Galant

(Fr .; It. Galante).

Un término ampliamente utilizado durante el siglo XVIII para denotar música con ligereza.

acompañado, melodías periódicas, y la manera apropiada de realizar el

mismo. "Ser galante, en general", escribió Voltaire, "significa buscar complacer". los

antiguo significado francés del término general con su énfasis en el valor tenido por el

La década de 1630 dio paso a un nuevo énfasis en la gracia social o amatoria: títulos como

Campra’s L’Europe galante (1697), Rameau’s Les Indes galantes (1735),

Guillemain's Sonates en quatuors, ou Conversations galantes et amusantes

(1743) y Le feste galanti de Graun (1748) deben entenderse en este último

sentido. Las pinturas de época de Watteau de fêtes galantes contribuyeron aún más a la

moda del término. Aplicado a las letras, el término adquirió un significado cercano a

"Manera cortesana francesa", como en un tratado de C.F. Hunold (Menantes), muere

allerneuste Manier höflich und galant zu schreiben (1702), un manual para

instrucción que Herder luego denunció por carecer de virilidad.

Un paralelo musical está a la mano en la primera publicación de Mattheson, Das neu-eröffnete

Orchestre, oder Universelle und Gründliche Anleitung wie ein Galant Homme

einen vollkommenen Begriff von der Hoheit und Würde der edlen Música

erlangen (1713); en la página de título, la tipografía romana se usa en lugar de gótica,

significativamente, para enfatizar las numerosas expresiones no alemanas. Como un

fenómeno importado, el estilo galant en Alemania tomó prestado mucho vocabulario

de sus países de origen y generó una literatura teórica más extensa.

Debe interpretarse que el "galant homme" de Mattheson incluye ambos sexos; como su

La dedicación de este trabajo a una noble dama indica, gran parte de la literatura galante,

como mucha música galante, tenía la intención de instruir y entretener a las mujeres
amateurs.

Mattheson usó la "galantería" sustantiva en este y otros tratados con

Una variedad de significados. Las piezas llamadas "galanterias" fueron numerosas en las suites
de

Compositores franceses del clavecín del siglo XVII; el término se usó para designar

los bailes más ligeros, principalmente homofónicos, como el minueto (J.S. Bach siguió

esta práctica). Ya en 1640 "galanteria" se usó para describir el juego y

El estilo tardío de Frescobaldi. Mattheson prefería que se tocara "Galanterien"

el clavicordio en lugar del clavicordio porque sus matices dinámicos

se aproxima más al estilo vocal, un sentimiento que se convertiría en

generalizado con partidarios de un dialecto internacional específico del norte de Alemania

modismo galant, "Empfindsamkeit". De acuerdo con el énfasis en un estilo de canto,

Mattheson también usó el término en referencia a piezas vocales, diciendo que un francés

el aire tenía 'ein etwas negligente Galanterie' mientras que un aria italiano tenía esto además

a más contenido musical, o "ein harmonieusere Galanterie"; como cantante en el

La Ópera de Hamburgo bajo Keizer conocía bien a ambos tipos. Bueno

La música, en su opinión, requería melodía, armonía y "galantería", el último ser

equiparado con el estilo teatral, en oposición al estilo estricto o de la iglesia, y no

sujeto a reglas (excepto las de "le bon goût").

Otros escritores confirman esta distinción fundamental. Scheibe opinó en Der

critische Musikus (1737–40) que la forma galante de escribir tuvo sus orígenes en el

Estilo de teatro italiano. En todo el Versuch über die wahre Art das Clavier zu

spielen (1753) C.P.E. Bach distinguió entre los estilos eruditos y galantes.

Marpurg en su Abhandlung von der Fuge (1753) contrastaba la textura fugal con

La libertad de la escritura galante. Quantz estaba más preocupado que cualquiera de sus

contemporáneos con la definición del nuevo estilo, tanto en su Versuch einer Anweisung

die Flöte traversiere zu spielen (1752) y en su autobiografía (1754; primera

impreso en Marpurg’s Historisch-kritische Beyträge, 1755). En este último él

describió el Costanza e fortezza de Fux, que había escuchado en Praga en 1723, como

magnífico, pero más en un estilo sagrado que teatral; lo comparó con el

estilo melódico galante, descrito como adornado con muchas figuras pequeñas

y pasajes, que admitió que eran menos apropiados para un vasto espacio que un

íntimo, con menos instrumentos. Al año siguiente, en Roma, escuchó

Domenico Scarlatti se presentó y lo describió como un jugador galante en la forma

del tiempo. Habiendo sido presentado al anciano Scarlatti por Hasse, observó

que el maestro tocó el clavicordio de manera erudita pero con menos delicadeza

que su hijo En París, en 1726–7, Quantz se encontró con Blavet, a quien elogió.
entre los numerosos compositores e intérpretes de la flauta francesa.

escuela, cuyas sonatas parecen calificar por motivos musicales como

esencialmente galant, aunque Quantz no los describió así. Su énfasis

sobre la forma de producción de tonos llevó a Quantz en el Versuch a definir galant

canto: consistía en sombras dinámicas, uniendo la voz del pecho al falsete

suavemente, y en ornamentación hábil. Mattheson, Scheibe y otros escritores.

ocasionalmente usaba el término "Galantería" para referirse a los adornos en sí mismos -

improvisado o incorporado a la notación. La adulación italiana, Quantz dijo:

se vio afectado por notas arrastradas y disminuyendo y fortaleciendo el tono (un

descripción del messa di voce). Con esto contrastaba los ruidosos ataques al pecho

y la falta de legato a la antigua manera del canto coral alemán. Aquí el

emerge especialmente la cualidad musical esencial de lo que el período significa galant

claramente. Su ideal era el bel canto italiano, que alcanzó su pináculo más alto,

según Quantz, en el primer tercio del siglo, cuando el más famoso

los castratos estaban en su mejor momento (Farinelli y Carestini fueron elogiados).

La flexibilidad en matices dinámicos fue con flexibilidad rítmica, o tempo rubato, en

El estilo italiano moderno. Schäfke demostró que Quantz formuló el galant

estética de claridad, placer y naturalidad en la música sobre la base de

varios teóricos anteriores, incluido Mattheson, y que estos ideales, típicos de

la Ilustración en general, volvió a la filosofía racionalista de

Descartes ("clare et distincte percipere").

Las piezas instrumentales específicamente llamadas "galant" o "galanteria" proliferaron en el

literatura de cámara y solista durante el tercer cuarto de siglo, que puede ser

considerado el punto culminante del estilo galant en la música instrumental. Hombre nuevo

juzgó que se alcanzaron picos cualitativos en las sonatas de teclado de Galuppi

(A quien le gustaba escribir minuetos en 3/8 de tiempo con las texturas más finas), Soler

y J.C. Bach, y en la música de cámara de G.B. Sammartini El ‘menuet

galant "representaba el epítome del estilo. Rousseau escribió en su Dictionnaire

(1768): "Le caractère du menuet est une élégante et noble simplicité" (cf C.P.E.

El objetivo principal de Bach en tocar el teclado: "edle Einfalt des Gesangs". En el de Sulzer

Allgemeine Theorie der schönen Künste (1771–4) se dice que el efecto del minueto
ser "noble y de encantadora decencia, pero unido a la simplicidad"; ‘Más que cualquier

otro baile [el minueto] es apropiado para sociedades de personas distinguidas por

su refinada forma de vida ".

Los defensores de las viejas virtudes contrapuntales se escucharon de más y más como el

El siglo XVIII alcanzó su último tercio, con el inicio de una reacción anti-galante.

Se pueden observar paralelos con el giro contra el estilo rococó en el arte y el

surgimiento de Sturm und Drang en la literatura. Adlung se quejó de que los bajos "turbios" y

Se escuchaba "Galanterien" incluso en la iglesia. En el artículo sobre melodía en

La enciclopedia de Sulzer (escrita con el asesoramiento de Kirnberger), ‘agradable, así llamada

Se dice que las piezas de galantería "y sus" frases muy pequeñas o segmentos "son

apropiado para pasiones ligeras y halagadoras, pero fuera de lugar en serias o sagradas

composiciones, donde su efecto es más delicado que hermoso. Debajo de la rúbrica

‘Musik’ Sulzer señaló que ‘el lenguaje melódico de las pasiones ha ganado

inmensamente "de la introducción de" el llamado galant, o más libre y más ligero

manera de escribir ", incluso cuando afirman que los abusos de este estilo fueron los
principales

a la degeneración completa de la música. Otras quejas sobre la manera galante

fueron aún más específicamente morales. Como Seidel ha demostrado, el término "galant",

habiendo connotado facilidad y elegancia de moda a principios del siglo XVIII,

más tarde llegó a representar una manera vacía, artificial y principalmente aristocrática de

comportarse o expresarse, y lo contrario de la naturalidad burguesa de

sensación.

Tratamiento de libertad de disonancia (por ejemplo, por intercambio de voz), defendido por

Heinichen en relación con el estilo teatral, fue racionalizado aún más por

Marpurg y Türk como un rasgo específicamente galante. En el Fundamentum des

Bajos generales impresos por Siegmeyer en Berlín y atribuidos (póstumamente) a

Mozart, una cierta progresión cadencial se describe como "moderna (galante)": II6 – I6-

4 – V – I. Se ilustra en tiempo de duplicación y luego en triple, este último aproximándose a

la cadencia al minueto en Don Giovanni (que primero introduce el baile,

después de escuchar el comienzo del cual Leporello dice "¡che maschere galanti!").
Enfrente de esto se ilustra una cadencia, llamada "contrapuntismo", que consiste en un

Progresión I – V – I con suspensiones preparadas de 4–3 sobre los dos primeros acordes (ver

Heartz y Mann, 1969, p.17). Cudworth (1949), ignorante de esta instancia,

llegó a aislar la "cadencia galante" por excelencia como IV (o II6) –I6-4 – V – I

en ritmo de minueto; hipotetizó sus orígenes en algún teatro de ópera italiano temprano

en el siglo De hecho, sus antecedentes pueden discernirse, sobre todo, en

arias operísticas de Leonardo Vinci (1690-1730), quien fue ampliamente reconocido como

innovador: sus texturas ligeras, armonía simple, melodía periódica y fórmula basada

Las cadencias tipifican el primer galant. Sus seguidores inmediatos en esta luz y

Hasse y Pergolesi, quienes usaron más decoración,

particularmente figuras triples y ritmos punteados invertidos. Burney escribió que Vinci

fue el primero en romper con el estilo anterior, ‘simplificando y pulido

melodía, y llamando la atención de la audiencia principalmente a la parte de voz, por

desenredarlo de la fuga, la complicación y el trabajo forzado ". antes de

Vinci, elementos del estilo galant se pueden encontrar en las melodías bel canto de

Alessandro Scarlatti; Las sonatas para violín inéditas de Veracini de 1716, ya

notablemente más libre que los ejemplos clásicos de Corelli; y en la música dance,
particularmente

"galanterias" ligeras como el minueto con sus texturas simples, estructuras periódicas

y motivos melódicos cortos.

El idioma galán liberó a los compositores de los grillos contrapuntales de la iglesia.

estilo, hasta cierto punto, incluso en el contexto de la música eclesiástica; sus simplicidades y

la naturaleza miniaturista impuso nuevas cadenas, que a su vez fueron desechadas con el

reintegración de más medios contrapuntales en la homofonía obbligato que

madurado en las últimas tres décadas del siglo.