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1) Elegir una obra para analizar dentro de la época del romanticismo. Contextualizar autor
y obra.
2) Analizar qué aspectos tienen dentro de lo que se denomina la obra romántica: uso de
alturas (tonalidad), forma, ritmo, instrumentación y uso de la técnica.
Estructura de la obra:
“La forma sonata corresponde al primer movimiento de una sonata, donde pueden observarse tres fases:
la exposición, que presenta el intercambio de dos o tres tema, unidos por un puente y a veces finalizados
por alguna coda; el desarrollo, donde hay un retomar de estos temas con mayor y menor parecido, y la
recapitulación de éstos, con alguna coda.”
Se anuncia entonces el final musical, en tonos pianos, para luego crecer con
un apoteósico cierre.
Forma de la obra
MACROFORMA: Introducción – Exposición – Desarrollo -
Reexposición
Introducción: compases 1 al 112 cuenta con 3 grandes partes:
A , A´ y A´´
En la parte A de la obra y de éste análisis podemos ver el
comportamiento de la obra con un análisis tonal: en a,el tema se
encuentra sobre el primer grado con un ritmo armonico de 4 compases
sobre una melodía (en textura de polifonía), en b nos encontramos sobre
el V (do# mayor) y luego vuelve al I, el ritmo armónico no es simétrico
sino que es dirigido por las líneas melódicas.
Exposición:
Compases del 112 al 273
En la exposición podemos encontrar un análisis un poco más complejo
que lo normal, desde el principio comenzamos desde el VI (si menor)
como primer grado desde la preparación del compás 86 como del micro
a’ de la 3er parte de la introducción que es un gran A’. Los grados
consecuentes serán vistos desde el Si menor como 1er grado. La
aparición de alteraciones como Sib en el acorde de Sol menor
(minorizando la 3era en el VI de Si menor) nos da paso a incluir otras
notas fuera de la escala pero que ya venían sonando por enarmonia (por
ejemplo cuando aparece el re bemol ya lo percibíamos como un do
sostenido). Podemos interpretar que tanto el re bemol como el La bemol
es un análisis un tanto equivoco ya que lo pertinente sería tomar el Do#
de la obra que es tanto el V grado de Fa# menor como al principio de la
obra y el II de Si menor y tomarlo como un pedal Del II para su
modulación en el desarrollo (el cual no será el caso ya que en ésta
particular forma sonata, el desarrollo nos dirije de nuevo a la primera
tonalidad de la obra: fa # menor).
Desarrollo:
Compases del 273 al 344
En éste desarrollo sobre el tema volvemos a Fa # menor como 1er grado, y podemos encontrar
regiones por mediantes con la aparición de un nuevo sostenido (Re#) en formato de Mib por
enarmonia, esto nos da lugar a irnos a una escala lejana como II menor Sol m (con sib y mib) y
luego a un V menor ( con un Mi maj7 donde aparece Sol#/Lab) un Eb / D# para introducir el V
menor C#m.
Reexposición
Compas 353 a final.
En la recapitulación volvemos a encontrar al Si menor como 1er grado de la escala, y
Como vemos en este análisis de la forma de Romeo y Julieta en un video de Youtube, podemos
sacar muchísimas conclusiones al respecto: la primera y principal, que no tiene una forma
regular o que las frases no se dividen de igual manera, hay frases que durar 5 compases, otros
4, otros 12 y así. Lo más importante que podemos aclarar es que tenemos 2 temas principales:
el tema del combate y el tema del amor. Luego encontraremos climas con corales de vientos y
cuerdas que nos darán un respiro luego de tanto frenesí e impronta de los dos temas
principales.
Tonalidad
La tonalidad en esta obra va cambiando según las frases y semi frases de las partes. Nunca
tenemos una seguridad de el tono y esto es un aspecto muy romántico de la época. Como
vemos en el análisis de la estructura podemos observar las modulaciones y luego más adelante
encontramos notas pedales como Reb (Do # por enarmonia) o Lab (Sol#). Juega mucho con las
alteraciones aunque este desarrollo de tensiones y reposos no están dados por una armonía
clásica sino por el desarrollo de la armonía romántica influenciado por la rama nacionalista que
dará lugar a su desarrollo en épocas consiguientes.
Melodias
Desde el principio de la obra podemos
Algo para mencionar de las Melodías son 2 cosas: 1ero, que tenemos las “reconocibles y
cantables”(como las de los dos temas principales) y luego tenemos las escalisticas de clima que
encontramos en las cuerdas.
Fig. 1 La melodía de los violines 1 y 2 luego de la primera simulación de duelo de espadas en la
letra E donde se podría decir que esta utilizando escalas de Sol m
Como podemos ver dentro del mismo motivo podemos encontrar en una primera parte en Sol
Mayor y la segunda parte en Sol Menor sin un preparativo de modulación, pero todo esto pasa
tan rápido que entramos en una ambigüedad de escalas y modos.
Ritmos
La utilización de la densidad cronométrica en esta obra es clave. Cuando hablamos de un tema
movido, no sólo se realiza un cambio de tempo, sino que la densidad cronométrica es mayor,
aparecen las semicorcheas y el apoyo de los timbales y la percusión para dar ese toque de
ritmicidad plena en la obra. La utilización de ritmos cortos y matices fuertes nos da la pauta de
que un movimiento ligero y luego con los parámetros totalmente contrarios podemos apreciar
que es un movimiento lento, largo y de clima melodioso.
Reflexión final
Muchas cosas se pueden decir de esta obertura, un análisis completo de la misma podría durar
un capítulo de un libro o un video más extenso que la obra misma. Pero lo que más me
interesa es la intervención de la instrumentación Bronces/Percusión en la obra, realmente te
prepara muy paulatinamente en ciertos puntos y te preparara para todo tipo de situaciones,
primero, el arpa con sus acordes dando un fin a la primer parte de introducción. Los vientos
preparándonos cada vez más densos y tensos para el momento de la batalla, y cuando
realmente llega: la percusión entra con una impronta fuerte que realmente activa el cuerpo y
te levanta del asiento y te da esa sensación de “adrenalina y pelea” que te quiere mostrar la
obertura en si. Tchaikovsky realmente deseaba que se sintieran esos climas. La exploración de
la técnica en los Fortes y Fortisimos dan un paso adelante con la técnica de la percusión. Con
los platillos esos golpes stacatatos con un apagado rápido son dignos de concurso en una
orquesta juvenil, o los rulos de timbal para una orquesta profesional. Realmente lleva al
músico de hoy en día a estudiar técnica e interpretación en base a la práctica profesional
(podríamos decir que no es un juego de niños).
Personalmente es una obra que llamó mucho mi atención en tímbrica y en rítmicas, ¿Cómo un
material de corcheas y semicorcheas podría decir tanto sin necesidad de valores irregulares?
¿Cómo la utilización de blancas y negras podrían generar tanto clima a la hora de ejecutar un
coral entre las cuerdas y las maderas? ¿Cómo dejar solo un rulo de timbal de FFF a ppp podría
metaforizar el símbolo de la muerte? Romeo y Julieta es una obra para apreciar sus 20 minutos
enteros y dan muchas ganas de ejecutar si uno aspira a tocar en una orquesta profesional.