Weiss

Coste
Turina
Assad
Monk Guitar
Vassiliev Roman V I A Z OV S K I Y
Z E I T E N WA N DE R E R

CLASSICclips
Z E I T E N WA N D E R E R | WA N D E R E R I N T I M E

S I LV I U S L E O P O L D W E I S S (1686 – 1750) S É R G I O A S S A D (*1952)

Sonata V in G-Dur. Arr. Roman Viazovskiy Aquarelle
[01] Prelude .......................................................................................01:32 [12] Divertimento ..............................................................................07:29
[02] Allemande ..................................................................................04:35 [13] Valseana .....................................................................................02:56
[03] Courante ....................................................................................02:24 [14] Preludio e toccatina .....................................................................02:54
[04] Bourrée.......................................................................................01:57
[05] Sarabande ..................................................................................04:57 T H E L O N I U S M O N K (1917 – 1982)
[06] Menuet.......................................................................................01:51 [15] Round Midnight. Arr. Roland Dyens .....................................06:44
[07] Gigue .........................................................................................02:37
K O N S TA N T I N V A S S I L I E V (*1970)
N A P O L É O N C O S T E (1805 – 1883) [16] Zeitenwanderer* ......................................................................03:12
[08] Introduction et Variations sur un motif de Rossini .......... 14:11
total 68:45
J O A Q U I N T U R I N A (1882 – 1949)
Sonata op. 61
[09] Allegro ........................................................................................03:56 Roman Viazovskiy | Gitarre / guitar
[10] Andante .....................................................................................04:15 *Ersteinspielung / World-première recording
[11] Allegro vivo.................................................................................03:10 www.viazovskiy.de
Z E I T E N WA N D E R E R | WA N D E R E R I N T I M E

S I LV I U S L E O P O L D W E I S S (1686 – 1750) S É R G I O A S S A D (*1952)

Sonata V in G-Dur. Arr. Roman Viazovskiy Aquarelle
[01] Prelude .......................................................................................01:32 [12] Divertimento ..............................................................................07:29
[02] Allemande ..................................................................................04:35 [13] Valseana .....................................................................................02:56
[03] Courante ....................................................................................02:24 [14] Preludio e toccatina .....................................................................02:54
[04] Bourrée.......................................................................................01:57
[05] Sarabande ..................................................................................04:57 T H E L O N I U S M O N K (1917 – 1982)
[06] Menuet.......................................................................................01:51 [15] Round Midnight. Arr. Roland Dyens .....................................06:44
[07] Gigue .........................................................................................02:37
K O N S TA N T I N V A S S I L I E V (*1970)
N A P O L É O N C O S T E (1805 – 1883) [16] Zeitenwanderer* ......................................................................03:12
[08] Introduction et Variations sur un motif de Rossini .......... 14:11
total 68:45
J O A Q U I N T U R I N A (1882 – 1949)
Sonata op. 61
[09] Allegro ........................................................................................03:56 Roman Viazovskiy | Gitarre / guitar
[10] Andante .....................................................................................04:15 *Ersteinspielung / World-première recording
[11] Allegro vivo.................................................................................03:10 www.viazovskiy.de
R O M A N V I A Z O V S K I Y wurde 1974 im
ukrainischen Donezk geboren. Von 1988 bis
1992 studierte er am dortigen Musikkolleg
bei Viktor Kriwenko. Am Sergey Prokofiev
Konservatorium seiner Geburtsstadt setzte
er seine Studien bei Walerij Iwko (Gitarre)
und Ludmila Popova (Dirigieren) fort. Nach
dem Diplom und seiner Übersiedlung nach
Deutschland begann er ein Aufbaustudium
bei Reinbert Evers an der Hochschule für
Musik Detmold, Abteilung Münster (heute:
Musikhochschule Münster). An der Musik-
hochschule Köln, Abteilung Aachen, schloss
er bei Tadashi Sasaki ab.
Konzertengagements führten ihn durch ganz
Europa, in den Nahen Osten, die USA, nach
China, Thailand und Japan. Regelmäßig ist
er bei den wichtigsten Gitarrenfestivals zu
hören. Zu den renommierten Spielstätten,
wo er als Solist auftrat, gehören die Natio-
nale Philharmonie der Ukraine in Kiew, die
Bunka kaikan Recital Hall in Tokio, der Sal-
le Claude-Champagne in Montreal und das
Concertgebouw in Brügge. Im März 2007
gab er sein Debüt im Tschaikowsky Konzert-
saal der Moskauer Philharmonie. „Und jetzt möchte ich Euch auf eine kleine
Reise durch die Zeiten mitnehmen, auf der
Roman Viazovskiy erhielt zahlreiche inter- Zeit keine Rolle mehr spielt. Nehmt ein
nationale Preise und nahm an diversen Ra- Glas Wein, setzt Euch in einen Sessel und
dio und TV-Produktionen in der Ukraine, vergesst die Welt ...“
Deutschland, Spanien, Italien, Kroatien,
Ungarn und Japan teil. Die Debut-CD „Fa-
tum“ des Förderpreisträgers und Stipendia-
ten der GWK, Münster, erschien 2001, sein
Album „Sonatas“ 2006 bei CC ClassicClips.
In den vergangenen Jahren hat Karl-Heinz
Römmich für Roman Viazovskiy in engem
Erfahrungsaustausch mit ihm und mit Au-
genmerk auf seine gestalterischen Bedürf-
nisse mehrere Gitarren gebaut. Zwei von
ihnen kommen bei dieser CD zum Einsatz,
Instrumente, die gleichermaßen üppige
Fülle, perkussive Prägnanz und feinnervige
Transparenz zulassen.
R O M A N V I A Z O V S K I Y wurde 1974 im
ukrainischen Donezk geboren. Von 1988 bis
1992 studierte er am dortigen Musikkolleg
bei Viktor Kriwenko. Am Sergey Prokofiev
Konservatorium seiner Geburtsstadt setzte
er seine Studien bei Walerij Iwko (Gitarre)
und Ludmila Popova (Dirigieren) fort. Nach
dem Diplom und seiner Übersiedlung nach
Deutschland begann er ein Aufbaustudium
bei Reinbert Evers an der Hochschule für
Musik Detmold, Abteilung Münster (heute:
Musikhochschule Münster). An der Musik-
hochschule Köln, Abteilung Aachen, schloss
er bei Tadashi Sasaki ab.
Konzertengagements führten ihn durch ganz
Europa, in den Nahen Osten, die USA, nach
China, Thailand und Japan. Regelmäßig ist
er bei den wichtigsten Gitarrenfestivals zu
hören. Zu den renommierten Spielstätten,
wo er als Solist auftrat, gehören die Natio-
nale Philharmonie der Ukraine in Kiew, die
Bunka kaikan Recital Hall in Tokio, der Sal-
le Claude-Champagne in Montreal und das
Concertgebouw in Brügge. Im März 2007
gab er sein Debüt im Tschaikowsky Konzert-
saal der Moskauer Philharmonie. „Und jetzt möchte ich Euch auf eine kleine
Reise durch die Zeiten mitnehmen, auf der
Roman Viazovskiy erhielt zahlreiche inter- Zeit keine Rolle mehr spielt. Nehmt ein
nationale Preise und nahm an diversen Ra- Glas Wein, setzt Euch in einen Sessel und
dio und TV-Produktionen in der Ukraine, vergesst die Welt ...“
Deutschland, Spanien, Italien, Kroatien,
Ungarn und Japan teil. Die Debut-CD „Fa-
tum“ des Förderpreisträgers und Stipendia-
ten der GWK, Münster, erschien 2001, sein
Album „Sonatas“ 2006 bei CC ClassicClips.
In den vergangenen Jahren hat Karl-Heinz
Römmich für Roman Viazovskiy in engem
Erfahrungsaustausch mit ihm und mit Au-
genmerk auf seine gestalterischen Bedürf-
nisse mehrere Gitarren gebaut. Zwei von
ihnen kommen bei dieser CD zum Einsatz,
Instrumente, die gleichermaßen üppige
Fülle, perkussive Prägnanz und feinnervige
Transparenz zulassen.
Zeitenwanderer ist Roman Viazovskiys
drittes und persönlichstes Album, eine Art
Zwischenstandsmeldung zu seiner biogra-
phischen wie künstlerischen Entwicklung,
aber auch ein emotionales Statement für
sein ureigenes Instrument: die Gitarre als
eines der elaboriertesten, filigransten und
vielseitigsten Werkzeuge musikalischer Ge-
staltung überhaupt. Denn das Instrument
hat ein Wahrnehmungsproblem: Entweder
verbindet man mit der Gitarre das konzer-
tante Showing-Off, das Schneller-Höher-
Weiter des Virtuosenkults, zelebriert mit
den notorischen Bravourstücken des Stan-
dardrepertoires, oder aber ein mildes Lä-
cheln macht sich breit ob der Anmutung
einer verstaubten Wandervogelseligkeit.
Wohlgemerkt ist hier nicht die Rede von
den üppig blühenden oder in Sepiatöne
getauchten Landschaften der Folk-, Rock-
und Alternative-Szene; dort ist eine klas-
sische Konzertgitarre iberischer Prägung ja
noch immer ein eher seltener Gast. Nein,
Roman Viazovskiy, der bisher als Spezialist
für das 20. Jahrhundert gilt, will mit „Zei-
tenwanderer“ sein Instrument in dem weit-
läufigen Ausdrucksraum präsentieren, der
diesem „Orchester zwischen zwei Händen“
(Segovia) seit jeher eigen ist. „Ich wollte ein
Programm aufnehmen, das nicht nur für
Gitarristen und das engere Fachpublikum
interessant ist, sondern auch für solche Mu-
sikliebhaber, die eine Konzertgitarre zum
ersten Mal hören. Packend, frisch, expressiv
und bewegend sollte es sein. Und es sollte
die Gitarre in ihrer ganzen Vielseitigkeit zei-
gen“, kommentiert er seine Auswahl. Und
dankbar bemerkt er, dass er dieses Projekt
nach einem inspirierenden Gespräch über
die Zukunft der Gitarre, das Repertoire und
die zeitgenössischen Komponisten für sein
Instrument in Angriff genommen habe,
das er mit Christopher McGuire geführt
hatte. Der künstlerische Leiter der „Allegro
Guitar Series“ in Fort Worth, Texas, hatte
ihn 2009 zu seinem US-Debut eingeladen.
Tatsächlich ist „Zeitenwanderer“ ein Album
für Liebhaber geworden, sowohl für den
Connaisseur als auch für neugierige Novi-
zen. Schon der Einstieg ist programmatisch:
Silvius Leopold Weiss (1686 – 1750)
teilt nicht nur seine Lebenszeit mit Johann
Sebastian Bach. Geboren in Breslau als
Sohn und mutmaßlich auch Schüler des
Düsseldorfer Hoflautenisten Johann Jakob
Weiss, suchte sich Silvius seinen Weg über
Italien und Hessen-Kassel in die Dresdner
Hofkapelle, der er bis zu seinem Tod ange-
hörte, zu einer Zeit, in der die Laute kei-
nen wirklich guten Ruf mehr genoss. Selbst
Mattheson galt sie als ausgesprochen min-
derwertig, so attestierte er nicht nur dem
Instrument, sondern pauschal auch allen
Lautenisten eine gewisse „Pauvreté“. Leo-
pold Weiss allerdings war vielen Zeitgenos-
sen auf seinem Gebiet ein bewunderter So-
litär. Auch im Hause Bach wurde er äußerst
respektvoll empfangen. Es geht die Fama
einer denkwürdigen Fugenschlacht im Mu-
sikzimmer des Thomaskantors. Bis zu sei-
nem Tod 1750 soll Weiss ausschließlich für
die Laute komponiert haben, als bräuchte
es für ihn kein anderes Instrument. – Die
Sonata V in G-Dur ist eine Sonate im vor-
klassischen Verständnis, die mehrsätzig, in
Gestalt einer kompletten französischen Sui-
te daherkommt. Makellos barocke Formen-
sprache, wobei nicht nur der Orgelpunkt
im Prélude an den großen Leipziger Kolle-
gen von Weiss erinnert. Transparente Tex-
tur und eine reiche Harmonik, die sich der
polyphonen Stimmführung verdankt. Die
Melodik selbst ist jedoch bereits deutlich
galant. Und erst auf einer modernen Kon-
zertgitarre entfaltet sich der ganze Facetten-
reichtum dieser meisterhaften Suite – und
stellt die entsprechenden gestalterischen
Anforderungen an den Interpreten. Roman
Viazovskiy spielt die Sonata in einer eigenen
Transkription aus dem Manuskript und in
angeglichener Stimmung. Erst seit kurzem
Zeitenwanderer ist Roman Viazovskiys
drittes und persönlichstes Album, eine Art
Zwischenstandsmeldung zu seiner biogra-
phischen wie künstlerischen Entwicklung,
aber auch ein emotionales Statement für
sein ureigenes Instrument: die Gitarre als
eines der elaboriertesten, filigransten und
vielseitigsten Werkzeuge musikalischer Ge-
staltung überhaupt. Denn das Instrument
hat ein Wahrnehmungsproblem: Entweder
verbindet man mit der Gitarre das konzer-
tante Showing-Off, das Schneller-Höher-
Weiter des Virtuosenkults, zelebriert mit
den notorischen Bravourstücken des Stan-
dardrepertoires, oder aber ein mildes Lä-
cheln macht sich breit ob der Anmutung
einer verstaubten Wandervogelseligkeit.
Wohlgemerkt ist hier nicht die Rede von
den üppig blühenden oder in Sepiatöne
getauchten Landschaften der Folk-, Rock-
und Alternative-Szene; dort ist eine klas-
sische Konzertgitarre iberischer Prägung ja
noch immer ein eher seltener Gast. Nein,
Roman Viazovskiy, der bisher als Spezialist
für das 20. Jahrhundert gilt, will mit „Zei-
tenwanderer“ sein Instrument in dem weit-
läufigen Ausdrucksraum präsentieren, der
diesem „Orchester zwischen zwei Händen“
(Segovia) seit jeher eigen ist. „Ich wollte ein
Programm aufnehmen, das nicht nur für
Gitarristen und das engere Fachpublikum
interessant ist, sondern auch für solche Mu-
sikliebhaber, die eine Konzertgitarre zum
ersten Mal hören. Packend, frisch, expressiv
und bewegend sollte es sein. Und es sollte
die Gitarre in ihrer ganzen Vielseitigkeit zei-
gen“, kommentiert er seine Auswahl. Und
dankbar bemerkt er, dass er dieses Projekt
nach einem inspirierenden Gespräch über
die Zukunft der Gitarre, das Repertoire und
die zeitgenössischen Komponisten für sein
Instrument in Angriff genommen habe,
das er mit Christopher McGuire geführt
hatte. Der künstlerische Leiter der „Allegro
Guitar Series“ in Fort Worth, Texas, hatte
ihn 2009 zu seinem US-Debut eingeladen.
Tatsächlich ist „Zeitenwanderer“ ein Album
für Liebhaber geworden, sowohl für den
Connaisseur als auch für neugierige Novi-
zen. Schon der Einstieg ist programmatisch:
Silvius Leopold Weiss (1686 – 1750)
teilt nicht nur seine Lebenszeit mit Johann
Sebastian Bach. Geboren in Breslau als
Sohn und mutmaßlich auch Schüler des
Düsseldorfer Hoflautenisten Johann Jakob
Weiss, suchte sich Silvius seinen Weg über
Italien und Hessen-Kassel in die Dresdner
Hofkapelle, der er bis zu seinem Tod ange-
hörte, zu einer Zeit, in der die Laute kei-
nen wirklich guten Ruf mehr genoss. Selbst
Mattheson galt sie als ausgesprochen min-
derwertig, so attestierte er nicht nur dem
Instrument, sondern pauschal auch allen
Lautenisten eine gewisse „Pauvreté“. Leo-
pold Weiss allerdings war vielen Zeitgenos-
sen auf seinem Gebiet ein bewunderter So-
litär. Auch im Hause Bach wurde er äußerst
respektvoll empfangen. Es geht die Fama
einer denkwürdigen Fugenschlacht im Mu-
sikzimmer des Thomaskantors. Bis zu sei-
nem Tod 1750 soll Weiss ausschließlich für
die Laute komponiert haben, als bräuchte
es für ihn kein anderes Instrument. – Die
Sonata V in G-Dur ist eine Sonate im vor-
klassischen Verständnis, die mehrsätzig, in
Gestalt einer kompletten französischen Sui-
te daherkommt. Makellos barocke Formen-
sprache, wobei nicht nur der Orgelpunkt
im Prélude an den großen Leipziger Kolle-
gen von Weiss erinnert. Transparente Tex-
tur und eine reiche Harmonik, die sich der
polyphonen Stimmführung verdankt. Die
Melodik selbst ist jedoch bereits deutlich
galant. Und erst auf einer modernen Kon-
zertgitarre entfaltet sich der ganze Facetten-
reichtum dieser meisterhaften Suite – und
stellt die entsprechenden gestalterischen
Anforderungen an den Interpreten. Roman
Viazovskiy spielt die Sonata in einer eigenen
Transkription aus dem Manuskript und in
angeglichener Stimmung. Erst seit kurzem
sind die Kompositionen von Weiss zum Teil
auch in Druckausgaben zugänglich.
Mit Napoléon Coste (1805 – 1883)
machen wir einen kleinen Sprung in die
Romantik – und werfen einen Blick zurück
auf den 16-jährigen Roman Viazovskiy.
1989 fällt ihm eine Festivalaufnahme des
jungen Carlo Marchione in die Hände, die
ihn so begeistert, dass er beschließt, alle
Stücke seines Programms einzustudieren.
„Die Konzerte in der Ukraine wurden und
werden immer noch von einem Conférenci-
er moderiert“, erzählt er. „Bei diesem Stück
von Coste konnte ich, weil der Konzert-
mitschnitt technisch so schlecht war, nur
den Namen des Komponisten verstehen,
nicht aber den Titel des Stücks. Ich war be-
geistert von Carlos Spiel und sofort verliebt
in dieses Werk. Aber keiner in der Ukraine
konnte mir damals sagen, wie es heißt. Drei
Jahre später machte ich dann meine erste
Konzertreise in Deutschland und traf mei-
nen zukünftigen Professor, Reinbert Evers.
In seiner umfangreichen Bibliothek konnte
ich endlich finden, was ich so lange gesucht
hatte: Introduction et Variations sur un mo-
tif de Rossini. Weil diese wunderschönen
Variationen sehr selten gespielt werden,
habe ich mich entschieden, sie in mein
Konzertrepertoire aufzunehmen.“ – Die
Romantik gibt sich bei Coste recht konser-
vativ und gediegen klassisch. Coste erhielt
den ersten Gitarrenunterricht früh durch
seine Mutter. 1830 zog er nach Paris, wo er
vor allem bei Fernando Sor sein Instrument
wie auch Komposition studierte. Seine rege
Konzerttätigkeit musste er, nachdem er sich
1863 den rechten Arm gebrochen hatte,
aufgeben. Coste verlegte sich auf ’s Unter-
richten und Komponieren, beschäftigte sich
aber auch intensiv mit Fragen des Instru-
mentenbaus. Zusammen mit dem Pariser
Gitarrenbauer Lacôte entwickelte er eine
7-saitige Gitarre, die den Klangraum um
eine zusätzliche, frei schwingende Basssaite
erweitert. Seinen Lebensunterhalt allerdings
musste er sich zum Großteil als städtischer
Verwaltungsangestellter verdienen. – Die
Introduction et Variations sur un motif de
Rossini sind eine Folge klassischer Variati-
onen, die das Thema mit großer Eleganz
quasi einmal durchs Lehrbuch deklinieren.
Ein funkelndes Juwel ist dabei sicherlich die
delikate Flageolett-Variation, aber auch die
übrigen Satzteile glänzen mit effektvollen
Glissandi oder vertrackten Trillerfiguren.
Bis hin zu den furiosen Bassläufen der
Schlussvariation stellt Coste höchste An-
sprüche an die Spielkultur.
Joaquin Turina (1882 – 1949) ist auf die-
sem Album die Brücke ins 20. Jahrhundert.
Geboren in Sevilla, studierte er zunächst
Klavier bei José Tragó in Madrid und dann
für acht Jahre bis 1913 Komposition bei
Vincent d’Indy an der Schola Cantorum in
Paris. Nach seiner Rückkehr nach Madrid
arbeitete er als Dirigent und Chorleiter u.a.
am Teatro Real, bis er 1931 als Professor für
Komposition ans Konservatorium berufen
wurde. Turina gilt neben Albéniz und de
Falla als einer der wichtigsten spanischen
Komponisten. Mit de Falla verband ihn
nicht nur eine lange Freundschaft, sondern
vor allem auch das Bestreben, seiner Mu-
sik einen nationalen, spezifisch spanischen
Charakter zu geben. Während de Falla die-
sen Nationalcharakter jedoch eher artifiziell
abstrahiert begriff, fand Turina ihn in der
beständigen Rückbindung an die andalu-
sische Folklore. Sein Hauptinstrument war
eigentlich das Klavier, aber als spanischer
Komponist nicht auch für die Gitarre zu
komponieren, kommt wohl einem Hoch-
verrat gleich. – Die Sonata op. 61 stammt
aus dem Jahr 1930 und wurde, wie so vieles,
was heute zum Standard der Gitarrenlitera-
tur gehört, 1932 von Andrés Segovia urauf-
geführt. Zwei hochvirtuose Allegro-Sätze
umrahmen ein fragiles Andante, und in
der Klangsprache wird deutlich, was mit
sind die Kompositionen von Weiss zum Teil
auch in Druckausgaben zugänglich.
Mit Napoléon Coste (1805 – 1883)
machen wir einen kleinen Sprung in die
Romantik – und werfen einen Blick zurück
auf den 16-jährigen Roman Viazovskiy.
1989 fällt ihm eine Festivalaufnahme des
jungen Carlo Marchione in die Hände, die
ihn so begeistert, dass er beschließt, alle
Stücke seines Programms einzustudieren.
„Die Konzerte in der Ukraine wurden und
werden immer noch von einem Conférenci-
er moderiert“, erzählt er. „Bei diesem Stück
von Coste konnte ich, weil der Konzert-
mitschnitt technisch so schlecht war, nur
den Namen des Komponisten verstehen,
nicht aber den Titel des Stücks. Ich war be-
geistert von Carlos Spiel und sofort verliebt
in dieses Werk. Aber keiner in der Ukraine
konnte mir damals sagen, wie es heißt. Drei
Jahre später machte ich dann meine erste
Konzertreise in Deutschland und traf mei-
nen zukünftigen Professor, Reinbert Evers.
In seiner umfangreichen Bibliothek konnte
ich endlich finden, was ich so lange gesucht
hatte: Introduction et Variations sur un mo-
tif de Rossini. Weil diese wunderschönen
Variationen sehr selten gespielt werden,
habe ich mich entschieden, sie in mein
Konzertrepertoire aufzunehmen.“ – Die
Romantik gibt sich bei Coste recht konser-
vativ und gediegen klassisch. Coste erhielt
den ersten Gitarrenunterricht früh durch
seine Mutter. 1830 zog er nach Paris, wo er
vor allem bei Fernando Sor sein Instrument
wie auch Komposition studierte. Seine rege
Konzerttätigkeit musste er, nachdem er sich
1863 den rechten Arm gebrochen hatte,
aufgeben. Coste verlegte sich auf ’s Unter-
richten und Komponieren, beschäftigte sich
aber auch intensiv mit Fragen des Instru-
mentenbaus. Zusammen mit dem Pariser
Gitarrenbauer Lacôte entwickelte er eine
7-saitige Gitarre, die den Klangraum um
eine zusätzliche, frei schwingende Basssaite
erweitert. Seinen Lebensunterhalt allerdings
musste er sich zum Großteil als städtischer
Verwaltungsangestellter verdienen. – Die
Introduction et Variations sur un motif de
Rossini sind eine Folge klassischer Variati-
onen, die das Thema mit großer Eleganz
quasi einmal durchs Lehrbuch deklinieren.
Ein funkelndes Juwel ist dabei sicherlich die
delikate Flageolett-Variation, aber auch die
übrigen Satzteile glänzen mit effektvollen
Glissandi oder vertrackten Trillerfiguren.
Bis hin zu den furiosen Bassläufen der
Schlussvariation stellt Coste höchste An-
sprüche an die Spielkultur.
Joaquin Turina (1882 – 1949) ist auf die-
sem Album die Brücke ins 20. Jahrhundert.
Geboren in Sevilla, studierte er zunächst
Klavier bei José Tragó in Madrid und dann
für acht Jahre bis 1913 Komposition bei
Vincent d’Indy an der Schola Cantorum in
Paris. Nach seiner Rückkehr nach Madrid
arbeitete er als Dirigent und Chorleiter u.a.
am Teatro Real, bis er 1931 als Professor für
Komposition ans Konservatorium berufen
wurde. Turina gilt neben Albéniz und de
Falla als einer der wichtigsten spanischen
Komponisten. Mit de Falla verband ihn
nicht nur eine lange Freundschaft, sondern
vor allem auch das Bestreben, seiner Mu-
sik einen nationalen, spezifisch spanischen
Charakter zu geben. Während de Falla die-
sen Nationalcharakter jedoch eher artifiziell
abstrahiert begriff, fand Turina ihn in der
beständigen Rückbindung an die andalu-
sische Folklore. Sein Hauptinstrument war
eigentlich das Klavier, aber als spanischer
Komponist nicht auch für die Gitarre zu
komponieren, kommt wohl einem Hoch-
verrat gleich. – Die Sonata op. 61 stammt
aus dem Jahr 1930 und wurde, wie so vieles,
was heute zum Standard der Gitarrenlitera-
tur gehört, 1932 von Andrés Segovia urauf-
geführt. Zwei hochvirtuose Allegro-Sätze
umrahmen ein fragiles Andante, und in
der Klangsprache wird deutlich, was mit
Rückbindung an die Folklore gemeint ist:
Der Tonsatz ist bestimmt von Flamenco-
Elementen. Da sind die typischen Akkord-
rückungen, die rasanten Arpeggien und
rollenden Rasgueado-Figuren und vor
allem die enorme Farbigkeit andalusischer
Melodik. Aufgehoben ist dies aber in ei-
ner dem Folkloristischen dann doch weit
entrückten, kunstvoll verfeinerten Textur.
Roman Viazovskiy spielt diese Sonate nach
dem Urtext, wodurch sich kleinere Abwei-
chungen von der zuerst gedruckten Segovia-
Fassung ergeben.
Sérgio Assad (*1952) ist vornehmlich
als Konzertvirtuose im Duo Assad bekannt
geworden. Seit den 1980er Jahren feiert er
zusammen mit seinem Bruder Odair große
Erfolge. Doch vom Beginn seiner Karriere
an hat der 1952 in São Paulo geborene Ser-
gio immer auch für die Gitarre geschrieben.
Annähernd 50 Kompositionen sind bisher
entstanden, von denen es bereits einige ins
Standardrepertoire geschafft haben. Ge-
meinsam mit seinem Bruder studierte er
in Rio de Janeiro Gitarre bei der Segovia-
Schülerin Monina Tavora, später noch
Komposition bei Esther Scliar. Die Grund-
lagen seiner musikalischen Bildung jedoch
wurden in brasilianischen Choro-Gruppen
gelegt. Die Choros sind Folk-Ensembles
zumeist mit Mandoline oder Flöte als soli-
stischem Instrument und diversen Gitarren,
die begleiten. Über seinen Vater gewann
Sérgio hier nach eigener Aussage sein er-
stes Verständnis von Harmonik und Me-
lodiebildung, weit vor jeder theoretischen
Durchdringung. Der Einfluss nationaler
Folklore ist also für Assad selbstverständ-
lich. Neuerdings orientiert er sich allerdings
klanglich eher in Richtung des Mittleren
Ostens. – Für Roman Viazovskiy gehören
die Aquarelle von 1986 „zu den spektaku-
lärsten Stücken der Gitarrenliteratur der
Gegenwart; sie sind kontrastvoll, sensitiv
und energisch zugleich“. Der brasilianische
Einschlag wird vor allem harmonisch im
virtuosen dritten Satz, dem Präludium mit
einer „kleinen“ Toccata, deutlich, aber auch
die Rhythmik mit ihren „sambaesken“ Ak-
zentuierungen im Mittel- und Schlussteil
des Divertimentos verleugnet kaum ihre
Herkunft. Im Ganzen jedoch ist der Klang
mit seinen ständig wechselnden Valeurs
eher spätimpressionistisch. Besonders die
Valseana in ihrer scheinbaren Schlichtheit,
das wiegende Mit- und Gegeneinander der
kleinen schwebenden Plateaus darf sich
gern auf Debussy berufen, während die
behende Haken schlagende Harmonik sich
von Ravel das Augenzwinkern leiht.
Thelonious Monk (1917 – 1982), der
große Individualist und einer der einfluss-
reichsten Musiker des Modern Jazz, na-
mentlich des Bebop, war Anfang der 20er
Jahre mit seiner Familie von North Carolina
nach New York, an den Westrand von Har-
lem gezogen. Schon als Kleinkind war er
damit in der unmittelbaren Peripherie, dem
ersten Höllenkreis rund um den brodelnden
Schmelztiegel des modernen Jazz. Der Rest
ist bekannt. Höhenflüge und – zumeist dro-
geninduzierte – Abstürze. Anfeindung und
Verehrung. Zwischendurch Auftritte und
Aufnahmen mit den Besten seiner Zeit und
einige der wirkungsmächtigsten Kompositi-
onen des 20. Jahrhunderts, vor allem, weil
er mit selbst im Jazz noch zementierten
Konventionen brach. Hier finden sich
Akkordschichtungen, für die andere wohl
eingewiesen worden wären, und das Para-
dox der Polyrhythmie in einer Spieltechnik,
die vom Stride-Piano herkommt, also im
Grunde auf solide Regelmäßigkeit baut.
Monk starb, schwer depressiv, 1982 in New
Jersey. – Die es-Moll-Kadenz nach dem In-
tro von Round Midnight (1940) wurde bald
zu einer akustischen Ikone des Modern Jazz.
Die chromatisch absteigende Basslinie, aus
der sich von ganz tief unten in „giant steps“
die erzählende Melodiestimme entwickelt,
Rückbindung an die Folklore gemeint ist:
Der Tonsatz ist bestimmt von Flamenco-
Elementen. Da sind die typischen Akkord-
rückungen, die rasanten Arpeggien und
rollenden Rasgueado-Figuren und vor
allem die enorme Farbigkeit andalusischer
Melodik. Aufgehoben ist dies aber in ei-
ner dem Folkloristischen dann doch weit
entrückten, kunstvoll verfeinerten Textur.
Roman Viazovskiy spielt diese Sonate nach
dem Urtext, wodurch sich kleinere Abwei-
chungen von der zuerst gedruckten Segovia-
Fassung ergeben.
Sérgio Assad (*1952) ist vornehmlich
als Konzertvirtuose im Duo Assad bekannt
geworden. Seit den 1980er Jahren feiert er
zusammen mit seinem Bruder Odair große
Erfolge. Doch vom Beginn seiner Karriere
an hat der 1952 in São Paulo geborene Ser-
gio immer auch für die Gitarre geschrieben.
Annähernd 50 Kompositionen sind bisher
entstanden, von denen es bereits einige ins
Standardrepertoire geschafft haben. Ge-
meinsam mit seinem Bruder studierte er
in Rio de Janeiro Gitarre bei der Segovia-
Schülerin Monina Tavora, später noch
Komposition bei Esther Scliar. Die Grund-
lagen seiner musikalischen Bildung jedoch
wurden in brasilianischen Choro-Gruppen
gelegt. Die Choros sind Folk-Ensembles
zumeist mit Mandoline oder Flöte als soli-
stischem Instrument und diversen Gitarren,
die begleiten. Über seinen Vater gewann
Sérgio hier nach eigener Aussage sein er-
stes Verständnis von Harmonik und Me-
lodiebildung, weit vor jeder theoretischen
Durchdringung. Der Einfluss nationaler
Folklore ist also für Assad selbstverständ-
lich. Neuerdings orientiert er sich allerdings
klanglich eher in Richtung des Mittleren
Ostens. – Für Roman Viazovskiy gehören
die Aquarelle von 1986 „zu den spektaku-
lärsten Stücken der Gitarrenliteratur der
Gegenwart; sie sind kontrastvoll, sensitiv
und energisch zugleich“. Der brasilianische
Einschlag wird vor allem harmonisch im
virtuosen dritten Satz, dem Präludium mit
einer „kleinen“ Toccata, deutlich, aber auch
die Rhythmik mit ihren „sambaesken“ Ak-
zentuierungen im Mittel- und Schlussteil
des Divertimentos verleugnet kaum ihre
Herkunft. Im Ganzen jedoch ist der Klang
mit seinen ständig wechselnden Valeurs
eher spätimpressionistisch. Besonders die
Valseana in ihrer scheinbaren Schlichtheit,
das wiegende Mit- und Gegeneinander der
kleinen schwebenden Plateaus darf sich
gern auf Debussy berufen, während die
behende Haken schlagende Harmonik sich
von Ravel das Augenzwinkern leiht.
Thelonious Monk (1917 – 1982), der
große Individualist und einer der einfluss-
reichsten Musiker des Modern Jazz, na-
mentlich des Bebop, war Anfang der 20er
Jahre mit seiner Familie von North Carolina
nach New York, an den Westrand von Har-
lem gezogen. Schon als Kleinkind war er
damit in der unmittelbaren Peripherie, dem
ersten Höllenkreis rund um den brodelnden
Schmelztiegel des modernen Jazz. Der Rest
ist bekannt. Höhenflüge und – zumeist dro-
geninduzierte – Abstürze. Anfeindung und
Verehrung. Zwischendurch Auftritte und
Aufnahmen mit den Besten seiner Zeit und
einige der wirkungsmächtigsten Kompositi-
onen des 20. Jahrhunderts, vor allem, weil
er mit selbst im Jazz noch zementierten
Konventionen brach. Hier finden sich
Akkordschichtungen, für die andere wohl
eingewiesen worden wären, und das Para-
dox der Polyrhythmie in einer Spieltechnik,
die vom Stride-Piano herkommt, also im
Grunde auf solide Regelmäßigkeit baut.
Monk starb, schwer depressiv, 1982 in New
Jersey. – Die es-Moll-Kadenz nach dem In-
tro von Round Midnight (1940) wurde bald
zu einer akustischen Ikone des Modern Jazz.
Die chromatisch absteigende Basslinie, aus
der sich von ganz tief unten in „giant steps“
die erzählende Melodiestimme entwickelt,
zählt zu den All-Time-Standards des Jazz-
Repertoires. Unzählige Einspielungen, un-
zählige Interpretationen, von daher einem
Stück des gängigen Klassik-Repertoires
nicht unähnlich. Auch Gitarristen, vor-
nehmlich allerdings aus dem Jazz-Millieu,
haben sich immer wieder an diesem einzig-
artigen Material versucht. Als Referenzauf-
nahme kann bis heute die Einspielung von
Wes Montgomery aus dem Jahr 1965 gel-
ten. „Das Arrangement, das ich hier spiele“,
sagt Roman Viazovskiy, „wurde von einem
Meister seines Fachs, von Roland Dyens,
gemacht. Ich habe es schon vor 15 Jahren
von ihm gehört. Meine Finger brannten
vor Lust, es auch zu spielen, aber ich hatte
nie die Zeit, es in mein Repertoire aufzu-
nehmen. Jetzt habe ich mir die Zeit genom-
men – und wenn ich es spiele, ist es Balsam
für meine Seele.“ Der gebürtige Tunesier
Roland Dyens (*1955) lebt seit früher
Kindheit in Paris, war Schüler von Alberto
Ponce und ist seit langem begehrter Lehrer
und gefeierter Konzertvirtuose. Einen nicht
unwesentlichen Teil seines Rufs verdankt
er den Einrichtungen bekannter Klassiker,
gern aus dem Jazz, für das 6-Saiten-Biotop
der Konzertgitarre. Monks Original wird in
Dyens‘ Bearbeitung gewissermaßen dome-
stiziert, das Sperrige und auch Subversive
des frühen Bebop Monkscher Prägung wird
zurückgedrängt durch die Brillanz einer
spieltechnisch ausgefuchsten Neuinterpre-
tation, die zwar mit einigen Blue-Notes in
den schnellen Läufen und einem geschmei-
digen Swing in den Walking-Bass-Passagen
aufwartet, letztlich das Ausgangsmaterial
aber doch in musikalisch reglementiertere
Sphären transferiert. Sehr klar zutage tritt
in dieser Fassung allerdings, wie polyphon
Monk seine Harmoniefolgen gedacht hat;
der „Zeitenwanderer“ schaut nochmal kurz
bei Weiss vorbei und schließt so einen klei-
nen Kreis.
Man könnte es schon fast eine Tradition nen-
nen: Jedes Album von Roman Viazovskiy
wartet mit mindestens einer Ersteinspielung
einer Komposition des gebürtigen Sibiriers
Konstantin Vassiliev (*1970) auf. Beide
sind nicht nur musikalisch, sondern auch
freundschaftlich verbunden: „Als ich nach
Deutschland kam, half mir Konstantin auf
die Beine“, sagt Roman Viazovskiy. „Als
Studenten haben wir gemeinsam musiziert,
um Geld zu verdienen. Überall, wo wir ge-
spielt haben, waren seine Bearbeitungen von
Hits für zwei Gitarren der absolute Renner.
Schon damals hatte ich das Gefühl, dass er
als Komponist sehr interessant sein würde.
Konstantin hat eine ganz eigene musika-
lische Sprache entwickelt, und ich spiele in
all meinen Konzertprogrammen mindestens
ein Stück von ihm.“ Roman Viazovskiy ist
der ideale Uraufführungsinterpret von Vas-
silievs Gitarrenkompositionen. Konstantin
Vassiliev studierte an der Hochschule von
Novosibirsk Gitarre bei Arkadii Burkhanov
und Komposition bei Sergei Tossin, bevor er
1995 nach Deutschland zog und seine Stu-
dien in Münster bei Reinbert Evers und Ge-
org Haidu fortsetzte. Er komponiert haupt-
sächlich Kammermusik für verschiedenste
Besetzungen, ist in seiner Arbeit aber immer
wieder auf sein Hauptinstrument, die Gi-
tarre, fokussiert. – Zeitenwanderer ist nicht
nur das titelgebende Stück, sondern auch
eine Art Resümee des gesamten Albums.
Eine vermeintliche Petitesse, eine kleine
dreiminütige Phantasie, die in sich jedoch
einige Charakteristika des Vorangegangenen
vereint. Die transparente Stimmführung
des Barock, das klassische Understatement
in der formalen Anlage bei gleichzeitig im-
pressionistischer Klangverliebtheit sowie in
der offenen Tonalität ein paar Passagen, die
sich durchaus „jazzy“ nennen dürfen. Und
was die spieltechnischen Möglichkeiten der
modernen Gitarre angeht, selbstredend auf
der Höhe der Zeit.
Nicolai Kobus
zählt zu den All-Time-Standards des Jazz-
Repertoires. Unzählige Einspielungen, un-
zählige Interpretationen, von daher einem
Stück des gängigen Klassik-Repertoires
nicht unähnlich. Auch Gitarristen, vor-
nehmlich allerdings aus dem Jazz-Millieu,
haben sich immer wieder an diesem einzig-
artigen Material versucht. Als Referenzauf-
nahme kann bis heute die Einspielung von
Wes Montgomery aus dem Jahr 1965 gel-
ten. „Das Arrangement, das ich hier spiele“,
sagt Roman Viazovskiy, „wurde von einem
Meister seines Fachs, von Roland Dyens,
gemacht. Ich habe es schon vor 15 Jahren
von ihm gehört. Meine Finger brannten
vor Lust, es auch zu spielen, aber ich hatte
nie die Zeit, es in mein Repertoire aufzu-
nehmen. Jetzt habe ich mir die Zeit genom-
men – und wenn ich es spiele, ist es Balsam
für meine Seele.“ Der gebürtige Tunesier
Roland Dyens (*1955) lebt seit früher
Kindheit in Paris, war Schüler von Alberto
Ponce und ist seit langem begehrter Lehrer
und gefeierter Konzertvirtuose. Einen nicht
unwesentlichen Teil seines Rufs verdankt
er den Einrichtungen bekannter Klassiker,
gern aus dem Jazz, für das 6-Saiten-Biotop
der Konzertgitarre. Monks Original wird in
Dyens‘ Bearbeitung gewissermaßen dome-
stiziert, das Sperrige und auch Subversive
des frühen Bebop Monkscher Prägung wird
zurückgedrängt durch die Brillanz einer
spieltechnisch ausgefuchsten Neuinterpre-
tation, die zwar mit einigen Blue-Notes in
den schnellen Läufen und einem geschmei-
digen Swing in den Walking-Bass-Passagen
aufwartet, letztlich das Ausgangsmaterial
aber doch in musikalisch reglementiertere
Sphären transferiert. Sehr klar zutage tritt
in dieser Fassung allerdings, wie polyphon
Monk seine Harmoniefolgen gedacht hat;
der „Zeitenwanderer“ schaut nochmal kurz
bei Weiss vorbei und schließt so einen klei-
nen Kreis.
Man könnte es schon fast eine Tradition nen-
nen: Jedes Album von Roman Viazovskiy
wartet mit mindestens einer Ersteinspielung
einer Komposition des gebürtigen Sibiriers
Konstantin Vassiliev (*1970) auf. Beide
sind nicht nur musikalisch, sondern auch
freundschaftlich verbunden: „Als ich nach
Deutschland kam, half mir Konstantin auf
die Beine“, sagt Roman Viazovskiy. „Als
Studenten haben wir gemeinsam musiziert,
um Geld zu verdienen. Überall, wo wir ge-
spielt haben, waren seine Bearbeitungen von
Hits für zwei Gitarren der absolute Renner.
Schon damals hatte ich das Gefühl, dass er
als Komponist sehr interessant sein würde.
Konstantin hat eine ganz eigene musika-
lische Sprache entwickelt, und ich spiele in
all meinen Konzertprogrammen mindestens
ein Stück von ihm.“ Roman Viazovskiy ist
der ideale Uraufführungsinterpret von Vas-
silievs Gitarrenkompositionen. Konstantin
Vassiliev studierte an der Hochschule von
Novosibirsk Gitarre bei Arkadii Burkhanov
und Komposition bei Sergei Tossin, bevor er
1995 nach Deutschland zog und seine Stu-
dien in Münster bei Reinbert Evers und Ge-
org Haidu fortsetzte. Er komponiert haupt-
sächlich Kammermusik für verschiedenste
Besetzungen, ist in seiner Arbeit aber immer
wieder auf sein Hauptinstrument, die Gi-
tarre, fokussiert. – Zeitenwanderer ist nicht
nur das titelgebende Stück, sondern auch
eine Art Resümee des gesamten Albums.
Eine vermeintliche Petitesse, eine kleine
dreiminütige Phantasie, die in sich jedoch
einige Charakteristika des Vorangegangenen
vereint. Die transparente Stimmführung
des Barock, das klassische Understatement
in der formalen Anlage bei gleichzeitig im-
pressionistischer Klangverliebtheit sowie in
der offenen Tonalität ein paar Passagen, die
sich durchaus „jazzy“ nennen dürfen. Und
was die spieltechnischen Möglichkeiten der
modernen Gitarre angeht, selbstredend auf
der Höhe der Zeit.
Nicolai Kobus
R O M A N V I A Z O V S K I Y was born in Do-
netsk in the Ukraine in 1974. From 1988 to
1992 he studied with Victor Krivenko at his
local College of Music, before continuing his
studies with Valery Ivko (guitar) and Ludmila
Popova (conducting) at the city’s Sergey Pro-
kofiev Conservatory. On graduating, he mo-
ved to Germany to perfect his technique with
Reinbert Evers on the Münster campus of the
Detmold Academy of Music. He completed
his studies with Tadashi Sasaki at the Aachen
campus of the Cologne Academy of Music.
Concert engagements have taken Roman Vi-
azovskiy all over Europe and as far afield as
the Middle East, the U.S.A., China, Thailand
and Japan. He appears regularly at all the lea-
ding guitar festivals. Among the international
venues where he has performed as a soloist
are the Ukrainian National Philharmonic
Hall in Kiev, the Bunka kaikan Recital Hall
in Tokyo, the Salle Claude-Champagne in
Montreal and the Concertgebouw in Bruges.
He made his début in the Tchaikovsky Con- “And now I should like to take you with me
cert Hall in Moscow’s Philharmonic Hall in on a journey in which time no longer has
March 2007. any part to play. Pour yourself a glass of wine,
sit back and forget the world…”
Roman Viazovskiy has received many inter-
national awards and he is fellow of the GWK,
Münster/Westfalia. He has taken part in
numerous radio and television broadcasts in
the Ukraine, Germany, Spain, Italy, Croatia,
Hungary and Japan. His début CD Fatum
appeared in 2001, while his second album
Sonatas was released by CC ClassicClips
(CLCL 102) in 2006.
In recent years Karl-Heinz Römmich has
made several guitars for Roman Viazovskiy,
his work inspired by a clear eye to the
performer’s interpretative needs and by their
shared experiences. Two of these instruments
are used in the present recording. Both are
notable for the luxuriant fullness of their
sound, their percussive attack and the subtle
transparency of their sonorities.
R O M A N V I A Z O V S K I Y was born in Do-
netsk in the Ukraine in 1974. From 1988 to
1992 he studied with Victor Krivenko at his
local College of Music, before continuing his
studies with Valery Ivko (guitar) and Ludmila
Popova (conducting) at the city’s Sergey Pro-
kofiev Conservatory. On graduating, he mo-
ved to Germany to perfect his technique with
Reinbert Evers on the Münster campus of the
Detmold Academy of Music. He completed
his studies with Tadashi Sasaki at the Aachen
campus of the Cologne Academy of Music.
Concert engagements have taken Roman Vi-
azovskiy all over Europe and as far afield as
the Middle East, the U.S.A., China, Thailand
and Japan. He appears regularly at all the lea-
ding guitar festivals. Among the international
venues where he has performed as a soloist
are the Ukrainian National Philharmonic
Hall in Kiev, the Bunka kaikan Recital Hall
in Tokyo, the Salle Claude-Champagne in
Montreal and the Concertgebouw in Bruges.
He made his début in the Tchaikovsky Con- “And now I should like to take you with me
cert Hall in Moscow’s Philharmonic Hall in on a journey in which time no longer has
March 2007. any part to play. Pour yourself a glass of wine,
sit back and forget the world…”
Roman Viazovskiy has received many inter-
national awards and he is fellow of the GWK,
Münster/Westfalia. He has taken part in
numerous radio and television broadcasts in
the Ukraine, Germany, Spain, Italy, Croatia,
Hungary and Japan. His début CD Fatum
appeared in 2001, while his second album
Sonatas was released by CC ClassicClips
(CLCL 102) in 2006.
In recent years Karl-Heinz Römmich has
made several guitars for Roman Viazovskiy,
his work inspired by a clear eye to the
performer’s interpretative needs and by their
shared experiences. Two of these instruments
are used in the present recording. Both are
notable for the luxuriant fullness of their
sound, their percussive attack and the subtle
transparency of their sonorities.
Zeitenwanderer (Wanderer in Time)
is Roman Viazovskiy’s third and most per-
sonal album, a kind of up-to-the-minute re-
port on his own development as both man
and artist, but also a sentient statement con-
cerning his own quintessential instrument,
the guitar, which is one of the most com-
plex, delicate and versatile tools that can be
used in interpreting music. But the guitar is
also a problematical instrument in terms of
the way in which we perceive it: either it is
associated with displays of empty showman-
ship, implying an attempt to outshine all
rivals and suggesting a cult of the virtuoso
performer celebrated in the notorious bra-
vura pieces of the standard repertory, or else
it elicits a tired smile at the impression of
an outmoded “Wandervogel”-bliss (“Wan-
dervogel”: German-Austrian youth move-
ment around 1900). I should stress that I
am not referring here to the green pastures
or sepia-toned landscapes of the worlds of
folk music, rock or some other alternative
scene, in which the classical concert guitar
of Iberian extraction is still a relatively rare
visitor. No, Roman Viazovskiy, who until
now has been regarded as a 20th-century
specialist, hopes that with his new release he
can reveal his instrument in all its expressive
range, a range that has always been typical
of an instrument that Segovia once called
an “orchestra between two hands”. “I wan-
ted to record a programme that would be of
interest not only to guitarists and to a nar-
rower specialist audience but also to music
lovers who are hearing a concert guitar for
the first time,” Roman Viazovskiy explains
his choice of pieces. “It should be gripping,
fresh, expressive and moving. And it should
reveal the guitar in all its versatility.” He
also expresses his gratitude to Christopher
McGuire for inspiring him to tackle the
present project following a conversation on
the subject of the future of the guitar, on the
instrument’s repertory and on the contem-
porary composers who have written works
for it. McGuire is the artistic director of the
Allegro Guitar Series in Forth Worth and
it was he who invited Roman Viazovskiy
to give his United States début in 2009.
Indeed, Zeitenwanderer has become an al-
bum for music lovers in general – not just
for connoisseurs of the instrument but also
for inquisitive novices. Even the opening
number is programmatical in character.
Silvius Leopold Weiss (1686 – 1750)
has more in common with Johann Seba-
stian Bach than the almost identical dates of
his birth and death. He was born in Breslau
as the son of the Düsseldorf court lutenist
Johann Jakob Weiss, with whom he is be-
lieved to have studied. After visiting Italy
and serving in Hesse-Cassel he joined the
Dresden Court Orchestra, of which he re-
mained a member until his death. This was
a period when the lute was held in relatively
low esteem, even a writer such as Johann
Mattheson regarded it as inferior and attri-
buted a certain “pauvreté” to both the in-
strument itself and to lutenists in general.
But many of Weiss’ contemporaries admi-
red him and felt that he stood apart from his
colleagues. In the Bach household, too, he
was accorded the greatest respect, and there
is even a rumour that a famous battle took
place in Bach’s music room in the course
of which the two composers vied with one
another in a demonstration of their ability
to handle fugal procedures. Until his death
in 1750 Weiss is said to have written only
for the lute, as if he needed no other in-
strument. His Sonata V in G major is a
multi-movement pre-Classical work that
resembles nothing so much as a French sui-
te. Its formal language is Baroque through
and through, the pedal point in the Prélude
being only one aspect among many that re-
calls the composer’s great Leipzig colleague.
The work is also notable for its translucent
textures and for the rich harmonies that are
the result of the polyphonic part-writing.
Zeitenwanderer (Wanderer in Time)
is Roman Viazovskiy’s third and most per-
sonal album, a kind of up-to-the-minute re-
port on his own development as both man
and artist, but also a sentient statement con-
cerning his own quintessential instrument,
the guitar, which is one of the most com-
plex, delicate and versatile tools that can be
used in interpreting music. But the guitar is
also a problematical instrument in terms of
the way in which we perceive it: either it is
associated with displays of empty showman-
ship, implying an attempt to outshine all
rivals and suggesting a cult of the virtuoso
performer celebrated in the notorious bra-
vura pieces of the standard repertory, or else
it elicits a tired smile at the impression of
an outmoded “Wandervogel”-bliss (“Wan-
dervogel”: German-Austrian youth move-
ment around 1900). I should stress that I
am not referring here to the green pastures
or sepia-toned landscapes of the worlds of
folk music, rock or some other alternative
scene, in which the classical concert guitar
of Iberian extraction is still a relatively rare
visitor. No, Roman Viazovskiy, who until
now has been regarded as a 20th-century
specialist, hopes that with his new release he
can reveal his instrument in all its expressive
range, a range that has always been typical
of an instrument that Segovia once called
an “orchestra between two hands”. “I wan-
ted to record a programme that would be of
interest not only to guitarists and to a nar-
rower specialist audience but also to music
lovers who are hearing a concert guitar for
the first time,” Roman Viazovskiy explains
his choice of pieces. “It should be gripping,
fresh, expressive and moving. And it should
reveal the guitar in all its versatility.” He
also expresses his gratitude to Christopher
McGuire for inspiring him to tackle the
present project following a conversation on
the subject of the future of the guitar, on the
instrument’s repertory and on the contem-
porary composers who have written works
for it. McGuire is the artistic director of the
Allegro Guitar Series in Forth Worth and
it was he who invited Roman Viazovskiy
to give his United States début in 2009.
Indeed, Zeitenwanderer has become an al-
bum for music lovers in general – not just
for connoisseurs of the instrument but also
for inquisitive novices. Even the opening
number is programmatical in character.
Silvius Leopold Weiss (1686 – 1750)
has more in common with Johann Seba-
stian Bach than the almost identical dates of
his birth and death. He was born in Breslau
as the son of the Düsseldorf court lutenist
Johann Jakob Weiss, with whom he is be-
lieved to have studied. After visiting Italy
and serving in Hesse-Cassel he joined the
Dresden Court Orchestra, of which he re-
mained a member until his death. This was
a period when the lute was held in relatively
low esteem, even a writer such as Johann
Mattheson regarded it as inferior and attri-
buted a certain “pauvreté” to both the in-
strument itself and to lutenists in general.
But many of Weiss’ contemporaries admi-
red him and felt that he stood apart from his
colleagues. In the Bach household, too, he
was accorded the greatest respect, and there
is even a rumour that a famous battle took
place in Bach’s music room in the course
of which the two composers vied with one
another in a demonstration of their ability
to handle fugal procedures. Until his death
in 1750 Weiss is said to have written only
for the lute, as if he needed no other in-
strument. His Sonata V in G major is a
multi-movement pre-Classical work that
resembles nothing so much as a French sui-
te. Its formal language is Baroque through
and through, the pedal point in the Prélude
being only one aspect among many that re-
calls the composer’s great Leipzig colleague.
The work is also notable for its translucent
textures and for the rich harmonies that are
the result of the polyphonic part-writing.
But the melodic writing is already clearly
indebted to the galant style. Only a modern
concert guitar can do full justice to all the
multi-faceted aspects of this masterly suite,
which, of course, places correspondingly
high demands on the guitarist’s interpre-
tative gifts. Roman Viazovskiy performs
this work in his own transcription, which
is based on the original manuscript. The
instrument is tuned accordingly. Only very
recently have some of Weiss’ compositions
become more widely available in the form
of printed editions.
With Napoléon Coste (1805 – 1883)
we leap forward to the Age of Roman-
ticism and at the same time look back to
the sixteen-year-old Roman Viazovskiy. In
1989 he stumbled upon a festival recording
of the young Carlo Marchione that inspi-
red him to want to study all the pieces in
Marchione’s programme. “Concerts in the
Ukraine have always been introduced by a
compère,” the guitarist recalls. “Because the
live recording of this concert was of such
poor quality, I was able to make out only
the composer’s name but not the title of the
piece. I was captivated by Carlo’s playing
and immediately fell in love with the work.
But no one in the Ukraine could tell me
what it was called. Three years later I under-
took my first concert tour of Germany and
met my future teacher, Reinbert Evers. It
was in his extensive library that I was finally
able to find a copy of the work for which I
had been looking for so long: the Introduc-
tion et Variations sur un motif de Rossini.
Because these wonderful variations are very
rarely performed I decided to include them
in my concert repertory.” In Coste’s case the
Age of Romanticism emerges as highly con-
servative and even stolidly Classical. Coste
received his earliest guitar lessons from his
mother. He moved to Paris in 1830 and
continued to study the guitar and composi-
tion, chiefly with Fernando Sor. He pursued
a busy concert schedule until 1863, when a
broken arm forced him to retire from the
concert platform and to concentrate instead
on teaching and composition. But he also
took an increasing interest in instrument
making. Together with the Parisian guitar
maker René-François Lacôte, he develo-
ped a seven-string guitar that extended the
instrument’s range by adding a “floating”
bass string. But for the most part he was
obliged to earn his living by working as a
municipal administrator. The Introduction
et Variations sur un motif de Rossini is a
set of classical variations that subjects the
theme to a sequence of elegant textbook
variations. The delicate variation using har-
monics is without doubt a dazzling jewel of
the repertory, but the other variations, too,
are no less remarkable for their highly ef-
fective glissandos and tricky trills. Right up
to and including the wild scalar passages in
the bass in the final variation, the composer
places huge demands on his performer.
Joaquín Turina (1882 – 1949) provides a
bridge to the 20th century. He was born in
Seville and initially studied the piano with
José Tragó in Madrid, then spent eight years
as a composition student of Vincent d’Indy
at the Schola Cantorum in Paris, graduating
in 1913. Following his return to Madrid he
worked as a conductor and chorus master
at the Teatro Real and elsewhere before
being appointed to a chair in composition
at the Madrid Conservatory in 1931. Joa-
quín Turina is regarded as one of the leading
Spanish composers alongside Isaac Albéniz
and Manuel de Falla. For many years he
was friendly with de Falla, with whom he
shared the desire to give music a national,
specifically Spanish character. But whereas
de Falla conceived of this character as some-
thing artificially abstract, Turina related to
Andalusian folk music. His principal instru-
ment was in fact the piano, but for a Spa-
nish composer not to write for the guitar
was certainly tantamount to high treason.
But the melodic writing is already clearly
indebted to the galant style. Only a modern
concert guitar can do full justice to all the
multi-faceted aspects of this masterly suite,
which, of course, places correspondingly
high demands on the guitarist’s interpre-
tative gifts. Roman Viazovskiy performs
this work in his own transcription, which
is based on the original manuscript. The
instrument is tuned accordingly. Only very
recently have some of Weiss’ compositions
become more widely available in the form
of printed editions.
With Napoléon Coste (1805 – 1883)
we leap forward to the Age of Roman-
ticism and at the same time look back to
the sixteen-year-old Roman Viazovskiy. In
1989 he stumbled upon a festival recording
of the young Carlo Marchione that inspi-
red him to want to study all the pieces in
Marchione’s programme. “Concerts in the
Ukraine have always been introduced by a
compère,” the guitarist recalls. “Because the
live recording of this concert was of such
poor quality, I was able to make out only
the composer’s name but not the title of the
piece. I was captivated by Carlo’s playing
and immediately fell in love with the work.
But no one in the Ukraine could tell me
what it was called. Three years later I under-
took my first concert tour of Germany and
met my future teacher, Reinbert Evers. It
was in his extensive library that I was finally
able to find a copy of the work for which I
had been looking for so long: the Introduc-
tion et Variations sur un motif de Rossini.
Because these wonderful variations are very
rarely performed I decided to include them
in my concert repertory.” In Coste’s case the
Age of Romanticism emerges as highly con-
servative and even stolidly Classical. Coste
received his earliest guitar lessons from his
mother. He moved to Paris in 1830 and
continued to study the guitar and composi-
tion, chiefly with Fernando Sor. He pursued
a busy concert schedule until 1863, when a
broken arm forced him to retire from the
concert platform and to concentrate instead
on teaching and composition. But he also
took an increasing interest in instrument
making. Together with the Parisian guitar
maker René-François Lacôte, he develo-
ped a seven-string guitar that extended the
instrument’s range by adding a “floating”
bass string. But for the most part he was
obliged to earn his living by working as a
municipal administrator. The Introduction
et Variations sur un motif de Rossini is a
set of classical variations that subjects the
theme to a sequence of elegant textbook
variations. The delicate variation using har-
monics is without doubt a dazzling jewel of
the repertory, but the other variations, too,
are no less remarkable for their highly ef-
fective glissandos and tricky trills. Right up
to and including the wild scalar passages in
the bass in the final variation, the composer
places huge demands on his performer.
Joaquín Turina (1882 – 1949) provides a
bridge to the 20th century. He was born in
Seville and initially studied the piano with
José Tragó in Madrid, then spent eight years
as a composition student of Vincent d’Indy
at the Schola Cantorum in Paris, graduating
in 1913. Following his return to Madrid he
worked as a conductor and chorus master
at the Teatro Real and elsewhere before
being appointed to a chair in composition
at the Madrid Conservatory in 1931. Joa-
quín Turina is regarded as one of the leading
Spanish composers alongside Isaac Albéniz
and Manuel de Falla. For many years he
was friendly with de Falla, with whom he
shared the desire to give music a national,
specifically Spanish character. But whereas
de Falla conceived of this character as some-
thing artificially abstract, Turina related to
Andalusian folk music. His principal instru-
ment was in fact the piano, but for a Spa-
nish composer not to write for the guitar
was certainly tantamount to high treason.
Composed in 1930, Turina’s Sonata op. 61
was first performed in 1932. Like so many
other works that are now a part of the stan-
dard repertory, it was premièred by Andrés
Segovia. Two highly virtuoso Allegro move-
ments frame a delicate Andante. The musi-
cal language of all three movements makes
clear the composer’s debt to his country’s
folk music, for the writing is dominated by
flamenco elements. Note the typical chordal
shifts, the breakneck arpeggios, the rolling
rasgueado figures and above all the tremen-
dous range of colour that is so characteristic
of Andalusian melodies. But these elements
are embedded in textures that are artful-
ly refined and, as such, far removed from
the world of folk music. In recording this
sonata, Roman Viazovskiy has returned to
the original version, a version that diverges
on a number of minor points from the first
printed edition that enshrines Segovia’s per-
formance of the piece.
The Brazilian composer Sérgio Assad was
born in São Paulo in 1952 and is known
chiefly as a concert virtuoso, performing in
the Duo Assad with his brother Odair. Since
the 1980s they have enjoyed considerable
international acclaim. But he has written for
the guitar from the very outset of his career
and has completed over fifty compositions, a
number of which are now a part of the main-
stream guitar repertory. He and his brother
studied the guitar with Segovia’s pupil Mo-
nina Tavora in Rio de Janeiro. Although he
later studied composition with Esther Scliar,
the foundations of his musical education
were in fact laid in the Brazilian choro –
choros are folk music ensembles that gene-
rally comprise a mandolin or flute as a solo
instrument and various guitars that provide
the accompaniment. According to Sérgio
Assad’s own testimony, it was his father who
provided him with his earliest understan-
ding of harmony and melody well before he
acquired his theoretical knowledge. As a re-
sult, the influence of national folk music is
self-evident for him. More recently his style
has been more influenced by Middle Eas-
tern music. For Roman Viazovskiy, Aqua-
relle of 1986 is “one of the most spectacular
pieces in the modern guitar repertory – full
of contrasts and both sensitive and energe-
tic”. Harmonically speaking, the Brazilian
element is most apparent in the virtuosic
third movement, a Preludio e Toccatino (a
“little” Toccata), but the rhythms in the
central and final sections of the Divertimen-
to are no less Brazilian with their samba-like
accents. In general, however, the sonorities,
with their constantly shifting values, may
best be described as late Impressionist. In
particular the apparently simple Valseana,
with its rocking motion, both simultaneous
and working in opposite directions, may
justly appeal to Debussy as its source of in-
spiration, while the swiftly darting harmo-
nic writing owes much of its artful slyness
to the music of Ravel.
Thelonious Monk (1917 – 1982), the
great individualist and one of the most in-
fluential musicians working in the field of
modern jazz, especially bebop, had moved
with his family from North Carolina to
New York in the early 1920s. Living on the
western fringes of Harlem he found himself
already as a small child on the edge of the
seething cauldron of modern jazz, in the
first circle of hell. The rest is history. Ex-
treme highs alternating with generally drug-
induced collapses, demonization and ado-
ration, public appearances and recordings
with the leading jazz performers of his age,
and some of the most influential composi-
tions of the 20th century which were brea-
king with conventions obtained even in the
world of jazz. Here we find chords piled up
on one another in ways that would probably
have caused other composers to be locked
up. No less remarkable is the paradoxical
use of polyrhythms as part of a performance
technique derived from stride and essential-
Composed in 1930, Turina’s Sonata op. 61
was first performed in 1932. Like so many
other works that are now a part of the stan-
dard repertory, it was premièred by Andrés
Segovia. Two highly virtuoso Allegro move-
ments frame a delicate Andante. The musi-
cal language of all three movements makes
clear the composer’s debt to his country’s
folk music, for the writing is dominated by
flamenco elements. Note the typical chordal
shifts, the breakneck arpeggios, the rolling
rasgueado figures and above all the tremen-
dous range of colour that is so characteristic
of Andalusian melodies. But these elements
are embedded in textures that are artful-
ly refined and, as such, far removed from
the world of folk music. In recording this
sonata, Roman Viazovskiy has returned to
the original version, a version that diverges
on a number of minor points from the first
printed edition that enshrines Segovia’s per-
formance of the piece.
The Brazilian composer Sérgio Assad was
born in São Paulo in 1952 and is known
chiefly as a concert virtuoso, performing in
the Duo Assad with his brother Odair. Since
the 1980s they have enjoyed considerable
international acclaim. But he has written for
the guitar from the very outset of his career
and has completed over fifty compositions, a
number of which are now a part of the main-
stream guitar repertory. He and his brother
studied the guitar with Segovia’s pupil Mo-
nina Tavora in Rio de Janeiro. Although he
later studied composition with Esther Scliar,
the foundations of his musical education
were in fact laid in the Brazilian choro –
choros are folk music ensembles that gene-
rally comprise a mandolin or flute as a solo
instrument and various guitars that provide
the accompaniment. According to Sérgio
Assad’s own testimony, it was his father who
provided him with his earliest understan-
ding of harmony and melody well before he
acquired his theoretical knowledge. As a re-
sult, the influence of national folk music is
self-evident for him. More recently his style
has been more influenced by Middle Eas-
tern music. For Roman Viazovskiy, Aqua-
relle of 1986 is “one of the most spectacular
pieces in the modern guitar repertory – full
of contrasts and both sensitive and energe-
tic”. Harmonically speaking, the Brazilian
element is most apparent in the virtuosic
third movement, a Preludio e Toccatino (a
“little” Toccata), but the rhythms in the
central and final sections of the Divertimen-
to are no less Brazilian with their samba-like
accents. In general, however, the sonorities,
with their constantly shifting values, may
best be described as late Impressionist. In
particular the apparently simple Valseana,
with its rocking motion, both simultaneous
and working in opposite directions, may
justly appeal to Debussy as its source of in-
spiration, while the swiftly darting harmo-
nic writing owes much of its artful slyness
to the music of Ravel.
Thelonious Monk (1917 – 1982), the
great individualist and one of the most in-
fluential musicians working in the field of
modern jazz, especially bebop, had moved
with his family from North Carolina to
New York in the early 1920s. Living on the
western fringes of Harlem he found himself
already as a small child on the edge of the
seething cauldron of modern jazz, in the
first circle of hell. The rest is history. Ex-
treme highs alternating with generally drug-
induced collapses, demonization and ado-
ration, public appearances and recordings
with the leading jazz performers of his age,
and some of the most influential composi-
tions of the 20th century which were brea-
king with conventions obtained even in the
world of jazz. Here we find chords piled up
on one another in ways that would probably
have caused other composers to be locked
up. No less remarkable is the paradoxical
use of polyrhythms as part of a performance
technique derived from stride and essential-
ly based on solidly regular structures. Suffe-
ring from serious depression, Monk died in
New Jersey in 1982. The E flat minor caden-
za following the intro to Round Midnight
(1940) soon became one of the acoustic
icons of modern jazz. The chromatically de-
scending bass line from which the narrative
melodic voice emerges in giant steps from
the very depths is one of the all-time greats
of the jazz repertory. Countless recordings
and countless interpretations have turned
it into something not unlike a piece from
the established classical repertory. Guitarists,
too, especially those from the world of jazz,
have repeatedly turned their hand to this
altogether unique material. The recording
made by Wes Montgomery in 1965 may
still be regarded as definitive. “The arrange-
ment that I have recorded here”, says Ro-
man Viazovskiy, “was prepared by a master
in his field, Roland Dyens. I heard him play
it fifteen years ago. My fingers were almost
literally burning, so keen was I to play it, but
I never had time to take it into my reperto-
ry. Now I have found the time – and when-
ever I play it, it is balm to my soul.” Roland
Dyens was born in Tunisia in 1955 but has
lived in Paris since his early childhood. He
studied with Alberto Ponce and has long
been a much sought-after teacher and an ac-
claimed concert virtuoso. He owes much of
his fame to his arrangements of well-known
classics, generally jazz standards, for the six-
string concert guitar. Monk’s original is to a
certain extent domesticated in Dyens’ arran-
gement, which underplays the wayward and
subversive element in Monk’s early bebop
style in favour of a brilliant and technically
adept reinterpretation that adds a few blue
notes to the rapid passage-work and pro-
vides the walking bass with a supple swing
but which ultimately transposes the original
material to a world that is musically more
highly regimented. And yet this version
also allows us to appreciate the polyphonic
complexity of Monk’s harmonic writing: the
Wanderer in Time looks in briefly on Weiss,
thereby bringing his journey full circle.
It is now something of a tradition for each
new release by Roman Viazovskiy to include
at least one world-première recording of a
work by the Siberian composer Konstantin
Vassiliev (*1970). The two men are close
not only as musicians but also as friends:
“When I moved to Germany, Konstantin
helped me to get started,” says Roman Via-
zovskiy. “We performed together as students
in order to earn some money. Wherever we
played, it was always his two-guitar arrange-
ments of hits that were a runaway success.
Even at that date I had the feeling that as
a composer he would be a very interesting
figure. He has developed his own musical
language, and I play at least one of his works
at each of my concerts.” Roman Viazovskiy
is ideally placed to première Vassiliev’s guitar
works. Konstantin Vassiliev studied at the
Academy of Music in Novosibirsk, where
his teachers included Arkadii Burkhanov for
the guitar and Sergey Tossin for composi-
tion. He moved to Germany in 1995 and
continued his studies with Reinbert Evers
and Georg Haidu in Münster. He writes
mostly chamber music for the most dispa-
rate forces, but time and again he focuses
on his principal instrument, the guitar. Zei-
tenwanderer (Wanderer in Time) is not only
the title of the present album as a whole, it
is also a kind of summation of it. Although
it seems a slight piece, taking the form of a
three-minute fantasy, it combines a number
of characteristics from the preceding works,
including the translucent part-writing of the
Baroque. Note also the Classical understate-
ment of its formal design, its fondness for
Impressionist sonorities and the open-ended
tonality of a number of passages that recall
the world of jazz. In terms of the technical
possibilities open to the modern guitar, it is,
of course, very much abreast of its times.
Nicolai Kobus
ly based on solidly regular structures. Suffe-
ring from serious depression, Monk died in
New Jersey in 1982. The E flat minor caden-
za following the intro to Round Midnight
(1940) soon became one of the acoustic
icons of modern jazz. The chromatically de-
scending bass line from which the narrative
melodic voice emerges in giant steps from
the very depths is one of the all-time greats
of the jazz repertory. Countless recordings
and countless interpretations have turned
it into something not unlike a piece from
the established classical repertory. Guitarists,
too, especially those from the world of jazz,
have repeatedly turned their hand to this
altogether unique material. The recording
made by Wes Montgomery in 1965 may
still be regarded as definitive. “The arrange-
ment that I have recorded here”, says Ro-
man Viazovskiy, “was prepared by a master
in his field, Roland Dyens. I heard him play
it fifteen years ago. My fingers were almost
literally burning, so keen was I to play it, but
I never had time to take it into my reperto-
ry. Now I have found the time – and when-
ever I play it, it is balm to my soul.” Roland
Dyens was born in Tunisia in 1955 but has
lived in Paris since his early childhood. He
studied with Alberto Ponce and has long
been a much sought-after teacher and an ac-
claimed concert virtuoso. He owes much of
his fame to his arrangements of well-known
classics, generally jazz standards, for the six-
string concert guitar. Monk’s original is to a
certain extent domesticated in Dyens’ arran-
gement, which underplays the wayward and
subversive element in Monk’s early bebop
style in favour of a brilliant and technically
adept reinterpretation that adds a few blue
notes to the rapid passage-work and pro-
vides the walking bass with a supple swing
but which ultimately transposes the original
material to a world that is musically more
highly regimented. And yet this version
also allows us to appreciate the polyphonic
complexity of Monk’s harmonic writing: the
Wanderer in Time looks in briefly on Weiss,
thereby bringing his journey full circle.
It is now something of a tradition for each
new release by Roman Viazovskiy to include
at least one world-première recording of a
work by the Siberian composer Konstantin
Vassiliev (*1970). The two men are close
not only as musicians but also as friends:
“When I moved to Germany, Konstantin
helped me to get started,” says Roman Via-
zovskiy. “We performed together as students
in order to earn some money. Wherever we
played, it was always his two-guitar arrange-
ments of hits that were a runaway success.
Even at that date I had the feeling that as
a composer he would be a very interesting
figure. He has developed his own musical
language, and I play at least one of his works
at each of my concerts.” Roman Viazovskiy
is ideally placed to première Vassiliev’s guitar
works. Konstantin Vassiliev studied at the
Academy of Music in Novosibirsk, where
his teachers included Arkadii Burkhanov for
the guitar and Sergey Tossin for composi-
tion. He moved to Germany in 1995 and
continued his studies with Reinbert Evers
and Georg Haidu in Münster. He writes
mostly chamber music for the most dispa-
rate forces, but time and again he focuses
on his principal instrument, the guitar. Zei-
tenwanderer (Wanderer in Time) is not only
the title of the present album as a whole, it
is also a kind of summation of it. Although
it seems a slight piece, taking the form of a
three-minute fantasy, it combines a number
of characteristics from the preceding works,
including the translucent part-writing of the
Baroque. Note also the Classical understate-
ment of its formal design, its fondness for
Impressionist sonorities and the open-ended
tonality of a number of passages that recall
the world of jazz. In terms of the technical
possibilities open to the modern guitar, it is,
of course, very much abreast of its times.
Nicolai Kobus
 P +© 2011 GWK
Recorded: March 2011
Fattoria Musica, Osnabrück
Recording, Editing, Mastering
Karsten Rentz
Guitars
Karl-Heinz Römmich
„Exquisit“ 2009, „Exquisit“ 2010
Strings
D’Addario EJ44C /Titanium T2
m CC ClassicClips is a GWK-Label.
www.gwk-online.de
Fürstenbergstraße 14 · D – 48147 Münster
Editorial: Nicolai Kobus
Translation: Stewart Spencer
Editing: Susanne Schulte
Photos: GWK
Artwork: Rainer Schultz, Cologne
CLASSICclips
www.classic-clips.de
CC ClassicClips ist ein Label der GWK.