Das Kunstmagazin der ZEIT

Nº162 Oktober 2019     Seit 1927

Warum mit Albrecht Dürer die Moderne begann

2 2 S e i te n

W IeEziaN
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Hannah Ryggen Revolution am Webstuhl Langeloh Wie Frauen Porzellangeschichte schrieben

Konstantin Grcic Der Stardesigner über irritierende Möbel und das Maß aller Dinge
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 UNSER
TITELBILD
TITELBILD: Albrecht Dürer, Flügel einer Blauracke, um 1500, Aquarell und Deckfarben, auf Pergament, Albertina, Wien; Bilder diese Seite: Albertina, Wien (2)

»Mein Agnes«, das zarte Porträt seiner Frau,

schuf Dürer im Jahr der Eheschließung 1494,
oben »Tote Blauracke«, um 1500

Sie ist eine Weltbürgerin. Und ein Weitstre-
ckenzieher. Ihr Verbreitungsgebiet reicht
von Sibirien über den Libanon bis nach Por-
tugal und in den Maghreb. Auf ihren Reisen
in den Süden legt die Blauracke bis zu 8000
Kilometer zurück. Doch ihre Welt schrumpft.
In Mitteleuropa ist der Zugvogel mit dem
traumschönen azurblauen Gefieder weitge-
hend ausgestorben, Monokulturen, Strom-
leitungen und die ach so umweltfreundli-
chen Windkraftanlagen haben ihr den
Garaus gemacht. Zu Zeiten Dürers kreuzten
noch viele Blauracken den fränkischen Him-
mel und stürzten sich im Flug auf ihre Beute.
Und so war es naheliegend, dass der noch
junge Meisterzeichner sich gerade diesen ­
Vogel für eine seiner großen Naturstudien
wählte. Das Aquarell »Flügel einer Blaura-
cke«, das unser Cover zeigt, entstand um
1500. Es ist wie der berühmte »Feldhase« in
einer bewegenden Schau der Wiener Alber-
tina zu sehen, die sich besonders seinem
Werk auf Papier und Pergament widmet (S. 18).
Dürer setzte bei der Darstellung des
Flügels hauptsächlich Deckfarben ein, um
das berauschende Spektrum der Federn be-
sonders intensiv und realitätsnah zu entfal-
ten. Es reicht von Mintgrün bis Ultramarin,
von erdigem Braun bis zu blutigem Rot. Die
Wunde, wo der Flügel vom Körper abgeris-
sen wurde, ist sichtbar, ebenso wie ein Loch
im Gefieder, wo sich der Daumen des Tiers
vermutlich im Netz verfangen hat, was sein
Schicksal als totes Modell besiegelte.
Heutzutage ist der Netzfang geächtet,
doch noch immer verfangen sich jeden Früh-
ling und Herbst Millionen Vögel in illegal
aufgestellten Netzen im Mittelmeerraum.
Die Paarbindung der Blauracke hält übrigens
meistens nur eine Saison. Da ging es dem
Künstler anders. Seine Ehe mit Agnes Frey,
die er oftmals porträtierte, wurde erst durch
seinen Tod 1528 geschieden. Agnes sorgte
maßgeblich dafür, dass Albrecht Dürers
Drucke­und Zeichnungen in Umlauf kamen
und Geld einbrachten. Bei der Vermarktung
waren die Nürnberger ihrer Epoche weit
voraus.­  SIMONE SONDERMANN

5
 WELTKUNST

INHALT
N° 162

2 2 S e i te n

WSIpeEziaN

Bilder: Albertina, Wien; Service mit Goldchinoiserien, Meißen, Inv. Nr. L 318, Sammlung Ludwig Bamberg/Museen der Stadt Bamberg; rechts oben: Tom Vack/Konstantin Grcic, KG-Design, Magis chair_ONE, 2004
Kolumnen l
10 Zeitmaschine
12 Was bewegt die Kunst?
Alte Möbel sind das neue Recycling
14 Drei Wünsche
16 Hand des Meisters
17 Heimliche Zwillinge
17 Kritikerfrage
114 Obrist

Geschichten
18 MIT HAND UND HA AR
Albrecht Dürer war ein Meister
darin, eine zweite Natur zu
erschaffen. Die Albertina in Wien
öffnet nun ihre Schatzkammer

30


DREI TAGE IN WIEN
Ringstraße, Hofburg, Prater,
alles schön und gut. Doch Wiens
18
Reiz liegt im Verborgenen. Polygnot lässt grüßen
Wir nehmen Sie mit auf eine Tour Dass ausgerechnet der gemeine Feldhase zur Ikone
voller Überraschungen der Kunstgeschichte wurde, liegt in der Antike
begründet – und in Dürers atemberaubendem Strich
36 DIE LETZTE SÜSSE
Von Bernini bis Bircken: das Beste
im Wiener Kunstherbst

38 ZWISCHEN DEN STÜHLEN

Konstantin Grcic, Deutschlands
berühmtester Möbeldesigner,

54
über seine Zeit als Restaurator, die
Bedürfnisse der Tech-Branche
und die Psychologie des Sitzens
Aus dem Vollen
46 AM FADEN DER GESCHICHTE
Porzellan trotzt den
Die Weberin Hannah Ryggen
Krisen des Kunsthandels.
war eine Chronistin ihrer Epoche.
Innovative Traditions-
In Frankfurt widmet ihr die
häuser wie Langeloh
Schirn eine umfassende Schau
lassen das weiße Gold bis
54 GOLDEN GIRLS heute glänzen
Drei Frauen aus drei Generationen
ist es zu verdanken, dass Langeloh
Porcelain seit 100 Jahren Erfolg hat
Bilder unten: Gottfried Helnwein/Kaiblinger Galerie und Kunsthandel/VG Bild-Kunst, Bonn 2019; Anders Sundet Solberg/Hannah Ryggen/National Museum of Decorative Arts and Design, Trondheim/VG Bild-Kunst, Bonn 2019

Agenda
62 KUNSTWELT
News und Personalien

64 HURR A , DIE SCHULE BRENNT!

Die anarchische Talentschmiede
CalArts in der Kestner Gesellschaft

38 66 AUSSTELLUNGEN


Eröffnung des Bauhaus Museums
Dessau, Leonardo da Vinci in Paris
The One and Only
Der »chair_ONE« von
72 SCHAUFENSTER
Konstantin Grcic wurde ein Klassiker
Heribert C. Ottersbach bei
der Gegenwart. Im Berliner
Beck & Eggeling in Düsseldorf
Kunstgewerbemuseum begegnet er
Designexperimenten von einst
74 KUNSTHANDEL
Kellermann zeigt Zero und Kinetik

76 DER ANFANG IST GEMACHT

Jung und weiblich: neue Akzente
der Wiener Messen

90 STILKUNDE
Scherzgläser für Trinkfeste

76 92 BUSINESS AS USUAL
Wie reagiert der Markt in London?
Mädchenträume
Gottfried Helnweins 94 AUKTIONEN
seltsame Kinderporträts auf Gemälde im Dorotheum, Möbel
der Fair for Art Vienna und Malerei in Uppsala, Bücher
bei Bassenge, Gorny & Mosch ruft
Münzen auf, Karrenbauer Design
und Kunst, Postwar bei Plückbaum

8 Editorial
111 Termine
113 Impressum
113 Vorschau

46
Weben und wirken
Norwegen ist Ehrengast der
Frankfurter Buchmesse.
Hannah Ryggen schuf auf instagram.com/WeltkunstMagazin
Ørland ihre Manifeste facebook.com/weltkunst
twitter.com/WeltkunstNews
 EDITORIAL

Liebe Leserinnen,
liebe Leser,
wer schon einmal mit einem Nachtzug gefahren
ist, wird die Reise nicht vergessen. Von meiner
Klassenfahrt nach Rom habe ich vor allem die
nächtliche Bahnstrecke in Erinnerung, bei der
wir in unserem Sechserabteil alle so aufgeregt
waren, dass wir von Frankfurt bis mindestens
Florenz kein Auge zugedrückt haben. Gefühlt
zu zwölft saßen wir gebückt auf den ausgeklapp-
ten Liegen, dabei spielte ein Mitschüler Gitarre
und sang »I’m a Passenger« – physisch kann ich
mir das heute kaum noch vorstellen. Jahre spä-
ter habe ich im Schlafwagen von Padua nach
Salzburg dann so fest geschlafen, dass ich um
ein Haar den Ausstieg verpasst hätte. Da Nacht-
züge so romantisch sind, freue ich mich über die
Pläne der Deutschen Bahn, vielleicht schon die-
sen Herbst eine neue Nachtzugverbindung von
Warnemünde über Berlin nach Wien einzurich-
ten. Da möchte ich mit meiner Familie einstei-
gen! Meine drei Söhne sind die größten Bahn-
fans, die man sich vorstellen kann
Wien ist als Kunstort einfach unerschöpf-
lich. Die vielen Sonderausstellungen bieten
dazu noch mehr Gründe, jetzt eine Reise zu pla-
nen, zum Beispiel zur großen Expressionismus-
Bilder: Ivo von Renner; Christoph Münstermann/Gabriele Münter, „Elmau“, o.J., Collection Fondazione Gabriele e Anna Braglia, Lugano/VG Bild-Kunst, Bonn 2019
Schau ab Mitte November im Leopold Museum.
Unter den 120 Werken aus den beiden Privat-
sammlungen Braglia und Johennig wird auch
Gabriele Münters Landschaft »Elmau« (unten li.)
zu sehen sein. Sie wirkt so meditativ wie ein Spa-
ziergang im Alpenvorland – und so erfrischend
wie ein geöffnetes Fenster in einem Zugabteil.
Auch das ist natürlich eine Erinnerung an frü-
her, denn heute kann man ja leider die Fenster
in der Bahn nur noch selten öffnen.
Bei der Vorbereitung zur aktuellen Aus-
gabe war meine Verabredung mit Konstantin
Grcic ein besonderer Genuss. Ich haben den De-
signer im Berliner Kunstgewerbemuseum ge-
troffen, und er hat mir zwischen Möbeln der Re-
naissance und des Barock von seiner Zeit als
Restaurator erzählt, über seinen Traum, Boots-
bauer zu werden, und über das Idealgewicht von
Stühlen (Seite 38). Bei der nächsten Gelegenheit
muss ich ihn fragen, ob er nicht auch mal ein
Abteil für einen Nachtzug entwerfen könnte!

8
 Großer, äußerst qualitätvoller Hamburger Schapp,
Nussbaum massiv und furniert, um 1700, Provinienz „Earl of Dunraven Adare Limerick“ Adare Manor
Höhe 265 cm, Breite 250 cm, Tiefe 75 cm

Highlights Internationale Kunstmesse in der Residenz München 16.-20. Oktober 2019

 EZE

IT M
HIN

ASC

Ich-Maschine
Wenn der technische Fortschritt über­
mächtig wird, bekommen Künstler
Fieber. Dann entstehen Maschinenträu­
me. Fast egal, ob diese aus Angst vor
oder der Lust am Untergang gespeist
sind: Dass in einer modernen Welt
auch der moderne Mensch ein wenig
automatenhaft, eine Maschine, ein
Roboter zu sein hat, um zu funktionie­
ren, zieht sich als Motiv durch die
Kunst des 20. Jahrhunderts. Noch die
diversen Protagonisten der deutschen
Pop-Art wie Konrad Klapheck, Bettina
von Arnim oder der frühe Hannsjörg
Voth for­mulieren in ihren Arbeiten
solche Schreckensvisionen verpuppter
Hybride und mechanischer Wesen.
Auch Hans ­Ticha, bekannt durch ge­
sichtslose Stecknadelköpfe, die auf
riesigen Körpern sitzen, zählt als einzi­
ger Vertreter aus der DDR zu dieser
Richtung. Sein Bild »99,9 %« aus dem
Jahr 1982, das er damals im Geheimen
malen musste, ist noch bis zum 3. No­
vember Teil der Schau »Point of No
Return« im Leipziger Museum der bil­
denden Künste. Es visualisiert eine
ostdeutsche Alltagserfahrung, die heute
weitgehend vergessen zu sein scheint:
dass man bei den Wahlen einst eben
nicht die Wahl hatte. Alles ist hier scha-
blonisiert: Stimmvieh, Stimmzettel,
Prozentzahl, die einstudierten Ovationen
»Es lebe…« und der bejubelte schwarz-
rot-goldene Staat selbst, der, monströs
groß, die Jas einkassiert. Ein Bild, das
man heute auch allen jenen noch mal
zeigen sollte, die inzwischen im öffent­
lich-rechtlichen TV zur besten Sende­
zeit behaupten, sie seien dreißig Jahre
nach der Wende noch immer unfrei
und dürften ihre Meinung nicht sagen.

HOLGER LIEBS ist freier Kunstpublizist

in Berlin und befragt hier jeden Monat
berühmte Werke auf ihren aktuellen Gehalt
 W E LT K U N S T

Wenn sie schon

besonders auch bei den chinesischen Antiquitäten. Das Auk-
alt genug wäre, ihre tionshaus Nagel hat letztes Jahr einen Faltstuhl aus der spä-
ten Ming-Dynastie für einen Hammerpreis von 2,6 Millio-
eigene Wohnung nen Euro versteigert, während der Londoner Kunsthandel
eine museumswürdige Pietra-dura-Tischplatte aus dem
einzurichten, würde 16. Jahrhundert, die Giorgio Vasari für die Medici-Herzöge
entwarf, für 10 Millionen Dollar anbot. Das ist das eine Ende
Greta Thunberg des Spektrums – am anderen Ende sieht es vollkommen an-
ders aus. Doch ist noch nicht ins allgemeine Bewusstsein ge-
Antiquitäten kaufen rückt, dass immer wieder antike, wenn auch nicht muse-
umswürdige Stücke im drei- oder gar zweistelligen
Eurobereich aufgerufen werden und damit sogar Ikea Kon-
kurrenz machen können. Unser Redaktionskollege Jan

Bild vorige Doppelseite: Michael Ehritt/Hans Ticha, „99,9%“, Galerie LÄKEMÄKER Berlin/VG Bild-Kunst, Bonn 2019
Kohlhaas betreut für KUNST UND AUKTIONEN die be-
liebte Rubrik »Preisbild«, in der er aktuelle Auktionsergeb-

W er bekommt eigentlich das Biene-Maja-Zimmer? nisse für bestimmte Kategorien vergleicht: Im jüngsten Preis-
Diese Frage hat vor rund einer Generation ein Kind bild für Biedermeierkommoden taucht bei Yves Siebers in
beschäftigt, das mit seinen Geschwistern im Salon Stuttgart ein schönes Stück für nur 400 Euro auf. Noch güns-
der Großmutter saß. Die drei schauten andächtig auf die tiger sind Betten des Biedermeier: Gerade erst ging eines bei
schönen alten Möbel um sie herum und teilten unter sich Kastern in Hannover für 300 Euro unter den Hammer. 600
schon das Erbe auf. Das Ensemble war der ganze Stolz der Euro kostete ein bemalter Bauernschrank aus dem Jahr 1823
alten Dame, und es amüsierte sie, dass der jüngste Enkel sich im Allgäuer Auktionshaus in Kempten. Eine Kirschbaumgar-
besonders für das Biedermeierzimmer interessierte, das für derobe aus der Zeit um 1900 kletterte bei Von Zengen in
Kinderohren wie Biene-Maja-Zimmer klingt. Bonn von nur 60 Euro immerhin auf 170 Euro.
Diese Szene ist lange her, und die meisten Antiquitä- Einer Studie der Auction Technology Group ist zu
tenhändler leiden darunter, dass junge Leute ihren Wa- entnehmen, dass viele Briten auf Nachhaltigkeit ach-
ren immer weniger Interesse entgegenbringen. Ge- ten und Antiquitäten schätzen. Manche Aristokra-
WA S
schmack, Status, Tradition und Gemütlichkeit B E W E GT ten schauen sogar auf jene herab, die überhaupt
sind als Argumente nicht mehr ausreichend. DIE in die missliche Lage kommen, neue Möbel
Wie kann man so unterschiedliche Bilder wie KUNST kaufen zu müssen. Doch dass »vintage«, »se-
Greta Thunberg und die demonstrierenden Kinder ? condhand« oder neuenglisch »pre-loved« auch die
von »Fridays for Future« – eine wachsende Schar von umweltfreundliche Variante ist, ist 45 Prozent der bri-
Umweltschützern – mit den Schaufenstern des Antiqui- tischen Möbelkäufer nicht bewusst. Wieso 17 Prozent so-
tätenhandels und den Angeboten der Auktionshäuser zu- gar glaubten, eine neue Kommode belaste die Umwelt we-
sammenbringen? Es geht um ein Argument, das bisher von niger als eine alte, ist schwer nachzuvollziehen. Der letzte
der Branche vernachlässigt wurde: Nachhaltigkeit. Antiqui- Art Market Report von Clare McAndrew, herausgegeben
täten sind grün! Allein für Ikea werden jedes Jahr 200 Mil- von der Art Basel und UBS, erwähnt, dass nur ein Zehntel
lionen Bäume gefällt. Zwar gibt das an sich umweltbewuss- der Käufer von Antiquitäten jünger ist als vierzig Jahre. Aber
te Unternehmen an, dass 77 Prozent davon aus nachhaltigen die Händler werden immer älter – oder halten die Antiqui-
Quellen stammen, doch kürzlich hat der SWR recherchiert, täten sie jung? Während Galerien zeitgenössischer Kunst im
dass der Konzern viele Tausend Hektar von Europas letztem Durchschnitt 14 Jahre alt sind, beträgt das Alter der Anti-
Urwald in Rumänien gekauft hat und auch dort, in den Kar- quitätengeschäfte 35 Jahre, mehr als in jedem anderen Kunst-
paten, Holz schlagen lässt. Wer den Bestseller des Försters marktsegment. Aber vielleicht zeichnet sich jetzt eine Trend-
Peter Wohlleben über »Das geheime Leben der Bäume« ge- wende ab: Vergangenes Jahr, so Clare McAndrew, stieg die
lesen hat, den schmerzt diese Vorstellung besonders. Doch Anzahl der verkauften Antiquitäten pro Händler um sieben
Ikea braucht Holz. Allein das Billy-Regal, vor vierzig Jahren Prozent auf 75 Objekte.
entwickelt und immer noch ein Kassenschlager, wurde mitt- Es müssen keine Museumsstücke sein, mit denen man
lerweile weltweit mehr als 60 Millionen Mal verkauft. sich einrichtet. Wer Antiquitäten kauft, investiert in Indivi-
Nun lernen Kinder schon in der Schule, dass das Über- dualität, Stil – und Nachhaltigkeit.  ×
leben der Menschheit am Umgang mit der Erde hängt:­
»Reduce, reuse, recycle« lautet ihr Mantra, und dieses Ver- LISA ZEITZ ist Chefredakteurin der Weltkunst und
halten sollte auch auf die Einrichtung ausgeweitet werden: der Kunst und Auktionen
Schluss mit den Wegwerfmöbeln. Für einen Schrank von
1750 muss heute kein Baum mehr gefällt werden. Nun gilt
es, Hemmschwellen abzubauen und Informationen zu ver-
breiten. Ja, es gibt feine Möbelstücke, die Millionen kosten,
etwa aus den Werkstätten von Roentgen oder Chippendale,

12
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 GESICHT GEWAHRT
Masken trug man in Venedig nicht nur wäh-
rend des Karnevals. Der Adel ließ es sich auch
nach dem Aschermittwoch nicht nehmen,
incognito zwischen den Kanälen zu wandeln.

Bilder: Courtesy of the artist and Fabian Lang Gallery; Ariane Laue Kunsthandel; Volker Renner
In München bietet Ariane Laue ein Exemplar
aus Holz an, das wohl im 18. Jahrhundert in der
Lagunenstadt gefertigt wurde (arianelaue.de).


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 FÜRSTIN DER FINSTERNIS
In surrealen Wimmelbildern verbindet Jessie Makinson,
Jahrgang 1985, Mythologie mit Feminismus und Science-
Fiction. Ihr Ölgemälde »nobody axed you to« (2019), ange-
lehnt an ein Renaissancewerk Marcantonio Raimondis,
findet man bei Fabian Lang in Zürich (fabianlang.ch).

BLÜMERANTE BLÜTE
Nicht die Schönheit der echten »Corpse Flower« lässt
den Atem stocken, sondern ihr penetranter Geruch.
Gerrit Frohne-Brinkmann wurde durch die Blume zu
lebensgroßen Keramiken inspiriert, erhältlich sind sie


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filmisch gebaute Szenen: Mit ihrem speziel-
len Look avancierte Stefanie Schneider­
Anfang der 2000er zum Shootingstar der
Kunstszene. Heute ist sie eine etablierte in-
ternationale Größe, die immer wieder mit
überraschenden Kollaborationen auf sich
aufmerksam macht. So arbeitete sie zuletzt
mit dem James-Bond-Regisseur Marc
Forster­an dem Spielfilm »The Girl behind
the White­Picket Fence« oder mit dem
Schauspieler Udo Kier an der Werkreihe
»29 palms«, die in einer Wohnwagensiedlung
in der südkalifornischen Wüste entstand.
Stefanie Schneider, die ihr Fotografie-
Handwerk an der renommierten Folkwang-
Schule in Essen erlernte, lebt heute überwie-
gend in Los Angeles. Amerika und seine
Mythen sind ein wiederkehrendes Thema in
ihren Arbeiten. Dabei werden die Verhei-
ßung und der Glanz des amerikanischen
sante Weise gebrochen und in der Schwebe
gehalten. Hoffnung trifft auf Resignation,
Sehnsucht auf Stillstand.
Bei ihren fotografischen Inszenierun-
gen überlässt Stefanie Schneider kaum et-
was dem Zufall. Der Ort, die Requisiten, die
Darsteller – alles wird genauestens vorberei-
tet und aufeinander abgestimmt. Doch die
letzte Entscheidung überlässt sie dann dem
Fotomaterial. Vor über 20 Jahren erstand sie
am Sunset Boulevard in L.A. drei Kisten
mit alten Polaroid-Filmen. Sie bestimmen
seitdem die quadratische Form und die un-
vorhersehbare Farbigkeit ihrer Bilder. »Ich
bin ein Perfektionist, aber ich perfektionie-
re den Zufall«, fasst sie das Geheimnis ihrer
künstlerischen Arbeit zusammen.
Weitere Informationen unter LUMAS.DE
 HAND DES MEISTERS

Leckere Zeitmesser

Bilder links: Jerome Bryon/Richard Mille (2); rechts: KHM-Museumsverband, Wien; Intertopics/ddp; Alessandra Schnellegger; Frank Röth/F.A.Z.
D er Franzose Richard Mille machte sich im letzten
Jahr des vorigen Jahrtausends daran, etwas neu zu
erfinden, an das sich alle gewöhnt hatten: die me-
chanische Armbanduhr. Mille gründete in Les Breuleux im
Schweizer Jura eine Manufaktur, die seinen Namen trägt.
Schon seine erste Uhr, die RM 001, war aufwühlend, denn ­
Richard Mille versteckte die Federn, Spiralen und Zahnräder
nicht unter einem Ziffernblatt, sondern machte sie zur zen-
tralen Idee seines Uhrendesigns. Die funktionalen Details
sind bis heute stilprägend bei Richard Mille. Ansonsten ste-
hen die Kreationen für Experiment und Spieltrieb. Mal schuf
der Designer Philippe Starck ein Unikat, mal wurde dem Graf-
fiti-Künstler Cyril Kongo die Gestaltung einer Uhr anvertraut,
der dafür sämtliche Teile der RM 68-01 von Hand mit Neon-
lack überzog. Uhrendesign ist bei Richard Mille nahe an der
Kunst angesiedelt, weshalb die Marke auch offizieller Partner
der Londoner Kunstmesse Frieze geworden ist.
Nun möchte Richard Mille die Uhr für die Frau neu er-
finden. Damenuhren sind heute noch oft betont klein oder
mit Edelsteinen verziert. Auf Modellen wie der RM 07-03, der
RM 16-01 und der RM 37-01 prangen stattdessen Marshmal-
lows und Obst auf dem Zifferblatt. Oder eine Lakritzschnecke
und saure Zungen in Miniaturformat, jene beliebte Gelatine-
süßware, die einem den Mund zusammenzieht. Auch wenn
die Uhren der Bonbonkollektion von Richard Mille süß aus-
sehen, sind sie doch Resultate harter Uhrmacherkunst. Die
16 verschiedenen, wenige Millimeter großen Süßigkeiten sind
aus Titan geschnitten und werden handbemalt, um ihnen den
Zuckermasse-Look zu geben.
Die Gehäuse der Uhren sind entweder aus Karbon gear-
beitet, das schwarz wie Lakritz ist, aus farbiger Keramik oder
aus einem bunten Verbundwerkstoff auf der Basis von Quarz.
Bei Richard Mille kann es ein Jahr dauern, bis eine neue Far-
be entwickelt ist. Denn es werden nur natürliche Pigmente
verwendet, deren chemische Eigenschaften genau studiert
werden müssen. Ein Verfahren vergleichbar mit dem Backen:
Es kommt darauf an, die Zutaten im genau richtigen Verhält-
nis zusammenzubringen. Aber erst, wenn das Ergebnis aus
dem Ofen kommt, weiß man, ob es gelungen ist. Im Falle der
Richard-Mille-Bonbonuhren lautet das Urteil: sehr lecker!  ×

TILLMANN PRÜFER ist Style Director des ZEITmagazin. Jeden

Monat stellt er herausragende Leistungen der Handwerkskunst vor
 W E LT K U N S T

Frans Floris Josef Hader

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Das Kunsthistorische Museum in Wien besitzt ein Bildnis von Frans Floris aus der Zeit um 1566, das einen bislang
anonymen Gildenknappen darstellt. Endlich wissen wir, wen der Meister der nordischen Renaissance
porträtiert hat: den beliebten österreichischen Kabarettisten Josef Hader, der auch Schauspieler, Autor und
Regisseur ist – und nebenberuflich wohl auch Knappe. Weitere Tipps bitte an bildredaktion@weltkunst.de

K R I T I K E R F R AG E

Auf welche Ausstellung freuen Sie sich diesen Herbst?

SAM U E L H E R ZO G K IA VAH L AN D N I K L AS MA AK K E LLY C ROW HAN N O R AUTE R B E R G

Freier Kritiker Süddeutsche Zeitung Frankfurter Allgemeine Zeitung Wall Street Journal DIE ZEIT

Auf die Biennale von Lyon,
die heuer mit der Usine
Fagor ein immenses
Gelände bespielt – und
einen gewaltigen Vorwand
liefert, die (nicht nur
kulinarisch) heiterste Stadt
Frankreichs zu besuchen.
Als Leonardo-Biografin bin
ich besonders gespannt,
welches Bild seiner Kunst
der Louvre in der Jubilä-
umsschau entwirft. Freue
mich aber auch auf
Kippenberger in Bonn und
Dürer in Wien.
Lesen Schriftsteller Bilder
anders als Kuratoren?
Das wird man sehen, wenn
Karl Ove Knausgård ab 12.
Oktober in der Düsseldor-
fer Kunstsammlung NRW
einen unbekannten Edvard
Munch zeigen will.
Nach all dem geopoliti- Die Ausstellung von
schen Drama mit Italien Cemile Sahin in Leipzig
und dem »Salvator Mundi« und ihren neuen Roman
bin ich gespannt auf »Taxi«.
Leonardo im Louvre.
Welche Massen werden
kommen? Wird die Schau
dem Ansturm standhalten?

17
 A L B R E C H T DÜ R E R

MIT
HAND
Albrecht Dürer war ein Meister darin, mit
der Kunst eine zweite Natur zu
schaffen – und ebnete der Renaissance im
deutschsprachigen Raum den Weg.
Die Albertina in Wien öffnet nun ihre
Schatzkammer für eine berührende Schau

VON
T I M AC K E R M A N N

UND
HAAR 18
Bild: Albertina, Wien
 A
A L B R E C H T DÜ R E R

Ab dreißig Zentimetern beginnt die

Schmerzgrenze. Darunter ist alles akzepta­
bel. Doch wird man in einen größeren Ab­
stand gezwungen, stellt sich schnell Irrita­
tion ein. Mit körperlichen Symptomen, die
einer schwachen Panikattacke nicht unähn­
lich sind: »Hilfe, warum bin ich hier hinten?
Ich muss näher ran ans Pergament!« Wehe, es
schiebt sich nun eine fremde Besucherschul­
ter dazwischen. Das lautstarke Entzücken an­
derer Betrachter über die malerische Ausfüh­
rung eines kleinen Veilchenstraußes klingt
wie Hohngelächter in den eigenen Ohren,
wenn man nur einen halben Meter zu weit
weg steht. Und deshalb statt der Veilchen le­
diglich ein paar grüne und violette Kreise er­
kennt. Es gibt Gemälde wie Tizians »Mariä
Himmelfahrt«, die kann man über die Länge
eines Kirchenschiffs hinweg entspannt be­
wundern. Bei Dürer ist das leider anders.­
Seine schönsten Werke lassen sich nur aus
der Nahsicht genießen.

Bilder: Albertina, Wien (2)

Albrecht Dürer also. Die große Ausstel­
lung. Das bedeutet auch: Die Albertina in
Wien öffnet ihre Schatzkammer. Kein ande­
res Museum der Welt bewahrt einen derart
großen Bestand an Dürer-Zeichnungen. Mit
über 100 Blättern machen sie – neben einer
Auswahl aus dem druckgrafischen Œuvre –
den Schwerpunkt der Schau aus. Elf Gemäl­
de des Künstlers sowie weitere 30 Zeichnun­
gen wurden zur Ergänzung ausgeliehen. Und
es ist, zugegebenermaßen, das riesige Privi­
leg des Kunstzeitschriftenredakteurs, dass
man mit nur einer Handvoll Kollegen zur
Vorbesichtigung in das Hochsicherheitsde­
pot der Albertina eingeladen wird. Wofür
man im Aufzug ein paar Stockwerke in die
Tiefe fährt und am Ende eines Betonflurs vor
einer Metalltür stehen bleibt, die nur von
zwei Museumsmitarbeitern mit zwei zeit­
gleich aufgelegten Chipkarten entriegelt­
werden kann, um dann dahinter zuzusehen,
wie bei klimatisch idealen Bedingungen der
»Feldhase« aus seinem lichtdichten Papp­
sarkophag befreit wird. Und kein störender
Hinterkopf beschränkt dabei das Sichtfeld.
Vielleicht ist es ja ganz gut, dass die große
Dürer-Schau wegen der bis vor Kurzem be­
stehenden Ungewissheit einer Amtsverlänge­
rung des Albertina-Direktors Klaus Albrecht
Schröder schon in diesem Herbst stattfindet
und nicht 2021 zum 550. Geburtsjubiläum des
Künstlers. So bekommen es hoffentlich gar
nicht alle mit, und man hat die Werke mehr
für sich. Zum letzten Dürer-Auftritt in der
Albertina 2003 strömten 430 000 Besucher.
Die Frage, warum man sich im 21. Jahr­
hundert Dürers Werke ansehen sollte, beant­
wortet sich in dem Moment, als die Kollegen
den Zugang zum »Veilchenstrauß« (um 1495–
1500) frei machen und man selbst vom An­
blick schlagartig euphorisiert wird: Mit
welch Zartgefühl der Künstler hier vorge­
gangen ist! Weiße Linien von unglaublicher
Feinheit – der Pinsel kann nicht mehr als ein
Haar gehabt haben – legte Dürer behutsam
auf die in Violetttönen aquarellierten Blüten­
blätter. Die Linien folgen den Schwüngen
der Blüten und verleihen ihnen so Plastizität.
Mittendrin die Staubblätter, ebenfalls super­
fein gemalt in leuchtendem Gelb. Keine
noch so gute Katalogreproduktion, kein digi­
taler Zoom kann einen auf den Eindruck
vorbereiten, den die Begegnung mit dem
Original aus nächster Nähe entstehen lässt:
dass wir es hier mit einem Meisterstück zu
tun haben, einem kleinen Wunder der künst­
lerischen Naturimitation.
Die Bewunderung für Dürer hat natür­
lich Tradition. Seine schriftlichen Hinterlas­
senschaften und vor allem die Handvoll ver­
bürgter Selbstbildnisse lassen den Künstler
mit dem charakteristischen Lockenkopf als
einen Vertrauten erscheinen, der mit dem
Publikum über die Jahrhunderte hinweg
kommuniziert. Nur was er sagt – darauf
macht sich jede Epoche ihren eigenen Reim.
Die erste Begeisterungswelle, oft etwas
irreführend »Dürer-Renaissance« genannt,
setzte schon vor 1600 ein. Als Vorreiter gilt
Kaiser Rudolf II., der 1588 aus dem Nachlass
des Nürnberger Patriziers Willibald Imhoff
ein Konvolut von Dürer-Zeichnungen er­
wirbt, das über diverse Erben des Künstlers
direkt aus der Werkstatt an Imhoff gegangen
war. Gut 200 Jahre später landen diese Blät­

20

Noch dem spätgotischen Schönheitsideal
folgen das »Selbstbildnis als Dreizehnjähri-
ger« (1484, li. Seite) und die Architektur in
»Hof der Innsbrucker Burg nach Norden«
(um 1495). Vorige Seite: Renaissance pur
sind »Die betenden Hände« von 1508
A L B R E C H T DÜ R E R
ter durch ein erstaunlich fahrlässiges Tausch-
geschäft der Habsburger bei Herzog Albert
von Sachsen-Teschen, der in Wien im Palais
auf der Augustinerbastei residiert – das heu-
te Albertina genannt wird. So lässt sich die
Provenienzlinie der Museumssammlung aus
der Gegenwart bis hinein in die Arbeitsstube
im Haus am Nürnberger Tiergärtnertor zu-
rückverfolgen. All die berühmten Blätter
zählten bei Dürers Tod zum Werkstattbe-
stand. Was Christof Metzger, Chefkurator
der Albertina, zu einer so stolzen wie trocken
formulierten Aussage verleitet: »Dürer war
der erste Kurator unserer Dürer-Sammlung.«
Was aber sah der Künstler als so wert-
voll an, dass er es bis zum Lebensende ver-
wahrte? Da ist natürlich als frühestes Zeug-
nis der Künstlerbiografie das Selbstbildnis
von 1484. Dreizehn Jahre ist das Nachwuchs-
talent alt, das als drittältestes Kind des Nürn-
berger Goldschmieds Albrecht Dürer d. Ä.
21
am 21. Mai 1471 geboren wurde und nun zum
Silberstift greift, um sein jugendliches Ich im
Spiegel auf grundiertem Papier festzuhalten.
Bevor der junge Dürer in der benachbarten
Werkstatt von Michael Wolgemut, dem da-
mals berühmtesten Maler der Stadt, seine
Lehre antritt, werden noch zwei Jahre verge-
hen. Doch demonstriert er hier schon eine
gewisse Sicherheit im Umgang mit dem an-
spruchsvollen Silberstift. Sein Porträt im
Dreiviertelprofil folgt noch einem spätgoti-
schen Schönheitsideal, für das die feinen
Gliedmaßen, die gezierte Gestik des künst-
lich überlangen Zeigefingers und der unna-
türliche Faltenwurf der Ärmel charakteris-
tisch sind. Bewahrt wurde das Blatt wohl vor
allem aus sentimentalen Gefühlen.
Denn der späte Dürer, der wenige Jahre
vor seinem Tod 1528 viel Zeit auf das Verfas-
sen seines erst posthum erschienenen Theo-
riewerks »Vier Bücher von menschlicher Pro-
portion« verwendet, weiß natürlich um die
hauptsächliche Errungenschaft seines Schaf-
fens: das gotische Ideal überwunden und die
deutsche Kunst mit der Renaissance vertraut
gemacht zu haben. Auslöser dafür ist eine
Reise nach Venedig, die er im Sommer 1494
direkt nach seinen Gesellenjahren und der
Hochzeit mit Agnes Frey, der 19-jährigen
Tochter eines Rotschmieds, antritt. Die Ein-
drücke des Reisewegs hält der 23-Jährige bis
Tirol in Zeichnungen, Aquarellen und Deck-
farbenmalereien fest. Der aquarellierte Him-
mel in der Ansicht »Hof der Innsbrucker
Burg nach Norden« markiert um 1495 für
Christof Metzger einen entscheidenden
Schritt in der Entwicklung: »Das Konzept
des Blattes mit der gestreckten, überhöhten
Architektur ist absolute Spätgotik. Aber die
Art, wie er die Atmosphäre beobachtet, wie
er Luft, Wasser oder Ziegelmauern darstellt
und so ein Bild der Natur auf dem Papier
wiedergibt, all das deutet den Übergang zur
Renaissance an«, erklärt der Kurator.
Die italienische Kunst der Frührenais-
sance mit ihren perspektivisch klar geordne-
ten Bildräumen, ihren fest und sicher geglie-
derten Menschen wird Dürer zur Sehschule.
Die Rückbesinnung auf das antike Schön-
heitsideal eines muskulösen nackten Körpers
fasziniert ihn. Bereits 1494 kopiert er in einer
Federzeichnung Andrea Mantegnas Kupfer-
stich »Bacchanal mit Silen« (nach 1470). Und
wie man in der Gegenüberstellung der bei-
den Blätter in der Ausstellung sieht, verbes-
sert er die Darstellung des mythologischen
Gelages nach seinem Empfinden: Während
Mantegnas Diagonalschraffuren die steiner-
ne Haptik eines antiken Reliefs imitieren,
folgen Dürers Linien hier, so wie er es später
immer halten wird, dem Verlauf der Körper-
formen und der Muskelbewegung. Die Tech-
A L B R E C H T DÜ R E R

23
 A L B R E C H T DÜ R E R

nik hat er sich bei Martin Schongauer, dem

Meister des spätgotischen Kupferstichs, abge-
schaut. Sie erfüllt seine Figuren mit Leben.
Mit der Rückkehr nach Nürnberg im
Spätsommer 1495 beginnt Dürer, eine eigene
Werkstatt aufzubauen. Bemerkenswert, was
dort in den Folgejahren parallel entsteht: der
so fromme wie vor Fantasie sprühende Holz-
schnittzyklus zur »Apokalypse« (um 1497/
1498) mit den vier windbrausenden Todesrei-
tern und einem Engel Michael, der im stillen
Ernst den Drachen bekämpft, und eine Fe-
derzeichnung wie »Das Frauenbad« von 1496,
die offensichtlich zu dem Zweck geschaffen
wurde, verschiedene Darstellungsvarianten
des weiblichen Körpers zu erproben. Die ty-
pischen Verhüllungen der Gotik entfallen
bei Dürer bald regelmäßig in Stichen wie
»Die vier Hexen« (1497) oder »Das Meerwun-
der« (um 1498). Die exakten Erzählungen die-
ser Blätter sind heute nicht recht zu ent-
schlüsseln. Dafür erkennt man, dass der
Künstler Gliedmaßen bei Mantegna oder
Antonio Pollaiuolo abkupfert. Im Jahr 1500
kommt Jacopo de’ Barbari als Hofmaler von
Maximilian I. nach Nürnberg und macht
Dürer mit der Proportionslehre des Vitruv
bekannt. Wenig später versucht auch dieser,
dem Schönheitsideal kalkulierbare Regeln
abzugewinnen: So zeigen zwei Entwurfs-
zeichnungen zum berühmten Kupferstich
»Adam und Eva« (1504), wie der Künstler die
beiden Figuren sorgsam mit Feder und Zir-
kel konstruierte. Natürlich hat in Italien Leo-
nardo da Vinci bereits 1490 mit der Zeich-
nung »Der vitruvianische Mensch« das zur
Ikone gewordene Bild für das erwachende In-
teresse an einer wissenschaftlich vermessba-
ren Kunst geschaffen. Doch für die Entwick-
lung in Deutschland reklamiert Heinrich
Wölfflin in seiner Monografie von 1905 zu
Recht den Sonderstatus D ­ ürers, mit enor- seine AD-Glyphe wird nun gewissermaßen Der »Feldhase« (1502) und der Meisterstich
mem Krafteinsatz »den Menschentypus der zum ersten Logo der Kunstgeschichte. Wie »Der heilige Hieronymus im Gehäus« (1514,
Reformzeit geschaffen« zu haben. Ebendie- sehr er auf ihre Wirkungskraft vertraut, zeigt re. Seite) gehören auch dank ihrer Detail-
ser neue Mensch tritt in Dürers Darstellung die Episode aus dem Januar 1512: Ein Nürn- fülle zu den berühmtesten Dürer-Werken.
des Sündenfalls zutage. berger Ratsbeschluss fordert einen Fremden, Vorige Seiten: »Heiliger Hieronymus« (1521)
Jenseits aller kunstgeschichtlichen Rele- der in der Stadt Drucke verkauft, die »Al- und »Das große Rasenstück« von 1503
vanz zahlen sich die neuen Motive für Dürer brecht Dürers hanndzaichen haben«, dazu
aber auch in barer Münze aus. Dank seines auf, diese Monogramme aus den Blättern zu
Wechselns zwischen Illustrationen biblischer entfernen. Wie manch erfolgreicher Künstler
Geschichten, bäuerlichen Genreszenen und heute hat auch Dürer mit Fälschungen und
intellektuellen Rätselbildern mit erotischen Copyright-Verletzungen zu kämpfen.
Beigaben ist er nun in der Lage, mehrere Ge- Die Popularität seiner Grafiken am
schmäcker gleichzeitig zu bedienen. Es zei- Markt beruht letztlich auch auf einem guten
gen sich Ansätze einer Sammlerkultur. Bald Vertrieb: Dürers Ehefrau und seine Mutter
sind seine Drucke in ganz Europa begehrt. verkaufen die Blätter auf dem Markt in Nürn-
Zum Markenzeichen wird das berühmte Mo- berg. Wenigstens einmal reist Agnes Dürer
nogramm mit der Schachtelung der Buchsta- auch auf die Frankfurter Messe. Für weitere
ben AD, das Dürer seit 1495 in seine Werke Strecken werden Agenten beauftragt, die Dü-
einfügt, um Autorenschaft und Qualität zu rer-Drucke in Kommission nehmen. Das Zu-
garantieren. Monogramme haben schon an- sammenspiel aus florierender Werkstatt und
dere Kupferstecher vor ihm verwendet, doch einem straff organisierten Zwischenhändler-

24

Bild S. 22: Museu Nacional de Arte Antiga, Lissabon, Foto: Luisa Oliveira/José Paulo Ruas, Direção-Geral do Património Cultural/Arquivo de Documentação Fotográfica (DGPC/ADF); Bilder S. 23 - 25: Albertina, Wien (3)
system mag uns heute modern vorkommen.
Tatsächlich ist es für die Zeit um 1500, die
durch die Verbreitung des Buchdrucks in ­
Europa geprägt ist, gar nicht ungewöhnlich.
Doch will sich Dürer mit dem ersten
Erfolg im Bereich der seriellen Kunstproduk-
tion keinesfalls zufriedengeben. Seine Ziele
liegen höher: Nachdem er bereits 1496 mit
dem sächsischen Kurfürsten Friedrich dem
Weisen einen ersten bedeutenden Herrscher
des Reiches porträtiert hat – wohl auf Emp-
fehlung von Conrad Celtis, dem Nürnberger
Humanisten, Dichter und Freund Dürers –,
sucht er nun weitere Auftraggeber für lukra-
tive Gemälde. Die zieren sich jedoch, und so
verwendet er stattdessen viel Energie auf
zwei Selbstbildnisse: das Porträt im Dreivier-
telprofil mit den Lederhandschuhen von
1498 und die berühmte Frontalansicht im
Pelzrock von 1500. (Keines der frühen Gemäl-
de wurde für die Ausstellung ausgeliehen.)
A L B R E C H T DÜ R E R
Erst Anfang des neuen Jahrhunderts
verbessert sich die Situation. Bedeutsam ist
ein Brief, in dem Jacopo de’ Barbari in den
Jahren 1500/1501 Friedrich dem Weisen dar-
legt, weshalb seiner Ansicht nach die Malerei
zu den sieben freien Künsten zählt. Indirekt
fordert der Italiener damit die Aufnahme der
Kunst in den Lehrplan der neu gegründeten
Universität in Wittenberg. Diese Aufwer-
tung, die die Kunst aus dem mittelalterlichen
System der Handwerkszünfte herausheben
soll, will gut argumentiert sein. Und Conrad
Celtis, der vom Kaiser 1487 zum poeta laurea-
tus ernannt wurde, kann zufällig in einem
kurz nach der Jahrhundertwende verfassten
Epigramm den passenden Kronzeugen prä-
sentieren: »Albrecht, berühmtester Maler in
deutschen Landen«, ein »zweiter Apelles«,
dessen Werk und Philosophie ihn auch bald
»auf der ganzen Welt bekannt machen« wer-
den. Dürer agiert somit als Figur für die Zie-
25
le eines humanistischen Netzwerks in Nürn-
berg, das ihm im Gegenzug den Weg für
seinen späteren Ruhm ebnet.
Die Schriften der Renaissance geizen
generell nicht mit Apelles-Vergleichen, wenn
es um talentierte Künstler geht. Doch könn-
te sich Dürer mit dem legendenhaften Hof-
maler Alexanders des Großen gut selbst iden-
tifiziert haben, über den spekuliert wird, er
habe das allererste Selbstbildnis der Kunstge-
schichte geschaffen. Es wäre eine mögliche Er-
klärung für die mehrfachen Eigenporträts in
kurzer Folge, in denen Dürer über die Kon-
ventionen seiner Zeit hinausgeht – zum Teil
sehr weit: Schon mit der Frontalansicht von
1500, in der er sich als eine Art schöpferischer
Messias inszeniert, mag er die Betrachter scho-
ckiert haben. Aber um wie viel radikaler
wirkt noch das im Jahr zuvor entstandene
»Selbstbildnis als Akt«? Ohne falsche Senti-
mentalität arbeitet der Künstler hier mit Fe-
der und Pinsel den eigenen Oberkörper vom
Schlüsselbein bis zum Bauchnabel durch,
lässt mit kurzen schwungvollen Linien den
Hodensack baumeln und verschafft dem
nicht zu klein g­ eratenen Penis mit Weißhö-
hungen die ­gebührende Aufmerksamkeit.
Die Hell­­dunkelzeichnung auf grün grun-
diertem Papier, die aus Weimar nach Wien
ausgeliehen wurde, erscheint uns sehr mo-
dern, weil sie mühelos die Distanz von vier
Jahrhunderten überspannt: Erst Egon Schie-
les Akt-Selbstporträts aus den 1910er-Jahren
fallen einem als vergleichbare Beispiele scho-
nungsloser Selbstoffenbarung ein.
Zugleich lassen Licht und Schatten im
nackten Selbstbildnis erkennen, dass Dürer
seinen Körper aus verschiedenen Blickwin-
keln im Spiegel studierte und die Eindrücke
auf dem Papier zusammensetzte. Damit ent-
spricht er dem Idealbild des Renaissance-
künstlers, der seine Imagination mit einer ge-
nauen Beobachtung der Umwelt und einer
fast wissenschaftlichen Exaktheit in der Dar-
stellung ausbalanciert. »Dann warhafftig
steckt die Kunst inn der Natur. Wer sie he-
rauß kann reissen, der hat sie«, erklärt er spä-
ter selbst in seiner »Proportionslehre«.
Es ist sicher kein Zufall, dass um die
Jahrhundertwende einige seiner berühmtes-
ten Motive entstehen, die Zeichnungen nach
der Natur sind. Minutiös setzt Dürer im »Flü-
gel einer Blauracke« (um 1500) unzählige fei-
ne Deckfarbenlinien, um das Federkleid, das
in vielfältigen Farbtönen zwischen Blau-
schwarz und fahlem Grün changiert, plas-
tisch nachzubilden. Er achtet auch auf De-
tails wie die Risswunde in der rechten
oberen Ecke, um den Eindruck eines größt-
möglichen Realismus zu erzeugen. Unwahr-
scheinlich, dass bei einem solchen Aufwand
das 20 mal 20 Zentimeter große Pergament

Bild links: Albertina, Wien; Bilder rechts: Albertina, Wien; Klassik Stiftung Weimar; Bild S. 28: Albertina, Wien
Die Helldunkelzeichnung »Christus vor ­
Pilatus« aus der »Grünen Passion« (1504,
oben) plante der Künstler in einer
Entwurfs­zeichnung (li. Seite) mit brauner
Feder. Radikal modern wirkt auf uns
das »Selbstbildnis als Akt« (um 1499)
A L B R E C H T DÜ R E R
nur als Werkstattvorlage für Kupferstiche
wie die »Nemesis« (1501) diente. Eher wirkt es
wie ein Schaustück, das gegenüber Kunden
die Begabung seines Schöpfers deutlich
macht. Dürer dürfte dank seines Freundes
Celtis von der Anekdote gewusst haben, die
Plinius in seiner »Naturkunde« über Apelles
erzählt – jener habe bei einem Wettkampf
ein Pferd gemalt, das so lebensecht wirkte,
dass es von realen Artgenossen angewiehert
wurde. Der »zweite Apelles« misst sich nun
augenscheinlich mit dem ersten.
Wunderbar zu sehen, wie Dürer in die-
sen Jahren mit der Darstellung von Oberflä-
chen experimentiert: »Das große Rasenstück«
von 1503 sieht aus wie eine nüchterne Studie
wild wuchernder Gräser- und Pflanzentex­
turen – und doch hat der Künstler das aus-
geschnittene Stück Rasen auf dem Werkstatt-
tisch geordnet, um den Eindruck eines
verdichteten Bildzentrums zu erreichen. Die
27
künstlerische Wiedergabe von Fell steht da-
gegen beim »Feldhasen« (1502) im Vorder-
grund, und das wohl berühmteste Werk der
Albertina-Sammlung ist dabei auch ein Mus-
terbeispiel an malerischer Effizienz: Dürer­
lasierte zunächst in braunen Aquarellfarben
den groben Körperumriss, um dann darauf
mit feinem Pinsel genauso viele graue, brau-
ne und schwarze Haare und weiße Glanzlich-
ter zu platzieren, dass der Eindruck eines
flauschigen Tieres entsteht.
So künstlerisch perfekt der »Feldhase«
erscheint, bleibt doch die Frage, weshalb Dü-
rer sich ausgerechnet für dieses Tier entschie-
den hat. Hier bietet nun Kurator Christof
Metzger neue Denkanstöße, indem er das
Blatt mit dem bis ins 16. Jahrhundert geläu-
figen Begriff des »Polygnoti lepus« in Verbin-
dung bringt. Er bezeichnet besondere Le-
bensnähe – denn der Überlieferung nach soll
der Maler Polygnot im Athen des 5. Jahrhun-
 A L B R E C H T DÜ R E R

derts vor Christus in einem Wandbild so ex-

zellent einen Hasen (lateinisch: lepus) darge-
stellt haben, dass die Betrachter diesen für
echt hielten. Dürers »Feldhase« ist ein weite-
rer Fingerzeig auf seine eigenen Fähigkeiten,
der zumindest seinem gebildeteren Publi-
kum nicht verborgen geblieben sein dürfte.
Dazu passt auch, dass sich im Auge des Ha-
sen das Fenster des Ateliers spiegelt.
Das Künstlerego ist also gut vorbereitet,
als ein paar Jahre später die repräsentativen
Gemäldeaufträge eintreffen. Zuerst bestellt
1504 Friedrich der Weise für die Stiftskirche
in Wittenberg eine »Anbetung der Könige«.
Aus der Sammlung der Florentiner Uffizien
für die Ausstellung ausgeliehen, kann man
das Bild für die Architekturruinen im Mittel-
grund bewundern. Die Figurengruppe, die
sich dazwischen befindet, fällt allerdings ­
etwas auseinander. Besser gelingen Dürer
solche Menschenszenen im Zyklus der »Grü-
nen Passion«, der ab 1503 vermutlich für ei-
nen wohlhabenden Kunden entsteht. Neben
den sorgfältigen Helldunkelzeichnungen auf
blaugrün grundiertem Papier zeigt die Aus-
stellung auch einige Vorentwürfe in brauner
Feder, die in der Expressivität der flüchtigen
Linie fast schöner sind: Im Entwurf von
»Christus vor Pilatus« nimmt der im Vorder-
grund sitzende Soldat eine noch eindeutige-
re Macker-Pose ein, und die Schattenschraf-
fur klebt ihm wie ein Dreitagebart im
Gesicht. Dürers Vorarbeiten erreichten recht
oft den Rang eigenständiger Kunstwerke –
wie exemplarisch das weltberühmte Blatt
»Die betenden Hände« (1508) beweist, das ur-
sprünglich als Studie für den »Heller-Altar«
geschaffen wurde.
Nach weiteren Aufträgen besitzt Dürer
1509 genug Vermögen, um sich das Haus am
Tiergärtnertor zu kaufen. Zudem schmückt
ihn der Ehrentitel eines Genannten des Grö- den Butzenscheiben des Fensters und den Ein kleines Wunder der künstlerischen
ßeren Rates. Drei Jahre später erhält er erste Schatten an der Wand herstellt. Man könnte Naturimitation um 1495–1500 ist die Zeich-
kleinere Aufträge von Kaiser Maximilian I., endlos in solchen Details schwelgen. Ernst- nung »Ein Veilchenstrauß«: Dürer setzte mit
den er schließlich 1518 in Augsburg trifft, um haft berührend ist allerdings das enorme ­ dem Pinsel hauchzarte weiße Linien auf
ihn als Vorbereitung für ein Druckporträt zu Gefühl der Ausgeglichenheit in diesem Blatt: die in Violetttönen aquarellierten Blüten, um
zeichnen. Höher kann ein Künstler in der Seine Bibelübersetzung hat der heilige Kir- so Plastizität und Lebensnähe zu gewinnen
Gunst nicht steigen. Und auch wenn im kom- chenvater wohl schon beendet, da die Bücher
menden Jahrzehnt noch Hauptwerke folgen geschlossen auf der Bank liegen. Das Schrei-
– etwa 1521 das Gemälde »Heiliger Hierony- ben, das er am Pult verfasst, könnte nun von
mus«, dessen Komposition mit melancho- seinem Erfolg berichten. Löwe und Hund
lisch aufgestütztem Arm und mahnendem schlafen derweil zu seinen Füßen. Und
Zeigefinger auf dem blanken Schädelkno- durch die ganze Stube fällt das warme Son-
chen vielfach kopiert werden wird –, hat er nenlicht, unveränderlich für alle Zeiten.
seine nachhaltigsten Bilder schon geschaffen. Man muss sich Dürer beim Arbeiten an die-
Zu diesen zählt zweifellos die Ansicht sem Bild als einen zufriedenen Menschen
»Der heilige Hieronymus im Gehäus« von vorstellen. Sein Werk ist schon vollbracht: Er
1514 als einer der drei »Meisterstiche«. Und hat uns die Welt vor Augen geführt. Bald
meisterlich ist zweifellos, wie Dürer hier mit kann er den Stichel für eine Weile aus der
dem Stichel die Maserung der hölzernen Hand legen. ×
Zimmerdecke entwirft oder wie er mit Spiral-
und Kreisformen die Beziehung zwischen »Albrecht Dürer«, Albertina, Wien, bis 6. Januar

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Drei Tage in

Wien

VON
N I N A S C H E DL M AY E R

30

Ringstraße, Hofburg, Prater, alles
schön und gut. Auch Wiens Galerien
sind mit Recht berühmt. Doch der
Reiz liegt im Verborgenen. Hinter
den Mauern hochherrschaftlicher
Palais, in Gewerkschaftshäusern,
Hotelbars und Bankgebäuden führt
Bild links: Paul Bauer/Wien Tourismus; Bilder rechts: Ulrich Dertschei/KÖR GmbH, 2018; Markus Wörgötter/Archivio Gianni Colombo, Milano/mumok; Galerie Jocelyn Wolff
die Kunst hier ein fröhliches
Schattendasein. Wir nehmen Sie mit
auf eine Tour voller Überraschungen
1. TAG
Das neudeutsche Jugendwort
»chillax« – eine Fusion aus chill
und relax – hätte in Wien erfun-
den werden können. Trotz Glo-
balisierung ist die Stadt noch
immer einen Tick langsamer als
andere Metropolen. Der deut-
sche Gast kann also getrost
einen Gang zurückschalten. Wo
gelingt das am besten? Genau:
im Kaffeehaus. Den ersten Tag
starten wir aber bitte auf keinen
Fall im Café Central, da steht
man Schlange für Kaffee zu
unverschämten Preisen! Son-
dern selbstverständlich im Café
Prückel. Das Café, in dem
garantiert immer irgendwelche
Künstler sitzen, liegt gleich
gegenüber vom Museum für
angewandte Kunst (MAK).
3
WIEN
Dort können wir ab 26. Okto- Zeller van Almsick, Croy Niel-
ber japanische Farbholzschnitte sen, Sophie Tappeiner und ­
in einer groß angelegten Schau Emanuel Layr mit junger Kunst
besichtigen. Wenn wir schon auf, ­bieten Krinzinger, nächst
einmal da sind, müssen wir St. Stephan, Mauroner sowie ­
natürlich auch die permanente Elisabeth & Klaus Thoman
Sammlung besuchen, etwa die Etabliertes; Straihammer und
2013 neu aufgestellte Kollektion Seidenschwann, Artmark und
Wien 1900: Kunstgewerbe und Hummel haben eher Österrei-
Design von Josef Hoffmann, chisches im Angebot. Die meis-
Adolf Loos und vielen anderen. ten dieser Galerien nehmen an
Wer will, kann mit einer Virtual- dem in Wien erfundenen Festi-
Reality-Brille in Gustav Klimts val Curated By teil, das noch bis
florale Welten eintauchen. 12. Oktober läuft: Internationale
Wenn wir den Vormittag Kuratoren und Kuratorinnen
2
dort verbummelt, auf den Sofas werden dabei eingeladen, in den
von Franz West in die Luft Galerielokalen Ausstellungen zu
geschaut und vielleicht einen gestalten, nach einem vorgege-
Gimmick im MAK Design benen Thema. Diesmal lautet
Shop gekauft haben, bleibt das Motto »Circulation«.
noch ein wenig Zeit für einen Da dieser Teil der Innenstadt
kleinen Galerienrundgang. In vom gefürchteten Overtourism
unmittelbarer Nähe warten ­ bisher verschont blieb, finden
sich hier Gastwirtschaften, die
nicht vorwiegend von asiati-
schen Reisegruppen auf der
 Suche nach dem besten Schnit-
zel frequentiert werden. Zum
1 Maruša Sagadin schuf die
begehbare Baseballkappen- Beispiel das Gasthaus zu den
Installation im 10. Bezirk 3 Hacken, wo wir ein spätes
2 Gianni Colombos »Spazio
Mittagessen einnehmen. Derart
elastico« (1967/68) im Mumok gestärkt, bewegen wir uns – ent-
3 Die Galerie nächst St. Stephan
weder zu Fuß oder mit der U3
zeigt im Rahmen von Curated By (Station: Stubentor) – nun in
das Video »_o_o__o (red and Richtung Museumsquartier.
green)« von Katinka Bock Dort angekommen, steuern wir
Linke Seite: Blick auf Schön- das Mumok an: Die Ausstellung
brunn, die einstige Sommerresi- »Vertigo« bietet bis 26. Oktober
denz von Maria Theresia illusionistische Kunst von den
31

Anamorphosen des Barock bis
zu großräumigen Op-Art-Instal-
lationen wie jener von Marina
Apollonio – eine Schau, die auf
einer sinnlichen Ebene
anspricht und auch Kindern
Spaß macht. Wer nach diesem
Tag noch immer nicht genug
hat, kann die Wiener Moderne
im Leopold Museum besichti-
gen oder die Kunsthalle Wien –
oder einfach in der Buchhand-
lung Walther König beim
Haupteingang des Museums-
quartiers stöbern.
Den Abend beenden wir
stilgerecht in der Bar Das Loft
des SO/ Vienna beim Schweden-
platz: Unter der Decke von Pipi-
lotti Rist und bei einem großar-
tigen Wien-Blick lässt es sich
gut in die Nacht trinken. Man
sollte aber reservieren, und Ach-
tung: Es gibt einen Dresscode.
WIEN
2 gangenheit, der die hier so allge-
2. TAG
Da unser Schwerpunkt am Vor-
tag eher auf der zeitgenössi-
schen Kunst lag, wollen wir
heute etwas ganz anderes
machen. Wir nehmen uns eine
Tour durch Wiener Palais vor,
die großteils im Barock und in
der Gründerzeit entstanden.
Die Innenstadt ist regelrecht
vollgestopft damit! Viele der
einstigen aristokratischen
Domizile sind öffentlich
zugänglich. Das erste, das wir
besuchen, wurde allerdings tat-
sächlich nie als Wohnhaus
genutzt. Im Palais Dorotheum,
1901 von Kaiser Franz Joseph
1
eröffnet und nach Plänen des
bekannten Wiener Ringstra-
ßenarchitekten Emil von Förs-
ter errichtet, ist nämlich seit je
das gleichnamige Auktionshaus
untergebracht. Schmuck, Brief-
marken, feinste Kunst: All das
steht hier auch außerhalb von
Versteigerungen zum Verkauf.
Aber auch ganz ohne Kaufab-

1 Tomás Saracenos »Aerocene«
ist bis Ende November in der
Karlskirche zu sehen
2 »An Mendelssohn Bartholdy,
dem Menschen und dem Künst­-
ler« (1985) von Günter Brus bei
Wienerroither & Kohlbacher
3 Moderne Möbelklassiker sind
im MAK Design Lab zu 3
bewundern
32
sicht macht es einfach Spaß,
durch die Räumlichkeiten zu
flanieren; und das Café ist ein
angenehmer, meist nicht allzu
überrannter Ort.
Für das nächste Palais
braucht man nicht weit zu spa-
zieren. Wenige Meter weiter ließ
sich einst die Familie Eskeles
ein Haus erbauen, in dem heute
das Jüdische Museum unterge-
bracht ist. Die sehenswerte per-
manente Ausstellung bietet
einen Blick in die Wiener Ver-
genwärtige Habsburger-Eupho-
rie entschieden kontrastiert.
Eine temporäre Schau zeigt, wie
der spätere »Nazijäger« Simon
Wiesenthal im KZ ein Café ent-
warf: ein »Zeugnis des Überle-
bens im mörderischen System
Bilder: Leonhard Hilzensauer; W&K – Wienerroither & Kohlbacher, Wien; Stefan Lux/MAK
des Nationalsozialismus«, wie es
Kuratorin Michaela Vocelka
ausdrückt.
Nun geht es weiter in die
Palais des Barock. Zwei Archi-
tekten waren damals in Öster-
reich stilprägend: Johann Lucas
von Hildebrandt und Johann
Bernhard Fischer von Erlach.
An der Freyung treffen wir ein
Bauwerk des Ersteren an: das
Palais Daun-Kinsky, in dem
ebenfalls ein Auktionshaus sei-
ne Dienste offeriert. Seit Neues-
tem betreibt das Im Kinsky im
Haus auch einen Ausstellungs-
raum, in dem Gegenwartskunst
mit Werken aus früheren Jahr-
hunderten zusammengebracht
wird: Ab 17. September werden
etwa neun Künstlerinnen aus
Österreich, darunter Maria
Hahnenkamp und Suse Kra-
wagna, präsentiert. Wenn wir

Bilder: Klaus Pichler; Christian Stemper/Wien Tourismus
schon in der Gegend sind, kön-
nen wir übrigens auch gleich
das Palais Ferstel besuchen,
eher eine Einkaufspassage (für
Menschen, die schon alles
haben). Ein kleines französi-
sches Lokal, das Beaulieu, bietet
sich hier für ein – wenn auch
ziemlich unwienerisches –
déjeuner an (… wer unbedingt
ein Wiener Schnitzel möchte,
ist im Stadtcafe daneben besser
aufgehoben).
Danach spazieren wir an
einen weiteren besonderen Ort:
das Palais Schönborn-Batthy­
ány in der Renngasse, geplant
von Fischer von Erlach. In den
überaus prunkvollen Sälen zeigt
die Galerie Wienerroither &
Kohlbacher zeitgenössische
WIEN
1
 dern mit innovativen Ansätzen
1 Im Schaudepot des Jüdischen
Museums Wien wird zerstörte
und lebendige Geschichte
sichtbar
2 Wien-Panorama mit
Volks­garten, Parlament,
Ringstraße und Museen
33
Kunst, was zumeist spannungs-
reiche Kontraste ergibt: Derzeit
stellt man Arbeiten des Wiener
Aktionisten Günter Brus aus.
Wenn wir dessen Werke, die
ziemlich an die Nieren gehen
können, verdaut haben, flanie-
ren wir in Richtung Schotten-
ring. Dort, an der Ecke zur
Schottengasse, liegt übrigens
das Palais Ephrussi, das
Edmund de Waal in seinem
Roman »Der Hase mit den
Bernsteinaugen« beschrieb.
Erbaut hat es der Ringstraßen-
Architekt Theophil von Han-
sen, der bekannt für das Wiener
Parlament ist.
Doch eigentlich sind wir
hier nur auf der Durchreise ins
Gartenpalais Schönborn im
8. Bezirk, wieder ein Hilde-
brandt-Bau. Das Volkskunde-
museum, das hier beheimatet
ist, hat nichts mehr zu tun mit
den verstaubten Institutionen
dieser Disziplin, wie man sie
von früher kennt. Hier wird
nicht die Heimat verklärt, son-
ein kritischer Blick auf die
Gegenwart geworfen: So gestal-
teten Asylwerberinnen und
-bewerber die Dauerpräsentati-
on, man lädt Menschen musli-
mischen Glaubens zu Gesprä-
chen und zeigt Ausstellungen
2
zu aktuellen Themen wie etwa
Müllvermeidung. Einmal pro
Monat bietet das Haus beim
»Dinner im Palais« ein Abend-
essen hinter den Kulissen.
Sollte uns nach so viel histo-
rischer Architektur wieder der
Sinn nach etwas Modernerem
stehen, sind wir abends im nahe
gelegenen Birdyard gut aufgeho-
ben: In der Bar mit der exoti-
schen Vogeltapete und einer
kleinen, aber feinen Speisekarte
lässt sich der Tag angenehm
abschließen.
3. TAG
Man kann in Wien Tage damit
verbringen, Kunst an Orten zu
besichtigen, die gar nicht dafür
gedacht sind. Wie in vielen
Metropolen stolpert man hier
nämlich ständig über Kunst im
öffentlichen Raum. Früher
dominierten das Geschehen die
gefürchteten »Muhr-Brunnen«,
skulpturale Gestaltungen, die
der Volksmund nach ihrem
Schöpfer, einem Freund des
einstigen Bürgermeisters Hel-
mut Zilk, benannte. Doch
längst hat sich das Bewusstsein
gewandelt. Das beweist unter
anderem die Gestaltung des
neuen Sonnwendviertels im
10. Bezirk hinter dem Haupt-
bahnhof. Dort hat die Bildhaue-
rin Maruša Sagadin eine riesige
Baseballkappe installiert: ein
Raum, der für Skaterinnen oder
überhaupt für weiblichen urba-
nen Aktivismus konzipiert ist.
Doch allein deswegen sind
wir heute nicht in diese Gegend
gefahren: Wir besichtigen auch
den Erste Campus, ein riesiges
Gebäude, durch das man flanie-
ren und nebenbei Kunst von
Roman Ondák, Lois Weinber-
ger und Ashley Hans Scheirl
besichtigen kann. An dieser
Stelle entwickelt sich gerade ein
heimlicher Hotspot – gleich
gegenüber punktet auch das
Belvedere 21 mit Gegenwarts-
kunst. Tipp: Aktuell zeigt das
Haus Josef Bauer, einen interna-
tional wenig bekannten Bild-
hauer, der in den 1970er-Jahren
nicht nur frühe Konzeptkunst
 WIEN

schuf, sondern auch Werke gestaltet von Ernst Caramelle,

bekannterer Österreicher wie
Franz West und Erwin Wurm
vorwegnahm.
Natürlich können wir nach
dieser möglicherweise neuen
Entdeckung auch Altbekannte
besuchen: Gustav Klimt und
Egon Schiele in der Daueraus-
stellung des Oberen Belvedere
(übrigens, um an den Vortag
anzuschließen, der Architekt
des Schlosses heißt Johann
Lucas von Hildebrandt). Wegen
des großen Andrangs muss man
hier mit Wartezeiten rechnen,
ein neues Online-Reservierungs-
system schafft jedoch Abhilfe.
Wer keine Lust hat, sich mit
Tausenden anderen um ein Sel-
fie vor Klimts »Kuss« zu balgen,
kann an einen eher leeren Ort
gehen: nämlich zur Arbeiter-
kammer gleich gegenüber. Dort
bietet man bei freiem Eintritt
aktuell eine des österreichischen
Künstlers Clemens Fürtler.
Nun können wir einen kur-
zen Stopp einlegen, in fußläufi-
ger Nähe am Ring, und zwar
im Café Schwarzenberg, auf
Apfelstrudel oder Gulasch, je
nach Gusto. Der Nachmittag ist
dem Karlsplatz gewidmet: Dort
flanieren wir, vom Ring kom-
 gruber, wo sich Kunstschaffen-
Monica Bonvicini hat für das
Belvedere 21 eine raumgrei­fende,
ortsspezifische Instal­lation
biegen bei der Filiale des
berühmtesten Schnellrestau-
rants der Welt rechts ab, wo Ken
Lums LED-Installation anzeigt,
wie viele Verliebte es in Wien
angeblich gibt und weitere Sta-
tistiken mehr. Wir schlendern
zurück in Richtung Resselpark:
In der Karlskirche (der Archi-
tekt ist diesmal Fischer von
Erlach) installierte Tomás Sara-
ceno eine unfassbar riesige,
glänzende Kugel, in der sich die
ganze barocke Pracht verzerrt.
Von hier aus ist es, zum
Ende dieses intensiven Trips,
nicht weit zu einer gastronomi-
schen Institution der Wiener
Kunstszene: dem Café Anzen-
de, Schriftsteller und Mode­
designerinnen gern hitzige
Debatten liefern. Die Sperrstun-
de wird dort übrigens bisweilen

Bild: Jens Ziehe, © Monica Bonvicini/VG Bild-Kunst, Bonn 2019

geschaffen, die noch bis zum
wechselnde (kleine) Personalen, mend, durch die Passage, 27. Oktober zu sehen ist recht großzügig ausgelegt.

Wien auf einen Blick

Vom Grandhotel mit 3  Hotel Bristol
Pomp und Schmäh bis Schon Gustav Mahler
zum Traveller-Treff mit und Herbert von Kara­
Bienenstock und jan stiegen in diesem
Veggie-Burger: unsere Juwel des Fin de Siècle
Hoteltipps für Wien direkt neben der Wie­
ner Oper ab. Das
1 Hotel Daniel Grandhotel bietet alle Do
na
  Annehmlichkeiten Leopoldstadt u
Ein hippes, urbanes 9
­eines Fünf-Sterne-
Haus in unmittelbarer
Hauses, Stararchitekt 1
Nähe des Belvedere.
Pierre-Yves Rochon 5 4 8
Auf dem Dach prangt
hat neben den 2
ein Boot von Erwin 2
­Zimmern und Suiten 3
Wurm, Bienen für den Neubau
auch die legendäre
hauseigenen Honig leis­ 7
Bar erneuert. 4
ten ihm Gesellschaft. Mariahilf
DZ ab 260 Euro
DZ ab 82 Euro
1
4 Hotel Kaiserhof
2   Hotel Altstadt 6 3
Vienna Dieses Haus wurde er­
Ein elegant-gediege­ richtet, als das heutige
nes Boutiquehotel im Wien mit der Ringstra­
7. Bezirk in der Nähe ße sein prachtvolles
Favoriten
des Museumsquartiers. Gesicht erhielt. Seit
Die Zimmer und Suiten 1896 verwöhnt man
sind mit Kunst und De­ hier stilvoll die Gäste,
sign namhafter Wiener dank der zentralen
Kreativer wie Josef Lage des Vier-Sterne-
Hoffmann, Markus Hotels sind viele
­Prachensky oder Iris ­Sehenswürdigkeiten 1 Stephansdom 4 Dorotheum 7 Karlsplatz
Kohlweiss bestückt. zu Fuß erreichbar. 2 Mumok 5 Volksgarten 8 MAK
DZ ab 189 Euro DZ ab 116 Euro 3 Belvedere 21 6 Erste Campus 9 Volkskundemuseum

34
 VERTIGO
VertiGO
K o r re spo n de n ze n
Bosch & Banisadr
Op Art
und
eine Geschichte
des schwindels
1520–1970

25.5. – 26.10.2019

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Marina Apollonio, Spazio Ad Attivazione
Cinetica 6B, 1966/2015, Museo del
Barrio, NY, Courtesy Photo: Lauren
Lobkowitzplatz 2, 1010 Wien, www.akademiegalerie.at
Glazer, © Marina Apollonio

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 WIEN

Die letzte Süße

Im Herbst stehen Wiens Museen traditionell in voller Pracht. Wir haben sechs
hochkarätige Ausstellungen ausgewählt – von Bernini bis Bircken

36

Wien 1900
Natürlich, die Wiener Moderne präsentiert
sich opulent in Gustav Klimts farbmächtiger
Allegorie »Tod und Leben« von 1910/1915 oder
in den harten und nervösen Linien des »Sit-
zenden Männerakts (Selbstdarstellung)« von
Egon Schiele aus dem Jahr 1910. Doch abseits
von solchen Klassikern der Malerei fand sich
das moderne Bewusstsein in der Donaustadt
genauso in den kleinen und teilweise un-
Bild links: Manfred Thumberger/Leopold Museum, Wien; Bilder rechts: Sovrintendenza Capitolina, Musei Capitolini – Pinacoteca Capitolina, Roma; Courtesy of Sotheby’s;
scheinbaren Dingen. In der Schachbrettmus-
ter-Sitzfläche des Armlehnstuhls etwa, den
Koloman Moser für das Sanatorium Purkers-
dorf entwarf. (Moser malte auch um 1914 das
links abgebildete »Liebespaar«.) Modern
dachte zudem der Architekt Otto Wagner, als
er Geländer in Sonnenblumenform als
Achim Kukulies/Courtesy of Herald St., London; Karl Ehn; © The Estate of Eva Hesse, Courtesy of Hauser & Wirth
durchgängiges Erkennungszeichen der Stadt-
bahn verwendete. Das Leopold Museum
führt all das nebeneinander vor Augen. Und
wer die neue Dauerpräsentation, die sich
über drei Etagen erstreckt, noch nicht gese-
hen hat, sollte das schleunigst nachholen.
Tiefer als dort kann man gerade nirgendwo
sonst in Wiens Vorzeigeepoche eintauchen.
Leopold Museum, ständige Ausstellung
Alexandra Bircken
Kleidung ist der Panzer, der die Zumutungen
der Außenwelt vom eigenen Körper fernhält.
Alexandra Bircken, die in den Neunzigerjah-
ren in London Modedesign studierte, ver-
weist auf diese Funktion, wenn sie mit Mate-
rialien wie Latex und Leder arbeitet. Doch
gleichzeitig vermitteln ihre Werke ein Ge-
fühl von Verletzlichkeit: Aus Motorradfah-
rermonturen schneidert Bircken tragisch
wirkende Figuren (oben: »INXS« (Detail) von
2016). Und die Latexanzüge drapiert sie oft –
wie jetzt in Wien – als leblos erschlaffte We-
sen. Der Anblick verstört. Und so greift das,
was uns schützen sollte, uns doch im Kern an.
Secession, bis 10. November
WIEN
Caravaggio & Bernini
In den Gemälden von Michelangelo Merisi
da Caravaggio vollzog die Kunst den Schritt
zum wahrhaftig ausgedrückten Gefühl. Die
erotische Figur des »Heiligen Johannes« (um
1602, o.) erscheint uns so lebensecht wie der
erschrockene Knabe, den die Eidechse in den
Finger beißt. Die beiden kapitalen Leihgaben
aus Italien deuten die Dimension dieser
Blockbuster-Schau an, die mit dem Univer-
salgenie Gian Lorenzo Bernini noch einen
zweiten Großmeister der hochschäumenden
Emotionen zeigt.
Kunsthistorisches Museum Wien,
15. Oktober bis 19. Januar
37
Otto Prutscher
Im Korbstuhl konnte Otto Prutscher offen-
sichtlich gut denken (li. u. ein Foto von 1913)
– obwohl das Design nicht von ihm stamm-
te, sondern von seinem Kollegen Josef Zotti.
Doch ansonsten entwarf Prutscher so ziem-
lich alles, was man für den standesgemäßen
Bürgerhaushalt brauchte: vom bequemen Ju-
gendstil-Fauteuil bis zum schlicht-modernen
Deckelpokal, dessen Cuppa an eine Gugel-
hupfform erinnert. Das MAK zeigt im
Herbst die Bandbreite des Vielgestalters.
MAK – Museum für angewandte Kunst,
20. November bis 17. Mai
Pierre Bonnard
Böhmen liegt laut Ingeborg Bachmann am
Meer – für das heutige Österreich gilt das al-
lerdings nicht. Und deshalb kann man es den
Wienern nicht verdenken, dass sie sich mit
den Werken von Pierre Bonnard jetzt eine
Prise mediterrane Lebenslust gönnen (oben:
»Meeresufer, Rotes Feld« von 1939). Die Son-
ne Südfrankreichs scheint in Bonnards Bil-
dern für immer. Das macht auch diese Retro-
spektive zum Urlaub im Museum.
Kunstforum Wien, 10. Oktober bis 12. Januar
Eva Hesse
Die wundervoll versponnenen Postmini-
malismus-Gebilde der früh verstorbenen
Bildhauerin Eva Hesse (1936–1970) finden
ihre Entsprechung in ihren grandios schrä-
gen Zeichnungen (oben: »No Title«, 1964),
die das Allen Memorial Art Museum zum
Jahresende aus Hesses Nachlass verleiht.
Mumok, 16. November bis 16. Februar
KON S TA N T I N G RC IC

Zwischen
den
Stühlen

38
 Mit Deutschlands berühmtestem
Möbeldesigner unterwegs im
Berliner Kunstgewerbemuseum:
Konstantin Grcic über seine
Lehrzeit als Restaurator, die neuen
Bedürfnisse der Tech-Branche
und die Psychologie des Sitzens

VON
LISA ZEITZ

FOTOS
PAU L A W I N K L E R

39
KON S TA N T I N G RC IC

Mit dem Blick fürs Detail:

Konstantin Grcic und Lisa
Zeitz begeben sich auf
eine Zeitreise durch das
Kunstgewerbemuseum,
unter anderem zu einem
italienischen Faltlehnstuhl
mit Quastenbehang aus
dem 16. Jahrhundert (u.)
und einer roten Stahl­
reifen-Krinoline aus den
Jahren 1830–1863 (re. S.)

40
 Herr Grcic, wie sah die Einrichtung Ihrer
Kindheit aus?
Ich bin in einem Elternhaus aufgewach-
sen, wo immer Altes und Neues zusammen-
gelebt hat. Mein Vater war sehr viel älter als
meine Mutter, und so waren auch die Objek-
te, die beide mit in unser Leben gebracht ha-
ben. Meine Mutter ist mit Nachkriegskunst
und Pop-Art aufgewachsen, und entspre-
chend waren auch die Kunst und die Möbel.
Mein Vater hat Zeichnungen des 18. Jahrhun-
derts gesammelt, das hat mich insofern ge-
Bild rechts: Stephan Klonk, Berlin/Rote Stahlreifenkrinoline, Thomson W.S. & E.H, 1860-63 (Inv. Nr. 2003,KR 754), Kunstgewerbemuseum, Staatliche Museen zu Berlin
prägt, als dass Objekte der Vergangenheit für
mich selbstverständlich sind. Ich trenne ­
Altes und Neues nicht. Das eine ist für mich
nicht wertvoller als das andere.
Was war damals Ihr Traumberuf?
Als Kind habe ich immer viel gebaut, in
erster Linie Modellschiffe. Ich bin von Boo-
ten fasziniert und wollte eigentlich Boots-
bauer werden. Aber ich habe dann die Möbel
für mich entdeckt. Ich mag den Maßstab
von Möbeln, weil er etwas mit dem Men-
schen zu tun hat. Ein Stuhl ganz offensicht-
lich, aber auch der Tisch, der Schrank oder
das Regal, das alles orientiert sich am
menschlichen Maß.
Ihre Berufung haben Sie im Umfeld alter
Möbel gefunden.
Nach dem Abitur habe ich für ein knap-
pes Jahr bei einem Möbelrestaurator in Mün-
chen gearbeitet. Dort habe ich meine Leiden-
schaft für die Möbel entdeckt, alte zwar, aber
die hatten eine Geschichte. Beim Restaurie-
ren alter Möbel habe ich viel gelernt – nicht
nur über das Handwerk, sondern auch über
die Kultur der Möbel als Alltagsobjekt.
Mit welchen Antiquitäten haben Sie in der
Werkstatt gearbeitet?  Er erinnert an die Antike, an römische Im-
Besonders mit englischen. Wir haben
viele Windsor Chairs restauriert und »Gate-
leg Tables«, also Tische, die man über einen
Mechanismus vergrößern beziehungsweise
verkleinern kann. Diese Tische sind aus Mas-
sivholz gefertigt, mit spindelförmig gedrech-
selten Beinen. Natürlich gab es auch feinere
Antiquitäten, furnierte Kommoden und wel-
che mit Intarsien, aber vor allem hat mich
die Konstruktion interessiert. Vom Zerlegen
und Wiederzusammenbauen der Möbel habe
ich unendlich viel über Möbeldesign gelernt.
Jetzt stehen wir hier im Museum vor einem
Tisch aus dem 15. Jahrhundert.
Der Entwurf bringt die Konstruktion
zum Ausdruck. Es gibt zwei Kreuze als Beine
mit Querverstrebung. Ich mag es, wenn man
der Form ablesen kann, wie etwas gebaut ist
oder funktioniert. Für mich ist das ein mo-
derner Tisch. Diese Konstruktion könnte struktion erzählt, den »Honeycomb«-Struk-
man heute genauso wieder aufgreifen. turen in der Kohlefaserhaut. Beim Design
ging es darum, wie groß die einzelnen Sechs-
Was war das Kleinste, das Sie jemals entwor- ecke sind, die wir auf dem Deck abbilden –
fen haben? nicht nur auf die ganze Fläche bezogen, son-
Das Kleinste, würde ich sagen, war die- dern auch als Maßstab für den Segler Alex
se Uhr. (Er zieht den Ärmel seiner Jeansjacke Thomson …
zurück und zeigt eine schwarze Keramikuhr von
Rado.) Viele Details an Uhren sind so klein, … der im Jahr 2016 zur härtesten Segelregat-
dass man sie nur in einem vergrößerten Maß- ta überhaupt aufgebrochen ist, der Vendée
stab entwerfen kann. Man kann sich 0,03 Globe, und in 75 Tagen allein die ganze Welt
Millimeter einfach nicht mehr vorstellen. umsegelt hat.
Dabei hilft der Computer, mit dem wir das Er musste allein, nachts oder bei Sturm,
dreidimensionale Uhrenmodell zirka um ein sicher über das Deck laufen. Das Muster, das
Zehnfaches vergrößern. Auf dem Computer Teil unseres Brandings war, wurde für den
ist das nur ein Knopfdruck, aber im Kopf Segler zu einer Orientierung.
muss ich den tatsächlichen Maßstab immer
im Bewusstsein behalten. Sie sind berühmt für Ihre Sitzmöbel. Ich
habe in Ihrem Berliner Atelier gesehen, dass
Und was war bisher Ihr größtes Design? Sie dreidimensionale Pappmodelle für Stüh-
Ich habe das Branding Design für eine le bauen. Hier steht vor uns ein italienischer
40 Meter lange Segeljacht für Hugo Boss und Faltlehnstuhl, vielleicht vom Ende des 16.
Alex Thomson Racing entworfen. Auf das Jahrhunderts. Woran denken Sie dabei?
Deck habe ich ein Bienenwabenmuster la- Ich frage mich: Wer saß überhaupt auf
ckiert, das ein bisschen von der Rumpfkon- so einem Stuhl? Dieser Stuhl war ja kein ge-
wöhnlicher Stuhl, wie Stühle es heute für Sie,
für mich, für viele Menschen in vielen unter-
schiedlichen Situationen sind. Wahrschein-
lich war die Situation, in der dieser Stuhl
steht, und wer darauf sitzt, relativ klar. Ergo-
nomiemodelle wurden damals nicht gebaut.
Sie sind von einem bestimmten Sitzmaß aus-
gegangen, das dem Objekt eine gewisse Prä-
senz, eine gewisse Gravitas gegeben hat. Es
ist kein Thron, aber es hat etwas Thronhaftes.
Der Sitz ist weich, die Rückenlehne ist weich.
Wahrscheinlich ließ er sich falten. Warum
das relevant war … wurde er auf einer Reise
mitgenommen? Der Klappstuhl war von der
Typologie her weit verbreitet.
peratoren, die auf Kriegszug waren und des-
halb bewegliche Möbel brauchten. Dadurch
vermittelt er ein Gefühl von Macht.
Vor meinem Industriedesignstudium in
London war ich ein Jahr in Spanien. Dort
habe ich unheimlich viele dieser Möbel gese-
hen und fand sie einfach faszinierend. Ich
kam aus einer englischen Schreinerlehre,
was man  fine cabinet making  nannte. Alles
war sehr raffiniert. Die alten Möbel in Spa-
nien waren im Vergleich viel gröber und
massiv, dafür hatten sie eine starke Präsenz.
Ich habe mir viel vom Holzhandwerk im ar-
»Ein Stuhl, ein Tisch, chitektonischen Kontext abgeschaut, Dach-
stühle, große Scheunentore, in Burgen oder
der Schrank oder das anderen Gebäuden.
Regal, das alles
Hier stehen wir nun vor einem Stuhl, den
orientiert sich am man zum Tisch umklappen kann, aus
menschlichen Maß.« Frankreich um 1600. 
41
 Wahnsinnig schön! Er ist viel feiner ge-
arbeitet als der Stuhl, den wir eben gesehen
haben, hat aber einen ganz einfachen Auf-
bau. Sehr gerade, eigentlich wie eine Kiste
mit gedrechselten Elementen. Die Rücken-
lehne ist als Achse mit der großen Platte ver-
bunden, die zum Passepartout für den Sit-
zenden wird. Interessant, dass so etwas in der
Zeit überhaupt relevant war, ein Möbel, das
zwei Dinge auf einmal kann. Warum eigent-
lich? Weil man wenig Platz hatte? Oder hat
man schon an Situationen gedacht, in denen
ich mal hier sitze und mal etwas ganz ande-
res mache. Das ist doch sehr modern, oder?
Das sind Themen, mit denen wir auch heute
arbeiten.
Es geht damals schon um Wandelbarkeit
und Nutzung.
Ich habe genau dieses Thema vor rund
fünf Jahren für den Büromöbelhersteller­
Vitra aufgegriffen, als wir an zeitgenössi-
schen Bürokonzepten gearbeitet haben. Die
riesigen Firmen, besonders die im Tech-­
Bereich an der Westküste Amerikas, arbeiten
alle mit open space, mit sehr großen offenen
Büroräumen. In einigen dieser Büros gibt es
keine festen Arbeitsplätze mehr für die Mit-
arbeiter, dafür gibt es viele Meetings zu zweit,
zu dritt, zu fünft. Das Arbeiten im Büro ist
schon längst nicht mehr an einen festen Ar-
beitsplatz gebunden. Ich sitze mal am
Schreibtisch, mache dann einen Anruf, gehe
zum Fenster oder setze mich in eine kleine
Koje. Wir haben ein Möbel auf Basis eines
Stehtischs für Meetings mitten im Büro ent-
worfen, mit einer runden Platte, die so groß
ist, dass man da auch zu fünft oder sechst gut
stehen kann. Wenn man sie hochklappt, hat
man eine kleine Telefonzelle, in die man sich
reinsetzen kann. Das haben wir als Prototyp
auf einer Büromöbelmesse gezeigt, aber es ist
nie ein Produkt geworden.
Unternehmen so einzurichten, dass sich
Leute in allen möglichen Konstellationen
zusammenfinden können, ist jetzt überall
ein Thema.
Einerseits sind die digitalen Produkte
heutzutage wichtiger als die Möbel gewor-
den – früher waren Möbel, anders als heute,
Statussymbol und Ausdruck von Haltung,
sogar vielleicht politisch und ideologisch.
Andererseits sind die Möbel genau in den
Tech-Firmen, die das Digitale produzieren,
inzwischen wieder wichtig geworden, weil
die Materie, mit der sie sich befassen, so abs-
trakt geworden ist. Sie programmieren ex-
trem konzentriert ein oder zwei Stunden
lang, und dann gehen sie in die Cafeteria.
Dort spielt das Möbel wieder eine Rolle: ob
sie sich da wohlfühlen, gerne dort sitzen und
arbeiten können. Lounge-Bereiche mit Ping-
pongplatte sind ja inzwischen schon Kli-
schees – aber alle großen Firmen brauchen
sie. Apple baut einen neuen Firmencampus,
Facebook hat neu gebaut, Google baut neu,
und alle drei setzen sich intensiv mit der Ein-
richtung, das heißt Möblierung dieser neuen
Gebäude auseinander.
Ich habe den Eindruck, Möbeldesign wird
niemals langweilig.
Manchmal denke ich, mit meiner Lei-
denschaft für Möbel wäre ich vielleicht nicht
mehr am Puls der Zeit. Das Bedürfnis in der
Bürowelt zeigt, dass das Möbel unheimlich
viel leisten kann, sich aber auch erneuern
muss. Die spannenden Möbelprojekte entste-
hen heute in der Arbeitswelt, weniger im pri-
vaten oder im Wohnbereich.
Sie kennen bestimmt den Spruch »Sitzen ist
das neue Rauchen«. Auch bei uns in der Re-
daktion gibt es immer mehr Stehtische.
Man macht sich heute mehr Gedanken, was
am besten für den Körper ist und wie man
»Die spannendsten
Möbelprojekte entstehen
heute nicht im
Wohnbereich, sondern
in der Arbeitswelt.«
42
physisches Wohlbefinden, Kreativität und
Arbeit vereinen kann.
Da tut sich sehr viel, etwa mit Arbeits-
tischen, deren Platte man hochfahren kann.
Das kann toll sein, aber für das Gegenüber
auch unangenehm werden. Einer sitzt unten,
der andere steht. Der, der sitzt, sieht dann die
Kabel, die von meinem Tisch runterhängen,
und meinen Bauchnabel. Mit solchen Situa-
tionen müssen wir als Designer beim Ent-
wurf solcher Möbel umgehen.
Für Hugo Boss haben Sie eine neue Herbst-
kollektion entworfen, BOSS x Konstantin
Grcic, und sind aus einer geradezu architek-
tonischen Perspektive an das Design von
Kleidung herangegangen. Wir sind jetzt in
der Modeabteilung des Kunstgewerbemuse-
ums vor einer Stahlreifen-Krinoline stehen
geblieben. Sie wirkt fast wie ein Käfig – die
englische Bezeichnung ist crinoline cage. Sie
dient dazu, das Volumen des weiblichen Un-
terkörpers zu erhöhen, aber wirkt wie eine
Architektur. 
Bild links: Florian Böhm/Konstantin Grcic, KG-Design, KITE, 1987
Es geht eigentlich um die äußere Silhou-
ette, um die Form, aber für denjenigen, der
es trägt, ist es ein Gehäuse – in dem man sich
bewegt oder vielleicht sogar gefangen ist. 
Wer mit einer solchen Krinoline einen Qua-
dratmeter um sich herum abgesteckt hat,
dem kann keiner mehr zu nahe kommen. 
Es ist wie eine Miniarchitektur, trotz-
dem muss es beweglich bleiben. Es gibt eine
eingebaute Knautschzone, wenn man sich
setzt. Die Mechanik hat eine offene Struktur
wie eine Ziehharmonika.
Architektur hat mit Tragen und Lasten zu
tun – wie die Mode: Man trägt Kleidung,
aber umgekehrt trägt sie uns auch. 
Ja, ein Sitzmöbel kommt dem auch sehr
nah. Es ist wie ein Gewand, fast eine Rüstung
oder ein Raum. Es gibt dabei zwei Perspekti-
ven. Ich sitze drin, aber auch: Ich werde da-
rin wahrgenommen. Der Aspekt des Kom-
forts betrifft nicht nur die Ergonomie, wie
etwa die Rückenlehne zu meinem Körper
passt, sondern auch mein Gefühl, wie ich in
diesem Möbel wahrgenommen werde. Dazu
eine kleine Anekdote. Wir haben einen Stuhl
gemacht, »Chaos«, ein Polstermöbel, das alle
Proportionsregeln von einem Sitzmöbel um-
wirft, allerdings mit einem Plan. Die Sitzflä-
che ist sehr kurz, das Möbel ist eher breit.
Seitlich sitzend findet man eine absolut be-
queme Sitzposition auf diesem Möbel, aber
im ersten Moment weiß man überhaupt
nicht, wie man sich hineinsetzt. Dieses Mö-
bel wurde mal für eine Fernsehtalk-Sendung
vorgeschlagen, und als sich die ersten Gäste
hineinsetzen sollten, waren sie völlig irritiert,
KON S TA N T I N G RC IC

Gio Pontis »Superleggera«

von 1957 inspirierte den
Designer, einen ebenso
leichten Stuhl zu bauen:
Mit »Kite« (li. S.) gewann
er 1988 den Bayerischen
Staatspreis für Nach-
wuchsdesigner. Unten:
ein wandelbares Möbel,
um 1600 in Frankreich
geschaffen, im Berliner
Kunstgewerbemuseum

43

weil sie einfach nicht wussten, wie man sich
nun – vor laufender Kamera – in diesen Stuhl
setzen sollte, ohne peinlich zu wirken. Nach
dem ersten Pilot-Shooting ist das Möbel so-
fort rausgefallen.
Dafür hätte es besser eine Generalprobe ge-
ben sollen.
Ich habe den Stuhl nicht für solche Si-
tuationen entworfen. Im Grunde finde ich es
gut, dass Möbel etwas auslösen können, eine
Unsicherheit oder das Bewusstsein: Ja, das ist
ein Stuhl, aber ich weiß gar nicht, wie ich da-
rauf sitzen kann.
Wir sind jetzt im unteren Stockwerk des
Kunstgewerbemuseums vor einer ganzen
Chronologie von Designerstühlen gelandet,
die mit Ihrem »chair_ONE« endet. Gibt es
hier einen Stuhl, der für Sie eine besondere
Bedeutung hat?
Hier stehen viele wunderbare Klassiker.
»Superleggera« von Gio Ponti ist ein Re­
design eines traditionellen Stuhls aus dem
19. Jahrhundert. An der ligurischen Küste
wurden damals leichte Stühle gebaut, aus
Holz, sehr kleine Querschnitte, eine Rah-
menkonstruktion und dann diese geflochte-
nen Sitze. Gio Ponti greift das auf und macht
daraus einen sehr rationalen Stuhl. Das ist
fast wie Flugzeugbau, mit Querschnitten, die
gerade nur dort Fleisch haben, wo man das
Material braucht, um die Verbindung einzu-
gehen. Was nicht unbedingt notwendig ist,
wird weggeschnitten. Der Stuhl wiegt un-
glaubliche 1700 Gramm.
Er wirkt tatsächlich superleicht.   einem Bugholz-Klassiker von Thonet.
Als Schreinerlehrling in England war
das für mich eine Ikone. Tatsächlich habe ich
einen Stuhl gebaut, der sich daran anlehnt.
Meiner hieß »Kite« – wie der Drachen. Er war
anders konstruiert, mit kleinen Aussteifungs-
dreiecken wie im Drachenbau, um Eckver-
bindungen auszusteifen. Gio Pontis Stuhl für
Cassina war ein erfolgreiches Produkt und
wurde wirklich ein Alltagsstuhl. Meiner war
das nicht, aber er war ähnlich leicht.
Der Stuhl hat Ihnen den Bayerischen Staats-
preis für Nachwuchsdesigner eingebracht,
da waren Sie gerade 21.
Ja, mit dem Geld konnte ich für ein Jahr
nach Madrid gehen.  net war die erste Firma, die daran gedacht
Sind leichte Stühle heute noch immer ein
Thema?
Bei Gio Ponti ist die Leichtigkeit wun-
derbar. Heute diskutieren wir, ob man Stüh-
le aus Carbonfaser macht, die könnten dann
sehr, sehr leicht sein, aber es gibt keinen
Grund dafür: Denn solche Stühle sind zu
KON S TA N T I N G RC IC
leicht. Wenn man beim Hinsetzen mit der
Wade an die Kante stößt, würde der Stuhl so-
fort wegspringen. Es gibt auch beim Gewicht
das richtige Maß. Ein Stuhl, finde ich, kann
zirka vier Kilo wiegen und wird noch als
leicht empfunden. Ein Carbonstuhl könnte
noch viel leichter sein, aber das wäre nicht
mehr gut. Sitzen kann als Kampf wahrge-
nommen werden. Vielleicht ist der Stuhl be-
quem, aber vom Kopf her ist er es nicht, weil
ich das Gefühl habe, gleich bricht er.
Die Reihe von Stühlen hier im Museum er-
innert mich ein wenig an die Evolutionsge-
schichte, vom Säugetier auf vier Beinen
zum aufrecht gehenden Menschen. Ihr
»chair_ONE« wird hier als jüngstes, aktu-
ellstes Beispiel ausgestellt.
Dabei ist der Stuhl schon ziemlich alt.
Als er vor 16 Jahren auf der Mailänder Messe
vorgestellt wurde, hat er provoziert, was gar
nicht mein Anliegen war. Ich wollte einen
guten Stuhl mit einer interessanten Techno-
logie entwerfen: Aluminiumdruckguss. Ich
hatte einen Stuhl für öffentliche Bereiche im
Auch Konstantin Grcic
ist schon ein Klassiker: 2003
schuf er den legendären
Stuhl »chair_ONE«
aus Aluminiumdruckguss.
Es gibt ihn stapelbar mit vier
Beinen (S. 38) oder wie
hier mit Zementuntergestell
44
Sinn, also für den Außenraum. Der von ei-
nem viel größeren, gröberen Maßstab ge-
prägt ist als das Interior. Den normalen Stuhl
einfach nach draußen zu bringen funktio-
niert meistens nicht. Im Grunde leitet sich
diese Konstruktion des »chair_ONE« aus be-
stimmten Architekturelementen ab. Er setzt
wenig Material ein, das ist nicht nur ökono-
misch gedacht, sondern heißt auch wenig
Oberfläche, sodass er wenig verdreckt und
keine Fläche für Wasserrückstände bietet.
Wenig Fläche bedeutet auch, er ist bei Hitze
weniger heiß oder bei Kälte weniger kalt.
Gleichzeitig ist der Stuhl so konstruktiv, wie
er gebaut ist, extrem stabil, das heißt sicher
vor Vandalismus. Aber eigentlich muss nie-
mand die Gedanken kennen, die hinter dem
Design stehen. Interessanterweise wird der
Stuhl nur ganz selten so eingesetzt, wie ich
ihn ursprünglich gedacht habe. Meistens
wird er im Innenraum eingesetzt und nicht
im Stadtraum, draußen.
Bild: Tom Vack/Konstantin Grcic, KG-Design, Magis chair_ONE, 2004
Er ist unheimlich populär geworden.
Wenn ich zufällig in ein Restaurant
komme, das mit »chair_ONEs« möbliert ist,
ist mir das fast unangenehm. Nicht nur, weil
ich selbst nicht gerne darauf sitzen möchte,
sondern weil ich den Stuhl zum Sitzen und
Essen am Tisch äußerst ungeeignet finde.
Das hat mich immer irritiert. Andererseits ist
es toll zu sehen, was mit solchen Möbeln pas-
siert, nachdem sie mein Büro verlassen. Man
kann wenig steuern. Die Dinge leben ihr ei-
genes Leben.
Am Schluss unserer Tour stehen wir vor­
Das moderne Möbeldesign, das indus-
trielle Möbeldesign, beginnt selbstverständ-
lich mit Thonet. Die Typologie ist daran ­
angelehnt, wie Stühle damals aussahen.
Thonet-Stühle haben dann über das Mate-
rial und die Technologie ihre Form und ihr
Selbstverständnis gefunden. Die Nr. 14 ist
die Ikone, der Prototyp.
Kaum zu glauben, dass er 1859 entworfen
wurde. Das Industriedesign hat im Bieder-
meier begonnen!
Er war damals modern und ist es heute
immer noch. Man kann einen Holzstuhl
nicht moderner produzieren als diesen. Tho-
hat, die Stühle zerlegt in Container zu ver-
packen und erst am Ort, an dem sie ge-
braucht wurden, wieder zusammenzu-
schrauben. Auch die Leichtigkeit steckt mit
drin. Wir haben eben darüber gesprochen,
dass Gio Pontis »Superleggera« eigentlich
zu leicht ist. Der Thonet-Stuhl ist das Maß
aller Dinge. ×
 Am langen
Faden der
Geschichte
Die schwedisch-norwegische
Künstlerin Hannah Ryggen
schuf am Webstuhl eine Chronik des
20. Jahrhunderts. Ihre virtuosen
Wandteppiche sind ein Aufschrei
gegen Ungerechtigkeit und
Krieg. Nun widmet ihr die Schirn in
Frankfurt eine große Schau

VON
CHR ISTI A N E M EI X N ER

Mit ihrem Spätwerk »Blut im Gras« protestierte Hannah

Ryggen 1966 gegen den Vietnamkrieg. Es zeigt
den Präsidenten Amerikas als bombenden Cowboy
 H A N N A H RYG G E N

Bild vorige Doppelseite: Dag Fosse, KODE Art Museums and Composers Homes/VG Bild-Kunst, Bonn 2019; diese Seite: Jørn Hagen, Nordenfjeldske Kunstindustrimuseum, Trondheim, © H. Ryggen/VG Bild-Kunst, Bonn 2019

Die Auftragsarbeit »Wir leben auf einem Stern« von 1957 ist eine Hymne an das Leben und ans
Familienglück. Hannah Ryggen erlebte es mit ihrem Mann Hans und Tochter Mona auf der
Halbinsel Ørland (oben rechts). Die Folgen der Weltwirtschaftskrise für die Fischer und Klein-
bauern Norwegens verewigt sie 1933 in dem Teppich »Fischen im Schuldenmeer« (rechts)

48
 D
Die neue Freiheit ist hart zu einer Frau aus
der Stadt. Ihre ersten drei Lebensjahrzehnte
hat Hannah Ryggen im südschwedischen
Malmö verbracht. Dann lässt sie das urbane
Bilder: Collection of NTNU University Library, Trondheim; Øystein Thorvaldsen, Courtesy of Henie Onstad Kunstsenter, Privatsammlung, Norwegen/VG Bild-Kunst, Bonn 2019
Leben hinter sich und zieht auf die unwirtli-
che Halbinsel Ørland an Norwegens Küste.
Ihr Mann hat dort einen Bauernhof, ab jetzt
sind sie Selbstversorger. Hannah züchtet
Schafe und Hühner. Und bringt sich müh-
sam ein Handwerk bei, das in ihrem Leben
eigentlich nicht vorgesehen ist: das Weben.
Die wunderbaren Resultate dieser Be-
schäftigung mit einer traditionellen Technik
und Hannah Ryggens Ambitionen, in ihrer
künstlerischen Arbeit das Weltgeschehen zu
kommentieren, zeigt die Frankfurter Schirn
nun in der großen Ausstellung »Gewebte
Manifeste«. Mit gut 25 monumentalen Wand-
teppichen ermöglicht das Haus zum ersten
Mal in Deutschland einen umfassenden
Blick auf das Werk einer Künstlerin, deren
Karriere am Lehrerpult begann.
Ab 1913 unterrichtet Hannah Jönsson,
wie sie damals noch hieß, in Malmö Grund-
schulkinder, ihr Leben scheint vorgezeich-
net. Doch dann entdeckt sie die Malerei, ist
morgens weiterhin als Lehrerin tätig und
lässt sich nachmittags vom Künstler Fredrik
Krebs ausbilden. Farben zerreiben, Freihand-
zeichnen und Malen nach Modellen – es gibt
so viel zu lernen, aber auch das genügt der
Anfang Zwanzigjährigen nicht. Sie geht ih-
ren Weg als Künstlerin konsequent weiter,
gleichzeitig orientiert sie sich scheinbar zu-
rück: 1922 tauscht sie Pinsel und Leinwand
gegen den Webstuhl, zwei Jahre später zieht
sie mit ihrem Mann, dem Maler Hans Ryg-
gen, auf diesen windigen Fleck Norwegens,
wo es nicht einmal Strom gibt. Die Elektrifi-
zierung findet erst in den Vierzigerjahren
statt. Das alles wirkt, als romantisiere sie das
einfache, vorindustrielle Leben. Zugleich
aber entsteht ein visionäres Werk, das Han-
49
nah Ryggen als Künstlerin mit wachem Blick
für die gesellschaftlichen Verhältnisse, vor­
allem aber mit einer eigenen Meinung zeigt.
Für die Norweger ist sie schon lange ein
Star, einen beträchtlichen Teil der Wandtep-
piche hütet das Nationalmuseum für Kunst-
handwerk und Design in Trondheim. Doch
auch in ihrer Heimat erwies sich die Promi-
nenz der Künstlerin als unbeständig – ob-
wohl sie spektakuläre Ausstellungen hatte
und das Land Norwegen 1964 auf der Bien-
nale von Venedig vertrat. Nach Ryggens Tod
im Jahr 1970 setzte sich allmählich die Mei-
nung durch, ihre Tapisserien seien doch eher
Kunstgewerbe. Später nahm man sie bloß
noch als Ehefrau des Künstlers Hans Ryggen
wahr. Bis dann 2012 auf der Documenta 13 in
Kassel sehr zentral mehrere Wandteppiche
hingen – darunter »Jul Kvale« und »Der Tod
der Träume« von 1936, auf dem Hannah Ryg-
gen die Verhaftung Carl von Ossietzkys
durch die Nazis anprangert und den Tod des
Friedensnobelpeisträgers als Folge von Folter
und KZ-Haft vorwegnimmt.
Beide Werke sind auch jetzt in Frank-
furt ausgestellt und dazu weitere wichtige
Arbeiten wie die frühe Tapisserie »Fischen im
Schuldenmeer« (1933) oder »Blut im Gras«
(1966), von der Künstlerin mit 72 Jahren voll
Wut über das Bombardement von Vietnam
durch die USA gewebt. Von Ørland aus be-
obachtet Hanna Ryggen das Weltgeschehen
und mischt sich kommentierend ein. Wie es
ihr gelingt, in der Abgeschiedenheit ihres
ländlichen Lebens stets auf dem Laufenden
zu sein, ist ein Rätsel. Ihre oft mehrere Qua-
dratmeter großen Teppiche sind Manifeste
gegen Unrecht, Armut und die Ignoranz von
Politikern, die globale Entscheidungen ohne
Rücksicht auf die Menschen treffen.
 Die Folgen bekommen auch die Ryg­
gens in ihrem kargen Idyll zu spüren. Im
April 1940 greift die deutsche Wehrmacht
Norwegen an, Bomben fallen, später werden
gezielt Personen des öffentlichen Lebens hin­
gerichtet. All das ist Thema auf einem Tep­
pich wie »6. Oktober 1942«, auf dem Hannah
Ryggen Hitler in einer für sie selten grotesk
ausgestalteten Figur schießend und pupsend
durch die Luft fliegen lässt, während die Fa­
milie Ryggen auf einem Boot in die entge­
gengesetzte Richtung aufbricht. Ihre Flucht
ist imaginär, real die Verhaftung von Hans
zwei Jahre darauf, der ins Häftlingslager­
Grini kommt, von wo aus regelmäßig Depor­
tationen in die Konzentrationslager stattfin­
den. Hannah weiß nicht einmal, was ihm
vorgeworfen wird. In dieser Zeit entsteht
»Grini«, ein Teppich in Blutrot, auf dem man
späteren Mann kennenlernt, kehrt sie nach
Malmö mit einem kleinen flämischen Web­
stuhl zurück. Später beschreibt sie ihn in ei­
nem Interview als »Folterinstrument«, an
dem sie zwar viel lernt, sich aber unendlich
abmüht und nach dem kleinsten Teppich er­
schöpft ist. Ein Foto zeigt sie in jener Zeit: Da
sitzt eine junge Frau mit modischer Frisur
und Schmuck im weiten Reformkleid vor ih­
rem Webstuhl. Das Teppichmotiv »Evas
Tochter« entstammt der Bibel, aus der Ryg­
gen anfangs oft schöpft, die Geschichten aber
noch konventionell umsetzt. Als sie mit
Hans nach Norwegen umzieht, baut er ihr
auf Ørland den »besten Webstuhl der Welt«,
der sich mit den Füßen bedienen lässt und
alles vereinfacht. Nun hat Hannah den Kopf
frei für große Themen – auch wenn das Paar
auf fünf Hektar Land alles selbst anbaut, sei­
werden einfacher. Das raue Leben ohne flie­
ßendes Wasser verlangt Anpassung.
Ryggen möchte es so, sie lebt im Ein­
klang mit der Natur. Tiere zu schlachten fällt
ihr schwer, doch es gehört zum Alltag eines
autarken Hofs. Sämtliche Materialien für das
Weben stellt sie selbst her. Die Wolle wird ge­
sponnen und mit Pflanzen gefärbt, die Re­
zepturen sind aufwendig und gelingen nicht
immer. Gleichzeitig wächst der Stolz auf­
diese neue Unabhängigkeit. Jeder Mensch, so
glaubt sie, hat ein Recht darauf, für sich
selbst zu sorgen. Als sich infolge der Welt­
wirtschaftskrise viele Fischer und Kleinbau­
ern in Norwegen verschulden und ihre Höfe
verlieren, entsteht 1933 der Teppich »Fischen
im Schuldenmeer«. Im unteren Teil ertrin­
ken die einfachen Menschen, während oben
ein gut gekleideter Mann alle Fische abgreift.

Bild links: Trondheim Kunstmuseum, Norwegen/VG Bild-Kunst, Bonn 2019; rechts: Adresseavisen, Trondheim
ihren Mann in Gefängniskleidung bei Was­ ne Tiere hält und 1924 Tochter Mona geboren Solche Erfahrungen prägen auch ihre poli­
ser und Brot sieht. Er sitzt an einer Staffelei wird. Die Künstlerin tauscht ihre alte Welt tische Einstellung. Ryggen fühlt sich den ­
und malt, doch zeigt das Bild einen Toten­ gegen das Unbekannte ein. Aufnahmen zei­ Kommunisten nah und blickt mit Wohlwol­
schädel. Über der Szene verläuft Stachel­ gen sie mit praktischer Frisur, die Kleider len auf die Sowjetunion.
draht, die Köpfe dahinter symbolisieren an­
dere Inhaftierte. Von links nähert sich eine
Frau auf einem Pferd: die gemeinsame Toch­
ter Mona, die Hannah in ihrer Fantasie nach
Grini schickt, um Hans zu retten.
Dass sie reale Ereignisse mit Mythi­
schem verwebt, ist typisch für Ryggen. Ihre
Tapisserien sollen überzeitliche Kunstwerke
und ebenso konkretes Bekenntnis sein. An­
geblich hingen einige sogar an der Fassade
ihres Hauses auf Ørland, als die Nazis dort
täglich patrouillierten. Beweise gibt es keine
für diese Geschichte, aber sie zeigt, wie Han­
nah Ryggen wahrgenommen wurde: als
Künstlerin, die sich einmischt. Die Abkehr
der Moderne von der Wirklichkeit, ihre Ver­
geistigung in der Abstraktion interessiert sie
schon in den Zwanzigerjahren nicht. Von
der figurativen Darstellung rückt sie nie ab.
Und jetzt, im Krieg, sind ihr Statements
wichtiger als je zuvor.
»Grini« misst knapp zwei Meter, es ist
eine monumentale Collage aus unzählbar
vielen Fäden. Der Webstuhl, auf Fotografien
abgebildet, lässt ahnen, wie zeitraubend die
Arbeit mit Kette und Schuss gewesen ist.
Weshalb sie das Weben überhaupt zu ihrem
Medium gemacht hat, wo sie doch malend
ungleich schneller auf die politischen Ereig­
nisse hätte reagieren können, diese Frage
stellt sich wohl jedem. Nur Hannah Ryggen
nicht. Ihre Technik sah sie als Malerei mit an­
deren Mitteln. »Ganz plötzlich wuchs in mir
der Wunsch, etwas mit den Händen zu ma­
chen«, notierte sie früh – und hält sich daran.
Dabei war das Weben anfangs alles an­
dere als erfolgreich. 1922, als Hannah Ryggen Als Hans Ryggen 1944 von den Nazis verhaftet und in ein Lager verschleppt wird, webt
den Sommer in Dresden verbringt, um die seine Frau »Grini« als blutrote Fantasie über seine Rettung durch die gemeinsame Tochter
alten Meister zu studieren, und dort ihren Mona. Rechts: Das Foto zeigt Hannah Ryggen um 1964 an ihrem großen Webstuhl

50
H A N N A H RYG G E N

51

Im Oktober 1935 fällt der italienische
Diktator Benito Mussolini in Äthopien ein
und lässt dort Soldaten wie auch Zivilisten
mit Giftgas töten. Kaiser Haile Selassi bittet
den Völkerbund um Hilfe, vergebens. Han­
nah Ryggen webt in ihrer Empörung den
Teppich »Äthiopien«, der 1937 auf der Welt­
ausstellung in Paris und anschließend in
New York zu sehen ist. Wie immer arbeitet
sie ohne jede Vorzeichnung, bewegt das Mo­
tiv so lange im Kopf, bis es direkt umgesetzt
werden kann. 1939 folgt die nächste Ernüch­
terung: der Nichtangriffspakt zwischen Hit­
ler und Stalin, der die Nazis in Polen einmar­
schieren lässt. »Verrat an den sozialistischen
Werten«, schreibt Ryggen einer Freundin.
»Die Welt braucht eine neue Fahne.«
Ihre Teppiche verkörpern diese Fahnen.
Monumental, weithin sichtbar, für jeden ver­
ständlich, der die Bildgeschichten zu lesen
bereit ist. Christliche Ikonografie, das Ex­
pressive ihrer Figuren, folkloristische Ele­
mente und eine Farbenpracht, die den Blick
magisch anziehen. Schließlich die persönli­
chen Erlebnisse. Hannah Ryggen verwebt sie
ebenso in ihrer Kunst wie das eigene Gesicht,
das stetig auftaucht. All das hinterlässt einen
tiefen Eindruck beim Publikum und sorgt
unmittelbar nach dem Zweiten Weltkrieg
für den künstlerischen Durchbruch. Ihre
Ausstellung in Oslo 1946 wird verlängert,
weil so viele Besucher kommen. Ein paar Jah­
re später kauft die norwegische National­
galerie die erste Tapisserie der Künstlerin an,
»Der Gebrauch der Hände« ist eine Hymne
an den Frieden. Sie stellt international aus,
bis in die USA, wo die Smithsonian Institu­
tion eine große Wanderausstellung organi­
siert. Hannah Ryggen ist etabliert.
H A N N A H RYG G E N
Ihr Mann unterstützt sie vorbehaltlos,
ohne sich in dieser Künstlerbeziehung wie so
viele andere Maler seiner Generation nach
vorn zu drängen. Jeder der beiden entfaltet
seine Fähigkeiten. Hans malt Hannah viele
Male am Webstuhl, es sind leise, innige Por­
träts. Die Teppiche der Künstlerin brauchen
dagegen die Öffentlichkeit, ihre Botschaft
kann nur wirken, wenn sie von möglichst
vielen Menschen gesehen wird. Gern kom­
mentiert Hannah Ryggen dazu ihr künstleri­
sches Engagement. »Man kann es nicht fas­
sen, dass die Amerikaner so einen dummen
Mann zum Präsidenten gewählt haben«, er­
klärte sie etwa angesichts der Entscheidung
von Lyndon B. Johnson für eine Luftoffen­
sive in Vietnam im Jahr 1965. Ihr Teppich
Bilder links: Collection of NTNU University Library, Trondheim; Anders Sundet Solberg, National Museum of Decorative Arts and Design, Trondheim, © H. Ryggen/VG Bild-Kunst, Bonn 2019; Bild rechts: Jørn Hagen, Privatsammlung/VG Bild-Kunst, Bonn 2019
»Blut im Gras« zeigt grüne, von tiefroten ­
Kanälen durchzogene Felder. Rechts steht
Johnson mit Cowboyhut und Hund, die ­
Gestalt des US-Präsidenten kreuzen zwei
blaue Bänder voller Bomben, die auf die
Landschaft zielen.
Dieses Blau ist eine Besonderheit. Han­
nah Ryggen hat sich in die Geheimnisse des
Färbens eingearbeitet und ist auch hier au­
tark. Bloß für die Farbe Blau braucht sie Hil­
fe. Es geht um die Zutat Urin: Der wirkt am
besten, wenn er von alkoholisierten Män­
nern stammt. Sie schafft damit Teppiche in
Blautönen von jeder Qualität. Dunkel und
kalt wie bei »Jul Kvale«, der den Freiheits­
kämpfer verewigt, weil dieser sein Land nicht
in der Nato sehen wollte. Oder licht und tief
wie das Firmament für ihr Prunkstück »Wir
leben auf einem Stern«. Der Teppich, zwölf
Quadratmeter groß, war ein Auftragswerk, in
dem sie das Leben feiert, mit der Familie im
Zentrum als kleinste, vollkommene Einheit.
1957, als sie den Teppich beginnt, ist Hans ge­
rade gestorben und Hannah untröstlich. In
der Arbeit überwindet sie ihre Trauer.
»Wir leben auf einem Stern« hing ein
halbes Jahrhundert in Oslo in der Lobby je­
nes Regierungsgebäudes, vor dem 2011 der
norwegische Massenmörder Anders Breivik
eine Autobombe zündete. Acht Menschen
starben, der Teppich lag in Schutt und Lösch­
wasser. Restauriert wurde er nun dem ­
Trondheimer Nationalmuseum übergeben.
Wer genau hinschaut, der erkennt die Aus­
besserungen und versteht, wie beklemmend
aktuell Hannah Ryggens Appell gegen Ge­
walt und für das individuelle Glück ist. ×
»Gewebte Manifeste«, Schirn Kunsthalle Frank-
furt, bis 12. Januar
»Das Leben gleitet vorbei« widmete die Künstlerin 1939 Paul Gauguin nach der Lektüre seines
Buches »Noa Noa«. Der Teppich zeigt Gauguins Partnerin, die grauen Köpfe symbolisieren eine
Welt, die der Maler auf Tahiti hinter sich lässt. Links: Familie Ryggen vor ihrem Haus mit Hans
an der Staffelei. Unten links: Hannah Ryggens letztes, unvollendetes Selbstporträt von 1970

53
 Die zwölfeckige Schale mit »Shiba Onko«-­
Dekor, 1730 in Meissen entstanden, befand
sich einst im Besitz von August dem Starken
und wird auf der Münchner Highlights ge-
zeigt. Re.: Friedel Kirsch ist Expertin für Por-
zellan, wie schon ihre Mutter und Großmutter
 P OR Z E L L A N

Golden Girls
Gemeinsame Leidenschaft für das weiße Gold: Drei starken Frauen
aus drei Generationen ist es zu verdanken, dass Langeloh
diesen Oktober auf 100 Jahre Firmengeschichte zurückblicken kann
Beide Bilder: Elfriede Langeloh, Weinheim

VON
G L OR I A E H R E T

55
 P OR Z E L L A N
F
Für das kostbare, zart schimmernde, wunderbar bemalte, fragile hö-
fische Porzellan des Rokoko kann man sich keine idealere Vermitt-
lerin als Friedel Kirsch vorstellen. Ihre Eleganz und feine weibliche
Ausstrahlung stehen im Einklang mit ihren erlesenen Objekten.
Denn frühes Porzellan und Fayence sind ihr Metier. Weit über Euro-
pas Grenzen hinaus zählt ihre Firma Langeloh Porcelain zu den füh-
renden Spezialisten. Zum 100. Jubiläum gewährt Friedel Kirsch, die
seit 1981 das Geschäft führt, einen facettenreichen Blick zurück bis
zu den Anfängen und macht mit der Familien- und Firmenentwick-
lung ein Stück deutscher Kunsthandelsgeschichte lebendig.
Die Gründerin Elfriede Langeloh, ihre Großmutter, war eine
ungewöhnliche Frau: 1882 in Pinneberg geboren, entfloh sie der hei-
matlichen Enge in Richtung Frankreich mit Stationen in Bordeaux
und Paris, wo sie ihren Lebensunterhalt als Kindermädchen und
Hausdame bestritt. Nach ihrer Rückkehr wurde sie ledig Mutter,
ziemlich skandalös zu dieser Zeit, zumal in einer Kleinstadt. Die jun-
ge Frau gab ihre Tochter Paulette zu Pflegeeltern nach Paris, wo sie
eine glückliche Kindheit verbrachte. Nach dem Tod des Vaters im
Ersten Weltkrieg wurde Paulette von dessen Familie als leibliche
Tochter anerkannt. Elfriede Langeloh, zeitlebens unverheiratet, ar-
beitete als Hausdame beim Arzt und Porzellansammler Dr. Salomon
in Köln und kam so mit internationalen Händlern und Sammlern
56
in Kontakt. Ihre Leidenschaft für das Metier war geweckt – und sie
eröffnete 1919 ihr erstes Geschäft in der Kölner Cäcilienstraße. Zwar
ging ihr Haus im Bombenhagel 1944 unter, doch hatte Elfriede ­
Langeloh sich vor Ausbruch des Kriegs samt ihrer Habe nach ­
Wiesentheid in Franken gerettet, wo sie in einem Schlossturm der
Grafen von Schönborn logierte. Bis Kriegsende lebte vis-à-vis auch
Paulette mit ihrer Familie. Nicht zuletzt dank des Weins aus der gräf-
lichen Schlosskellerei, den sie gegen Fayencen eintauschte, konnte sie
sich auch in Wiesentheid dem Antiqutiätenhandel widmen.
Mit 63 Jahren wagte Elfriede Langeloh einen Neuanfang in
Köln mit großem Geschäftshaus, Wohnung und Garten am Hohen-
staufenring 57. Damit brach ihre erfolgreichste Zeit an, denn nach
den Verwüstungen des Kriegs war der Wunsch groß, das Verlorene
zu ersetzen. Sie engagierte sich für die Gesellschaft der Keramik-
freunde in Köln, schrieb für Keramos und gelegentlich auch für die
weltkunst. Großindustrielle wie Grundig, Thyssen, Erich Zscho-
cke oder Peter Ludwig gehörten ebenso zu ihren Kunden wie die
berühmten Meissen-Sammler Ralph Wark aus Jacksonville, Florida,
oder Edward Pflueger aus New York. Auch das Auswärtige Amt in
Bonn erwarb Staatsgeschenke bei Langeloh: Friedel Kirsch erinnert
sich gut an einen Satz Schokoladentassen mit farbigem Chinoise-
riedekor für Dwight D. Eisenhower anlässlich seines Besuchs 1959
in Deutschland. Zum Damenprogramm gehörte ein Abstecher an
den Hohenstaufenring, wo ihre Großmutter die Ehre hatte, die ­
Präsidentengattinnen Mamie Eisenhower und Pat Nixon bei sich
zu begrüßen.
Wenn Neuerwerbungen zu begutachten waren, floss reichlich
Champagner. Dass Sammler es mit ihrer Leidenschaft in der eigenen
Familie oft schwer hatten, zeigt folgende Episode: Wenn die Händle-
 Elfriede Langeloh gründete ihr erstes
Antiquitätengeschäft 1919 in Köln –
und war eine Legende. Links: Johann
Joachim Kaendler schuf die ­
Halsbandsittiche 1741 für Friederike ­
Alexandrine Gräfin Moszyńska

rin an einen befreundeten Porzellanliebhaber einen Brief mit verkehrt

aufgeklebter Briefmarke schickte, ging es um eine Offerte: »Heuss ver-
kehrt« diente den beiden als Geheimcode vor der Gattin. Das Geschäft
stand stets im Mittelpunkt, für die beiden Enkelinnen wurde es dann
interessant, wenn Peter und Irene Ludwig zur Großmutter kamen. Da
gab es als Mitbringsel immer eine Kilopackung Trumpf-Pralinen.
Mit Elfriede Langelohs Tod 1960 endete die Ära am Hohenstau-
fenring 57. Paulette Neuhaus entschied sich, den Kunsthandel weiter-
zuführen und sich in kleineren Räumen in der Komödienstraße nahe
dem Dom ganz auf Porzellan und Fayence zu spezialisieren. Als wich-
Beide Bilder: Elfriede Langeloh, Weinheim

tigstes Erbteil übertrugen sich freundschaftliche Beziehungen zu Kol-

legen, Museumskuratoren und Sammlern auf Paulette mit ihrem
fröhlichen Wesen und unerschütterlichen Optimismus. Geprägt
durch ihre Kindheit in Paris, erweiterte sie ihre Kontakte zu namhaf-
ten Händlerkollegen dort und in Basel, Zürich, London oder New
York. Die Komödienstraße entwickelte sich zum beliebten Treffpunkt
der Porzellanliebhaber mit Sammlern, Museumsleuten, Kollegen Wirge
b en
und Freunden beim Champagner, mit dem die Chefin nie geizte.
Auch diese Ära kann Friedel Kirsch mit herrlichen Episoden d
erK unst
würzen. So überraschte ein Kunde die Runde gelegentlich mit einer
Opernarie. »Monsieur retour« wurde er genannt, weil er wiederholt d
enrichtige
n
eine Fayence kaufte, wieder zurückbrachte, umtauschte, um dann
doch beim ersten Stück zu bleiben. Ob der Direktor des Deutschen Rahmen.
Klingenmuseums in Solingen Hanns-Ulrich Haedecke oder die Fa-
yence-Spezialisten und Autoren Konrad Strauß oder Walter Oesterle;
ob Erich Köllmann, Direktor des Kunstgewerbe-Museums in Köln,
oder Barbara Beaucamp-Markowsky, deren Karriere als Kustodin da-
m
urre
r-ra
h m
en.d
e
mals dort begann – sie alle gingen bei Paulette Neuhaus ein und aus.
Es war Kölns Glanzzeit als Kunsthandelsmetropole mit Händler­
 P OR Z E L L A N
größen wie Eberhard Giese oder Hans H. Mischell und dem bis heu-
te bedeutenden Auktionshaus Lempertz, damals von Rolf Hanstein
geführt. Mit ihm war Paulette auf dem Neumarkt Rollschuh gelau-
fen. Köln war ein Dorado für Sammler alter Kunst: Im repräsentati-
ven Aachen-Lütticher Vitrinenschrank prunkten kostbares Porzellan
und Fayence. Als Wandzier dienten Teller und Platten.
Ein Meilenstein unter der Ägide von Paulette Neuhaus war das
von Bartholomäus Seuter signierte Kofferservice mit Augsburger
Goldchinesen. Heute ist das Prachtstück der Sammlung Ludwig in
Bamberg zu bewundern. Auch der großartige Neptunbrunnen von
J. G. Kirchner mit von Johann George Heintze bemalten Chinoiseri-
en im Hetjens-Museum wurde bei ihr erworben. Die Eröffnung der
ersten Deutschen Kunst- und Antiquitätenmesse in München 1956
traf den Nerv der Zeit. Die Westdeutsche Kunstmesse in Köln und
Düsseldorf und die Herrenhäuser Messe in Hannover folgten.
Um dem Absolutismus der Großmutter etwas entgegenzusetzen
wandte sich Friedel Kirsch anfangs der modernen Kunst zu und be-
gann ihre Laufbahn in der Galerie Boisserée in Köln. Doch bald
wechselte sie »die Fronten« ins mütterliche Geschäft. 1979 wurde es
ihr übertragen, ohne dass sich grundsätzlich etwas änderte. Welch
glückliche Fügung, dass ihr Mann, der Jurist Christoph Kirsch,
schnell der Faszination des Porzellans erlag. Neben seiner hauptbe-
ruflichen Tätigkeit wurde er alsbald Schatzmeister im Vorstand der
Keramikfreunde sowie des Freundeskreises der Dresdner Porzellan-
sammlung im Zwinger. Als Christoph Kirsch in die Zentrale der
Deutschen Bank nach Frankfurt wechselte, zog die Familie mit. Als
58
er Vorstand im Südzucker-Konzern in Mannheim wurde, bezogen
sie das Haus in Weinheim, in dem sie bis heute leben. Für Friedel
Kirsch anfangs eine unruhige Zeit, musste sie doch Frankfurt, Köln
und Weinheim familienverträglich verbinden.
Die Zeiten änderten sich auch im Kunsthandel spürbar. Deko-
ratives Porzellan war weniger gefragt, die Preise sanken ebenso wie
die Nachfrage. Das Interesse der wenigeren Sammler fokussierte sich
auf bedeutende, sehr frühe Exemplare; Forschung und Erforschung
der Objekte traten in den Vordergrund. Zahlreiche Kollegen schlos-
Bild: Elfriede Langeloh, Weinheim
sen ihre Läden. Da die Laufkundschaft kaum mehr eine Rolle spielte,
verlagerte sich der Trend »auf die Etage«. Zwar war es für Paulette
Neuhaus lange unvorstellbar, das Kölner Geschäft aufzugeben, doch
im Jahr 1985 war es so weit. In ihren letzten Lebensjahren machte sie
sich in Weinheim bei der Familie unentbehrlich. Dort wurde die ­
untere Etage des Hauses zur Galerie umgebaut, doch das Porzellan
und die dazugehörige Fachbibliothek breiteten sich peu à peu über
die weiteren Stockwerke aus.
Weinheim liegt strategisch günstig wenige Kilometer von Hei-
delberg und Mannheim entfernt. Auch Schwetzingen ist nahe. 1998
hoben die beiden Mannheimer Peter Bausback, Spezialist für Teppi-
che und Textilien und Vorstand des süddeutschen Kunsthändlerver-
bandes, und Volker Brinkmann gemeinsam mit Friedel Kirsch die
Kunstmesse Schloss Schwetzingen aus der Taufe. Über ein Jahrzehnt
war sie in den eleganten Zirkelsälen des Jagdschlosses von Kurfürst
Carl Theodor ein besonderes Kunstereignis. »Wir machten alles in
Eigenregie«, so Friedel Kirsch, »Fotos, Flyer, Katalog, Pressekonferen-
 Meilenstein der Ära
Paulette Neuhaus:
Bartholomäus Seuters
Kofferservice mit
Augsburger Goldchine-
sen, heute Sammlung
Ludwig in Bamberg.
Li.: Interieur am Hohen-
staufenring 57 in Köln

zen, Interviews, TV-Auftritte, Publicity.« Und die beiden Kirsch-Töch-

Bild: Service mit Goldchinoiserien, Meißen, Inv. Nr. L 318, Smlg. Ludwig Bamberg/Museen der Stadt Bamberg

ter arbeiteten gern als Standhilfen mit. »Zusammen mit Bernd Ha-
ckenjos, dem damaligen Direktor des Hetjens-Museums, und anderen
Experten habe ich die Messen in Köln und Düsseldorf juriert, das war
sehr lehrreich.« Monatlich traf sich der Vorstand des DK (Deutscher
Kunsthändlerverband), später KD (Kunsthändlerverband Deutsch-
land), zu Sitzungen in München. »In den zwölf Jahren, in denen ich
dabei war, kämpften wir für das Ziel, dem Handel den verminderten
Mehrwertsteuersatz zu erhalten – damals leider ohne Erfolg. Heute
ist es endlich so weit, dass alle Kunsthandelsverbände und Auktiona-
toren zusammenstehen gegen Benachteiligungen, die Kulturstaats-
ministerin Monika Grütters dem Kunsthandel aufzubürden sucht.«
Stets reisebereit zu sein, wenn ein interessantes Objekte angebo-
ten wird, gehört zu ihrem Geschäftsalltag. »Mir war es immer am
liebsten, bei meiner Mutter oder Großmutter erworbene Stücke zu-
rückkaufen zu können. Gelegentlich tauchte dasselbe Stück gleich
mehrfach wieder auf«, erzählt Friedel Kirsch. Sie freut sich, dass die
Keramik auch ihren Schwiegersohn Christian Kirsch, der diplomier-
ter Grafikdesigner und Fotograf ist, von Anfang an in ihren Bann ge-
zogen hat. »Unser im Hinblick auf neue Medien veraltetes Unterneh-
men hat er in die Neuzeit geführt. Im Verein mit unseren beiden
Töchtern sind wir nun zu einem richtigen Familienunternehmen
mutiert.« Die 90 Jahre währende Alleinherrschaft der Damen ist da-
mit beendet. Das 100-jährige Firmenjubiläum wird während der
Münchner Messe Highlights gefeiert: Profession und Vergnügen ge-
hören in der Firma Langeloh traditionell zusammen. ×
21. – 24.11.2019
colognefineart.de
 Nachrichten, Ausstellungen,
Messen, Kunsthandel, Auktionen und
wichtige Termine im Oktober

AGENDA
Bild: „The Age of Innocence“ by Elizabeth Peyton 2007/Courtesy The Brant Foundation, Greenwich, CT, USA/© Elizabeth Peyton, Courtesy the artist and Gladstone Gallery, New York und Brüssel

Zwischen Psychostudie und Fanposter oszillieren die Bilder von Elizabeth Peyton: In »The Age of Innocence« (2007) malte sie die Schauspieler
Michelle Pfeiffer und Daniel Day-Lewis. Die National Portrait Gallery in London zeigt Peytons Werke vom 3. Oktober bis zum 5. Januar

61
 AG E N DA

KUNSTWELT

KÖNIGIN DER FRAGEN
Die amerikanische Konzept-
künstlerin Barbara Kruger
wurde mit dem Kaiserring der
Stadt Goslar ausgezeichnet, der
seit 1975 jedes Jahr zeitgenössi-
sche Künstler ehrt. Bekannt
wurde Kruger für ihre Slogans
und Textcollagen, die soziale
Ungleichheit ebenso kritisieren
wie Kapitalismus, Misogynie
und Machtmissbrauch. Mit »Is
there life without pain?« (u.,
2011) knüpft die 74-Jährige an
prägnante Botschaften wie
»Your body is a battleground«
an, die schon in den Achtzigern
Debatten rund um Sexismus
und Abtreibung anstießen.
Bilder: F-Stop Movies; Courtesy of Stiftung für Kunst, Kultur und Geschichte, Winterthur (SKKG); Courtesy of Barbara Kruger und Sprüth Magers; Bridgeman Images/Courtesy Schirmer/Mosel; Schirmer/Mosel
Galaktischer Fund
Im Nachlass des Schweizer
Sammlers Bruno Stefanini
stießen Fachleute auf Skizzen
von Antoine de Saint-Exupéry.
Neben Zeichnungen des
»Kleinen Prinzen« (o., vor
1943) fand man auch Briefe
des Autors an seine Frau.
Ersteigert hatte Stefanini das
Konvolut 1986, aktuell wird
es in Winterthur von seiner
Stiftung für Kunst, Kultur und
Geschichte inventarisiert.

KAKTUS & KORALLE

Wer an der Ostküste von Jamaika schnorchelt, kann nicht nur Fische beob-
achten, sondern seit Kurzem auch Skulpturen von Claudia Comte. Installiert
wurden die Werke der Schweizerin mit Unterstützung der TBA21-Academy,
die die Philanthropin Francesca Thyssen-Bornemisza ins Leben gerufen hat.
Comtes »Underwater Cacti« (o.) sind dabei mehr als Dekoration am Meeres-
boden: Sie sollen zur Wiederbelebung des Korallenriffs beitragen.

Handverlesen
URGROSSVATER DER NABELSCHAU
Der französische Kunsthistoriker Pascal Bonafoux legt zum 350. Todestag von
Rembrandt van Rijn einen kleinen Band vor, der sich mit dem größten Bildthe-
ma des Niederländers beschäftigt: seinen Selbstporträts. Bonafoux versammelt
darin erstmals alle derzeit gesicherten 80 Selbstbildnisse und zeichnet so den
Lebensweg des Barockmeisters nach. Man lernt den Leidener Müllerssohn als
verschmitzten jungen Mann kennen, wirft einen Blick in sein Atelier (li., 1626–
1628) und folgt ihm nach Amsterdam, wo sein Haar
schütterer und das Leben prekärer wurde. Die Radierun-
gen, Zeichnungen und Gemälde sind Zeugnisse davon,
dass Rembrandt sich stets an sich selbst festhielt – selbst
in den Momenten, in denen ihm alles andere entglitt.
Pascal Bonafoux, »Rembrandt: Selbstbildnisse«, Schirmer/Mosel,
aus dem Französischen von Matthias Wolf, 160 S., 29,80 Euro

62

Bilder: Robin Lutz AV productions, 2018; Courtesy of PULSE Art; Edition Cantz; Deniz Guzel; Wolfgang Fuhrmannek, HLMD; Gerhard Richter/Abtei Tholey (2)
KIPPBILDER IM KINO
Auch wenn M. C. Eschers Vexierbilder heute so
berühmt wie Salvador Dalís zerfließende Uhren sind,
nannte sich der Niederländer zeit seines Lebens nie
Künstler. Er begriff sich als Mathematiker mit einem
Faible für optische Täuschungen. Einer Strömung fühlte
er sich nicht verbunden, Trends noch weniger: Als die
Hippies ihn als Psychedeliker vereinnahmten, ließ er sie
mit ihren Anfragen ebenso abblitzen wie Stanley
Kubrick und Mick Jagger. Wie Escher seinen Platz in der
Welt wahrnahm, zeigt ab 10. Oktober die Dokumentati-
on »M. C. Escher – Reise in die Unendlichkeit«. Regis-
seur Robin Lutz befragte nicht nur Söhne und Freunde,
er lässt den Trickser auch selbst zu Wort kommen:
In vom Schauspieler Matthias Brandt eingesprochenen
Tagebucheinträgen und Briefen lauscht man Eschers
Leidenschaft für labyrinthische Welten. Auch sein
eigener verschlungener Lebensweg, seine Abkehr vom
faschistischen Italien, seine Flucht vor den Nazis
zurück in die Niederlande – wo ihm noch zu Lebzeiten
der Durchbruch gelang – wird nachgezeichnet.
EWIGER
RICHTER
Das älteste Kloster Deutsch-
lands, die Benediktinerabtei im
saarländischen Tholey, schmü-
cken bald Kirchenfenster von
Gerhard Richter. Die Anfrage war
wie eine göttliche Fügung: Als
der Anruf einging, experimen-
tierte Richter mit Farbmustern,
die er kurzerhand in seine Ent-
würfe (re.) einfließen ließ. Wie
schon für den Dom in Köln arbei-
tete er unentgeltlich. Nun wurden
die abstrakten Formationen
vorgestellt. In den kommenden
Monaten setzt sie die Münchner
Glaswerkstätte Gustav van
Treeck um, bevor im Sommer
2020 die Einweihung bevorsteht.
Mammut marsch!
Das Hessische Landesmuseum in
Darmstadt verleiht zum ersten Mal
seit über 150 Jahren eines seiner
berühmtesten Exponate: das
knapp drei Meter große Skelett
eines amerikanischen Mastodons
(u.). Der erste in Nordamerika
montierte, fossile Elefant aus der
ausgehenden Eiszeit war über
Umwege nach Hessen gekommen
und tritt nun die Reise in seine
Heimat an. In Washington ist das
Skelett ab 2020 in einer Schau
zu Alexander von Humboldt am
Smithsonian Museum zu sehen.
Der deutsche Wissenschaftler
konnte es bei seiner Amerikareise
begutachten, nachdem der Maler
Charles Willson Peale die Knochen
der Mammutart im Hudson River
ausgegraben und ab 1801 als
Sensationsfund in seinem Museum
in Philadelphia ausgestellt hatte.
63
Personalien
Im Oktober steht wie gewohnt die
Frieze in London auf dem Messe-
plan. Es ist die letzte, die die lang-
jährige Direktorin Jo Stella-Sawicka
leitet. Ab November übernimmt
EVA LANGRET: Sie kommt von der
Londoner Galerie Tiwani Contem-
porary, wo sie die erste Schau der
afroamerikanischen Künstlerin
Maren Hassinger außerhalb der USA
kuratierte. In Miami wurde CRISTINA
SALMASTRELLI­ zur Direktorin der
Pulse Art Fair ernannt: Sie wird sich
um das Programm der 15. Ausgabe
kümmern, die im Dezember statt-
findet. Salmastrelli kennt die Messe-
welt aus dem Effeff. Sie betreute die
Outsider Art Fair und war Regional-
direktorin von Ramsay Fairs, der
Muttergesellschaft von Pulse.
Unterdessen geht in New York
die Asia Week zu Ende, die erstmals
unter der Ägide von KATHERINE
MARTIN stand. Martin ist Geschäfts-
führerin der New Yorker Galerie
Scholten Japanese Art, die sich auf
japanische Holzschnitte spezialisiert.
Zuvor war sie Expertin in der Japan-
abteilung von Sotheby’s New York.
In Stuttgart wird ein Amerika-
ner Leiter des Künstlerhauses: Der
Kurator ERIC GOLO STONE kennt sich
in der deutschsprachigen Kunstsze-
ne gut aus, zuletzt war er an der
Kunsthalle Bern tätig. Seine Schwei-
zer Kollegin CHRISTINA VÉGH, die
2015 als erste Frau den Direktoren-
posten der Kestner Gesellschaft in
Hannover übernommen hatte,
wechselt nach Bielefeld: Hier tritt sie
als Leiterin der Kunsthalle an. Lang-
jährige Erfahrung als Kunstbuchver-
legerin konnte UTA GROSENICK bei
den führenden Adressen der Bran-
che – Taschen, Dumont und Distanz
– sammeln. Ihre Expertise wird ihr
auch bei ihrem neuen Job zugute-
kommen: Sie leitet die Edition
Cantz im neuen Berliner Büro.
 AG E N DA

AUSSTELLUNGEN

Bild links: Judy Chicago/Artists Rights Society (ARS), New York, Foto: Through the Flower Archives, Courtesy the artist, Salon 94, New York, Jessica Silverman Gallery, San Francisco/VG Bild-Kunst, Bonn 2019;
Bilder rechts: Courtesy the artist/VG Bild-Kunst, Bonn 2019; California Institute of the Arts Archives Photographic Materials Collection
Hurra, die Schule brennt!
Eine Ausstellung in der Kestner Gesellschaft zeigt, wie das CalArts in den
Seventies zur anarchischen Talentschmiede Amerikas wurde

D
iese Kunsthochschule konnte
sich nur ein Märchenerzähler
ausdenken. Entwurfsskizzen
von modernen Flachbauten,
verteilt auf einem grünen Campus in den
Hollywood Hills mit Blick auf die Horizont-
linie des Pazifik, bekamen 1964 die Besucher
bei der Weltpremiere von »Mary Poppins«
präsentiert – denn Walt Disney hatte seinem
künftigen Kinohit einen viertelstündigen
Werbefilm in eigener Sache vorangestellt:
»The CalArts Story«. Disney war 1961 an der
Gründung des California Institute of the
Arts maßgeblich beteiligt gewesen und ima-
ginierte nun den geplanten Campus »seiner«
Kreativschmiede als Ort moralischer Vervoll-
kommnung: Die hübschen, wohlfrisierten
Studenten in seinem Film malen, töpfern,
schneidern oder zeichnen Elefanten im Zoo.
»Ein gut ausgebildeter Künstler ist ein ausge-
sprochen nützliches Mitglied der Gesell-
schaft«, verspricht die Erzählerstimme. Und
natürlich kam dann alles ganz anders.
Als das California Institute of the Arts
(CalArts) im Herbst 1971 nicht in Hollywood,
sondern in einem wesentlich unglamouröse-
ren Vorort von Los Angeles namens Valencia
direkt neben einem viel befahrenen Freeway
eröffnete, war Walt Disney nicht mehr am
Leben – und zwischen seinen eher konserva-
tiv eingestellten Erben und dem angeheuer-
ten Lehrpersonal knirschte es von Beginn an
gewaltig. An die Kunstfakultät waren neben
Allan Kaprow, dem Erfinder des Happenings,
auch die feministische Künstlerin Judy Chi-
cago sowie der Maler John Baldessari aus San
Diego berufen worden. Letzterer hatte ein
Jahr zuvor in seinem »Cremation Project«
alle seine Bilder verbrannt. Wie sehr dieses
ungewöhnliche Team und die freigeistigen
Leitlinien am CalArts – keine Noten, kein
festes Curriculum und kein Statusunter-

64
schied zwischen Lehrer und Studenten – den
Nerv der Zeit trafen und wie wichtig diese
Hochschule für die weitere Kunstentwick-
lung nicht nur in Amerika war, das zeigt jetzt
eine von Christina Végh und Philipp Kaiser
hervorragend kuratierte Ausstellung in der
Kestner Gesellschaft Hannover.
Umfangreiches Film- und Archivmate-
rial sowie eigens geführte Zeitzeugeninter-
views machen neben den Kunstwerken den
Pioniergeist der frühen CalArts-Jahre be-
greifbar. Im Anfangskapitel »Fluxus« wird
beispielsweise mit dem Dokumentationsfilm
der Allan-Kaprow-Aktion »Scales« von 1971 –
Studenten legen auf eine existierende Treppe
eine zweite Treppe aus Zementblöcken, lau-
fen diese hinauf und bauen sie gleichzeitig
wieder ab – schon deutlich, dass es mit dem
Anspruch an die Nützlichkeit der Kunst für
die Gesellschaft nicht so weit her war.
Wohl aber kann es Sinn und Zweck von
Kunstwerken sein, an den bestehenden Ver-
hältnissen zu rütteln, wie dann das zweite
Kapitel der Ausstellung wunderbar deutlich
macht: Das Feminist Art Program (FAP), 1971
am CalArts von Judy Chicago und Miriam
Schapiro geleitet, hatte als enge Gemein- Den prozesshaften Charakter der Kunst wie überhaupt irgendjemand etwas bei ihm
schaft von rund 30 Künstlerinnen zunächst betont Eric Fischls modulares Werk »Young gelernt hat«, erzählt der Maler David Salle im
die größte Außenwirkung. In Chicagos Ak- Revolutionaries« (1979) genauso wie die Film des dritten Kapitels. Dennoch erwies
tionsreihe »Atmospheres« machten sie sich Performance »Grassstains« 1981 auf dem sich das Konzept, feste Ateliers und Unter-
Uni-Gelände (u.). Li. Seite: Judy Chicagos
verschiedene Orte in Los Angeles mithilfe richtszeiten durch improvisierte Ausflüge zu
»Orange Atmosphere« (1969)
von Feuerwerk und Rauchbomben symbo- ersetzen, bei denen man beispielsweise Auto-
lisch zu eigen. Höhepunkt des FAP, an dem reifen Abhänge hinunterrollte, als horizon-
explizit keine Männer teilnehmen durften, Stoffbahnen mit Bildern und Texten an die- terweiternd. Dieses prozesshafte Arbeiten sti-
war dann im Februar 1972 ein Gemein- sen Meilenstein der feministischen Kunst. mulierte den Malereistudenten Eric Fischl zu
schaftsprojekt: der Umbau eines Abrisshau- Nicht weniger bedeutsam war im Be- Werken wie »Young Revolutionaries« (1979),
ses zum »Woman House«. Innerhalb eines reich der konzeptuellen Arbeitsansätze die bei denen er einzeln gemalte Blätter wie Mo-
Monats sahen 10 000 Besucher das riesige ­ Post Studio Art Class, die John Baldessari am dule in scheinbar zufälligen Kompositionen
Environment, das Judy Chicago im Inter- CalArts als legendären Leuchtturm pädago- arrangierte.
viewfilm als »erste weiblich-fokussierte In- gischer Lockerheit einrichtete. »John stellte In der Post Studio Art Class landeten
stallation, die den Mainstream erreichte«, keine Aufgaben und gab keine Noten. Er hat später auch einige Studenten, die ein unge-
beschreibt. In Hannover erinnern bedruckte auch fast nie etwas gesagt. Ich weiß nicht, zwungenes Verhältnis zur Bildwelt der Me-
dien an den Tag legten und daher im letzten
(und lustigsten) Kapitel unter dem Etikett
»Pictures Generation« präsentiert werden.
Mitchell Syrop plünderte 1976 das Vokabular
der Werbeindustrie, als er in die Aufnahme
einer alten Scheune mit einem verwitterten
Coca-Cola-Schild am Giebel den irritieren-
den Slogan hineinmontierte: »Vor langer
Zeit … haben wir dich gekauft!« Noch spöt-
tischer und schöner ist nur die selbstreflexive
Zeichnung »Matriculation«, die der frisch zu-
gelassene Student Mike Kelley 1977 schuf. Im
Vordergrund zeigt sie drei fröhliche Figuren
– Bambi, Santa Claus und eine Prinzessin. Da-
hinter wartet das Märchenschloss aus Dis-
neyland. Mit einem Schriftzug über dem Ein-
gang: »CalArts«.  TIM ACKERMANN

»Wo Kunst geschehen kann«, Kestner Gesellschaft,

Hannover, bis 10. November

65
 AUSSTELLUNGEN
Geist aus der
Glaskiste
In Dessau hat das neue
Bauhaus Museum eröffnet
Die britische Journalistin hatte in der Frage-
stunde zur Eröffnung des neuen Museums in
Dessau schon ganz recht, als sie wissen woll-
te, ob es mit den anderen Städten Weimar
und Berlin einen Konkurrenzkampf um die
Deutungshoheit über das Bauhaus gebe. Es
gibt ihn, und Dessau – durch den Bestand
des Bauhaus-Gebäudes von 1926 und der
Meisterhäuser ohnehin im Vorteil – hat noch
einmal nachgelegt: Mit dem neuen Ausstel-
lungsgebäude, das Besuchern seit 8. Septem-
ber offensteht, besitzt die Stiftung Bauhaus
Dessau endlich einen Ort, um ihre große
Sammlung dauerhaft zu präsentieren. Das
vom spanischen Büro Addenda Architects
entworfene, unspektakuläre Museum zeigt,
was die Moderne immer schon gut konnte –
preiswert funktional bauen: Eine 100 Meter
lange Kiste aus schwarzem Beton liegt auf
zwei Treppenhäusern und schwebt so über
einer säulenlosen Eingangshalle. Drumhe-
rum eine Vorhangfassade aus Glas, die leider
aus klimatischen Gründen mit einem Punkt-
raster Licht und Blicke filtert. Will er etwas
im Inneren erkennen, drückt sich der Des-
sauer Flaneur die Nase an der Scheibe platt.
Wichtiger als die Architektur ist ohne-
hin, was in der »Black Box« geschieht: Die
Dauerpräsentation mit über 1000 Exponaten
verteilt sich auf einen Hauptsaal sowie zwei
kleinere Räume am Anfang und am Schluss.
Es lohnt eher, hinten zu beginnen, denn das
Schlusskapitel zeigt den eigentlichen Start-
schuss für die Sammlung, als im Juni 1976 ein
größeres Bauhaus-Konvolut in der Galerie am
Sachsenplatz, Leipzig, für insgesamt 145 030
Mark angekauft wurde. (Die Rechnung ist
Teil der Ausstellung.) So kamen Marcel Breu-
ers Beistelltisch »B10« oder Collagen von Ma-
rianne Brandt nach Dessau, wo zuvor keine
Objekte aus der Bauhaus-Ära erhalten waren.
Originell, wie die Schau dann im Haupt-
saal das Kontinuum von Lehre und Produkti-
on am Bauhaus vor Augen führt. Didaktisch
gliedert sich die Ausstellung in ringförmige
Raumzonen: An den Außenwänden liest man
zunächst die Theorie. Den Großteil der Schau-
fläche nehmen anschließend Tischpräsenta-
tionen ein, die das Lehrer-Schüler-Verhältnis
anschaulich machen. Formen aus einer Farb-
lithografie von Wassily Kandinsky aus dem
Jahr 1922 regten wohl Grete Reichardt 1929
zum Entwurf eines Kinderzimmerteppichs
mit gelben Kreisen, blauen Dreiecken und ro-
ten Streifen an. Und Oskar Schlemmers büh-
66
Bilder: Stiftung Bauhaus Dessau (I 7420 G); Thomas Meyer/OSTKREUZ, 2019/Stiftung Bauhaus Dessau
Das Museum zeigt Bauhaus-Klassiker wie
Oskar Schlemmers Gouache »Geteilte Halb-
figur nach rechts« (1923), oben der funk­
tionale, neue Bau von Addenda Architects
nenhafte Bildräume – ausgestellt ist etwa seine
Gouache »Geteilte Halbfigur nach rechts« von
1923 – inspirierten den Schweizer Künstler
Xanti Schawinsky zum Entwurf einer »Stepp-
tanz-Maschine« (1926). Die serienmäßig reali-
sierten Produkte der Bauhäusler werden dann
im Zentrum des Saals in einem orangefarbe-
nen Metallregalriegel präsentiert. Bewundern
kann man hier Möbelklassiker wie Marcel
Breuers Stahlrohrsessel »B3« (1926, hergestellt
1928) mit sämtlichen Originalteilen oder Al-
fred Schäfters Pendelleuchte von 1931/1932.
Im verbleibenden Raum – beim Stan-
dardrundgang wäre er der erste – lauscht man
via Lautsprecher vorgetragenen Artikeln ei-
ner heftigen Zeitungsdebatte, die mit dem
Bauhaus-Umzug 1925 in Dessau entflammte.
Wen Kritikerformulierungen wie »Vergewal-
tigung unseres Formenwillens« an gegenwär-
tige Twitter-Shitstorms erinnern, darf aus
dem Gedanken Hoffnung schöpfen, dass die
Ästhetik und Philosophie des Bauhauses am
Ende gegen alle Widrigkeiten der Geschichte
den Sieg davontrug.  TIM ACKERMANN
»Versuchsstätte Bauhaus. Die Sammlung«,
Bauhaus Museum Dessau, Dauerpräsentation
 Gefördertvon

Deutschen Bundestages
aufgrund eines Beschlusses des
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12.01. 20 Meister

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29.09.19— Bauhaus

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MORITZBURG
KUNSTMUSEUM

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Foto :SM KP hoto/Jako bSko u-H ansen ,K o penhagen,© No ldeS tiftungSeeb üll
Hin tergrund:Ausstellun gsan sichtm itW erkenvo nEm ilNoldeim Kunstmu seum M oritzbu rg
KULTUR

Halle(Saale),um 193 0,F o to:K ulturstiftungSach sen-Anhalt

ANHALT
STIFTUNG
SACHSEN-

LEONARDO DA VINCI
Louvre, Paris, 24. Oktober
bis 24. Februar
Die Ankündigung der Herbst-
ausstellung mit dem höchsten
Aufmerksamkeitspegel kommt
leider mit einigen Pferdefüßen
im Kleingedruckten: Auch bei
der Leonardo-Retrospektive
wird man die Mona Lisa im
gewohnten Saal und Gedränge
anschauen müssen, und wer
dazu die anderen Meisterwerke
des Renaissancekünstlers wie
die »Anna selbdritt« (1510–1513,
o.) sehen will, zahlt 17 Euro und
ist gezwungen, für den Zugang
ein festes Zeitfenster im Voraus
zu buchen. Zum Umfang der
Leihgaben hält sich der Louvre
weiter bedeckt. Leonardo-Fans
sollten so früh wie möglich auf
www.ticketlouvre.fr ihren
Besuch buchen. Denn spontan
dürfte es sehr knifflig werden.
MEDIENKUNST AUS CHINA
Kulturforum, Berlin, bis 26. Januar
Gehirnchirurgie und spirituelle
Selbstvervollkommnung ver-
schmelzen in Lu Yangs Film
»Delusional Mandala« (2015, o.).
Dank halbkreisförmiger golde-
ner Kronen mit nach innen
gerichteten Operationsnadeln
erreichen die Avatare einen als
AUSSTELLUNGEN
»God« bezeichneten Zustand,
in dem sie, von Depressionen
und Tumoren befreit, glücklich
tanzen. Auf diese Idee muss
man erst mal kommen. Aller-
dings ist Lu Yangs quietschbun-
te Dystopie nicht der einzige
Hingucker in der Schau »Micro
Era« mit chinesischen Medien-
künstlern. Neben Old-School-
Videoarbeiten von Altmeister
Zhang Peili, in denen er etwa
einen Spiegel immer wieder zer-
bricht und neu zusammenklebt
(»30 x 30«, 1988), fasziniert Cao
Fei mit ihrer perfekt gefilmten
Erzählung aus einem Paket­
lager, wo ein verliebter Lasten-
roboter einer Wachfrau hinter-
herhetzt (»Asia One«, 2018).
JETZT!
Bonn, Chemnitz und Wiesbaden,
bis 19. Januar
Einen Überblick zum Gemüts-
zustand der »Jungen Malerei in
Deutschland« hat man schon
länger vermisst. Diese Lücke
füllen das Kunstmuseum Bonn,
die Kunstsammlungen Chem-
nitz und das Museum Wiesba-
den mit ihrer parallel laufenden
Ausstellungstrilogie, die auf das
klassisch gemalte Bild fokus-
siert. Die Kuratoren siebten die
Longlist auf 53 Malerinnen und
Maler aus, die jetzt mit Werken
an allen drei Orten vertreten
sind – darunter schon bekann-
tere Namen wie Florian Meisen-
berg oder Vivian Greven (o.
»Leea« von 2017), aber auch Ent-
deckungen wie die 1984 im Iran
geborene Toulu Hassani, die
mit feinen ornamental-geome-
trischen Bildern überzeugt.
68
HISTORIES OF WOMEN
Museu de Arte de São Paulo,
bis 17. November
Mit Jair Bolsonaro hat der Femi-
nismus in Brasilien einen mäch-
tigen Gegner. Umso wichtiger
und grandioser, dass dem
Staatspräsidenten in São Paulo
ein Ausstellungs-Doppelschlag
entgegenschallt, der die Power-
frauen der Kunstwelt lautstark
feiert. Die Schau »Histories of
Women« zeigt Gemälde alter
Meisterinnen wie Sofonisba
Anguissola (ca. 1532–1625) oder
Élisabeth Vigée-Lebrun (1755–
1842), deren Werk bis heute
marginalisiert wird. Ebenfalls
im Museu de Arte de São Paulo
läuft zeitgleich »Feminist ­
Histories« mit Künstlerinnen
des 21. Jahrhunderts, die den
Geschlechterkonflikt von heute
thematisieren – so wie Élle de
Bernardini (o. o. T., aus der Serie
»Formas Contrassexuais«, 2019).
10 JAHRE MKDW
Museum Kunst der Westküste,
Alkersum (Föhr), bis 12. Januar
Wer am Hafen von Wyk seinen
Fuß auf die Insel Föhr setzt, hat
die einstimmende Seepassage
hinter sich. Wenige Kilometer
landeinwärts trifft er dann im
Dorf Alkersum auf das Museum
Kunst der Westküste (MKdW),
das vor zehn Jahren vom Unter-
Bilder: © Renè Gabriel Ojèda/Musèe du Louvre/RMN; Ana Pigosso/Künstlersammlung, Sao Paulo; Ivo Faber, Courtesy of SETAREH; Privatbesitz/VG Bild-Kunst, Bonn 2019; © Lu Yang & Société; Museum Kunst der Westküste, Alkersum/Föhr
nehmer Frederik Paulsen gestif-
tet wurde. Hier sieht man Bil-
der, von denen man meint, sie
seien nicht mit Öl, sondern mit
Nordseesalzwasser gemalt wor-
den – so wie Isaac Grünewalds
Werk »Am Badestrand« aus dem
Jahr 1917 (u. li.). Zum Jubiläum
treffen dieses und andere High-
lights der Sammlung auf ausge-
wählte Feriengäste, etwa die
Impression »Fischer am Meer an
einem Sommerabend«, die
Michael Ancher 1888 im däni-
schen Skagen malte und die
sonst im Statens Museum for
Kunst in Kopenhagen hängt.
JOHANNES ITTEN
Kunstmuseum Bern, bis 2. Februar
Als Künstler wurden Paul Klee
und Wassily Kandinsky erfolg-
reicher, als visionärer Lehrer
war Walter Gropius einflussrei-
cher. Und doch hat auch der
Schweizer Johannes Itten wäh-
rend seiner Zeit am Bauhaus
Spuren hinterlassen – nicht nur
in seinem legendären Vorkurs,
den der passionierte Turner mit
Atem- und Rhythmusübungen
auflockerte. Vor allem legte sei-
ne Lehrtätigkeit in Weimar die
Grundlage für seine Farbenleh-
re; der von ihm entwickelte
Farbkreis ist noch heute Schul-
stoff. Auch als Künstler liebte
Itten es eher bunt – etwa in sei-
ner radikalen Farbstreifen-Kom-
position »Horizontal-Vertikal«
von 1915 oder im »Selbstbildnis«
aus dem Jahr 1928 (o.).
Josef Albers Museum . Quadrat Bottrop
22.9.2019 12.1.2020
Der junge Josef Albers. Aufbruch
in die Moderne

Abbildung: Josef Albers, Selbstbildnis mit Hut, 1916 © The Josef and Anni Albers Foundation / VG Bild-Kunst, Bonn 2019

www.quadrat-bottrop.de
 ADVERTORIAL

Gipfeltreffen
Das Rijksmuseum in Amsterdam beendet das Rembrandt-Jahr 2019 mit einer spektakulären
Ausstellung, die Werke der großen niederländischen und spanischen Meister vereint

Bilder: Museumslandschaft Hessen Kassel, Gemäldegalerie Alte Meister; Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, Valencia; keeshageman
Zwei Visionäre des Barock: links das »Selbstporträt mit Barett und goldener Kette« von Rembrandt van
Rijn aus dem Jahr 1658, rechts das Selbstporträt, das Diego Velázquez 1640 von sich schuf

S ie waren Zeitgenossen, sind sich aber

nie begegnet. Ihre Heimatländer
führten einen Krieg gegeneinander,
der vor ihrer Geburt begann und erst in ih-
ren letzten Lebensjahren 1648 mit der Un-
abhängigkeit der Niederlande von der spa-
nischen Krone endete. Die Rede ist von
Rembrandt van Rijn (1606–1669) und Diego
Velázquez (1599–1660), zwei Ausnahme-
künstlern ihrer Zeit, die in ihrer Heimat zu
nationalen Mythen erhoben wurden und
jetzt einträchtig im Rijksmuseum in Ams-
terdam nebeneinanderhängen.
Möglich macht das die Ausstellung
»Rembrandt – Velázquez. Niederländische
und spanische Meister«. Erstmals ist hier,
dank der Kooperation mit dem Prado, eine
solch große Anzahl von Meisterwerken von
Velázquez, Rembrandt, Murillo, Vermeer,
Zurbarán, Hals und Ribera unter einem
Dach vereint. Und noch etwas leistet diese
bahnbrechende Schau: Sie zeigt, dass der
Blick, den spanische und holländische
Künstler auf Europa hatten, viel mehr Ge-
meinsames als Trennendes hat. Die Kunst
kannte für sie keine Grenzen, sie teilten die
Faszination für neue Ideen und Techniken.
Deutlich wird das, um nur ein Beispiel zu
nennen, an der gemeinsamen Vorliebe für
schwarze Kleidung. In ihr ließen sich Hol-
länder und Spanier am liebsten porträtieren,
weil so am besten die Gesichter zur Geltung
kamen und die Maler alle Kunstfertigkeit AMSTERDAM
aufbringen mussten, um die Schattierungen Im Rembrandthuis (o.) vermittelt bis zum
und verschiedenen Stoffe herauszuarbeiten. 16. Februar 2020 eine Sonderausstellung ei-
Als Ergänzung zum Rijksmuseum bie- nen Einblick in das »Rembrandt-Labor«.
Das frühere Wohnhaus des Malers, wo er von
tet sich in diesem Herbst unbedingt ein ­
1639 bis 1658 lebte, ist seit 1911 ein Museum.
Besuch im Rembrandthuis an. Die spannen- Gezeigt werden u. a. Radierungen Rembrandts
de Ausstellung »Rembrandt-Labor – Rem- und eine Rekonstruktion seiner Haus­
brandts Technik entschlüsselt« lüftet die ­ einrichtung. Die Ausstellung »Rembrandt – ­
Velázquez. Niederländische und spanische
Geheimnisse seiner Mal- und Zeichenkunst Meister« ist vom 11. Oktober 2019 bis
mit neuesten wissenschaftlichen Methoden. 19. Januar 2020 im Rijksmuseum zu sehen.
In dem eigens errichteten Labor können die
Besucher selbst in die Rolle von Forschern
und Restauratoren schlüpfen und kommen
dem Meister so nah wie die Profis.

70
 GROPIUS Ludwig Richter
B
BAU
AU
Schöne heile Welt

DURCH
MAUERN
GEHEN

20.10.2019
– Di bis 20 Uhr
19.01.2020 Mi bis So 10 – 17 Uhr
Gruppenausstellung museumgeorgschaefer.de

12.9
12.9.19–
9.119–
zum 30. Jahrestag
des Berliner Mauerfalls Ludwig Richter: Frau mit Kindern an der Quelle / Am Brunnen, 1868
© Museum Georg Schäfer, Schweinfurt

19.1.20
Jose Dávila,
Ohne Titel (Allure), 2014,
Installationsansicht
State of Rest, OMR,
© VG Bild-Kunst 2019,
Foto: Enrique Macías Martínez
Visualisierung: M.Schneider (mic-vis.de), Quelle: SIB

Die Königlichen Paraderäume Augusts des Starken

und das Porzellankabinett im Residenzschloss Dresden
www.skd.museum

KUNSTHANDEL
Schnee liegt in der Luft, die ersten Flocken
fallen bereits. Aber geht das überhaupt, wenn
es um die Fachwerkhütte herum leuchtet wie
an einem zauberhaften Spätsommerabend?
Vielleicht lässt Heribert C. Ottersbach auch
weiße Tupfen vom Himmel regnen, um eines
zu verdeutlichen: Das Fachwerkhaus auf die-
sem Gemälde zeigt viel mehr als bloß eine
überkommene Architektur.
Verfremdung, das klassische Mittel der
Distanzierung. Ottersbach, 1960 in Köln ge-
boren, studierte dort neben Kunst noch Ger-
manistik und Philosophie. Daraus resultiert
zum einen seine poetische Wortakrobatik im
Fall von Bildtiteln wie »Blumen der Kind-
heit«, »Auch Fische haben Depressionen«
oder »Falsche Drogen (Missverständnis der
Moderne)«. Manche dieser Titel deuten ihr
Motiv, andere konterkarieren es. Auf jeden
Fall sind sie eigenständige Schöpfungen.
Diese Autonomie gilt ebenso für Otters-
bachs Motive. Hütten wie Häuser stehen al-
lein, die meisten scheinen abgelegen, man-
che im leisen Verfall begriffen, das Gebäude
AG E N DA
auf dem Bild »Kein Zug fährt vorbei« (2018)
sogar komplett abgehängt. Menschen sieht
man keine, Ottersbachs aktuelle Ausstellung
in der Galerie Beck & Eggeling mit gut zwei
Dutzend Werken aus den vergangenen Jah-
ren strahlt gepflegte Melancholie aus. Bis
man sich darauf besinnt, die Häuser des
Künstlers als Symbole zu verstehen.
Es sind Platzhalter für seine Reflexio-
nen über den Standort der Malerei – und mit
ihr des Malers. Welche Aufgabe hat er in ei-
ner medialen Gegenwart? Ottersbach, der
von 2009 bis 2017 als Professor für Malerei
an der Leipziger Hochschule für Grafik und
Buchkunst lehrte und auch jetzt noch zwi-
schen Leipzig und dem schwedischen Sörm-
land pendelt, reagiert auf die Überfülle der
Bilder mit starker Reduktion. Seit den Neun-
zigerjahren nutzt er Archivmaterial, überar-
beitet und transformiert es. Die Herkunft
wird getilgt, aus den Farbschichten schälen
sich anonyme Gebäude und atmosphärische
Stimmungen. Unwillkürlich erinnert man
sich an bleierne Nachmittage bei Verwand-
72
Schaufenster
»Kaugummi und Erdnüsse,
dazu gerne Solei«, 2019
Bild: Courtesy der Künstler und Beck & Eggeling International Fine Art/© H.C. Ottersbach und VG Bild-Kunst, Bonn 2019
Künstler
Heribert C. Ottersbach (geb. 1960)
Werkdaten
Acryl auf Leinwand
Höhe 54 cm, Breite 65 cm
Kunsthandlung
Beck & Eggeling
Bilker Straße 5
40213 Düsseldorf
Tel. 0211 4915890
Preis
auf Anfrage
ten oder unscharfe Zeitungsfotos von Häu-
sern, in d
­ enen Unheimliches passiert ist. Die
Assoziationen fließen, Herbert C. Otters-
bach lässt sie kreisen und gibt in aktuellen
Werken wie »Kaugummi und Erdnüsse,
dazu gerne S ­ olei« Biografisches dazu, ohne
es zu präzisieren.
»Identität und Gelände«, der Titel seiner
Soloschau bei Beck & Eggeling, die dieses
Jahr ihr 25-jähriges Bestehen mit mehreren
hochkarätigen Präsentationen feiern, gibt
schließlich doch einen Hinweis. Die Häuser
wirken wie Selbstporträts eines Künstlers,
der durch »spröden Eigensinn und Auf-­
Distanz-Gehen« überzeugt, wie Wolfgang
Ullrich im Ausstellungskatalog schreibt.
Statt Mainstream sucht Ottersbach die Abge-
schiedenheit, reaktiviert das einsame Haus –
seine Profession, die Malerei – und gestaltet
es neu. »In Erwartung der Ereignisse« hat Ot-
tersbach eine Ausstellung von 2007 genannt.
Dieser Titel charakterisiert sein Sujet durch
alle Jahrzehnte: Man sieht Wartehäuschen
voller Geheimnisse.  CHRISTIANE MEIXNER
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lyonel feininger 14.11.2019 – 18.01.2020

„Windmill“, 1936
Öl auf Leinwand, 48,3 × 75 cm www.w-k.art
 KUNSTHANDEL
Lichtzeichen
der Zukunft
Die Sammlung Lutz Dresen
wird bei Kellermann verkauft
Ob Père Tanguy mit seinem Farbenladen, Ka-
thi Kobus mit dem »Simplicissimus« oder
Frédéric Gérard im Pariser Le Lapin Agile,
sie alle haben sich ein Stück Unsterblichkeit
gesichert, indem sie einst von klammen
Künstlern statt Bares Bilder akzeptierten.
Das war vor fast 60 Jahren in Düsseldorf
nicht anders. Da bürgte der Lehrling in ei-
nem Elektrofachgeschäft mit seinem kargen
Gehalt für einen Künstler, der unbedingt
eine Stichsäge brauchte. Und dafür erhielt er
als Gegengabe, was damals als spinnert galt,
ein Bildwerk, auf dem sich lauter Nägel ein
Stelldichein gaben.
Günther Uecker hieß der Jungkünstler,
Lutz Dresen der großzügige Lehrling. Des-
sen Leidenschaft für die Künste dauert bis
heute an. So entstand eine beachtliche
Sammlung, die sich auf Zero und kinetische
Kunst konzentrierte. Sie füllte bis vor Kur-
zem jede Ecke in der Wohnung. Nun wurde
Günther Uecker ist mit seiner »Lichtscheibe für
Lutz Dresen« von 1994 vertreten, Adolf Luther
mit einem »Spiegelobjekt« von 1973 (ganz o.)
alles der Galerie Kellermann zum Verkauf
übergeben. Fast alles. Harry Bertoias »Spray«,
ein bei leisestem Luftzug schwankendes Bün-
del von rund tausend dünnen Stäben, kehrt
in Dresens Behausung zurück. Jetzt aber be-
grüßt es den Besucher in Düsseldorf in den
neuen Galerieräumen gegenüber der Kunst-
sammlung NRW. Sie sind fortan das Haupt-
haus, wo die anspruchsvollen, kostspieli­
geren, den Sekundärmarkt bedienenden
Kunstwerke angeboten werden. Die 2013 am
Belsenplatz auf der anderen Rheinseite ge-
gründete Urgalerie hingegen dient weiterhin
dem bisherigen Programm, das noch wenig
74
bekannten Künstlern mit atelierfrischen
Werken ein Forum bietet – und gegenwärtig
dem Teil zwei der Sammlung Dresen.
Für deren Hauptstück muss man schon
recht tief in die Tasche greifen. Mit rund
750 000 Euro ist die im Seitenlicht rotierende
»Lichtscheibe für Lutz Dresen« immerhin an
15. Stelle unter den derzeit teuersten Werken
von Uecker. Aber es geht auch preiswerter.
Für jeden der beiden 177 Zentimeter großen
Nägel aus geschmiedetem Stahl von 1967 sol-
len es 32 500 Euro sein. Es handelt sich bei
den beiden Exemplaren – eines silbern elo-
xiert, das andere rostpatiniert – um die Pro-
totypen der Serien.
Uecker ist neben Julio Le Parc, Hajo
Bleckert und Adolf Luther besonders oft in
der Sammlung vertreten, die alles in allem
Beide Bilder: Sebastian Kolodziejczy/Courtesy Galerie Kellermann/VG Bild-Kunst, Bonn 2019
1770 Werke von 71 Künstlern umfasst. Da
Lutz Dresen – trotz der soliden Basis der ei-
genen Firma – kein Krösus war, sind nur
etwa die Hälfte Unikate. Bei gut 30 muss eine
Steckdose in der Nähe sein, damit man ihren
Effekt genießen kann. Das reicht von Otto
Pienes »Lichtballett« von 1967 über Friedrich
Beckers »Wellenkinetik« (um 1990) bis zu
Heinz Macks »Meditationsspirale« aus dem
Jahr 1973. Bei anderen Arbeiten, etwa von ­
Jesús Rafael Soto, Victor Bonato, Yvaral oder
Bridget Riley, stellt sich der Animationsef-
fekt erst ein, wenn man sich vor dem Objekt
bewegt. Das Angebot summiert sich zu ei-
nem von persönlichen Vorlieben bestimm-
ten Miniaturmuseum der Sechziger- und
Siebzigerjahre, einer Epoche, in der man sich
das Ende der Malerei auf die Fahnen schrieb
und im Technoiden die Zukunft der Kunst
sah – was heute oft nostalgisch anmutet.
Bei der anderen Hälfte der zum Verkauf
stehenden Werke, teils Grafiken, teils Multi-
ples, bewegen sich viele Preise im vierstelli-
gen Bereich. Während sich Zero relativ kon-
stant auf dem Markt behauptet, verraten bei
den weniger oder kaum bekannten Künst-
lern in der Sammlung Ergebnislisten der
Auktionshäuser mit »Lot not sold« recht oft,
dass der Verkauf nicht einfach ist. Dieses
Schicksal musste die kleine Farbradierung
»violett-gold« von Gotthard Graubner, 2007
in 135 Exemplaren gedruckt, nicht hinneh-
men. 2013 wurde ein Blatt für 280 Euro, 2017
ein anderes für 700 Euro versteigert. Bei Kel-
lermann markiert es nun mit 750 Euro den
Einstieg in die Sammlung Dresen, die wohl
bald keine Sammlung, sondern lediglich
eine Provenienz sein wird.  PETER DITTMAR
»Zero und Kinetik – die Sammlung Dresen«,­
Galerie Kellermann, Düsseldorf, bis 26. Oktober
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3cm

MESSEN
Der Anfang ist
gemacht
Jung und weiblich: neue
Akzente der Wiener Messen
Wer den Originaltext von Ovids »Metamor-
phosen« liest, kann keine Zweifel hegen: Die
»Vereinigung« von Zeus und der Nymphe
Kallisto war eine Vergewaltigung. Schließ-
lich zeigte der Göttervater, wie es in dem
Klassiker heißt, »verbrecherisch sein wahres
Ich«, während sich die Bedrängte wehrte und
gegen ihren Peiniger kämpfte. Später wurde
die Szene umgedeutet und in der Malerei zu
einem beliebten Sujet, das den gewalttätigen
Hintergrund nahezu ausblendet und nackte
Frauenkörper ins Zentrum rückt.
Auf der Fair for Art Vienna bietet der
Kunsthandel Werner Zöchling als besondere
Interpretation des Themas nun eine Kollabo-
ration von Jan Brueghel d.  Ä. und Hendrik
van Balen aus dem ersten Viertel des 17. Jahr-
hunderts. Das kleine Ölbild auf Kupfer ist­
»einem exquisiten Kunstkammerstück ver-
gleichbar«, heißt es im Gutachten von Birgit
Schmidt-Messner. Während Brueghel eine
ausladende Waldlandschaft anlegte, war van
Balen für die Figuren zuständig.
AG E N DA
Die Fair for Art, Herbstausgabe der Wiener
Internationalen Kunst & Antiquitätenmes-
sen, versammelt rund 40 Händler aus Öster-
reich und Deutschland mit Werken in den
Sektionen »Moderne und Zeitgenossen« so-
wie »Fine Art & Antiques«. Zu den High-
lights der ersten Kategorie zählen Bilder von
Maria Lassnig (Kunsthandel Freller), Hubert
Scheibl (Galerie Szaal), Markus Lüpertz ­
(Galerie Lehner) und Arbeiten einer jungen
Generation bei Rudolf Leeb. Die alte Kunst
tut sich mit einer fein gearbeiteten Marmor-
büste der Demeter hervor, datiert auf das ers-
te bis zweite Jahrhundert (Christoph Bacher
Archäologie Ancient Art). Bei Kössl Kunst &
Teppich steht die Skulptur der Anna selbdritt
eines unbekannten schwäbischen Meisters
(um 1500). Fehlen dürfen auf keiner österrei-
chischen Kunstmesse Hans Staudacher mit
seinen informellen Kompositionen sowie ­
Alfons Walde mit den charakteristischen ­
Ansichten Tiroler Landschaften.
Auch die Art & Antique, einige Wo-
chen später in der Hofburg und mit 45 Teil-
nehmern etwas größer dimensioniert, setzt
auf Walde. Ein typisches Gemälde bietet die
Die Galerie Kaiblinger bietet Gottfried
Helnweins »The Murmur of the Innocents 63«
(Fair for Art Vienna). Camille Faurés Art-­
déco-­Vase »Primrose« (o. re.) zeigt der Kunst­-
handel Kolhammer auf der Art & Antique
76
Bilder: Gottfried Helnwein/VG Bild-Kunst, Bonn 2019; Kunsthandel Kolhammer
Galerie Kovacek & Zetter mit dem »Einsamen
Berghof«. Die Liste der Aussteller ist exquisit,
manche nehmen an beiden Messen teil: so die
Galerie Giese und Schweiger, die ein delikat
gemaltes Kinder-Doppelporträt des Wiener
Biedermeiermalers Johann Michael Neder im
Angebot hat, Elisabeth & Klaus Thoman mit
Zeitgenossen wie Herbert Brandl und Os-
wald Oberhuber oder die Galerie Ruberl ­
(Arnulf Rainer, Oskar Kokoschka). Insgesamt
sind auf der Art & Antique aber doch mehr
gewichtige Händler vertreten.
Besonderes Augenmerk verdient die –
auch auf der Fair for Art Vienna präsente –
Galerie Kopriva aus Krems. Sie hat Werke der
Malerin Christa Hauer dabei, deren abstrak-
te Kompositionen der 1950er-Jahre aus der­
österreichischen Kunstgeschichte hervor­
stechen, wo damals Gegenständlichkeit
dominierte. Überhaupt sieht man, dass auf
dem Kunstmarkt endlich die Künstlerinnen
ankommen: Die Galerie Magnet bietet ein
Werk von Kiki Kogelnik, Ursula Hieke ein
Gemälde von Helene Funke. Der Anteil
weiblicher Schöpfungen ist zwar noch im-
mer erschütternd gering, doch immerhin: Es
ist ein Anfang.  NINA SCHEDLMAYER
Fair for Art Vienna, Aula der Wissenschaften,
Wien, 5. bis 13. Oktober, fairforart-vienna.at
Art & Antique, Hofburg Vienna,
9. bis 17. November, artantique-hofburg.at
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DIE ORIGINAL-
BAUHAUSKLASSIKER
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Oskar Schlemmer
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Gesten und Räume
Die Pariser Fiac bekommt ein
neues Steuergesetz zu spüren
Der Zeitpunkt war präzise gewählt: Ende
August, kurz vor der »Rentrée«, der Rück-
kehr der Pariser aus dem Sommerurlaub, ver-
kündete Staatssekretär Gabriel Attal, dass
Kunstsammlern künftig bloß noch ein Steu-
ernachlass von 40 Prozent gewährt wird statt
wie bisher 60 Prozent. 80 Millionen Euro soll
das zusätzlich dem Staatshaushalt bringen.
Ein Tropfen, die Geste zielt auf unzufriedene
Wähler. Und nimmt in Kauf, dass alle, die
schon das Portemonnaie für die 46. Ausgabe
der Kunstmesse Fiac gezückt haben, es sich
noch einmal überlegen.
Dabei gibt es am Stand der erstmals aus
Wien anreisenden Galerie Meyer Kainer ei-
nen klug gesetzten Dialog zweier Künstler zu
sehen und zu erwerben. Ulrike Müller, deren
handgewobene Wollteppiche oder Collagen
moderne Abstraktionen fortführen, trifft
hier auf Florian Pumhösl, bekannt für seine
minimalistischen Wandskulpturen. Der an-
dere Newcomer aus Wien, Gianni Manhat-
tan, stellt mit Mosaik beklebte Styropor-
skulpturen der 34-jährigen Budapesterin
Zsófia Keresztes der Wienerin Barbara Ka-
Alt schlägt Neu
Die Frieze in London macht
sich selbst Konkurrenz
Drohender Brexit, die schwierige Situation
vieler mittelständischer Galerien und die da-
raus resultierende Messemüdigkeit – das alles
scheint die Frieze in London nicht anzufech-
ten. Im Gegenteil: Die Eigentümer haben ge-
rade Eva Langret zur neuen künstlerischen
Direktorin der Frieze London erklärt, die
künftig den zeitgenössischen Teil der Messe
im Regent’s Park leitet. Victoria Siddall
bleibt verantwortlich für den gesamten Mes-
seauftritt und künstlerische Leiterin der Frie-
ze Masters mit ihrer klassischen Ausrichtung.
Wobei »klassisch« fast zu niedrig gegrif-
fen ist für den einzigartigen Mix aus Kunst
der Antike und außereuropäischen Kulturen
im Cross-over mit alten Meistern und Klas-
sikern oder Wiederentdeckungen der Nach-
MESSEN
Am Stand von Tornabuoni Art: »Concetto
spaziale – Attese« von Lucio Fontana (1966)
pusta gegenüber, die ihrerseits Räume mit
Objekten zu inszenieren versteht, die an ges­
tische Überbleibsel erinnern. Eine gelungene
Kombination präsentieren auch Parra & Ro-
mero aus Madrid und Ibiza mit den Werken
der Sizilianerin Rosa Barba und des Lausan-
ners Philippe Decrauzat.
Magnin-A aus Paris gibt wenig experi-
mentierfreudig mit Romuald Hazoumè und
Chéri Samba seinen Einstand. Spannenderes
und Aktuelleres aus Afrika dürfte man am
kriegskunst. Gerade dieses »Spotlight« ge-
nannte Segment ist es, mit dem sich die
Frieze Masters von der Konkurrenz absetzt.
Die Idee, künstlerische Positionen der ver-
gangenen Jahrzehnte in Einzelpräsentatio-
nen erfahrbar zu machen, ist nicht neu: Die
Art Cologne und die Artissima in Turin ha-
ben hier Pionierarbeit geleistet. Doch die
wirklich hochkarätigen Arbeiten landen
mittlerweile in London. So beliebt sind die
Francesca Galloway bietet ein Blatt mit
indischer Heilsgeschichte an (um 1770)
78
Stand von Fabienne Leclerc (In Situ) finden,
eine der wichtigsten Akteurinnen für die
Spezialität in Paris. Die treue Brüsseler Gale-
rie Meessen De Clercq erfreut mit Benoît
Maire und den teils dramatischen, teils epi-
schen Skulpturen der Schottin Lucy Skaer.
Dass die Fiac den Mittelbau zugunsten sehr
junger wie sehr etablierter Galerien aufgibt,
wie es jüngst hieß, bestätigt sich beim Blick
auf die 197 Aussteller nicht. Alle wichtigen
Pariser Galerien kommen wieder, lediglich
das Urgestein Gabrielle Maubrie, 2018 erst-
mals aufgetreten, bleibt fern. Kollegin Anne
de Villepoix stellt diesmal nur in den Tuile-
rien aus. Doch jenseits der üblichen Rotation
der Galerien blickt die Fiac weiter über Gren-
zen: vier Prozent weniger französische Gale-
rien, statt 27 nun 29 Länder.
Global Player Pace präsentiert im
Grand Palais eine Solo-Show von Kiki Smith,
deren feministisch-streitbares Werk parallel
Bilder: Tornabuoni Art/VG Bild-Kunst, Bonn 2019; Francesca Galloway
in der Monnaie de Paris ausgestellt wird –
erstmals in diesem Umfang in einer franzö-
sischen Institution. Wer noch einmal in aller
Ruhe das Flair der Belle Époque genießen
will, sollte diese und die nächste Ausgabe der
Fiac nicht verpassen: 2021 zieht die Messe ­
wegen Renovierung des Grand Palais bis
2024 in ein Zelt.  J. EMIL SENNEWALD
Foire internationale d’art contemporain (Fiac),
Grand Palais, Paris, 17. bis 20. Oktober, fiac.com
Schauen mit kunsthistorisch Abgesichertem,
dass die Frieze Masters bei manchen Samm-
lern ausschlaggebend ist für ihre Entschei-
dung, an die Themse zu fahren.
Im internationalen Zusammenhang
taucht deutsche Kunst eher selten auf. Aus-
nahmen: Die Galerie Aurel Scheibler zeigt
späte Arbeiten von Ernst Wilhelm Nay, Vol-
ker Diehl das anarchische Werk KP Breh-
mers. Bei Hauser & Wirth konzentriert man
sich auf italienische Nachkriegskunst, mit
Namen wie Alberto Burri, Lucio Fontana,
Jannis Kounellis oder Cy Twombly. Auf der
Frieze London breitet die Blue-Chip-Galerie
eher Zeitgenössisches aus. Nicht älter als
16 Jahre sind die 33 »Focus«-Galerien, darun-
ter Chert Lüdde, Drei, Deborah Schamoni
und Tanja Wagner. Frischen Wind verspricht
auch »Woven«, ein kuratierter Blick auf das
Werk von acht Künstlerinnen und Künstlern,
die mit Textilem arbeiten.  STEFAN KOBEL
Frieze & Frieze Masters, Regent’s Park, London,
3. bis 6. Oktober, frieze.com
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13.-17.November2019
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 MEISTERWERKE
KENNEN KEIN ALTER
 ADVERTORIAL

Von Pieter Brueghel dem Jüngeren bis Günter Fruhtrunk:

Die 10. HIGHLIGHTS Internationale Kunstmesse München versammelt
vom 16. bis 20. Oktober 2019 Kunstschätze aus sieben Jahrhunderten
 Von Sabine Spindler

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Wenn sich eine Kunst- und Antiquitätenmes- von Louis Anquetin aus dem Jahr 1893. Es ge- »Die Werke der Klassischen Moderne
se HIGHLIGHTS nennt, dann ist das Pro- hört zum Angebot von Kunkel Fine Art, des- haben die Rolle der Alten Meister übernom-
gramm. Aber vor allem auch Versprechen. sen Schwerpunkt auf der Kunst zwischen Sa- men – hinsichtlich ihres Status als auch ihrer
Vom 16. bis 20. Oktober feiert »die schönste lon und Sezession liegt, und verkörpert wie Preise«, erklärt Thole Rotermund die starke
Messe Deutschlands«, wie sie von der Presse kaum ein anderes Exponat den frühen Auf- Präsenz der Kunst des frühen 20. Jahrhun-
genannt wird, ihr zehnjähriges Bestehen. Sie bruch in die Moderne. Der Postimpressionis- derts. Der Spezialist für Papierarbeiten des
hält bis heute, was ihr Name verspricht: Ein mus hinterließ auch bei den Berliner Sezes- Expressionismus zeigt unter anderem Werke
ausgewählter Kreis von Händlern mit inter- sionisten seine Spuren. Bestes Beispiele dafür von Erich Heckel und Karl Schmidt-Rottluff.
nationalem Radius, die Konzentration auf sind Max Liebermanns Gemälde »Die große Auf diesem Gebiet ist auch der erst 34-jährige
wenige Top-Stücke und ein offenes, elegant- Seestraße in Wannsee« von ca. 1920, angebo- Kölner Galerist Johannes Eggebrecht tätig.
modernes Ausstellungsdesign. Als »eine fei- ten von der Salzburger Galerie Salis, sowie Er gibt sein HIGHLIGHTS-Debüt. Galerie
ne, überschaubare Boutique-Messe mit ho- Lesser Urys »Berliner Straße im Regen mit Ludorff hingegen zelebriert das Unverwech-
hem Anspruch«, beschreibt sie Alois zwei Autos« aus derselben Zeit. Der Galerist selbare des avantgardistischen Bildhauers
Wienerroither von der in Wien und New Klaus Schwarzer schwärmt: »Das Gemälde Jean Arp. Sein Markenzeichen ist die abstrak-
York ansässigen Galerie W&K Wienerroither hat alles, was ein Ury-Gemälde haben muss te bio­morphe Form, wie die Bronze »Knien-
und Kohlbacher. Spezialisiert auf Kunst des – die regennasse Straße mit ihren schon fast de« von 1961 zeigt. Als brillantester Vertreter
20. Jahrhunderts, wird ihr Top-Exponat zur abstrakten Lichtreflexen, die Fahrzeuge und der alpinen Moderne steht der Kitzbüheler
Jubiläumsmesse ein großes Tusche-Blatt von Passanten.« Maler Alfons Walde bei Sammlern hoch im
Pablo Picasso sein, auf dem das Künstlerge- Kurs. Seine pastos gemalten »Häuser im Ge-
nie 1964 ein »Tableau de Famille« festgehal- birge« mit schroffen Felsen und harten Schat-
ten hat. Picasso, Max Ernst, Alexej von ten auf blendend weißen Schneefeldern
Jawlensky, Lyonel Feininger – die Lis- offeriert der Linzer Kunsthandel Frel-
te großer Namen, die die HIGH- ler. Das Spektrum der Moderne ist
LIGHTS präsentieren, ist lang. weit gefächert. Werke von Emil
Schon seit Jahren wird Nolde, Oskar Kokoschka, Josef
mehr als die Hälfte des welt- Scharl und Marc Chagall sind
weiten Kunstmarktumsatzes etwa bei Galerie Kovac-Spie-
mit Werken der Moderne und gelgasse, Galerie Française,
der Gegenwart realisiert. Galerie Hagemeier sowie bei
Auch bei den HIGHLIGHTS der Galerie bei der Albertina ·
trumpft die Moderne auf. Ein Zetter vertreten, deren große
Hauch von Manet und Degas Leidenschaft ebenso dem
liegt über dem anspielungsreichen Kunsthandwerk und den Möbeln
Gemälde »Le déjeuner à Bourgueil« der Wiener Werkstätte gehört.
 ADVERTORIAL
Bild vorige Doppelseite: markniedermann.com/Munich Highlights 2016; diese Seite: Galerie Schwarzer; links: Kunst und Antiquitäten Almut Wager

Postimpressionistische Lichtreflexe: »Berliner Straße im Regen mit zwei Autos«

(1920) von Lesser Ury, offeriert von der Galerie Schwarzer aus Düsseldorf.
Linke Seite: Die Schmuckhändlerin Almut Wager zeigt eine seltene Chrysopras-
Granat-Parure aus dem England des frühen 18. Jahrhunderts

83

Das Vasenpaar von 1728 mit Chinoiserie-Szenen von Johann Gregorius Höroldt und
Johann Ehrenfried Stadler präsentiert der Münchner Porzellanspezialist Röbbig
Wahre Meisterwerke kennen allerdings
kein Alter. Die HIGHLIGHTS verstand sich
von Anfang an als Bühne für die Alte Kunst,
und sie will es bleiben. Die tiefe Menschlich-
keit im Antlitz einer Madonna oder der ex-
pressive Faltenwurf einer Heiligenfigur, die
Auseinandersetzung mit den großen Mythen
und die brillante künstlerische Umsetzung
sind bis heute Gründe für die Faszination
früher Kunst. Senger Bamberg agiert seit
über 40 Jahren mit bedeutsamen gotischen
Skulpturen und frühen Tafelbildern auf in-
ternationalem Parkett. In München bezau-
bert das Familienunternehmen mit einem
Triptychon »Maria mit Kind« von ca. 1475 aus
dem Umkreis des Tirolers Michael Pacher,
dessen musizierende Engel im Hintergrund
in himmlische Sphären entführen. Einen
Altmeisterhändler von Weltrang begrüßt die
Messe mit der Galerie De Jonckheere aus
Genf. Mit der deftigen, detailgenauen Tafel
»Die Zahlung des Zehnten oder Der Dorfad-
vokat« des schon im 17. Jahrhundert als Ma-
lerstar gefeierten Pieter Brueghel des Jünge-
ADVERTORIAL
ren und weiteren Renaissance- und
Barockgemälden bereichert sie die Messe um
ein hochrangiges Angebot. Ralph Gierhards
Antiques bringt mit Johann Jakob Freys
Landschaft »Hirten an der Furt in der italie-
nischen Campagna« von 1856 die Malerei des
19. Jahrhunderts ins Spiel. Wen Alte Meister
begeistern, der hat meist auch einen Blick für
die Subtilität der Zeichnungen vergangener
Jahrhunderte. Der Kunsthandel Moeller &
Cie widmet sich dieses Mal der Rötelzeich-
nung des 18. Jahrhunderts. Dabei stehen be-
rühmte Namen wie Pater, Leprince, Suvée
und Trinquesse eher seltenen Blättern von
Reclam, Preissler, Drölling und Ango gegen-
über. Alle vereint die warm leuchtende Aus-
strahlung, die nur durch rote Kreide erzeugt
werden kann.
Peter Mühlbauer, Deutschlands führen-
der Händler für feines Mobiliar und Kunst-
handwerk des 16. bis 19. Jahrhunderts, meint
zu Recht: »Von Trends kann man vielleicht
in der Mode sprechen, aber nicht in der
Kunst.« Jahr für Jahr begeistert der Händler
84
aus Pocking mit seinen Möbelschätzen. In
diesem Herbst ist ein Zylinderbureau des be-
deutendsten Ebenisten Deutschlands sein
persönliches Highlight. David Roentgen, der
bis an den Hof nach Petersburg lieferte, stell-
te das frühklassizistische Schmuckstück mit
den dezenten, architektonischen Dekoren
um 1785 auf dem Höhepunkt seiner Karriere
her. Zu den bedeutendsten Goldschmiede-
und Silberkunstzentren des Barock zählten
Augsburg und Nürnberg. Christian Eduard
Franke Kunsthandel hält eine Auswahl von
Silberarbeiten hervorragender Meister bereit.
Im Zentrum seiner Messeshow jedoch steht
ein imposanter venezianischer Prunksessel
von 1730, der das Wilde und Überbordende
des Rokoko zum Ausdruck bringt. Ein State-
ment Piece, wie mehr als 300 Jahre später auch
der architektonisch strenge Schreibtisch von
Pierre Jeanneret, in den 1950er-Jahren ent-
worfen für den Universitätscampus im indi-
schen Chandigarh. Mit diesem Design-Klas-
siker gibt die junge Felicitas Vogdt von der
Galerie Stefan Vogdt ihre Visitenkarte ab.
 ADVERTORIAL
Bild links: Röbbig Porzellan München; Bilder rechts: Thomas Salis Art & Design/VG Bild-Kunst, Bonn 2019; Eric Tschernow, Kunkel Fine Art

»Salome« nannte Gabriel von Max anspielungsreich sein Affenporträt, das um 1906
entstand, zu finden bei Kunkel Fine Art. Oben: Fernand Légers
Studie auf Papier zu »Les Loisirs: Hommage à Louis David« (1948/49) bei Thomas Salis

85
 ADVERTORIAL

10

Bilder: Konrad O. Bernheimer; markniedermann.com; Donald Waller Photography, New York City, Blumka Gallery; Ernst Wilhelm Nay, Elisabeth Nay-Scheibler, Köln/VG Bild-Kunst, Bonn 2019, Courtesy Galerie Ludolf, Düsseldorf;
JAHRE

2010 2013
Ein Kreis von führenden Münchner Kunsthändlern, Die HIGHLIGHTS zieht in den Kaiserhof der
darunter Konrad O. Bernheimer, Georg Laue und Residenz. Der holländische Architekt Tom
Raimund Thomas, hat die Idee gemeinsam aufzutreten. Postma schafft dafür ein elegantes, modernes
Was als Parcours durch die Galerien rund um den Ode­ Messe-Design mit einer zentralen Bar,
onsplatz beginnt, mündet 2010 in einer neuen das die Besucher auf Anhieb verzaubert.
Kunstmesse. Im Herbst feiert sie unter dem Namen
HIGHLIGHTS ihre
Premiere im Haus
der Kunst. Der Publi-
kumszuspruch ist
groß, internationale
Händler setzen

Bild rechts: Galerie De Jonckheere

Glanzpunkte. Ein
Höhepunkt ist Lucas
Cranachs »Madonna
mit Kind« (1534)
am Stand von
Konrad O. Bernheimer. 2015
Eine Partnerschaft mit der Messe
in Florenz bringt ein Dutzend
italienischer Kunsthändler und
die Grandezza des Südens nach
München. Die HIGHLIGHTS-
Galadinner sind ein gesellschaftli-
ches Ereignis geworden. Erlöse

2016
der Benefiz-Auktionen fließen
in Restaurierungsprojekte der
Residenz-Museen.
Generationswechsel: Junge Galeristen und die
Juniorchefs alteingesessener Kunsthandlun-
gen bringen frischen Wind auf die Messe.
Das Motto der neuen Messeleiterin Juana
Schwan lautet: »Ich will ein Publikum anziehen,
das so alt ist wie ich – 30«. Der 36jährige
Kunsthändler Dr. Alexander Kunkel löst Konrad
O. Bernheimer als Co-Geschäftsführer ab.

2018
Die HIGHLIGHTS sind ein Höhepunkt im Münchner
Kunst-Herbst, die Messe inspiriert andere Kultur­
events. Christian Eduard Franke-Landwers ist seit
einem Jahr Co-Geschäftsführer. Vom neuen Stellen-
wert der Kunst nach 1945 kündet »Dominant Gelb«,
eines der schönsten und teuersten Gemälde
von Ernst Wilhelm Nay, am Stand der Galerie Ludorff.

86
 ADVERTORIAL

»Die Zahlung des Zehnten oder Der Dorfadvokat« von Pieter Brueghel dem
Jüngeren ist am Stand der Genfer Galerie De Jonckheere zu bewundern

Großartige künstlerische Leistungen lage ist eindeutig: die Schale war einst im Be- Düsseldorfer Galerie Beck & Eggeling, die
der Vergangenheit haben immer Konjunktur. sitz Augusts des Starken und Teil der zuvor ausschließlich mit Expressionisten ver-
Davon ist der weltweit vernetzte Münchner Sammlung im Japanischen Palais in Dresden. treten war, sieht darin »einen wichtigen
Porzellan- und Rokokospezialist Röbbig Von den ursprünglich 24 Exemplaren lassen Schritt für diese spannende Messe«. In die-
überzeugt. Frühe Meissner Porzellane wie je- sich heute noch 12 in bedeutenden Sammlun- sem Jahr hat die Galerie das Messekonzept
nes purpurfarbene Vasenpaar von 1728 mit gen nachweisen. auf die eigene Show übertragen. Unter dem
Chinoiserie-Szenen von Johann Gregorius Einen historischen Bogen spannen die Titel »Pairs« sucht sie nach Bezügen zwischen
Höroldt und Johann Ehrenfried Stadler, das Schmuckhändler. Almut Wager zeigt mit ei- einer antiken Amphore und den Zeichnun-
Röbbig auf der HIGHLIGHTS zeigen wird, ner in Apfelgrün leuchtenden Chrysopras- gen Picassos, zwischen der ZERO-Kunst ei-
vereinen Luxus, handwerkliche Perfektion Granat Parure ein auf dem Markt rar gewor- nes Heinz Mack und der Stille einer chinesi-
und künstlerische Fantasie und haben ihre denes Stück aus dem frühen 18. Jahrhundert. schen Tangfigur.
Liebhaber längst nicht mehr nur in Europa. Die Galerie Carl Weishaupt, 1692 gegründet Eine der wichtigsten Galerien, die sich
Das hat auch Friedel Kirsch, Inhaberin des und einst bayerischer Hoflieferant, erzählt um die deutsche Nachkriegskunst verdient
seit 100 Jahren existierenden Kunsthandels mit der brillantbesetzten Tiara, die die Juwe- gemacht haben, ist Galerie Schlichtenmaier
Langeloh Porcelain in Weinheim erfahren. lenschmiede Chaumet 1925 für die Countess aus Stuttgart, die ihr fünfzigjähriges Jubilä-
Vor zwei Jahren hat sie kurz nach der Eröff- de Pimodan fertigte, von der Eleganz des Art um feiert. Ihr Interesse gilt bis heute dem
nung das einzige noch existierende Paar déco. Und VKD Jewels aus den Niederlanden Werk Willi Baumeisters, der mit seinen phi-
Meissner Mandelkrähen, 1730 von führt mit einem perlenbesetzten Collier plus losophischen Abstraktionen die Kunst der
Johann Joachim Kaendler modelliert, für ei- passenden Ohrringen aus den 1970er-Jahren frühen Bundesrepublik prägte. Schon 1940
nen hohen sechsstelligen Euro-Betrag an ei- die raffinierte Modernität von Ferdinando hat er das wegweisende und zauberhafte Bild
nen jungen amerikanischen Sammler ver- Sandi aus Padua vor. »Sterbender Schwan« auf Karton gemalt, des-
kauft. Ihr Glanzstück in diesem Jahr ist eine Die Kunst nach 1945 ist erst seit dem sen eigenwillige Chiffren die Suche Baumeis-
zwölfeckige Meissner Schale mit sogenann- Wechsel in die Residenz auf der HIGH- ters nach modernen Mythen markieren. Ga-
tem Shiba-Onko-Dekor von 1730. Die Archiv- LIGHTS vertreten. Michael Beck von der lerie Maulberger, mit Schwerpunkt auf das

87
 ADVERTORIAL

deutsche Informel, zeigt die leuchtend rote

Feuergouache »Diagonal aufwärts« des ZE-
RO-Magiers Otto Piene. Galerie Jahn Pfeffer-
le ist mit der großen Leinwand »Reflexionen
über das geheime Leben der Sterne A« von
Bernd Zimmer vertreten, der zu den expo-
niertesten Vertretern zwischen Abstraktion
und Gegenständlichkeit gezählt wird. Gale-
rie Koch, Galerie Luzán, Sina Stockebrand
Kunsthandel sowie Galerie Sundheimer, Ko-
vacek + Zetter und Martina Tauber Fine Art
sind mit Werken von Tony Cragg, Hermann
Glöckner, Gotthard Graubner, Kuno Gon-
schior und Karl Otto Götz vertreten.
Auf dem Kunstmarkt erlebt gerade
Günter Fruhtrunk eine Wiederentdeckung.
Einer der besten Kenner des konstruktiv-
konkreten Künstlers ist der Galerist Walter
Storms. Mit Fruhtrunks Gemälde »Blau ge-
gen Theorie« (1958) bringt er ein frühes Bei-
spiel der sogenannten Hard-edge-Malerei aus
Deutschland auf die Messe. Ebenso wächst
derzeit das Interesse für das bizarr-fantasti-
sche Werk des Bildhauers Günter Haese. Die
Galerie Behning & Niehues zeigt die kine-

Bild: Erich Heckel/Thole Rotermund Kunsthandel

Thole Rotermund ist mit der Kreidezeichnung »Roter Reiter« (1923)
von Erich Heckel in München vertreten
tisch inspirierte Kupferdraht-Skulptur »Me-
lia« von 1986. Als Galerie für Pop Art und Ur-
ban Art von Warhol bis Banksy hat sich die
Galerie Kronsbein einen Namen gemacht.
Unter dem Label New Pop Art setzt die Ga-
lerie einen Fokus auf die adaptierten Comic-
Szenen des Italieners Giuseppe Veneziano.
Von Beginn an bildete die Fotografie ei-
nen Schwerpunkt der HIGHLIGHTS. Mit
besten Verbindungen zu Archiven und
Künstlern schafft es die Galerie Stephen
Hoffman immer wieder, Ikonen der Fotoge-
schichte zu akquirieren wie den Schnapp-
schuss des »Ice skating waiter«, den der Re-
porter Alfred Eisenstaedt 1932 in St. Moritz
machte. Ira Stehmann Fine Art, die in
Deutschland exklusiv das Werk des 2000 ver-
storbenen französischen Modefotografen
Jeanloup Sieff vertritt, präsentiert mit Arbei-
ten des in München lebenden Christopher
Thomas einen Vertreter der klassischen Foto-
grafie sowie mit dem portugiesischen Duo
Albarrán Cabrera eine neue Generation von
Fotografen, die Experiment und Ästhetik
miteinander verbinden.
Die Jubiläums-Messe verspricht einen
aufregenden Parcours durch 700 Jahre Kunst-
geschichte, aber auch einen kleinen Rück-
blick auf die eigene Historie. In der Sonder-
schau »Orangerie« versammeln sich elf
ehemalige Mitstreiter der HIGHLIGHTS.
Konrad O. Bernheimer offeriert dort
Cristoforo Munaris barockes »Stillleben mit
Violoncello und chinesischem Porzellan«,
und Sascha Mehringer stellt wunderbare
Lack-Wandtafeln des Art-déco-Künstlers
Jean Dunand aus.  ×

88
 ADVERTORIAL

AUSSTELLER DER HIGHLIGHTS 2019

Beck & Eggeling
International Fine Art
Behning & Niehues
Johannes Eggerbauer
Galerie Française
Christian Eduard Franke
Kunsthandel
Kunsthandel Freller
Galerie Koch Galerie Jahn Pfefferle Martina Tauber Fine Art Böhler & Blumka
Kovacek Spiegelgasse Röbbig München VKD Jewels Heribert Tenschert –
Gemälde Glas Antiquariat Bibermühle
Thole Rotermund Kunsthandel Galerie Stefan Vogdt
Kovacek & Zetter Martin Grässle Kunsthandel
fine art & contemporary Thomas Salis Kunst und Antiquitäten
Almut Wager Georg Hornemann
Galerie Kronsbein Galerie Schlichtenmaier
Carl Weishaupt Europäische Skulpturen
Kunkel Fine Art Galerie Schwarzer Dr. Rainer Jungbauer
W&K Wienerroither
Langeloh Porcelain Senger Bamberg Kunsthandel & Kohlbacher Kunstkammer Georg Laue

Ralph Gierhards Antiques /
Fine Art
Kunsthandel Hagemeier
Galerie Stephen Hoffman –
Fine Art Photography
Galerie De Jonckheere
Galerie Ludorff
Galerie Luzán
Galerie Maulberger
Dr. Moeller & Cie. Kunsthandel
Kunsthandel Peter Mühlbauer
Ira Stehmann Fine Art
Walter Storms Galerie
Sina Stockebrand
Kunsthandel
Florian Sundheimer
Kunsthandel
Galerie bei der Albertina Helga Matzke Kunsthandel
• Zetter
Kunsthandel Sascha
Mehringer
ORANGERIE
Kunsthandlung Helmut
Paolo Antonacci H. Rumbler
Konrad Bernheimer Galerie von Vertes

BESUCHERINFORMATIONEN
HIGHLIGHTS Internationale Kunstmesse München
Residenz München, Eingang Hofgarten – Residenzstr. 1 – 80333 München

ÖFFNUNGSZEITEN PROGRAMM FÜHRUNGEN

16. – 20. Oktober 2019: 11:00 – 19:00 Uhr MITTWOCH, 16. Oktober 2019, 15:30 Uhr ÖFFENTLICHE FÜHRUNGEN
Langer Abend, 17. Oktober 2019: Europäische Kosmopoliten in der Renaissance Samstag, 19. Oktober 2019, 12:00 – 13:00 Uhr
11:00 – 22:00 Uhr Dr. Ina Müller Sonntag, 20. Oktober 2019, 12:00 – 13:00 Uhr

EINTRITTSPREISE DONNERSTAG, 17. Oktober 2019, 16:30 Uhr TREFFPUNKT

Erwachsene 25 Euro inkl. Messemagazin
Senioren 20 Euro inkl. Messemagazin
Studenten 10 Euro inkl. Messemagazin
Kinder und Jugendliche frei
MESSEBÜRO
HIGHLIGHTS – Internationale Kunstmesse
München – GmbH
Amalienstr. 15, 80333 München
Tel.: +49 89 23 24 13 5-0
Fax.: +49 89 23 24 13 5-10
info@munichhighlights.com
MESSELEITUNG
Juana Schwan
schwan@munichhighlights.com
GESCHÄFTSFÜHRUNG
Christian Eduard Franke-Landwers,
Dr. Alexander Kunkel, Juana Schwan
KAUFMÄNNISCHE LEITUNG
Daniela Dölling
doelling@munichhighlights.com
Pretiosen aus aller Welt
Herkunftsländer der Künstler und Edelsteine
in der Schatzkammer
Ursula Simon-Schuster M.A.
FREITAG, 18. Oktober 2019, 16:30 Uhr
Die Möbel des Pariser Ebenisten Charles Cressent
Kunsttechnologie und Restaurierung
Hella Huber
SAMSTAG, 19. Oktober 2019, 14:30 Uhr
Kleine Highlights
Die Miniaturensammlung der Residenz
Dr. Mirjam Brandt
SONNTAG, 20. Oktober 2019, 16:30 Uhr
Königliche Hoheiten bitten zu Tisch!
Tafelkultur am Wittelsbacher Hof
Dr. Corinna Rönnau
Foyer HIGHLIGHTS Internationale
Kunstmesse München
PRIVATE FÜHRUNGEN
Eine private Führung über die HIGHLIGHTS
mit unseren qualifizierten Führungskräften
bietet Ihnen und Ihren Gästen die Möglichkeit
eines exklusiven Messebesuchs.
Wir gestalten für Sie ein individuelles Angebot,
ganz nach Ihren Wünschen
inklusive Catering.
Für Fragen und Reservierungen stehen wir
Ihnen gerne zur Verfügung.
E-Mail: info@munichhighlights.com
RESIDENZ SONDERFÜHRUNGEN
Anmeldung erforderlich:
info@munichhighlights.com
Treffpunkt: Eingangshalle Residenzmuseum, mit
anschließender Kastellanbegleitung zur Messe
Teilnehmer der Residenzführungen erhalten
freien Eintritt zur HIGHLIGHTS.

89

STILKUNDE
N
icht nur der Alkoholkonsum
war bei unseren Altvorderen
immens, auch eigenartige
Sitten, die allenthalben ge-
pflegt wurden, nötigen dem heutigen Trin-
ker Respekt ab. In zweierlei Hinsicht, denn
die Vielfalt an Scherzgläsern ist berauschend.
So heißt es in einem Traktat von 1589: »Uns
Teutschen kann man die Trinkgeschirr nicht
allein nicht groß genug, sondern auch nicht
schön und seltsam genug machen. Man
trinkt aus Affen und Pfaffen, Mönchen …«
Die wohl derbsten Ausformungen wa-
ren seit der Antike die Phallusgläser. Über sie
wetterte Pfarrer Johannes Mathesius 1562 in
W E LT K U N S T
Nº 1 39
Scherzgläser
VON
G L OR I A E H R E T
seiner Predigtsammlung: »Etliche geben
auch den glesern schendliche Gestalt, darü-
ber auch der fromme und erbare Heide Pli-
nius schon zu seiner Zeit sehnlich geklagt.«
Im sinnenfreudigen Barock soll der russische
Zar Peter der Große daraus getrunken haben.
Werfen wir in unseren Breiten einen
Blick zurück: An Rhein und Mosel wurde
schon zu Zeiten der Römer Wein angebaut.
Und in Trier, Worms oder Köln sind für das
erste nachchristliche Jahrhundert eigene
Glasproduktionen nachgewiesen. Dort ent-
standen Becher, Flaschen und Kannen in
Form von Hörnern, Trauben, Muscheln, Fi-
schen, Affen- oder besonders markanten
90
Menschenköpfen mit afrikanischen Zügen,
einer H
­ akennase oder Warzen. Dank der da-
mals ­erfundenen Glasmacherpfeife war die
zähflüssige Glasmasse nach Belieben dünn-
wandig formbar. Zu den technisch an-
spruchsvollsten Scherzgläsern gehören die
Rüsselbecher. In Fortführung spätrömischer
Tradition waren sie bei Glasmachern der Me-
rowinger um 500 besonders beliebt. In ihrem
unteren Wandungsbereich haben sie meist
zwei Reihen langer, hohler Nuppen, die wie
Egel am Gefäß sitzen. Hinreißende Beispiele
sind etwa im Museum Kolumba in Köln zu
bewundern. Das Tückische ist: Man kann
die Rüsselbecher nicht einfach leeren. Denn
Bilder links: Ruef, Landshut; rechts: Klaus Göken/Museum für Vor- und Frühgeschichte, SMB/bpk; Digital image courtesy of the Getty‘s Open Content Program; Unbekannter Künstler, Scherzglas, Museumslandschaft Hessen Kassel, Sammlung Angewandte Kunst
beim Trinken läuft Flüssigkeit in die hohlen
Rüssel, und beim Absetzen kehrt sie wieder
zurück. Gut gefüllt, wurden ungeübte Trin-
ker zur Belustigung der Anwesenden nass.
Wie verbreitet Rüssel- und ähnliche Becher
in jenen gar nicht so dunklen Zeiten vom
6. bis ins 8. Jahrhundert waren, b ­ elegen
Grabfunde von Dalmatien über das Rhein-
land und Belgien bis nach England oder
Skandinavien.
Mit der nächsten Welle fantasievoller
Scherzgefäße als Beleg der Trinkfreudigkeit
nördlich der Alpen kam im Spätmittelalter
der Kuttrolf oder Angster in Mode. Auch er
hatte schon ähnliche Vorläufer in der Antike.
So leiten sich die Namen vom lateinischen
gutta (Tropfen) beziehungsweise angustus
(eng) ab. Unser Pfarrer Mathesius beschreibt
sie anschaulich als »ein geschirr, das unten
weit und oben eng ist … die da kuttern, klu-
ckern oder wie ein Storch schnattern, wenn
man drauß trincket«. So ergeht es einem
auch beim »Goglo«, der aus einer Reihe über-
einander angeordneter, nach oben kleiner
werdender Hohlkugeln besteht.
Seit dem 16. Jahrhundert haben sich Un-
mengen an Scherzgläsern erhalten. Sie kön-
nen freihändig von Hand oder in der Form
geblasen sein. Zu den häufigsten, bis Mitte
des 19. Jahrhunderts beliebten Exemplaren
gehören die sogenannten Schnapshunde.
Neben weiterem Getier wie Vögeln und Fi-
schen waren Schiffe, Windmühlen, Stiefel,
Pistolen, Jagdhörner und Trompeten im
trinkfreudigen Einsatz. Zu den Musikinstru-
menten gehören auch der Dudelsack oder
geigenförmige Scherzgläser. Sie stammen
meist aus Glashütten mit einfachem hand-
werklichen Niveau, haben selten stilistische
Ausprägungen und sind deshalb schwer zu
lokalisieren und datieren. In fast allen Mu-
seen mit angewandter Kunst haben sie über-
dauert: ob in Basel, Coburg, Eisenach, Frank-
furt, Kassel, Köln, Hannover, Lüneburg oder
München. Sie können aus einfachem ent-
färbten Waldglas oder farbig sein, wobei
blaues Glas recht beliebt war. Oft sind sie zu-
sätzlich mit Glas­faden-Auflagen, gekniffe-
nen Füßen und/oder Schnauzen dekoriert.
Eine bedeutende Rolle kam Scherzglä-
sern innerhalb der Zünfte zu. Diese bedien-
ten sich für ihre feuchtfröhlichen rituellen
Trinkbräuche auch entsprechender Gefäße.
Bei den Schuhmachern waren gläserne Stie-
fel verbreitet. Die Basler Gärtnerzunft trank
vom 17. bis 19. Jahrhundert bevorzugt aus
dreizackigen Glasgabeln. Das war doppelt
schwierig, weil der Wein ungleichmäßig aus
91
Der Rüsselbecher im Berliner Museum für
Vor- und Frühgeschichte stammt aus dem
7. Jh. n. Chr., der feine Herr mit Degen im
Getty-Museum (li.) und das Schweinchen
im Hessischen Landesmuseum Kassel (u.)
aus dem 17. Jh. Linke Seite: Das bayerische
Schnapspferd erzielte bei Ruef 550 Euro
den Zinken lief und die Gabeln – als typische
Sturzbecher ohne Fuß zum Abstellen – in ei-
nem Zug zu leeren waren. Hinzu kommt,
dass viele Willkommgefäße mindestens ei-
nen Liter fassen und ohne absetzen ausge-
trunken werden mussten. Einerlei ob der
Willkommenstrunk auf fürstlichen Schlös-
sern, bei Zünften oder in geselligen Studen-
tenrunden gepflegt wurde – austrinken war
Pflicht! Damit nicht genug: Das Trinkbuch
von 1567 in Schloss Ambras vermerkt, dass
das Scheitern des Zunftbruders mit Nach-
schenken bestraft wurde. Man verschluckt
sich beinahe beim Lesen von Antje Scher-
ners heroischem Selbstversuch, den sie im
Beitrag »Scherzgefäße. Zur Wechselwirkung
von Gestaltung, Handhabung und Trink­
regeln in der frühen Neuzeit« in Thomas
Pöppers 2015 erschienenem Buch »Dinge im
Kontext« in Wort und Bild schildert: Man be-
achte die unbequeme Trinkhaltung mit weit
in den Nacken gelegtem Kopf, die es kaum
ermöglicht, in einem Atemzug zu trinken.
Dann doch lieber genussvoll schlückchen-
weise aus einem eleganten Glas.  ×
Gloria Ehret ist Herausgeberin der Weltkunst,
für die sie seit 1986 ar­beitet. Ihre erste Stilkunde
erschien im April 2008
 AG E N DA

AUKTIONEN

Bild links: Courtesy of Philips/VG Bild-Kunst, Bonn 2019; Bilder rechts: Sotheby’s/VG Bild-Kunst, Bonn, 2019; Christie’s Images Ltd. 2019
Business as usual
Wie reagiert der Markt in London auf die politische Krise und die schwache
­Währung? Die großen Auktionshäuser setzen auf begehrte Zeitgenossen

Die Aura einer privaten Sammlung liefert oft
einen Bonus und stärkt das Vertrauen künf-
tiger Käufer. So bietet Christie’s zum Auftakt
der Frieze Week am Abend des 1. Oktober
ausschließlich Werke aus einem bisher kaum
bekannten Nachlass an. Der kunstbegeister-
te Industrielle Jeremy Lancaster war von der
bahnbrechenden Londoner Ausstellung »A
New Spirit in Painting« 1981 inspiriert, neben
einigen internationalen Namen vor allem
britische Nachkriegskünstler zu erwerben.
Britische Kunst ist international be-
gehrt: Im Sommer, so verkündete Christie’s,
engagierten sich Käufer aus 16 Ländern und
vier Kontinenten für sie. Jetzt werden sieben
der farblich lukullischen, abstrahierten Er-
innerungsbilder des 2017 verstorbenen Ma-
lers Howard Hodgkin aus verschiedenen
Jahrzehnten angeboten, unter anderem seine
»Tea Party in America« von 1948 (Taxe 50 000
bis 70 000 Pfund) oder der auf Holz samt
Rahmen gemalte, strahlende »Bombay Sun-
set« von 1972/73 (500 000 bis 700 000 Pfund).
Stetig stieg die Preiskurve auch bei Frank­
Auerbach an, der mit zwei krustig gemalten
Köpfen seiner Muse Stella West vertreten ist
(300 000 bis 500 000 sowie 800 000 bis 1,2 Mio.
Pfund). Und rechtzeitig zur Schau von
Bridget Riley in der Hayward Gallery er-
scheint ihr großes gewelltes »Curve Pain-
ting« von 1979 (1,5 bis 3 Mio. Pfund). Zu Lan-
casters Favoriten zählte auch der Amerikaner
Philip Guston: Dessen Ölbild »Language I«
mit dem typischen Vokabular von Backstei-
nen, genagelten Stiefeln und Malpalette soll
mit 1,5 bis 2 Millionen Pfund zu der Gesamt-
erwartung von 15 bis 20 Millionen beitragen.
Unter den Losen der Abendauktion am
4. Oktober bietet Christie’s auch mehrere
Werke der italienischen Unicredit Bank an.
Dabei zählen Gerhard Richters farbschim-
merndes »Abstraktes Bild« von 1984 (6,5 bis
9,4 Mio. Pfund) und die fotorealistische An-
sicht einer Wiese aus dem Jahr davor (3,5 bis
5,5 Mio. Pfund) zu den Stars der Woche.
Aus Belgien stammt ein Konvolut von
internationaler Minimal und Conceptual
Art, die das Ehepaar Hilda und Roger
Matthys-­Colle in der zweiten Hälfte des
20. Jahrhunderts oft direkt von den Künst-
lern oder früh von deren Galerien erworben
hatte. Künftige Besitzer können Carl Andres­
»Copper-Steel Alloy Square« von 1969 vor-
sichtig beschreiten (1,2 bis 1,8 Mio. Pfund)
oder sich von Dan Flavins rosa, diagonaler
Neoninstallation von 1963 erleuchten lassen
(500 000 bis 700 000 Pfund).
Last, not least: Antony Gormley, der
zurzeit mit einer umfassenden Werküber-
sicht in der Royal Academy gefeiert wird,

92
Spiel mit der Oberfläche: Sotheby’s erwartet für Alberto ­
Burris »Rosso Plastica« von 1963 rund 1,5 Mio., Christie’s für
Bridget Rileys 1979 gemaltes »Curve Painting« (re.) 1,5 bis
3 Mio. Pfund. Li. Seite: Alex Katz’ »Blue Umbrella I« von 1972
ist bei Phillips auf mindestens 800 000 Pfund geschätzt

tritt mit zwei übergroßen, halb zusammen-
geschweißten Bleifiguren von 1987 auf
(500 000 bis 700 000 Pfund).
Falls der Übernahme-Deal gelingt,
wird Sotheby’s unter seinem neuen Besitzer,
dem französisch-israelischen Medienunter-
nehmer Patrick Drahi, voraussichtlich ab
Ende des Jahres wieder als private Firma ge-
führt. Im frisch aufgemöbelten Londoner
Hauptquartier wird man indessen, wie ge-
wohnt, die Frieze Week bespielen. Als Star
setzt man auf ein farbexplosives Großformat
von Basquiat. Der damals 24-Jährige umgab
seine aggressive Figur mit allerlei Chiffren
seiner Heimatstadt New York. 1996 erzielte
»Pyro« in London 200 000 Pfund. Die jetzige
Schätzung und eventuelle Garantie hielt
man zur Stunde noch geheim, doch ist der
steile Anstieg gewiss, steht sein Rekord jetzt
doch bei 75 Millionen Pfund.
Wie beim Konkurrenten setzt man
auch bei Sotheby’s in der New Bond Street
auf die eleganten italienischen Serienkünst-
ler der Nachkriegszeit. Alberto Burri, noch
bis 24. November prominent auf der Vene-
dig-Biennale zu erleben, ist mit »Rosso Plas-
tica« von 1963 präsent (Taxe 1,4 bis 1,8 Mio.
Pfund). Eines von Piero Manzonis Leitmoti-
ven, das kalkweiße »Achrome« von 1957, hofft
mit 4 bis 6 Mio. Pfund auf einen der vorde-
ren Plätze im Preisspektrum dieses Künstlers.
Phillips greift ein aktuell im Fokus ste-
hendes Marktsegment auf: schwarze Künst-
lerinnen. Hier präsentiert man unter ande-
rem die Amerikanerin Simone Leigh. Die in
New York lebende Bildhauerin machte 2018
als Gewinnerin des hoch dotierten Hugo-
Boss-Preises auf sich aufmerksam, sie lieferte
gerade eine sechs Meter hohe weibliche
Bronzebüste für die High Line in New York
und plant im April eine Ausstellung im New
Yorker Guggenheim-Museum. Diese Aktua-
lität reizt Phillips mit einer Skulptur aus ih-
rer »Duschhaubenserie« aus. Bisher kaum auf
Auktionen vertreten, zielt die Schätzung von
40 000 bis 60 000 Pfund auf einen Höchst-
preis für die Künstlerin ab.
Als Veteran von Frauenporträts ist der
92-jährige Amerikaner Alex Katz bekannt.
Seine Frau Ada, eines seiner Lieblingsmodel-
le, posierte 1972 effektvoll unter einem blau-
en Schirm. Mit einer Schätzung von mindes-
tens 800 000 Mio. Pfund könnte das Bild
ebenfalls einen neuen Auktionsrekord mar-
kieren. Eher morbide geht es bei Luc Tuy-
mans’ in Graulilatöne getauchten »Exorzis-
ten« von 2007 zu, mit denen die Taxe von
700 000 bis 900 000 Pfund beschworen wird.
Unter den Fotografien mag Andreas Gurskys
menschenwimmelndes Großformat von
»Klitschkos« Kampf im Jahr 1999 an Box-
sportfreunde appellieren. Die aus Amerika
eingelieferte Version einer Edition von sechs
könnte mit 600 000 bis 800 000 Pfund den
Rekord für dieses Thema erringen.
Bonhams offeriert am Nachmittag des
3. Oktober eine von Jean Dubuffet in franzö-
sischen Trikolore-Farben konzipierte, zusam-
mengestückelte »Cafetière« von 1965. Mit Vi-
nylfarbe auf Papier gemalt und auf Leinwand
aufgezogen, ist sie auf 550 000 bis 750 000
Pfund taxiert. Lucio Fontana, Dauergast bei
den einschlägigen Auktionen, tritt hier mit
einem sonnengelben, mit scharfem Messer
vierfach geschlitzten Bild auf. Das »Concetto
spaziale« aus der Serie »Attese« von 1960 wur-
de nicht wie die meisten anderen in Öl, son-
dern mit wasserbasierten Pigmenten gemalt.
Als Kammerstück mit einem Format von nur
22 mal 33,5 Zentimetern verlangt es denn
auch nur nach relativ bescheidenen 250 000
bis 350 000 Pfund.  HEIDI BÜRKLIN
Christie’s, 1. bis 5. Oktober
Sotheby’s, 3. bis 4. Oktober
Phillips, 3. bis 4. Oktober
Bonhams, 3. Oktober

93
 AUKTIONEN

E X P E RT E N TA L K

Wieso ist Albrecht Dürers Medaille so selten, Herr Künker?

Entwurf für die Medaille lieferte Albrecht Dürer, den Stem-

pel schnitt der Medailleur Hans Krafft. Der Reichstag fand
jedoch aufgrund der in Nürnberg ausbrechenden Pest nicht
am geplanten Ort, sondern in Worms statt. Da es k ­ eine Ver-
wendung für die Geschenkmedaillen mehr gab, wurden die
meisten davon eingeschmolzen.
Bekannt waren bis zur Veröffentlichung des Kataloges
der Firma Künker lediglich zwölf Exemplare, davon befin-
den sich nur drei in privater Hand. Das vorliegende Stück

Ein faszinierendes Kleinod deutscher Renaissancekunst ha-
ben wir in unserer Herbstauktion 327 am 9. Oktober in un-
serem Stammhaus in Osnabrück. Bereits bei der Kaiserkrö-
nung Karls V. im Jahre 1520 in Aachen wurde festgelegt, dass
der erste Reichstag 1521 in Nürnberg stattfinden sollte. In
freudiger Erwartung dieses Ereignisses veranlasste die Stadt
unter anderem die Neugestaltung der Wände des Rathaus-
saales durch Albrecht Dürer.
Der Kaiser bestellte darüber hinaus hundert silberne
Medaillen, die hochrangigen Teilnehmern des Reichstages
als Geschenk überreicht werden sollten. Den künstlerischen
Bilder: Künker (3); Neumeister; Dorotheum; Ahrenshooper Kunstauktionen GmbH; Auktionshaus Mehlis
hat einen Durchmesser von 71,57 Millimeter, besteht aus
201,72 Gramm Silber und wird unter der Losnummer 3904
aufgerufen. Die Medaille wurde aus dem Besitz einer altein-
gesessenen Nürnberger Familie eingeliefert und hat nach
unseren Recherchen Nürnberg nie verlassen.
Im Dezember 2009 wurde ein Exemplar für
280 000 britische Pfund versteigert. Dabei soll es
sich um die am besten erhaltene bekannte Sil-
bermedaille handeln. Die bei Künker moderat
an­gesetzte Schätzung von 7500 Euro lässt also
auf e­ inen spannenden Wettkampf unter den
Auktionsbietern hoffen. ×
Ulrich Künker ist Geschäftsführer bei Künker
Münzauktionen und Goldhandel in Osnabrück

H A M M E R P R E I SE

4500 € 29 000 € 7000 € 111 000 €

Die Auktion »Vintage Culture« ver-
einte bei Neumeister in München
Design vom Chanel-Kostüm bis
zum VW-Bus. Ein echter Hingu-
cker ist der Kleiderschrank mit
Printmotiven von Andy Warhol,
der 1997 in limitierter Auflage pro-
duziert wurde: Er vervielfachte
seine Schätzung von 600 Euro.
Rekordpreis für Gudrun Baudisch:
Ihre markante, 25 Zentimeter hohe
Plastik »Doppelkopf« kam im Wie-
ner Dorotheum zum Aufruf und
überrundete die untere Taxe von
25 000 Euro. Im Entstehungsjahr
1929 arbeitete Baudisch als Desig-
nerin in der Keramikabteilung der
Wiener Werkstätte.
Sehr lebendig verlief die sommer-
liche Ahrenshooper Kunstauktion.
Davon profitierte auch ein Bild der
Expressionistin Martel Schwich-
tenberg, die für ihre Plakate und
Verpackungen für Bahlsen-Kekse
bekannt war: Ihre »Zwei Figuri-
nen« (vor 1920) ließen die taxier-
ten 1400 Euro weit hinter sich.
Im August stellte der Plauener
Auktionator Jens Mehlis auf die-
ser Seite die außergewöhnliche,
auf 20 000 Euro geschätzte Majo-
likaplatte aus Urbino vor, die wohl
aus der Keramikwerkstatt von
Orazio Fontana (1510–1571)
stammt. Das Bietgefecht gewann
ein französischer Kunsthändler.

94
 S E I T 17 0 7

Süddeutsch (1. Viertel des 16. Jh.), Christus verabschiedet sich von seiner Mutter, € 150.000 – 200.000, Auktion 22. Oktober

Auktionswoche 22. – 24. Oktober

Alte Meister, Gemälde des 19. Jhs., Antiquitäten, Juwelen
Düsseldorf, +49-211-210 77-47, München, +49-89-244 434 73-0
www.dorotheum.com

GEMÄLDE DES
19. JAHRHUNDERTS
Dorotheum, Wien, 23. Oktober
Am Ende des 19. Jahrhunderts
baute er mächtige kulturelle
Brücken zwischen Orient und
Okzident: Der 1842 in Istanbul
geborene Osman Hamdi Bey
war Diplomat, Archäologe und
Künstler. Während seines Jura-
studiums in Paris entdeckte er
nebenbei sein Talent für die
Malerei. Sein Œuvre, das sich
mit der Kultur und den Men-
schen seiner Heimat beschäf-
tigt, verschaffte ihm Einfluss in
der türkischen Kunstszene und
fand auch andernorts Beach-
tung. Das Dorotheum bietet
nun eines der selten am Markt
aufscheinenden Werke an. Die
»Dame turque« ist eine unge-
 des beschrieben: Die Hand
1 Jean-Léon Gérôme und Anonym,
»Le bain maure«, Dorotheum, Taxe
120 000 bis 180 000 Euro
2 Kommode, spätes 18. Jahrhundert,
Uppsala Auktionskammare, Taxe
6000 bis 8000 Schwedische Kronen
3 Hans Leinberger, »Heiliger
Bischof«, Landshut, um 1515, Nagel,
Taxe 25 000 Euro
AUKTIONEN
1
mein feine und detailreiche
Arbeit des Künstlers. Der
Schätzwert wurde zwischen 1,5
und 1,8 Millionen Euro festge-
legt. Eine dezente Taxierung für
die international begehrten
Arbeiten Hamdi Beys – wenn
man in Betracht zieht, dass vor
einigen Jahren Werke aus dieser
Periode bis zu 4 Millionen Euro
erzielen konnten.
Auch die Bilder des bekann-
ten französischen Orientalisten
Jean-Léon Gérôme übten einen
Einfluss auf Hamdi Bey aus. Im
Dorotheum sind die stilisti-
schen Unterschiede zu studie-
ren. Denn »Le bain maure« –
ein kühner Blick in einen
Arkadenhof mit dem Akt einer
jungen Frau – wird einer Aussa-
ge von Emily M. Weeks folgend
im Katalog als erste Vorstudie
eines später berühmten Gemäl-
Gérômes zeige sich deutlich »in
der Unterzeichnung und Unter-
malung und in gelegentlich aus-
gearbeiteten Bereichen«, wohin-
gegen eine unbekannter
Zeitgenosse des Künstlers die
Vervollständigung übernom-
men habe (Taxe 120 000 bis
180 000 Euro).  CRISTOF HABRES
96
DEKORATIVES
Uppsala Auktionskammare,
Uppsala, 8. Oktober
Deutsche Auktionsbieter, die
traditionell oft auch in die
angelsächsischen Säle blicken,
übersehen meist noch Näherlie-
gendes, nämlich Schweden: Die
Uppsala Auktionskammare,
gegründet 1731, ist eines der
ältesten Auktionshäuser welt-
weit mit einer enormen Ange-
botsbreite, die Kunst aus nahe-
zu allen Perioden, modernes
Design, aber auch asiatische
Objekte bis hin zu Juwelen und
Teppichen umfasst.
Überraschend ist beim kom-
menden »Decorative Sale« das
kleine Ölbild »Les chats dans la
bibliothèque« des französischen
Modernisten André Duranton –
ein gemalter Setzkasten, der
von zwei Katzen und einem
Krug beseelt wird. Buchrücken
akzentuieren die Komposition
und zeigen, dass sein maleri-
sches Konzept ganz so naiv doch
nicht ist (Taxe 4000 Kronen).
Typisch schwedisch sind Möbel
aus der gustavianischen Zeit,
also dem späten 18. Jahrhundert.
Hier kommt eine messingverzier-
te Mahagoni-Kommode, deren
Holzdeckplatte kunstvoll mit
gemaltem Marmor dekoriert ist,
zum Aufruf. Geschätzt ist das
Möbel mit seinen wohnlichen
Abmessungen auf 6000 bis 8000
Kronen.  FRANK G. KURZHALS
3
KUNST UND ANTIQUITÄTEN
Nagel, Stuttgart, 16. Oktober
Der als Kirchenvater verehrte
heilige Hieronymus hat Alt-
meister wie Dürer, Cranach
Bilder: Dorotheum, Wien; Nagel, Stuttgart; Uppsala Auktionskammare
oder Caravaggio malerisch
beschäftigt. Nun versteigert
Nagel in seiner Herbstauktion
von Gemälden, Möbeln, Skulp-
turen und Schmuck gleich zwei
Darstellungen des Heiligen.
Joos van Cleve (1485–1542) zeigt
– wie Dürers Bild von 1521 –
einen melancholischen Hiero-
nymus mit seinem Schreibtisch
und einem Schädel. Auf 15 000
Euro taxiert Nagel das Werk.
Das zweite Ölgemälde des
Hieronymus deutet auf einen
deutschen Urheber Ende des
16. Jahrhunderts hin, der Maler
ist aber nicht bekannt. Auf-
grund eines Lacksiegels auf der
Rückseite handelt es sich mögli-
cherweise um Johann Baptist
Edler von Gariboldi (gest. 1684).
2
 Herbst-Auktionen 2019
vom 7. bis 11. Oktober in Osnabrück

RÖMISCHE KAISERZEIT
Pertinax, 193. Aureus, Rom. Sehr selten. Vorzüglich.

KIRCHENSTAAT/VATIKAN
Pius VI., 1775 - 1799. 10 Zecchini AN XII/1787, Bologna. Sehr selten.
Winz. Randfehler, vorzüglich.

PREUSSEN
Orden pour le mérite mit Eichenlaub, das Ordenskreuz zwischen
ca. 1787 und ca. 1812, Anfertigung wohl von Baudesson, Gold und Emaille,
Goldfolie und Emaillemalerei, in der Öse alt restauriert, das Eichenlaub
deutlich spätere Anfertigung, Gold.

DEUTSCH-NEU-GUINEA
10 Neu-Guinea Mark 1895 A. Sehr selten, nur 2.000 Exemplare geprägt.
Attraktives Exemplar, vorzüglich +. Mit Bewertung NGC MS 65+.

Herbst-Auktionen 2019
Münzen der antiken Welt, u. a. aus den
Sammlungen Dr. W. R. und Phoibos GUATEMALA
Charles III., 1759 - 1788. 8 Escudos 1785 NG-M, Guatemala. Von großer
Münzen und Medaillen aus Mittelalter und Neuzeit, Seltenheit. Attraktives Exemplar, sehr schön - vorzüglich.
u. a. aus den Sammlungen Friedrich Popken,
Dr. Rolf Löns, Eberhard Link und Skyler Liechty
Goldprägungen • Deutsche Münzen ab 1871
Bedeutende Orden und Ehrenzeichen aus aller Welt,
u. a. aus der Sammlung Peter Groch
und dem Nachlass August von Mackensen

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Fritz Rudolf Künker GmbH & Co. KG · Nobbenburger Straße 4a · 49076 Osnabrück · Germany

Das Bild wird zum Schätzpreis
von 6500 Euro angeboten.
Unter den Skulpturen befin-
den sich zwölf Werke, die aus
der Münchner Sammlung von
Dr. Hubert Wilm stammen.
Auch ein heiliger Bischof von
Hans Leinberger (um 1470/
1480 – ca. 1531) in Lindenholz
befand sich darunter. Die um
1515 geschaffene, stehende Skulp-
tur ist auf 25 000 Euro geschätzt.
Ein Steinkalender von 1580 und
eine Renaissance-Reise-Klapp-
sonnenuhr von 1596 (Taxe jeweils
6000 Euro) stellen handwerkli-
che Raritäten dar.  SUSANNE LUX
MODERNE UND ZEITGENOSSEN
Dr. Lehr, Berlin, 26. Oktober
Max Beckmann liebte das Meer.
»Es war für ihn ein Symbol der
Ewigkeit«, erinnert sich seine
zweite Frau Mathilde Q. Beck-
mann in ihren Memoiren.
Betrachtet man sein Werk
»Brandung, Kleine Marine« von
1925/1926, hat man den Ein-
druck, dass der Maler die raue
See der ruhigen vorzog: Es zeigt
eine Küstenlandschaft mit
tosenden Wellen, die an spitzen
Felsen brechen. Im Hinter-
grund dampfen zwei Schiffe
AUKTIONEN
vorbei. Das in Grau-, Braun-
und Blautönen gehaltene Werk
versteigert das Auktionshaus
Dr. Lehr im Herbst zur Taxe
von 450 000 Euro, womit es die
Offerte der Auktion anführt.
Werke Beckmanns werden
generell zu Höchstpreisen bis
zu 32 Millionen Pfund veräu-
ßert. Erst im Mai erzielte eine
etwas größere »Mondnacht am
Meer« bei Christie’s in New
York 600 000 Dollar.
Unter den Skulpturen der
Moderne berührt besonders
eine 76 Zentimeter hohe Bron-
ze von Georg Kolbe: »Auferste-
hung« (1919/1920) ist auf 90 000
Euro geschätzt. Die schmale
Frauenfigur hält ihre Hände vor
der Brust verschränkt und wirkt
aufrecht, doch ihre Beine sind
leicht angewinkelt.
Im Bereich der Nachkriegs-
kunst bietet Dr. Lehr das Werk
»Wasser gegen Feuer« des Malers
A. R. Penck. Er schuf es 1969,
nun wird es für 60 000 Euro auf-
gerufen. Die Malereien Pencks
bringen durchaus auch mehr
ein, wie im Juni im Dorotheum
in Wien, als ein Werk des
Künstlers – ebenso wie hier
geprägt durch kräftiges Rot und
Blau – für 85 000 Euro den Besit-
zer wechselte.  SUSANNE LUX
1 die einmalige Gelegenheit, die
98
2
BÜCHER UND AUTOGRAFEN
Bassenge, Berlin, 15. bis 17. Oktober
Mit großer Bestürzung erkann-
te Giovanni Battista Piranesi
um 1750 den zunehmenden Ver-
fall der antiken Bauten Roms.
Die Antwort des Zeichners auf
diesen schleichenden Prozess
war ein wirkliches Monumen-
talwerk, das in prachtvollen Bil-
dern die Spuren der Antike
bewahrt: Die »Antichità Roma-
ne« erschienen 1756 mit 270
Kupfertafeln und bilden das
Spitzenlos bei Bassenge. Wahr-
scheinlich handelt es sich hier-
bei um das Präsentationsexem-
plar der Accademia di San Luca
in Rom, wo Piranesi das Werk
für potenzielle Subskribenten
ausstellen ließ. Für das seltene
und außergewöhnliche Exem-
plar werden 45 000 Euro erwar-
tet, doch ist zu vermuten, dass
die Gebote weit über diesen
Betrag hinausgehen werden.
Für Sammler von Stunden-
büchern hingegen bietet sich
1509 erschienenen »Heures à
l’usage de Paris« zu erwerben
(Taxe 12 000 Euro). Dieses spät-
mittelalterliche, auf Pergament
gedruckte Stundenbuch enthält
14 ganzseitige Miniatur-Holz-
schnitte und zwölf viertelseitige
Holzschnitte, alle reich illumi-
niert in deckenden Farben und
mit Gold, teils auch mit Silber.
Besonders prächtig ist die Dop-
pelseite mit »David und Uria«
und »David und Bathseba«.
Eine echte Trouvaille stellen
außerdem die neun Handschrif-
ten-Fragmente eines spätmittel-
alterlichen Epos dar, das bis dato
unbekannt und unpubliziert
war und auf 12 000 Euro ge­
schätzt wird.  MARTIN MIERSCH
MÜNZEN UND MEDAILLEN
Gorny & Mosch, München,
14. bis 16. Oktober
Im Mittelpunkt der Auktion 265
(Münzen der Antike) stehen
rund 500 Stadtprägungen aus
den östlichen Provinzen Roms,
überwiegend Bronzen. Bei
römischen Provinzialbronzen
sind einwandfrei erhaltene Stü-
cke selten. Doch in der süddeut-
schen Privatsammlung, die hier
und in weiteren Auktionen auf-
gelöst wird, finden sich viele sti-
listisch überdurchschnittliche
und zumeist gut erhaltene
Exemplare. Unter den Haupt-
Bilder: Bassenge, Berlin; Gorny & Mosch, München; Dr. Lehr/VG Bild-Kunst, Bonn 2019
stadtprägungen der Kaiserzeit
sticht ein Aureus des Septimius
3
Severus heraus, dessen Revers
das Bild der Kaiserin Julia zeigt
(Taxe 30 000 Euro). Spitzenstück
unter den Griechenmünzen ist
eine prachtvolle Tetradrachme
aus Samos (Revers Titelbild des
Katalogs, Taxe 15 000 Euro).
Prunkstücke der Auktion
266 (»Ausgesuchte Münzen und
Medaillen von Mittelalter bis
Neuzeit«) sind elf silberne Löser
der Braunschweigischen Her-
zogtümer, darunter das höchst
taxierte Stück, ein Löser zu fünf
Talern aus dem Herzogtum
Braunschweig-Wolfenbüttel von
1614 mit dem Bild des Herzogs
Friedrich Ulrich zu Pferde
(40 000 Euro).  HARTMUT KREUZER

1 A. R. Penck, »Wasser gegen Feuer«,
1969, Dr. Lehr, Taxe 60 000 Euro
2 »Heures à l’usage de Paris«, 1509,
Bassenge, Taxe 12 000 Euro
3 Tetradrachme, Samos, ca. 400
bis 366 v. Chr., Gorny & Mosch,
Taxe 15 000 Euro
 Albrecht Dürer, Adam & Eve, etching, 1504. Estimate $80,000 to $120,000. At Auction October 29.

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KUNST UND ANTIQUITÄTEN
Geble, Radolfzell am Bodensee,
12. Oktober
Der Maler Cheong Soo Pieng
war ein führender Vertreter des
von chinesischen Emigranten in
Singapur geprägten Nanyang-
Stils und treibende Kraft der
Moderne in Südostasien. In die-
sem Herbst kommt bei Geble
eines seiner Gemälde zum Auf-
ruf, es ist bereits das siebte, das
das Auktionshaus am Bodensee
anbieten kann. Das Werk »Man-
goverkäuferin« von 1979 stammt
wie die anderen in den vergan-
genen zwei Jahren versteigerten
Arbeiten aus einer süddeut-
 auch ein seltener Kinderstutzen
1 Cheong Soo Pieng, »Mango­
verkäuferin«, 1979, Geble, Limit
�0 000 Euro
2 Lounge-Chair mit Fußhocker,
entworfen 1959 von Charles und Ray
Eames, Karrenbauer, Limit 800 Euro
3 Theodor Sellner, »Friedenswäch­
ter«, Höhe 71 cm, Dr. Fischer, Taxe
400 bis 700 Euro
AUKTIONEN
1 Daneben kann Karrenbauer
schen Privatsammlung und hat
ein Limit von 40 000 Euro.
Typisch für den Nanyang-Stil
nimmt es sowohl Einflüsse tra-
ditioneller chinesischer Malerei
als auch der westlichen Moder-
ne, etwa des Postimpressionis-
mus, auf.
Zu den weiteren Höhepunk-
ten am 12. Oktober gehört eine
hochwertige Waffensammlung.
Die Pistolen stammen aus der
Zeit zwischen 1600 und 1850
und sind selten auf dem Markt
zu finden. Hervorzuheben ist
eine H.-W.-Mortimer-Repetier-
Pistole aus London um 1790
(Limit 6000 Euro) sowie ein
Radschloss-Puffer aus Nürnberg
um 1600 (Limit 6000 Euro) wie
aus der Zeit um 1640 zum Aus-
ruf von 2500 Euro.
Bei der Grafik begeistert die
Mappe »Passage de l’Égyptien-
ne« von André Pieyre de Man-
diargues mit 13 Farbradierungen
(je 60,5 x 42 cm, teilweise hand-
signiert, Limit 10 000 Euro) von
Joan Miró.  SIMONE SONDERMANN
100
DESIGN, KUNST UND
KORKENZIEHER
Karrenbauer, Konstanz,
12. Oktober
Neben Schmuck und Porzellan
ist das Angebot an Möbelstü-
cken besonders umfassend –
mit der ganzen Bandbreite vom
Barock über den Biedermeier
bis in die Gegenwart. Bodensee-
schränke zählen ebenso dazu
wie moderne Sitzgruppen von
De Sede, Tische von Knoll oder
zwei bequeme Lounge-Chairs
mit Ottomanen, entworfen von
Charles und Ray Eames, die
schon für 800 Euro zu haben
sein könnten.
Im Bereich der Kunst locken
Namen der Moderne wie Ida
Kerkovius, Friedensreich Hun-
dertwasser, Lothar Schreyer
und André Lanskoy und eine
ganze Serie mit Berliner Ansich-
ten aus der Zeit um 1913 von
Louis Hoehn.
den ersten Teil einer ganz
besonderen Spezialsammlung
anbieten, die insgesamt mehr
als 1000 Korkenzieher aus ver-
schiedenen Perioden umfasst.
1795 ließ sich der Pfarrer Samuel
Henshall aus Oxford den ersten
Korkenzieher patentieren, seit-
dem gab es viele Design- und
Materialexperimente, künstleri-
sche Interpretationen und tech-
nische Verbesserungen – auch
das Bauhaus widmete sich dem
Thema. Eine solche Fülle wie
jetzt am Bodensee kommt nur
sehr selten auf den Markt!
 LISA ZEITZ
2
3
GLÄSER UND GLASKUNST
Dr. Fischer, Heilbronn, 19. Oktober
Mit deutlichem Stolz kündigt
das Auktionshaus Dr. Fischer
Bilder: Geble, Radolfzell; Dr. Fischer, Heilbronn; Karrenbauer, Konstanz
die ganz frische Akquise einer
norddeutschen Privatsammlung
für die kommende Auktion an.
Unter den 30 offerierten hoch-
wertigen Gläsern finden sich
ein Fadenglaspokal aus dem
Venedig des 17. Jahrhunderts,
mehrere sächsische Hofkellerei­
gläser (Ende 17. Jh.), ein 1714 im
Fichtelgebirge entstandener
Ochsenkopfhumpen oder auch
ein Zechliner Deckelpokal mit
einem geschnittenen, vergolde-
ten Bildnis Friedrichs des Gro-
ßen (um 1740).
Bei den Heilbronner Spezia-
listen für europäisches Glas und
Studioglas springen zudem drei
besondere Objekte des Wiener
Glaskünstlers Anton Kothgasser
(1769–1851) ins Auge. Kothgasser
arbeitete zuerst als Porzellan-
maler und übertrug sein Wissen
aufs Glas. Die drei nun angebo-
tenen Gläser zeigen jeweils ein
in Goldmalerei gerahmtes Feld
mit feiner polychromer Trans-
parentemail-Malerei. Passend
zu seinem Geburtsort porträ-
tierte er auf einem der Gläser
 Kunst, Antiquitäten & Schmuck
16. – 18. Oktober 2019 | Besichtigung: 11. – 14. Oktober 2019

Umfangreiches Skulpturenangebot mit bedeutenden Stücken aus den

Sammlungen Dr. Hubert Wilm, München und Georg Hartmann, Frankfurt
u.a.: Heiliger Apostel, Norddeutsch, Niedersachsen, Ende 13. Jh., H. 30/32,5 cm | Johann Wolfgang Frölicher (attr.),
2 geflügelte Leuchter-Engel, Ende 17. Jh., H. 67 cm | Heilige Katharina, Rheinisch, 14. Jh., H. 53 cm | Ignaz Günther (und
Werkstatt), Geflügelter Putto, H. ca. 85 cm | Großes Altarrelief mit Madonnenfigur, Mittelrhein, letztes Viertel 17. Jh.,
190 x 100 cm | Hans Leinberger, Heiliger Bischof, Landshut, um 1515, H. 94 cm | Konstantin Pader (Umkreis), Oberbayern,
1. H.17. Jh., H. 111 cm | Niklaus Weckmann, Heilige Barbara, Ulm, um 1520, H. 62 cm | Hans Leinberger (Umkreis), Madonna
mit Kind, Niederbayern, um 1520, H. 112 cm

Onlinekatalog | www.auction.de

Nagel Auktionen | Neckarstr. 189 – 191 | 70190 Stuttgart | Tel: + 49 (0) 711 - 64 969 - 0 | contact@auction.de

den Wiener Stephansdom. Die
Taxen liegen zwischen 2000
und 3000 Euro.
Aus der niederbayerischen
Glashochburg Zwiesel kommt
hingegen die Sammlung des
1947 geborenen Künstlers
Theodor Sellner zum Aufruf.
Die etwa 30 Objekte zeigen, wie
komplex Glas bemalt werden
kann und wie viele unterschied-
liche Materialien zusätzlich ein-
gesetzt werden können. Von
malerischen Vasen über Pâte-de-
verre-Objekte reicht die Spann-
breite. Zudem werden aus der
Sammlung Sellner neun skulp-
turale, auf den Namen »Frie-
denswächter« getaufte, stelenar-
tige Figuren offeriert (Taxen
zwischen 400 und 700 Euro).
Sie sind zwischen 70 und 170
Zentimeter hoch, wurden aus
dem Schmelzofen heraus frei
geformt und anschließend in
Überfangtechnik weiterbearbei-
tet.  FRANK G. KURZHALS
1 Gemälde »Herakles im Kampf
KUNST UND ANTIQUITÄTEN
Wendl, Rudolstadt,
24. bis 26. Oktober
Als 1918 die gekrönten Häupter
Deutschlands in der November-
revolution abdanken mussten,
brauchten sie keine menschli-
chen und tierischen Schlosswa-
chen mehr. Vielleicht ist auch
das ein Grund, weshalb Carl
Eduard von Sachsen-Coburg
und Gotha im Jahr 1920 seinen
wild dreinblickenden Terrakot-
ta-Palastlöwen an einen Indus-
triellen aus Gotha verkaufte. In
gewisser Weise kann man nun
AUKTIONEN
ein Stück Geschichte zum Limit
von 2400 Euro ersteigern.
Von ebenfalls wohlklingen-
der Provenienz sind aus dem
Nachlass des Wirtschaftswissen-
schaftlers Klaus von Wysocki die
zwei Porzellanskulpturen »Prinz
und Prinzessin« und »Flöten-
spieler«, beide um 1930 von ­
Gerhard Schliepstein für Rosen-
thal geschaffen (Limit 1500 und
800 Euro). Der größte Promi der
Auktion ist jedoch Ex-US-Präsi-
dent Barack Obama, verewigt in
einem Fotomosaik des Künstlers
Robert Sievers, das in der Sparte
»Wendlmoderne« zum Limit
von 2600 Euro aufgerufen wird.
 TIM ACKERMANN
KUNST UND ANTIQUITÄTEN
Franke, Nürnberg,
17. bis 19. Oktober
Ein Jubiläum: Seit zehn Jahren
gibt es das Auktionshaus Franke
in Nürnberg, das viermal im
Jahr mittlerweile rund 4000
Lose anbietet. Was könnten ­
diese vielen Objekte alles für
Geschichten erzählen?
Zu den Topzuschlägen der
vergangenen Jahre zählen ein
Kabinettschränkchen für 30 000
Euro und eine Skulptur von
Ewald Mataré für 12 000 Euro.
Aus dem Angebot der Okto-
berauktionen ragt mit einer
Schätzung von 6000 Euro das
mit dem Kentaur Nessos« des
niederländischen Malers
Willem Schaeken (1754–1830)
heraus. Die barocke Holzskulp-
tur der heiligen Theresa von
Avila ist mit einem Limit von
900 Euro auch deshalb so güns-
tig angesetzt, weil Hände und

1 Terrakotta-Palastlöwe, Höhe
72 cm, Wendl, Limit 2400 Euro
2 Barocke Schnitzfigur der heiligen
Theresa von Avila, 18. Jh., Franke,
Limit 900 Euro
3 Pierre Soulages, »Eau-forte
No. XXV«, 1974, Plückbaum, Limit
3500 Euro
102
2 ist von Pierre Soulages, dem
Beine fehlen – jedoch zeichnet
sich der geschnitzte Körper
unter dem Faltenwurf plastisch
ab, und das ausdrucksstarke
Gesicht lässt die fehlenden
Gliedmaßen vergessen.
Außerdem kommt eine gan-
ze Reihe von bezaubernden
papiernen Antiquitäten zum
Aufruf. Historische Faltkarten,
collagiert, gestanzt, geprägt und
mit Goldfolie verziert, soge-
nannte Wiener Kunstbillets,
und ein Stammbuch, das
»Denksprüche auf Neujahrs-
und Namenstage, Geburts-,
Familien- und Gesellschaftsfeste
und für verschiedene Lebens-
verhältnisse« enthält.
Daneben warten Möbel,
Schmuck, Glas und Porzellan
aus verschiedenen Epochen auf
neue Besitzer. Aus den Schwarz-
burger Werkstätten für Porzel-
lankunst stammt ein Leopar-
denpaar, das nach einem
Entwurf der Tierbildhauerin
Etha Richter (1883–1977) ent-
standen ist.  LISA ZEITZ
POSTWAR UND GEMÄLDE
Plückbaum, Bonn, 4./5. Oktober
Er ist eine der letzten lebenden
Legenden der abstrakten Kunst
der Nachkriegszeit und gilt als
europäischer, formal gebändig-
ter Antipode zum abstrakten
Expressionismus auf der ande-
ren Seite des Atlantiks. Die Rede
Meister der Dunkelheit und der
Nichtfarbe Schwarz. Im Dezem-
ber wird er 100 Jahre alt und
mit einer Ausstellung im Salon
Carré des Louvre geehrt. Wer
den Künstler an den eigenen
vier Wänden sehen will, kann
Bilder: Franke, Nürnberg; Wendl, Rudolstadt; Plückbaum, Bonn/VG Bild-Kunst, Bonn 2019
bei Plückbaum fündig werden.
Zwei seiner durch den Einsatz
von Säure ausgefranst wirken-
den Radierungen, »Eau-forte
No. XXV« von 1974 und »Eau-
forte No. XVII« von 1961, beide
signiert und nummeriert, wer-
den mit einem Limit von
jeweils 3500 Euro aufgerufen.
Wem das zu ernst ist, der
dürfte gut aufgehoben sein bei
Carl Wilhelm Götzloffs »Blick
auf den Golf von Neapel«, wo
der Betrachter in der heitersten
Natur und in der Gegenwart
von tanzendem Volk die Seele
baumeln lässt. Das Gemälde in
einem Prunkrahmen ist laut
Auktionshaus ein bisher unbe-
kanntes Werk des Dresdner
Landschaftsmalers und soll ins
Werkverzeichnis aufgenommen
werden. Das Limit für dieses
schöne Exempel deutscher Ita-
liensehnsucht beläuft sich auf
14 000 Euro.  FRANK MAIER-SOLGK
3
 Kunst, Antiquitäten & Schmuck
16. – 18. Oktober 2019 | Besichtigung: 11. – 14. Oktober 2019

Hauptbild: Jacob de Backer (Werkstatt), (um 1540/45 - vor 1600), Allegorie mit Juno und Saturn, Öl/Holz, 67 x 49 cm
Vlnr: Abraham Bosschaert (1612-1643), Öl/Holz, 48 x 36 cm | Feine klassizistische Glasschalen-Krone, Entwurf nach
Karl-Friedrich Schinkel, 1834, Berliner Hersteller, um 1840, H. 90/D. 73 cm | Bedeutende Renaissance-Reise-Klappsonnenuhr,
Paulus Reinmann, datiert 1596, 9,8 x 8 cm | Tschelaberd Kasak, Südkaukasus, um 1880, 198 x 128 cm

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SCHMUCK
Henry’s, Mutterstadt, 24. Oktober
Liebhaber von antikem und
sammelwürdigem Schmuck
können am 24. Oktober bei
Henry’s diverse Kostbarkeiten
erwerben. An der preislichen
Spitze steht mit einer Taxe von
14 000 Euro (Limit 4000 Euro)
ein luxuriöses, um 1930 gefertig-
tes Art-déco-Armband (WG
750/000) mit 26 Altschliffdia-
manten, die zusammen mit
dem Mittelstein (ca. 0.50 ct) und
den Diamantrosen über fünf
Karat auf die Waage bringen.
Aufwendig sind hier vor allem
die seitlichen Gravuren.
Zwei silberne, diamantenbe-
setzte Broschen, um 1850/1860
beziehungsweise um 1870/1880
gefertigt, belegen die bürgerli-
che Vorliebe für Opulenz im
19. Jahrhundert (Limit 2200 und
1400 Euro). Außerdem im Ange-
bot: ein 55 Gramm schweres
Goldarmband (GG 585/000) mit
Granulaten aus dem Kriegsjahr
1939/1940. Das Werkstück mit
der Meistermarke Karl Max
Zeitz ist auf 1380 Euro limitiert.
 FRANK MAIER-SOLGK
1

1 Art-déco-Armband mit 26
Altschliffdiamanten, um 1930,
Henry’s, Taxe 14 000 Euro
2 Hans Thoma, »Schwarzwaldtal
bei Bernau«, 1918, Winterberg,
Taxe 22 000 Euro
3 Matthäus Merian, »Topographien«,
18 Foliobände, Reiss & Sohn,
Taxe 50 000 Euro, Detail: Kupfer-
stich-Ansicht von Paris
4 Empire-Kaminuhr, feuervergoldet,
Frankreich, Ende 18. Jahrhundert,
Rehm, Taxe 1100 Euro
AUKTIONEN
2 das 511 Pflanzenholzschnitte
15. BIS 21. JAHRHUNDERT
Winterberg, Heidelberg,
26. Oktober
Seit der Einzelausstellung 2013
im Frankfurter Städel-Museum
erlebt Hans Thoma eine nicht
unerhebliche Preissteigerung.
Nun bietet sich die Gelegenheit,
ein herausragendes Werk des
einstmals gefeierten Malerstars
zu erwerben, das die Umge-
bung seines Geburtsorts Bernau
im Schwarzwald zeigt. Das
Gemälde von 1918 ist nahezu
identisch mit einem Bild aus
dem Jahr 1911, das sich heute im
Bernauer Hans-Thoma-Kunst-
museum befindet – und den-
noch keine bloße Reprise des
Sujets. Die ursprünglich heitere
Landschaft wird hier nun in
weichen Braun- und Grüntönen
dargestellt, die wie in diffuses
Licht getaucht wirken. Hoch
aufragende Bäume lenken den
Blick in die Vertikale. Der hell
fließende Bach im Zentrum
verstärkt die symbolhafte
Atmosphäre der Landschaft
und vermittelt den Eindruck
von Zeitlosigkeit (Schätzpreis
22 000 Euro).
Daneben glänzt bei Winter-
berg Ernst Ludwig Kirchner mit
der Bleistiftzeichnung einer
»Tänzerin auf dem Sofa«. Die
Weberin Lise Gujer in deren
Nachlass sich das Blatt befand
und die Kirchner in den frühen
Zwanzigerjahren in Davos ken-
nenlernte, setzte einige Wand-
teppichentwürfe des Künstlers
um und war zudem bis zu sei-
nem Lebensende eng mit ihm
befreundet. Die souverän kom-
ponierte und furios gezeichnete
Skizze soll jetzt 3500 Euro ein-
spielen.  MARTIN MIERSCH
104
BÜCHER UND KARTEN
Reiss & Sohn, Königstein im
Taunus, 29. bis 31. Oktober
Besondere Beachtung verdient
das 1542 in Basel gedruckte
Holzschnittbuch »De historia
stirpium« von Leonhart Fuchs,
enthält. Diese Editio princeps
des berühmtesten Kräuterbuchs
der Renaissance ist besonders
wegen seiner typografischen
Ausgestaltung einzigartig. Das
angebotene Exemplar, das eines
der wenigen vollständig erhalte-
nen in zeitgenössischem Kolorit
ist, soll 80 000 Euro einspielen.
Hohes Bieterinteresse dürf-
ten zudem Matthäus Merians
»Topographien« auslösen. Das
monumentale Werk umfasst
18 Foliobände und erschien von
1642 bis 1736 in Frankfurt am
Main. Begehrt sind vor allem
die darin befindlichen doppel-
blattgroßen Kupfertafeln mit
europäischen Stadtansichten,
zum Teil auch in Vogelperspek-
tive. Sie liegen hier in frühen,
kontrastreichen Abzügen vor.
Für diese umfangreichste deut-
sche Topografie der Barockzeit,
Merians Lebenswerk, werden
50 000 Euro erwartet.
Abraham Ortelius ist dage-
gen mit seinem »Theatrum
Orbis Terrarum« vertreten. Der
Atlas, erschienen 1592 in Ant-
werpen, markiert unbestreitbar
einen der Höhepunkte der Geo-
grafiegeschichte. Er war schon
zu seiner Zeit sehr begehrt. Vie-
le der in ihm enthaltenen Kar-
ten basieren auf Quellen, die
entweder nicht mehr existieren
oder die sehr selten sind (Taxe
30 000 Euro).  MARTIN MIERSCH
4
KUNST UND ANTIQUITÄTEN
Rehm, Augsburg, 10./11. Oktober
Im breiten Netz hieven Willy
Moralts Chiemseefischer ihr
Tagwerk an Land – und dass
Rehm nun eine Variante des
Bilder: Winterberg, Heidelberg; Rehm, Augsburg; Henry’s, Mutterstadt; Reiss & Sohn, Königstein im Taunus
beliebten Motivs anbietet, wirkt
fast symbolisch, angesichts der
Tatsache, dass bei gut 2000
Objekten in der Auktion auch
der eine oder andere Sammler
einen Fang machen dürfte. Die
Fischeridylle des 1884 in Mün-
chen geborenen Genre- und
Landschaftsmalers ist auf jeden
Fall mit einem Limit von 2500
Euro versehen.
Freunde opulenter Wohn-
raumgestaltung werden sich bei
Rehm vielleicht eher auf eine
prachtvolle feuervergoldete
Empire-Kaminuhr konzentrie-
ren, die gegen Ende des 18. Jahr-
hunderts in Frankreich gefer-
tigt wurde und nun mit einer
Taxe von 1100 Euro ins Bieter-
rennen startet. Ein wahres
Schmuckstück ist aber auch der
aus Nussbaum gefertigte Prunk-
schrank aus einer Augsburger
Werkstatt des 17. Jahrhunderts,
der aus dem Nachlass einer
bedeutenden Münchner Kunst-
händlerin eingeliefert wurde
und noch Originalschlösser
(sowie spätere Beschläge) auf-
weist. Das Limit liegt hier bei
6000 Euro.  TIM ACKERMANN
3
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Residenz München 16.–20. 10. Bassenge Landkarten, dekorative Grafik
OSNAB RÜ CK
Sofa Sculpture Objects Func- ARTMUC Bücher, Autografen 15.–17. 10.  29.–31. 10.
tional Art and Design Isarforum 17.–20. 10. Dr. Lehr Künker
Navy Pier 31. 10.–3. 11. Positions Munich Art Fair Moderne, zeitgenössische Kunst Münzen, Medaillen, Orden7.–11. 10.
KONSTANZ
Reithalle 17.–20. 10.  26. 10.
Jeschke van Vliet Karrenbauer
D ORTM UND PFORZHEIM
Moderne, zeitgenössische Kunst, Kunst, Antiquitäten, Sammlung
NEW YORK
Antik- und Sammlermarkt Fotografie 25. 10. von Korkenziehern 12. 10. Kiefer
Messe Westfalenhallen 19.–20. 10. Fine Print Fair River Pavillon Nosbüsch & Stucke Bücher, Kunst, Antiquitäten
Javits Center 23.–27. 10. Moderne Kunst, Bücher, Druck-  11.–12. 10.
LOND ON
grafik, Autografen, 25.–26. 10.
ESSE N
Quentin Bonhams
PARIS PARIS
Contemporary Art Ruhr. Kunst, Antiquitäten 26. 10. Afrikanische Kunst: Moderne
Innovative Kunstmesse Asia Now Zeitgenossen 3. 10. Artcurial
Zollverein  25.–27. 10. 9 Avenue Hoche 16.–20. 10. Post-War und zeitgenössische Interieurs des 20. Jhs. 15. 10.
BONN
Paris Internationale Kunst 3. 10. Outsider(s) 22. 10.
16 Rue Alfred de Vigny 16.–20. 10. Plückbaum Islamische und indische Kunst Christie’s
HOUSTON
Outsider Art Fair Kunst, Antiquitäten 4.–5. 10.  22. 10. Paris Avant-Garde 17. 10.
Texas Contemporary Atelier Richelieu 17.–20. 10. Moderne und Gegenwartskunst Sotheby’s
George R. Brown Convention Paris Contemporary Art Show des Mittleren Ostens 23. 10. Sammlung Claude und François-
BREMEN
Center  25.–27. 10. Rivoli Building 17.–20. 10. Christie’s Xavier Lalanne 23.–24. 10.
Art Élysées Bolland & Marotz Post-War und zeitgenössische Tajan
Pavillons auf der Avenue des Kunst, Antiquitäten 18.–19. 10. Kunst 4.–5. 10. Moderne Kunst 3. 10.
LE I PZI G
Champs Élysees 17.–21. 10. Moderne und Gegenwartskunst Asiatische Kunst 4. 10.
Designers’ Open FIAC des Mittleren Ostens 23. 10. Schmuck 7. 10.
ERL ANGEN
Kongresshalle am Zott 25.–27. 10 Grand Palais 17.–21. 10. Phillips Alte Kunst 24. 10.
Grassimesse Bergmann Moderne und zeitgenössische
Grassi Museum 25.–27. 10. Kunst, Antiquitäten, Porzellan Kunst 3.–4. 10.
STO CKHOLM RAD OLF ZELL
 24.–26. 10.
 Design 25. 10.
Affordable Art Fair Fotografie 23. 10. Geble
LO ND ON
Nacka Strandsmässan 10.–13. 10. Sotheby’s Kunst, Antiquitäten 12. 10.
HAMBURG
PAD London Zeitgenössische Kunst 3.–6. 10.
Berkeley Square 30. 9.–6. 10. Rotherbaum Afrikanische Kunst: Moderne
TORONTO REGENSBU RG
The Decorative Antiques & Kunst, Antiquitäten 19. 10. Zeitgenossen 15. 10.
Textiles Fair Art Toronto Metro Toronto Islamische Kunst 23. 10. Keup
Battersea Park 1.–6. 10. Convention Center 10.–13. 10. Moderne und Gegenwartskunst Kunst, Antiquitäten 12. 10.
HATTEM
Moniker des Mittleren Ostens 23. 10.
Chelsea Sorting Office 2.–6. 10. Oriental Art Auctions
VERONA RUD OLSTADT
World Art Road Show Chinesische Keramik 12. 10.
MÜNCHEN
Billingsgate 2.–7. 10. Art Verona Wendl
1-54 Contemporary African Art Veronafiere 11.–13. 10. Gorny & Mosch Kunst, Antiquitäten 24.–26. 10.
HEIDELBERG
Fair Somerset House 3.–6. 10. Münzen, Medaillen 14.–16. 10.
British Art Fair Metz Neumeister
WAR SCHAU STUTTGART
Saatchi Gallery 3.–6. 10. Art & Collect 18.–19. 10. Sammlung Rudolf Neumeister
Frieze London Warszawskie Targi Sztuki Winterberg  22.–24. 10. Nagel
Regent’s Park 3.–6. 10. Kubicki–Arkaden 11.–13. 10. Gemälde, Zeichnungen, Nusser Kunst, Antiquitäten, Schmuck
Frieze Masters Druckgrafik 26. 10. Kunst, Antiquitäten 22. 10.  16.–17. 10.
Regent’s Park 3.–6. 10. Rüttten
WIEN
Roy’s Art Fair Kunst, Antiquitäten 19. 10.
HEILBRONN WIEN
Truman Brewery 3.–6. 10. Fair For Art Vienna Aula der Scheublein
Sunday Wissenschaften  5.–13. 10. Heilbronn Fundgrube 25. 10. Dorotheum
Ambika P3 3.–6. 10. Art & Antique Europäisches Glas, Studioglas Druckgrafik, Multiples 1. 10.
The Other Art Fair Hofburg Vienna 9.–17. 10.  19. 11. Design 2. 10.
MUTTER STADT
Victoria House 3.–6. 10. Blickfang MAK Museum für Schmuck, Juwelen 19./23. 10.
Affordable Art Fair angewandte Kunst 25.–27. 10. Henry’s Alte Kunst 22. 10.
HONGKONG
Battersea Park 17.–20. 10. Orientteppiche  5. 10. Gemälde des 19. Jhs. 23. 10.
Christie’s Moderne, Gegenwartskunst18. 10. Antiquitäten 24. 10.
ZÜRICH
Asiatische Kunst 9. 10. Uhren  18. 10. Im Kinsky
MADRI D
Kunst 19 Zürich Sotheby’s Schmuck, Edelsteine  24.–25. 10. Alte Kunst, 19. Jh., Antiquitäten,
Estampa Ifema 17.–20. 10. ABB Halle 24–27. 10. Asiatische Kunst 6.–8. 10. Kunst, Antiquitäten  26. 10. Schmuck 16.–17. 10.

112
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der weltkunst erscheint am
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sympathisch unangepasste Stadt war
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Benjamin Lewin Alle Rechte vorbehalten.
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Metropole freuen wir uns auf das
Künstlerpaar Marianne von Werefkin
Ludger Booms (frei) Torsten Bastian, torsten.bastian@zeit.de
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Bamberg: Susanne Lux
Bonn: Dr. Peter Dittmar DRUCK Neef + Stumme, 29378 Wittingen
(o. »Schindelfabrik«, 1910) und
Den Haag: Do­rothee von Flemming
Paris: Dr. J. Emil Sennewald LITHOGRAFIE twentyfour Seven
Alexej von Jawlensky, die mit dem
»Blauen Reiter« Geschichte schrieben.
New York: Dr. Barbara Kutscher
Venedig: Petra Schaefer Creative Media Services GmbH
Zürich: Christian von Faber-Castell Dorotheenstr. 3, 10117 Berlin
Und besuchen an der Akademie die
Die ist seit 1927 die führende Zeitschrift
der deutschen Kunsthändler. Sie ist das Leitmedium
des Deutschen Kunsthandels­ver­bandes e. V. (KD)
Klasse von Gregor Hildebrandt, wo die
Kunst von morgen erfunden wird.
und des Bundes­verbandes des Deutschen Kunst-
und Antiquitätenhan­dels e. V. (BKDA) sowie der ABONNENTENSERVICE/
in ihm vertretenen Landesverbände; der Berufs­ EINZELVERKAUF
gruppe des österreichischen Anti­qui­­­­­­t ä­ten­handels,
des Landes­g remiums Wien für den Handel mit Die Weltkunst erscheint 14 Mal im Jahr.
Gemälden, Antiqui­t äten, Kunst­gegen­ständen und Das Jahresabonnement kostet 154 Euro, im
Brief­marken und des Landes­g remiums des Handels Ausland zzgl. Versandkosten, in der Schweiz
mit Antiqui­t äten und Kunst­ge­genständen für Salz- 270,00 Sfr. inkl. Versandkosten,
burg; der CINOA im deutschsprachigen Raum so- Österreich 175 Euro inkl. Versandkosten
wie des Verbandes schweizerischer Anti­quare und
­Kunst­händler und der Ver­eeni­g ing van Handelaren Kundenservice
in oude Kunst in Nederland. Die Zeitschrift und 20080 Hamburg, Tel. 040/55 55 78 68,
alle darin enthaltenen Bei­t räge und Abbildungen
Fax 0 18 05/8 61 80 02
sind urheberrechtlich geschützt. Mit Aus­nahme der
gesetzlich zuge­lassenen Fälle ist eine Ver­wertung
kundenservice@weltkunst.de
ohne Ein­­w il­ligung des Ver­lages strafbar.

Was haben Sie gesehen, Herr Obrist?
HANS ULRICH OBRIST
ist Kurator für zeitgenössische Kunst und
leitet die Serpentine Gallery in London
Aspen, Colorado. Ich war auf 2400­
Metern Höhe in den Rocky Mountains. Ich
hatte ja früher schon immer gute Ideen,
wenn ich im Engadin war …
… den Bergen in der Nähe Ihrer Schwei-
zer Heimatstadt Überlingen.
Genau. Jetzt war ich also, wenn man so will,
im Engadin Amerikas.
Was haben Sie dort gemacht?
Ich habe unterrichtet, ich will das jetzt in je-
dem Sommer machen, an verschiedenen Or-
ten. Auf dem Weg nach Aspen gab es einen
Zwischenstopp in Denver, dort war ich erst-
mals in dem Museum of Contemporary Art,
das David Adjaye gebaut hat. Das ist auch
deshalb relevant, weil Adjaye ja durch den
späteren Bau des Smithsonian National Mu-
seum of African American History and Cul-
ture in Washington berühmt geworden ist.
Es wurde 2017 als »Museum des ­
Jahres« ausgezeichnet.
In Denver hat es für David Adjaye vor über
zehn Jahren in Amerika begonnen. Jetzt, da
er so ein Architekturstar geworden ist, war es
interessant, in Denver seine Ursprünge zu se-
hen. Zurzeit baut er in Ghana ein Kathedrale
und in Harlem das neue Studio Museum.
Wie würden Sie das Gebäude in Denver
beschreiben?
Es hat einen wunderschönen Dachgarten,
das Museum ist eigentlich eine Kunsthalle,
es hat viele hohe und niedrige Räume, viele
W E LT K U N S T
Passagen, vor allem viel natürliches Licht.
Die äußere Schicht des Gebäudes ist eine
Doppelverglasung, das Licht ist großartig in
den Räumen. Mein zweiter Stopp in Denver
war das Clyfford Still Museum …
… das ebenfalls noch nicht so alt ist: Es
wurde 2011 fertiggestellt.
Ich interessiere mich für Museen, die aus-
schließlich für einen Künstler eingerichtet
sind, auch wenn sie leicht megalomanisch
werden können. Das Clyf-
ford Still Museum ist atem-
beraubend: der unglaublich
innovative Maler in diesem
relativ intimen Haus …
Stellen Sie uns den
Künstler kurz vor?
Er lebte von 1904 bis 1980
und war einer der großen
abstrakten Expressionisten.
In seinem Testament beauf-
tragte Still den Nachlassver-
walter, sein Werk in Gänze
einer amerikanischen Stadt
zu geben, wenn sie dafür ein
Museum bauen würde. Patricia Still, die ­
Witwe, wählte Denver aus, für sein Werk und
für ihres, sie ist auch Künstlerin. Das Mu-
seum besitzt 3000 Werke (Abb. »PH-1184« von
1953/57), 95 Prozent des Œuvres! Man kommt
Clyfford Still wirklich sehr nahe, man sieht
die Pinsel, mit denen er gemalt hat, seine
Werkzeuge, Briefe, man kann sogar sehen,
welche Schallplatten er gehört hat.
114
Was hat er denn am liebsten aufgelegt?
Eklektisch, ganz gemischt. Man kann auch
die Poster von Gruppenausstellungen der
abstrakten Expressionisten ansehen. Von
Denver ging es dann nach Aspen, wo wir
auch Bären begegnet sind. Kein Witz!
Bilder: Nick Turpin; Clyfford Still, „PH-1184“, 1953/57, Oil on canvas, 296,2 x 206,8 cm/Clyfford Still Museum, Denver, CO/© City and County of Denver/ARS, NY/VG Bild-Kunst, Bonn 2019
Wie groß waren denn die Bären?
Riesig! Es waren ein großer Bär und sein Jun-
ges, wir saßen auf einer Terrasse beim Abend-
essen. Elchen sind wir auch begegnet.
Hatten Sie keine Angst?
Nicht wirklich, man konnte schnell ins Haus
gehen und sich dort verstecken.
Und was haben Sie in Aspen außer ­
wilden Tieren gesehen?
Im Aspen Art Museum war eine Ausstellung
meiner guten Freundin Etel Adnan, »Each
day is a whole world«. Sie arbeitet mit klei-
nen Formaten, wie der Maler Walter Price,
dessen Bilder ebenfalls dort gezeigt wurden.
Das war interessant im Vergleich: Sie mit
über 90 Jahren, er mit Anfang 30.
Wo haben Sie dort unterrichtet?
In den 1990er-Jahren habe ich in Lüneburg ge-
lehrt, da war ich Professor. In den letzten Jah-
ren habe ich das etwas vernachlässigt, jetzt
ändere ich das, diesmal am Anderson Ranch
Arts Center, in der Nähe von Aspen. Thema
meines Seminars war, wie man als Künstler
außerhalb der Kunstwelt auftreten kann, ein
Beispiel war Hans-Peter Feldmann, der in
Düsseldorf jahrelang einen
Spielzeugladen geführt hat.
Und was interessiert Sie au-
ßerhalb der Kunstwelt?
Ich lese das neue Buch eines
gewissen Christoph Amend.
Hahaha.
Doch, wirklich! Es heißt
»Wie geht’s dir, Deutschland?
Was aus dem Land geworden
ist, in dem ich aufgewachsen
bin.« Ich bin beim Kapitel
über Dieter Rams, da fiel mir
auf, dass ich ihm noch nie
begegnet bin. Es ist ein unglaublich interes-
santes Buch, das jeder lesen sollte.
Stopp jetzt, lieber Herr Obrist, bis zum
nächsten Monat!
CHRISTOPH AMEND, Herausgeber der
Weltkunst, befragt Hans Ulrich Obrist jeden
Monat nach seinen Entdeckungen in der Kunst
Limitiertes Sondermodell für Ärzte ohne Grenzen von NOMOS Glashütte: Klassiker Tangente
jetzt mit Automatikkaliber und Metallband, in größer wie kleiner. Die Uhren mit der roten
Zwölf kosten nicht mehr als das Standardmodell, doch mit 250 Euro pro Uhr unterstützen
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