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Estilos Gráficos de los Comics a través de la historia:

Década por Década

En una época en que la animación tradicional, la dibujada cuadro a cuadro, a mano


solo estaba dando sus primeros pasos, un nuevo medio trajo a los niños (y adultos,
seamos honestos) a la lectura. Los cómics comenzaron como una novedad de los
puestos y tiendas de revistas de diez centavos, y desde entonces, han pasado por
innumerables transformaciones, exploraciones artísticas, impuestos públicos,
declinaciones y avivamientos.

La historia de los diferentes estilos visuales del cómic es tan dinámica, cambiante y
variable, como las mismas historias que se encuentran contenidas dentro de sus
páginas.

Una historia modelada no solo por las manos de innumerables escritores y artistas,
sino también por millones de lectores a lo largo de casi un siglo. Si bien puede que
no existan mutantes ni armas apocalípticas en la historia real de los cómics, sigue
siendo tan fantástica y extraordinaria al igual que la infinitud de multiversos y
superhéroes que se encuentran en estos ejemplares.

Victorian Age 1837–1895


El primer comic, o indicio de comic, del que se tiene conocimiento es Las aventuras
de Obadiah Oldbuck. Publicado originalmente en varios idiomas en Europa en 1837,
entre ellos una versión en inglés diseñada para Gran Bretaña en 1841. Un año más
tarde, fue la versión reimpresa en Nueva York el 14 de septiembre de 1842 para los
estadounidenses, lo que la convierte en el primer cómic impreso en Estados Unidos.
No tenía globos de dialogo, pero hay un texto debajo de los paneles (viñetas)
para describir la historia. Una copia fue descubierta en Oakland, California, en
1998.
El cómic fue realizado por el suizo Rudolphe Töpffer, quien ha sido considerado en
Europa (y comenzó a convertirse aquí en América) como el creador, el padre del
comic (historieta) y novela gráfica. Rudolphe Töpffer creó varias (7 conocidas)
novelas gráficas que fueron extremadamente exitosas y se reimprimieron en
muchos idiomas diferentes, varias de ellas tenían versiones en inglés en América en
1846. Los libros se mantuvieron impresos en América hasta 1877. Se cree que
existe una gran cantidad desconocida de autores victorianos.

En 1883 Palmer Cox crea The Brownies y era originalmente parte de una revista
para niños llamada San Nicolás. Aparece por primera vez en la revista de 1883 en
una historia llamada The Brownies 'Ride. Los Brownies estaban muy comercializados
y uno de los productos que lanzaron fue un libro con sus ilustraciones con una
historia de texto al lado de las imágenes. Titulado The Brownies: Their Book se
publicó por primera vez en 1887 y varios otros libros sobre los mismos personajes
siguieron después. Es probable que sea el primer cómic norteamericano que tuvo
éxito internacional.

Además de la revista San Nicolás, había otras que usaban historias de imágenes y
se estaban haciendo populares. Entre las revistas estaban Harper's, Puck, Judge,
Life and Truth. Los periódicos empezaron a reconocer su creciente popularidad y
agregaron una característica a sus diarios, de Sunday Comics (las tiras comicas de
los domingos). Los periódicos no pudieron obtener a los artistas populares y sus
personajes porque las revistas ya los tenían registrados. Sin embargo, Roy L.
McCardell, miembro del personal de Puck, le dijo a Morrill Goddard, el editor del
domingo de The New York World (entonces el periódico más grande) que conocía a
alguien que podía proporcionar algo.

Ese alguien era Richard F. Outcault. Dibujo una imagen de niños en la calle en la
edición del 2 de junio de 1894. Yellow Kid (sin amarillo, hasta entonces los comics
eran monocromáticos) aparece en esta y juega un papel secundario.

Yellow Kid también aparece en Hogan's Alley.


(Platinum Age 1895–1938) (Edad Platino)
A principios de 1897, salió un libro titulado The Yellow Kid in McFadden's Flats. El
cómic tenía 196 páginas de largo, encuadernado, blanco y negro. Fue publicado por
G. W. Dillingham Company con los debidos permisos que se requerían. Era parte de
una serie de recopilaciones que el hizo y de esta manera el creó lo que hoy se
conoce como cómic. De hecho, este cómic acuñó la frase "Comic Book" por primera
vez, tal como está escrito en la contraportada. En el interior obtenemos una especie
de origen, ya que reimprime las primeras apariciones de Yellow Kid. Hay un texto
dentro de E. W. Townsend que explica Outcault and the Kid. Con este cómic
comienza lo que ahora se conoce como la Edad Platino del Comic.

A partir de este momento se viene una avalancha de lanzamientos entre los cuales
destaco:

En 1901, salió The Blackberries y es el primer cómic que se conoce a todo color.

Luego, en 1919, el editor Cupples & Leon utilizó un formato diferente. 4 paneles
(viñetas) por página. Eran en blanco y negro, 52 páginas por 25 centavos. Los títulos
y los personajes utilizados para estos libros fueron Mutt & Jeff y Bringing up
Father.

En 1922 sale el primer cómic mensual. El título fue Comics Monthly y duró 12
números. Cada edición se dedicó a un popular personaje de tira cómica que fue
sindicado por King Features. Era en Blanco y Negro y se basaba en reimpresiones de
tiras cómicas existentes.

En 1929, Dell Publishing publica The Funnies y fue distribuido por los quioscos junto
con los periódicos. A diferencia de Comic Monthly, este libro se realizó en 4 colores
y tenía tiras cómicas originales en lugar de reimpresiones. Un nuevo número salió
todos los sábados, pero perdió dinero

En abril de 1936, un importante sindicato de tiras cómicas se lanzó al negocio del


cómic. King Features creó King Comics. David McKay era un editor que había hecho
algunos cómics a través de King Features, y tenía el trabajo de hacer esto junto a la
editora Ruth Plumly Thompson. En él, Flash Gordon, Popeye, Mandrake el mago se
encontrarían entre las tiras más populares para hacer su aparición en el primer
número. Más adelante, The Lone Ranger (Llanero solitario), The Phantom (El
Fantasma), Prince Valiant, Blondie y Little Lulu (La Pequeña Lulu) harian parte de las
tiras populares que aparecerían en el título. El cómic duraría 159 números y
terminaría en 1952. De ahí surgiría Standard Publishing, una compañía de cómics
con muchos títulos diferentes.

En marzo de 1937 salió Detective Comics # 1. Este cómic fue el primer cómic de
DC. La mayoría de las historias en este número son racistas hacia los chinos y son
los villanos en la mayoría de los cuentos. Dos historias que se destacaban en la
publicación fuero "Garras del Dragón Rojo" escrita por el Mayor Malcolm Wheeler,
y Slam Bradley hecha por Jerry Siegel y Joe Shuster. El personaje se ve muy
similar al de Superman, el cual sería creación de estos mismo tiempo mas adelente .
Desde la página de inicio hasta los diferentes diseños, el héroe de apariencia
fortachona y de buenas acciones salva a las chicas, es fácil ver cómo el estilo
encontró el camino para la típica historia del héroe del comic.

Uno de los pre-superhéroes vino de las tiras cómicas, él es Popeye. Fue creado por
Elzie Segar y apareció por primera vez en una tira llamada Thimble Theatre en
1929. Aunque no salió a luchar contra el crimen, sí comió sus espinacas y mostró
algunas hazañas de fuerza sobrehumana mientras luchaba contra sus nemises Bluto.

The Phantom hizo su debut el 17 de febrero de 1936 y fue el primer héroe (No
tenía super poderes y no era superhéroe, solo héroe) disfrazado. Fue creado por
Lee Falk. El Fantasma era el tipo de héroe que, a pesar de sus capacidades
"humanas" normales, luchaba contra el crimen con valentía y desafiaba a la muerte.
Muchos futuros héroes seguirían su ejemplo. Más tarde, las máscaras se usarían en
la mayoría de los disfraces para que el héroe pudiera ocultar su verdadera
identidad.

Golden Age (1938–1950)


La edad de oro fue realmente una época idílica, utópica. Había una clara distinción
estilística (de estilo) entre el bien y el mal. Los superhéroes no eran más que
buenos con suerte, adictos hacer el bien, luchando y siempre derrotando a los
villanos, los cuales siempre estaban motivados por el dinero o la dominación mundial
para cometer sus más crueles fechorías. Y esa es exactamente la razón por la que
los cómics de esta época se convirtieron en un boom exitoso. Cumplían el sueño de
todos los niños de obtener poderes más grandes de lo imaginado, superar sin
problemas, ni mayor esfuerzo, a sus enemigos y escapar de sus vecindarios sin vida
(inertes) a la aventura.

Una característica del idealismo de la Edad de Oro, los superhéroes se usaban a


menudo como una plataforma para inculcar el orgullo nacional y el patriotismo
frente, y en plena, Segunda Guerra Mundial la cual ocurría por ese entonces.

Bajando literalmente del cielo para dar comienzo a la Edad de Oro, llega Superman,
en Action Comics No. 1, como representante histórico del cómic de superhéroes,
que hoy en día muchos de nosotros conocemos. Las tiras cómicas de los periódicos
(de donde proviene el término "cómic", por cierto) ya existían, junto con programas
de radio con vigilantes (héroes) enmascarados como The Shadow. Pero Superman
fue el primer musculoso súper poderoso en ponerse una capa y un spandex ceñido
para combatir el crimen. Los lectores no podían apartar sus ojos de él. Superman
marcó la pauta para cada superhéroe, e incluso se convirtió en el primero en ganar
su propio cómic exclusivo dedicado a sus aventuras en un momento en que los
personajes solían estar restringidos a historias de una sola edición o pequeños
fragmentos en diversas publicaciones.

Características de estilo:

Los cómics no se alejaban mucho de sus antepasados de los periódicos, a pesar que
se imprimían en forma de folleto, o revista pequeña, contando una historia sencilla a
través de imágenes secuenciales básicas.

La caricatura (el dibujo) era simple ya que los editores aún no estaban en el nivel, ni
en la capacidad de invertir o contratar artistas serios.

Los paneles, viñetas o cuadros se posicionaban, distribuían, en cuadrículas


cuadradas básicas, a menudo llenas de más diálogos que imágenes.

*Wonder Woman, la primer superhéroe femenina.


*(Wonder Woman, the first female superhero, gained Amazonian strength from
her lasso of truth but lost it whenever she was tied up by a man. This led to her
being tied up. A lot.)

*En esta Era del comic nace uno de los vigilantes más memorables, junto con uno de
las vinetas y memes más conocidos hoy en día. BATMAN.

Silver Age (1950–1971)


A diferencia los lectores jóvenes de la Edad de Oro, una época de fantasía e
inocencia que no podría durar para siempre. Los fanáticos crecían, algunos de ellos
volvían a casa después de una guerra mundial espantosa, y la idea de un vengador
invencible y encapuchado que superara casualmente los grandes males del mundo se
volvía cada vez menos convincente. Estos factores provocaron una disminución en
las historias de superhéroes y un aumento en los títulos de cómics que atraerían la
sensibilidad de los adultos: Así inicia la Edad de Plata de los cómics.

El mundo del cómic de poderes sobrenaturales y alienígenas se convirtió en un


objetivo obvio para las ilustraciones abstractas y coloridas de esta edad. Además
por estos años se envían los primeros satélites artificiales al espacio (Suptnik I,
Unión Soviética, Rusia, 1957) y se hacen los primeros vuelos espaciales tripulados
(Yuri Gagarin - Vostok, Unión Soviética, Rusia, 1961) (Primera mujer en el espacio
fue la exparacaidista Valentina Tereshkova, que entró en órbita el 16 de junio de
1963, a bordo de la misión soviética Vostok 6.) (Apollo 11, Neil Armstrong, primer
hombre en la luna 20 de Julio de 1969)

Los editores exploraron los géneros más diversos y, por mucho, el más exitoso fue
el horror. Estos horripilantes cuentos rescataron a la industria de su nefasto
destino como una moda a medias recordada, y su influencia se extendió más allá de
los cómics a los gustos del aclamado director de cine John Carpenter. Los estilos
visuales imitaron estos temas más oscuros, mezclando imágenes surrealistas y
algunas veces inquietantes.
Estos cómics eran tan increíblemente espeluznantes que los grupos morales, que ya
se lanzaban contra los cómics y los clasificaban como "comida chatarra para
jóvenes", ahora los comenzaron a considerar como las indiscutibles herramientas
del diablo, a pesar del hecho que la mayoría de sus lectores eran adultos.

Después de varias audiencias en el Senado, los editores crearon la Autoridad del


Código de Comics (CCA), cuya estricta censura prohibía incluso las palabras
"horror", "terror" o "crimen" en cualquier título. El resultado fue una era dolorosa
para la experimentación artística, escritura rápida y flexible, gracias a la censura y
represión política.

*Eel artista Roy Lichtenstein con su gema del arte pop, "Drowning Girl", pone de
cabeza al tradicional panel (viñeta) del cómic al retratar solo a una mujer ahogada
en la desesperación.

Características de estilo:

Los cómics se inspiraron en los movimientos artísticos del pasado, sobre todo el
surrealismo, para ilustrar los mundos extraños en los que vivían sus héroes.

Con los cómics ahora establecidos como un medio lucrativo, las imágenes de portada
se basan menos en tácticas baratas que llaman la atención y, en cambio, se
convierten en una representación artística de los temas de la edición (del número
del comic) o en el estado mental de un protagonista.

Los cómics encontraron una verdadera expresión artística por primera vez en el
movimiento Pop Art, que se apropió de objetos comerciales como etiquetas de
productos, anuncios de revistas y cómics con fines artísticos.

(Pop Art, el movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino
Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos.)

*Con el "Incredible Hulk", Marvel tenía su propio héroe de horror al estilo Jekyll y
Hyde.
*Cubiertas como estas que combinaban zombies con imágenes sugestivas se
presentaron al Senado como algo inapropiado. (ver imagen 11)

Bronze Age (1971–1980)


Como lo sugiere su nombre, la Edad de Bronce no era tan brillante como la
despreocupada Edad de Oro o la experimental Edad de Plata. Después de haber
acabado con casi todos los planes malvados que un supervillano podría tramar, los
cómics dieron a sus héroes enemigos aún más difíciles de enfrentar.

*A diferencia de otras muertes de personajes de cómics de la época, Gwen Stacy


fue un personaje recurrente durante mucho tiempo, el principal amor del héroe, y
su fallecimiento fue irreversible. Esta pérdida y la permanencia de la muerte trajo
a los cómics un nivel de realismo emocional que no tenían antes.

Todo comenzó con una historia de Spider-man en la que el mejor amigo del héroe
sufre una sobredosis de drogas. Spider-man está indefenso, y su alter ego, Peter
Parker, no tiene más remedio que subir al escenario, confiando únicamente en sus
dones de persuasión y empatía para salvar el día. La CCA (Comic Code Authority) se
opuso a la inclusión de temas relacionados con las drogas, sea cual sea el mensaje,
pero Marvel publicó el problema de todos modos con el apoyo de los lectores. Esto
hizo que el público perdiera respeto por el CCA y llevó la censura en los comics a su
fin, allanando (mostrando y descubriendo) el camino para historias más oscuras.

Alrededor de este tiempo, el escritor Chris Claremont revivió una serie de la Edad
de Plata que había sido cancelada sobre un grupo de mutantes llamado X-men (la
conocen, ¿verdad?). La segunda ola de mutantes de Claremont aún tenía poderes
divinos, pero ahora eran rechazados por los humanos por esa misma razón.
Recordando la lucha del Movimiento por los Derechos Civiles, que se dio entre 1954
y 1968 en Estados Unidos por la igualdad y aceptación de los negros ante la Ley del
pueblo norteamericano, así, los prejuicios contra los rasgos genéticos de los X-men
se convirtieron en el tema central del cómic.

Mientras que la Edad de Oro retrató temas sociales como la Guerra Mundial
mediante la virtud infalible y justicia fácil, los cómics de la Edad de Bronce
abordaron las realidades arenosas de la vida urbana de maneras poco contundentes
o mediante respuestas poco realistas. Tal vez el Capitán América podía golpear a
Hitler en la cara, pero ¿cómo ataca un superhéroe a los intangibles enemigos del
fanatismo y la adicción?

A medida que los relatos se centraban en temas e historias más realistas, el estilo
de las imágenes se transformaba para coincidir con estas.

*Marvel reveló que el Invencible Iron Man, Tony Stark, era un alcohólico con
dificultades.

Características de estilo:

Los cómics se comercializan en el surrealismo y la experimentación por


representaciones fotorrealistas del paisaje urbano.

Al lado del alter ego de la vida del superhéroe se le dedica más tiempo a la viñeta, y
los sensacionales disfraces pasaron a un segundo plano para enfatizar y empoderar
las representaciones de la gente común.

La profundidad de campo y la iluminación dieron a los cómics un estilo


cinematográfico, aumentando la conexión emocional del lector.

*El antihéroe más sangriento de Marvel saltó a la fama en esta era. (Punisher)

*Un héroe consume heroína y la droga aparece audazmente en la portada.

* Los dibujantes abandonaron su estilo de dibujos animados y trajeron realismo a


los cómics.
The Dark Age (1980-1993)
A diferencia de la Edad Oscura de la historia de la humanidad, esta era fue donde
los cómics lograron la iluminación. Hasta entonces, el bien y el mal se encontraban
estricta y radicalmente marcados, sin complicaciones, ni matices provenientes de la
Edad de Oro, esta fórmula y mecánica se repetía a lo largo de las Edades
consecutivas (solo se actualizaban y modificaban sutilmente algunos aspectos para
adaptarse a los tiempos). Aquí, en la Edad Oscura, los escritores tiraron todo por la
ventana y nos mostraron que el mundo de un héroe de cómic era tan áspero y oscuro
como los enemigos que enfrentaba. El bien comenzaba a tener matices de oscuridad
y el mal un poco de luz.

* El legado de "Watchmen" rivaliza con el de "Superman". Su mundo era incierto,


sus villanos no tenían rostro, sus héroes estaban indefensos. "Watchmen" es tanto
una celebración como la deconstrucción del mito de los superhéroes.

Historias como "The Dark Knight Returns" y "V for Vendetta" advirtieron sobre un
futuro siniestro que ningún tipo de heroísmo podría impedir. Los escritores
elaboraron personajes que eran psicológicamente complejos, y a menudo de maneras
más peligrosos. Alan Moore, "The Killing Joke", nos presentó a un Joker que era
más que un burlón risueño, era un asesino en serie terriblemente psicótico.
"Watchmen" nos dio héroes que fueron empujados a cometer acciones
cuestionables por la naturaleza misma del mundo que intentaban defender. Durante
esta era, la línea entre el héroe y el villano no era solo borrosa; los escritores
revelaron que nunca existió en absoluto.

* "The Killing Joke" encontro el camino para todos los futuros villanos de los
comics: macabros acosadores, más atentos a la tortura psicológica que a la muerte
del héroe.
* El Batman de los años pasados estaba muy alejado de la figura acechada y
encantada por sus recuerdos que conocemos hoy, hasta la aparición "The Dark
Knight Returns".

* La versión de Frank Miller de Daredevil se enfrentó a más que a villanos


disfrazados: a menudo se encontraba en una batalla perdida con el pesimismo del
crimen común de la ciudad.

Nace la editorial independiente Image Comics, junto a su héroe insignia, Spawn,


recibió una popularidad sin precedentes, lo suficiente como para una adaptación
cinematográfica solo unos años después de su inicio. Este y varios otros títulos
populares como "Prophet" y "The Savage Dragon" también generaron más interés en
los cómics independientes, dando paso a nuevos mercados, héroes y visiones
diferentes a Marvel y DC. (Esta abre las puertas al mercado y comics Indie)

Irónicamente, a medida que las imágenes de estos cómics se volvían más oscuras y
más estilizadas (mediante el juego con la iluminación, sombras profundas y colores
contrastantes), el género fue expulsado de las sombras de los “Pulp Comics” (Comics
baratos, el bien siempre vence al mal, temas grotescos, exageraciones, aciion en
abundancia), hacia la luz de la conciencia literaria. La idea de un cómic sostenido
como una obra literaria única llevó a la publicación de varias novelas gráficas, que
culminaron en "Maus" de Art Spiegelman, la primera serie de cómics en ganar un
Premio Pulitzer. Los cómics se consideraron finalmente como una forma de arte
legítima, tan maleable y abierta a la expresión creativa como cualquier medio.

* Sin City, el epítome de un cómic oscuro reinventó el cuento del crimen negro con
un estilo de personajes detallados, colores mínimos y un mundo de formas ambiguas
en blanco y negro.

* A menudo se representa a Spawn como sepultado en su propio traje: cadenas en


sus brazos y su capa envolviendo su cuerpo.
Características de estilo:

La noche fue el escenario prominente, prácticamente para todas las historias de


esta época, lo que llevó a un estilo artístico que favoreció la iluminación estratégica
y las sombras largas.

De manera similar, los artistas se inspiraron en las películas de cine negro (Film
Noir) de los años 40 y 50, creando mundos sombríos y dudosos de humo, lluvia,
callejones y siluetas.

Los cómics de terror de la Edad de Plata influyeron en la Edad Oscura en un


sentido más psicológico, con retratos inquietantes y ángulos antinaturales que crean
una sensación de inquietud perpetua.

* La influencia del horror se puede ver en Venom, con su desagradable mandíbula de


dientes como cuchillas y cuerpo de negro.

* En Spawn, los cómics literalmente se fueron al infierno, no es sorprendente que


existan personajes con nombres como The Violator (El Violador).

The Ageless Age (1993-Present Day)

La Edad Sin Edad (1993-Actualidad)


Hemos llegado al punto en nuestro viaje a través de muchas viñetas coloridos en la
que no hay una forma definitiva de categorizar la "era" actual. Los cómics se han
expandido tanto a nivel mundial que no poseen una forma o borde particular, han
evolucionado a una masa nebulosa de maravillas sin límites creativos.

* Tomando inspiración de los diseños y creaciones (y parte de su nombre) de "La


noche de los muertos vivientes" de George Romero, "The Walking Dead" usa el
blanco y negro para pintar la historia épica de los humanos que sobreviven a una
perpetua pesadilla de zombies.
La avanzada tecnología en el cine, la televisión y los videojuegos ha creado un
conjunto imparable de adaptaciones, que han provocado un aumento en la oferta y
variedad de comics. Además, el impacto de Image Comics se sigue sintiendo, a
medida que los lectores continúan su interés en los comics independientes
impulsados por la rampante comercialización de la industria. Ya no se limitan a los
gigantes editoriales de Marvel y D.C., y por otro lado los escritores tienen libertad
para explorar editoriales especializadas y mercados especializados, incluso
renunciando a los canales de distribución tradicionales mediante la publicación de su
contenido en Internet.

Solo una cosa se puede decir acerca de nuestra actual era del cómic: es un momento
en que el superhéroe no tiene que ser heroico u oscuro ni siquiera tiene que estar
presente en absoluto. Los cómics pueden ser tan “Pulp” o serios o simplemente tan
raros como quieras que sean. Como el invencible Superman de la optimista Edad de
Oro, ahora es un momento en que todo es posible.

* Parte ópera espacial, parte fantasía épica, parte romance, la colorida tinta de
Saga transporta a los lectores por la galaxia a través de mundos abstractos.

Características de estilo:

La tecnología avanzada ha llevado a técnicas creativas ilustrativas, desde pintura


digital hasta modelado 3D.

La línea entre el cine y el cómic ahora es tan delgada que algunas series se adaptan
a los cómics en movimiento, agregando actores de voz y animación a los paneles
(viñetas) sin cambiar el arte en sí.

La ubicuidad de los editores ha llevado a una amplia variedad de estilos artísticos.


El diseño ahora varía drásticamente, dependiendo de la naturaleza del cómic y las
elecciones del creador (en lugar de los estilos uniformes "internos, de cada casa
editorial" del pasado).
NOTA: El primero es el cambio en la impresión en offset en Marvel Comics. El color
era más vibrante de una manera artificial que eliminaba todos los tonos sutiles. La
segunda razón fue el cambio en la forma en que se estaba haciendo la obra de arte.
Marvel, específicamente, comenzó a modernizar la obra de arte en todos sus
títulos. X-Men, Capitán América, Iron Man, Hulk, Star Wars, Micronautas, todos se
parecían a la imagen llamativa del artista comercial Patrick Nagel, sobre el diseño
de carteles comerciales. Pronto este estilo abarcaría Marvel y DC. Artistas como
Rob Liefeld eventualmente se convertirían en el estilo de emular, figuras con
apariencia de esteroides carentes de precisión técnica.

Los artistas que habían construido, allanado, abierto y labrado el camino en los años
sesenta y setenta habían sido abandonados por las dos principales compañías de
cómics. Los nuevos artistas jóvenes llegaron sin ninguna habilidad ni creatividad.
Hubo pocas excepciones principalmente en los cómics de DC, pero esas excepciones
habrían sido la norma en los años 60 y 70.

Marvel y DC mantienen el mismo enfoque, con cambios diminutos ... el mismo


espectáculo en sus historias y grandiosidad, más la multimillonaria industria
cinematográfica, que se le suma hoy en día.

Es decepcionante porque los cómics solían ser un escape para personas que
disfrutaban de una buena redacción y un universo diverso de artistas cuya
caligrafía única podría influir en la dirección de tantos jóvenes.

Es cierto que DC y Marvel parecen vincularse cada vez más con las películas. Tiendo
a leer cómics independientes en estos días porque (aunque eso puede ser una bolsa
mixta de cosas e historias buenas, como muy malas) es más probable que encuentres
historias y obras de arte únicas. Los cómics de DC / Marvel todavía tienen un
encanto para mí, pero en gran parte por razones nostálgicas.