Parcial Historia del Arte: Siglo xx

El siglo xx fue un período de cambios acelerados. El desarrollo de

las comunicaciones y tecnología influyeron a gran escala en el
transcurso de este período. Sin embargo, los problemas
socioeconómicos y políticos que derivaron de la Revolución
industrial culminan a principios del siglo con la Primera Guerra
Mundial (1924-1918) y la Revolución Rusa (1917) y más tarde con
la Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Estos hechos sacuden a
la población. El panorama europeo es desolador ya que las guerras
trajeron millones de muertes y muchas personas se vieron
obligadas a abandonar sus países.

El Arte del Siglo XX se divide en dos grandes etapas, la que

comprende desde principio de Siglo XX hasta el año 1942 y una
segunda que comprende desde el año 1942 hasta el fin del siglo,
esta última etapa se inserta dentro del Arte Contemporáneo. El
nacimiento de varios importantes movimientos artísticos cambian el
concepto de arte: lo que es el arte, y hasta lo que se considera o no
obra de arte.
El arte se ve fuertemente influenciado por política y social del
momento. Es un arte que no escapa a la realidad, sino todo lo
contrario, brota de ella, como una forma de catarsis.
Las vanguardias fueron una serie de movimientos artísticos de
principios del siglo XX que buscaban innovación en la producción
artística; se destacaban por la renovación radical en la forma y el
contenido; exploraban la relación entre arte y vida, y buscaban
reinventar el arte confrontando movimientos artísticos anteriores.
Estos movimientos artísticos renovadores, en general dogmáticos,
se produjeron en Europa en las primeras décadas del siglo XX,
desde donde se extendieron al resto de los continentes,
principalmente hacia América, en donde se enfrentaron al
modernismo. La característica primordial del vanguardismo es la
libertad de expresión, que se manifiesta alterando la estructura de
las obras, abordando temas tabú y desordenando los parámetros
creativos: en poesía se rompe con la métrica y cobran protagonismo
aspectos antes irrelevantes, como la tipografía; en arquitectura se
desecha la simetría, para dar paso a la asimetría; en pintura se
rompe con las líneas, las formas, los colores neutros y la
perspectiva.

El Expresionismo: Con este término se denomina una pintura en la

que prima la expresión subjetiva sobre la representación de la
objetividad. Se plantean las angustias vitales del hombre y por esto
tiene una carga dramática, pesimista y crítica. Sus rasgos generales
se acentúan en períodos de crisis.

 Munch (1863-1944): El grito, su obra más conocida la describe

el autor como expresión de soledad, angustia y miedo al sentir
la fría, vasta e infinita naturaleza, con colores irreales,
violentos, que enlazan el paisaje y sitúan en el centro la
persona en situación desesperada.
El dadaísmo: Este nuevo movimiento nace cuando en Europa se ha
iniciado la guerra de 1914, a la vez se desarrolla el cubismo y el
surrealismo. Algunos intereses comunes identifican a todo este gran
grupo dadá: expresar el estado de ánimo negativo a través de la
destrucción, frente a la hecatombe bélica.El dadaísmo critica al arte
y a la cultura burguesa, niega la racionalidad habitual y extiende la
crítica al capitalismo y al fascismo. Se abandonan las
preocupaciones estéticas tradicionales, y el espíritu de ruptura a
través del escándalo, provocando una gran libertad creadora que da
sus frutos en collages, fotomontajes y pinto-esculturas, técnicas que
se mantendrán de moda en la década de 1960-1970.
 Los artistas más importantes de esta vanguardia son:
Duchamp, Arp, Picabia y Grosz.

El Surrealismo: Es un movimiento amplio, que inspira una nueva

sensibilidad. Sus fines son provocar la expresión libre de aquello
que considera lo más interno en el hombre; su inconsciente y su
imaginación. El surrealismo expresa el funcionamiento real del
pensamiento, sin control de la razón, libremente frente a
preocupaciones estéticas o morales. Existe un punto en el espíritu a
partir del cual la vida y la muerte, lo real y lo imaginario, lo pasado y
lo futura, dejan de percibirse contradictoriamente. Recursos
comunes para plasmar estos contenidos teóricos en las artes
figurativas son introducir máquinas fantásticas, aislar fragmentos
anatómicos, la animación de lo inanimado, las metamorfosis, las
perspectivas vacías, las creaciones evocadoras del caos, la
confrontación de objetos incongruentes, las temáticas eróticas como
referencia a la importancia que el psicoanálisis otorga al sexo,
aunque cada artista imprime su propio sello.
 Salvador Dalí (1904-1989): Su obra siempre inquietante,
cercana al lenguaje oral poético, a veces cinematográfica,
tiende a romper los valores espaciales característicos de la
pintura y adentrarse en los de la literatura.

OBRA: “Mujer frente al espejo” Pablo Picasso.

Tema: Retrato.
Líneas: Líneas continúas que transmiten serenidad, además de
ayudar a separar planos y organizar el espacio.
Volumen: Modelado por la gradación de los colores.
Perspectiva: Escorzo. La imagen no ofrece una vista característica
de la totalidad.
Luz: Luz natural diurna (mujer) y nocturna (reflejo de la mujer en el
espejo).
Color: Colores cálidos (amarillo, naranja y rojo) y colores fríos (azul
y verde). Pincelada uniforme.
Composición: El centro de interés está claramente compuesto por la
figura de la mujer. Se trata de Marie-Thérèse Walter, amante de
Picasso en los años 30. Su rostro está dividido en dos, mitad sol,
mitad luna. El cuerpo a su vez también se encuentra dividido; la
parte de la izquierda representa las costillas y la de la derecha,
puede ser el vientre de una mujer embarazada o bien, el de una
mujer voluminosa.
La imagen que el pintor muestra en el espejo está distorsionada,
utiliza en ella otras formas y colores, más oscuros, transmitiéndonos
así la sensación de que no le gusta lo que ve de sí misma. Se trata
de una obra equilibrada que ofrece un efecto de unidad. Las líneas
curvas producen la sensación de movimiento y suavidad; las líneas
rectas transmiten rigidez, estabilidad y solidez. Es apreciable el
contraste de tono, de colores y de contornos. Con respecto a la
proporción, hay una relación equilibrada entre las partes del todo.
Existe tensión, a través de la cual las figuras son atraídas -y en este
caso, también repulsadas- provocando la sugerencia del
movimiento o desplazamiento.
Técnica pictórica: Óleo sobre lienzo. Tamaño: 162.3x130.2 cm.

Análisis personal
Se puede apreciar su manera de no tomar como referencia lo
natural y no sujetarse a ninguna regla, encontramos subjetividad y
su mundo interior; mezcla colores sin ninguna restricción entre
cálidos y fríos. Plasma formas con relaciones libres entre ellas. Todo
esto es propio del arte abstracto que tuvo comienzo en el S.XX. Al
ser la mujer protagonista de la obra puede asociarse a ella como un
objeto erótico, la idea de las venus prehistóricas, con deformidad
corporal, sin contar que quien retrato Picasso, Marie-Thérèse
Walter, fue amante y protagonista de varias obras más del autor.