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Pop Art

Surgió en Londres y Nueva York en 1956. Esta manifestación artística tiende a reflejar aspectos inherentes de la ciudad. Sus
temáticas se conectan con el objeto cotidiano, con la estética consumista. El objeto cobra mayor importancia en las obras.
El Pop Art tiene un lenguaje llano y con una notable frialdad. Consiguió la simplicidad de su contenido y es comparado con
el Minimalismo. El Pop Art no es un arte que se fundamente en teorías previas o a través de ningún manifiesto.

En primer momento, a los artistas del Pop Art se los calificó como Nuevos Realistas, pero se lo fue dejando para no crear
confusión con el Nuevo Realismo de Paris. La confusión se produjo cuando expusieron conjuntamente artistas americamos
(como Jim Dine y Andy Warhol) junto a los artistas británicos (Peter Blake, Peter Philips) y franceses (Yves Klein). El Pop Art
posee connotaciones que remiten a la cultura popular. Contiene signos de rebeldía propios de la juventud. Es un arte
figurativo y realista, y parte de elementos propios del mundo cotidiano, como la fotografía, comics, revistas.

Pop Art en EE.UU.

RAUSCHENBERG incluía objetos reales en pinturas abstractas y recupera la tradición del collage cubista y dadaísta. Sus
obras suelen incluirse en el Neodada, para muchos el inicio del Pop americano. La idea de los collages implicaba una
profunda valoración de lo fragmentario y el empleo de elementos propios del entorno cotidiano, a esto se le denomino
combined paintings. Unas de sus obras importantes es La Cama, realizada en 1955 donde se descontextualiza el objeto
cama en posición vertical y salpicando de pintura en distintos colores en ciertas zonas. El concepto de multiplicidad trata de
elementos de muy diversa procedencia como fotografías, papeles, fragmentos de muebles y un sinfín de objetos muy
variados. Una de las piezas más representativas fue Monogram.

JOHNS Destruyó todas sus obras anteriores al año 1954 y solo se quedó con Construcción con un piano de juguete.
Podemos ver en sus pinturas la técnica de la encáustica que representan banderas americanas o tiros al blanco. También
sus primeras pinturas con números expresan el proceso mental de abstracción. Le siguieron series de pinturas que
presentan el tema de las palabras red, yellow, blue. Una de sus más famosas ejecuciones fue Ale Cans donde el objeto pasa
a adquirir gran importancia, dos latas de cerveza que reproducían fielmente el modelo real.

DINE estuvo influido por los combined paintings. El dripping y las manchas se conjugaban perfectamente con los objetos
descontextualizados. Creó numerosos environments, en los que piezas tridimensionales configuran interesantes espacios
donde colores y texturas están dotados de una cierta agresividad.

WARHOL En Nueva York trabajó como artista donde realizaba ilustraciones para revistas como Vogue. En 1960 empezó a
pintar personajes sugeridos por los cómics, como Superman o Popeye. Abandonó el comic y empezó a pintar objetos
cotidianos, como las latas de sopa Campbell y las botellas de CocaCola. Mediante la serigrafía, desarrolló una temática de
rostros de personajes famosos como Marilyn Monroe. Empleó colores puros, sin mezclas y combinaciones impactantes
(turquesa, rosas, rojos y amarillos). En sus obras también quiso plasmar en determinados momentos el lado oscuro y
trágico de la vida. Sillas eléctricas es otro tema planteado por el artista para poner en manifiesto las horribles
contradicciones de la sociedad.

LICHTENSTEIN comenzó a interesarse por los personajes de las películas Walt Disney, como Mickey o el Pato Donald, junto
con escenas de indios y vaqueros. Contribuyó a desarrollar un interés por el objeto publicitario. Sus protagonistas se
encuentran sumergidos en una nube que los aísla del mundo. Se pueden ver en sus pinturas los trazos con líneas gruesas, a
modo de contornos, en negro o azul oscuro y coloreaba la superficie en colores puros.

Pop británico

*Se erige en contra de una tradición figurativo-naturalista, se trataba de una actitud de rebeldía por parte de los jóvenes.

PAOLOZZI efectuó un interesante collage con tituto Yo fui el juguete de un hombre rico. Aca la palabra POP aparece por
primera vez en una realización artística y constituye un precedente del collage más famoso de Hamilton. En él se
encuentran todos los tópicos de la iconografía pop. Se trata de un canto al consumismo, cuyo escenario se desarrolla la
activa vida cotidiana. Usa colores vivos, exaltados y muy poco contrastados para una provocación. Él confeccionó una lista
de cualidades del arte pop: popular, pasajero, que puede darse de baja, de bajo coste, producción en masa, joven,
ingenioso, sexy, evasivo, atrayente y muy rentable.

BLAKE En el balcón es una de sus primeras pinturas con collage, donde se distingue el recorte de una revista en blanco y
negro en el que se ve la familia real británica saludando desde el palacio, escena típica, con personajes y objetos propios de
la sociedad de consumo. No solo se trata de representar objetos de consumo sino también tradiciones. El arte pop está
ligado a un sentimiento de nostalgia por las viejas cosas populares.

JONES La temática de sus pinturas tiene que ver con el erotismo, pinta fragmentos de seres humanos femeninos y
masculinos, entremezclándolos hasta el punto de que resulta casi imposible llegar a diferenciarlos. Tiene una gama
cromática muy rica y exaltada, distintas tonalidades de rojo contrastando con amarillos y azules.
Nueva Abstracción y Minimal Art

Apareció en EEUU una corriente completamente abstracta, con formas más radicales, más geométricas que parte de una
concepción estrictamente formalista. Se caracteriza por su frialdad, un carácter impersonal y mecánico. La huella del artista
es imperceptible y se ha llegado a llamar “abstractas de ángulo duro”. No se perseguía que el arte fuese expresivo, sino
simplemente que fuese “interesante”, se concentraron en la forma. Hubo un total rechazo del sentimentalismo. Materiales
como los tubos de neón, el poliéster o el acero galvanizado y el aluminio fueron empleados por los minimalistas.

Nueva Abstracción

También llamada Abstracción Postpictórica, se ciñe a la bidimensionalidad de la tela y a sus límites y se relacionan con lo
lineal y no con lo pictórico. Se desea que la obra se defina como estructura, como sistema cerrado en sí mismo y como
entidad autónoma. Cabe señalar la preferencia por los formatos de grandes dimensiones.

Hay una tendencia a trabajar en una misma obra con muy pocos colores. El reduccionismo también afecta al color, en
general se trata de soluciones bicromáticas o tricromáticas, no se emplean tonalidades intermedias, ni gradaciones tonales.
Los colores utilizados son puros, primarios y secundarios con extraordinarios contrastes.

Minimal Art

El concepto fue dado por Wollheim en 1965 dando a referencia a pinturas abstractas, a esculturas minimalistas. El “objeto
especifico”, posee la capacidad de no decir nada, de “ser insignificante”. Se trata de una presentación, la presencia
insignificante de un volumen ocupando un espacio.

El objetivo de toda escultura minimalista es potencial al máximo la pureza del lenguaje, forma de carácter unitario que no
puede descomponerse. Proponen cualidades de unidad e indivisibilidad. Se interesaron por las líneas, los planos y los
volúmenes desde el punto de vista de la percepción. Es un lenguaje reduccionista.

ANDRE construye sus esculturas de manera homogénea y continua. Los elementos son idénticos y, al yuxtaponerlos,
elimina por completo la idea de jerarquización y el conjunto permanece abierto. Sus esculturas fueron construidas con
fragmentos de madera, placas metálicas o ladrillos. Una de sus obras reconocidas es Cuadrados de latón.

JUDD se distingue el sistema dualista. El carácter binario otorga un valor idéntico a todos los elementos, no hay ningún
valor jerárquico entre lleno y vacío, abierto y cerrado, delante y detrás. Integra el color con un sentido totalmente
inexpresivo e impersonal.

ROBERT MORRIS se separó de la estética minimalista para profundizar en soluciones casi antitéticas. Experimentó en el
mundo del teatro. Sus obras son poliedros simples y sistemas modulares, son de conglomerado de madera, de fibra de
vidrio o de metal galvanizado y están realizado industrialmente, y en ellos no se percibe huella del artista.

Es interesante apuntar que son los propios artistas los que llevan a cabo las instalaciones de las esculturas en galerías o
museos. Optan por transformar la estructura global del conjunto de elementos según el espacio del que disponen para su
emplazamiento.

MANGOLD y RYMAN son los más reduccionistas, se destacan por un tipo de pintura en la que el único elemento que se
tiene en consideración es la bidimensionalidad de la tela, ni siquiera el color es un factor determinante. Emplean el blanco
liso como único color.