tristán e Isolda (Actos 2 y
3)
Suthaus, Frick, Schlüter, Prohasja, Klose / Staatskapelle
Berlin. Dir.: Wilhelm Furtwängler (1947) / ANDROMEDA /
Ref.: ANDRCD 9108 (2 CD) P.V.P.: 13,95€.-
22
Noches de gala y de Gala
L’Africaine de Meyerbeer con Domingo y Verrett
y la joven Fiorenza Cosotto en un repertorio infrecuente
Una singular entrega es la cajuela con cuatro com-
pactos que documentan la carrera de Fiorenza
Cossotto (Vercelli, 1935). Son tomas en vivo fecha-
das en los mejores años de su vocalidad y asumien-
do papeles poco adheridos a su habitual repertorio.
Bajo la experta, eficaz, equilibrada y límpida batu-
ta de Oliviero de Fabritis, encarna a Marina en el
mussorgskiano Boris Godunov (Bolonia, 1960). Se
canta en italiano en torno a uno de los Boris más
famosos de su tiempo: Nicola Rossi Lemeni, segui-
dor del modelo chaliapino y heredero de los gran-
des trágicos de la escena hablada italiana como
Ermette Zaccone y Memo Benassi. Un buen repar-
to de comprimarios lo acompaña en un ejercicio
de canto a medias, nada eslavo pero pertinente
porque Mussorgsky fue un antecedente inmedia-
to del verismo italiano, de modo que el bajo alcan-
za momentos de gran altitud patética (escena del
reloj, despedida y muerte de Boris, diálogo con el
Idiota).
Cossotto sólo tiene una escena en esta selec-
ción, el dúo con Dimitri en el jardín del voivoda de
Sandomir. El papel le cae vocalmente a medida. Es
una mezzo a medias, una soprano con buen cen-
tro y convincentes graves, que debe derrochar
soberbia, seducción y ambiciosa entrega al impos-
tor. La voz de Cossotto era un ejemplo más que bri-
llante de soprano Falcon, ancha en el centro,
oscurecida, si no oscura, en el grave y con un agu-
do extenso (pudo dar hasta un re bemol sobreagu-
do en el sonambulismo de Macbeth) rutilante de
insolencia y penetración. Quienes la oímos en vivo
recordamos la imponencia de su volumen y el res-
plandor de su esmalte en todos los registros, uni-
dos a un temperamento impulsivo y una bella figura
de perfil desafiante que enseguida atraía la aten-
ción del público por una suerte de agradable beli-
cosidad.
Otro mundo es el de Clarice en la rossiniana
La pietra del paragone (Milán, 1959). También debe
seducir pero en plan de una pizpireta de vodevil,
capaz de vestirse de hombre para confundir a los
hombres, aliviando la emisión y resolviendo colo-
raturas en el campo de la mezzo lírica de Rossini.
Nino Sanzogno la dirigió con soltura y limpidez,
di v e r di
Blas Matamoro
conduciendo a un reparto de campanillas: Alvino
Misciano, Renato Capecchi, Ivo Vinco, Giulio
Fioravanti, Silvana Zanolli y Eugenia Ratti.
Una rareza especialmente interesante es la
selección de Ifigenia, libro y música de Ildebrando
Pizzetti, ópera radiofónica encargada por la RAI
y estrenada en 1950. Aquí se toma de una función
veneciana de 1960, de nuevo con Sanzogno, su
competencia, su buena resolución estilística y su
aseada concertación. Cossotto está arrolladora en
su Clitemnestra, que parece convertirse en la pro-
tagonista –es lo que más le gustaba hacer– de este
ejercicio de neoclasicismo hecho por un experto
operista que mucho sabía de recitación escénica.
Tampoco desmerecen Rosanna Carteri en Ifigenia
y Rossi Lemeni, que iría a estrenar igualmente el
Becket de la pizzettiana Assassinio nella cattedrale,
fluido en estos compromisos de actor-cantante.
La otra noche de Gala/gala nos lleva a San
Francisco en 1973 cuando Jean Périsson dirigió
competentemente la obra maestra de Meyerbeer,
L’Africaine. Es una obra plena en su género, logra-
da como aparato dramático y rica de climas y melo-
días. Sus exigencias son extremas. Pertenece a la
familia de las óperas de “triunfa o revienta” y aquí
todos triunfan, sin trampa ni cartón porque están
en vivo. Incluso diría que el entusiasmo de la gen-
te californiana calienta la atmósfera de la sala y
carga las pilas de los cantantes.
Shirley Verrett está imponente de esmaltada
emisión, voluptuosidad principesca, derroche de
registros, enamoramiento desesperado y patetis-
mo suicida, según los momentos de la obra. A su
lado, un Plácido de las mejores noches, entregado,
pródigo de medios, torero y lleno de intención tea-
tral. Nelusko es un opíparo Norman Mittelmann,
Evelyn Mandac es una más que agradable sorpre-
sa como Inés y Simon Estes, un lujo para Don
Pedro.
FIORENZA COSSOTTO: Repertorio infrecuente (Boris
Godunov, La pietra del paragone, Ifigenia)
Fiorenza Cossotto, Nicolla Rossi-Lemeni, Ivo Vinco, Zareo
Cvajic, Giacinto Tedesco, Eugenia Ratti, Alvino Misciano,
Silvana Zanolli... (grabado en 1959 y 1960) / GALA / Ref.:
GL-100680 (4 CD) D4 x 2
GIACOMO MEYERBEER (1791-1864): L'Africaine
Mandac, Jones, Sullivan, Domingo, Verrett, Mittelmann, Estes
/ Chorus and Orchestra of the San Francisco Opera. Dir.:
Jean Périsson (1976) // Bonus: La Africana (fragmentos) /
Caballé, Domingo / Chorus and Orchestra of the Teatro
Liceu Barcelona. Dir.: Antonio de Almeida (1977) / GALA /
Ref.: GL-100605 (3 CD) D7 x 2
ópera
Una cantante muy
inquieta
La carrera de Barbara Hendricks
en un doble CD de Arte Verum
Rafael Banús Irusta
A punto de cumplir los 65 años, y con motivo de
un especial para la Radio Classique de Francia
(país donde, en los 80 y 90, la soprano nacida en
Arkansas fue una auténtica reina, antes de decan-
tarse por un país europeo más al Norte como
Suecia, pero una virtud de nuestros vecinos galos
es que no se olvidan de quienes han sido sus estre-
llas), Barbara Hendricks ha querido hacer un repa-
so muy completo de su trayectoria para su propio
sello, Arte Verum. Si el primer CD es, básicamen-
te, una antología de sus grabaciones de los últi-
mos años, el segundo recupera una selección de los
mejores registros de su época dorada, realizados
para las firmas discográficas más renombradas, y
que nos permiten recordar las cualidades de una
cantante de primera clase y magnífica preparación
que tal vez teníamos algo olvidadas, como la homo-
génea morbidez de su timbre, su cuidadoso fra-
seo y su impecable línea de canto. Así, para
empezar, constatamos su categoría de mozartia-
na como Pamina e Ilia (con dos batutas tan exigen-
tes como Charles Mackerras y Colin Davis), su
inefable encanto poético como Mimì (en la banda
sonora de la película, junto al apasionado Rodolfo
de José Carreras) o Liù (en el registro de Herbert
von Karajan), su deliciosa Nannetta (con Carlo
Maria Giulini), y su capacidad para salvar los esco-
llos de Cleopatra en “Fra tempeste” del Giulio
Cesare de Haendel (ya en su madurez, con el
Conjunto Barroco de Drottningholm, con el que
también ofrece un desgarrador Lamento de Dido
de Purcell) o, sin ser una belcantista propiamente
dicha, de la Norina de Don Pasquale (cuyas agili-
dades y sobreagudos sortea con inteligencia), ni,
sin ser tampoco una “soubrette”, de la Gavota de
Manon, en la que sabe destilar un inefable perfu-
me, como en la Louise de Charpentier, ambas extra-
ídas de su magnífico recital francés con Jeffrey
Tate. El disco se cierra con toda una “rareza”: el últi-
mo movimiento completo de la Novena de
Beethoven, procedente de un concierto en vivo en
Tokio en 1977 con Karajan y la Filarmónica de
Berlín, dirigido de forma un poco efectista aunque
con un solvente cuarteto (Hans Sotin es el bajo) en
el que emerge con especial pureza nuestra artista,
 ópera
Barbara Hendricks & Love Derwinger
en la siempre peligrosa ascensión a la zona alta en
la palabra “Flügel”.
El primer volumen, como ya hemos dicho,
está dedicado a publicaciones más recientes.
Contiene algunas joyas como la Canción de Solvejg
de Peer Gynt de Grieg con Esa-Pekka Salonen,
donde ya se aprecia que le “tiraba” el mundo escan-
dinavo, pero se centra básicamente en los registros
de la última década, y nos permite apreciar, una vez
más, que aunque la voz haya perdido lógicamente
esmalte y frescura, se mantienen intactos el instin-
to y la versatilidad a la hora de afrontar los reper-
torios más variados (desde lieder de Schubert,
Schumann y Mahler hasta mélodies de Poulenc
–donde sigue siendo una verdadera maestra–, tona-
dillas de Granados, espirituales negros y hasta una
Canción de cuna sueca de Beethoven) o para trans-
mutarse en heredera de la gran Billie Holliday en
Don’t explain. En fin, una trayectoria admirable
de una admirable cantante.
BARBARA HENDRICKS: A musical portrait (canciones y arias
de ópera) [incluye grabaciones inéditas de la artista]
Barbara Hendricks, soprano. Love Derwinger y Roland
Pöntinen, piano. The Magnus Lindgren Quartet. The
Orchestre National de France. The Berliner Philharmoniker.
The Los Angeles Philharmonic Orchestra. Esa-Pekka
Salonen, Colin Davis, Charles Mackerras, Carlo Maria
Giulini y Herbert von Karajan, directores (grabado entre
1977 y 2010) / ARTE VERUM / Ref.: ARV 200 (2 CD) D2
216 / julio-agosto 2012
Un cuento de hadas perverso
Robin Ticciati, nueva estrella de la batuta, dirige un espléndido
Hänsel y Gretel en Glyndebourne
En el verano de 2008, el Festival de Glyndebourne
presentó, por primera vez en su historia, la obra
maestra de Engelbert Humperdinck, que, curiosa-
mente, no se había escenificado nunca allí (a pesar
de ser uno de los títulos más representados en todo
el mundo, e incluso el primero que fue ofrecido ínte-
gramente por la radio). Para ello se acudió a un
director de escena tan poco convencional como
Laurent Pelly, quien, obviamente, no iba a presen-
tar la obra como un cuento de hadas al uso. Para
empezar, la familia vive en una caja de cartón (el
reciclaje es uno de los “leitmotivs” del montaje), el
bosque encantado está lleno de residuos y bolsas
de plástico, la casa de mazapán es un gran super-
mercado lleno de todo tipo de productos y, al final,
la madre, además de manifestar su alegría por el
reencuentro con sus hijos, muestra abiertamente
su felicidad por encontrarse con un carrito de la
compra lleno a rebosar.
El éxito de la producción (como atestigua un
DVD) hizo que volviera a la programación dos
años después, en 2010, en la versión que recoge
este álbum, publicado con el lujo al que nos tiene
acostumbrados el festival británico: enorme pro-
fusión de fotografías en color, artículos, libreto en
alemán e inglés, etc. Si en aquella ocasión empu-
ñaba la batuta el director musical de La Monnaie
de Bruselas, Kazushi Ono, quien orientaba la obra
hacia su lado wagneriano, algo perfectamente admi-
sible en esta extraordinaria partitura, en esta oca-
sión el foso fue confiado a un joven maestro
londinense de 28 años al que conviene seguir la
pista muy de cerca, Robin Ticciati –acaba de obte-
ner un gran éxito con Peter Grimes en La Scala–,
quien dirige con un entusiasmo casi de adolescen-
te y extrae verdaderas chispas de la orquesta (la
siempre espléndida Filarmónica de Londres), par-
ticularmente en las escenas de la bruja, en las que
demuestra estar pasándolo francamente bien. Y
el público, realmente, enloquece.
La Bruja de Wolfgang Ablinger-Sperrhacke,
quien ya estaba presente en la primera edición del
montaje, se integra a la perfección en el concepto
general del mismo. Además de hacer toda una cre-
ación del personaje, entre malévolo y divertido, lo
23
Rafael Banús Irusta
“En esta ocasión el foso
fue confiado a un joven
maestro londinense de
28 años al que
conviene seguir la
pista muy de cerca,
Robin Ticciati,quien
dirige con un
entusiasmo casi de
adolescente y extrae
verdaderas chispas de
la orquesta (la siempre
espléndida
Filarmónica de
Londres).”
convierte en un heredero directo del enano Mime.
No cambia de color la voz –lo cual es un absoluto
acierto–, y sabe sacar todo su perverso jugo a las
canciones populares. Él es, prácticamente, el úni-
co alemán de la producción, junto a la autoritaria
Madre de Irmgard Vilsmaier (que también repite).
Es, desde luego, mucho más humano el padre de
William Dazeley). Lydia Teuscher es una delicio-
sa Gretel. Como Hänsel, Alice Coote parece pre-
destinada a encarnar estos papeles de hombre (es
un verdadero “chicazo”, tanto en el acontraltado
timbre como en sus ademanes), como ya pudimos
comprobar en el Príncipe Encantador de esa otra
joya, a medio camino entre el mundo de los cuen-
tos, los sueños y la realidad que es la Cendrillon de
Massenet. Apropiadas las breves intervenciones
de Tara Erraught como el Hombre de Arena y de
Ida Falk Winland como Hada del Rocío, sorpren-
dentes y graciosas en sus respectivas apariciones.
ENGELBERT HUMPERDINCK (1854-1921): Hänsel y Gretel
(ópera en tres actos)
Alice Coote, Hänsel. Lydia Teuscher, Gretel. Irmgard
Vilsmaier, Mother. William Dazeley, Father. Wolfgang
Ablinger-Sperrhacke, Witch. Tara Erraught, Sandman. Ida
Falk Winland, Dew Fairy / London Philharmonic Orchestra.
Robin Ticciati, director (grabado en Glyndebourne en 2010)
/ GLYNDEBOURNE / Ref.: GFOCD 015-10 (2 CD) D4 x 2
24
Dvorakovic, y el diálogo entre la ostra y la perla
Supraphon abre su serie histórica Grandes directores checos
con grabaciones de Rafael Kubelík en los inicios de su carrera
Sin ser un sabio ni un sabiondo, aunque esto sea
más verdad, una de las primeras cosas que se apren-
den en la crítica de discos (fuente: un jefe tempra-
no) es que de las composiciones célebres vale con
dos pinceladas, para luego comentar más ad libi-
tum la versión y, aunque parezca paradoja, de las
obras infrecuentes debe hablarse más que de su
traducción.
La pieza más popular de está edición es la
Octava sinfonía del autor con más minutos: el che-
co Dvorák. Su batuta protagonista es el joven Rafael
Kubelík, quien andado el tiempo se convertiría en
uno de los grandes directores de la segunda mitad
del siglo XX. Entonces no era ya un chico en polai-
nas, pero sí en cierto modo aún el hijo de Jan Kubelík,
de tan bello sonido violinístico, quizá el más her-
moso de finales del XIX, ex aequo el del gran Ysayë
de la escuela franco-belga o el del franconavarro
Sarasate. La versión, algo camerística, lo es no sólo
por la consubstancial transparencia de las voces uni-
da a este concepto, sino también por la borrosa
toma sonora, dada la escasa calidad de la copia
master, algo mejor que la de Lidice, colosal minia-
tura de Martinu. No siempre es fácil descubrir la
calidad de una lectura aún no del todo madura,
salvo por sus delicatessen, que desde luego las hay,
siendo mi favorita aquella en la que en el folclóri-
co trío del bello tercer tiempo el director bate un
repentino desplazamiento acentual como sólo un
(en potencia) gran maestro checo puede hacerlo.
Al fin y al cabo, al correr los años, suyos serían el
poder y la gloria, al firmar con la Filarmónica de
Berlín quizá la mejor versión de esta partitura oída
por quien rubrica. Y qué decir del Concierto para
piano, obra juvenil, lejana todavía a la calidad del
de cello aunque más ambicioso que el de violín, y
que tentó nada menos que a Richter y a Kleiber hijo,
quienes apenas grababan en estudio.
Sólo he visto tocar dos obras en mi vida al
gran Rudolf Firkusny: el concierto que nos ocupa
y su propina, un Smetana más quebradedos (en
Barcelona, 80s). Como este concierto es de lo que
mejor suena del álbum, sobre todo en la parte solis-
ta, por ser el piano un ser percutiente y de gran fun-
damento, de forma que la insistencia de sus
di v e r di
Joaquín Martín de Sagarmínaga
aldabonazos queda bien fijada y, además, el checo
es pianista de escasa discografía oficial, vale la
pena atesorar esta gema, que ha sabido evocar una
bella tarde de mi vida pianística. Lo que fue enton-
ces, hoy pervive en un CD ¡40 años anterior! En
lo esencial sus argumentos no varían: técnica pro-
digiosa –rama virtuosismo trascendental–, senti-
do del color –que también en el formato orquestal
es uno de los puntos fuertes de Dvorák–, cristal
sonoro de Bohemia y series de arpegios encadena-
dos ¡cosa de hadas madrinas! El último tiempo los
demanda antes de enfilarse el arranque de la coda
y en algún sentido los agradece como ninguno por
ser acaso el más endeble de los tres.
La mejor grabación, de notable presencia sonora,
es una peculiar versión de la Novena sinfonía de
Shostakovich, por momentos un gran alivio tras su
terrorífica Octava, creada aún en tiempos de gue-
rra. La interpretación kubeliquiana, que no mera
lectura, es vibrante, juvenil, desengrasante –di fron-
te al asfixiante sándwich entre Octava y Décima–
e incontenible sin ser nunca embalada. La amada
Filarmónica Checa, a veces un tanto salvaje y sin
desbastar, responde con humor sarcástico en los
maravillosos tiempos extremos, pero ella y Kubelík
dejan también migas y gravedad por el recitado
camino del Largo.
Simile modo, a los postres relumbró una per-
la nueva: una reveladora versión de la bullidora
Cuarta de Bohuslav Martinu, autor de obra poco
tocada en España y cuyo nombre aquí sólo sabe
pronunciar Martín Bermúdez. Una ostra cerrada
casi tanto como un molusco, pues a algunos les
aburre Martinu, pero a mí éste me lo parece con
perla –obra maestra lo será la Sexta; lo fue ya la
Primera–, y su aval es nada menos que el joven pero
ya descollante Kubelík II.
Y nada menos que el propio Martinu, traído
en volandas y alto vuelo desde USA a la estación
de Ventas vía metempsícosis por el gran sabio hin-
dú Chapuntrapunta Mala, pudo contestar hoy mis-
mo a dos preguntas. Martín: “¿qué le parece la
obra Stalingrad, de su casi ignoto compatriota
Dobiás?” Martinu: “Arranca bien de muleta, con
pases guerreros pero, pese a estar en guerra, mata
sin mucho arte”. ¿Y qué me dice maestro del gran
Kubelín de Ubrique, cómo estuvo en esta Cuarta,
en este cuarto? Martinu: “Marmolillo nunca, un
zuponee; variaooo...: En dos palabras: imprezio-
nante”.
GRANDES DIRECTORES CHECOS: RAFAEL KUBELÍK dirige
ANTONÍN DVORÁK (1841-1904): Sinfonía No. 8; Concierto
para piano y orquesta; DMITRI SHOSTAKOVICH
(1906–1975): Sinfonía nº 9; BOHUSLAV MARTINU
(1890–1959): Sinfonía nº 4; VÁCLAV DOBIAS (1909–1978):
Stanlingrad
Rudolf Firkušný, piano. Zdenek Otava, barítono. Army
Recitation Corps. Czech Philharmonic Orchestra. Rafael
Kubelík, director (grabado entre 1944 y 1948) / SUPRAP-
HON / Ref.: SU 4080-2 (2 CD) D5 x 2
grabaciones históricas
Mil y un claroscuros
Bello recital de Gérard Souzay y
Dalton Baldwin en Schwetzingen
Arturo Reverter
Siempre es bienvenido cualquier registro de Gérard
Souzay, un barítono francés que marcó toda una épo-
ca, desde finales de los cuarenta hasta su desaparición
en 2004, ya como docente. Fue el gran intérprete de
la mélodie tras la segunda guerra mundial. Heredero
de los Panzéra o Bernac, supo también, con mejores
medios, aplicar una personal pátina de sutileza al
mundo del lied, en lo que le ayudó durante años su
fiel acompañante, el pianista norteamericano Dalton
Baldwin. Ambos son los protagonistas de este reci-
tal grabado en Schwetzingen el 25 de mayo de 1960.
El arte del barítono, de timbre no específica-
mente bello, pero sugerente, su dicción, su sentido del
matiz, la capacidad para establecer infinitos claros-
curos y practicar exquisitas medias voces, brilla con
fulgor y realiza auténticos modelados, de enorme
elocuencia, de todas las piezas del concierto. Ya des-
de el mismo comienzo, con la terrible balada schu-
bertiana Der Zwerg, se nos presentan los principales
atributos del cantante, pródigo en sonidos aflautados
y capaz de enhebrar como pocos –Dieskau, que tan-
to lo admiraba, en primer lugar– una narración simi-
lar y dotarla de refinadísimos matices.
Es cierto que la voz no es muy atractiva, que los
agudos clarean y se vuelven atenorados y que la mayo-
ría de ellos –mi, fa, fa sostenido 3– son emitidos abier-
tos; pero el mensaje dramático o el intenso lirismo
nos llegan a manos llenas. En ese lied se resume lo
mejor del arte de Souzay, que es habilísimo para dar
el color adecuado a cada una de las tres líneas narra-
tivas. Legato inconsútil, pero línea ondulante en An
die Musik. A destacar asimismo el punto de violento
dramatismo dado al clímax de Ruhe, meine seele de
Strauss, trazada en arco. Y, sin duda, la alucinada
interpretación de los extraordinarios Seis monólogos
de Jedermann de Martin. De Ravel resaltar la gracia
en la exposición, el cuidado de la voluta en las Cinco
melodías populares griegas y la exquisitez de las Dos
melodías hebreas. Baldwin es el fiel escudero de tan-
tos años, aunque la ruptura entre ambos no fue pre-
cisamente amable.
GERARD SOUZAY: Canciones de Schubert, Martin, Ravel y
Strauss
Gerard Souzay, barítono. Dalton Baldwin, piano (1960) /
HÄNSSLER / Ref.: 93.717 (1 CD) P.V.P.: 17,50 €.-
26
Variado Beethoven
Volúmenes 11 y 12 del ciclo
Beethoven de Brautigam
Pablo-L. Rodríguez
Carl Czerny recoge en su autobiografía una supues-
ta conversación de su padre con Joseph Gelinek (el
pianista y capellán checo cuyo nombre ha utilizado
como seudónimo literario el showman Máximo
Pradera) donde narra una batalla pianística con un
joven “poseído por el diablo”, “pequeño, feo, more-
no y ostinado”, “que tocó composiciones suyas
maravillosas”, y que “se llamaba Beethoven”. En
esta anécdota, que podría situarse en los meses de
1792 siguientes a la llegada del compositor de Bonn
a la capital austriaca, Gelinek alude directamente a
las variaciones (“Fantaseó sobre un tema mío como
nunca escuché al mismísimo Mozart”), un género
relacionado con la improvisación o la experimen-
tación pianística en donde Beethoven destacó sobre-
manera, tal y como Luca Chiantore ha explicado
en su libro de 2010 (véase Boletín nº 196). Y, una vez
más, ese libro nos sirve de disculpa para continuar
comentando la impresionante integral pianística
beethoveniana de Ronald Brautigam (1954) en BIS
que se adentra ahora en el sorprendente mundo de
las variaciones para piano. El pianista holandés ha
optado por distribuir las obras cronológicamente,
empezando con las primeras series de variaciones
escritas por Beethoven en Viena entre 1796 y 1802
(vol. 11) y, a continuación, con las compuestas mayo-
ritariamente en Bonn entre 1782 y 1795 (vol. 12). Al
mismo tiempo, ha reservado para cada volumen
una serie de variaciones extensas y representativas:
las Variaciones “Eroica” Op. 35 (vol. 11) y las
Variaciones sobre “Venni Amore” de Righini WoO 65
(vol. 12). Ambas composiciones adquieren en manos
de Brautigam un enfoque tan compacto como plu-
ral, superior a su anterior registro para Globe, al
que contribuyen los fortepianos McNulty seleccio-
nados (respectivamente el Graf de c.1819 y el Walter
& Sohn de c.1805) pero también la espectacular
toma sonora de Ingo Petry. Me quedo, no obstan-
te, con el WoO 63: la opera prima beethoveniana
admirablemente escrita a sus doce añitos.
LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827): Integral de la obra
para piano, vols. 11 & 12
Ronald Brautigam, fortepiano / BIS / Refs.: BIS SACD 1673 (1
SACD) D3; BIS SACD 1883 (1 SACD) D3
di v e r di
Las nuevas
generaciones (II)
Prosigue la excelente integral de
sonatas beethovenianas por Guy
Roberto Andrade
Segunda entrega de la colección completa de las 32
Sonatas de Beethoven que el pianista francés
Francois-Frédéric Guy grabó durante un ciclo de
diez conciertos celebrados en la sala del Arsenal de
Metz. Después de esta publicación, que incluye doce
sonatas cuyos números de opus están comprendi-
dos entre el 28 y el 101, quedan para la tercera reme-
sa nueve, los op. 81a, 90, las cuatro últimas Sonatas
op. 106 y 109-11, y las tres primeras que forman el
op. 2.
En el Boletín del pasado mes de diciembre
reseñé el primer álbum de esta colección. Guy cono-
ce muy bien la música de Beethoven –es también un
notable intérprete de los cinco conciertos para pia-
no y orquesta, que ya ha grabado–. Pianista muy
sólido, seguro de mecanismo, ágil de dedos, es clá-
sico en la forma de abordar el ciclo, y notable cons-
tructor de lúcido intelecto. El buen gusto, la claridad
y el rigor de la exposición presiden su forma de
recrear esta música.
Guy logra excelentes resultados en las dos
Sonatas que forman el op. 49. Perfecto en la cons-
trucción, riguroso pero elástico en el tempo, espon-
táneo en el fraseo, precisa la articulación –clave en
esta música–, Guy acierta plenamente a restituir el
humor y el encanto que Beethoven despliega en el
célebre minueto del op. 49.2. Notable también la
gran Sonata Waldstein: en la memoria permanece no
solo la seguridad con que aborda el temible desarro-
llo del primer movimiento sino la deliciosa transi-
ción al final, ese precioso efecto de amanecer. En el
op. 31 resultan mejor las dos Sonatas extremas que
la central, la célebre Tempestad, cuyos silencios en
los movimientos 1º y 2º no alcanzan el valor expre-
sivo, la elocuencia prevista por Beethoven, que dan
a la Sonata un genial sentido de suspense. Bien las
Sonatas op. 78 y 79 y la Pastoral op. 28; algo menos
las dos grandes, Appassionata y op. 101. Aunque el
dominio técnico es notable, en el recuerdo pesan
demasiado los máximos intérpretes a los que, por
lógicas razones de edad, Guy aún no puede compa-
rarse: demos tiempo al tiempo. Buena grabación.
LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827): Sonatas, vol. 2
François-Frédéric Guy, piano / ZIG-ZAG TERRITOIRES / Ref.:
ZZT 304 (3 CD) D2 x 2
siglo XIX
El placer de descubrir
Salmos de Otto Nicolai
por el Kammerchor Stuttgart
Urko Sangroniz
¿Un disco con salmos de Otto Nicolai? Si hemos
de ser sinceros, eso es lo primero que se nos pasó
por la cabeza cuando recibimos el presente com-
pacto, y es que si por algo es conocido el autor
nacido en Königsberg no es precisamente por
haber engrosado ese repertorio, sino más bien por
haber compuesto la que a día de hoy sigue siendo
su obra más famosa, la ópera Las alegres comadres
de Windsor. Aunque no faltará quien lo recuerde
como el fundador de la Orquesta Filarmónica de
Viena, pero en ningún caso su nombre estará aso-
ciado a sus obras corales, de más modesta factu-
ra en su mayoría, como es el caso de estas que nos
ocupan. Extraña sin embargo que la relación entre
el compositor y la producción coral no haya sido
frecuentada con mayor asiduidad, puesto que ésta
existió desde la juventud de Nicolai, cuando entró
en contacto con Carl Friedrich Zelter y la
Singakademie de Berlín, así como cuando ocupó
el puesto de organista en la capilla de la embajada
prusiana en Roma durante dos años, periodo que
aprovechó para formarse en las técnicas compo-
sitivas de la música a capella. Y es que por algo fue
elegido para suceder a Mendelssohn como direc-
tor artístico de la Catedral de Berlín, sobre todo
porque demostró poseer un estilo depurado y
sobrio no exento de una deliciosa inspiración meló-
dica y un acertado sentido de la solemnidad litúr-
gica. También por su ductilidad para adaptarse a
las reformas litúrgicas. En definitiva, en estas obras
que aquí podemos escuchar el autor consigue un
equilibrio perfecto entre la forma y el contenido
que resulta muy grato desde los primeros instan-
tes. Si a todo lo anterior se le une la excelente inter-
pretación del Kammerchor Stuttgart bajo la
dirección de su director habitual Frieder Bernius,
el deleite que produce el descubrimiento de estas
ignotas obras será doble.
OTTO NICOLAI (1810-1849): Herr, auf dich traue ich
(Salmos)
Kammerchor Stuttgart. Frieder Bernius, director / CARUS /
Ref.: CARUS 83.299 (1 CD) D2
 siglo XIX
Escuela de jóvenes
talentos
Le Cercle de l’Harmonie en
Reber, Liszt y Berlioz
José Velasco
Una orquesta de jóvenes talentos, Le Cercle de
l’Harmonie, triunfa en este disco que tiene dos
motivos para ser imprescindible. Uno es la prime-
ra grabación mundial de una magnífica y vigoro-
sa sinfonía que dormía el sueño de los justos desde
que la compuso Napoléon-Henri Reber entre 1830
y 1850. El segundo es una versión espectacular del
Primer Concierto para piano de Liszt, que se pue-
de considerar por derecho propio entre las de refe-
rencia. Entre ambos monumentos sonoros, el
violinista Julien Chauvin nos ofrece una neutra
versión de Rêverie et Caprice op. 8 de Berlioz.
La Sinfonía nº 4 op. 33 de Reber (1807-1880),
rebosa imaginación, y ya desde su primer movi-
miento desarrolla una riqueza orquestal y melódi-
ca digna de obras cercanas como la Sinfonía en Do
de Bizet o la Española de Lalo, con dejes de
Beethoven y Berlioz. El majestuoso segundo movi-
miento, con huellas del postrer dramatismo mozar-
tiano, precede a un atractivo Scherzo de asombroso
parecido con el Menuetto de la coetánea Cuarta de
Schubert. La obra se cierra con un animadísimo
Final que podría ser perfectamente una obertura
de ópera mitad Mozart, mitad Rossini.
El Primer concierto de Liszt, tan peligroso en
malas manos, resulta aquí realzado en toda su mag-
nífica turbulencia romántica. Es la primera vez
que esta obra tan intensa se graba con un piano de
época, y Bertrand Chamayou reluce travieso, vivaz
y seductor mientras la orquesta crea imágenes dra-
máticas que parecen pintadas por Delacroix.
La orquesta está esplendorosa a lo largo de
todo el disco, con un sonido intensamente carnal,
como piden las obras, y un empuje constante que
mantiene la tensión y la emoción de principio a
fin. Hay que felicitar al director, Jérémie Rhorer,
amigo y condiscípulo de Chamayou desde el con-
servatorio, por su visión y su fértil labor con esta
asombrosa y joven orquesta.
LE PARIS DES ROMANTIQUES: Obras sinfónicas de Reber*,
Berlioz y Liszt
Bertrand Chamayou, piano. Julien Chauvin, violín. Le Cercle
de l‘Harmonie. Jérémie Rhorer, director (*Primera
Grabación Mundial) / AMBROISIE / Ref.: AM 207 (1 CD) D1
216 / julio-agosto 2012
El piano sinfónico de
Liszt
Orazio Sciortino graba Orfeo y
Los preludios para Dynamic
Eva Sandoval
Los últimos coletazos del año Liszt, celebrado en
2011, nos están regalando muestras de su faceta
como transcriptor para piano. Este es el caso del
disco que el pianista Orazio Sciortino ha grabado
para el sello italiano Dynamic. Como intérprete
joven que es (nació en 1984) se ha dejado seducir
por el virtuosismo lisztiano, una destreza de la que
da buena cuenta en este registro. Pero las “acroba-
cias digitales” no suponen el principal interés del
álbum, sino el repertorio elegido: obras orquesta-
les (como Orfeo, el segundo movimiento de la
Sinfonía Fausto o la tercera de las Odas fúnebres) en
transcripción pianística de Liszt o de otros músi-
cos románticos.
Sciortino es una de esas rara avis en el mun-
do musical actual que ejerce como compositor y
como intérprete. Probablemente a ello se debe su
interés por el genio húngaro, además de por ser
alumno de uno de los pianistas lisztianos por exce-
lencia, Michel Dalberto. En muchos casos, trans-
cribir una obra sinfónica para piano supone
reconvertir el material a su estadio compositivo
primitivo, al mismo tiempo que implica renunciar
a los timbres orquestales para acercarse a lo más
hondo de las estructuras musicales. De ahí la sor-
presa al escuchar el conocidísimo poema sinfóni-
co Los preludios en versión pianística de Karl
Klauser, publicada en 1863 bajo la supervisión del
autor. O la transcripción que Ferruccio Busoni
realizó de La danza en la taberna del pueblo, pieza
orquestal que Liszt, a su vez, escribió a partir del
célebre Vals Mephisto nº 1 para piano. Una segun-
da vuelta de tuerca que reinventa la música origi-
nal y la dirige hacia las armonías más avanzadas
de principios del siglo XX.
FRANZ LISZT (1811-1886): Una orquesta en el piano (trans-
cripciones para piano de obras sinfónicas)
Orazio Sciortino, piano / DYNAMIC / Ref.: CDS 716 (1 CD)
D3
27
Recuperación de
Eduard Franck
Primeras grabaciones de diversas
obras orquestales
Blas Matamoro
Con este compacto se sigue redescubriendo la músi-
ca del alemán Eduard Franck (1817-1893), que vie-
ne siendo recuperada del olvido desde 1993, con la
publicación de su catálogo y una monografía debi-
da a Paul y Andreas Feuchte. Nacido en Breslau,
alumno de Mendelssohn, estuvo activo en Berna,
Colonia y Berlín. Destacó en la enseñanza, con-
tando entre sus discípulos a su hijo Richard.
También se lo reconoció como solista de piano y
director de orquesta, ramo en que se lo alabó por
sus versiones de Beethoven. En 1928 se conocieron
sus memorias. Luego, muy contados artículos suel-
tos dieron cuenta de su obra, siempre parcialmen-
te.
Franck se inscribió en la polémica musical de
su tiempo, dentro de la cual Mendelssohn desem-
peñó un papel conciliador y de equilibrio.
Nacionalismo o cosmopolitismo, luego tradicio-
nalismo o ruptura de vanguardia, parecieron dis-
putarse el espacio, aunque hoy no nos alcance el
calor de sus hogueras. Franck, como su maestro y
su amigo Schumann, era un alemán europeo, admi-
rador de la música francesa, entonces denostada
por apátrida y frívola en medios germanófilos. En
la obertura Carnaval romano es notorio el paren-
tesco con la partitura homónima de Berlioz. Pero
en las otras obras aquí incluidas, la lección mendels-
sohniana se impone: claridad de planos, economía
de lenguaje, libertad lírica, sentimentalismo conte-
nido pero genuino. Quizá fueron estas contencio-
nes las que opacaron su fama, dado que, al tiempo,
florecían los campos exuberantes de Liszt y Wagner.
De todas maneras, la solidez de medios sigue
vigente en sus páginas. Baste observar la habilidad
con que está redactada la parte solista del violín en
la Pieza de concierto o los toques de color que, como
sorpresas, aportan a la masa, dominada por las
cuerdas, las oportunas intervenciones de los cobres.
Romántico, sí, pero con un estricto sentido de la
medida, fue Franck. Romántico de alma y clásico
de cuerpo.
EDUARD FRANCK (1817-1893): Obras orquestales
Christiane Edinger, violín. Württembergische Philharmonie
Reutlingen. Ola Rudner, director / AUDITE / Ref.: AUD 97686
(1 CD) D1
28
Rarezas de imposter-
gable conocimiento
Romanzas para trompa y piano
por Javier Bonet
Blas Matamoro
Dejando el kiosko de feria, la diligencia del posti-
llón y la partida de caza, la trompa se recoge en el
salón y se torna tierna, confidencial, melodiosa.
Desde luego, para producir el cambio hacen falta
dos músicos como los de nuestro compacto, que
estudian y miman estas páginas, mayormente rare-
zas, cuyo encanto hace impostergable su edición.
Los aportes no pueden ser más variados. Hay
maestros consabidos, hábiles en dar saltos de un
instrumento a otro: Richard Strauss, Mendelssohn
(es cierto que transcripto por Oscar Franz),
Glazunov, Gounod, Schumann y Saint-Saëns. En
una segunda fila, más que decorosa, pondría a
Bruneau –conocido como operista del verismo
francés–, Raff, Reinecke y Glière. Luego, la nota-
ble familia de quienes se especializaron en el ins-
trumento: Franz Strauss, destacadísimo solista del
siglo XIX; Oscar Franz, seguidor del anterior, y
Théodore Dubois, activo en la primera mitad del
XX, continuador, en todo sentido, de su maestro
Saint-Saëns.
Señala Javier Bonet en el texto que acompa-
ña a la presente grabación que la romanza para
trompa fue inventada por Mozart en el segundo
movimiento de su concierto K 447 pero el género
florece más bien a partir del romanticismo y así lo
acreditan las piezas del menú. Es notable la faci-
lidad con que la pequeña forma del caso se mue-
ve entre soluciones como la canción, el nocturno,
la cavatina, el mero andante o adagio y la vaga y
sugestiva pieza melódica. El músico tiene poco
tiempo para decir su urgencia y el intérprete para
acumular matices, a cual más sutil y delicado.
Lo inusual de la mayor parte de estas obras nos
hace pensar en un tema mayor: hasta qué punto
conocemos la historia de la música. Hemos abier-
to el baúl familiar y, al fondo, bajo el vestido de
novia de la abuela, apareció una misteriosa parti-
tura, una obra maestra en miniatura. Miniada, sí,
pero no por ello menos magistral.
ROMANCES PARA TROMPA Y PIANO: Obras de R. Strauss,
Franz, Mendelssohn, Gounod, Raff, Glière, Saint-Saëns,
Schumann, Glazunov, Bruneau y Dubois
Javier Bonet, trompa doble. Miriam Gómez-Morán, piano /
ARSIS / Ref.: ARSIS 4241 (1 CD) D2
di v e r di
Esquivas poesía y transparencia
Las cuatro sinfonías de Schumann por Gennady Rozhdestvensky
con la Orquesta Sinfónica de Estonia
Los signos musicales tienen una vida propia muy
especial. No basta enunciarlos, entonarlos y medir-
los adecuadamente. Forman parte de una estruc-
tura general en la que se ensamblan e integran.
Constituyen una parte del discurso en el que se
engarzan también las relaciones entre ellos, las cali-
dades tímbricas, los espesores de la trama, las diná-
micas y los factores rítmicos. Cuando todo ello
funciona, cuando los acentos proveen de elocuen-
cia a esas notas, cuando las texturas están propor-
cionadas y se da cauce para que cada frase posea su
personalidad y enlace con la vecina sin solución de
continuidad, podemos estar ante una interpreta-
ción no sólo correcta en cuanto a la forma, sino
adecuada en relación con su espíritu; no únicamen-
te lógica respecto a la reproducción de los sonidos,
sino de su articulación.
Todas estas cosas han de intervenir en la pro-
porción idónea para que una interpretación nos
satisfaga –aunque estamos en el reino de la subjeti-
vidad– y nos parezca plena y convincente. Porque
tras ella aletea el más allá, lo que llamamos la poé-
tica de la música; o el lirismo que tantas partituras
románticas demandan. Como las de Schumann. En
concreto las de sus cuatro sinfonías, encerradas en
este álbum de Melodiya, que nos ofrece las versio-
nes que de estas páginas grabara en 1978 Gennady
Rozhdestvensky con la discreta orquesta Sinfónica
de Estonia. Apreciamos en ellas una firme asun-
ción de los parámetros básicos que alimentan el
pentagrama. Todo parece estar en su sitio, pero nos
falta ese hálito especial, esa limpieza de concepto y
de exposición, esa transparencia que nos descubre
lo más intenso del lenguaje del compositor y de su
mensaje.
El director ruso tuvo el buen acierto de emple-
ar las partituras preparadas por George Szell, que
intentó limar algunos de los defectos de la orques-
tación eliminando dobleces instrumentales, cam-
biando algunos acentos y dinámicas y procurando
hacer más clara la lectura y, sobre todo, obtener el
balance, el equilibrio idóneos. Contradiciendo no
poco algunas aproximaciones similares del pasado,
que dotaban de mayor musculatura a las obras,
como las realizadas por Mahler o Weingartner; por
siglo XIX
Arturo Reverter
no hablar de Stock. Otros maestros posteriores
como Gardiner o Harnoncourt han utilizado las
ediciones originales limando asperezas y agilizan-
do la exposición, aunque desde un enfoque diver-
so, bien empleando instrumentos de época, así el
primero, bien, así el segundo, haciendo más clásica
la acentuación, que en cierto modo es lo que per-
seguía Szell. Y, desde una perspectiva de signo más
romántico, pero una alquitaración y uso del tempo
prodigiosos, Celibidache. No hablaremos de
Furtwängler –genial en todo caso– ni de otros direc-
tores más ceñidos singularmente a las correccio-
nes de Weingartner.
Rozhdestvensky es respetuoso con el trabajo
de Szell, y de él se hace lenguas en las notas del
álbum. Sigue en general lo marcado por el húnga-
ro; y lo hace bien, aunque con una diferencia radi-
cal e importante que se centra en el Adagio de la
Segunda Sinfonía, que le dura 8’29”, por los 11’07”
que emplea su antecesor. Es imposible extraer todo
el sublime lirismo que destila esa página a esa velo-
cidad. Tampoco se trata, por supuesto, de eternizar-
se como Celibidache, pero hay que dar su peso y
dimensión a esas frases en las que la música pare-
ce a punto de romperse. Es importante, además,
entre otras cosas, que los trinos de la cuerda aguda
que sustentan la escalada hacia el delicado clímax
puedan oírse con claridad, lo que en este caso no
sucede. Un Adagio que atiende poco a respetar el
calificativo que lo define en la partitura: “expresi-
vo”.
Dentro de la buena letra general y de lo que nos
parece impecable configuración del ritmo, algo que
domina el ruso, hay momentos descuidados y que
no enaltecen como sería necesario, y nos extraña en
una batuta como la suya, las indicaciones de la par-
titura. En pocas ocasiones hemos escuchado una
transición del tercer al cuarto movimiento tan páli-
da y casi desganada, sin atención a la dinámica cre-
ciente, sin subrayar el stringendo que nos lleva a la
explosión final. Claro que frente a eso, aun contan-
do con la sequedad y sonoridad metálica de los vio-
lines y la escasa redondez de los vientos de la orquesta
estoniana, nos parece muy plausible, por ejemplo,
el tratamiento dado al Scherzo de la Sinfonía nº 2,
perfectamente encajado en su vertiginoso desplie-
gue; o el uso del sforzando, tan importante, en tan-
tos momentos de las cuatro obras.
En resumen, estamos ante unas interpretacio-
nes correctas, bien ensambladas, aceptablemente
tocadas, construidas con criterio –con soluciones a
veces discutibles–, que poseen unidad y firmeza.
Las resueltas maneras de su director siempre nos han
atraído, aunque en este caso se le ha escapado lo
que en Schumann es fundamental: la poesía, la inten-
sidad expresiva y la delicadeza en el dibujo. Las gra-
baciones de Szell con Cleveland datan de 1960 y se
escuchan todavía con limpieza y general claridad.
ROBERT SCHUMANN (1810-1856): Sinfonías
Estonian Symphony Orchestra. Gennady Rozhdestvensky,
director (grabado en 1978) / MELODIYA / Ref.: MEL
1001879 (2 CD) D5 x 2
 siglo XIX
Massenet a voz y piano De Scarlatti a Albéniz Glazunov, el heredero
¿y tiro porque me toca?
Abundantes primicias en un
novedoso recital de sus mélodies
Santiago Salaverri
El catálogo de mélodies de Jules Massenet, que alcan-
za la enormidad de 260 composiciones, es el más
numeroso de todos los debidos a compositores
galos. Edificado a lo largo de casi cinco décadas, ni
siquiera su inmensa labor como primer creador líri-
co de Francia puso freno a su producción liederís-
tica. Y sin embargo apenas podemos recordar de él
alguna mélodie aislada, que resuene en nuestra
memoria –Élégie, que Alfredo Kraus hizo suya, sería
una excepción–, frente a tantas gemas que, de Berlioz
a Poulenc –por no hablar de Duparc, Fauré o
Debussy–, debemos a músicos de más magros catá-
logos. Su elección de poetas a poner en música sor-
prende por su escaso nivel de exigencia; su mundo
es el de la romanza de salón mundano, de un senti-
mentalismo dulzón, no el de las grandes inspira-
ciones poéticas. Dicho esto, es preciso afirmar
también que su trabajo fue fundamental para con-
solidar el género como tal: él fue el primero en libe-
rar a la mélodie de la servidumbre del verso regular
en provecho de una especie de poema en prosa, y
en conseguir hacer de piano y voz un conjunto indi-
visible en el que una idea musical es iniciada por
uno y completada por la otra, o cantada por el pri-
mero mientras la segunda declama el texto; y es
también el primero en aclimatar en Francia el ciclo
de mélodies a lo Schumann.
Todavía es muy escasa la discografía massene-
tiana en el género voz-piano: por eso es de agrade-
cer la iniciativa de Timpani de ofrecernos un álbum
que nos permite medir el largo recorrido que des-
de la ya citada Élegie de 1866 (con su bellísimo doble
acompañamiento de cello y piano), pasando por un
modelo de ciclo vocal como Poème d’Octobre (1876),
se centra en su producción posterior a 1900, que cul-
mina en su colección final Expressions lyriques, diez
piezas que alternan canto y declamación compues-
tas entre 1909 y 1911 y estrenadas en Mónaco tras
su muerte por su dedicataria, la contralto Lucy
Arbell. Excelente interpretación de la soprano Sabine
Revault d’Allonnes y el pianista Samuel Jean.
JULES MASSENET (1842-1912): Mélodies
Sabine Revault d'Allonnes, soprano. Samuel Jean, piano.
Matthieu Fontana, violonchelo / TIMPANI / Ref.: 1C1191 (1
CD) D2
216 / julio-agosto 2012
Transcripciones guitarrísticas por
Marchionda de piezas albenicianas
Javier Suárez-Pajares
En esto de las transcripciones, no todos los guita-
rristas van igual de encaminados o, tal vez, pasa-
do el cepillo de la postmodernidad por nuestro
discurso y arrasadas viejas tablas de valores, con-
vendría decir, sencillamente, que transitan por
caminos diferentes. La música de Albéniz, en par-
ticular, forma parte del repertorio guitarrístico de
tal manera que éste, sin aquélla, resultaría prácti-
camente incomprensible. Más aún: como mucha
de su música se conoce y difunde desde hace un
siglo en manos de la legión de guitarristas que en
el mundo han sido, Albéniz mismo, como reali-
dad histórica compleja, se comprendería sin la gui-
tarra de una forma innecesariamente incompleta.
Es una simbiosis particular y distinta, por ejemplo,
a la que se establece entre Domenico Scarlatti y la
guitarra. Si detrás del Albéniz guitarrístico está la
propia tradición de la guitarra contemporánea,
Scarlatti –aunque fue una intuición de los guitarris-
tas del XX– quiere ser para el repertorio guitarrís-
tico una conquista más reciente. Hace tres años,
Stephen Marchionda dedicó a Scarlatti un disco en
el mismo sello MDG –uno de nuestros favoritos–
en el que presenta este monográfico Albéniz. Su
enfoque, como señalamos en estas páginas, era el
de una adaptación, sin concesiones técnicas, de
obras “mayores”: el teclismo scarlattiano, tan idio-
mático, se pretendía plegar, tal cual, a la guitarra.
Aquí, el criterio –salvo en lo de obras “mayores”–
es el mismo: Marchionda parte de los originales de
Albéniz con el empeño de solucionar discrepan-
cias que observa en otras transcripciones e inter-
pretaciones guitarrísticas de esta música y devolver
al pianismo de Albéniz el vuelo libre romántico
que en aquellas interpretaciones quedaba enjaula-
do como música de salón. Bueno… esto último lo
matizaríamos pero, ciertamente, Albéniz suena
grande y serio en la lectura de Marchionda. MDG
sigue siendo garantía de calidad.
ISAAC ALBÉNIZ (1860-1909): Serenata (transcripciones para
guitarra)
Stephen Marchionda, guitarra / MDG / Ref.: MDG 1739-6 (1
SACD) D2
29
Melodiya edita dos álbumes
dobles con obras del autor ruso
Blas Matamoro
Alexander Glazunov vivió lo suficiente como para
asistir a las mayores convulsiones estéticas, polí-
ticas y militares que se produjeron entre mediados
del siglo XIX y la primera mitad del siguiente. Vio
la guerra mundial, la caída del zarismo y la insta-
lación y consolidación de la Unión Soviética.
Pasaron ante él Stravinski y Schönberg, las vanguar-
dias y la aparición del cine. Tal vez para no morir
en el intento, sobrevivió en las convicciones doc-
trinales y en el lenguaje musical de su formación.
Fue quien heredó al Grupo de los Cinco y mantu-
vo el tipo, según se advierte en obras de juventud
dedicadas a la orquesta y en el ballet Raymonda, que
data de su incipiente madurez (1898).
Heredero pero no seguidor servil, nuestro
compositor supo valerse de distintas vertientes
para resolver su propia obra. El mundo germáni-
co del paisajismo romántico es palmario en sus
poemas sinfónicos La floresta y El mar (él los deno-
mina fantasías), en tanto el gusto por un Oriente
de leyenda y tradiciones inmóviles, deudor del
colorista magistral de su escuela –estoy señalando
a Rimski-Korsakov– luce en Rapsodia oriental. Un
comedido pintoresquismo donde se combinan for-
mas bailables con escenas de regusto schuman-
niano, ligeramente carnavalescas, nutre Suite
característica y Suite de ballet.
En cuanto a Raymonda, dada su permanen-
cia en las temporadas del ramo, cabe señalar su
importancia histórica. Es, seguramente, el último
gran ballet narrativo del siglo XIX, el trabajo final
de Petipa, obra de equipo en que Glazunov fue
trabajando a partir del argumento de la princesa
Pashkova junto con varios redactores de episo-
dios, fieles al esquema de danzas y escenas debi-
do a Petipa. La evocación medieval sumó un
elemento más a la caracterización romántica tar-
día. Vale la pena escuchar sucesivamente todos
estos títulos para aceptar la densidad y el sello per-
sonal del mundo glazunoviano.
ALEXANDER GLAZUNOV (1865–1936): Raymonda*; Obras
sinfónicas**
USSR State Academic Symphony Orchestra. Dir.: E.
Svetlanov / MELODIYA / *Ref.: MEL 1001959 (2 CD) D5 x 2 /
**Ref.: MEL 1001947 (2 CD) D5 x 2
30
La redención de un repertorio, al trasluz
Sin palabras, transcripciones de músicas románticas por Miquel Llobet, Brillante debut de Thomas
en fabulosas recreaciones de Stefano Grondona
He perdido la cuenta de los discos de Stefano
Grondona porque lo que menos me importa es su
número, pero sé y puedo decirles que el que pre-
sento hoy inaugura la cuarta década de una exis-
tencia discográfica excelsa que ha de señalar un
antes y un después en la historia de la guitarra. Yo
he estudiado todos y cada uno de estos discos, y
he venido compartiendo con ustedes –con él tam-
bién–, un entusiasmo visceral primero y entraña-
ble en estos últimos años en los que, si no le veo,
si no le escucho, le echo en falta. Pero aunque un
fatalismo extraño me haga temer lo contrario,
debería saber que sus tiempos de silencio preludian
la alegría de un nuevo espacio para la música y
también para las ideas, algo extraordinariamente
valioso y difícil de encontrar. Los de Grondona
no son discos al uso: son espacios nuevos abiertos
a la guitarra y al pensamiento.
Sin Palabras, un título que encierra a su vez
una tesis erudita y precisamente desarrollada en el
ensayo con el que el guitarrista presenta su obra
con la rara altura intelectual que le caracteriza, es
el principio del fin de su “Proyecto Llobet”, el núcleo
del desarrollo artístico de Grondona en los últimos
años y aquello a lo que ha dedicado sus mayores
fuerzas. En esta ocasión se trata de las transcripcio-
nes de música romántica realizadas por Miguel
Llobet: Schubert, Mendelssohn, Bizet, Chopin,
Tchaikovsky, Chaminade, Rubinstein, Schumann,
Grieg, más un Triste anónimo, la Canción leonesa de
Rogelio del Villar y L’emigrant de Amadeo Vives
para terminar. Un repertorio demonizado por la
historiografía, desatendido por los intérpretes, y
jamás abordado con la solidez conceptual y artísti-
ca de una producción como ésta que ha de contri-
buir decisivamente a su redención. Y, en el fondo,
muy detrás de este nuevo concepto emitido por arte
de Grondona, y alumbrado en su propio título, está
el propio origen de la guitarra romántica y contem-
poránea: un progresivo distanciamiento del parlan-
chín mundo de la guitarra barroca –cuánto insistió
Cervantes en que la guitarra hablaba– y del instru-
mento atado al acompañamiento del canto.
He terminado la audición de este disco con
el disgusto de la pérdida irreparable del guitarre-
di v e r di
Blondelle como recitalista
Javier Suárez-Pajares
ro gaditano Rafael López Porras y su recuerdo
en el patio del albergue juvenil de Córdoba pro-
bando sus guitarras gemelas de pinabeto y cedro.
¡Qué pronto te has ido, Rafa, y cuánto me hubie-
ra gustado reencontrarte! El humor oscuro de
este disco, por lo romántico y lo nocturno, tiene
mucho de luctuoso y a mí me ha acompañado en
esta triste ocasión. Los últimos versos de
L’emigrant de Verdaguer me han dicho todo: “Estic
malalt, mes ai!, torneu-me a terra, / que hi vull
morir!”; la música, sin palabras, de Vives también.
Y tú, ¿dónde irás ahora, amigo Stefano?
Para terminar, quisiera desvelarles un secre-
to que he descubierto en la gráfica del disco. Sepan
que Grondona cuida hasta el menor detalle la
dimensión objetual de sus discos, pero no sé si
tanto, de manera que el secreto tal vez sea una apa-
rición fantasmagórica… La cubierta del cuaderni-
llo del disco representa a Grondona, con la
hermosísima guitarra Torres con la que lo graba,
sobre un fondo oscuro en el que se distingue un pri-
mer plano del rostro de Llobet. Es un interesante
zoom out de la portada, pero la contracubierta,
negra como la noche negra, lleva sólo impreso el
mismo primer plano de Llobet en grises y una fan-
tástica dedicatoria urbi et orbi del intérprete cuya
lectura recomiendo encarecidamente. Bien: si se
pone al trasluz esta página, aparece sobre la mano
de Llobet la figura de Grondona.
Si se pudiese escuchar al trasluz –¿y por qué
no?–, este disco revelaría el suave murmullo del
agua y el aire que se cuela en la sonora y guitarrís-
tica oscuridad de Santa Barnaba de Laghi donde
Grondona ha entretejido en los últimos años este
disco con su Bach y sus últimos registros de
Albéniz. Lo que sí se revela calado, sin trasluz, es
la corporeidad del intérprete, su aliento y su voz,
la textura de las cuerdas, el paso de sus dedos por
la guitarra, toques de madera, carne y leve cristal
de uñas… Materia y vida. Más de setecientas pala-
bras van hasta aquí para emborronar este disco
Sin palabras; una hubiera bastado: guitarra.
Guitarra. Guitarra. Guitarra.
STEFANO GRONDONA: Sin palabras (transcripciones para
guitarra de Miguel Llobet de Schubert, Mendelssohn, Bizet,
Chaminade, Chopin, Tchaikovsky, Rubinstein, Villar, Grieg y
Vives)
Stefano Grondona, guitarra / STRADIVARIUS / Ref.: STR
33915 (1 CD) D2
siglo XIX
Para reír y disfrutar
Elisa Rapado Jambrina
Hace tiempo que opino que el mayor rasgo distin-
tivo de la nueva generación de cantantes es su bús-
queda de una mayor naturalidad y cercanía al
transmitir el repertorio de canciones, con una actua-
lización emocional que pretende que el público
actual pueda no solamente comprenderlas, sino
sentirlas como algo propio y contemporáneo. Si
se pudiera resumir en un único disco este afán por
vivificar las piezas de otros tiempos este podría ser
un buen ejemplo, en primer lugar por el conteni-
do: se trata de una extensa, jugosa e irresistible
compilación de canciones anecdóticas o humorís-
ticas en diversos idiomas. Al interpretarlas, el tenor
Thomas Blondelle y el pianista Daniel Blumenthal
descienden sin temor al universo de lo cotidiano,
incorporando el ruido, la risa, la nota de afinación
deliberadamente dudosa, el sonido desgarbado o
incluso feo, pero ácidamente expresivo y convincen-
te, como podemos comprobar con facilidad en los
ejemplos más cómicos: La chanson du bébé de
Rossini, Abschied de Wolf o la hilarante I bought me
a Cat de Copland. Ninguna de las piezas o idio-
mas escapa al deseo de comunicar con desparpajo
y agudeza, a través de una articulación impecable
en alemán y francés y muy buena en inglés.
La selección de piezas y su interpretación
demuestran hasta qué punto puede ser eficaz en
nuestros días el llevar a sus últimas consecuencias
los parámetros del Songmakers Almanac, el grupo
fundado por Graham Johnson en los años setenta
con el fin de ayudar a los recitales de canciones a
abandonar la esfera de lo sagrado e inundar la vida
del impeturbable y solemne público del Wigmore
Hall. De que Blondelle como artista es mucho más
que una hermosa voz da muestra no solamente su
capacidad de anteponer el sentido del texto a la
pura belleza sonora, sino el hecho de incluir unas
composiciones propias bastante estimables y llenas
de guiños al aficionado al Lied bajo el título Sechs
blöde Lieder (seis canciones tontas).
BANALITÉS: Canciones de Poulenc, Ravel, Mahler, Copland,
Strauss, Rossini, Donizeti, Lord Berners, Verdi. Wolf y Fraser-
Simson
Thomas Blondelle, tenor. Daniel Blumenthal, piano / FUGA
LIBERA / Ref.: FUG591 (1 CD) D2
 siglo XIX
Sibelius sin reflejo
pilomotor
Vänskä inicia un nuevo ciclo
Sibelius en BIS
Pablo-L. Rodríguez
Osmo Vänskä (1953) es un gran director pero tam-
bién parece un tipo extraño. Hay un video suyo en
Youtube donde silba a modo de acertijo el tema pas-
toral del primer movimiento de la Segunda de
Sibelius; en otro podemos verle grabando esa mis-
ma obra al frente de la Minnesota Orchestra con
el desconcertante atuendo de lo que parece ser una
camiseta antigua de la selección futbolística croa-
ta (con llamativos cuadros rojos y blancos ideales
para concentrar a sus músicos en Sibelius). Y es que
de tanta rareza no podía salir una versión conven-
cional de esta música. El director finés inicia aho-
ra en BIS un segundo ciclo sinfónico dedicado a
su compatriota y lo hace con un instrumento que
ha forjado a la perfección en el Medio Oeste esta-
dounidense pero también con la extraña intención
de mostrarnos otras maneras de hacer estas sin-
fonías. Vänskä ahonda de forma sorprendente en
los detalles tímbricos, agógicos y dinámicos, que
tanto aportaron a su ciclo beethoveniano, pero que
ahora dan un perfil nuevo y sorprendente a Sibelius
donde se fomenta un particular inmovilismo o se
suavizan las tensiones hasta el punto de evitar esos
maravillosos momentos climáticos como desaho-
go (escuchen, por ejemplo, el famoso arranque del
Finale de la Segunda en el paso del corte 3 al 4 del
disco). Si a usted las sinfonías de Sibelius le poní-
an la piel de gallina en algunos pasajes, aquí se ten-
drá que olvidar de reflejo pilomotor alguno. A
cambio escuchará detalles sorprendentes o dis-
frutará de un dominio impresionante de las textu-
ras orquestales o del intrincado trazado rítmico
de estas partituras que la sensacional toma sono-
ra producida por Robert Suff permiten disfrutar
sobremanera. Si el punto más débil de esta nueva
grabación lo encontramos en el Tempo Andante, ma
rubato de la Segunda que discurre con extrema len-
titud (dura dos minutos más que en su primera
grabación de 1996), el álgido llega con la Quinta
y, especialmente, en el Allegro molto donde por fin
aterriza el mejor Vänskä.
JEAN SIBELIUS (1865-1957): Sinfonías nºs. 2 y 5
Minnesota Orchestra. Osmo Vänskä, director / BIS / Ref.: BIS
SACD 1986 (1 SACD) D3
216 / julio-agosto 2012
Stravinski entre Ravel
y Rachmaninov
Otro extraordinario SACD de
Litton en BIS
Pablo-L. Rodríguez
El director neoyorquino Andrew Litton (1959) tie-
ne un sonido en su cabeza que ha intentado crear
en todas las formaciones con las que ha trabajado
como titular: se trata de una mixtura entre la exu-
berancia sonora de la Philadelphia Orchestra de
Ormandy y la mordacidad de la Cleveland Orchestra
de Szell. En mayor o menor medida lo ha consegui-
do con sus dos primeras formaciones, la
Bournemouth Symphony (1988-1994) y la Dallas
Symphony (1994-2006), aunque donde más se va
a recordar su labor es en la Bergen Filharmoniske,
que desde 2003 ha situado internacionalmente a un
nivel internacional desconocido en su historia (no
olvidemos que fue fundada en 1765 y tuvo al mis-
mísimo Grieg como director artístico). La “ameri-
canización” de la orquesta noruega puede seguirse
a través del formidable catálogo fonográfico que
está registrando para BIS desde 2007 y quizá llegue
a su punto culminante con el excelente disco dedi-
cado a Gershwin que sale a la venta precisamente
en estos días; entre los precedentes encontramos
brillantes ejemplos dedicados a Mendelssohn, Bruch,
Liszt, Prokofiev o Stravinski que han sido casi siem-
pre comentados en estas páginas con gran solven-
cia por Ignacio González Pintos. Ya en su último
disco descubríamos lo atractivo que resulta el
Stravinski de Litton en esa imposible amalgama de
aires ravelianos, herencia expresiva rusa provenien-
te de Rachmaninov, pero sin renunciar al incisivo
acercamiento de los registros de Boulez en Cleveland
que él tanto admira. Este Stravinski, a medio cami-
no entre Ravel y Rachmaninov, resulta todavía más
evidente en el nuevo lanzamiento centrado en El
Pájaro de Fuego donde se utiliza nuevamente la
orquestación original de la obra. El disco se com-
pleta esta vez con algunos arreglos de Stravinski
para los Ballets Russes de obras de Tchaikovsky,
Sibelius o Chopin. Y termina con un toque de
humor: el Greeting Prelude, escrito para el 80 ani-
versario de Monteux, y basado en el popular Happy
birthday to you de las hermanas Hill.
IGOR STRAVINSKY (1882-1971): El pájaro de fuego (ballet
completo); Arreglos y orquestaciones
Bergen Philharmonic Orchestra. Andre Litton, director / BIS /
Ref.: BIS SACD 1874 (1 SACD) D3
31
Verlaine ayer, hoy,
siempre
Mélodies por Sophie Karthäuser y
Cédric Tiberghien
Santiago Salaverri
Rostros de Verlaine: tal era el título inicialmente
ideado para el presente álbum, finalmente susti-
tuido por el de Green. Desde sus juveniles Poemas
saturnianos, que delataban ya en el título la íntima
convicción de haber nacido bajo el signo de la
infelicidad, la vena melancólica de Verlaine glosa
los pormenores de su atormentada existencia en
un lenguaje alusivo, “sur le mode mineur”, del que
toda elocuencia queda proscrita. La hondura y
sinceridad del sentimiento, la sencillez de su expre-
sión, no podían sino seducir a los músicos de su
tiempo, entre los que ocupan lugar privilegiado tres
nombres, tres estilos: la cantabilità directa, exqui-
sita y una pizca salonnière de Reynaldo Hahn; la
singularísima, inconfundible mixtura melódico-
armónica de Gabriel Fauré (aquí representado
por sus Mélodies de Venise), y la revolucionaria
indagación de Claude Debussy en sus Ariettes
oubliées en busca de nuevas vías de expresión musi-
cal que extraigan del texto toda su sustancia poé-
tica y potencien sus ecos ad infinitum.
Entre los ya numerosos monográficos de mélo-
dies sobre Verlaine, distinguen a éste la presencia,
al lado de los citados, de algunos de sus coetáne-
os –Chausson, Caplet y Eugène Lacroix, cuyas
piezas sobre los mismos textos usados por aqué-
llos atestiguan la rica polivalencia verlainiana– y de
dos autores de ahora mismo, los belgas Bernard
Foccroulle –que descoyunta los poemas en una
cuidadosa alternancia de virtuosismo instrumen-
tal y recitado vocal, atento éste a poner en valor la
palabra aislada, el puro fonema– y Benoît Mernier,
que recrea un clima “tranquilo y hierático” para
su lectura densa, a la vez brillante y misteriosa.
Una baza decisiva juegan los intérpretes, una
Sophie Karthäuser cuyo instrumento lírico-lige-
ro sirve de maravilla a la elegancia de Hahn y a la
expresión alucinada exigida por los autores más
recientes, y el formidable pianista Cédric
Tiberghien (ya destacado en estas páginas).
Excelentes notas de Sylvain Fort.
GREEN: Obras para voz y piano de Hahn, Debussy,
Foccroulle, Fauré, Mernier, Lacroix, Chausson y Caplet
Sophie Karthäuser, soprano. Cédric Tiberghien, piano /
CYPRES / Ref.: CYP 1664 (1 CD) D2
32
Entre la placidez y la
añoranza
Primer volumen de la obra
orquestal de Graener, en CPO
Juan Manuel Viana
Hace justamente un año hablábamos del berlinés
Paul Graener a raíz de la publicación, también en
CPO, de un magnífico álbum que, entre otras obras
de cámara para trío con piano, incluía esa estreme-
cedora obra maestra titulada Kammermusikdich-
tung. El que ahora se anuncia como primer
volumen de sus obras orquestales reúne cuatro
composiciones de envergadura diversa e interés
algo desigual.
Estrenada por Erich Kleiber en Nueva York, la
Comedietta, op. 82 (1928) es, como ya anticipa su
nombre, una pieza de carácter despreocupado al
estilo del straussiano Burgués gentilhombre o de las
Comedy Overtures inglesas, cuyas secuencias danzan-
tes nos recuerdan que su autor trabajó durante años
como director de orquesta y compositor de piezas
incidentales para el Teatro Haymarket de Londres.
Las Variaciones sobre una canción popular rusa, op. 55
(1926) confirman el buen oficio instrumental de
Graener en el tratamiento de una página archicono-
cida –el Canto de los remeros del Volga, recopilada en
1866 por Balakirev– que llamaría la atención de no
pocos músicos: Glazunov, Stravinsky o, entre otros,
el mismísimo Falla tan solo cuatro años antes.
Musik am Abend, op. 44, sin duda la obra más
destacada de todo el registro, es un tríptico para
pequeña orquesta inspirado en un poema de
Hofmannsthal y compuesto por Graener entre 1911
y 1914, durante su estancia en Salzburgo como
director del Mozarteum. Su atmósfera plácida y
exquisita instrumentación sitúan a esta partitura
delicada y sutil a caballo entre los melancólicos idi-
lios pastorales de Delius y los apasionados sortile-
gios tímbricos de Joseph Marx. Por el contrario, la
Sinfonia breve, op. 96 de 1932 se sumerge en ese
neoclasicismo conservador y añorante de una ide-
alizada Alemania dieciochesca, tan del gusto de las
autoridades nazis, que Graener frecuentaría igual-
mente en trabajos coetáneos como la suite para
flauta y orquesta Die Flöte von Sanssouci (1929) o
la ópera Friedemann Bach (1931).
PAUL GRAENER (1872-1944): Obras orquestales, vol. 1
NDR Radiophilharmonie Hannover. Werner Andreas Albert,
director / CPO / Ref.: 777447-2 (1 CD) D2
di v e r di
Una confirmación
La Sinfonía nº 3 de Jan Van Gilse,
en CPO
Juan Manuel Viana
Sin prisa pero también sin pausa prosigue CPO su
encomiable recuperación del legado sinfónico del
holandés Jan van Gilse. Si la primera entrega, que
incluía las dos primeras sinfonías del ciclo –páginas
tempranas escritas en 1901 y 1902–, evidenciaba la
dificultad del joven músico en encontrar un estilo
individual que consiguiera escapar de las sombras
de Strauss o de Mahler, muy presente en el trágico
tercer movimiento de la Segunda, este nuevo regis-
tro exhuma una obra, la Sinfonía nº 3 “Elevación”, tan
ambiciosa (63 minutos en la versión de Porcelijn, dis-
tribuidos en cinco movimientos de los que tercero
y quinto requieren la intervención de una soprano)
como atractiva, que, fechada entre 1906 y 1907,
constituye un verdadero paso de gigante respecto
a sus dos hermanas mayores.
Por esas fechas Van Gilse acababa de con-
cluir su formación con Humperdinck e iniciaba
una carrera de intérprete como pianista-repetidor
en la Ópera de Bremen. La familiaridad con el
repertorio wagneriano se transparenta en muchas
secuencias de esta obra formidable con la que su
autor conseguiría en 1909 el Premio de la
Fundación Michael Beer, equivalente alemán del
célebre Prix de Rome francés que recordaba la
figura del malogrado hermano poeta de Meyerbeer.
El hecho de que Kistner, editor del músico, recha-
zara su publicación hizo que, desde su estreno en
Múnich en 1908 hasta la muerte del músico, la
obra apenas se ejecutara.
Si las huellas de Wagner, Mahler, Strauss y
hasta Humperdinck pueden rastrearse aún sin difi-
cultad –en los violentos compases iniciales del segun-
do movimiento, que parece extraído de Muerte y
transfiguración, en la atmósfera crepuscular de las
amorosas secuencias vocales, en la conmovedora
introducción del extenso Finale, inconcebible sin
la Tercera del bohemio–, el conjunto posee verda-
dera y emocionante coherencia. Esperamos impa-
cientes la publicación de la prometedora Cuarta,
última sinfonía completa que nos dejó su autor.
JAN VAN GILSE (1881–1944): Sinfonía nº 3
Aile Asszonyi, soprano. Netherlands Symphony Orchestra.
David Porcelijn, director / CPO / Ref.: 777518-2 (1 CD) D2
siglo XX
¡Sudbidón!
Sudbin y Lan Shui en Sinfonía nº 3
y Rapsodia de Rachmaninov
Ignacio González Pintos
Lan Shui y la Singapore Symphony Orchestra vuel-
ven a Rachmaninov en lo que parece ser el segun-
do volumen de un proyecto más amplio en
colaboración con el sello BIS; recordemos que hace
unos años el sello sueco editó un muy elogiado
registro de la segunda sinfonía, acompañada de
Vocalise, con los mismos intérpretes. El programa
lo forman ahora la Rapsodia sobre un tema de
Paganini op. 43 y la Sinfonía nº 3 op. 44. Las dos
obras fueron escritas una a continuación de la otra
durante el periodo americano de Rachmaninov y
de ambas dejó el autor testimonio fonográfico, al
teclado en la Rapsodia y a la batuta en la sinfonía.
Tomando a Rachmaninov como referencia, la bri-
llante ejecución del pianista Yevgeni Sudbin es
más dilatada, fruto de una visión más contempla-
tiva de algunos de los números, algo especialmen-
te notorio en la lectura de la Variación XI: Moderato.
Pero el acercamiento de Sudbin se legitima y conec-
ta con el del autor por la elegancia, la ligereza y la
flexible variedad del fraseo, por la búsqueda de un
virtuosismo nada espectacular sino delicado, un
punto sofisticado y pudoroso. La orquesta, por su
parte, sabe jugar con la linea solista, emerger y
desaparecer, tomar protagonismo y recogerse con
idéntico refinamiento. Una magnífica interpreta-
ción que acapara la atención del disco, pues el acer-
camiento de Shui a la Tercera Sinfonía resulta más
discutible. El director consigue de nuevo una gran
respuesta de la orquesta, nos descubre valiosos
detalles en el delicado tiempo lento y en el muy
refinado episodio final, logra, es cierto, dar conti-
nuidad a su sofisticado planteamiento pero, sobre
todo en el dilatadísimo primer movimiento, a cos-
ta de privar a la música de esa fuerza, ese irrenun-
ciable carácter elemental, de forma que el discurso
pierde consistencia y se vuelve elusivo. Y es que, a
fin de cuentas, no conviene alejarse mucho del
sobrio, conciso y proporcionado estilo señalado por
el propio Rachmaninov.
SERGEI RACHMANINOV (1873-1943): Sinfonía nº 3;
Rapsodia sobre un tema de Paganini
Yevgeny Sudbin, piano. Singapore Symphony Orchestra. Lan
Shui, director / BIS / Ref.: BIS SACD 1988 (1 SACD) D3
 siglo XX
Debussy en su salsa
Los dos libros de Preludios y adaptaciones para dos pianos
de La siesta del fauno y Nocturnos por Alexei Lubimov para ECM
Alexéi Lubimov (1944), uno de los últimos pupi-
los del legendario Heinrich Neuhaus, figura entre
los pocos pianistazos rusos que han centrado su
carrera en el repertorio clásico y en los instrumen-
tos de época. Ahora sorprende con un doble cedé
dedicado a Debussy y sus dos libros de Preludios.
Como guinda preñada de curiosidad, la grabación
se completa con una transcripción para dos pianos
del sinfónico Preludio a la siesta de una fauna debi-
da al propio Debussy y otra de los orquestales
Nocturnos firmada por el mismísimo Ravel. Para
estos dos pocos conocidos arreglos pianísticos se
hace acompañar por su compatriota y alumno en
el Mozarteum de Salzburgo Alexéi Zuev (1982).
Lubimov busca, indaga, explora y encuentra
sonoridades y colores en los pentagramas sin lími-
tes de los preludios. En este opulento y riquísimo
marco sonoro, desarrolla un entendimiento expre-
sivo cargado de criterio, sensibilidad e identifica-
ción natural con unos compases que parecen
“flotar” en sus expertos y bien dotados dedos. Uno
a uno, hasta completar los 24 preludios que inte-
gran ambos cuadernos, Lubimov desgrana secre-
tos, misterios y sugerencias. Contundente,
vaporoso, brillante, tenue, lírico…
Desde la virulencia de “Lo que ha visto el
viento del Oeste” hasta el gélido enigma de “Pasos
en la nieve”; del misterio insondable de “La cate-
dral sumergida” a la sutileza extrema de la “La niña
de los cabellos de lino” o de “Los sonidos y los
perfumes giran en el aire de la noche”; del humor
sarcástico de “La danza de Puck” al virtuosismo sin
aspaviento de “Fuegos de artificio”, todo aparece
diferenciado y único, sin perder nunca una incon-
fundible y asombrosa línea expresiva, y servido
216 / julio-agosto 2012 33
Justo Romero
“Lubimov desgrana
secretos, misterios y
sugerencias.
Contundente,
vaporoso, brillante,
tenue, lírico…”
siempre en la bandeja de plata de un virtuosismo
que hace asomar los mil y un recovecos técnicos
y sonoros del universo debussysta. Fiel a sí mismo,
Lubimov ha recurrido para la grabación a viejos pia-
nos de la época de Debussy. Para el primer libro
utiliza un Bechstein de 1925, y para el segundo un
Steinway de 1913 frecuentemente utilizado por el
legendario virtuoso polaco Ignacy Paderewski y
que actualmente se encuentra localizado en la
Embajada de Polonia en Bruselas. Los contrastes
dinámicos y los ilimitados registros y colores son
realzados en estos instrumentos diferentes y sober-
bios en ambos casos. “He dejado cantar los pianos
con sus propias voces… He subordinado mis inten-
ciones a la naturaleza de los instrumentos, a su
refinamiento y variedad de colores”, explica el pro-
pio Lubimov en un texto incluido en el cuaderni-
llo que acompaña el álbum, que supone una nueva
y muy diferenciada opción de acceder a este reper-
torio fundamental del repertorio pianístico. Casi
un Debussy servido en su propia salsa sonora.
CLAUDE DEBUSSY (1862-1918): Préludes; Trois Nocturnes;
Prélude à l'après-midi d'un faune
Alexei Lubimov, piano (Steinway, 1913) y Alexei Zuev, piano
(Bechstein, 1925) / ECM RECORDS / Ref.: ECM 2241/42 (2
CD) D10 x 2
34
Un inventor del
glamour
El piano y el violonchelo
de Victor Herbert
Blas Matamoro
El escritor argentino Manuel Puig decía que el gla-
mour de Hollywood provenía de la Europa Central
anterior a la guerra de 1914 y que bastaba con com-
probarlo viendo la iluminación nocturna de
Budapest. Podría agregarse que el melodismo de
Broadway tiene mucho de violín gitano y que sus
tramas dramáticas o vodevilescas evocan la ope-
reta vienesa o húngara.
Victor Herbert está entre los fundadores de
ese encanto. Irlandés de formación germánica, lle-
vó a los Estados Unidos, país propicio al mestiza-
je, tanto una severa educación musical como una
abierta y rica inspiración, patente en sus musical
comedies, que aún seguimos tarareando y silban-
do por los caminos del mundo. En formato instru-
mental solista y con sesgo de intimidad hogareña,
como en estas páginas, vuelve a mostrar su doble
prodigalidad.
Sus fuentes de inspiración son muy variadas:
nostalgias de la verde Irlanda popular, largos desa-
rrollos melódicos acariciantes y de comedido sen-
timentalismo, aires indígenas, bailes de salón,
romanzas, valses vieneses. Todo se filtra en su
doble maestría para hacer cantar al violonchelo,
su instrumento favorito, del cual fue virtuoso, y el
infaltable piano de fondo salonero. Amable, api-
carado, sutilmente amoroso, impresionista de fuga-
ces paisajes, sencillo de escritura y sincero de
expresión, su poder encantador llega lejos apenas
el oyente se entrega a sus propuestas.
La obra herbertiana, conocida sobre todo por
sus trabajos escénicos y la divulgación que le brin-
dó el cine sonoro, se extiende por tamaños mayo-
res, sinfónicos y concertantes. Pero lo suyo es la
confidencia que estas páginas contienen a la vez que
sirven para recobrar el tiempo perdido en los ava-
tares trágicos de su siglo, el ahora anterior al nues-
tro. Glamour constante y renovado, como siempre
ocurre con la música auténtica.
VICTOR HERBERT (1859-1924): Obras para chelo y piano;
Obras para piano
Jerry Grossman, violonchelo. William Hicks, piano / NEW
WORLD RECORDS / Ref.: 80721-2 (1 CD) D3
di v e r di
Orff en dialecto
Sus “Piezas bávaras” en Kloster
Andechs
Santiago Salaverri
Si en anteriores artículos hemos reseñado otros
DVDs de Wergo con grabaciones de las tragedias
sofocleas de Carl Orff (Antigonae y Oedipus der
Tyrann) (nº 206) y de Gisei. El sacrificio, su más
temprano “drama musical” (nº 213), procedentes del
Staatstheater de Darmstadt, el sello de Mainz nos
traslada ahora a otro de los hauts lieux orffianos,
la Abadía benedictina de Andechs, junto al lago
Ammersee en Baviera, donde descansan los restos
mortales de Orff, en cuyo Florian-Stadl tiene lugar
un festival veraniego dedicado a su legado, del que
proceden las grabaciones de dos de sus “piezas
bávaras”, comedias habladas en dialecto con ilus-
traciones musicales (hay subtitulación en inglés).
Si Astutuli (1953) es una pieza bufa básicamente dia-
logada –pero definida musicalmente por una decla-
mación rítmica con episódicas intervenciones de
percusiones y coro–, en la que unos pillos hacen
mofa de la credulidad campesina, Die Bernauerin
(1944-45) posee mayor envergadura musical (una
hora de música, casi dos tercios de la obra).
Basándose en tradiciones recogidas en dicciona-
rios literarios y viejas piezas escénicas, Orff escri-
bió el libreto de la tragedia de Agnes Bernauer,
bella plebeya asesinada en 1435 por sus amores
con Albert, heredero del duque de Baviera. Razón
de estado, fanatismo y superstición se enfrentan
a un amor idealizado, temas que Orff retrata vívi-
damente, desde la bacanal de apertura en la casa
de baños a los encuentros entre la pareja de aman-
tes, desde las prédicas del monje y las intervencio-
nes de las brujas que describen la muerte de Agnes
hasta la exaltación final de esta. Dos voces solis-
tas, el Coro del Festival, la Joven Filarmónica de
Munich y un excelente cuadro de actores contri-
buyen a una espectacular versión, poética y rica en
contrastes, dirigida musicalmente por Mark Mast
y magníficamente recogida en vídeo por el habi-
tual Peider A. Defilla.
CARL ORFF (1895-1982): Die Bernauerin*; Astutuli**
Gehr, Urban, Rappenglück / Kleiner Welttheaterchor
Andechs. Junge Münchner Philharmonie. Mark Mast, direc-
tor musical. Peider A. Defilla, director escénico / WERGO /
*Ref.: MV 8535 (1 DVD) D3 x 2 / **Ref.: MV 8525 (1 DVD)
D3 x 2
siglo XX
Wagner encuentra a
Rembrandt
En Phaedra, nuevas muestras del
arte de August de Boeck
Juan Manuel Viana
August de Boeck pertenece a esa formidable gene-
ración de músicos belgas que, junto a Biarent, Lekeu
y Jongen, incluye a De Greef, Gilson, Pâque,
Mortelmans y Ryelandt. Como casi todos sus com-
pañeros de grupo, De Boeck fue un romántico reza-
gado cuyo estilo se nutrió de Wagner, Los Cinco
rusos y el impresionismo galo. Su suntuosa orques-
tación, su escritura fluida y melodiosa y su fina sen-
sibilidad sobresalen en un catálogo inabarcable de
más de 350 obras. Afín al repertorio vocal, De Boeck
forjó su reputación con abundantes canciones y
óperas como Sueño de una noche de invierno, Los
enanos del Rin –de la que Marc Soustrot ya nos ofre-
ció un excelente registro de su suite (Etcetera, 2007)–,
Goupil el Zorro y La ruta de esmeralda.
Théroigne de Méricourt, de la que aquí se ofre-
ce el contemplativo Preludio del Acto I, es el título
de la primera, fechada en 1900, cuya protagonista
fue una figura histórica del XVIII que jugó un papel
importante en la Revolución francesa. Entre 1913 y
1921, De Boeck compuso su quinta y última ópera
a partir de La ruta de esmeralda del flamenco fran-
cófono Eugène Demolder, convertida en libreto por
Max Hautier, que otorgó a sus cuatro actos los títu-
los de “Vocación”, “Amor”, “Sufrimiento” y
“Redención”. Estrenada con éxito en Gante en 1921,
la Ópera de Amberes realizó en 1933 una nueva pro-
ducción de la obra, en versión neerlandesa, bajo el
título de Francesca. Tomando como modelo a
Hautier, Frits Celis ha elaborado una suite en cua-
tro movimientos que sintetiza las secuencias más
destacadas de una acción, ambientada en Holanda
hacia 1650, que narra las desventuras de un joven
pintor del taller de Frans Krul, amigo de Rembrandt
(presente en la intriga), y su pasión por Francesca,
frívola modelo de origen español.
Música a redescubrir con urgencia la de esta
preciosa Francesca, que junto al atractivo Concierto
para piano (1926-29) nos llega ahora en versión
ejemplar de Venkov y la Filarmónica Janácek.
AUGUST DE BOECK (1865-1937): Obras orquestales*
Jozef de Beenhouwer, piano. Janácek Philharmonic
Orchestra, Ostrava. Dir.: Ivo Venkov (*Primeras Grabaciones
Mundiales) / PHAEDRA / Ref.: PH 92071 (1 CD) D1
 siglo XX
Flores petersburguesas
Tres caras de la música soviética en monográficos Northern Flowers
Olympia, Melodiya y Northern Flowers han sido
tradicionalmente las discográficas por excelencia
de la música rusa, pero desde que la primera se
desmantelara hace unos años los rusófilos del mun-
do se han sentido un poco huérfanos.
Especialmente los españoles, ya que Northern
Flowers se resistía a entrar en la piel de toro por la
puerta grande. Afortunadamente las cosas han
cambiado y ahora que el sello gestionado por Yuri
Serov goza de distribución en nuestro país es sólo
cuestión de tiempo que compositores como Boris
Tischenko, Gavriil Popov o Leonid Polovinkin
pasen a contarse entre los nombres predilectos de
muchos melómanos.
La primera remesa de flores del norte que
Diverdi presenta oficialmente en nuestro país no
está precisamente surtida de novedades de última
hora (se trata de tres monográficos sinfónicos de
Nikolai Myaskovsky, Boris Tischenko y Yuri Falik
que datan, respectivamente, de 2009, 2006 y 2004),
pero para muchos lo serán a todos los efectos. Son
tres discos estratégicamente seleccionados como
botón de muestra y carta de presentación de un
maravilloso catálogo de ciento y pico referencias
en torno a la música soviética menos frecuentada.
Aunque Nikolai Myaskovsky ya es como de la
familia gracias a la integral sinfónica que Svetlanov
grabó en Melodiya, lo cierto es que durante mucho
tiempo fue un compositor invisibilizado por la
fama de Shostakovich y por un gusto estético algo
anticuado. Sus veintisiete sinfonías, empero, cons-
tituyen una de las piedras miliares del repertorio
soviético y en este primer volumen de la serie
Wartime Music (integrada de momento por dieci-
siete álbumes que pretenden restituir y honrar la
memoria de aquellos compositores que medraron
bajo los fierros del régimen) se nos ofrecen dos
de ellas, la Vigésimo segunda y la Vigésimo tercera.
La historia de Myaskovsky es parecida, salvo por
el largo historial alcohólico, a la de Glazunov. Fue
una hormiguita paciente y laboriosa que compa-
ginó los encargos con una vida académica que le
valió innúmeros reconocimientos. Su disidencia
está cifrada en las sinfonías con una ciencia suti-
lísima y solo podemos dar cuenta de ella desco-
216 / julio-agosto 2012
rriendo la engañosa veladura postnacionalista que
gastan sus páginas y entrando en sus enveses armó-
nicos. La Sinfonía-balada nº 22 fue escrita en un año
atroz –1941– y está considerada la primera sinfo-
nía soviética abiertamente anti-nazi. Es una obra
espléndidamente proporcionada y de un detalle
armónico fuera de lo común: aunque versa sobre
la guerra, de ésta sólo tenemos su anticipación y
la ruina que la epiloga. El primer movimiento es
una especie de giga en dos tiempos engalanada
con una línea de bucólicos violines que recuerda
los florecimientos de George Butterworth. El movi-
miento lento, del todo superior, es un inquietante
largo bitonal que asciende desde el modo menor por
el clarinete y el fagot (“escuchando los horrores de
la guerra”) con una ambigüedad subyugadora. La
23ª –también del 41– está basada en el folclore del
Cáucaso y tiene menos interés que su hermana
gemela por tratarse básicamente de un estudio de
modos, pero la exposición y contraposición de los
diferentes temas delata la mano de un sumo arte-
sano. La lectura de Alexander Titov y la St.
Petersburg State Academic Symphony Orchestra
fechada en 2008 poco tiene que envidiar a la de
Svetlanov, si bien aquí la matización es algo más
cruda y pedestre.
Por otro lado, las dos joyitas monográficas
de Boris Tischenko (1939-2010) y Yuri Falik (1936)
que engrosan esta entrega pertenecen a la otra
gran colección de NF –Archivo Musical de San
Petersburgo– y, con perdón de Myaskovsky, son en
realidad la autentica pièce de résistance de este pri-
mer desembarco soviético (no tanto por la cali-
dad –aunque van sobrados de ella– como por la
novedad). Ya es hora de poner las cosas en su sitio
y a estos señores donde corresponde, que por cier-
to es en una rama muy alta del árbol familiar ruso.
Tischenko y Falik son dos de los muchos hijos
artísticos que le salieron a Shostakovich en los
años 60 y con él compartieron músicas y confiden-
cias (Tischenko, sin ir más lejos, se ocupó de intro-
ducir en Europa sus polémicas Memorias). En lo
estrictamente estético, ambos compositores adop-
tan un modernismo constructivista (y hasta dada-
ísta, en el caso de Tischenko) con trazas de
poliestilismo y algún ramalazo futurista (el empleo
de sintetizadores como timbres auxiliares).
Favorecen la tonalidad, aunque no necesariamen-
te la consonancia, y su humor suele ser tremen-
dista. La música más importante de Tischenko es
su ciclo de Sinfonías dantescas, pero a éste le sigue
en calidad el ciclo de sinfonías convencionales. La
Primera, de 1961, es todavía la obra de un estudian-
te y su eclecticismo (una cadencia de jazz en el
Presto, una soprano puntual en el Andante) es sín-
toma de una personalidad en formación. No obs-
tante, se trata de una música muy fiera envuelta en
una explosión de ideas orquestales. Pero la obra
realmente increíble de su álbum es The Blockade
Chronicle Symphony, una pieza para orquesta
aumentada escrita en 1985 a partir de una banda
sonora teatral: se trata de un Juggernaut orques-
35
David Rodríguez Cerdán
tal construido sobre una impelente marcha mecá-
nica in crescendo operada por once percusionistas
y remachada con contrapuntos aditivos que seme-
ja una máquina de guerra en acción. Muy bien la
Filarmónica de Leningrado en sendos directos,
aunque es de lamentar que el deterioro del máster
no permita disfrutar de las obras en condiciones.
La música de Falik no es tan impactante como
la de su compatriota, pero su sensibilidad deca-
dente y la minuciosidad de sus industrias orques-
tales le sitúan en el mismo nivel de calidad de
grandes como Schnittke o Denisov, por mencio-
nar dos coetáneos. En este único monográfico que
ha publicado NF sobre su obra (huelga decir que
Falik está paupérrimamente representado en dis-
co), Alexander Dmitriev y la Filarmónica de San
Petersburgo defienden con entusiasmo dos obras
suyas impecables: el Segundo concierto para orques-
ta (Etudes sinfónicos) de 1977 tiene como progra-
ma los Caprichos de Goya y se apoya en una tensión
trágica magníficamente sostenida por los diferen-
tes episodios de la trama concertante (un coral
para cuerda en Piano, una trémula flauta contral-
to en Solo e tutti y una coda en la que cita el vigé-
simo cuarto Capricho de Paganini). El Concerto
della Passione de 1988 es una original mezcla de
réquiem y concierto en attacca cuyo interés, pese
a estar dotado de unos números lentos de fraseos
ricamente armonizados, recae en un tremendo
Dies Irae recorrido por un ostinato de acero en el
chelo (magnífica Natalia Gutman) y un poderoso
tema acórdico en quintas marcado con un punteo
amplificado que tiene la forma de un órgano apo-
calíptico.
YURI FALIK (1936): Concerto della Passione (para violonche-
lo y orquesta)*; Concierto para orquesta nº 2 (Etudes sinfó-
nicos)**
Natalia Gutman, violonchelo. St. Petersburg Philharmonic
Orchestra. Alexander Dmitriev, director (grabado en 1985**
y 1990*) [serie Archivo Musical de St. Petersburgo] / NORT-
HERN FLOWERS / Ref.: NFPMA 9924 (1 CD) D10
BORIS TISCHENKO (1939): Sinfonía nº 1*; The Blockade
Chronicle Symphony**
Leningrad Philharmonic Orchestra. Edward Serov y Andrey
Chistiakov, directores (grabado en directo en Leningrado el
4 de abril de 1970* y el 8 de abril de 1980**) [serie
Archivo Musical de St. Petersburgo] / NORTHERN FLOWERS
/ Ref.: NFPMA 9942 (1 CD) D10
NIKOLAI MYASKOVSKY (1881-1950): Sinfonía-Balada nº 22;
Sinfonía nº 23 (Wartime Music, vol. 1)
St.-Petersburg State Academic Symphony Orchestra.
Alexander Titov, director (grabado en 2008) / NORTHERN
FLOWERS / Ref.: NFPMA 9966 (1 CD) D10
36 di v e r di siglo XX

Arte y oficio Música para

contemplar peceras
Bartók y Lutoslawski, emparejados por ECM, en estupendas versiones El delicioso piano de Erkki
de la veterana Orquesta de Cámara de Stuttgart Melartin por Maria Lettberg
Ignacio González Pintos José Velasco

“La batuta consigue de

la excelente cuerda de
la orquesta,
protagonista única de
las tres obras
principales del disco,
un sonido opulento,
con mucho relieve y
Finlandés, nacido y fallecido en los mismos años
enorme variedad de que Ravel (1875-1937), Erkki Melartin es uno de los
últimos románticos, autor de seis sinfonías y de
timbres.” preciosas obras orquestales como el Concierto para
violín, La Bella Durmiente o las Impresiones de
Béla Bartók y Witold Lutoslawski. La propuesta conceptual de ECM tiene, en esta ocasión, sentido explí- Bélgica. Ahora descubrimos, en un álbum doble,
cito. No sólo porque la obra de Lutoslawski incluida en el disco lleve como subtítulo A la memoria de toda su obra para piano solo. Algo eclipsado, como
Béla Bartok sino porque existen numerosos paralelismos entre las personalidades musicales del pola- todos los creadores fineses de su época, por la figu-
co y el húngaro. Pensemos, por ejemplo, en la habilidad de ambos para integrar en un lenguaje perso- ra de Sibelius (que nació antes y murió después que
nal y reconocible cualquier elemento, desde la música popular de sus respectivas tradiciones culturales él), Melartin fue maestro y director del
hasta el dodecafonismo o la aleatoriedad. Pensemos también en la técnica, en el ingenio formal de los Conservatorio de Helsinki y director de orquesta.
dos compositores, en esa mágica capacidad para crear una música de gran impacto emocional a través De hecho, en este rol, fue el primero en interpre-
de una escritura de rigurosa y compleja elaboración formal. Arte y oficio, ciencia y misterio, taller y tar a Mahler en Escandinavia, y su obra orquestal
laboratorio. La música revela, en ambos casos, tanta destreza artesanal como ambición intelectual. podría decirse heredera tanto de este autor como
Al frente de una estupenda Stuttgarter Kammerorchester, el estadounidense Dennis Russell de Chaikovski y Nielsen.
Davies incide en las peculiaridades que aproximan el mundo sonoro de los dos autores a la hora de afron- Al estilo de las Piezas líricas de Grieg y sirvién-
tar la interpretación de estas páginas. La batuta consigue de la excelente cuerda de la orquesta, prota- dose en ocasiones del folclore, el abanico de obras
gonista única de las tres obras principales del disco, un sonido opulento, con mucho relieve y enorme pianísticas resulta muy variado, aunque queda uni-
variedad de timbres. Russell-Davies utiliza este instrumento para dirigir la mirada hacia las entrañas ficado por una sosegada dulzura de formas y temas.
de la música, para explorar las texturas, el interior de unas obras extraordinariamente fecundas. Esa Hay emoción, pero son dramas sencillos, familia-
voluptuosidad sonora genera en la Musique funèbre de Lutoslawski una atmósfera lúgubre, luctuosa y res, ajenos a los precipicios emocionales de
espacial, como si los arcos abrieran la puerta de una dimensión sonora profunda, oscura, insondable. Beethoven o Schubert, y en general la música resul-
El contrapunto y los ritmos regulares otorgan a la fúnebre ceremonia musical un aspecto arcaico, muy ta ligera y agradable. El álbum abunda en momen-
barroco, antes de que el polaco experimente, siempre a su manera, con la serie de doce sonidos. Música tos de grandiosa belleza, como Lluvia op. 52 nº 4
tensa, que nos lleva de la serenidad del lamento ritual al grito de la angustia existencial y que recibe una (un jardín debussyano agitado por el vendaval) o
interpretación profunda y sobrecogedora. La lectura de las Romanian Folk Dances no sigue la versión el rítmico Impromptu op. 59 nº 5. En manos de la
original de Bartók sino que opta por el arreglo para orquesta de cuerdas realizado por Arthur Willner. inspirada pianista Maria Lettberg las músicas flu-
Russell Davies dota a su interpretación no ya de un aire popular sino de un sugerente y decidido color yen y provocan una relajante sensación de paz simi-
folk. Por lo que respecta al Divertimento, el director destaca el misterio y la ambigüedad de la obra cum- lar a la de contemplar una pecera, a lo que ayudan
pliendo con la exigencia bartókiana de imprimir a la ejecución una impronta ruda y campesina. El dis- los títulos de las piezas, tan evocadores como Tarde
co se completa con siete de los 27 Two-and Three-Part Choruses BB 111, donde encontramos nuevos en Venecia, Cerezos en flor en Japón, El jardín melan-
timbres orquestales y la magnífica presencia del Hungarian Radio Children’s Choir. cólico o Atardecer tras la tormenta. Una de las pocas
El excelente sonido del disco merece una mención especial. Se trata de dos tomas bastante sepa- que se salen de esa amable tónica es la sobrecoge-
radas en el tiempo, la primera de 2.004 y la segunda de 2.010, ambas espléndidas. Si en las primeras dora Fantasía apocalíptica, op. 111, que, sin abando-
obras impresiona la definición, la presencia y la profundidad del sonido de las cuerdas, hay que desta- nar lo tonal, cierra el disco con un colorido arranque
car lo bien captadas que están las voces en los coros finales. Gran disco. de impresionismo/expresionismo. Llene su toca-
discos con estos sesenta peces de sonido y deje
viajar a la mente por entre su flotante cromatismo.

WITOLD LUTOSLAWSKI (1913-1944): Musique funèbre; BÉLA BARTÓK (1949-59): Romanian Folk Dances; Divertimento for
String Orchestra; Songs ERKKI MELARTIN (1895-1937): La obra para piano solo

Stuttgarter Kammerorchester. Hungarian Radio Children's Choir. Dennis Russell Davies, director / ECM RECORDS / Ref.: Maria Lettberg, piano / CRYSTAL-DELTA / Ref.: N 67048 (2
ECM 2169 (1 CD) D1 CD) D4 x 2
 siglo XX
Juegos de manos
Obras para piano de Schulhoff
por Margarete Babinsky
Juan Manuel Viana
En 1925 y con motivo del festival organizado por
la Sociedad Internacional para la Nueva Música
en Praga, Erich Steinhard calificaba a Erwin
Schulhoff como pianista virtuoso de primera fila,
“de técnica deslumbrante, memoria sin igual y esti-
lo radical”. Nacido en Praga en el seno de una fami-
lia judía de origen alemán, Schulhoff fue un niño
prodigio saludado como tal por Dvorák, que se
formó en Viena y Leipzig –con Max Reger– e inclu-
so se acercó a Debussy, que le dejaría profunda
huella, similar a las de Janácek, Bartók o Stravinsky.
Amigo de los pintores Grosz y Klee, Schulhoff
entró en contacto con los grupos dadaístas de
Múnich y Dresde, donde fundó la sociedad de con-
ciertos Werkstatt der Zeit (Taller del tiempo), que le
sirvió para dar a conocer la obra pianística de
Scriabin, Schönberg, Bartók, Berg, Webern y
Hindemith. En el otoño de 1923 marchó a Berlín
para colaborar con ardor en la demolición de los
valores artísticos más conservadores. Crítico iró-
nico y ferviente admirador, como confesó a Alban
Berg, de los ritmos de danza populares (shimmy,
fox-trot, ragtime, charlestón, blues, tango…),
Schulhoff sería tan permeable al jazz, que descu-
brió en 1919 gracias a los discos americanos que
Grosz tenía en su estudio berlinés, como a la
Segunda Escuela de Viena, el folclore bohemio o
el grupo de Les Six, convirtiéndose durante la
década de 1920 en uno de los animadores más
generosos y desinteresados de la cultura europea.
Todo esto quedaría reflejado en un legado
pianístico polivalente y multiforme del que el pre-
sente registro ofrece una muestra sustanciosa. Por
un lado, las arquitecturas bien ensambladas de las
Sonatas Primera (1924, dedicada a Thomas Mann)
y Tercera (1927). Por otro, las improvisaciones jaz-
zísticas a cuatro manos que Schulhoff acostumbra-
ba interpretar en los años 30 junto a Oldrich Lerfus
en la Radio de Praga, recreadas aquí por el piano
preciso, coloreado e incisivo de Margarete
Babinsky.
ERWIN SCHULHOFF (1894-1942): Sonatas para piano nºs. 1-
3; Improvisaciones de jazz
Margarete Babinsky, piano. Andreas Wykdal, piano / CRYS-
TAL-DELTA / Ref.: N 67084 (1 CD) D2
216 / julio-agosto 2012 37
Excelente versión de una obra imprescindible
El War Requiem de Britten por los conjuntos de la Radio de Holanda
bajo la doble dirección de Jaap van Zweden y Reinbert de Leeuw
José Luis García del Busto
barítono Mark Stone, el Coro de la Radio holan-
desa, el Coro de Niños de Holanda y la Orquesta
Filarmónica de la Radio holandesa, dirigidos por
dos maestros: Jaap van Zweden –los conjuntos
grandes– y Reinbert de Leeuw –el conjunto came-
rístico–. El resultado es espléndido. Todo está en
su sitio, las voces solistas –especialmente me ha
interesado la interpretación de Dean Griffey–, los
coros y las plantillas instrumentales son de calidad
y transmiten la emoción y hondura de los conte-
nidos musicales. Por lo demás, las exigencias espa-
ciales antes mencionadas no se disimulan en la
grabación, en la que se aprecian planos distintos
de lejanía que pueden extrañar, aunque es posible
que hasta ayuden al oyente a ponerse en adecua-
da situación para la escucha de una obra como
ésta, de las que mi maestro Federico Sopeña deno-
Para la consagración de la Catedral de Coventry, minaba “acontecimiento espiritual”.
reconstruida tras el bombardeo que sufrió duran-
te la segunda guerra mundial, se encargó al más
grande compositor británico, Benjamin Britten,
la composición de una gran obra sinfónico coral.
“El resultado es
Britten aprovechó la ocasión para dejar un con-
tundente testimonio de su profundo sentir anti- espléndido. Todo
belicista: este Réquiem de guerra que ha pasado a
la historia como una de las más bellas y emocio- está en su sitio, las
nantes obras religiosas de los tiempos modernos.
Para ahondar en los contenidos humanistas que voces solistas
le interesaban –además de los propiamente reli-
giosos–, el maestro Britten intercaló entre los tex-
tos litúrgicos de la misa de réquiem algunos poemas
–especialmente me
de Wilfred Owen, víctima de la guerra, y escogió
a solistas de distintos países –de entre los comba-
ha interesado la
tientes en distintos bandos– para subrayar el carác-
ter pacifista y de reconciliación que buscaba: el interpretación de
inglés Peter Pears, el alemán Dietrich Fischer-
Dieskau y la rusa Galina Vishnevskaya. A ésta no Dean Griffey–, los
le dieron en su país el permiso para viajar con tal
fin y, aunque sí podría participar más tarde en la coros y las plantillas
grabación de la obra, la soprano inglesa Heather
Harper tuvo que aprenderse el papel en pocos días
y se apuntó el honor de estar en el estreno abso-
instrumentales son
luto del War Requiem, con los mencionados cole-
gas y bajo la dirección del propio Britten, el 25 de
de calidad y
mayo de 1962.
La soprano, el coro y la gran orquesta, por transmiten la
un lado, y el coro de niños y el órgano, por otro,
tienen a su cargo las partes de la misa latina y repre- emoción y hondura
sentan, respectivamente, a la humanidad compun-
gida e implorante y a la vida más allá de la muerte; de los contenidos
por su parte, los poemas de Owen son interpreta-
dos por las dos voces masculinas rodeadas por
una orquesta de cámara. Este reparto de papeles,
musicales.”
conceptual y físico, con el consiguiente desplie-
gue espacial que requiere, supone elementos muy
a tener en cuenta en cada interpretación y en cada
grabación de la obra maestra de Britten. BENJAMIN BRITTEN (1913-1976): War Requiem
En la ocasión que comentamos se trataba de
ambas cosas, pues el CD recoge la grabación en Evelina Dobracheva, soprano. Anthony Dean Griffey, tenor.
Mark Stone, barítono / Netherlands Radio Philharmonic.
vivo de la interpretación llevada a cabo en Utrecht
Netherlands Radio Choir. Jaap van Zweden, director. Celso
el 28 de mayo de 2010, a cargo de la soprano Evelina Antunes, director de coro / CHALLENGE RECORDS / Ref.:
Dobracheva, el tenor Anthony Dean Griffey, el CC 72388 (2 SACD) D3 x 2
38
Mujeres compositoras
de hoy
En busca de un patrimonio
andaluz
María Palacios
Cabría preguntarse por qué, en el siglo XXI, se sigue
fomentando la idea de establecer lugares centrados
en exclusiva en la creación de mujeres. Si se obser-
van las programaciones generales de conciertos,
todo apunta a que si la mujer no sigue establecien-
do su propio lugar resultaría complicado llegar a
tener una voz influyente en la creación musical. Las
siguientes preguntas serían, ¿qué difusión tiene ese
lugar exclusivo? ¿Qué sentido tiene crear un nuevo
canon de mujeres compositoras o una historia para-
lela de la mujer en música? ¿Qué elementos unen la
creación de la mujer como compositora? Muchos
compartirían la opinión de que, de no ser por estos
espacios, sería muy complicado que llegáramos a
escuchar todas las obras que aparecen en este tra-
bajo. En Esparzas, Susurros y Sueños encontramos
a dos compositoras andaluzas, Diana Pérez y
Dolores Serrano junto a Mª Lusia Otaiza de
Baracaldo; Teresa Catalán de Pamplona; las madri-
leñas Consuelo Díaz, Marisa Manchado, Mercedes
Zavala y Encarna Beltrán-Huertas; la gerundense
Iluminada Pérez; y dos compositoras de Palma de
Mallorca, Carmen Fernández y Rosa María
Rodríguez. Todas ellas presentan obras que fueron
estrenadas en 2010, en el “Taller de mujeres com-
positoras” del Festival de Música Española de Cádiz
(lo que explica su introducción en “Patrimonio
Musical de Andalucía”). Al igual que encontramos
disparidad en el origen de nacimiento y generacio-
nes, tampoco podemos hablar de una aproxima-
ción similar al tipo de creación. Aparecen obras de
tintes más románticos como Aleph de I. Pérez, otras
que siguen la vía más españolista como Ay qué tra-
bajo de Ozaita, y alguna que juega con guiños a la
música pop, como Ostinato Rap de D. Pérez. Resulta,
pues, un CD interesante para tener un abanico de
posibilidades sonoras de una misma época en tor-
no a una agrupación musical tan poco habitual como
la del Cuarteto Play Four, formado por Nan Maro
Badakhanian, mezzo; A. Serrada, violín; J. E. Sainz,
violonchelo y J. Robaina, piano.
ESPARZAS, SUSURROS Y SUEÑOS: Obras para voz y cuarte-
to de compositoras españolas contemporáneas
Nan Maro Babakhanian, mezzosoprano. Cuarteto Play Four /
ALMAVIVA / Ref.: DS 0155 (1 CD) D5
di v e r di
Barce infinito
El Cuarteto Leonor brinda una histórica grabación de la integral
de los cuartetos de cuerda de Ramón Barce para Verso
Imagínese un disco que posee tantos prismas, tan-
tos colores, tantas vidas, que cada vez que suena,
abre ventanas infinitas, espacios para reflexionar,
y universos tan sutiles como nutritivos para el inte-
lecto y para el espíritu. Verso y el Cuarteto Leonor
acaban de rubricar uno de esos milagros sonoros
poniendo voz a los pensamientos cuartetísticos de
Ramón Barce y completando así una de las recien-
tes grabaciones antológicas de música contempo-
ránea española.
Cuando se habla de Ramón Barce se suele
acudir a ciertos tópicos que no por adecuados y pre-
cisos son globalmente justos. Barce es sin duda
una de las figuras más poliédricas y esenciales de
la historia de la música española y ya podemos
asegurar que sin el compositor madrileño es impo-
sible escribir nada coherente y serio sobre la músi-
ca española reciente. Buena parte de esas
referencias se suelen centrar en la inusitada mira-
da intelectual con la que él era capaz de diseccio-
nar cualquier problema. Pero se ha corrido el
peligro de orillar la definición de Barce como un
creador musical excepcional. Desde el inicio, su
producción presentó una necesidad imperiosa de
lograr respuestas a preguntas estéticas. Barce pose-
ía el don de comunicar con sencillez las cuestiones
más complejas y precisamente eso hace que su
música transmita todo el humanismo inherente al
arte.
Es precisamente ese prisma el que cautiva en
un registro de enorme calidad sonora, donde el
Cuarteto Leonor somatiza de tal manera el pen-
samiento sonoro de Barce que logra la utopía de
generar un disco infinito en lecturas y satisfaccio-
nes. El empaste de su sonido se ahorma de forma
perfecta a la música, desarrollando a lo largo de sus
tres compactos un caudal de inagotables sutilezas
tímbricas, brillantes soluciones formales, trata-
mientos motívicos verticales y horizontales en los
que la sonoridad de cada instrumento elabora dis-
cursos de una belleza directa y vivificante.
El registro contiene numerosas primeras audi-
ciones que no hacen sino acrecentar la importan-
cia inagotable del Barce compositor. Siempre fue
el cuarteto su espacio sonoro predilecto, pues le
siglos XX & XXI
Juan Francisco de Dios
ofrecía infinitas posibilidades al tiempo que infi-
nitos problemas que ansiaba resolver. Cada una
de sus cinco décadas activas en el siglo XX cuen-
ta con su mirada hacia los arcos. Desde el inicial
Cuarteto I (1958), expresionista, melódico y pan-
tonal, encontramos elementos de su trascendencia
como creador. La década de los 60 nos dejó el
segundo del ciclo, obra intensa y emocional con
cumplidos ecos del Sistema de Niveles que Barce
creó, exploró y desarrolló como vehículo de su
pensamiento musical. Los setenta se asomaron
hasta en cinco ocasiones al grupo de cuerdas que
comienza con el Cuarteto III “Gauss” (1973), pre-
mio nacional que no se estrenó hasta una década
después. Continua con el cuarto del ciclo, obra
dialogante, que hace cumbre en intimidad y cone-
xión con el oyente. En 1978 contienen hasta tres
miradas al cuarteto que probablemente marcan la
cima de una manera de tratar esta plantilla. Barce
fue capaz de postergar determinados problemas
compositivos para explorarlos en profundidad en
obras posteriores. Algo semejante sucede con los
cuartetos IX y X, ambos de 1994, que continúan
la línea de comunicabilidad necesaria con la que
Barce cuidará las obras de sus últimos años crea-
tivos. El siglo acaba con el estreno radiofónico del
Cuarteto XI (1999), encargo de la UER, que resu-
me perfectamente el genuino sonido Barce, limpio,
ordenado y de caminos diáfanos hacia la satisfac-
ción sensitiva e intelectual.
Seguro que usted tiene en la primera fila de
su reproductor esa grabación que directamente le
hace feliz porque le recuerda que el placer de la
escucha es inagotable. Este registro es uno de esos
discos que desde el momento de su apertura hace
feliz –el libreto es todo un acto de fascinación por
el creador–, porque logra que la música viva sue-
ne cercana, comunicativa y bella sin rendir prisio-
neros y provocando en nosotros una inefable
sensación de infinitud.
Ramón Barce
RAMÓN BARCE (1928-2008): Integral de los cuartetos de
cuerda
Cuarteto Leonor / VERSO / Ref.: VRS 2120 (3 CD) D2
 siglos XX & XXI
Cárceles demasiado imperfectas, ay
La colonia penitenciaria de Kafka,
metamorfoseada en ópera por Philip Glass
Philip Glass
A veces, uno se repite. No tanto como Philipp
Glass, pero el caso es que uno se repite. Cierta cita
la repite uno a menudo: “lo primero, un cosmos
propio”. Es cosa de Eugenio d’Ors: el artista debe
tener un mundo suyo en el que habitar. Había una
bella obra orquestal de Elliot Carter, A Mirror in
which to dwell. Si a eso vamos, hay quien es su pro-
pio espejo. ¿Para qué vas a depender de un espejo
mágico? Bien, ¿no es acaso Glass el paradigma de
quien tiene un cosmos propio? Bueno, habrá quien
diga que no se trata tanto de un cosmos como de
una urbanización de chalets adosados, todos igua-
les. A condición de que unos chalets igualitos, uno
tras otro, produzcan la inquietante hipnosis (con-
tradicción, ya sé: o estás inquieto o estás fascina-
do, con el juicio suspenso) de las obras de Glass
desde Einstein on the Beach (1976).
E incluida ésta, En la colona penitenciaria, que
toma como pretexto a Kafka (que yo sepa, ningu-
na de las otras quince o veinte óperas de Glass se
basa en Kafka, pero la verdad es que no las conoz-
co todas: ni la mitad, Dios mío). El universo de
Kafka no parece el más apropiado para una ópe-
ra (él sí que tenía un cosmos propio), a pesar de
óperas tan interesantes como El proceso de Von
Einem o El castillo de Aribert Reimann. Podríamos
sospechar, a priori, que los ostinatos de Glass (ese
sempiterno intervalo de segunda mayor o menor,
eso cambia; ese arpegio que serpentea arriba y
abajo; esa línea vocal casi siempre muy afirmativa
que se sobrepone a las repeticiones; esa admirable
administración de un material muy pobre, pues
216 / julio-agosto 2012
Santiago Martín Bermúdez
para qué más…) podrían ser
adecuados para las obsesio-
nes y los absurdos de Kafka.
Pero las óperas no tienen
por qué respetar el original,
ni tampoco las películas ni
las adaptaciones teatrales.
Lo máximo que no deberí-
an hacer es que el especta-
dor eche de menos el
original. Por de pronto, a
Kafka se le pone demasiado
serio, cuando sus obras son
humorísticas. Kafka leía a
sus amigos y todos se morí-
an de risa. Su destino, tra-
ducido, lleva a desviaciones
diversas, y su auténtico códi-
go se desvanece. La angus-
tia es una cosa muy seria, no
puede uno dejarla en manos
del pathos, necesita risa.
Glass sabe aprove-
char muy bien un material
escaso: aquí, un quinteto de
cuerda (casi, casi como en
su música para Drácula), un
par de solistas masculinos
(la dulce voz femenina no
ameniza este fonograma),
poco más de una hora de duración. Esta disco nos
llega en excelente registro del Music Theatre Wales
bajo la muy atenta dirección de Michael Rafferty.
Por las fotografías, desearíamos haber estado en
las funciones del estreno, en 2010, con el quinte-
to, los cantantes y “el muerto” entreverados. Quién
sabe si no estarán preparando un DVD.
PHILIP GLASS (1937): In The Penal Colony (ópera en un
acto)
Michael Bennett, Visitante. Omar Ebrahim, El Oficial. The
Music Theatre Wales Ensemble. Michael Rafferty, director /
ORANGE MOUNTAIN / Ref.: OMM 0078 (1 CD) D1
39
Paisajes multiplicados
Una reciente y ecléctica pieza del
galardonado Heiner Goebbels
Manuel Luca de Tena
Hombre de escena, compositor, instrumentista,
Heiner Goebbels (*1952) es uno de los más signi-
ficativos renovadores de lo que hoy conocemos
como teatro musical, labor por la que ha recibido
este mismo año el Premio Internacional Ibsen.
Artista si cabe llamar comprometido, seguidor de
las figuras de Hans Eisler o Bertolt Brecht, constru-
ye en Stifters Dinge (2010) un abierto y ecléctico
marco de convivencia entre culturas, géneros y esti-
los musicales a través de una instalación multime-
dia que en este caso no requiere presencias visuales
pero sí sonoras que se experimentan desde ángu-
los diversos para despertar en el oyente la ilusión,
la utopía, de una música tridimensional. Fiel a su
espíritu escénico, Goebbels desarrolla una pieza
teatral esta vez sin actores vivos, pero cuyos perso-
najes se expresan a través de las voces de cinco pia-
nos mecánicos, agua, viento, humo, lluvia, metal,
piedras, hielo, a lo que se une un texto de Adalbert
Stifter. No queda aquí todo porque ello se conjuga
a su vez con las voces de Bill Patterson, Claude
Lévi-Strauss, William S. Burroughs, y Malcolm X,
y grabaciones históricas traídas de Papúa Nueva
Guinea, Latinoamérica y Grecia. Así, de entrada,
podría producir un cierto empacho si no fuera por-
que el contenido de este collage en constante movi-
miento, contrastado conglomerado lingüístico y
sonoro, está sabiamente expresado y organizado
en un lenguaje musical transparente. Un fondo
sonoro continuo, obsesivo a veces, repetitivo pero
cada vez distinto, como si de una inercia tranquila
e inconsciente se tratara, va dejando percibir voces
que generan un clima de misterio oscilante entre lo
poético y lo dramático, bañado en una misteriosa
luz de ráfagas sombrías, que produce la suspen-
sión del tiempo, la cercanía y extrañeza simultáne-
amente, y la belleza también. Goebbels nos sirve un
motivo de contemplación artística, pero asimismo
una reflexión política sobre la naturaleza y la tor-
peza humana a la hora de relacionarse con ella. Una
imaginativa pieza que bien merece la pena escu-
charse con atención más de una vez.
HEINER GOEBBELS (1952): Stifters Dinge
Heiner Goebbels, cinco pianos mecánicos. Voces y graba-
ciones étnicas / ECM RECORDS / Ref.: ECM 2216 (1 CD) D1
40
... compositor soñando con compositor soñando ¡Liberad el sonido!
con una ópera soñada
Wagner Dream, una ópera de Jonathan Harvey, en Cypres
Podrá sorprender la elección (propuesta por el pri-
mer director de la obra) del camaleónico Jean-
Claude Carrière como libretista pues uno echará
acaso de menos esta unión sublime entre texto y
música de Wagner, o esta doble dimensión en la
que el poema no solo funciona por (o a pesar de)
su sentido sino gracias a la sonoridad, a la musi-
calidad de las palabras, a su imagen fonética y acús-
tica; esa misma genialidad, en otro plano, de Charlie
Chaplin inventando un ersatz de lengua alemana
con la que su dictador habla con más elocuencia
que en la lengua original. Salvando el probable
obstáculo de la carga poética del texto, Wagner
Dream tiene todos los ingredientes de los sueños
filmados, quiero decir del cine: el compositor,
Cosima, la camarera, Buda, Vairochana (otro buda),
la sirviente Prakriti y el monje Ananda, el coro,
hablan y/o cantan en inglés y a veces en sánscrito
(tras la decisión −desafortunada, creo− de elimi-
nar a un Wagner hablando en alemán). Los vene-
cianos, indígenas y de adopción, y toda la India,
desde el monje hasta la sirviente parecen estar en
una academia de lengua entregándose a un ejerci-
cio de conversación inglesa generalizada. Salvo
cuando Buda deja la lengua colonial por la sagra-
da, como la mujer apache-mejicana de Stage Coach
Teatro Real • Plaza de Oriente, s/n • 28013 Madrid
Tfnos.: 91 516 06 73 - 91 541 25 95
e-mail: latiendadelreal@diverdi.com
Nuevo horario: De lunes a viernes de 17 a 20 horas
Los días de función permanecerá abierta al público asistente hasta el primer entreacto
domingos y festivos incluidos
di v e r di
Pierre Élie Mamou
de John Ford que canta en español (en la versión
original como en la doblada en francés) para dar
un mensaje codificado a su pueblo. El humor sal-
pica la partitura, por ejemplo, la escena de dispu-
ta matrimonial entre Richard (muriéndose) y
Cosima, al inicio de la obra que recuerda la serie
de tv inglesa Up and Down y es también un guiño
a Tannhäuser empezando con un “Basta” (el héroe
saciado/agotado de amor tras su vida con Venus)
¡seguido por cuatro horas de música!
Wagner se muere pensando en su antiguo
proyecto, la ópera “budista” Die Sieger (Los ven-
cedores) que transporta a la India el tema del amor
de lonh de Tristán & Isolda. Durante su último sus-
piro (90 minutos), Wagner recibe la visita de los
sabios indios que visitan su lecho de muerte y se
integran a la trama de su ópera esbozada 30 años
antes, yendo y viniendo los actores y cantantes del
palacio Vendramin a la India (y más allá). Unas
pocas citas en este Sueño Wagner (Lob der Tränen
de Schubert como un Leitmotiv, Tristán...), algunas
referencias más abstractas a Tristán con el oboe
d’amore, ciertas evocaciones de la música ritual
india y del raga, con electrónica en tiempo real
para la dimensión onírica... este combinado Harvey
prolonga The Summer Cloud’s Awakening, una obra
acaso más sognante escrita hace 10 años sobre tex-
tos de Wagner y del buda Shakyamuni.
JONATHAN HARVEY (1939): Wagner Dream
Claire Booth, Prakriti. Gordon Gietz, Ananda. Matthew Best,
Vairochana. Dale Duesing, Buddha. Rebecca de Pont Davies,
Madre. Richard Angas, Brahmin Anciano. Johan Leysen,
Wagner. Catherine ten Bruggencate, Cosima Wagner.
Bracha van Doesburgh, Carrie Pringle. Charles van Tassel,
Doctor Keppler / Ictus Ensemble. Gilbert Nouno, diseño de
música electrónica del IRCAM. Martyn Brabbins, director /
CYPRES / Ref.: CYP 5624 (2 CD) D3 x 2
siglos XX & XXI
Sabine Liebner nos acerca a la
obra pianística de Earle Brown
Germán Gan Quesada
Bien conocida por sus grabaciones para MDG,
Oehms o Neos de autores de la postvanguardia
“colateral” (Feldman, Wolff, Cage, Ustvolskaia...),
Sabine Liebner se acerca en este nuevo registro de
Wergo a la obra de Earle Brown, conmemorando
el décimo aniversario de su fallecimiento con una
selección casi completa de su producción pianís-
tica solista, a falta de algunas muestras aisladas de
la década de los cincuenta.
Ciertamente, pocos músicos, en su capaci-
dad de respiración interna y en el aprovechamien-
to de las calidades de ataque y pedal, podrían
demostrar una comprensión tan detallada del uni-
verso poético del compositor de Massachusetts
como la que luce Liebner, y dotar de intención
expresiva a unas obras que basculan en equilibrio
imperfecto entre la abstracción conceptual y la
espontaneidad más absoluta.
Incluye la grabación la conocida “December
1952” de su serie Folio (1952/53) –que recorre las
aguas de Internet como ejemplo paradigmático de
notación gráfica– y otras colecciones de estos mis-
mos años, de la atmósfera calmada de Home burial
(1949) a los encuentros sonoros fortuitos de Four
systems (1954) o a la aleatoriedad sublimada de
Twenty-five pages, un año anterior, en que el intér-
prete se sitúa en pie de igualdad con el composi-
tor en la construcción de una apuesta estética
extraordinariamente abierta.
Quizá sea, sin embargo, Summer Suite ’95
(1995) la composición más reveladora de aquello
que escondían las propuestas radicales de comien-
zos de los años cincuenta: la aparición imprevis-
ta de acordes tonales, la presencia de mínimos
motivos formales y el clima sugerente, quasi impre-
sionista, obligan a escuchar de nuevo el disco en
busca de ese sutil rastro de trascendencia y liris-
mo que el sabio Brown escondió en aquellas pági-
nas iniciales, merecedoras de una vigencia que
supera con mucho la mera condición de documen-
to histórico.
EARLE BROWN (1926-2002): Abstract Sound Objects
Sabine Liebner, piano / WERGO / Ref.: 6745-2 (1 CD) D1
 libros / jazz & otras músicas
Suena de película
La orquesta femenina La Pietà
en un fantástico viaje fílmico
José Velasco
Este es un disco de Música de Cine, con mayúscu-
las, y para comprobarlo les propongo un juego.
Pongan este disco a sonar en su salón y traten de
adivinar –sin haberlo leído antes, claro está– a qué
película pertenece cada una de las veinte músicas
que irán llenando de imágenes sus oídos. El méri-
to, tanto de la excelente selección como del espec-
tacular sonido de su orquesta La Pietà (íntegramente
femenina, como la de Con faldas y a lo loco) es de
la violinista y directora canadiense Angèle Dubeau,
ya conocida por ustedes de otros notables discos
como aquel imprescindible Fairy Tale. En este álbum
grabado en 2011, Dubeau y su orquesta vuelven a
dar en la diana con una puntería infalible a la hora
de escoger repertorio, en su línea de extraer un
sonido casi excesivamente hermoso de cada arre-
glo, valiéndose de un comodín de lujo como es el
Stradivarius de 1733 que ella empuña en un rol que
oscila entre solista y primer violín, dependiendo
de la obra.
En esta variada y atractiva selección tanto de
bandas sonoras como de autores hay momentos de
pura magia, como el de los hobbits de El Señor de
los anillos (Howard Shore), el vals de Memorias de
una geisha (John Williams), la delicadeza de El
paciente inglés (Gabriel Yared), la melodía inolvi-
dable de La princesa Mononoke (Joe Hisaishi) o el
tema de amor de Cinema Paradiso (Ennio
Morricone). Además están Las aventuras de Robin
de los bosques de Korngold, Titanic, La lista de
Schindler, La misión, Bailando con lobos, Hable con
ella de Almodóvar (Alberto Iglesias), Romeo y
Julieta de Nino Rota o la tan buscada Cavatina de
Myers en El cazador, y muchas más músicas que
tendrán que descubrir ustedes en este álbum per-
fecto, por ejemplo, para escuchar viajando. Uno de
esos discos encomiables que intentan demostrar
de una vez por todas a los melómanos que el lega-
do del sinfonismo postromántico hoy en día resi-
de en el Séptimo Arte.
ANGÈLE DUBEAU & LA PIETÀ: Silence, on joue! (A Time For
Us) [arreglos para violín y orquesta de cuerda de temas
cinematográficos]
Angèle Dubeau, violín. La Pietà / ANALEKTA / Ref.: AN
28733 (1 CD) D2
216 / julio-agosto 2012
Aviso para melómanos navegantes
Leonardo Balada. La mirada oceánica, riguroso y apasionante
testimonio de una vida creativa, por Juan Francisco de Dios Hernández
Aunque el vacío bibliográfico sobre la creación
musical española contemporánea se ha ido poblan-
do en los últimos años, aún quedan silencios casi
escandalosos. Y el relativo a Leonardo Balada, pró-
ximo a alcanzar su octava década de existencia,
entraba de lleno en esa categoría: quien quisiera
aproximarse a la obra del compositor barcelonés
contaba, sí, con la benemérita colección discográ-
fica de Naxos y con una relativa mayor presencia
de sus obras en los auditorios españoles en el pasa-
do inmediato –pongamos por caso su protagonis-
mo en el último Ciclo de Música Contemporánea
de Málaga–, pero la reflexión serena sobre su pro-
puesta creativa todavía esperaba en el limbo de
nuestra perezosa musicología.
Y he aquí que viene al rescate la monografía
de Juan Francisco de Dios, atento a esta carencia
y guiado por su interés hacia esos músicos ‘otros’
que, como ya revelan sus diferentes acercamientos
a un creador inclasificable como Ramón Barce,
han quedado fuera de la restrictiva nómina de
nuestra composición actual, “versos libres” –por
citar al autor– “de una generación de composito-
res apasionante”.
Apasionante, en efecto, tanto como el pano-
rama que presenta el libro, fruto de un trabajo
continuado desde 2006 y del contacto directo
con su protagonista: no se asuste el lector por la
apariencia académica –catálogo, bibliografía, índi-
ce onomástico... son cortesía obligada del inves-
tigador–, porque encontrará pulso narrativo más
que suficiente para seguir las peripecias casi nove-
lescas de una biografía plena de contrastes, des-
de la formación de un carácter independiente en
la Barcelona de la primera posguerra hasta la
aventura americana emprendida en 1956 y el des-
pliegue de una fecundísima trayectoria a ambos
41
Germán Gan Quesada
lados del Atlántico. Todo ello en 28 concisos capí-
tulos, convenientemente apoyados en imágenes,
en los que anécdotas bien escogidas y vívidos diá-
logos ilustran el personaje al tiempo que encuen-
tran la complicidad del lector en su descripción
de figuras, situaciones y contextos históricos no
tan lejanos...
Desfilan por las páginas del libro varios y
complementarios ‘Baladas’: el personal, con sus
encuentros, divergencias y sinsabores en la esce-
na cultural estadounidense y española desde media-
dos de los años cincuenta y su colaboración con
creadores de la talla de Dalí, Cela o Arrabal; el
músico práctico y pedagogo –dimensión irrenun-
ciable desde su cátedra en Pittsburgh– y, por
supuesto, el compositor, permeable a influencias
e inspiraciones y, a un tiempo, celoso de su auto-
nomía estética, cuyas constantes quedan explici-
tadas a menudo en categorías tan felices como
sugerentes, caso del “internacionalismo étnico”
de su primera madurez o del actual “surrealismo
mediterráneo”.
De 1958 (City) a 2011 (Caprichos n. 9), el
comentario descriptivo de los frutos de la inquie-
tud del compositor dibuja un panorama oceáni-
co, que De Dios cartografía ofreciendo puertos
seguros en el camino de la vanguardia (Guernica,
1967; Sinfonía en negro, 1969; Steel Symphony, 1972)
e invitando a recalar por más tiempo en algunos
paisajes reveladores, como la producción orques-
tal de las dos últimas décadas y, singularmente,
sucesivas apuestas escénicas, desde el tremendis-
mo carpetovetónico-mexicano de María Sabina
(1970) al bouleversement pánico de Faust-bal (2009),
pasando por Cristóbal Colón (1989) y su jugoso, y
tan revelador, trasfondo político.
Pasamos en la lectura, insensiblemente, del
dato desconocido a la intuición feliz, de la opinión
contundente –en ocasiones provocadora y abier-
ta al disentimiento– al destello poético, del rigor
objetivo a la opinión íntima con vocación de ser
compartida; y cerramos el volumen con la seguri-
dad de un recorrido creativo tan original como
abierto al futuro. Y con una convicción: no queda
ya excusa para la ignorancia, porque Juan Francisco
de Dios nos ha brindado la aguja de marear idó-
nea para aventurarnos en el vasto océano de
Leonardo Balada...
J.F. de Dios & L. Balada
JUAN FRANCISCO DE DIOS HERNÁNDEZ: Leonardo Balada.
La mirada oceánica
Prólogos de Leonardo Balada y Fernado Arrabal. Editorial
Alpuerto. Madrid. 2012. 316 páginas / EDITORIAL ALPUER-
TO S.A. / Ref.: 9788438104552 (1 Libro) P.V.P.: 26,00 €.-
 42 di v e r di portada

ECM: Travesías de norte a sur

“Lo realmente importante es la libertad artística”
Un recorrido por tradiciones y estilos musicales diversos de la mano del productor Steve Lake
y varios artistas del sello muniqués Mark Wiggins

¿Cómo afectan a la mente creativa la situación

geográfica de Noruega, su población y su clima?
Rolf Lislevand y Ketil Bjørnstad nos ofrecen dos
puntos de vista distintos. Bjørnstad, nacido en
Oslo, y que ha demostrado que, como novelista,
puede escribir acerca de la música clásica con infre-
cuentes claridad, perspicacia y autoridad (el primer
volumen de su reciente trilogía ha sido publicado
en España con el título A la música, JP Libros: 2010,
y, en paralelo, acaba de aparecer en ECM un álbum
llamado Vinding’s Music sobre esa misma trilogía),
opina que “todo noruego es consciente de que esta-
mos en el límite de Europa y muy lejos del centro.
Tenemos un país inmenso en lo relativo a espacio;
de hecho, sobre todo cuando viajas más allá de
Oslo, te das cuenta de no tenemos una población
muy numerosa. Climáticamente hablando tene-
Arianna Savall & Petter Udland Johansen

mos estaciones muy marcadas: en casi toda

Noruega se suceden algo así como un crudo invier-
no, una primavera que puede ser tardía y decepcio-
nante, un verano breve que influye mucho en
nuestra vida y que tratamos de aprovechar lo mejor
posible (especialmente en el norte donde es enton-
ces cuando tenemos luz solar), y en otoño tenemos
fuertes tormentas. Creo que la naturaleza influye
con mucha fuerza en nuestra manera de pensar, en
cuanto a creatividad musical, sobre todo en el ámbi-
to del jazz moderno. Cuando hacemos música,
creo que también tenemos una especie de seguri-
Noruega, en el lejano norte de Europa, es un país geográficamente estrecho y largo (el via-
dad, de confianza, tanto en clásica como en jazz:
je desde Stavanger en el suroeste hasta Hammerfest en el remoto noreste abarca unos 2400 la causa puede estar en nuestro buen sistema edu-
km.), unido al continente no solo por su parte septentrional sino también por los mares de cativo, que nos hace sentir en igualdad de compe-
Noruega y Barents. Es una nación de una excepcional belleza natural (con su costa troque- tencia con lo que se hace, por ejemplo, en España,
lada de fiordos y escarpados acantilados) y tiene una extensión de más de 350.000 km² aun- Alemania o Francia.”
Un ejemplo de tal confianza lo encontramos
que su población es similar en número a la de Madrid o Barcelona. Además de esto, dispone
en otro beneficiado por el sistema educativo y tam-
de una cultura musical de gran vitalidad, y más aún desde que Manfred Eicher de ECM Records bién nacido en Oslo, el laudista Rolf Lislevand, a
fue a Noruega en busca del talento al saxofón de Jan Garbarek. La presencia de Manfred pesar de tratarse de alguien que, ya a muy tempra-
Eicher en la reciente historia musical noruega nos desvía de los gustos de músicos clási- na edad, sintió una fuerte atracción por los entor-
cos noruegos como Leif Ove Andsnes, Vilde Frang o Truls Mørk (artistas admirables todos nos musicales mediterráneos (concretamente a
través de las grabaciones de Jordi Savall en la por
ellos) y nos lleva por los senderos de la improvisación, ya sea en el jazz o en la música con
aquel entonces Astrée de Michel Bernstein).
partitura. Como reflejo de todo esto, hemos pedido a cuatro artistas que nos den sus opi- Aunque no cree que “la música tenga nacionali-
niones, complementadas con la de Steve Lake, productor discográfico y figura clave en su dad”, y con la típica y saludable indiferencia norue-
trabajo junto a Manfred Eicher en ECM Records. Además de con artistas noruegos inmer- ga por la excesiva delimitación de los géneros
sos en su propia tradición pero con la mirada lanzada al exterior como el pianista, compo- musicales, él señala el hecho de que “incluso hoy
en día, la identidad musical escandinava quizá tie-
sitor y novelista Ketil Bjørnstad y el joven violinista y vocalista Petter Udland Johansen (en la
ne más que ver con su naturaleza y sus paisajes
foto superior junto a Arianna Savall), hemos hablado con el laudista Rolf Lislevand, que salió que con su gente. Es una zona de Europa en la que
de Noruega para asentarse en países como España, Italia y Suiza (igual que el percusionis- la población está muy desperdigada, y la mayoría
ta Ingar Zach, un noruego que reside actualmente en Madrid). Junto a tales figuras hay una del tiempo tendemos a buscar la soledad, pero una
artista que se mueve en la dirección opuesta, pues Arianna Savall partió de Barcelona y ha soledad junto a los paisajes y la naturaleza. Creo
que esto refleja también mi propia situación: aún
llegado a ECM, donde acaba de lanzar su nuevo álbum junto a Udland Johansen, Hirundo
sigo pasando bastante tiempo en la campiña del
Maris, Chants du Sud et du Nord, que forja un vínculo entre el norte y el sur de Europa, exten- sur de Noruega, disfrutando de todo ese espacio y
diendo un puzle para mentes musicalmente abiertas que refleja no solo los contrastes sono- naturaleza. La idiosincrasia musical noruega está
ros entre las tierras bañadas por el Mar del Norte y el Mediterráneo, sino que combina distintas hoy en día vinculada a los colores sonoros, a una
tradiciones, música clásica y folclórica. Es toda una muestra del interesantísimo trabajo que gran relevancia del espacio en la música, y también
a la sensación de extender mucho los tiempos musi-
se desarrolla hoy en las regiones fronterizas entre estilos y formas. Y, por supuesto, en tor-
cales.” Steve Lake agrega que “a menudo los pro-
no a toda esta actividad artística planea siempre la figura de Manfred Eicher, todo un ejem- pios músicos tienen ideas diferentes acerca de cuáles
plo del papel que un productor discográfico debe ejercer en nuestros días. pueden ser las cualidades nórdicas o septentriona-
 portada
“Manfred ha sido un puente crucial
entre dos medios musicales bastante
separados, la clásica y el jazz. Ahora
la distancia es mucho menor que
hace cuarenta años.” K. Bjørnstad
les.” Menciona al compositor y pianista de jazz
nacido en Ringsaker, John Balke, más volcado aho-
ra hacia el blues, “que es un personaje muy intere-
sante, en especial en relación con España por su
proyecto Siwan con Amina Alaoui, referente a la
época de Al-Ándalus. Creo que, como creador
musical, Balke se mueve entre esos dos mundos.”
La presencia en ECM tanto de Rolf Lislevand
(con sus álbumes Nuove musiche y Diminuito) como
ahora de Arianna Savall, invoca inevitablemente la
presencia del trabajo musical del padre de Arianna,
Jordi Savall, con quien en los últimos años Manfred
Eicher ha pasado bastante tiempo. Steve Lake
cuenta que al principio Arianna Savall llamó la
atención de Manfred Eicher “al escucharla den-
tro del conjunto de su padre, y más tarde oyendo
sus trabajos en solitario (con discos como Peiwoh
y Bella Terra) y pensó, ‘sí, ella tiene muchas cosas
que aportar por sí misma’. Tanto ella como Petter
Udland Johansen son personas muy interesantes:
son tan abiertos filosófica como musicalmente,
lo cual resulta refrescante. Siempre están pensan-
do más allá de las categorías establecidas. En el
caso de Arianna, ella contribuye tanto con su filo-
sofía como con su voz y su arpa: tiene algo espe-
cial, con esa maravillosa voz clara como el hielo.
Naturalmente, Petter Udland Johansen también
sabe hacer su trabajo y me encanta el ambiente de
su banda, con esa instrumentación tan inusual
con la mandolina y el dobro o guitarra resonado-
ra, instrumento que uno relaciona normalmente
con la música bluegrass.”
Arianna Savall tiene muy claro todo lo que
debe a sus padres, Jordi Savall y Montserrat
Figueras: “De mis padres he aprendido muchísi-
mo ya desde el vientre de mi madre... y sobre todo
escuchando a mi madre cantar los cantos sefardí-
es y las canciones catalanas, donde también la he
acompañado tanto... Pero una ha de encontrar su
propio camino, ¡y a veces no es fácil en una fami-
lia tan musical y con tanto talento! Por esta razón
el aspecto de crear ha sido siempre algo donde me
sentía más yo, y esto ellos lo han respetado y apo-
yado con mucho cariño. Me siento muy agradeci-
da por todo lo que nos han transmitido, y a mi
madre siempre la llevo en el corazón cuando can-
to, sobre todo cuando son cantos que he aprendi-
do de ella, o los hemos cantado juntas.”
Por su parte, antes de comenzar a grabar álbu-
mes con Manfred Eicher, Rolf Lislevand pasó
muchos años trabajando junto a Jordi Savall. “Si
no hubiese escuchado en Noruega en los años 70
la música de Jordi en LPs, probablemente no esta-
ría haciendo lo que hago hoy en día, pues él tenía
–y sigue teniendo– algo muy especial. Su enfoque
de la música antigua ya tenía por aquél entonces
muchos elementos de libertad, de música popular
y de improvisación. Me enamoré de esa concep-
ción. Trabajar posteriormente con Jordi fue para
mí una auténtica escuela que me enseñó a enfren-
tarme a cualquier música, además de a su reperto-
rio en particular. Lo mismo me ocurrió cuando
216 / julio-agosto 2012
conocí a Manfred
Eicher. Cuando era
joven yo hacía sobre
todo improvisaciones y
música de jazz, y tocaba la guitarra eléctrica.
Aquellos primeros discos de ECM con gente como
Garbarek y Pat Metheny fueron quizá, para varias
generaciones de músicos noruegos, el mayor impul-
so dado nunca a nuestra creación musical. Y no solo
por la música en sí, sino también por el tratamien-
to del sonido propio de ECM y esa sensación de
tiempo, espacio y paisajes musicales, que hacen
de su estética algo tan especial. No es ningún secre-
to que Manfred Eicher es una de las escasas per-
sonas dentro de este negocio que –como Michel
Bernstein– ha creado todo un estilo de música por
medio de sus producciones. Él consigue que la
gente haga cosas que probablemente no habrían
hecho sin su influencia.”
Arianna Savall, una de las artistas que más
recientemente han entrado en la estética de ECM
(aunque ya participó en 2004 en el disco Nuove
musiche de Lislevand), opina que “poder trabajar
con Manfred ha sido un sueño increible. Él tuvo
la idea de grabar este disco en la iglesia de Sankt
Gerold, donde han grabado por ejemplo el Hilliard
Ensemble o Arvo Pärt. La iglesia tiene una acús-
tica ideal para un conjunto de cinco músicos, el
texto no se pierde pero hay una resonancia natu-
ral muy bella y profunda. Y Manfred quiso grabar-
lo como un disco de música clásica o antigua, es
decir, todos juntos alrededor de los micros y tocan-
do juntos. También este era nuestro deseo para
este proyecto, ya que llevábamos mucho tiempo
tocando juntos, y nos podíamos arriesgar  a hacer-
lo así, y en el momento que tocamos todos juntos
hay otra energía, sobre todo para las improvisacio-
nes es mucho más agradable. Su forma de escuchar
es muy intensa y de una forma muy sutil te va
guiando, y llevando por caminos que quizás por
nosotros mismos no nos atreveríamos, pero con
él te dejas llevar... ¡y confías! Dice pocas palabras
pero las que dice son muy significativas, ¡te hacen
reflexionar y cambiar cosas!”
El nuevo disco de Arianna Savall y Petter
Udland Johansen no solamente pretende unir tra-
diciones muy distantes geográficamente –de tierras
junto a los mares del Norte y Mediterráneo–, sino
que también mezcla estilos musicales. En opinión
de Petter Udland Johansen, “lo que pretendíamos
con este disco era mostrar que existen más ele-
mentos que nos unen que diferencias: la música del
Mediterráneo cuenta las mismas historias que aquí
en Escandinavia, y las obras a menudo tienen
estructuras muy similares. Los pueblos siempre
se han trasladado llevando su propia cultura y
música por donde han viajado, y asimismo se ins-
piran en los lugares que van viendo, para llevar
después a casa con ellos las experiencias que han
sentido en esos viajes. Está claro que hay diferen-
cias entre norte y sur, pero esperamos que nues-
tro álbum pueda ayudar a la gente a comprender
43
Ketil Bjørnstad © Hans Fredrik Asbjørnsen / ECM Records
un poco mejor esas diferencias, a apreciarlas y a
respetarlas más.” Steve Lake comenta que “las
músicas folclóricas tienden a conectarse de muchos
modos, pues son fruto de la historia de la gente
viajando de acá para allá por distintos paises.
Manfred siempre estuvo particularmente intere-
sado en el folclore del norte de Europa, y ahora
quiere explorar también el sur, así que estamos
trabajando en ambos frentes. En lo que respecta
al interés de Manfred por el sur, creo que consis-
tirá en conocer y seguir a algunos intérpretes.
Además de sus contactos con Jordi Savall, por
ejemplo, ha realizado varios viajes al sur, a España,
Portugal e Italia (Italia le interesa mucho por el
jazz que se hace ahora allí).”
¿Cómo se desarrolla la mezcla de tradiciones
en Hirundo Maris, Chants du Sud et du Nord?
Arianna Savall responde que “Petter y yo veni-
mos de países con una tradición musical muy rica.
Los dos venimos de familias musicales, donde se
ha cantado mucho y la música ha formado parte
de nuestras vidas ya desde la infancia. Y las músi-
cas tradicionales tanto noruegas como catalanas
y sefardíes son una base para nosotros muy impor-
tante. Hemos crecido escuchando estas músicas,
estos cantos populares, y es de alguna manera
nuestra base. Después hicimos nuestros estudios
en música antigua, especializándonos en la Schola
Cantorum en Basilea, y la forma que tenemos de
abordar la música tradicional viene de la música
antigua, para nosotros. Nuestra forma de cantar
por ejemplo no es típica tradicional, nuestra for-
mación es, como decía, más de música antigua, por
lo tanto unas voces más trabajadas, pero igual en
la música antigua como en la tradicional la voz tie-
ne que tener naturalidad, y este es un aspecto que
siempre hemos buscado con Petter, esta senci-
llez, espontaneidad y pureza de la voz. También
el texto es muy importante, ya que muchas de las
canciones son leyendas e historias muy intensas.”
¿Representa este programa una evolución natu-
ral desde sus discos y programas de concierto
previos, o constituye una nueva dirección inter-
pretativa para usted? “Por un lado sí es una evo-
lución natural, y por el otro hay aspectos nuevos
que hemos probado. En mis anteriores discos de
creación personal, como Bella Terra y Peiwoh ya
hacía canciones modernas y antiguas con mis
arpas históricas, es decir antiguas. Pero en este dis-
co, el presente y el pasado están aún más unidos.
Por un lado yo estoy tocando con mis arpas anti-
guas, una triple barroca y la otra gótica, después
Petter toca con instrumentos tradicionales, como
el hardingfele y la mandolina, David toca con per-
cusiones mezcladas, tradicionales y antiguas, y
Miquel Angel y Sveinung tocan con instrumen-
tos totalmente modernos, como es el contrabajo
y el dobro.”
44
“Esta clase de caminos
musicales llenos de
exploración y aventura son
uno de los elementos
distintivos de ECM.” S. Lake
“La música folclórica noruega está completa-
mente viva hoy en día”, dice Petter Udland
Johansen, “y constituye el patrimonio musical más
importante que poseemos. La música folclórica
aún se preserva en su forma original, aunque tam-
bién ha sido usada como inspiración y como fuen-
te directa por músicos de jazz, pop y rock. Toda
esta música folclórica está fuertemente conectada
con la naturaleza, que se convierte en un compo-
nente que se transmite a todos los demás tipos de
música. Aparte de esto, las distintas tradiciones
tanto vocales como instrumentales se pueden estu-
diar en numerosas escuelas y centros educativos,
lo que, por supuesto, ayuda a mantener viva esta
música.” En lo referente a la música folclórica de
hoy en día, Steve Lake nos aclara que en ECM “no
pensamos, por supuesto, que sea menor o peor
que cualquier otro tipo de música, y puede per-
manecer y aportarnos cosas nuevas, especialmen-
te cuando, por ejemplo, Ale Möller y Lena
Willemark exploran las antiguas melodías suecas
para violín, y puede ser tan hermosa como la músi-
ca antigua o las composiciones contemporáneas. Un
autor como Bartók, que utilizó creativamente la
música folclórica como fuente para obras contem-
poráneas, era asimismo consciente de que esa músi-
ca es perfecta por sí misma, y nosotros compartimos
totalmente ese sentimiento. En este campo tenemos
varios discos de Savina Yannatou, que comenzó
en Grecia pero exploró la música de todo el
Mediterráneo, y creo que el nuevo álbum de Arianna
y Setter pertenece o se asimila a esta misma cate-
goría, pues todos comparten la idea de hallar pun-
tos de contacto entre diferentes tradiciones.”
El espíritu de aventura impregna e incluso
engloba mucha de la producción de ECM, inclu-
yendo el campo de la música antigua del que emer-
gen Rolf Lislevand y Arianna Savall, tal y como
señala Steve Lake: “Manfred trabaja con intérpre-
tes de todo tipo de sensibilidades, pero es cierto
que se percibe que la gente que trabaja en áreas de
música antigua tienen mucho en común con los
improvisadores del área del jazz. El trabajo con la
música antigua puede resultar tan exploratorio como
trabajar dentro de un contexto jazzistico. Quizá sea
ésta probablemente la razón de que, por ejemplo,
The Hilliard Ensemble y Garbarek empasten tan
bien juntos.” ¿Se extiende esta apertura de miras al
trabajo de John Potter? “Claro que sí, pues él es uno
de los más aventureros de todos. Su disco Being
Dufay de 2007/8 (que mezclaba el mundo sonoro
del siglo XV con las composiciones del siglo XXI de
Ambrose Field) encaja perfectamente, a mi pare-
cer, pues ya estuve jugando con la idea de paisajes
electrónicos en discos de Evan Parker, y en ECM
tenemos una línea de grabaciones que incluyen
Stockhausen y la Music Improvisation Company
con Hugh Davies volviendo a 1970. El disco de
Potter se puede conectar con ese tipo de paisajes elec-
trónicos que esperan ser explorados, incluyendo en
ellos la voz de John Potter. Esta clase de caminos
musicales llenos de exploración y aventura son uno
di v e r di
de los ele-
mentos dis-
tintivos de
ECM, y ha
de hacerse
con mucha
responsabilidad y cuidado. Somos conscientes, por
algunos inciertos resultados, que juntar intérpre-
tes de géneros muy distintos puede no funcionar
siempre bien, pero cuando estamos ante un pro-
yecto como éste en el que convergen músicos e inte-
reses de diversas áreas, resulta grandioso. Lo mismo
ocurre con el Dowland Project de John Potter, en el
que colaboró en sus diferentes encarnaciones con
artistas como John Surman o Barry Guy. Y también
había música folclórica en su tercer álbum.”
Uno no esperaría que Manfred Eicher tuvie-
se un estrecho apego por la música antigua en todo
su esplendor (a pesar de haber tocado en una orques-
ta en su juventud). Rolf Lislevand acaba de grabar
su tercer álbum en ECM, dedicado a la música
francesa del siglo XVII para guitarra barroca y tior-
ba a solo, y nos explica que “esta música no es muy
fácilmente accesible, y no creía que Manfred Eicher
hubiera escuchado muchas veces música como ésta
con anterioridad, por lo que no tenía muchas espe-
ranzas en que él fuese especialmente sensible hacia
los detalles estilísticos tan especiales que contie-
ne. Sin embargo, Manfred tiene una sensibilidad
única hacia lo valioso en cualquier lenguaje o esti-
lo musical. Reaccionó a ella a su modo habitual:
parece estar medio dormido durante el proceso de
grabación, y de pronto, cuando ocurre algo que no
encaja, inmediatamente lo identifica y te da conse-
jos que te ayudan a ir más lejos. Este diálogo entre
intérprete y productor es esencial, y mucho más
en las grabaciones a solo.”
Ketil Bjørnstad –que estudió piano clásico e
hizo su debut a los 16 años con la Filarmónica de
Oslo, aunque cuatro años más tarde enfocó su inte-
rés hacia la improvisación, creando a lo largo de
los años álbumes como The Light, The River, The Sea
y más recientemente Night Song– nos ofrece una
reflexión más acerca del carácter aventurero de
ECM, personificado en las reacciones instintivas
de Manfred Eicher. “Manfred también me anima-
ba a sobrepasar lo que yo siempre había visto como
límites. Me fascinó su modo de entender el len-
guaje visual de un modo tan cercano a la música,
escogiendo sus diseños de portada para los álbu-
mes, y además su visión cinematográfica de todo
lo que hace. Me propuso el Antonioni Project (un
homenaje al cineasta italiano) para el Festival de
Jazz de Molde de 2010 (en una ciudad sita en el
fiordo Romsdals). Me proporcionó un escenario y
me sugirió que yo podía usar el mejor tipo de músi-
cos que pudiese soñar, como Andy Sheppard. Fue
la inspiración de Manfred lo que realmente me per-
mitió pensar con libertad y aprovechar oportuni-
dades. Algo muy importante también es que nunca
se trata de ventas, sino que lo realmente importan-
te es la libertad artística.”
portada
Rolf Lislevand © Roberto Masotti / ECM Records
Desde hace cuatro décadas, Noruega ha emer-
gido como una pieza clave del jazz europeo, según
nos cuenta Steve Lake, “como una especie de bús-
queda de lo nórdico en sí mismo: El primer inte-
rés de Manfred fue Jan Garbarek, y le siguió a
Noruega. Cuando Manfred contactó por prime-
ra vez con Jan, éste era un saxofonista de free-jazz
post-Coltrane, pero en el transcurso de unos pocos
años se libró de algunas influencias y echó raíces
en las fuentes folclóricas noruegas, línea que sigue
desde que se enroló en ECM. Otros músicos del
calibre de Jan, como Arild Andersen o Terje
Rypdal, habrían acabado por hacerse oír desafian-
temente, pero creo que el hecho de que Manfred
les encontrase tan pronto y consiguiera que su
música fuese tan ampliamente conocida, dio un
inmenso voto de confianza al conjunto de los artis-
tas noruegos. Ahora hay una segunda generación
inspirada por aquella primera ola, lo cual ha for-
talecido enormemente la escena artística actual de
Noruega. A mi parecer es lógico que las cosas más
interesantes ocurran también en los límites. Existe
un interés por las formas tradicionales, pero tam-
bién ellas quieren comenzar a emerger y mezclar-
se con otras ideas, y buen ejemplo de esto es el
álbum de Savall y Johansen.”
Desde el punto de vista de un músico norue-
go activo en Oslo desde finales de los años 60,
Ketil Bjørnstad opina que “es imposible exagerar
la importancia de Manfred. Lo que más me llama
la atención de cuando vino por primera vez en
1969 y comenzó a grabar en el diminuto estudio
Arne Bendiksen de Oslo, fue que llegó con los
mejores impulsos que se podían traer a Noruega.
La sorpresa debió haber sido buena también para
todos los músicos noruegos, porque en su estu-
dio de trabajo había una mezcolanza de gentes
entre las que estaban los músicos que daban con-
ciertos en el famoso Club 7 de Oslo, donde podí-
as encontrarles siempre. Creo que el modo de
pensar de Manfred, y también su valentía, tomó for-
ma en su abierta estética: no escogía el repertorio
standard, especialmente en aquellos tiempos en
que la influencia de Estados Unidos era increíble-
mente profunda. Hay que señalar que Manfred
fue capaz de dibujar un mapa completamente nue-
vo para la música contemporánea.”
Dentro de este espíritu aventurero, el uso de
la improvisación tanto en su sentido jazzistico como
en el empleado por intérpretes de música antigua
o por el propio Ketil Bjørnstad demuestra un cri-
terio de flexibilidad filosófica en la música, fomen-
tado en toda la labor de ECM: “La improvisación
supuso para mí una fantástica liberación –sobre
todo porque yo nunca me había visto como un
auténtico músico de jazz, y no crecí escuchando
 portada / jazz & otras músicas
“Una ha de encontrar
su propio camino, ¡y a
veces no es fácil en
una familia tan
musical y con tanto
talento!” A. Savall
standards de jazz, sino Bach y Mahler– para elegir
poder ser algo más que un intérprete, de no pasar
tanto tiempo estudiando las obras de otros compo-
sitores, tratando de interpretarlos con propiedad
ante un público. Cuando tomé esa decisión a la
edad de 20 años, era una época fascinante en la his-
toria de la música, pues fueron en muchos aspec-
tos los grandes años de Miles Davis, y los pianistas
encontramos una nueva generación despuntando
con una mayor libertad para experimentar e impro-
visar sobre acordes no vinculados al modo stan-
dard de tocar jazz. Siempre me sentí un
improvisador, no un músico de jazz, y Manfred ha
sido un puente crucial entre dos medios musicales
bastante separados, la clásica y el jazz. Ahora la
distancia es mucho menor que hace cuarenta años.”
Desde su ámbito de música antigua (y pese a
sus tempranas incursiones en la improvisación
con guitarra eléctrica), Rolf Lislevand declara que
cuando se utilizan técnicas de improvisación barro-
ca, “lo que se superpone a la propia música no es
una construcción o un concepto ajeno. Creo que
la parte improvisatoria es un desarrollo necesario
y natural de la propia música escrita. Lo más impor-
tante en cualquier tipo de música es que debe comu-
nicar, y debe comunicar con algún tipo de lenguaje
comprensible para la gente de hoy. La improvisa-
ción no es tanto una cuestión de alterar el lengua-
je básico ni de realizar cambios esenciales en la
música, sino permitirte la adaptación a una nue-
va situación de escucha. Y toda situación de escu-
cha cambia a lo largo del tiempo. La gran diferencia
en el repertorio musical entre hoy y el tiempo en
que se compuso es que la situación de escucha es
distinta (y también quizá sea diferente el espíritu
de la gente).”
Hablando de moverse atrás y adelante a través
de los estilos y tradiciones musicales, Arianna Savall
concluye así su reflexión sobre la creación sonora
en el norte y el sur: “Nuestra formación es clásica,
pero al descubrir la música antigua nos quedamos
enamorados de este estilo tan fresco, donde la
improvisación tiene un rol muy importante, don-
de la creatividad, siempre desde el conocimiento
de  los estilos, también se trabaja, donde se puede
cantar con naturalidad..., en fin, es un mundo muy
rico, como el de la música tradicional, donde lo
directo y espontáneo juegan también un rol muy
característico. La música tradicional tiene algo que
va directo al corazón, en sus melodías hay una emo-
ción muy intensa como en El Mestre o en Bendik og
Arolija y a las vez son cantos muy antiguos; algu-
nos de ellos vienen de la época medieval, como
Morena. Por eso hice este tema sefardí casi como
una canción de trovador, solo con el arpa gótica y
la mandolina que es como el laúd que dialoga con
la voz y el contrabajo de bordón.”
Traducción: José Velasco
216 / julio-agosto 2012
Golondrina que vuelas los mares
Arianna Savall, Petter Udland Johansen y el ensemble Hirundo Maris
presentan un cancionero de músicas antiguas en torno al mar
Sabemos que el libro de viajes, esa variedad de
prosa entre la confesión y el diario de aventuras,
tiene un pariente en la música que sólo algunos
han sospechado, pero lo cierto es que el “álbum de
viajes” existe desde los tiempos del acetato: Blind
Willie Johnson refirió en sus primeros discos la
experiencia de aquellos vagabundos del jazz que
recorrían el Mississippi con una guitarra de alqui-
ler y que solían encontrarse al diablo en el fondo
de una botella; Miles Davis es autor de uno de los
mejores discos de viajes de la historia, Sketches of
Spain y el disco blanco de Los Beatles es un viaje
metacultural por unas fronteras del pop disueltas
en ácido. Pero la new age y sus derivas “clásicas”
han sido las líneas musicales más viajadas: Yo-Yo
Ma y su Silk Road Ensemble nos han guiado por
la Ruta de la Seda como émulos de Salgari, los
cuatro arcos del Kronos Quartet han intentado
persuadirnos de que los mapas mienten y artistas
como Kitaro, Olfield o Sakamoto son conocidos
por sus errares.
Nadie discutirá a estas alturas que ECM es la
discográfica que más se ha interesado por la expe-
riencia del tránsito al inventar nuevas geografías
y empalmar culturas distantes con instrumentos
políglotas. En Cantos del Sur y del Norte, el último
cuaderno de viaje producido por Manfred Eicher,
el grupo Hirundo Maris de la cantante y arpista
Arianna Savall y el violinista y cantante Petter
Udland Johansen recoge en un cancionero de ultra-
mar una tradición de nanas, cantos y baladas nor-
mediterráneas que el contubernio de las aguas y el
comercio de los hombres han llevado tierra aden-
tro desde el Mar del Norte hasta el Mediterráneo
y de vuelta al septentrión.
No obstante, Cantos del Sur y del Norte no
pretende historiar estas transacciones sino can-
tarnos una fábula animada por ese aliento de poe-
ta marinero que inflaba los versos de Alberti; la
candidez del concepto obliga a omitir que estas
migraciones musicales solían ir precedidas por los
tambores de la guerra o que sagas como la de Erik
el Rojo se escriben con la espada, pero repetimos
que Cantos del Sur y del Norte es antes una enso-
ñación que una crónica. De hecho, la propia his-
45
David Rodríguez Cerdán
toria de amor referida en El mariner –ese tema
náutico que es el centro del disco– nos incita a
inventarnos que Savall, aún estremecida por la
dolorosa sombra de la madre, es en realidad una
bardesa catalana con nostalgia de salitre y Johansen
un marino varego en cuyo hardingfele está la patria:
la marea de preciosas tonadas catalanas, sefardí-
es, noruegas y escocesas que se cantan como el
uno al otro en compañía de Sveinung Lilleheier
(canto, guitarra y dobro), Miquel Àngel Cordero
(canto y contrabajo) y David Mayoral (canto y per-
cusión) rompen en el oído mares estrellados, una
cuna mecida por la brisa salitre, la proa de un drak-
kar mirando a levante o el puerto nocturno de una
remota fantasía persa. No es casualidad que la pri-
mera cadencia de contrabajo de El mestre semeje
el viento en las velas o que el arpa gótica y el can-
to de Savall –con ese centro suyo tan delgado y
laríngeo– suene a color de aguamarina, porque
todo es mar en esta música, un mar que revuelve
pueblos, giros y modos hasta que ya no tiene sen-
tido pensarlos como distintos: no hay más distan-
cia entre las mozas casaderas de las sefardíes Buenas
noches, Ya salió de la mar o Morena me llaman –en
las que el repujado de cuerdas pulsadas y las líne-
as de melismas nos dibujan patios y celosías– y las
damas norteñas y melancólicas de Om Kvelden,
Halling, Bendik og Arolilja u Ormen lange –donde
brillan las agilidades al pandero de David Mayoral
o la ligera sustancia de los rasgueos– que la que
separa a las unas y a las otras de la felicidad, y tan-
to en los tradicionales catalanes El noi de la mare,
Yo m’enamorí d’un aire y El mariner –esa memora-
ble sucesión de cuartetos rematada por un inter-
valo plagal que chispea la versificación– como en
los riffs de la música nueva de Savall y Johansen
encontramos industrias similares a las de la
Tarantela de Ribayaz o a las de la escocesa y uni-
versal The Water is Wide. Y es que si hay algo que
se aprende de este viaje a lomos de la golondrina
marina de Savall y Johansen es que el corazón
humano tiene mucho de carta esférica.
ARIANNA SAVALL / PETTER UDLAND JOHANSEN: Hirundo
Maris (Chants du Sur et du Nord)
Arianna Savall voz, arpa gótica, triple arpa italiana. Petter
Udland Johansen voz, hardingfele, mandolina. Sveinung
Lilleheier, guitarra, dobro, voz. Miquel Àngel Cordero, con-
trabajo, voz. David Mayoral, percusión, voz / ECM RECORDS
/ Ref.: ECM 2227 (1 CD) D1
46 di v e r di jazz & otras músicas

El pianovelista ... músicas del deseo

adolescente
Música de Ketil Bjørnstad sobre sus propias novelas acompañada por Los ragtimes de Donald
los mejores adagios para piano de todos los tiempos Ashwander y Sharon Moore
José Velasco Pierre Élie Mamou

“El de Bjørnstad es un jazz

suave, delicado,
ambiental, en esa frontera
de sensibilidad que limita
con la música clásica, con
textura cinematográfica y
primacía de los tiempos
lentos.”
El noruego Ketil Bjørnstad (1952) es una de las más destacadas figuras culturales y artísticas del área ... músicas de un tiempo pasado, ragtime, de una
escandinava, y, además de famoso pianista y compositor, es todo un hombre de letras. Novelista, ensa- vida de antes, acaso la mía, cuando nada importa-
yista, poeta y biógrafo, tiene cerca de cuarenta libros publicados y casi sesenta discos de jazz suave y ba tanto como la cita del sábado, el baile tiernamen-
asequible, incluyendo bandas sonoras para películas de Ken Loach y Jean-Luc Godard. Comenzó como te agarrado en las pistas de los Forgotten Ballrooms,
pianista clásico pero pronto cayó en las redes del jazz, campo en el que ocupa un lugar de honor tanto en la terraza sobre la mar iluminada por la luna de
como compositor como intérprete, actuando solo o con músicos de la talla del chelista David Darling, Perdido Bay, allá (¿os acordáis?) cerca del campo
el guitarrista Terje Rypdal o el baterista Jon Christensen, con quienes ha realizado discos tan afama- de tenis abandonado... músicas improvisadas sobre
dos y recomendables como Water Stories, The Sea, Epigraphs y Remembrance. temas tradicionales que remontan a Scott Joplin o
Esta figura de referencia en el jazz disfruta de una fama pareja en el mundo de las letras, pese a a quién sabe, composiciones originales de
que en España solo se haya editado uno de sus libros, la novela titulada A la música. Su publicación en Ashwander dosificando hábilmente la voz de la
2010 en nuestro país vino avalada por el gran éxito, en los países del norte y centro de Europa, de este joven Sharon Moore, sobre el glorioso compás
libro y de los dos posteriores con los que forma una premiada trilogía protagonizada por el adolescen- binario que le va tanto al bullicio como a la melan-
te Aksel Vinding, a quien en el primer volumen vemos madurar a trompicones durante unos años mar- colía, que podría definir esa fiebre de los amores
cados por sus exigentes estudios de piano y un hogar roto por la dramática muerte de su madre. La sucesión adolescentes y menos inocentes pues es también
de incertidumbres, deseos, esfuerzos, amoríos y dilemas morales que va atravesando este personaje con el del tango, el argentino, el brasileño o el flamen-
dejes autobiográficos ha fascinado ya a miles de jóvenes europeos. co, compás o movimiento del balanceo a dos, ade-
Inspirándose en su propia trilogía, Bjørnstad acaba de crear este nuevo álbum con dos discos, lante/atrás, izquierda/derecha, in&out, como dicen
titulado Vinding’s music: Songs from the alder thicket (Música de Vinding: Cantos de la espesura de los en los Estados Unidos, que permite dejarse llevar
arbustos alisos). Empezaré mencionando el segundo de los CDs, que es todo un acierto, pues recoge un por la embriaguez sin tener que contar hasta tres...
concierto en homenaje a estas novelas que ofreció en Oslo la Norwegian Radio Orchestra dirigida por ... compás no cíclico, ideal para los paseos
Christian Eggen, con el propio Eggen y dos jóvenes pianistas (Gunilla Süssmann y Jie Zhang) como debajo de las mimosas sin meta que no fuera los
solistas, interpretando músicas que aparecen en estos libros. Recoge una magnífica selección de algu- bungalós de las dunas donde repetir, tiernamente
nos de los más hermosos movimientos lentos jamás escritos para piano o piano y orquesta (Mozart, agarrados, los movimientos del baile, volcón y
Debussy, Rachmaninov, Chopin, Ravel y Beethoven) y se cierra etéreamente con el Adagio para cuer- revolcón, hasta el amanecer festejado con cafés-
das de Barber. La interpretación es más que notable y el embrujo de estas músicas tan emocionales sur- croissants, cappuccini, o whiskisses húmedos,
te su efecto. según el lugar y los protagonistas, y a veces un
Pasemos ahora al primer disco, interpretado por Bjørnstad en solitario, que consiste en una ins- poco más...
pirada y elaborada improvisación pianística en torno a sus tres libros, como una banda sonora. Su ... y omnipresente, el acento del blues para el
modo de tocar es sugerente y tranquilo, con una sibilina capacidad para erigir emociones utilizando la recuerdo de vivencias de esta época pasada, pero
arena de nuestro propio castillo. La linde entre compositor e improvisador es absolutamente impreci- la mirada de ella, ahora mismo, en frente de mí, lo
sa en Bjørnstad, y la sensibilidad de su toque está perfectamente recogido por la técnica de grabación, desmiente o puede que sea sólo mi imaginación
de una transparencia blanquecina y quieta; parece adivinarse el polvo flotando en el aire entre cada nota bajo influencia de esta música...
suspendida. La atmósfera de estas nueve piezas es recogida, íntima, como estar en una habitación sin
cortinas media hora antes del amanecer; una música donde resguardarse.
Aquí no hay experimentación ni vanguardia, sino inspiración y cariño del artista hacia su obra. El
de Bjørnstad es un jazz suave, delicado, ambiental, en esa frontera de sensibilidad que limita con la músi-
ca clásica, con textura cinematográfica y primacía de los tiempos lentos. Es música elegante, desnuda
y fluida de un piano que se basta para contárnoslo todo con gestos limpios y claros, con una caligrafía
que dibuja horizontes cercanos, tan cercanos como que son los que hay en el corazón del adolescente
protagonista y de cada persona arropada de silencio que escuche este disco.
DONALD ASHWANDER (1929-1994): Sunshine and Shadow
KETIL BJORNSTAD (1952): Vinding's Music (Songs from the Alder Thicket) [obras de Bjørnstad, Mozart, Debussy, (ragtimes para piano)
Rachmaninov, Chopin, Ravel, Beethoven y Barber)
Donald Ashwander, piano. *Sharon Moore, voz. ** Catherine
Ketil Bjørnstad, piano. Christian Eggen, piano. Gunilla Süssmann, piano. Jie Zhang, piano. Norwegian Radio Orchestra. Styron, piano. Charlie Chadwick, bajo. Peter Hyrka, violín /
Christian Eggen, director / ECM RECORDS / Ref.: ECM 2170/71 (2 CD) D10 x 2 NEW WORLD RECORDS / Ref.: 80724-2 (2 CD) D10 x 2
 jazz & otras músicas
Queda luz dorada
John Abercrombie y su cuarteto rinden homenaje
a grandes estrellas del jazz
John Abercrombie Quartet
Manfred Eicher le solicitó a John Abercrombie un
álbum-homenaje a un músico de su elección. La res-
puesta del guitarrista ha sido uno dedicado a sus
influencias formativas: temas de Miles Davis, Bill
Evans, John Coltrane, Ornette Coleman, y sobre
todo el que se apunta como el ur-text entre ellas,
The Bridge, de Sonny Rollins, con Jim Hall. “La
música de este disco”, dice Abercrombie,” está
dedicada a todos esos músicos que me dieron un
nuevo lugar donde vivir”. Si la elección del guita-
rrista puede parecer a primera vista una salida
fácil, hay que decir que el prejuicio se desvanece
desde que suenan las primeras notas de Where are
You? que abren el disco: se hace patente que este
es un trabajo más movido por un admirativo cui-
dado que por necesidades emotivas, retrospectivo
sin resultar nostálgico, ligero sin caer en lo leve, y
de una refinada elegancia que esquiva toda aristo-
crática distancia. Fred Astaire diagnosticaba que
si algo no parece fácil es que no has trabajado sufi-
cientemente en ello, y es algo aplicable a Within a
Song. Su facilidad de escucha, su meterse –como
anuncia su título– dentro del corazón de la canción
para emerger con una consistencia aérea sin fric-
ción alguna entre los miembros de una banda que
suena libérrima, sólo proviene de años de magis-
terio instrumental y toque sin ego que convierten
al disco tanto en una delicia como en pieza que
provoca la misma admiración que Abercrombie
siente hacia este repertorio de clásicos modernos
que le formaron. Una pieza de madurez absoluta
en la que no se necesita demostrar nada pero des-
prende en todo momento una sabiduría sin esfuer-
zo presente en la mera respiración de los temas, de
la banda, de las opciones individuales. Porque
Within a Song, lo mismo podría haberse titulado
Wise One, como el tema de Coltrane que interpre-
tan, o Interplay, como el de Bill Evans al que tam-
bién incluyen, o incluso, dada la corriente
retrospectiva que recorre el álbum, Some Time Ago,
y no faltarían un ápice a la palabra dada. Cualquiera
de estos títulos describiría con exactitud su con-
tenido porque Within a Song es un festín de toque
melódico, detallista, empático, sin prisa y envolven-
te como una niebla flotante. Lovano es una apues-
216 / julio-agosto 2012
Ángel Gómez Aparicio
ta segura en estos terrenos, templado, lírico, incor-
póreo ya desde las primeras notas de Where are
You, mezclando tonos con Abercrombie en su rol
más a lo Jim Hall, con Baron salpicando color y tex-
turas con escobillas y platos, y estallando con gol-
pes en sus toms, y Drew Gress impecable en sus
sentidos del tiempo, de la colocación de la nota y
de la discreción. Within a Song rinde homenaje en
forma de variación entrecortada al Without A Song
de The Bridge de Sonny Rollins. El acompañamien-
to de Abercrombie en ella es modélico y una rít-
mica mullida mueve el tema con el ronroneo seguro
y gozador de un Rolls Royce en su único corte a
paso ligero, porque Within a Song es una enorme-
mente disfrutable colección de baladas: desde un
ceremonial Flamenco Sketches al original a tiempo
de vals Easy Reader, pasando por un quedamente
iluminado Wise One. No hay destellos, ni efectos,
sino una luz matizada, acogedora, con el trabajo
lleno de tacto y exquisiteces de maestros. Desde
dentro de la canción.
JOHN ABERCROMBIE QUARTET: Within A Song
John Abercrombie, guitarra. Joe Lovano, saxo tenor. Drew
Gress, contrabajo. Joey Baron, batería / ECM RECORDS /
Ref.: ECM 2254 (1 CD) P.V.P.: 17,50 €.-
47
Sujetos al cambio
Year of the Snake, un gran disco de
Turner, Grenadier y Ballard
Ángel Gómez Aparicio
Mark Turner, Larry Grenadier y Jeff Ballard per-
tenecen a esa especial casta del músico para músi-
cos: intérpretes que fijan un nivel técnico,
desarrollan sutilidades apreciadas por la esfera de
iniciados y abren modos de interpretación que
después son adoptados y copiados por otros. Los
tres músicos han tocado y tocan en bandas tan
populares como el trío de Brad Mehldau, el cuar-
teto de Joshua Redman o el de Kurt Rosenwinkle.
Para su proyecto conjunto, Fly, eligieron otra ópti-
ca, la del grupo sin líder en la que el cemento de la
concepción democrática del jazz, el diálogo, es
supeditado a la concepción igualitaria de la for-
mación. Sus dos primeros discos, Fly (Savoy) y
Sky & Country (ECM,) son dos piezas de toque de
enorme altura, plenos de interés por su concentra-
ción en lo armónico, pero finalmente algo remo-
tos –que no incomunicativos– en su severidad
expresiva, pensativa y mesurada en su superficie,
aventurada e inventiva en la intercomunicación
interna, naturaleza de sus temas y desestructura-
ción jerárquica del grupo. Year of the Snake es su
mejor encarnación. No hay sitio para lo obvio en
él. Sólo hay un tema con material y ordenación
tradicional: Salt and Pepper. El resto corresponde
al planteamiento caleidoscópico del trío: el bajo
puede llevar la melodía, el tenor proveer la conti-
nuidad y la batería cambiar constantemente de
esquemas rítmicos, o el trío puede entregarse a un
toque en unísono más cercano a lo camerístico
hasta que Ballard desemboque en un groove poli-
rrítmico… Todo está sujeto al cambio. Un corte
como Kingston evoluciona desde una formalidad
camerística a ser movida por una rítmica casi funk
para incluir un impresionante solo escalar de
Turner. Con la irresistible Festival Tune, Diorite y
Brothersister, forman lo mejor de este disco elabo-
rado, pleno de inteligencia y ya no reducible a lo
cerebral, a lo admirativo. Uno de los lanzamientos
mayores de ECM para 2012.
FLY: Year Of The Snake
Fly Trio (Mark Turner, saxo tenor; Larry Grenadier, contra-
bajo; Jeff Ballard, batería) / ECM RECORDS / Ref.: ECM 2235
(1 CD) P.V.P.: 17,50 €.-
 julio_agosto 2012 www.diverdi.com
a n t igua

endbeginning lutero y su adversario brandenburgo

obras corales de brumel, crecquillon...
ENDBEGINNING: Obras corales de Brumel, Crecquillon,
Non Papa, Desprez y Hill / New York Polyphony
bis
BIS SACD 1949 | 1 SACD | D3 | EAN: 7318599919492
obras de gombert, lutero, schlick...
MARTÍN LUTERO Y SU ADVERSARIO ALBERTO DE BRAN-
DENBURGO: Obras de Schlick, Gombert, Lutero, Senfl,
Heintz, Schönfelder...) / Johann Rosenmüller Ensemble.
Arno Paduch, director
christophorus
CHE 0170-2 | 1 CD | D13 | EAN: 4010072017024

vox clamantis noces de sang

filia sion (obras corales de la e. media) oratori del mil·lenari...
VOX CLAMANTIS: Filia Sion (obras corales de la Edad NOCES DE SANG: Oratori del Mil·lenari del Sant Dubte
Media - Perotinus, Hildegard von Bingen y Petrus Wilhelmi d'Ivorra / Cordomí, Casanova, Bordas y Marson / Orquestra
de Grudencz) / Vox Clamantis. Jan-Eik Tulve, director Julià Carbonell De Les Terres De Lleida. Coral Ginesta de
Cervera. Orfeó Nova Solsona
ecm records la ma de guido
ECM 2244 | 1 CD | D1 | EAN: 0028947644996 AH 224 | 1 CD | D3 | EAN: 8431471502243

entre aventuras y encantamientos requiem para cervantes

música para don quijote obras de romero, ruimonte y velasco
ENTRE AVENTURAS Y ENCANTAMIENTOS: Música para REQUIEM PARA CERVANTES: Obras de Mateo Romero,
Don Quijote / La Grande Chapelle. Àngel Recasens, direc- Pedro Ruimonte y Sebastián López de Velasco / La Grande
tor Chapelle. Schola Antiqua. Àngel Recasens, director

lauda lauda
LAU 001 | 1 CD | D2 | EAN: 5412690234347 LAU 002 | 1 CD | D2 | EAN: 5412690234354

el vuelo de ícaro josé de nebra

música para el eros barroco vísperas de confesores
EL VUELO DE ÍCARO: Música para el eros barroco / La JOSÉ DE NEBRA (1702-1768): Vísperas de confesores / La
Grande Chapelle. Àngel Recasens, director Grande Chapelle. Àngel Recasens, director. Schola Antiqua.
Juan Carlos Asensio, director

lauda lauda
LAU 003 | 1 CD | D2 | EAN: 5412690050282 LAU 004 | 1 CD | D2 | EAN: 5412690050756

el gran burlador joan pau pujol

música para el mito de don juan procesión y completas del corpus christi
EL GRAN BURLADOR: Música para el mito de Don Juan / La JOAN PAU PUJOL (1570-1626): Música para el Corpus
Grande Chapelle. Àngel Recasens, director (Procesión y Completas del Corpus Christi) / La Grande
Chapelle. Albert Recasens, director. Schola Antiqua. Juan
Carlos Asensio, director
lauda lauda
LAU 006 | 1 CD | D2 | EAN: 5412690051135 LAU 007 | 1 CD | D2 | EAN: 5412690051579

cristóbal galán juan garcía salazar

canto del alma in dominica palmarum
CRISTÓBAL GALÁN (ca. 1625-1684): Canto del alma* / La JUAN GARCÍA SALAZAR (1639-1710): In Dominica
Grande Chapelle. Albert Recasens, director (*Primera Palmarum* / La Grande Chapelle. Schola Antiqua. Albert
Grabación Mundial) Recasens, director (*Primera Grabación Mundial)

lauda lauda
LAU 010 | 2 CD | D10 x 2 | EAN: 5412690053009 LAU 011 | 1 CD | D2 | EAN: 5412690053016

tomàs milans i godayol domenico scarlatti

música religiosa 13 sonatas
TOMÀS MILANS I GODAYOL (1672-1742): Música religiosa DOMENICO SCARLATTI (1685-1757): 13 Sonatas (en trans-
/ Laia Frigolé, soprano. La Xantria. Pere Lluís Biosca, direc- cripción para guitarra) / Marcos Díaz, guitarra
tor

musiepoca opera tres

MEPCD 005 | 1 CD | D10 | EAN: 8436021022738 CD 1046 | 1 CD | D2 | EAN: 8425419010464

francesco saverio geminiani domenico gabrielli

sonatas op. 4 cantatas
FRANCESCO SAVERIO GEMINIANI (1687-1762): Sonatas DOMENICO GABRIELLI (1659-1690) / BARTOLOMEO
para violín, vol. 4 / Liana Mosca, violín. Antonio Mosca, che- MONARI (1662-1707): Cantatas / Sistite Sidera
lo. Luca Pianca, archilaúd. Giorgio Paronuzzi, clave

stradivarius stradivarius
STR 33853 | 1 CD | D2 | EAN: 8011570338532 STR 33878 | 1 CD | D2 | EAN: 8011570338785
a n t igua
alessandro scarlatti
ardo e ver
ALESSANDRO SCARLATTI (1660-1725): Ardo e ver (canta-
tas y sonatas con flauta) / Valentina Varriale, soprano.
Tommaso Rossi, flauta de pico. Ensemble Barocco di Napoli
stradivarius
STR 33922 | 1 CD | D2 | EAN: 8011570339225
música para clave de inglaterra, españa...
zuzana ruzicková
MÚSICA PARA CLAVE DE INGLATERRA, ESPAÑA Y PORTU-
GAL: Obras de Dowland, Richardson, Bull, Munday, Morley,
Peerson, Byrd, Farnaby, Purcell, Croft, Cabezón, Carlos de
Seixas y Soler / Zuzana Ružicková, clave (1966 y 1983)
supraphon
SU 4118-2 | 2 CD | D5 x 2 | EAN: 0099925411824
carl philipp emanuel bach
clasicismo
música para tecla, vol. 25
CARL PHILIPP EMANUEL BACH (1714-1788): Música para
tecla, vol. 25 (Sonatas de 1740 a 1770) / Miklós Spányi, cla-
ve
bis
BIS 1819 | 1 CD | D3 | EAN: 7318590018194
christian westerhoff
sinfonía; conciertos para clarinete
CHRISTIAN WESTERHOFF (1763-1806): Conc. para clarine-
te, op. 5. Conc. para clarinete, fagot y orquesta; Sinfonía en
Si bemol mayor / S. Manz, clarinete. A. Holder, fagot.
Symphonieorchester Osnabrueck. Dir.: Hermann Baeumer
cpo
777598-2 | 1 CD | D2 | EAN: 0761203759828
francisco j. garcía fajer
oficio de difuntos
FRANCISCO JAVIER GARCÍA FAJER "EL ESPAÑOLETO"
(1730-1809): Oficio de difuntos / La Grande Chapelle.
Albert Recasens, director. Schola Antiqua. Juan Carlos
Asensio, director
lauda
LAU 008 | 1 CD | D2 | EAN: 5412690051586
ópera
rigoletto (dvd)
giuseppe verdi
GIUSEPPE VERDI (1813-1901): Rigoletto / Kraus, Nucci,
Serra, Pertusi, Vespasiani / Orchestra sinfonica dell Emilia
Romagna. Coro del Teatro Regio di Parma. Dir.: Angelo
Campori (1987)
hardy video
HCD 4001 | 1 DVD | D4 x 2 | EAN: 8018783040016
norma (dvd)
vincenzo bellini
VINCENZO BELLINI (1801-1835): Norma / Caballé, Veasey,
Ferrin / Orchestra e Coro del Teatro Regio di Torino. Dir.:
Giuseppe Patanè. Jacques Bourgeois y Jean Darnel, direc-
ción escénica (1974)
hardy video
HCD 4003 | 1 DVD | D4 x 2 | EAN: 8018783040030
fausto (dvd)
charles gounod
CHARLES GOUNOD (1818-1893): Fausto / Kraus, González,
Ghiuselev, Coviello / Orchestra Sinfonica dell`Emilia
Romagna "Arturo Toscanini". Dir.: Alain Guingal. Beppe de
Tomasi, director escénico (1987)
hardy video
HCD 4005 | 1 DVD | D4 x 2 | EAN: 8018783040054
lucia di lammermoor (dvd)
gaetano donizetti
GAETANO DONIZETTI (1797-1848): Lucia di Lammermoor
/ Serra, Kraus, Zancanaro / Orchestra Sinfonica dell' Emilia-
Romagna "Arturo Toscanini". Dir.: Angelo Campori Luigi
Samaritani, director escénico (1986)
hardy video
HCD 4020 | 1 DVD | D4 x 2 | EAN: 8018783040207
don carlo (dvd)
giuseppe verdi
GIUSEPPE VERDI (1813-1901): Don Carlo / Furlanetto, Neill,
Jenis, Kotscherga, Cedolins / Orchestra e Coro del Teatro
alla Scala. Dir.: Daniele Gatti. Stéphane Braunschweig,
director escénico (2008)
hardy video
HCD 4042 | 1 DVD | D3 x 2 | EAN: 8018783040429
johann sebastian bach
variaciones goldberg bwv 988
JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): Variaciones
Goldberg BWV 988 / Luca Guglielmi, clave (Christian Vater,
Hannover, 1738)
stradivarius
STR 33925 | 1 CD | D2 | EAN: 8011570339256
johann sebastian bach
fantasía cromática
JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): Fantasía cromática
/ Ignacio Prego, clave
verso
VRS 2125 | 1 CD | D10 | EAN: 8436009801256
der vogelfänger bin ich ja
mozart para flauta y guitarra
DER VOGELFÄNGER BIN ICH JA: Obras de Mozart para
flauta y guitarra (en arreglos de sus contemporáneos
Fernando Carulli y Matteo Carcassi) / Bernhard Böhm, flau-
ta travesera. Jürgen Hübscher, guitarra
christophorus
CHE 0171-2 | 1 CD | D13 | EAN: 4010072017123
antonio rodríguez de hita
canciones instrumentales
ANTONIO RODRÍGUEZ DE HITA (1722-1787): Canciones
instrumentales / La Grande Chapelle. Àngel Recasens,
director
lauda
LAU 005 | 1 CD | D2 | EAN: 5412690050763
antonio rodríguez de hita
misa o gloriosa virginum
ANTONIO RODRÍGUEZ DE HITA (1722-1787): Misa O
Gloriosa Virginum / La Grande Chapelle. Albert Recasens,
director. Schola Antiqua. Juan Carlos Asensio, director
lauda
LAU 009 | 1 CD | D2 | EAN: 5412690051999
la forza del destino (dvd)
giuseppe verdi
GIUSEPPE VERDI (1813-1901): La Forza del Destino /
Tebaldi, Corelli, Bastianini, Christoff / Orchestra e Coro del
Teatro San Carlo di Napoli. Dir.: Francesco Molinari Pradelli
hardy video
HCD 4002 | 1 DVD | D4 x 2 | EAN: 8018783040023
otello (dvd)
giuseppe verdi
GIUSEPPE VERDI (1813-1901): Otello / Del Monaco,
Carteri, Capecchi / Orchestra e Coro della RAI di Milano.
Tullio Serafin, director musical (1958)
hardy video
HCD 4004 | 1 DVD | D4 x 2 | EAN: 8018783040047
los cuentos de hoffmann (dvd)
jacques offenbach
JACQUES OFFENBACH (1819-1880): Los cuentos de
Hoffmann / Kraus, Welting, Hendricks / Orchestra Sinfonica
"Arturo Toscanini". Alan Guingal, director musical. Beppe de
Tomasi, director escénico (1988)
hardy video
HCD 4012 | 1 DVD | D4 x 2 | EAN: 8018783040122
il trittico (dvd)
giacomo puccini
GIACOMO PUCCINI (1858-1924): Il Trittico (Il Tabarro;
Suor Angelica; Gianni Schicchi) / Pons, Lipovsek, Nucci /
Orchestra e Coro del Teatro alla Scala di Milano. Dir.:
Riccardo Chailly. Luca Ronconi, director escénico (2008)
hardy video
HCD 4041 | 1 DVD | D3 x 2 | EAN: 8018783040412
don carlo (dvd)
giuseppe verdi
GIUSEPPE VERDI (1813-1901): Don Carlo / Caballé,
Bumbry, Aragall, Bruson / Orchestre National de France.
Choeurs de Radio France. Dir.: Thomas Fulton. Jean-Claude
Auvray, director escénico (1984)
hardy video
HCD 4045 | 1 DVD | D4 x 2 | EAN: 8018783040450
 la forza del destino (dvd)
ópera
giuseppe verdi
GIUSEPPE VERDI (1813-1901): La Forza del Destino /
Caballé, Carreras, Cappuccilli, Ghiaurov, Bruscantini / Coro
e Orchestra del Teatro alla Scala di Milano. Dir.: Giuseppe
Patané. Lamberto Puggelli, director escénico (1978)
hardy video
HCD 4046 | 1 DVD | D3 x 2 | EAN: 8018783040467
siglo xix
franz schubert
oberturas de ópera
FRANZ SCHUBERT (1797-1862): Oberturas de ópera /
Haydn Sinfonietta Wien. Manfred Huss, director
bis
BIS 1862 | 1 CD | D3 | EAN: 7318590018620
ludwig van beethoven
integral de la obra para piano, vol. 12
LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827): Integral de la obra
para piano, vol. 12 (Variaciones II) / Ronald Brautigam, for-
tepiano
bis
BIS SACD 1883 | 1 SACD | D3 | EAN: 7318599918839
an die musik
canciones célebres de schubert
AN DIE MUSIK: Canciones célebres de Franz Schubert /
Klaus Mertens, bajo-barítono. Tini Mathot, fortepiano
challenge records
CC 72559 | 1 CD | D2 | EAN: 0608917255928
franz liszt
obra para violonchelo y piano
FRANZ LISZT (1811-1886): Integral de la obra para violon-
chelo y piano / Trino Zurita, violonchelo. Antonio Simón,
piano (Érard, 1884)
columna música
1CM 0276 | 1 CD | D3 | EAN: 8429977102760
george onslow
integral de los trios con piano, vol. 2 y 3
GEORGE ONSLOW (1784-1853): Integral de los trios con
piano, vol. 2 y 3 / Trio Cascades
cpo
777232-2 | 2 CD | D5 x 2 | EAN: 0761203723225
franz schubert
trios con piano; sonata "arpeggione"; ...
FRANZ SCHUBERT (1797-1828): Trios con piano; Sonata
"Arpeggione" y Fantasía / Trio Dali
fuga libera
FUG584 | 2 CD | D10 x 2 | EAN: 5400439005846
siglos x x & x xi
håkan hardenberger
both sides, now (obras para trompeta)
HAKAN HARDENBERGER: Both Sides, Now (música de
Piazzolla, Weill, Newman, Morricone, Rota... arreglada para
trompeta y orquesta) / H. Hardenberger, R.Pöntinen.
Academy of St Martin in the Fields. Kenneth Sillito, director
bis
BIS SACD 1814 | 1 SACD | D3 | EAN: 7318599918143
james macmillan. vol. 1
veni, veni emmanuel
JAMES MACMILLAN (1959): Veni, Veni Emmanuel (Serie
MacMillan, vol. 1) [obras concertantes] / Colin Currie, per-
cusión. Gordan Nikolic, violín. Netherlands Radio Chamber
Philharmonic. James MacMillan, director
challenge records
CC 72540 | 1 CD | D1 | EAN: 0608917254020
dora pejacevic
lieder
DORA PEJACEVIC (1885-1923): Lieder / Cord Garben, pia-
no
cpo
777422-2 | 1 CD | D5 | EAN: 0761203742226
luisa miller (dvd)
giuseppe verdi
GIUSEPPE VERDI (1813-1901): Luisa Miller / Alaimo,
Antinori, Gasdia / Orchestra Sinfonica e Coro di Milano
della RAI. Dir.: Gianandrea Gavazzeni. Filippo Crivelli,
director escénico (1981)
hardy video
HCD 4048 | 1 DVD | D4 x 2 | EAN: 8018783040481
a summer’s day
canciones románticas suecas
A SUMMER'S DAY: Canciones románticas suecas (Berwald,
Geijer, Lindblad y Söderman) / Anne Sofie von Otter, mez-
zo-soprano. Fredrik Zetterström, barítono. Bengt Forsberg,
piano
bis
BIS SACD 1867 | 1 SACD | D3 | EAN: 7318599918679
anton bruckner
sinfonía nº 8
ANTON BRUCKNER (1824-1896): Sinfonía nº 8 /
Netherlands Radio Philharmonic Orchestra. Jaap van
Zweden, director
challenge records
CC 72549 | 2 SACD | D4 x 2 | EAN: 0608917254921
johannes brahms
las canciones populares alemanas
JOHANNES BRAHMS (1833-1897): Las canciones populares
alemanas / Konzertchor Darmstadt. Wolfgang Seeliger,
director
christophorus
CHE 0172-2 | 1 CD | D13 | EAN: 4010072017222
el triunfo de la sonata
brahms y beethoven
EL TRIUNFO DE LA SONATA: JOHANNES BRAHMS (1833-
1897): Sonata nº 3; LUDWIG VAN BEETHOVEN (Bonn,
1770–Viena, 1827): Sonata op. 2 / Enrique Bernaldo de
Quirós, piano
columna música
1CM 0304 | 1 CD | D3 | EAN: 8429977103040
philipp dulichius
motetes sacros
PHILIPP DULICHIUS (1562-1631): Motetes sacros / Weser-
Renaissance Bremen. Manfred Cordes, director
cpo
777352-2 | 1 CD | D2 | EAN: 0761203735228
doppelgänger
liszt: transc. de lieder de schubert
DOPPELGÄNGER: Transcripciones para piano de Franz
Liszt sobre lieder de Schubert / Dora Deliyska, piano
gramola
98931 | 1 CD | D2 | EAN: 9003643989313
richard rijnvos
uptown/downtown
RICHARD RIJNVOS (1964): Uptown/Downtown (Un panora-
ma urbano en seis movimientos) / John Snijders, piano.
Netherlands Radio Chamber Philharmonic. Netherlands
Radio Philharmonic Orchestra. Celso Antunes, director
challenge records
CC 72538 | 1 CD | D1 | EAN: 0608917253825
roberto gerhard/joaquim homs
música de cámara
ROBERT GERHARD (1896-1970) / JOAQUIM HOMS (1906-
2003): Música de cámara / David Ballesteros, violín. Cristo
Barrios, clarinete. Gustavo Díaz-Jerez, piano
columna música
1CM 0283 | 1 CD | D3 | EAN: 8429977102838
mieczyslaw weinberg
cuartetos de cuerda, vol. 6
MIECZYSLAW WEINBERG (1919-1996): Cuartetos de cuer-
da, vol. 6 / Quatuor Danel
cpo
777587-2 | 1 CD | D5 | EAN: 0761203758722
 felix woyrsch
siglos x x & x xi
sinfonía nº 2; obertura "hamlet"
FELIX WORYSCH (1860-1944): Sinfonía nº 2; Obertura
"Hamlet" / Oldenburgisches Staatsorchester. Thomas
Dorsch, director
cpo
777744-2 | 1 CD | D2 | EAN: 0761203774425
thames diamond jubilee pageant
el disco oficial del jubileo de diamante
THAMES DIAMOND JUBILEE PAGEANT: El disco oficial del
Jubileo de Diamante (1959-2012) [obras de Walton,
Vaughan Williams, Coates...) / London Philharmonic
Orchestra. David Parry, director
london philharmonic orchestra
LPO 0063 | 1 CD | D5 | EAN: 0854990001635
fagot y piano
obras de saint-saëns, bozza, françaix...
FAGOT Y PIANO: Obras de Camille Saint-Saëns, Eugène
Bozza, Roger Boutry, Marcel Bitsch, Pierre-Max Dubois, Jean
Françaix, Alain Bernaud y Alexandre Tansman / Rodion
Tolmachev, fagot. Midori Kitagawa, piano
mdg
MDG 1728 | 1 CD | D2 | EAN: 0760623172828
victor herbert
obras para chelo y piano
VICTOR HERBERT (1859-1924): Obras para chelo y piano;
Obras para piano / Jerry Grossman, violonchelo. William
Hicks, piano
new world records
80721-2 | 1 CD | D3 | EAN: 0093228072116
brian elias
the house that jack built
BRIAN ELIAS: The House That Jack Built; A Talisman;
Doubles / Tim Mirfin, bajo-barítono. BBC Symphony
Orchestra. Jiri Belohlávek, Martyn Brabbins y Andrew Davis,
directores
nmc
NMCD 173 | 1 CD | D10 | EAN: 5023363017329
goffredo petrassi
concierto para piano y orquesta...
GOFFREDO PETRASSI (1904-2003): Concerto; La Follia di
Orlando; Partita / Alfonso Alberti, piano. Orchestra Sinfonica
Nazionale della RAI. Arturo Tamayo, director
stradivarius
STR 33824 | 1 CD | D2 | EAN: 8011570338242
john cage
freeman etudes: libros 3 y 4
JOHN CAGE (1912-1992): Freeman Etudes: Libros 3 y 4 /
Marco Fusi, violín
stradivarius
STR 33920 | 1 CD | D2 | EAN: 8011570339201
eduardo armenteros
música para una colección de artes p.
EDUARDO ARMENTEROS (1956): Música para una colec-
ción de artes plásticas (CD+DVD+BLU-RAY) / Varios intér-
pretes
verso
VRS 2122 | 1 CD+DVD+BR | D2 | EAN: 8436009801225
jazz & o.m.
arild andersen
celebration
ARILD ANDERSEN: Celebration (obras para contrabajo,
saxofón tenor y orquesta de jazz de Holland, Garbarek,
Corea, Seim, Andersen y Jarrett) / A. Andersen. T. Smith.
Scottish National Jazz Orchestra. Tommy Smith, director
ecm records
ECM 2259 | 1 CD | P.V.P.: 17,50 €.- | EAN: 0602527909479
antara korai
voces blancas de alcorcón
ANTARA KORAI (VOCES BLANCAS DE ALCORCÓN):
Canciones para coro infantil / Antara Korai (voces blancas
de Alcorcón). Juan Antonio Jiménez, director
intérpretes
PAE 0088CD | 1 CD | D5 | EAN: 8436530121014
carl orff
carmina burana
CARL ORFF (1895-1982): Carmina Burana (para coro de
cámara, dos pianos y percusión) / Ch. Wiedmann, M. Ruda,
M. Fischer, J. Eschenburg y F. Behle. SWR Vokalensemble
Stuttgart. Rupert Huber, director
hänssler
93.280 | 1 CD | P.V.P.: 17,50 €.- | EAN: 4010276024668
dmitri shostakovich
sinfonías completas
DMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975): Sinfonías completas
(en SACD) / Beethoven Orchester Bonn. Roman Kofman,
director
mdg
MDG 1200-6 | 11 SACD | P.V.P.: 47,85.- | EAN: 0760623120065
michael quell
música de cámara
MICHAEL QUELL (1960): Música de cámara / Ensemble
Aventure
neos
NEOS 11046 | 1 CD | D1 | EAN: 4260063110467
victor herbert
collected songs
VICTOR HERBERT (1859-1924): Collected Songs (4 CDs) /
Breckenridge, Dvorsky, Ford, LaBrie, Lazar, Lehman, Luker,
Marcus, McCartney... / William Hicks, piano (*la edición no
incluye caja)
new world records
80726-2 | 4 CD | P.V.P.: 59,00 €.- | EAN: 0093228072621
crossing ohashi bridge
poole, marsh, lefanu...
CROSSING OHASHI BRIDGE: Geoffrey Poole, Roger Marsh,
Nicola LeFanu y Anthony Gilbert / Richard Watkins, trompa.
Goldberg Ensemble. Malcolm Layfield, director
nmc
NMCD 174 | 1 CD | D10 | EAN: 5023363017428
gian francesco malipiero
cordiali saluti
GIAN FRANCESCO MALIPIERO (1882-1973): Conciertos;
Rispetti e Strambotti; Sinfonía n.6 Degli archi / F. Parrino,
violín. S. Parrino, flauta. Orchestra della Provincia di
Catanzaro “La Grecìa”. Dir.: Francesco Di Mauro
stradivarius
STR 33889 | 1 CD | D2 | EAN: 8011570338891
josé río-pareja
la rivière sans socle
JOSÉ RÍO-PAREJA (1973): La rivière sans socle (obras para
clarinete bajo y trío de cuerda) / Carlos Gálvez, clarinete
bajo. Trío Arbós
verso
VRS 2119 | 1 CD | D10 | EAN: 8436009801195
peteris vasks
vox amoris
PETERIS VASKS (1946): Vox Amoris (obras para violín y
orquesta) / Alina Pogostkina, violín. Sinfonietta Riga. Juha
Kangas, director
wergo
6750-2 | 1 CD | D1 | EAN: 4010228675023
louis sclavis atlas trio
sources
LOUIS SCLAVIS ATLAS TRIO: Sources / Atlas Trio (Louis
Sclavis, clarinete bajo y clarinete; Benjamin Moussay, piano,
Fender Rhodes y teclados; Gilles Coronado, guitarra eléc-
trica)
ecm records
ECM 2282 | 1 CD | P.V.P.: 17,50 €.- | EAN: 0602527995328
george shearing
integral de las grabaciones de estudio
GEORGE SHEARING (1919-2011): Integral de las grabacio-
nes de estudio del Quinteto / George Shearing Quintet
(grabado entre 1949 y 1954)
united archives
NUA 09 | 4 CD | D10 x 2 | EAN: 5494239160096
52 di v e r di el zoco

zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco

Comienza nuestro zoco de este verano por todo lo alto con nada menos que la grabación del debut escénico de Luciano Pavarotti.
Allá por 1961 debutó este fantástico tenor ya con uno de sus papeles de referencia, el Rodolfo de La Bohème, dirigido por Francesco
Molinari-Pradelli en el Teatro Municipale de Reggio Emilia. Podemos continuar disfrutando de Puccini y de Molinari-Pradelli con
una Turandot protagonizada por Birgit Nilsson y Giuseppe Di Stefano y terminar maravillándonos con los logros de Vladimir
Horowitz y Bruno Walter en los primeros conciertos para piano de Brahms y Tchaikovski. Todo gracias a Archipel y Andromeda.

GIACOMO PUCCINI (1858-1924): La JOHANNES BRAHMS (1833-1897): GIACOMO PUCCINI (1858-1924):

Bohème / Pavarotti, Pellegrini, Bellesia /
Orquesta y Coro del Teatro Municipale
Reggio Emilia. Francesco Molinari
Pradelli, director (grabado en directo,
Reggio Emilia, 1961) [el debut de
Pavarotti] / ARCHIPEL / Ref.: ARPCD 0487
(2 CD) P.V.P.: 13,95 €.-
Concierto para piano nº 1; PIOTR ILYTCH
TCHAIKOVSKY (1840-1893): Concierto
para piano nº 1 / Vladimir Horowitz, pia-
no. Bruno Walter, director (grabado en
1936 y 1948) / ARCHIPEL / Ref.: ARPCD
0487 (1 CD) P.V.P.: 5,95 €.-
Turandot (ópera en tres actos) / Nilsson,
Klein, Zaccarina, Di Stefano, Price /
Orquesta y Coro de la Ópera de Viena.
Federico Molinari-Pradelli, director (gra-
bado el 22.06.1961) / ARCHIPEL / Ref.:
ANDRCD 9110 (2 CD) P.V.P.: 13,95 €.-

De Puccini a Puccini y tiro porque me toca, aquí tenemos esta vez una Tosca del Covent Garden con Regine Crespin, Di Stefano y
Otakar Kraus en sus papeles principales. El sello Myto nos hace saltar ahora de mano de Boris Christoff y Rafael Kubelik a las pro-
fundidades del Boris Godunov de Mussorgsky, cuyos cantos jesuíticos finales son buen puente hacia la majestuosa versión de Giulini
del Réquiem de Verdi, con Joan Sutherland y Fiorenza Cossotto como solistas femeninas.

GIUSEPPE VERDI (1813-1883): Misa de
réquiem / Sutherland, Cossotto, Ottolini,
Vinco. Carlo Maria Giulini, director (gra-
bado en el Usher Hall de Edinburgo el
21.08.1960) [primera grabación] / MYTO
HISTORICAL LINE / Ref.: 1CD 00309 (1
CD) D7
GIACOMO PUCCINI (1858-1924): Tosca
(ópera en tres actos) / Crespin, di Stefano,
Otakar Kraus, Robinson / E. Downes,
director (grabado en el Covent Garden
de Londres el 18.05.1961) / MYTO HIS-
TORICAL LINE / Ref.: 2CD 00311 (2 CD)
D10
MODEST MUSSORGSKY (1839-1881):
Boris Godunov (ópera en cuatro actos y
un prólogo) / Christoff, Veasey, Carlyle,
Lanigan, Evans, Kelly / Orquesta y Coro
del Covent Garden. Rafael Kubelik, direc-
tor (grabado el 6 de diciembre de 1958)
/ MYTO HISTORICAL LINE / Ref.: 3CD
00312 (3 CD) D5 x 2

Y del Réquiem de Verdi pasamos a otra obra suya no menos dramática, Rigoletto, en una versión de 1961 cantada en francés por Alain
Vanzo, Robert Massard y Renée Doria bajo la batuta de Jésus Etcheverry. Volvemos a Puccini, sin repetir y esta vez en el sello Walhall,
con Dorothy Kirsten encarnando a Manon Lescaut junto al Des Grieux de Carlo Bergonzi en el Metropolitan. Y cerramos el apara-
tado operístico a lo grande con Die Walküre de Erich Leinsdorf también en el Metropolitan, con Birgit Nilsson y Jon Vickers.

GIUSEPPE VERDI (1813-1901): Rigoletto
(ópera en tres actos) / Vanzo, Massard,
Doria, Adam / Jesús Etcheverry, director
(grabado en 1961) / WALHALL / Ref.:
WLCD 0362 (2 CD) P.V.P.: 11,90 €.-
GIACOMO PUCCINI (1858-1924):
Manon Lescaut / Kirsten, Sereni, Bergonzi,
Baccaloni / Orquesta y Coro del
Metropolitan. Fausto Cleva, director (gra-
bado en el MET el 10.12.1960) / WAL-
HALL / Ref.: WLCD 0363 (2 CD) P.V.P.:
11,90 €.-
RICHARD WAGNER (1813-1883): La val-
quiria (Die Walküre) / Vickers, Wiemann,
Edelmann, Kuchta, Nilsson, Dalis /
Orquesta y Coro del MET. Erich
Leinsdorf, director (grabado en el MET
el 23.12.1961) / WALHALL / Ref.: WLCD
0365 (3 CD) P.V.P.: 17,85 €.-

La casa discográfica Alto tira por todo lo ídem en verano y nos ofrece siete grabaciones para todos los gustos. Arranca chispeante con
canciones de Cole Porter e Irving Berling en la inigualable voz de Ella Fitzgerald, aunque podemos maravillarnos igualmente con un
disco lleno de grabaciones poco conocidas de Joan Sutherland en sus mejores años. Acabando con la voz, la multiplicamos y encontra-
mos la etílica Missa Vinum Bonum de Orlando de Lassus, de cuyas alturas cristalinas podemos descender hasta la Escandinavia de Grieg
y Sibelius con una selección de sus más famosas piezas orquestales. Entrando en el recogimiento camerístico podemos elegir entre el Cuarteto Shostakovich
interpretando algunos de Tchaikovski o el piano de Sviatoslav Richter sentando cátedra de cómo se interpreta a Beethoven y a Schumann.

ORLANDO DE LASSUS (1532-1594): Misa "Del Buen Vino" / Ex
Cathedra. His Majesty's Sackbutts & Cornets. Jeffrey Skidmore,
director / ALTO / Ref.: ALC 1177 (1 CD) D7
SVIATOSLAV RICHTER interpreta LUDWIG VAN BEETHOVEN
(1770-1827): 6 Variaciones para piano Op.34; Op.76 y Op.35
“Eroica”: ROBERT SCHUMANN (1810-1856): ): Noveletten,
Op.21 Nos. 2 , 4, 8 / Sviatoslav Richter, piano (grabado entre
1970 y 1979) / ALTO / Ref.: ALC 1188 (1 CD) D7
PIOTR ILYTCH TCHAIKOVSKY (1840-1893): Cuartetos de cuer-
da nºs. 1 y 2; Cinco piezas tempranas / Shostakovich Quartet
(grabado entre 1973 y 1978) / ALTO / Ref.: ALC 1196 (1 CD)
D7
JOAN SUTHERLAND COLLECTOR'S ALBUM: Grabaciones
radiofónicas raras / Joan Sutherland, soprano. Varias orques-
tas. Richard Bonynge, director (grabado entre 1957 y 1961) /
ALTO / Ref.: ALC 1185 (1 CD) D7

FAVORITOS DE GRIEG Y SIBELIUS: Desde el fiordo y el bos-
que / New Symphony Orchestra of London. RPO. Charles
Mackerras, Ole Schmidt y Mark Ermler, directores (grabado
en 1961 y 1995) / ALTO / Ref.: ALC 1191 (1 CD) D7
MÚSICA PARA VIOLA Y PIANO: Obras de Britten. Hindemith
y Shostakovich / Yuri Bashmet, viola. Sviatoslav Richter, piano
/ ALTO / Ref.: ALC 1186 (1 CD) D7
ELLA FITZGERALD SONGBOOKS: Cole Porter & Irving Berlin
/ Ella Fitzgerald, voz / ALTO / Ref.: ALN 1932 (1 CD) D7

Los discos del zoco no computan para los descuentos señalados en el boletín de pedido.
 el zoco 216 / julio-agosto 2012 53

zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco

El sello británico Regis parece celebrar el reciente 60º cumpleaños de la reina Isabel II con una colorida avalancha de lanzamientos,
que abre de manera triunfal con un estuche de trece discos con las grandes óperas de Puccini en algunas de las mejores voces posibles
(de los Angeles, Callas, Schwarzkopf, Gobbi, Björling, di Stefano…), una caja de nueve discos con la integral de sonatas para piano de
Beethoven en la mítica grabación de Wilhelm Kempff, un estuche cuádruple con lo mejor de Kathleen Ferrier, de quien se conmemoran ahora cien años
de su nacimiento, y un triple álbum con grandes momentos de la “Stupenda”, Joan Sutherland. Cerramos la sección de estuches con uno dedicado a la
integral de las obras de cámara para violonchelo de Beethoven, interpretada por dos grandes: Pierre Fournier y Friedrich Gulda, y abrimos la puerta de
los discos sencillos también con el genio de Bonn, en un CD con algunas de sus sonatas interpretadas por Sviatoslav Richter, otro en el que Richter
escoge obras de Beethoven y Schubert y un tercero en el que Alfred Brendel desgrana el Concierto para piano nº 3. El surtido de conciertos para piano
este mes es apabullante: Van Cliburn con Tchaikovski y Schumann, Brendel y Klein con Mozart, y Eugene List con el de Gershwin, la Rhapsody in blue
y, de propina, Un americano en París. El último compositor en aparecer, Shostakovich, dispone de dos discos, uno con Mravinsky dirigiendo la Sinfonía
nº 5 y otro en el que este mismo director, junto a Ormandy, Oistrakh y Rostropovich nos ofrecen versiones referenciales de los primeros conciertos para
violín y para chelo de este compositor ruso.

LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827):
Integral de sonatas para piano (9 CDs)
/ Wilhelm Kempff, piano (grabado entre
1951 y 1956) / REGIS / Ref.: RRC 9010
(9 CD) D5 x 2
SVIATOSLAV RICHTER interpreta LUD-
WIG VAN BEETHOVEN (1770-1827):
Sonatas para piano / Sviatoslav Richter,
piano / REGIS / Ref.: RRC 1384 (1 CD)
D7
JOAN SUTHERLAND: Un retrato
(Haendel, Verdi, Bellini y El arte de la
prima donna) / Joan Sutherland, sopra-
no / REGIS / Ref.: RRC 3013 (3 CD) D7
x2

LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827):
Concierto para piano nº 3; Variaciones /
Alfred Brendel, piano. Orquesta Sinfónica
de Viena. Heinz Wallberg, director /
REGIS / Ref.: RRC 1389 (1 CD) D7
SVIATOSLAV RICHTER interpreta FRANZ
SCHUBERT (1797-1828):): Sonata nº 16;
LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827):
Bagatelas / Sviatoslav Richter, piano /
REGIS / Ref.: RRC 1390 (1 CD) D7
VAN CLIBURN interpreta PIOT ILYTCH
TCHAIKOVSKY (1840-1893): Concierto
para piano nº 1; ROBERT SCHUMANN
(1810-1856): Concierto para piano, op.
54 / Van Cliburn, piano / REGIS / Ref.: RRC
1391 (1 CD) D7
KATHLEEN FERRIER: El tributo del cen-
tenario (canciones de Mahler, arias de
ópera y otros) / Kathleen Ferrier, con-
tralto. Vienna Philharmonic Orchestra.
Bruno Walter, director / REGIS / Ref.: RRC
4011 (4 CD) D4
LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827):
Integral de la música para violonchelo /
Pierre Fournier y Friedrich Gulda, vio-
lonchelo / REGIS / Ref.: RRC 2092 (2 CD)
D7 x 2
DIMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975):
Concierto para violín nº 1**; Concierto
para chelo nº 1* / *Mstislav Rostropovich,
violonchelo. Philadelphia Orchestra.
Eugene Ormandy, director. **David
Oistrakh, violín. Leningrad Philharmonic
Orchestra. Evgeny Mravinsky, director /
REGIS / Ref.: RRC 1385 (1 CD) D7
WOLFGANG AMADEUS MOZART
(1756-1791): Concierto para piano nº
17; Concierto para dos pianos; Sonata
para dos pianos / Alfred Brendel y Walter
Klein, pianos. Vienna State Opera
Orchestra. Paul Angerer, director / REGIS
/ Ref.: RRC 1388 (1 CD) D7
GEORGE GERSHWIN (1898-1937):
Rapsodia en azul; Un americano en París;
Concierto para piano en Fa / Eugene
List, piano. Eastman Rochester Symphony
Orchestra. Howard Hanson, director.
Minneapolis Symphony Orchestra. Antal
Dorati, director / REGIS / Ref.: RRC 1386
(1 CD) D7
DIMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975):
Sinfonía nº 5 "El año 1905" / Leningrad
Philharmonic Orchestra. Yevgeny
Mravinksy, director / REGIS / Ref.: RRC
1387 (1 CD) D7
GIACOMO PUCCINI: Las grandes ópe-
ras (13 CDs) [inc. Tosca; Madam Butterfly;
La Fanciulla del West; Il Tabarro; Suor
Angelica; Gianni Schicci y Turandot] /
Maria Callas, Elisabeth Schwarzkopf,
Tito Gobbi, Victoria de los Angeles,
Giuseppe di Stefano y Jussi Bjorling, can-
tantes. Varias orquestas y directores /
REGIS / Ref.: RRC 9011 (13 CD) D10 x
2

Que calidad y bajo precio no están reñidos es una premisa que llevan años demostrando los sellos Brilliant, Newton y
Novoson. El rincón español viene servido este més con Gernika y Ocho canciones a dos voces de Pablo Sorozábal, y Doña
Francisquita de Vives en la voz de Alfredo Kraus. El compositor más moderno del verano será John Cage, con su Música
para un ballet acuático, y los más antiguos serán Carlo Gesualdo con seis madrigales a cinco voces y los Cavazzoni y los Gabrieli,
NOVOSON que se muestran en su faceta organística. Con el oratorio Ester de Stradella y las Sonatas y balletti de Legrenzi (por los Sonatori
de la Gioiosa Marca dirigidos por Andrea Marcon) despedimos el siglo XVII y nos adentramos en el XVIII de la mano de Telemann y una selección de
sus oberturas. El Romanticismo nos regala la obra para contrabajo y piano de Dragonetti y las maravillosas suites extraidas por Bizet de Carmen y L’Arlesienne,
y terminamos con sonatas para violín de Gernsheim y la integral pianística de Roussel. Como colofón, disfrutemos del talento que Pau Casals desple-
gó en la Casa Blanca y refresquémonos con todo ello los oídos este verano.

MARCO ANTONIO y GIROLAMO
CAVAZZONI / ANDREA y GIOVANNI
GABRIELI (s. XVI): Obras para órgano
(ricerari y canzoni) / Sergio de Pieri,
órgano / NEWTON / Ref.: 8802132 (1
CD) P.V.P.: 3.95 €.-
DOMENICO DRAGONETTI (1763-1846):
Obras para contrabajo y piano / Michele
Veronese, contrabajo. Luca Ferini, pia-
no / NEWTON / Ref.: 8802133 (1 CD)
P.V.P.: 3.95 €.-
GIOVANNI LEGRENZI (1626-1690):
Sonatas y balletti Opp. 8, 10 y 16 /
Sonatori de la Gioiosa Marca. Andrea
Marcon, órgano y clave / NEWTON / Ref.:
8802134 (1 CD) P.V.P.: 3.95 €.-
CARLO GESUALDO DI VENOSA (1566-
1613): Seis madrigales a cinco voces /
Quintetto Vocale Italiano / NEWTON /
Ref.: 8802136 (6 CD) P.V.P.: 23.70 €.-
ALBERT ROUSSEL (1869-1937): Integral
de sinfonías / Orquesta Filarmónica de
la Radio de Francia. Marek Janowski,
director clave / NEWTON / Ref.: 8802173
(2 CD) P.V.P.: 7.90 €.-
JOHN CAGE (1912-1992): Música para
un ballet acuático; Música para carillon,
nº 6 / RobertoFabbriciani, flauta. Jonathan
Faralli, percusión / BRILLIANT / Ref.: 9284
(1 CD) P.V.P.: 3.95 €.-
ALESSANDRO STRADELLA (1639-1682):
Ester, liberatrice del popolo Hebreo / Il
Concento. Luca Franco Ferrari, director
/ BRILLIANT / Ref.: 94297 (1 CD) P.V.P.:
3.95 €.-
ALBERT ROUSSEL (1869-1937): Integral
de la música para piano / Emanuele
Torquati, piano / BRILLIANT / Ref.: 94329
(2 CD) P.V.P.: 7.90 €.-
FRIEDRICH GERNSHEIM (1839-1916):
Sonatas para violín / Stefan Kirpal, vio-
lín. Andreas Kirpal, piano / BRILLIANT /
Ref.: 94403 (2 CD) P.V.P.: 7.90 €.-
GEORGES BIZET (1838-1875): Suites de
Carmen y L'Arlesienne / Orquestra
Filarmonica de México. Enrique Bátiz,
director / BRILLIANT / Ref.: 94404 (3 CD)
P.V.P.: 11.95 €.-
GEORG PHILIPP TELEMANN (1681-
1767): Oberturas / Collegium
Instrumentale Brugense. Patrick Peire,
director / BRILLIANT / Ref.: 94411 (8 CD)
P.V.P.: 31.25 €.-
PAU CASALS: En La Casa Blanca (obras
para violonchelo de varios autores) / Pau
Casals, violonchelo. Alexander
Schneider, violín. Mieczyslaw
Horszowsky, piano / VOCACION / Ref.:
VMZ-57002 (1 CD) P.V.P.: 5.95 €.-
PABLO SOROZÁBAL (1897-1988):
Gernika; 8 canciones a dos voces /
Ignacio Ubiria, guitarra. Dueto Laya /
VOCACION / Ref.: VMZ-57006 (1 CD)
P.V.P.: 5.95 €.-
AMADEO VIVES (1871-1932): Doña
Fracisquita / Alfredo Kraus, Ana Maria
Olaria, Dolores Pérez, Santiago Ramallé,
Pedro Lavirgen / Orquesta de Cámara de
Madrid. Daniel Montorio, director /
VOCACION / Ref.: VMZ-57007 (1 CD)
P.V.P.: 5.95 €.-

Los discos del zoco no computan para los descuentos señalados en el boletín de pedido.
 di v e r di editorial

el chupito

Equipaje de mano para un verano barroco

Juan Ángel Vela del Campo

“La música grabada

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varios temas. Me he centrado en la música antigua y fun-
damentalmente en el periodo barroco. El cuerpo me lo
se valora y se pedía. Ahí va mi particular decálogo de discos para ser,
como mínimo, más felices en verano.
disfruta en el
¶ uno. Comenzamos por La fiesta de Pascua en Piazza
periodo estival con Navona, de Tomás Luis de Victoria, con Albert Recasens
al frente de La Grande Chapelle. Último y fascinante
una sensibilidad capítulo de un camino de recuperación de la música espa-
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ñola realmente memorable.

diferente al resto ¶ dos. Motetes, de Bach con John Eliot Gardiner y el
coro Monteverdi. Con una larga experiencia acumulada
del año. El ritmo a sus espaldas en este repertorio por parte de sus intér-
pretes, la versión de estas obras puede ser “definitiva”.
de las jornadas no ¶ tres. Las idas y las vueltas. Músicas mestizas con la
Accademia del Piacere, Fahmi Alqhai y el cantaor
es el mismo y hay, Arcángel. Tuve el privilegio de escucharles en el Auditorio
Parco della Musica de Roma, donde estuvieron arrolla-
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para un gran dores. La versión discográfica hace justicia al “pellizco”

en vivo de esta propuesta musical.
porcentaje de la ¶ cuatro. Concerti per violino IV, L’imperatore, de Vivaldi,
con Riccardo Minasi e Il Pomo d’Oro. Impresionante
población, más interpretación. Para comprobar, una vez más, que la músi-
ca de Vivaldi no se agota. Es más, se revaloriza.
tiempo libre. Es el ¶ cinco. Il ritorno d’Ulisse in patria, de Monteverdi, con
Claudio Cavina y La Venexiana. Imprescindible lectura,
momento de como lo son también las de L’Orfeo o L’incoronazione di
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Poppea, de un Monteverdi tan riguroso como moderno.

ponerse al día, del ¶ seis. Missa in illo tempore, de Monteverdi, con Paolo
da Col y el luminoso coro italiano Odhecaton. Más
descubrimiento.” Monteverdi, incluyendo una primera grabación mundial.
Con el complemento de obras de los compositores
Giaches de Wert y Nicolas Gombert.
¶ siete. Batailla en spagnol. Ensaladas de Mateo Flecha
el Viejo y Bartolomé Cárceres, con Carles Magraner y la
Capella de Ministrers. Último producto de una carrera
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modélica. Doble formato en CD y DVD, con textos intro-

¿Se escuchan más discos en verano que en otras épocas
del año? No tengo informaciones estadísticas recientes,
con lo que me tengo que mover a nivel de intuiciones. Lo
que sí es evidente es que la música grabada se valora y se
disfruta en el periodo estival con una sensibilidad dife-
rente al resto del año. El ritmo de las jornadas no es el
mismo y hay, para un gran porcentaje de la población, más
tiempo libre. Es el momento de ponerse al día, del des-
cubrimiento. He pensado que quizás fuese útil llamar la
atención sobre una decena de discos recientes. A los lec-
tores atentos de esta revista no les voy a descubrir nada
nuevo, pues han sido reseñados aquí desde abril a este mis-
mo número, con las solventes firmas de Pablo J. Vayón,
Caronte, Stefano Russomanno, Mariano Acero Ruilópez
o Santiago Martín Bermúdez. Comparto el entusiasmo
de todos ellos. Además les estoy muy agradecido por lo
que me han supuesto sus comentarios de iniciación a
ductorios del cocinero Ferrán Adriá y de la estupenda
musicóloga Maricarmen Gómez Muntané.
¶ ocho. Neapolitan Cello Concertos, con Giovanni
Sollima, I Turchini y Antonio Florio. Obras de Leo,
Fiorenza y De Majo, a las que se añade una pieza com-
puesta por el magnífico violonchelista Sollima. La gra-
bación fue realizada en la carismática iglesia napolitana
de Santa Anna dei Lombardi. Florio, como siempre:
excelso.
¶ nueve. Il tormento e l’estasi. Con Luis Antonio
González al frente de Los Músicos de Su Alteza. Obras
de Rossi, Mazzocchi, Marini y Carissimi. Registro de
madurez del grupo aragonés, arropado con la garantía del
prestigioso sello Alpha.
¶ diez. Y para terminar, Bach con la sublime Misa en si
menor, en una poética interpretación de gran solidez a car-
go de Philippe Herreweghe y el Collegium Vocale de
Gante.
¿Que qué chupitos pueden acompañar estas propuestas?
Uf, lo dejo a su buen criterio. Los discos son tan sugeren-
tes que hasta no desentona un vaso de agua.