La tragedia griega fue una forma de drama popular que se representaba en los teatros de la

Grecia antigua desde finales del siglo VI a.C. Las obras existentes representan un período muy
corto de la historia. Las primeras obras de Esquilo se representaron alrededor del 480 a. C., y las
últimas de Sófocles y Eurípides, a fines del siglo V.

Tanto Sófocles como Eurípides escribieron sus primeras obras en los cincuenta años desde 480, el
final de la guerra con Persia, hasta el 430, el comienzo de la Guerra del Peloponeso con Esparta.
Estos cincuenta años fue la época de Pericles, cuando Atenas estaba en su apogeo.

Esquilo, considerado el padre de la tragedia griega

Además de Esquilo, Sófocles y Eurípides, hubo decenas de otros dramaturgos que alcanzaron
notoriedad a lo largo de la antigüedad clásica. Los triunfos de estos en los festivales de la ciudad
de Dionisia aparecen en los registros de la época y en otras fuentes históricas.

Al final, no está claro por qué las obras de solo estos tres dramaturgos trágicos han perdurado
hasta el presente. Lo cierto es que estos tres, en particular, son considerados por las generaciones
posteriores como de una clase superior a la de sus pares.

Origen y desarrollo de la tragedia griega

Origen
Los orígenes exactos de la tragedia griega son aún un tema de debate entre sus estudiosos.
Algunos la han relacionado con una forma de arte anterior, las recitaciones dramáticas de los
poemas épicos. Otros sugieren que su origen tiene que ver con los rituales realizados en el culto a
Dionisio (dios mitológico griego del éxtasis).

En este sentido, Dionisio es una de las varias deidades cuyo culto popular se practicaba en toda
Grecia. Espacialmente está asociado con Atenas y Tebas.

Entre los rituales en su honor había una canción ritual llamada trag-ōdia y también se
acostumbraba el uso de máscaras. De hecho, Dionisio llegó a ser conocido como el dios del teatro.

Por otro lado, otro de los rituales señalados como origen de la tragedia griega eran los ritos de
bebida. En ellos, los devotos bebían hasta perder el control total de sus emociones y se convertían
en otras personas, como los actores cuando actuaban.

Por su parte, el filósofo Aristóteles afirmaba que la tragedia griega se desarrolló a partir del
ditirambo, una danza coral conectada con la adoración de Dionisio. Se cree que era cantada por un
coro circular (koros) de cincuenta cantantes.

Finalmente, otros estudiosos diferentes a Aristóteles atribuyeron el origen de la tragedia a

Thespis. Este fue un poeta del siglo VI que introdujo los discursos de un actor en interpretaciones
corales.

Desarrollo

En el siglo V, la tragedia griega se representaba sólo en los festivales del vino: dionisias y Leneas
(ambos en diciembre), y las Grandes Dionisias (en marzo). Las representaciones se hacían en
teatros circulares al aire libre similares a las arenas deportivas.

Las primeras tragedias tenían un solo actor que se presentaba disfrazado y usaba una máscara, lo
que le permitía hacer representaciones de dioses. Más tarde, el actor solía hablar con el líder del
coro, un grupo de hasta 15 actores que cantaban y bailaban pero que no hablaban.

Posteriormente, el actor se cambiaba de vestuario durante la presentación (utilizando una

pequeña tienda de campaña detrás del escenario). De esta manera, podían dividir la obra en
episodios distintos.

Aunque el escenario era de exclusivo uso de actores masculinos, se introdujo una modificación
para representar mujeres y ancianos. Consistía en dividir el coro en diferentes grupos para
representar incluso a otros personajes secundarios masculinos.

Más tarde, se permitió la entrada a tres actores en el escenario. Este número fue incrementándose
hasta tener obras con muchos intérpretes en escena (con la condición que no participaran en los
diálogos). Este último cambio permitió un mayor respaldo financiero a las obras lo que se tradujo
en mejores trajes para las representaciones.

Características
Arreglos corales

Debido a que el drama griego evolucionó a partir del desempeño coral, tanto la tragedia como la
comedia tenían coros como elemento importante de las actuaciones. Los coros era algo que no
siempre se incluían en otros géneros dramáticos.

Máscaras y disfraces

Los actores estaban tan lejos de la audiencia que sin la ayuda de disfraces y máscaras exageradas
se dificultaba el entendimiento de la obra.

Las máscaras estaban hechas de lino o corcho. Existían dos tipos, las máscaras trágicas llevaban
expresiones tristes o de dolor, mientras que las máscaras cómicas sonreían o miraban con aire
lascivo.

Actores

Según los estándares modernos, el número de actores era más bien pequeño. Usualmente eran
dos en el primer tiempo y tres en la tragedia posterior. Todos los actores eran hombres.

También, había extras (llamados «máscaras silenciosas») que desarrollaban papeles de asistentes
de la obra, soldados y público espectador, entre otros. Los especialistas aseguran que en las
tragedias, al menos, los propios dramaturgos en ocasiones también actuaban.

Coro

Originalmente, el coro consistía en una docena de personas, todos hombres o niños. Pero
posteriormente Sófocles lo aumentó a quince, y a partir de allí todas las obras respetaron ese
número.

Los miembros del coro eran aficionados, excepto el líder quien era un profesional. Cada integrante
era elegido para para representar su área local en el festival.

Lenguaje y música

Todas las obras de tragedia griega se escribieron en verso. Esto fue en parte convencional. Desde
la época de Homero, el verso había sido utilizado para lo que se podría definir como «literatura
imaginativa», y la prosa se había reservado para lo que se podría llamar «no ficción»: discursos,
registros públicos, escritos filosóficos e históricos.

Competencias

En las competencias de tragedia griega, cada dramaturgo debía presentar cuatro obras de teatro.
Por lo general, algunos de ellos, como Esquilo realizaba sus cuatro obras conectadas por completo.

De esa manera, las primeras tres actuaban como tres actos de un gran drama. En relación a la
cuarta (el juego de los sátiros), era un epílogo más ligero.
Teatro

Los edificios del teatro se conocían con el nombre de theatron. Estos eran grandes estructuras al
aire libre construidas en las laderas de las colinas. Tenían tres elementos principales: orquesta,
skené y audiencia.

En primer lugar, la orquesta era una gran área circular o rectangular en el centro del teatro.
Desde allí, se desarrollaba la obra, la danza y los ritos religiosos. Detrás de ella se encontraba un
gran edificio rectangular que se utiliza como bastidor, el skené. En este sitio los actores podían
cambiar sus disfraces y máscaras.

Anteriormente, el skené era una tienda de campaña o cabaña, más tarde se convirtió en una
estructura de piedra permanente. Estas estructuras algunas veces se pintaban para servir como
telones de fondo.

Finalmente, estaba la zona correspondiente al público (espectadores), que se situaba en una

posición elevada por encima del círculo de la orquesta. Los teatros fueron originalmente
construidos a gran escala para dar cabida a una gran cantidad de espectadores.

Los antiguos actores griegos tenían que hacer gestos grandilocuentes para que toda la audiencia
pudiera ver y escuchar la historia. Sin embargo, los teatros griegos eran hábilmente construidos
para transmitir incluso el sonido más pequeño a cualquiera de los asientos.

Estructura
Típicamente, la tragedia griega inicia con un prólogo. Se trata de un monólogo o diálogo que
presenta el tema de la tragedia y que es anterior a la entrada del coro. Luego, sigue el párodos:
canto de entrada del coro.

En general, sus miembros permanecen en el escenario durante el resto de la obra. Aunque usan
máscaras, su baile es expresivo ya que transmiten mensajes con las manos, los brazos y el
cuerpo.

Después, vienen los episodios (típicamente entre tres y cinco) en los que uno o dos actores
interactúan con el coro. Son, al menos en parte, cantados o recitados.

Cada episodio se termina con un estásimo: oda coral en la que el coro puede comentar o
reaccionar al episodio anterior. Después del último episodio, viene el éxodo que es la canción de
salida del coro.

Representantes y obras

Esquilo (525/524 a. C.- 456/455 a. C.)

Esquilo fue un dramaturgo griego. Es considerado por los estudiosos como el padre de la tragedia
griega. Fue el predecesor de otros exitosos dramaturgos griegos como Sófocles y Eurípides.
También fue un asiduo participante de los concursos de teatro conocidos como las Grandes
Dionisias de los cuales ganó trece veces en total.

De las aproximadamente setenta a noventa tragedias escritas por Esquilo, solo siete han
sobrevivido intactas hasta el presente.

Obras como Agamenón, Los Portadores de la Libación y Las Euménides. Asimismo, Los Persas, Los
suplicantes, Siete contra Tebas y Prometeo encadenado forman parte de su repertorio dramático
teatral.

Sófocles (496 a. C. – 406 a. C.)

Sófocles fue un poeta trágico griego. Entre muchas de las innovaciones introducidas en sus obras
de tragedia griega, se encuentra la inclusión de un tercer actor. Esto le dió a Sófocles la
oportunidad de crear y desarrollar a sus personajes con mayor profundidad.

Según sus historiadores, escribió cerca de 120 obras. De acuerdo con El Suda (antigua
enciclopedia bizantina del siglo X), solo 7 de sus obras completas persisten en la actualidad: Edipo
rey, Edipo en Colono y Antígona Áyax, Las Traquinias, Electra y Filoctetes.

En la opinión de los especialistas sus obras, siempre ganaron el primero o segundo premio en los
concursos de teatro en los que participó.

En sus puestas en escena, se inspiraba en la naturaleza humana y su bienestar. Comenzó su

carrera artística en el año 468 a. C., ganando un premio por su obra y derrotando a Esquilo en la
competencia.

Euripides (484/480 a. C. – 406 a. C.)

Eurípides fue un poeta trágico griego. Es considerado por los especialistas (junto con Esquilo y
Sófocles) uno de los tres padres de la tragedia griega. De hecho, Eurípides fue el último y quizás
el más influyente del grupo.

Como todos los dramaturgos principales de su tiempo, Eurípides compitió en los festivales
dramáticos anuales de Atenas celebrados en honor del dios Dionisio. Ingresó por primera vez al
festival en el año 455, y ganó la primera de sus cuatro victorias en 441.

A lo largo de su carrera como poeta y dramaturgo, escribió aproximadamente 90 obras de teatro.

No obstante, sólo 19 de ellas han sobrevivido para las generaciones actuales a través de
manuscritos.

Algunas de las tragedias más famosas de Eurípides son Medea, Las

bacantes, Hippolytus y Alcestis. Asimismo, son muy recordadas Las
troyanas, Electra, Andrómaca, Helena, Orestes, Ifigenia entre los tauros y Las fenicias.

Agatón de Atenas (448 a. C. – 400 a. C.)

Agatón fue un poeta trágico ateniense. Se le acredita la adición de interludios musicales
desconectados de la historia de la obra. Además, otra de la innovaciones introducidas por Agatón
fue que los personajes de sus obras, en lugar de derivarse de la mitología griega, fueron de su
propia invención.

Por otro lado, se le atribuye a Agatón solo una obra de teatro. El título de esa obra se cree que
fue La Flor. De ella solo ha perdurado unas 40 líneas de su escritura para las posteriores
generaciones.

Quérilo (546 a. C. – 460 a. C.)

Quérilo fue uno de los poetas trágicos atenienses más antiguos de los que se tengan registros. Se
dice que produjo su primera obra alrededor del 523 a. C. y que compitió contra el trágico Esquilo
alrededor del año 498 a. C.

Algunas fuentes le atribuyen 13 victorias en los concursos del festival de las Grandes Dionisias y
ciertas innovaciones hechas en máscaras trágicas y disfraces. De su trabajo artístico, sólo
perduró hasta estos días un título: Álope.

El Teatro moderno es conocido como la madre de todas y cada una de las artes, ya que este a pesar de que existan avances
tecnológicos, este mantiene su esencia de un teatro clásico dramatizado por personas experimentadas, con grandes guiones bien
escritos. Aquí podrás conocer la Historia del Teatro Moderno.

Origen del Teatro Moderno

Este Teatro se origina en 1520 aparece en Italia hacia la parte norte del país, a través del conocido teatro realista el cual presenta las
bases de este teatro para este siglo. (Ver articulo de: Historia del teatro en Venezuela)
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En gran parte del siglo XIX se produjeron algunas de las mejores ideas arquitectónicas y escenográficas, las cuales conllevaron que
para el año 1872 en Alemania se empezará la construcción del monumental Festspielhaus de Bayreuth el cual se inauguró en 1876.

Historia del Teatro Moderno

A lo largo del siglo, se destaca la formación artística del teatro el cual mejoró después de ser ridiculizado en siglo XIX, sin
embargo, el crecimiento de otros medios, especialmente la película, ha resultado en un papel disminuido dentro de la cultura en
general.

A la luz de este cambio, los artistas teatrales se han visto obligados a buscar nuevas formas de involucrarse con la sociedad. Las
diversas respuestas que estos han ofrecido han provocado las transformaciones que componen su historia moderna.
A comienzos del siglo XX, era considerado el teatro como un asunto demasiado popular en el que solo eran bienvenidos la gente de
la clase alta. Con frecuencia exigían teatros cada vez más pequeños, donde sus técnicas podrían registrarse en un seleccionar de la
audiencia.
Aún así, estos mismos practicantes soñaban con que su arte se convertiría en un verdadero teatro popular, un teatro para la gente,
inspirados en la comprensión del teatro griego, buscaron un evento o ritual profundo en el que se involucra música y movimiento, en
un espacio sin un arco de proscenio.
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Aunque si podemos acotar que estos avances son utilizados como herramienta para adornar las obras pero nunca influyen como tal
dentro de ella. (Ver articulo de: Historia del Teatro Nacional)

A lo largo de la Historia del Teatro Moderno se ha visto cómo los guionistas, actores y directores han buscado mejorar el
desempeño de sus obras, buscando una escenificación mejor donde los actores hagan sentir al público como parte de la obra.

Se le ha dado un mayor enfoque a lo que es el espectáculo, aplicando la psicología y se avanza con técnicas de interpretación las
cuales ayudan a los actores a aprenderse y centrarse más en sus papeles, pero nunca abandonan las manifestaciones culturales
antiguas que definen estas obras.

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El Teatro moderno es aplicado mucho la literatura romántica, de aquí surgen nuevos nuevos géneros como lo son el melodrama,
haciendo énfasis en el naturalismo el cual se define como la descripción de la realidad.

Este teatro es caracterizado por presentar una absoluta libertad a la hora de interpretaciones, pero nunca saliéndose de los parámetros
de los diálogos tradicionales.

Tras una gran acogida de este tipo de teatro se ha expandido por todos los países del mundo, esto también es debido a autores y
directores que han cambiado la forma de ver este teatro. Entre ellos tenemos al francés André Antoine el cual fue un líder y
precursor del naturalismo artístico; También tenemos al Británico Edward Gordon Craig, el cual fue un escenógrafo dedicado a
crear obras sencillas y poéticas.

Otros muy afamados autores encontramos a Max Reinhardt un alemán que se dedicó a crear montajes para las obras y gracias a esto
ganó su fama; y finalmente tenemos al ruso Konstantin Stanislavski quien se dedicó a interpretar el teatro moderno de otra manera,
ganando así una enorme influencia.

En la actualidad se ha creado un teatro posmoderno el cual se caracteriza por ser fenómeno reciente en el teatro mundial, ya que
proviene de la filosofía postmoderna que se originó en Europa a mediados del siglo XX. (Ver articulo de: Historia del Teatro
Argentino)
El teatro posmoderno surgió como una reacción en contra el teatro modernista. La mayoría de las producciones posmodernas se
centran en resaltar la facilidad de la comprensión del público, en lugar de alentar a la audiencia a alcanzar su propia comprensión
individual. Este teatro plantea algunas preguntas en lugar de intentar proporcionar respuestas, para dejar al público con una intriga
que hace mas interesante la obra.

Aquí podrás echarle un vistazo al los que es El teatro Moderno

Historia del Teatro Moderno: El Modernismo
El modernismo fue un movimiento que predominó en Europa y se desarrolló como una ruptura consciente de las formas artísticas
tradicionales. Representa un cambio significativo en la sensibilidad cultural, a menudo atribuido a las consecuencias de la Primera
Guerra Mundial.

Al principio, este teatro fue en gran parte un intento de realizar la etapa reformada de los principios naturalistas. Sin embargo, una
reacción simultánea contra el naturalismo instó al teatro en una dirección muy diferente. (Ver articulo de: Historia del Teatro
Dominicano)
Características del teatro moderno

Durante la mayor parte del siglo XIX las ideas arquitectónicas y escenográficas se mantuvieron en esencia inalterables, si bien las exigencias
de libertad creativa iniciadas por los autores románticos condujeron a fines de la centuria a un replanteamiento general del arte dramático en
sus diversos aspectos.

La aparición del teatro moderno, pues, se caracterizó por su absoluta libertad de planteamiento mediante el diálogo con formas tradicionales
y las nuevas posibilidades técnicas darían lugar a una singular transformación del arte teatral. En el campo del diseño arquitectónico y
escenográfico las mayores innovaciones se debieron al desarrollo de nueva maquinaria y al auge adquirido por el arte de la iluminación,
circunstancias que permitieron la creación de escenarios dotados de mayor plasticidad (circulares, móviles, transformables, etc.) y liberaron
al teatro de la apariencia pictórica proporcionada por la estructura clásica del arco del proscenio.

 Durante la mayor parte del siglo XIX las ideas arquitectónicas y escenográficas se mantuvieron en esencia inalterables
 Oscurecían el auditorio para centrar la atención de los espectadores
 las nuevas posibilidades técnicas dieron lugar a una transformación teatral.
 ahora los escenarios no son aquellos estables e inertes, son pomposos y se puede cambiar fácilmente el anbito de la escena