Historia Vicens Vives

del Arte
Actividades

Solucionario
 1. EL ARTE

Página 2 Autor: VELÁZQUEZ; Cronología: hacia 1647-1651;

Técnica: óleo sobre lienzo; Medidas: 177x122,5 cm.;
1. Respuesta personal. A modo de ejemplo:
Estilo: barroco; Tema: mitológico; Localización: Na-
El arte es una actividad creativa del ser humano median- tional Gallery, Londres.
te la que representa su entorno o expresa sentimientos e
ideas. El arte tiene distintas motivaciones: la búsqueda 5. – Un museo es una institución destinada a acoger, con-
de la belleza, la exteriorización de pulsiones e inquie- servar, exponer y estudiar obras de arte.
tudes de las personas o la reflexión sobre alguna cuestión – Respuesta personal A modo de ejemplo:
relevante. La actividad artística puede ser individual, a) El Museo del Prado: alberga una colección com-
como, por ejemplo, acostumbra a ser la pintura, o colec- puesta principalmente por pintura renacentista y
tiva, como puede ser la arquitectura. Una obra de arte barroca.
tiene dos aspectos esenciales: su forma y su contenido.
b) El Museo Reina Sofía: alberga una colección de
2. Tradicionalmente el arte se dividía en estas categorías: arte contemporáneo.
– Artes mayores: Estas incluían disciplinas como la 6. Los elementos necesarios para analizar una obra arqui-
pintura, la escultura, la arquitectura, la literatura… Se tectónica son:
consideraba que eran artes ocupadas principalmente
de la expresión de la belleza y de los altos pensa- – Determinar los aspectos de la ficha técnica: el autor,
mientos. la cronología, la tipología, el material, el estilo, etc…
– Artes menores: Se llamaban así aquellas cuya forma – Para la descripción formal debemos analizar las tres
estaba supeditada a una utilidad determinada. Según vistas fundamentales de un edificio:
esto, ejemplos de artes menores serían: la ilustración, a) Fachada
el tapiz, la cerámica, la orfebrería… b) Planta
Actualmente esta clasificación ha perdido vigencia por la c) Alzado
variedad de registros artísticos y la aparición de nuevos
– Debemos hablar del entorno y la integración urba-
medios.
nística del edificio.
3. Las respuestas son: – Por último debemos mencionar los antecedentes e
Nombres Arquitectura Escultura Pintura influencias de la obra.
BERNINI X X X 7. Las respuestas son:
UMBERTO BOCCIONI X X Construcción Función
PRAXÍTELES X Circo Edificio de la antigua Roma destinado a
PIET MONDRIAN X acoger distintos tipos de competiciones.
GIOTTO X Domus Vivienda unifamiliar de la antigua Ro-
ma.
GEORGES BRAQUE X X
Mezquita Templo musulmán.
ALONSO CANO X X X
Hipogeo Recinto subterráneo de uso funerario.
MARCEL DUCHAMP X X
Termas Baños públicos de la antigua Roma.
LOUIS SULLIVAN X
Arco de Monumento conmemorativo de una vic-
RENÉ MAGRITTE X triunfo toria militar.
ALBERTI X Catedral Iglesia principal de una diócesis.
FRANÇOIS RUDE X Propileos Columnata que sirve de entrada a un
edificio.
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4. La estructura de las fichas técnicas sería la siguiente: Página 5
– Ficha técnica arquitectura: Título: Templo de He- 8. Las respuestas son:
festo; Autor: desconocido: Cronología: s. V a.C.; Ti- (8) Rosca (6) Flecha
pología: templo; Material: mármol; Estilo: dórico; Lo-
calización: Atenas. (4) Intradós (7) Luz
– Ficha técnica escultura: Título: El beso; Autor: AU- (5) Trasdós (9) Salmer
GUSTE RODIN; Cronología: 1901-1904; Tipología: es- (1) Clave (10) Montante
cultura exenta; Material: mármol; Estilo; impresio- (2) Dovela (3) Línea de impostas
nista; Tema: simbólico; Localización: Museo Rodin,
París. A. Arco de herradura C. Arco peraltado
– Ficha técnica pintura: Título: La Venus del espejo; B. Arco de medio punto D. Arco apuntado

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9. Los nombres de las bóvedas son, de izquierda a derecha:
bóveda de cañón, bóveda de arista, bóveda de crucería.
10. El condicionante para una construcción son los mate-
riales disponibles en el medio donde esta debe empla-
zarse. En una zona con arbolado se construye de manera
arquitrabada. En una zona más árida se sustituye esta ar-
quitectura por la abovedada.
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11. – La diferencia principal es que las representaciones
pictóricas son bidimensionales y las escultóricas
tridimensionales.
– El procedimiento pictórico consiste en añadir pintura a
una superficie. Los procedimientos escultóricos son: el
modelado, el tallado y el vaciado de una masa.
– Los materiales pictóricos suelen ser pigmentos con
distintos aglutinantes, como temple, óleo, acuarela,
gouache…, que se pueden aplicar sobre tela, madera,
papel, un muro… Los escultóricos suelen ser: barro,
piedra, madera, metales… Una estatua puede estar
subordinada a un marco arquitectónico o ser inde-
pendiente a este.
– Instrumentos pictóricos: lápiz, pincel, paleta, espátu-
la… Instrumentos escultóricos: cincel, gúbia, limas…
12. Los materiales escultóricos más comunes son:
1. Arcilla: tiene la propiedad de ser muy moldeable.
2. Metal: tiene dureza y maleabilidad.
3. Madera: es fàcil de tallar.
4. Piedra: ofrece gran resistencia.
5. Escayola: es un material adecuado para hacer moldes
y coladas.
6. Materiales acrílicos: ofrecen unas características
únicas para jugar con las formas y la luz.
13. – Un relieve escultórico representa figuras integradas
en un plano, que puede ser un muro o una plancha de
algún material. Una escultura exenta, por otra parte,
representa figuras independientes de un marco
arquitectónico y que, por ello, pueden contemplarse
desde múltiples ángulos.
– Los distintos tipos de relieves escultóricos son:
a) El alto relieve: cuyo cuerpo sobresale más de la
mitad de su volumen figurado de la superficie en
la que está representado.
b) El medio relieve: cuyo cuerpo sobresale la mitad
de su volumen figurado
c) El bajo relieve: cuyo cuerpo sobresale menos de
la mitad de su volumen figurado
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14. Elementos necesarios para analizar una obra escultórica:
– Determinar los aspectos de la ficha técnica: el autor,
la cronología, la tipología, el material, el estilo, etc…
– Realización del análisis formal, en el que debemos
distinguir si la obra presenta:
a) Unifacialidad
b) Multifacialidad
– Realización del análisis conceptual.
– Realización del análisis técnico.
– Por último debemos mencionar los modelos e in-
fluencias de la obra.
15. Las respuestas son:
Método Material Técnica
Añadir arcilla, metal, madera modelado, soldadura,
encolado
Sustraer piedra, madera escultura
Vaciar escayola, hormigón, talla
metal, plástico
16. Instrumentos del escultor en el método sustractivo:
– Puntero, cincel y gubia, cuya función es el desbas-
tado.
– Lima y lijas, en el caso de la madera, piedra tosca y
abrasivo, en el caso del mármol, para el alisado.
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17. • Temple: tipo de pintura que consiste en pigmento di-
suelto en agua y con aglutinante, que suele ser: grasa
animal, huevo, glicerina, goma…
• Fresco: técnica pictórica mural que consiste en aña-
dir pigmento disuelto en agua sobre capas de cal hú-
meda.
• Encáustica: tipo de pintura que consiste en pigmento
y cera fundida como aglutinante.
• Cera: instrumento de dibujo que consiste en una ba-
rra compuesta por pigmento y cera como aglutinante.
18. – La Virgen del canciller Rolin es una obra pintada al
óleo. Podemos deducirlo por el detallismo en la re-
presentación que posibilita esta técnica.
– Mirada y mano esta hecha con una técnica que
mezcla distintos tipos de pinturas y materiales. Lo
podemos ver en las irregularidades del plano del
cuadro.
19. Los soportes pictóricos que más se han utilizado en la
historia del arte son:
– El muro: La pintura mural es la demostración pictó-
rica más antigua. Evolucionó tempranamente hacia la
técnica del fresco y del temple.
– La tabla: En la pintura se usó mayoritariamente hasta
el siglo XVII.
– El lienzo: En la pintura se usó mayoritariamente a
partir del s. XVII.
– El pergamino: Usado para libros ilustrados, tuvo su
apogeo durante la Edad Media.
20. Elementos necesarios para analizar una obra escultórica:
– Determinar los aspectos de la ficha técnica: el autor,
la cronología, la técnica, las medidas, el estilo, etc…
– En el ánalisis formal debemos distinguir:
a) Carácter de las formas: dibujísticas o pictóricas
b) Composición: centrífuga o centrípeta.
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 c) Distinguir las principales líneas compositivas: lí-
neas de perspectiva, línea de horizonte y geome-
tría de la composición.
– Realización del análisis conceptual .
– Realización del análisis técnico.
– Por último debemos mencionar los modelos e in-
fluencias de la obra.
21. – Goya introdujo en España la técnica de grabado de la
litografía. Esta consiste en dibujar encima de una
plancha de piedra mediante una técnica grasa. Pos-
teriormente se humedece esta superficie y se entinta.
2. ARTE CLÁSICO: GRECIA
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1. a) Las localizaciones son:
b) Respuestas: 13. Cnosos; 14. Micenas; 15. Tirinto.
c) La principal construcción minoica era el palacio. Este se
estructuraba en diversas estancias independientes en
torno a un patio central, siguiendo la distribución de los
palacios del Próximo Oriente. Uno de los elementos
más característicos de los palacios minoicos es la
columna roja de fuste ancho, cuyo diámetro aumenta en
sentido ascendente. El capitel está formado por un
bloque cuadrangular y una moldura convexa, siendo el
origen del posterior orden dórico. Otro elemento desta-
cable de estos palacios es la riqueza de la pintura mural.
d) El arte micénico se desarrolló entre el 1.600 a.C. y el
1.200 a.C.
2. – Las principales características del arte minoico son:
a) En las pinturas al fresco vemos escenas de la vida
cotidiana, animales y motivos vegetales. Estos
están representados mediante una técnica que em-
plea un colorido intenso y una figuración estili-
zada de perfil, que omite la profundidad en la
composición y da mucho protagonismo a la línea.
b) Otras manifestaciones del arte minoico son la
decoración cerámica, de características similares
a la decoración mural, y las pequeñas estatuas de
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La tinta, también grasa, solo agarra en las zonas de la
piedra cubiertas por los trazos del dibujo. Esto sucede
debido a que el agua repele la tinta grasa. Por último
se estampa el diseño presionando la superficie en la
que deseamos imprimir sobre la plancha.
– Respuesta personal. A modo de ejemplo: otra técnica
de grabado, que también usó Goya, es el aguafuerte.
Este consiste en dibujar en una plancha de cobre cu-
bierta con barniz o cera. Posteriormente se sumerge en
ácido. Este corroe el cobre, que ha quedado al descu-
bierto al trazar sobre la capa de barniz o cera, y deja
unos surcos donde posteriormente se adherirá la tinta.
marfil, bronce y arcilla de marcada frontalidad.
– La influencia de la pintura minoica proviene del arte
egipcio.
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3. Un palacio micénico se estructura alrededor del mega-
rón, que consiste en una estancia rectangular cubierta
(domos), antecedida por un porche con columnas y un
vestíbulo (prodomos).
4. Podemos consultar la figura de Agamenón en este enla-
ce: http://www.tiching.com/762506 La máscara de
Agamenón consiste en un rostro con los ojos cerrados,
por lo que se deduce que es la representación de un
difunto. Esta pieza de orfebrería presenta la esquema-
tización formal y la frontalidad características de la
escultura cretomicénica.
5. Véase el eje en la Figura 1 de la página siguiente.
6. • Polis: Ciudad-estado de la antigua Grecia..
• Ágora: Plaza pública donde se celebraban las asam-
bleas que decidían los asuntos de la polis.
• Friso: Elemento arquitectónico decorado con relieves
escultóricos. Usualmente se encuentra en las facha-
das de los edificios entre el arquitrabe y el frontón.
7. 1. Se encuentra en Paestum. Probablemente se trata de
una representación simbólica del paso a la otra vida.
2. Se encuentra en Creta. Es la representación de una
divinidad o sacerdotisa minoica.
3. Se encuentra en Creta. Es un recipiente, para alma-
cenar algun tipo de alimento, decorado con motivos
geométricos.
4. Se encuentra en Micenas. Era la entrada principal de
dicha ciudad. Está construída con bloques ciclópeos,
las figuras del relieve miden tres metros de altura.
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8. a) Dórico (a partir del siglo VII a.C.). Sus principales
características son: los capiteles sin decoración, los
fustes de las columnas tienen estrías de cantos vivos
y estas no tienen basa.
 FIGURA 1
b) Jónico (a partir del siglo VI a.C.). Los capiteles
consisten en dos volutas en espiral. Los fustes son de
cantos planos, estos son más esbeltos que los de
orden dórico y se erigen sobre una basa. La basa jó-
nica está formada por una superposición de volú-
menes concavos y convexos.
c) Corintio (a partir del siglo IV a.C.). Los capiteles es-
tan ornamentados con hojas de acanto. Los fustes son
más delgados que los del orden jónico. Las basas
estan compuestas de dos boceles y dos escocias.
9. 1. Cávea: servía de grada
2. Proscenio: espacio de transición situado entre la
escena y la orquestra
3. Orquestra: espacio donde se situaban los músicos y
bailarines
4. Escena: lugar en el que los actores ejecutaban la
representación
10. Las plantas dibujadas son las siguientes:
anfipróstilo áptero in antis tholos
11. • Acrópolis: Recinto fortificado, situado en la zona
más alta de la ciudad, donde se encontraban los
edificios cultuales.
• Éntasis: Parte más ancha del fuste de una columna.
• Estilóbato: Último escalón de la base de un templo
griego sobre el que se levanta la columna.
• Collarino: Elemento de la columna que sirve de vín-
culo entre el fuste y el capitel.
• Ábaco: Elemento superior del capitel sobre el que se
apoya el arquitrabe.
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12. Ficha técnica: Partenón
Autores: ICTINO (segunda mitad del siglo V a.C.) y
CALÍCRATES (siglo V a.C.).
Cronología: entre el 447 a.C. y el 438 a.C.
Material: mármol del Pentélico y madera.
Estilo: griego clásico
Descripción formal: El Partenón se levanta sobre una
base compuesta de tres escaleras (estereóbato) y un
último escalón (estilóbato). Sobre este escalón se levanta
la columnata de orden dórico. Esta se compone de ocho
columnas en las fachadas frontales y diecisiete en cada
costado. El frontón y el friso están decorados con relie-
ves escultóricos. El arquitrabe es liso. El edifico tiene
una cubierta a dos aguas con cornisas rematadas en los
extremos por elementos decorativos (acróteras). El inte-
rior está dividido en dos salas incomunicadas entre ellas:
naos, la más grande, y opistódromo. Cada una de estas
está antecedida por un pórtico hextásilo (seis columnas).
Atendiendo a las columnas define…: Se trata de un
templo de orden dórico octásilo (8 columnas frontales) y
períptero (el perímetro del templo está circunscrito por
una hilera de columnas).
¿Qué figura guardaba en su…: Guardaba una estatua
de grandes dimensiones, hecha de oro y marfil, que
representaba a la diosa Atenea.
13. El Erecteion forma parte del mismo complejo arquitec-
tónico que el Partenón: la Acrópolis de Atenas. El Erec-
teion, de tamaño más reducido que el Partenón, muestra
cuatro fachadas de distintas características. Estas están
compuestas por pórticos de columnas jónicas: seis en el
principal; cuatro adosadas en el Oeste; cuatro frontales y
dos laterales en el pórtico Norte. El pórtico Sur, por otra
parte, muestra unas columnas en las que el fuste a sido
sustituido por estatuas de mujeres (cariátides). Se puede
apreciar que el cuerpo central del templo había tenido,
anteriormente, una cubierta a dos aguas, mientras que el
pórtico Norte y Sur, que constituyen estancias adosadas
en los costados, tienen una cubierta con dintel.
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14. Los periodos de la escultura griega son:
– Período arcaico: Este se caracteriza por las estatuas
masculinas y femeninas llamadas koúroi, o curos, y
Kórai, o cores, respectivamente. Formalmente la
representación es hierática, frontal y esquemática. En
esta época temprana del arte griego aun es muy
notable la influencia de los modelos egipcios.
– Período clásico: En las obras de este período encon-
5
 tramos un estudio atento de la anatomía humana y, a
la vez, la formación de un canon de belleza ideal.
Para esto último se establecen reglas matemáticas de
proporción entre las distintas partes del cuerpo. Ade-
más, se dota a las figuras de posturas menos rígidas,
mediante el contrapposto o la curva praxiteliana.
– Período helénico: En este se sigue la dirección em-
prendida por la etapa anterior, pero se rompe con la
serenidad y el equilibrio de esta. Las composiciones
devienen más complejas, aparece un interés por la
tensión dramática (pathos) y el movimiento. También
surgen el retrato y las representaciones anecdóticas,
hecho que denota un nuevo gusto por el realismo, en
contraposición al idealismo del período clásico.
15. a) Las diferencias formales son:
– El atuendo: la figura femenina va vestida; la figu-
ra masculina está completamente desnuda
– El realismo de la representación: La Dama de
Auxerre muestra unas formas simplificadas y des-
proporcionadas; el Cleobis muestra unas formas
más veraces.
b) La Dama de Auxerre está tallada en piedra caliza y el
Cleobis en mármol.
c) Kouros es una palabra en griego antiguo que significa
"hombres jovenes". Kore significa "mujeres jovenes".
16. a) – En las bodas de Hipodamía y Piritoo, rey de los
lapitas, aconteció una disputa que comenzó la
guerra entre lapitas y centauros. Este conflicto
concluyó con la derrota de los centauros y su ex-
pulsión de Tesalia (región griega).
– Esta narración mítica simboliza el triunfo de la
civilización, personificada en los lapitas, sobre la
barbarie, representada en los centauros.
b) Las características formales de este relieve son:
– El detallismo y la complejidad técnica.
– La lograda tensión entre las figuras y el dina-
mismo de la escena.
– La descripción meticulosa de la anatomía.
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17. Ficha técnica: Venus de Milo
Autor: desconocido
Cronología: 100 a.C.
Material: mármol
Estilo: griego helenístico
Descripción formal: Esta obra sintetiza la armonía
clásica y el gusto helenístico por el detallismo realista.
Representa una figura femenina en un contrapposto muy
acentuado. Las piernas miran en una dirección contraria
a la de la cabeza y los hombros, conformando un mo-
vimiento que acentúa la sinuosidad de la representación.
El modelado es de una gran excelencia. Cabe destacar el
efecto de tersura del cuerpo y la caída de los ropajes
sobre los volúmenes de este.
Tema representado: Debido a la pérdida de los brazos,
la identificación de esta figura no está muy clara. Podría
tratarse de Afrodita o Venus, diosa del amor, o de una
6
divinidad marítima adorada en la isla griega de Milo.
18. 1. ANNIBALE CARRACCI; Venus, Adonis y Cupido; Ba-
rroco
2. Venus de Willendorf; Paleolítico, arte prehistórico
3. SANDRO BOTTICELLI; El nacimiento de Venus; Rena-
cimiento
19. • Contrapposto: En las estatuas, postura que consiste
en apoyar el peso del cuerpo sobre una pierna y hacer
avanzar ligeramente la otra.
• Gigantomaquia: Guerra mitològica entre los dioses
olímpicos y los Gigantes.
• Paños mojados: término escultórico para designar los
ropajes que se amoldan a los volúmenes del cuerpo.
• Curva praxiteliana: modelo estatuario que sigue un
esquema en forma de "S" invertida.
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20. Los tres periodos de la cerámica griega son:
– Cerámica geométrica (siglos X-VIII a.C.):
a) Etapa de reelaboración de los modelos micénicos.
b) Decoración en franjas de motivos geométricos.
c) A partir del siglo VIII a.C. aparecen esquemas de
la figura humana.
– Cerámica arcaica (siglos VII-V a.C.), la figuración
gana protagonismo:
a) Figuraciones negras sobre fondo rojo.
b) Figuraciones rojas sobre fondo negro.
– Cerámica clásica (siglo V a.C.): Dominan las repre-
sentaciones de figuras rojas sobre fondo negro. El
dibujo se hace más realista y las composiciones más
complejas.
21. 1. Copa de ceremonias, siglo IX a.C.
2. Ánfora, siglo VIII a.C.
3. Crátera, año 530 a. C.
4. Ánfora, siglo VII a.C.
5. Crátera, siglo IV a.C.
6. Kílix, siglo V a.C.
7. Hidria, s.f.
8. Vasija, siglo V a.C.
22. 1. Decoración geométrica en franjas verticales.
2. Decoración geométrica en franjas horizontales y fi-
guraciones esquemáticas.
3. Figuraciones negras sobre fondo claro, representando
una escena homérica.
4. Figuraciones negras sobre fondo claro, representando
a Ulisses cegando a Polifemo.
5. Figuraciones rojas y claras sobre fondo negro, re-
presentando personajes mitológicos.
6. Figuraciones claras sobre fondo negro, representando
a Edipo y la Esfinge.
7. Figuraciones, representando personajes mitológicos,
y motivos decorativos claros sobre fondo negro.
 8. Figuraciones negras sobre fondo claro, representando
la pelea de Áyax y Ulises.
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23. – Un mosaico es una representación bidimensional he-
cha a partir de pequeñas piezas coloreadas de piedra,
barro o vidrio. La encontramos en paredes y suelos
de residencias privadas y edificaciones públicas.
– Esta técnica se da por primera vez en la Mesopotamia
del siglo V a.C.
24.– La diferencia es que el mosaico de guijarros está con-
formado por piedrecitas de río y el de teselas de
pequeñas porciones manufacturadas de distintos ma-
teriales.
– El opus vermiculatum es una técnica de mosaico que
emplea teselas de tamaño muy reducido. Debido a
esto, este tipo de composición, tenía un acabado muy
parecido al de la pintura.
3. ARTE CLÁSICO: ROMA
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1. a) El antecedente del arte romano es el arte etrusco.
b) La cultura romana se extendió en primer lugar por
toda la península Itálica. Posteriormente lo hizo por
los países mediterráneos, la parte más meridional de
la Europa continental, las islas Britanicas, Siria y
Mesopotamia.
c) Las zonas son:
2. La leyenda del origen de Roma cuenta que dos hermanos
llamados Rómulo y Remo, críados por la loba Luperca,
fueron los fundadores de esta ciudad. Estos hermanos
discutían sobre el emplazamiento que debía ocupar la fu-
tura urbe. Rómulo proponía el Monte Palatino y Remo el
Aventino. Esperaron una señal divina que les señalara la
opción más favorable. Rómulo fue el favorecido y esto
desencadenó una pelea, que acabó con la muerte de Re-
mo en manos de su hermano.
25. – En la primera imagen vemos los restos arqueológicos
del edificio que albergaba esta obra artística. Por las
características del espacio y las columnas que rodean
su perímetro, podemos deducir que se trata de un
atrio. También podemos apreciar, en esta imagen, el
conjunto de la composición del mosaico de los
delfines. Esta muestra un gran elemento central
formado por una serie de circunferencias concén-
tricas, que conforman unas franjas en las que encon-
tramos cenefas de diversos elementos decorativos. En
cada uno de los ángulos del cuadrado, que enmarca a
este elemento central, encontramos una pareja de
dichos animales.
– En la segunda imagen vemos una pareja de delfines
cabalgados por algún personaje mitológico. El
dinamismo de la escena es destacable, así como la
imaginativa estilización de las figuras. Podemos
apreciar que la técnica empleada en esta obra es el
oppus tesselatum y/o el oppus vermiculatum, por el
tamaño de sus teselas.
3. Las etapas de la historia de Roma fueron:
– La Monarquía (753-509 a.C.): En este período gober-
naron sucesivos reyes elegidos por el senado. El úl-
timo, Tarquinio el Soberbio, fue destronado cuando
fue instaurada la República.
– La República (509-31 a.C.): En este período goberna-
ron los cónsules refrendados por el senado. Fue el
inicio de la expansión de Roma. En el siglo III a.C. la
República romana derrotó a los cartagineses en las
Guerras Púnicas. Después de una época de deca-
dencia, César Augusto instaura el Imperio en el s. I a.C.
– El Imperio (31 a.C.-476 d.C.): Se establece una
nueva organización política. El territorio conquistado
se divide en provincias y el gobernante absoluto es el
emperador. Es la fase de máxima expansión de Ro-
ma. A partir del siglo III el imperio entra en una
profunda crisis y en el año 476 el rey bárbaro Odo-
acro pone fin a este.
4. El arte romano se divide en dos períodos: el Republicano
(siglos III-I a.C.) y el Imperial (siglos I a.C.-V d.C.).
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5. – La función de este sarcófago es dar un testimonio
detallado del difunto.
– Sus principales características son: la representación
del difunto en actitud ociosa; el lujo de detalles en las
ropas, las joyas y la ornamentación del conjunto; la
intención realista en el retrato; a pesar de los rasgos
anteriores, cierta rigidez y esquematización anató-
mica.
6. • Hieratismo: Cualidad estática e inexpresiva de la es-
tatuaria.
7
 • Acueducto: Estructura arquitectónica que sirve para
abastecer de agua un emplazamiento.
• Insulae: Bloques de viviendas de la Antigua Roma.
• Martyria: Restos sepulcrales de cristianos muertos
por su fe.
• Basílica: Edificio público romano de grandes dimen-
siones que constaba de tres naves con bóveda de ca-
ñón y media cúpula al fondo. Origen de la posterior
basílica cristiana.
• Arco de medio punto: elemento arquitectónico en for-
ma de semicírculo que posibilita el espacio entre dos
pilares o muros.
• Villa: vivienda rural en el centro de una propiedad
agraria que, posteriormente, también deviene residen-
cia de las clases pudientes romanas.
7. Las respuestas son:
Semejanzas Diferencias
esquema formal órden dórico, órden
corintio
cubierta a dos aguas templo períptero, templo
pseudoperíptero
tímpano sin relieve verticalidad de la fachada
escultórico frontal
pórtico hextásilo longitud del edificio
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8. – La arquitectura romana recibió la influencia de mo-
delos orientales a través de la cultura etrusca, que se
reflejaron en el uso del arco de medio punto y la
bóveda de cañón.
– Asimismo adoptó los órdenes de la arquitectura grie-
ga (dórico, jónico y corintio).
– También se producen numerosas obras de ingeniería
civil, en las que se prorizan los aspectos técnicos por
encima de los estéticos.
9. La arquitectura romana asimiló el orden toscano, de ori-
gen etrusco, y produjo el orden compuesto, que es la
mezcla de los tres órdenes griegos.
10. – Opus testaceum: es la técnica en que una mampos-
tería de ladrillos, conformada de manera regular, re-
viste el núcleo de hormigón romano.
– Opus reticulatum: una mampostería regular confor-
mada por ladrillos romboidales reviste el núcleo hor-
migón.
– Opus caementicum: esta técnica no tiene revesti-
miento, consiste solo en el núcleo de hormigón apli-
cado mediante encofrado.
– Opus quadratum: esta técnica consiste en hileras in-
tercaladas de sillería sin núcleo de hormigón.
– Opus spicatum: hileras de ladrillos dispuestas en for-
ma de espina de pez revisten un núcleo de hormigón.
– Opus incertum: una mampostería irregular reviste un
núcleo de hormigón.
11. – Domus, insulae, villa, palacio, terma, teatro, anfitea-
tro, circo, basílica, columna conmemorativa, arco de
triunfo.
8
– Respuesta personal, a modo de ejemplo: termas,
grandes edificios que acogían los baños públicos;
domus; casas unifamiliares, que ocupaban familias de
cierto nivel económico, cuyas estancias se orga-
nizaban en torno a un patio llamado “atrio”.
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12. Ficha técnica: Coliseo o Anfiteatro Flavio
Autor: desconocido
Cronología: 72-80
Material: bloques de mármol travertino, hormigón, la-
drillo, piedra y estuco
Descripción de la planta: El Coliseo tiene una planta
elíptica. En el centro de esta encontramos la arena, que
era el espacio que acogía los combates. Debajo de la are-
na había una maraña de pasillos y celdas para los lucha-
dores y las fieras. Este espacio subterráneo actualmente
está al descubierto. Alrededor de la arena encontramos la
cávea con las gradas para los espectadores.
Descripción de la fachada: La fachada presenta cuatro
niveles, que se corresponden con los cuatro interiores.
Empezando por el más bajo, vemos un primer piso con
arcos de medio punto de orden toscano. Encima de este,
el segundo y el tercero tienen arcos del mismo tipo y son
de orden jónico y corintio respectivamente. El último pi-
so, el más, alto, consistía en un muro con pilastras ado-
sadas.
Función, contenido y significado: El Coliseo se llama
así por la estatua colosal del emperador Nerón que se
hallaba cerca del edificio. En el Coliseo se celebraban
luchas de gladiadores y representaciones de batallas.
Modelos e influencias: El anfiteatro, cuya planta resulta
de la unión de dos teatros griegos, fue una invención de
la arquitectura romana. La superposición de distintos ór-
denes fue imitada por artistas de épocas posteriores, co-
mo el renacentista ALBERTI. El modelo del Coliseo, ade-
más, ha inspirado la construcción de estadios de fútbol
modernos.
Página 22
13. La escultura romana está influida, como la arquitectura,
por la cultura etrusca y griega. Los romanos sintieron
una gran admiración por el arte griego al que trataron de
emular. Este hecho queda patente por el gran número de
copias romanas de esculturas griegas que han llegado
hasta nuestros días.
14. Para sus esculturas, los artistas romanos usaron, prin-
cipalmente, mármol, otros tipos de piedra y bronce.
15. – La dama de la permanente: Retrato de una mujer
desconocida, que presenta, con mucho detalle, un
peinado a la moda de principios del siglo II.
– Augusto de Prima Porta: Retrato del primer empe-
rador romano. Se aprecia una intención de repre-
sentar fidedignamente los rasgos de este.
– Julio César: Retrato del célebre líder político y mili-
tar. Cabe destacar el realismo, exento de idealización,
que presenta una expresión natural y cercana.
16. – Columna Trajana, autor: APOLODORO DE DAMASCO.
 – La finalidad de esta obra es conmemorativa y propa-
gandística.
– Se encuentra en el Foro Trajano de Roma. Está hecha
de mármol. Se erigió entre los años 107 y 114.
– Influyó en la concepción de muchos monumentos
posteriores, como la columna Vendôme de París.
Página 23
17. Ficha técnica: Escultura ecuestre de Marco Aurelio
Autor: anónimo
Cronología: 176
Tipología: retrato ecuestre
Material: bronce dorado
Estilo: romano imperial
Descripción formal: En esta obra vemos al emperador
Marco Aurelio a caballo. La figura de este es un poco
más esbelta de lo común. Esta reproduce en detalle los
rasgos faciales, la anatomía y los pliegues del vestido. A
pesar del atento realismo, este retrato es de la majes-
tuosidad grave propia de un monarca. La figura del
caballo esta representada de manera veraz, atendiendo
especialmente a la morfología del animal y a su movi-
miento.
Tema representado: Esta obra tiene una función propa-
gandística, refleja el poder imperial y su carácter divino.
Fue erigida después de dos victorias militares de Roma
sobre el Imperio parto.
¿Por qué no fue destruida…?: Esta obra ha llegado
hasta nuestros días porque durante la Edad Medía, mo-
mento en que se destruyeron muchas esculturas romanas,
se confundió con un retrato del emperador Constantino.
Este es conocido por conceder la la libertad de culto a
los cristianos en el Impero romano.
18. – Temática común de las dos obras: el retrato ecuestre.
– El Caballero… es de origen griego y el Condottie-
re… es de origen italiano.
– El Caballero… es un atleta anónimo y el Condottie-
re… es un militar conocido.
– El primero está tallado mármol y el segundo fundido
en bronce.
– Las dos esculturas muestran, en mayor o menor me-
dida, una voluntad de realismo.
– La primera representación es esquemática y la segun-
da es más verosímil.
Página 24
19. La pintura romana recibió la influencia formal y temática
de la griega. Esta última, además, también empleó la
técnica del fresco y el mosaico. La pintura romana mues-
tra interés por el realismo y el detalle. En esta aprecia-
mos la representación de la profundidad mediante las
perspectivas arquitectónicas o los volúmenes de las figu-
ras. Asimismo, encontramos una notable expresividad en
los personajes y las escenas.
20. – La erupción del Vesubio sepultó a estas ciudades ba-
jo una capa de residuos volcánicos.
– Las consecuencias de esto fueron que se conservaron
bastante bien algunas pinturas murales, entre otras
obras artísticas.
21. Los cuatro estilos pictóricos romanos son:
– Primer estilo o Estilo de incrustación (s. II a.C.- s. I
a.C.): de gran influencia griega. Se caracteriza por los
trampantojos representando distintos materiales y
elementos arquitectónicos.
– Segundo estilo o Estilo arquitectónico (aparece en el
s. I a.C.): Simulaba espacios arquitectónicos. A
medida que este estilo fue evolucionando se inclu-
yeron paisajes naturales y personajes, representando
escenas mitológicas.
– Tercer estilo o Estilo ornamental (aparece en el s. I
a.C.): Se sustituyeron los edificios del segundo estilo
por arquitecturas fantásticas. Era habitual la represen-
tación de estatuas que simulaban sostener cornisas.
– Cuarto estilo o Estilo ilusionista: tendencia pompe-
yana que aparece después del terremoto del año 62
d.C. Representa espacios a la manera del estilo
arquitectóncio, enfatizando el carácter escénico tea-
tral con distintos elementos y personajes.
22. Las respuestas son, de izquierda a derecha y de arriba
abajo: estilo de incrustación; estilo arquitectónico; estilo
ilusionista; estilo ornamental; estilo arquitectónico; estilo
ilusionista.
Página 25
23. Ficha técnica: Alejandro Magno en la batalla de Isos
Autor: desconocido
Cronología: siglo I a.C.
Tipología: mosaico
Tema representado: Este mosaico representa la batalla
que libró Alejandro Magno, célebre rey de Macedonia,
contra el Imperio persa. En esta batalla Alejandro y los
pueblos aliados griegos derrotaron al rey persa Dario y a
sus Inmortales.
Descripción formal: Se trata de un mosaico de grandes
dimensiones. Vemos representada la escena en que el rey
persa y sus soldados huyen ante el avance griego. La
parte que ocupan estos últimos está muy dañada y solo
distinguimos la efigie de Alejandro. Cabe destacar la
fuerza expresiva de la escena. Esta se debe al dinamismo
de la composición y a los escorzos de las figuras. Hay un
gran trabajo en la variedad de matices que conforman el
cromatismo de la obra.
24. Un mosaico romano se compone de teselas de distintos
tamaños mediante tres técnicas distintas; el opus tesse-
latum y el opus vermiculatum: de origen griego, consis-
tían en el uso de piezas de cierto tamaño y menor tamaño
respectivamente; el opus sectile: consistía en el uso de
fragmentos de mármol.
25. 1. Se representa un tema de la vida cotidiana: la pesca.
2. Se representa un tema histórico o mitológico, lo de-
ducimos por el carácter de la escena.
3. Se representa un tema de la vida cotidiana, de tipo
costumbrista: musicos callejeros.
9
 4. ARTE BIZANTINO
Página 26
1. – El Imperio Bizantino en tiempos de Justiniano ocu-
paba la extensión que se señala en el mapa:
– La separación del Imperio Romano en el año 395 se
indica en el mapa con una línea recta vertical:
– Nombres de los centros culturales más importantes:
(1) Venecia (2) Rávena
(3) Roma (4) Monreale
(5) Cefalú (6) Tesalónica
(7) Monte Athos (8) Bizancio/Constantinopla
(9) Éfeso (10) Alejandría
(11) Monasterio de Santa Catalina
2. – El Siglo de Oro: Comprende el período histórico que
va desde el siglo V a la dinastía de los Heraclios (si-
glo VII). En el año 476 cae el Imperio Romano de
Occidente. Constantinopla, que es la capital del Im-
perio Romano de Oriente, se convierte en el nuevo
centro cultural de referencia. Durante su reinado, Jus-
tiniano (527-565) lleva al Imperio Bizantino a su má-
ximo esplendor durante el siglo VI. Esta época es la
etapa de formación de lo que llamamos arte bizantino.
– El período iconoclasta: Entre el año 726 y el 843 se
prohibió la representación y veneración de imagenes
religiosas. Además, se destruyeron este tipo de ima-
genes del período anterior.
– El período posticonoclasta: Este transcurre entre los
años 843 y 1453. En el año 1054 se produjo el Cisma
de Oriente, que supuso la diferenciación entre las
iglesias de Occidente y Oriente. En este período se
dan dos etapas:
a) La dinastía macedónica (867-1056), en la que
cobran especial relevancia los mosaicos e iconos.
b) La dinastía de los Paleólogos (1259-1453), en el
que se dió el renacimiento cultural de Bizancio y la
expansión de su influencia a los pueblos eslavos.
3. El arte bizantino se constituyó bajo la influencia del arte
del Imperio romano. Podemos hallar esta influencia en la
10
arquitectura y las artes pictóricas: la arquitectura bizan-
tina adopta el modelo tardorromano de basílica y el esti-
lo del mosaico bizantino es claramente deudor del roma-
no. Por otra parte, la temática del arte bizantino, que es
esencialmente religioso, se fundamenta en la fe cristiana.
Página 27
4. 451: 5; 532-537: 1; 545: 4; 547: 2; 1422-1428:3
1. ANTEMIO DE TRALLES E ISIDORO DE MILETO. Santa
Sofía de Constantinopla: Estambul.
2. Autor desconocido. Mosaico de Teodora: Rávena.
3. ANDRÉI RUBLIOV. La Santísima Trinidad: Moscú.
4. Autor desconocido. Cátedra de Maximiano: Rávena.
5 Autor desconocido. Cúpula del Baptisterio de los Or-
todoxos: Rávena.
5. Nártex: espacio que se encuentra en la entrada de la basí-
lica y está reservado a los catecúmenos (personas no
bautizadas) y a los penitentes.
Icono: en el arte bizantino, representación pictórica reli-
giosa, sobre tabla de madera, para la devoción.
Pechina: es un elemento aqruitectónico que sirve de tran-
sición entre una cúpula y un espacio de planta cuadrada.
Teotocos: representación de la Madre de Dios.
Atrio: espacio descubierto, rodeado de columnas o pórti-
cos, situado en la entrada de un edificio.
Orfebrería: arte de labrar objetos de madera, marfil o
metales y piedras preciosos.
Tesela: pieza pequeña coloreada, normalmente de cerá-
mica vidriada, con la que se forma un mosaico.
Exarcado de Rávena: centro de poder del Imperio Bizan-
tino en Italia desde el siglo VI al VIII.
Marfiles imperiales: relieves bizantinos en los que se
representaba al emperador como Cristo. Ensalzando así
la figura del gobernante como autoridad divina.
Planta basilical: es el plano horizontal de una edifica-
ción constituido por una nave central y otras dos meno-
res adyacentes en los laterales.
Isocefalia: sistema de representación de las figuras que
las alinea situando sus cabezas a una misma altura. De
esta forma se produce una continuidad en la represen-
tación de un grupo de personajes.
Página 28
6. a) La arquitectura bizantina adoptó, del modelo paleo-
cristiano, la forma de la basílica romana. De esta to-
mó elementos como el atrio, la exedra, el nártex, la
cubierta de madera, la columna, el arco de medio
punto y la bóveda de cañón
La arquitectura bizantina añadió al modelo paleocris-
tiano la tribuna superior para las mujeres, llamada
matroneo. También asimiló la influencia oriental, es-
te hecho se muestra en las grandes cúpulas y en el
uso de pechinas para adecuarlas a las plantas poligo-
 nales. Además, las fachadas de las iglesias bizanti-
nas, a diferencia de las fachadas basilicales romanas,
eran de una gran austeridad ornamental.
b) A partir de Justiniano la influencia de la arquitectura
bizantina se extendió a los territorios que formaban
parte del Imperio Bizantino y, posteriormente, a los
pueblos eslavos más septentrionales.
7. De izquierda a derecha; Santa Irene, Estambul; San Vita-
le, Rávena; Sant’Apollinare in Classe, Rávena
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8. Ficha técnica: Santa Sofía de Constantinopla
Autor: ANTEMIO DE TRALLES e ISIDORO DE MILETO
Cronología: 532-537
Tipología: iglesia
Elementos constructivos…: el elemento arquitectónico
protagonista es la gran cúpula. Esta se alza sobre una es-
tructura interior que consiste en dos semicúpulas, cuatro
pechinas, cuatro exedras, cuatro arcos de medio punto y
cuatro pilares. Además, está sostenida por cuatro contra-
fuertes macizos en el exterior.
Observa la planta y…:
1. prótesi 4. nártex
2. presbiterio 5. diaconicón
3. cúpula 6. pechinas
Descripción de la planta: Santa Sofía tiene un planta
basilical de tres naves. Los cuatro grandes pilares, que
sostienen la cúpula, delimitan un cuadrado que es el
amplio espacio central de la nave medianera. Las naves
laterales, com es habitual, son de menor tamaño y
albergan las tribunas.
Función, contenido y…: Según se cuenta, en el año 360
el emperador Constantino consagró una iglesia de made-
ra, en el emplazamiento de la actual Santa Sofía, para
guardar un trozo de la cruz en la que fue crucificado
Cristo. Posteriormente, en el año 404, este edificio sufrió
un incendio y se reconstruyó. Durante la época de Justi-
niano, en el 532, aconteció una revuelta popular que des-
truyó de nuevo la iglesia. Este emperador decidió erigirla
de nuevo tal como la conocemos hoy. El nuevo templo
estaba consagrado a la Sabiduría divina, como los ante-
riores, y serviría de demostración del poder imperial.
Tras la caída de Constantinopla en manos de los turcos,
en el año 1453, Santa Sofía fue convertida en mezquita.
Fue entonces cuando se le añadieron los minaretes y los
grandes plafones con inscripciones del Corán.
Modelos e influencias: Santa Sofía mezcla la influencia
grecolatina y la oriental. De la primera adopta la planta
basilical y los pilares de carga, de la segunda el espacio
central coronado por una cúpula. Esta sintesis es la gran
aportación arquitectónica de Santa Sofía, junto con el
sistema de pechinas mediante el que se aguanta la
cúpula. El modelo de esta iglesia ejerció una gran
influencia sobre la arquitectura que se practicó a partir
de aquel momento en el Imperio Bizantino. Un ejemplo
de esto sería Santa Irene de Constantinopla.
Página 30
9. a) – Distanciamiento de lo modelos clásicos: se aban-
dona el desnudo y la temática profana.
– Esquematización formal: hay una mayor rigidez
en las formas respecto al modelo grecolatino. Las
figuras suelen estar dispuestas en posición frontal,
se descuida la profundidad y se empieza a usar la
perspectiva jerárquica.
– Obras de orfebrería: la talla en Bizancio se con-
centra en el arte del relieve o en la elaboración de
objetos para la liturgia. Tiene especial prota-
gonismo el uso del marfil para elaborar repre-
sentaciones del emperador combinadas con la de
Cristo.
b) El elemento que aparece en la fotografia es el cima-
cio. Este es un volumen en forma piramidal invertida,
que se encuenta entre el capitel y el arco. Proporcio-
na una mayor estilización al conjunto de estos. Nor-
malmente está decorado por relieves de motivos ve-
getales, animales o religiosos. En el cimacio de la fo-
tografía se pueden observar dos corderos, que están
de frente. Entre ellos se alza una cruz.
10. La técnica de mosaico más utilizada en el arte bizantino,
proveniente de los romanos, es el opus tessellatum. Esta
se usaba para las composiciones de grandes dimensiones,
ya que las teselas empleadas eran de mayor tamaño que
en las otras modalidades de mosaico. Ejemplos de esta
técnica artística son:
– Mosaicos del Presbiterio de San Vitale, Rávena
– Mosaico de la Creación, San Marcos de Venecia
– Cúpula del Baptisterio de los Ortodoxos, Rávena
– Pantocrátor de Sant’Apollinare Nuovo, Rávena
Página 31
11. Ficha técnica: Mosaico de Teodora
Autor: desconocido
Cronología: 547
Técnica: mosaico (opus tessellatum)
Descripción formal: En este mosaico vemos un
conjunto de personajes representado según el modo de la
isocefalia. La figuración es frontal y estática. Las formas
tienden a la geometrización. En el centro del grupo se
distingue una figura, coronada por una aureola, que lleva
un atuendo más fastuoso que las otras. Esta se corres-
ponde a la emperatriz Teodora. Es destacable la riqueza
del cromatismo y la variedad de los motivos decorativos.
Tema representado: Este mosaico es la pareja de otro,
enfrentado a él, que representa a Justiniano con su
séquito. Estos conmemoran los presentes que los empe-
radores bizantinos donaron al obispo de Rávena en el
año 547, con motivo de la consagración de la Iglesia.
Modelos e influencias: El arte bizantino hizo suya la
tradición del mosaico romano, apartándose del natura-
lismo clásico y decantándose por una estilización simbó-
lica de las formas.
11
 5. ARTE ISLÁMICO Y ARTE MUDÉJAR

Página 32 – El arte visigótico: de él toman el arco de herradura.

1. a) Los territorios son: 4. Véase el eje en la Figura 2.

Página 33
5. 1. Vegetal (o de ataurique): diseños compuestos por pe-
queños elementos en forma de hoja
2. Caligráfica: reproduce textos religiosos mediante es-
critura cúfica o arábiga
3. Arabesca: conformada por motivos vegetales y geo-
métricos
4. Geométrica (o de lacería): formada por bandas entre-
lazadas siguiendo un patrón
6. Mudéjar era la población musulmana que vivía en zonas
conquistadas por los cristianos.
También utilizamos este término para designar el ar-te,
preeminentemente arquitectónico, que surgió de esta
convivencia. Los edificios mudéjares mezclaban
b) 1. Sevilla 2. Córdoba elementos románicos y góticos con elementos islá-
micos.
3. Granada 4. Zaragoza
5. Tortosa 6. Túnez 7. Los materiales característicos del arte mudéjar son: el
ladrillo, la madera y el yeso. El ladrillo se usa para la
7. Damasco 8. Jerusalén construcción, el yeso para la decoración y la madera para
9. Samarra 10. La Meca ambas cosas.
2. En el siglo VIII el reino visigodo de la Península Ibérica 8. 1. Sahagún. Mudéjar castellanoleonés: Se da entre los
se dividió en dos mitades. Una la ocupaban los partida- siglos XI y XII sobre edificios de estructura romá-
rios del rey Rodrigo y la otra los del rey Akhila, que pi- nica. Son destacables la sobriedad de este estilo, el
dió ayuda a los musulmanes para vencer a su rival. Es- uso predominante del ladrillo y las arquerías ciegas
tos, comandados por el bereber Tarik, vencieron a Rodri- en las fachadas.
go en la Batalla de Guadalete en el año 711. Se inauguró
2. Teruel. Mudéjar aragonés: Se caracteriza por la ri-
así el período de dominio musulmán de la Península, que
queza ornamental de los interiores y exteriores de los
duró ocho siglos.
edificios. Toma los modelos del arte islámico para la
La presencia musulmana en Al-Andalus aportó numero- decoración arquitectónica. El foco de interés suelen
sos avances científicos y técnicos, así como una cultura ser las torres de las iglesias, ya que exhiben este
muy rica en todas sus facetas. legado en todo su esplendor.
3. El arte plástico islámico se expresa principalmente en la 3. Toledo. Mudéjar toledano: La confluencia de las cul-
arquitectura. turas, judía, musulmana y cristiana produjeron un es-
– El arte romano: del que toman las columnas, los ar- tilo arquitectónico ecléctico distintivo de la ciudad.
cos de medio punto y las dovelas bicolores. Los modelos islámicos influyen en gran medida en la
arquitectura de las iglesias y sinagogas.
El arte bizantino: del que toman el uso de bóvedas y
cúpulas. 4. Sevilla. Mudéjar andaluz: Se encuentra principal-
– El arte del Próximo Oriente: del que toman el arco mente en Córdoba y Sevilla. En este estilo se produce
apuntado y el arco lobulado. una síntesis entre el gótico y el arte nazarí.

FIGURA 2

12
Página 34
9. – Mihrab: Nicho que señala la dirección a la que se
debe dirigir el orante.
– Haram: Sala grande que acoge a los orantes.
– Alquibla: Lugar de la mezquita hacia el que dirigen la
vista los orantes, contiene el mihrab.
– Sabil: Fuente de la mezquita para las abluciones.
– Sahn: Patio que alberga el Sabil.
– Minarete: Torre de las mezquitas desde la que se
llama a los fieles a la oración.
10. • Arco mixtilíneo: Un arco es una estructura curva que
sirve para posibilitar el espacio entre dos pilares o
muros. Si es mixtilíneo es que presenta una forma
compuesta por curvas cóncavas y convexas, que
conforman ángulos salientes y entrantes.
• Alcazaba: (o casba) Ciudadela. Recinto fortificado
que servía de residencia a un gobernador y acogía
una guarnición militar.
• Mocárabe: Elemento arquitectónico decorativo con-
formado de una multitud de prismas yuxtapuestos,
que recuerdan estalactitas.
• Arco de herradura: Tipo de arco cuya curva es supe-
rior a un semicírculo.
• Período almohade: Estilo arquitectónico que se ca-
racteriza por cierta austeridad ornamental y que pone
el énfasis en la estructura del edificio.
• Época nazarí: Estilo arquitectónico que se carac-
teriza por la fastuosidad ornamental, que enmascara
la pobreza de sus materiales.
Página 35
11. Ficha técnica: Mezquita de Córdoba
6. ARTE PRERROMÁNICO
Página 36
1. a) y b) Véanse las respuestas en el mapa:
2. Véase el eje en la Figura 3 de la página siguiente.
Cronología: 785-788 (Abd-al-Rahman I), 833-855
(Abd-al-Rahman II), 964 (Alhakén II) y 987 (Almanzor)
Descripción formal: El recinto se encuentra cercado por
un muro con contrafuertes almenados y diecinueve
puertas a lo largo de este. No tiene una fachada frontal.
La entrada principal es la Puerta del Perdón y da acceso
al patio de los naranjos. En el mismo costado que esta se
levanta el minarete (actualmente un campanario). La
planta está dividida entre el patio (sahn) de los naranjos,
que contiene el sabil y el haram. Los naranjos están
dispuestos en hileras que corresponden a las naves del
edificio.
En el interior las naves están separadas por un bello con-
junto de columnas y arcos. En el muro Sur se halla la al-
quibla con el mihrab. Destacan las cuatro cúpulas cons-
truídas para dar luz a esta última parte, que no recibe la
iluminación del patio. Las cúpulas se levantan sobre un
complejo sistema de arcos entrecruzados.
Función contenido y significado: La Mezquita de Cór-
doba se orienta hacia Damasco y no hacia La Meca,
como es habitual. La altura y las tonalidades del con-
junto hacen que el edificio se integre en el entorno
urbanístico.
Modelos e influencias: La Mézquita de Córdoba se
concibió originalmente como una réplica adaptada de la
Gran mezquita de Damasco. Pero, a la vez, asumió mo-
delos arquitectónicos romanos y visigodos. La Mézquita
de Córdoba también aportó innovaciones, como el uso
del yeso en la ormanetación interior y el uso decorativo
de las inscripciones cúficas. Asimismo, el minarete de
esta mézquita sirvió de modelo para otras que se levanta-
ron en Al-Andalus.
c) Las principales zonas donde se desarrolló el prerro-
mánico europeo fueron; los países centroeuropeos,
incluyendo a los Países Bajos; las islas británicas;
Francia y Bélgica; gran parte de Italia; Córcega y la
mitad norte de la península ibérica.
a) Las semejanzas y las diferencias entre la arquitectura
visigótica y la asturiana son:
Semejanzas:
– Elementos tomados de la arquitectura romana
como el arco de medio punto, la bóveda de cañón
y la planta basilical o cruciforme.
– Adoptan el iconostasio bizantino, que es una
mampara que impide ver ciertas partes de la
liturgia.
Diferencias:
– El estilo visigótico incorpora el arco de herradura
y los edificios están construidos con bloques de
piedra regulares.
13
 FIGURA 3
– El estilo asturiano aporta una arco de herradura
más cerrado, propio de la arquitectura mozárabe,
e introduce el arco peraltado, específico del arte
asturiano. Los edificios están construidos con pe-
queños bloques de piedra irregulares.
b) El estilo mozárabe recibió, al mismo tiempo, las
influencias de la arquitectura islámica y visigótica.
Estas influencias se plasman en el uso del arco de
herradura califal y en la bóveda de cañón respec-
tivamente.
Página 37
3. 1. Corona votiva de Recesvinto:
Podemos leer una breve reseña sobre la orfebrería
visigótica en el siguiente enlace:
http://www.tiching.com/494173
Esta obra de orfebrería consiste en un aro de lados
planos y anchos, hecho de oro y decorado con pie-
dras semipreciosas. Esta pieza central pende de cua-
tro cadenas, también de oro, y de un asidero hecho de
cristal de roca. Por debajo del aro cuelgan unas cade-
nitas y piedras de los mismos materiales, en las que
encontramos una cruz y unas letras que forman la
inscripción “Recesvintus rex offeret”, en alusión a la
donación del monarca. La influencia bizantina es no-
table en esta obra visigótica.
2. BEATO DE LIÉBANA. Comentario al Apocalipsis:
Podemos obtener información y ver ejemplos de ma-
nuscritos iluminados en el siguiente enlace:
http://www.tiching.com/762110
La página de este manuscrito ilustra una escena del
Apocalipsis de San Juan. En el centro vemos la re-
presentación característica del Cordero de Dios (Ag-
nus Dei), que está rodeado por una corte de músicos.
En la parte superior de la composición, que se articu-
la sobre un fondo de franjas de colores, encontramos
la representación simbólica de los cuatro evangelistas
(tetramorfo) y los doce apóstoles. La influencia bi-
zantina es palpable en la esquematización de las fi-
guras. Cabe destacar el intenso cromatismo y los mo-
tivos decorativos que enmarcan y dividen la página.
4. • Iconostasio: mampara que oculta el altar de la iglesia
e impide ver ciertas partes de la liturgia. Tenía pinta-
das imágenes religiosas.
• Contrafuerte: pilar adosado al paramento de un edifi-
cio que ayuda a soportar el empuje de este.
• Decoración funicular: son relieves ornamentales en
14
forma de cuerda. Es muy característica del arte astu-
riano y se va a dar, sobretodo en la arquitectura, hasta
el Renacimiento.
• Miniatura: ilustración de los manuscritos medievales.
También son llamadas iluminaciones.
• Mozárabe: Estilo artístico nacido de la convivencia
de la cultura islámica y cristiana. Se dio tanto en
territorios ocupados por los musulmanes como en
territorios reconquistados por los reinos cristianos.
• Beato: manuscrito mozárabe iluminado. Los beatos
eran copias del comentario del Apocalipsis que hizo
el monje Beato de Liébana en el siglo VIII, de este
toman su nombre.
• Relicario: objeto que guarda los restos de una perso-
na venerada o de algún elemento que hubiese estado
en contacto con esta.
• Transepto: cuerpo arquitectónico que cruza transver-
salmente la nave principal de una iglesia, formando
una planta de cruz latina.
• Fíbula: objeto usado para sujetar las ropas, parecido
a una hebilla o broche. Este elemento es una de las
muestras más importantes de la orfebrería visigótica.
Normalmente eran circulares, rectangulares o tenían
forma de águila y estaban ricamente decoradas.
• Alfiz: elemento arquitectónico ornamental que enmar-
ca un arco. El alfiz es muy usado en el arte islámico y
también se da en el arte mozárabe y románico.
• Arco peraltado: Un arco es una estructura curva que
posibilita el espacio vacío entre dos pilares o muros.
Peraltado significa que se levanta sobre una extensión
vertical a continuación del capitel de la columna.
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5. De izquierda a derecha y de arriba abajo:
– (2) Iglesia de origen visigótico transformada en mo-
zárabe: San Millán de la Cogolla.
– (3) Mezcla de planta basilical y cruciforme: San Pe-
dro de la Nave.
– (1) Frescos de influencia bizantina y romana: San
Julián de los Prados.
– (3) Muro decorado con relieves planos y a bisel:
Santa María de Quintanilla de las Viñas.
– (1) solo se conserva el arranque de las naves del
edificio original: San Miguel de Lillo.
– (2) columnata que recuerda a los bosques de colum-
nas de las mezquitas: San Baudelio de Berlanga
Página 39
6. Ficha técnica: Iglesia de Santa María del Naranco
Autor: desconocido
Cronología: 848
Descripción formal: Es un edificio de dos pisos de
planta alargada. Cada una de las plantas se divide en tres
partes, siendo la central más amplia que la de los
extremos. El piso superior es el doble de alto que el
inferior. En uno de los costados del edificio hallamos
unas escaleras que dan acceso al segundo piso. En las
fachadas vemos unas arquerías que dan paso a las tribu-
nas de la segunda planta. Entre estas se encuentra la sala
noble. Este piso superior se cubre por una bóveda de
cañón. La altura de los contrafuertes situados en los flan-
cos exteriores y las ventanas superiores de la fachada,
7. ARTE ROMÁNICO
Página 40
1. a) Ruta del camino de Santiago: S.
Página 41
3. Respuesta personal, a modo de ejemplo podemos consul-
b) (a) París (b) Vézalay
(c) Le Puy (d) Arlés
c) Las iglesias o monasterios que faltan son:
1. Santa Maria de Ripoll
7. San Clemente y Santa María de Tahull
9. Panteón de los Reyes de San Isidoro de León
11. Roncesvalles
d) La existencia de una red de caminos de peregrinación
4. a) La orden benedictina fue fundada por San Benito de
era posibilitada por una cierta calma política en los
reinos cristianos, la instauración del sistema feudal y
el poder de la iglesia como única institución cultural
y religiosa.
e) No habían caminos que partían del sur penínsular,
porque en este se encontraban los reinos musulmanes
que estaban enfrentados a los reinos cristianos del
norte.
2. La sociedad medieval estaba muy jerarquizada. Los dife-
rentes estamentos de esta estaban diferenciados rigurosa-
mente y organizados de forma piramidal. En la cúspide
que no corresponden a ninguna sala, acentúan la vertica-
lidad del edificio.
Entorno e integración urbanística: Santa María del
Naranco se encuentra en las afueras de Oviedo. Ori-
ginalmente formaba parte de un conjunto arquitectónico
para el uso del rey Ramiro I, del que solo queda este
edificio.
Función, contenido y significado: Inicialmente Santa
María del Naranco era un palacio. Devino un templo
cuando la iglesia de San Miguel de Lillo, situada en sus
inmediaciones, se deterioró y traspasaron sus funciones
al antiguo palacio.
Modelos e influencias: El arte prerrománico asturiano
recuperó el uso del arco de medio punto y la bóveda de
cañón, propios de la epóca romana. Este recurso arqui-
tectónico tuvo gran influencia en el período románico.
se encontraba el monarca, al que obedecían los nobles y
sus familiares. Los obispos y los abades de los monas-
terios, que obedecían al papa de Roma. también forma-
ban parte del estamento privilegiado. Este grupo domina-
ba a los individuos que se encontraban en la base de la
pirámide social. A esta base, mucho más amplia que la
parte alta, pertenecía la mayoría de la población: campe-
sinos, siervos, artesanos… Estos trabajaban para los
señores feudales, los nobles, a cambio del usufructo de
las tierras y de protección.
Para obtener más información sobre la pirámide feudal
podemos acudir a este video:
http://www.tiching.com/755330
tar el siguiente enlace: http://www.tiching.com/61129
En el mundo feudal era la iglesia y la nobleza quien tenía
el poder político y económico. La nobleza financiaba,
principalmente, la construcción de edificios defensivos.
La iglesia financiaba la construcción de edificios para el
culto y monasterios. Estos últimos eran el foco cultural
de la época. Las expresiones más características del arte
románico son, pues, la arquitectura militar, la arqui-
tectura religiosa y la creación de imágenes simbólicas
para la devoción.
Nursia en el año 529.
b) Los monjes benedictinos debían cumplir tres votos
principales: obediencia, castidad y pobreza.
c) La primera reforma de la orden se hizo en el siglo XI.
Se produjo a consecuencia de la desviación del voto
de pobreza, debida a los grandes donativos que reci-
bían las abadías. La segunda reforma se hizo en el si-
glo XII por las mismas razones.
d) Ora et labora es un lema en latín que significa “reza
y trabaja”. Indica cuáles son las funciones que debían
cumplir los monjes: alternar el trabajo con la oración.
15
 e) Las partes principales de un monasterio benedictino, lidad consistía en reforzar la bóveda de cañón.
como los de las demás órdenes, se articulan en torno • Bóveda de cañón: la encontramos en las iglesias.
a un claustro y son, entre otras: la iglesia, la sala Esta era la cubierta interior de la nave central.
capitular, el dormitorio, el refectorio, la cocina y la
• Espadaña: la encontramos en las iglesias. Es un
biblioteca.
campanario formado por un solo muro, que muchas
5. Respuesta personal. A modo de ejemplo: Algunas de las veces es una extensión de la fachada, donde encon-
principales órdenes religiosas cristianas son: la orden tramos unas aberturas para las campanas.
franciscana fundada en el 1209, la orden dominicana, • Claustro: lo encontramos en los monasterios. Es la
fundada en 1205, los jesuitas, fundados en 1534, o los galería que cerca el patio central de estos edificios,
escolapios, fundados en 1617. en torno el que se distribuyen las dependencias de
6. Véase el eje en la Figura 4. este.
• Saetera: la encontramos en las fortificaciones. Es una
Página 42 ranura estrecha y vertical abierta en un muro, que se
utilizaba para disparar flechas al atacante.
7. (5) Girola (7) Transepto
• Torre maestra o del homenaje: la encontramos en los
(4) Crucero (1) Naves laterales castillos. Era la edificación más alta y fortificada de
(6) Absidiolos (3) Portada lateral estos, se usaba como residencia del señor y su familia
(8) Torre (2) Nave central y para la vigilancia.
• Deambulatorio: lo encontramos en las iglesias. Lla-
8. (5) Arco de medio punto (1) Nave central
mado también “girola”, es un corredor que continúa
(9) Arco formero (8) Portada lateral el recorrido de las naves laterales y rodea el pres-
(10) Nave lateral (11) Transepto biterio.
(4) Arco fajón (15) Crucero 11. Ficha técnica: Iglesia de San Martín de Tours de Fró-
(3) Cimborrio (13) Ábside mista
Descripción formal: El interior del templo, de planta
(2) Bóveda de cañón (12) Absidiolo
basilical, se compone de una nave central, más grande, y
(6) Cubierta (14) Altar dos laterales. Las tres culminan en ábsides proporciona-
(7) Torre les a su anchura. Las naves están separadas por pilares
compuestos por medias columnas que forman una planta
Página 43 en forma de cruz. De estos pilares nacen arcos fajones y
formeros de medio punto. Ambos sustentan el peso de la
9. • Planta de cruz griega: es el plano horizontal de una bóveda. Sobre el crucero de la iglesia se alza un cimbo-
edificación formado por la intersección perpendicular rrio octogonal de bóveda semiesférica. El edificio, de
de dos brazos de la misma longitud por su medio. muros compactos, es de decoración sobria. Sobresalen
• Tribuna: son las galerías superiores que se encuen- en esta la variedad de canecillos, que representan figuras
tran en las naves de las iglesias. En las tribunas se fantásticas.
abren ventanas que contribuyen a la iluminación del Entorno e integración urbanística: La Iglesia de San
templo. Martín de Tours se encuentra en un punto del Camino
• Arquería ciega: es un conjunto de arcos agregados a Francés de la ruta jacobea, en la comarca conocida como
un muro, de tal forma que el espacio abierto entre Tierra de Campos, región con un patrimonio románico
estos queda obstruido por la pared. muy rico.
• Lesenas: son unos elementos decorativos en bajo- Función, contenido y significado: Esta iglesia fue
rrelieve que tienen forma de banda vertical. Las ha- construida a petición de doña Mayor, viuda del rey San-
llamos en los muros. Se asemejan a las pilastras, pero cho III de Navarra. Fue emplazada en un punto estratégi-
no tienen una función estructural. co de la ruta de peregrinación a Santiago, por lo que
contribuyó a la difusión del estilo románico en Castilla.
10. • Arco fajón: lo encontramos en las iglesias. Su uti-

FIGURA 4

16
Página 44
12. (2) Tímpano (4) Parteluz
(3) Dintel (5) Montante
(1) Arquivoltas (6) Jambas
13. Los temas decorativos más comunes de la escultura ro-
mánica en las portadas de las iglesias son: en el tímpano,
el Cristo en majestad acompañado por el tetramorfo; en
el parteluz, los relieves geométricos o las figuraciones
simbólicas; en los capiteles, los motivos vegetales, los
animales fantásticos o los temas bíblicos.
14. Las esculturas devocionales románicas suelen carac-
terizarse por la falta de expresión y el hieratismo. Esto es
debido a la tendencia a la geometrización y la simetría de
las formas. Las esculturas, normalmente, estaban rica-
mente policromadas.
Las diferencias entre estas dos imágenes son:
– Representan temas distintos: la imagen superior re-
presenta la crucifixión de Cristo y la imagen inferior,
la Virgen como Sedes sapientiae.
– Están hechas con diferentes materiales: el crucifijo
está tallado en marfil y la Virgen está esculpida en
madera policromada.
– Muestran diferencias de expresión en el rostro: la de
Cristo es rígida e inexpresiva; la de la Virgen, en
comparación, es más viva.
Página 45
15. Ficha técnica: La duda de Santo Tomás
Autor: PRIMER MAESTRO DE SILOS
Cronología: segunda mitad del siglo XI
Tipología: relieve
Material: piedra
Estilo: románico
Localización: Monasterio de Santo Domingo de Silos
(Burgos)
Descripción formal: La duda de Santo Tomás es un
relieve tallado en piedra, que representa una escena
bíblica. Esta se encuentra enmarcada entre columnas de
capitel corintio, que sustentan un arco de medio punto
bajo una arquitectura románica. La figura de Cristo no
ocupa un lugar central, como acostumbra, sino que se
encuentra en la parte inferior izquierda de la com-
posición. Cabe destacar la homogeneidad del grupo, que
se adapta al marco, debida a la semejanza entre los
rasgos de los distintos personajes. Estos están repre-
sentados, además, en la misma postura, con la misma
inclinación de cabeza. La continuidad del conjunto solo
se ve interrumpida por el brazo alzado de Cristo, cuya
figura es un poco más grande que las demás, y la figura
de Tomás con una postura opuesta al resto.
Tema representado: Esta pieza representa el momento
en que el apóstol Tomás mete el dedo en la herida de
Cristo para cerciorarse de que realmente ha resucitado,
como le habían contado el resto de apóstoles.
Modelos en influencias: Las obras del PRIMER MA-
ESTRO DE SILOS remiten a las tallas en marfil de la época,
a los mosaicos bizantinos y a los manuscritos mozárabes.
También nos recuerdan a la escultura Occitana, que, pro-
bablemente, se introdujo en la cuenca del Duero a través
de la ruta jacobea.
Página 46
16. La pintura románica, en la que dominó la temática
religiosa, usó un lenguaje simbólico para transmitir la
historia bíblica. Las representaciones más habituales
eran el Cristo en majestad (Maiestas Domini), presi-
diendo el Juicio Final, y la de la Virgen en majestad
(Maiestas Mariae). Eran característicos de esta pintura la
ausencia de profundidad y los fondos monocromos, la
variedad de colores saturados y la limitación de estos
mediante trazos oscuros. Las figuras estaban tratadas de
forma esquemática y los grupos organizados siguiendo la
perspectiva jerárquica. Las composiciones tendían a
llenar el espacio disponible y a adaptarse al marco
arquitectónico o al soporte sobre las que estaban repre-
sentadas.
Las dos principales manifestaciones de la pintura del
románico fueron los murales al fresco y el temple sobre
tabla para el frontal de los altares.
17. En el caso del Frontal de la Seu d’Urgell o de los Após-
toles el tema representado es la imagen de la Maiestas
Domini, situada en una doble mandorla y franqueada por
los apóstoles.
En el Frontal de Santa María de Àvia se representa la
Maiestas Mariae, con las escenas de la Anunciación, la
Visitación, la Natividad, la Adoración de los Reyes Ma-
gos y la presentación de Jesús en el templo.
18. El panteón real era el antiguo nártex, o pórtico occi-
dental, de la iglesia palatina. La fecha de conversión en
panteón no se conoce con exactitud, pero se sabe que es
anterior al año 1063, momento en que fue consagrado el
templo bajo la advocación de San Isidoro. Este recinto
acoge los restos de gran número de miembros de la corte
leonesa.
El tesoro artístico más importante de este lugar es el
conjunto de frescos que decoran las bóvedas. El Panteón
de los Reyes es uno de los ejemplos más importantes de
arte románico, debido al interés pictórico de los murales
y el buen estado de conservación en el que se encuen-
tran. También es destacable la calidad escultórica de los
capiteles y la pila bautismal.
Página 47
19. Ficha técnica: Frescos del ábside de San Clemente de
Tahull
Autor: MAESTRO DE TAHULL y taller
Estilo: románico
Técnica: fresco y temple sobre muros
Descripción formal: En la parte central superior del
ábside de San Clemente de Tahull vemos el Cristo en
majestad. Este se encuentra dentro de la mandorla,
rodeado por el tetramorfo, que es la representación
simbólica de los cuatro evangelistas, acompañado por
sendos ángeles. En este fresco podemos apreciar las
características más representativas de la pintura romá-
17
 nica: el hieratismo, la simetría, la perspectiva jerárquica,
la frontalidad, el colorido vivo, etc. Cabe destacar la
influencia bizantina típica del románico catalán. Así
como el protagonismo del color azul, obtenido de un
mineral abundante en el sur de los Pirineos, que nos
revela una importante dotación económica para la
realización de estos frescos.
Tema representado: Los Frescos del ábside de San
Clemente de Tahull se basan en el libro bíblico del Apo-
8. EL ARTE GÓTICO
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1. a) A: París; B: Citeaux; C: Albi
En el mapa: las flechas que parten del punto A deben
colorearse en rojo. Las flechas que parten de los
puntos B y C deben colorearse en naranja.
b) Alrededor del s. XII el asentamiento de la vida
comercial en Europa propicia el resurgir de las
ciudades y el nacimiento de una nueva clase social: la
burguesía. Este período, a pesar de estar marcado por
guerras, hambrunas y pestes, conlleva la aparición de
una corriente cultural que llamamos Humanismo que
cristalizará, más adelante, en el Renacimiento. Este
pensamiento promueve una inquietud por com-
prender el mundo mediante las ciencias relacionadas
con el ser humano.
c) Este concepto lo empezaron a usar los artistas rena-
centistas en el s. XVI para designar despectivamente
la arquitectura de los siglos anteriores. Consideraban
que esta era de un estilo bárbaro responsable del olvi-
do de la herencia del mundo clásico. Lo llamaron
“gótico” porque creían, equivocadamente, que había
sido invención de los godos.
No fue hasta el siglo XIX que el movimiento román-
tico alemán recuperó el gótico como emblema de la
identidad nacional.
d) Véase el eje en la Figura 5.
Página 49
2. 1. Catedral de Reims, de autor desconocido. Este edifi-
cio pertenece a la época en que se construyen las
grandes catedrales del gótico francés. Estilo que se
FIGURA 5
18
calipsis de San Juan y representan la segunda Parusía,
que es la segunda venida de Cristo a la Tierra. Este
bendice con una mano, mientras que, con la otra,
sostiene un libro con la inscripción latina Ego sum lux
mundi, que significa “Yo soy la luz del mundo”. Tam-
bién encontramos en este conjunto, además de las figuras
ya mencionadas, a los apóstoles San Bartolomé, San
Tomás, Santiago, San Felipe, San Juan Evangelista y la
Virgen María, que sostiene el Santo Grial.
caracteriza por la verticalidad de sus construcciones y
la gran luminosidad interior. Por la época en que fue
erigida, el siglo XIII, la podríamos clasificar en el
período clásico o de plenitud.
2. El matrimonio Arnolfini: JAN VAN EYCK. Este retrato
es un reflejo del auge de la burguesía en Europa a
partir del final de la Edad Media. Está pintado al
óleo, que es una técnica de reciente aparición en
aquel momento. Pertenece al estilo pictórico llamado
escuela flamenca.
3. Virgen dels Consellers: LLUÍS DALMAU. Este retablo
contiene los retratos detallados de los miembros del
Consejo de Ciento. Es una pieza de gran valor histó-
rico y representativa del estilo del gótico catalán.
Además, muestra una gran influencia de la escuela
flamenca.
3. Respuesta personal. A modo de ejemplo;
– Arquitectura:
1. Refectorio del monasterio de Santa Maria de
Huerta
2. Catedral de Siena
3. Capilla de King’s College de Cambridge
4. Catedral de Amiens
– Escultura:
5. Puerta del Sarmental, portada sur de la catedral
de Burgos
6. Virgen Blanca de la catedral de Toledo
7. CLAUS SLUTER: El pozo de Moisés
8. ANDREA PISANO: Paneles de la puerta sur del
Baptisterio de Florencia
 – Pintura:
9. Cantigas de Santa María, de Alfonso X el Sabio
10. DUCCIO DI BUONINSEGNA: Madonna Rucellai
11. GIOTTO DI BONDONE: Resurección de Lázaro
12. JAN VAN EYCK: Retablo de la Adoración del
cordero místico
– He escogido estas obras porque considero que son
una buena muestra de las distintas tendencias
arquitectónicas, escultóricas y pictóricas que se
dieron entre los siglos XIII y XV. Esta selección nos
ayuda a comprender las diferencias y los encuentros
entre las diferentes estilos y escuelas de la Europa
gótica.
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4. Las respuestas son:
(1) Nave central (5) Absidiolos
(7) Naves laterales (3) Transepto
(6) Cabecera (4) Girola
(2) Crucero
5. Las respuestas son:
– (1) Rosetón (6) Portada
(3) Pináculo (2) Arbotante
(4) Torre (5) Arco apuntado
– 1. El rosetón es una vidriera circular que se encuen-
tra en la fachada de la iglesia.
2. El arbotante es un elemento que encontramos
entre las columnas y los contrafuertes, cuya fun-
ción consiste en ayudar a soportar el peso de las
bóvedas interiores.
3. El pináculo es un elemento de forma piramidal o
cónica que, normalmente, corona las torres y
enfatiza el carácter ascendente del edificio.
4. La torre es una estructura más alta que ancha
conjunta al cuerpo de la iglesia, que habitual-
mente aloja las campanas.
5. El arco apuntado es un elemento arquitectónico
situado entre dos paredes o pilares, formado por
dos segmentos curvos que configuran un ángulo
en la parte central. Su función es posibilitar el
espacio abierto debajo de él transmitiendo la
carga del techo a sus laterales.
6. La portada es la entrada en la parte frontal del
templo. Hay una por cada nave interior. Normal-
mente, esta decorada por conjuntos escultóricos
muy ricos.
Página 51
6. Las diferencias son:
– El gótico meridional construye iglesias de una sola
nave amplia, donde predomina la horizontalidad y,
además, prefiere la austeridad en la decoración. Un
ejemplo de arquitectura gótica meridional sería la
iglesia de Santa María del Mar de Barcelona.
– El gótico septentrional potencia la verticalidad de sus
construcciones y la fastuosidad decorativa. Un ejem-
plo de gótico septentrional sería la Catedral de
Notre-Dame de París.
7. Ficha Técnica: Catedral de León
Autor: ENRIQUE DE BURGOS Y JUAN PÉREZ
Cronología: 1255-1300
Tipología: catedral
Descripción de la planta: La planta, en forma de cruz,
consiste en tres naves que culminan en una enorme
cabecera, en la que se encuentra implícito el transepto,
rematada por cinco capillas radiales.
Descripción de la fachada occidental: La fachada fron-
tal de la catedral se compone de una triple portada ojival,
un impresionante rosetón, como es habitual, coronado
por un gablete y, a cada lado, dos grandes torres de
planta cuadrada acabadas en pináculos. Un sistema de
contrafuertes y arbotantes soporta el peso de la bóveda
central de crucería. Este hecho permite al edificio acoger
una gran cantidad de ricos vitrales que iluminan abun-
dantemente el interior.
Función, contenido y significado: La Catedral de León
está dedicada a la Virgen de Regla y es un punto impor-
tante de peregrinación del Camino de Santiago.
Modelos e influencias: Esta catedral, como la de Bur-
gos, es un ejemplo claro de arquitectura gótica castellana
de inspiración francesa. La planta es muy parecida a la
de la Catedral de Reims. Además, las decoraciones es-
cultórica y vitral remiten a las de Chartres y la Sainte-
Chapelle de París respectivamente.
Página 52
8. Las diferencias son:
– La virgen románica es rígida, inexpresiva y tiende a
la esquematización simbólica de las formas.
– La Virgen Blanca presenta una intención más próxi-
ma a la imitación del natural e incluso transmite cier-
ta sensualidad por la sinuosidad de la figura.
9. a) Respuesta personal. A modo de ejemplo; CLAUS
SLUTER, GIL DE SILOÉ, GIOVANNI PISANO, ANDREA
PISANO
b) El significado de los conceptos es:
• Escultura orante: el tema representado es una fi-
gura en oración. Normalmente, en la escultura gó-
tica, se trata de algún personaje poderoso como
un noble, un burgués o un religioso.
• Escultura sedente: el tema representado es una fi-
gura sentada. Este género es más común en el ro-
mánico aunque también se da en el gótico, princi-
palmente en vírgenes.
• Escultura yacente: el tema representado es una fi-
gura tumbada. Este tipo es usado para tumbas o
monumentos funerarios.
c) Las esculturas anteriores se representaban principal-
mente en las iglesias.
d) Los principales materiales de la escultura gótica eran
madera, piedra y alabastro, dorados y policromados.
19
 e) Las temáticas más recurrentes de la escultura gótica • Italogótico: es un estilo nacido en Italia, que se
son la Virgen y la historia bíblica, con especial pre- desarrolló durante los siglos XIII, XIV y XV, y que
dilección por el libro del Apocalipsis. constituirá el principio del Renacimiento. La prin-
f) A partir del siglo XIII las estatuas fueron desvin- cipal característica de esta pintura es la búsqueda del
culándose gradualmente del estatus de mera orna- naturalismo que encontramos en el modelado de los
mentación arquitectónica al surgir las llamadas esta- volúmenes, en una incipiente representación de la
tuas-columna, que fueron el paso previo hacia la es- expresividad de los personajes y en los primeros en-
cultura exenta. Esta es la escultura totalmente inde- sayos de perspectiva.
pendiente del marco arquitectónico. Respuesta personal. A modo de ejemplo, la Resu-
rrección de Lázaro de GIOTTO DI BONDONE, el pio-
nero de la pintura renacentista.
Página 53
• Internacional o cortesano: género de los siglos XIV
10. – (1) Maiestas Domini (3) Los cuatro evangelistas y XV desarrollado en las cortes europeas, que es una
(4) Los apóstoles (2) Tetramorfo síntesis de la estilización del gótico lineal y la pintura
naturalista italiana. Lo distinguimos por la abundacia
– En las arquivoltas encontramos representados a los
de detalles, colores saturados y elementos dorados.
veinticuatro ancianos del Apocalipsis y a una serie de
ángeles y serafines. San Juan menciona estos Respuesta personal. A modo de ejemplo, Adoración
ancianos en este libro bíblico, pero no aclara quienes de los Reyes en el libro de las Muy ricas horas del
son. En el parteluz vemos la figura de un obispo duque de Berry de los HERMANOS LIMBOURG.
tocado con una mitra y portando un báculo, cuya • Flamenco: estilo del siglo XV, procedente de los Paí-
identidad no está muy clara a día de hoy. Sobre este ses Bajos y Flandes, que nació del gótico interna-
hallamos un dosel que sirve de base a una estatua del cional. La difusión de la técnica del óleo confirió ma-
Cordero místico. yor luminosidad a la pintura y facilitó el trabajo de
– Ficha Técnica: Tímpano de la Puerta del Sarmental los detalles. Las características más notables son
cierto hieratismo en las figuras, la mezcla del mundo
Autor: atribuido al MAESTRO DE BEAU DIEU DE
religioso y profano en los temas, y el uso recurrente
AMIENS
de simbolismo.
Cronología: 1235-1240
Respuesta personal. A modo de ejemplo, JAN VAN
Material: piedra EYCK: Retablo de la Adoración del cordero místico.
Tema representado: En este conjunto escultórico
12. Las respuestas son:
vemos la Maiestas Domini representada de la manera
habitual; Cristo sentado en un trono bendice con una
mano y sostiene el Evangelio con la otra. Lo rodea el
tetramorfo, que son las representaciones de los evan-
gelistas y sus figuras simbólicas. Los evangelistas en
forma humana, sentados en un escritorio, recogen las
palabras del Señor. Como ya hemos comentado,
acom-pañan a este grupo una corte compuesta por los
ancianos del Apocalipsis, ángeles y serafines, así
como unos personajes que son las alegorías de las
artes liberales. Por debajo vemos una hilera de figu-
ras que corresponden a los doce apóstoles.
Modelos e influencias: En la Puerta del Sarmental de
Burgos distinguimos la influencia de la escultura
francesa. Los talleres de Amiens y Reims fueron un
modelo a seguir para los artesanos que colaboraron en
la construcción de las catedrales de Burgos y León,
dos grandes proyectos catedralicios de la época.

Página 54
11. • Francogótico o lineal: este estilo se dio a finales del
s. XII y durante el s. XIII. Es de origen francés. Está
íntimamente relacionado con las miniaturas que
ilustraban los libros manuscritos y las vidrieras de las
iglesias. En este género de pintura encontramos una
primacía de la línea respecto al color, representa-
ciones planas y fondos dorados o monocromos.
Respuesta personal. A modo de ejemplo, podemos
nombrar las Cantigas de Santa María, de Alfonso X
el Sabio de varios autores desconocidos.
20
– Pintura al temple, miniatura, perspectiva, pintura al
óleo, mandorla, retablo, díptico, carnación, libros de
horas, sedes sapientae, tríptico, guardapolvo.
– Respuesta personal. A modo de ejemplo:
1. Pintura al temple: es un tipo de pintura al agua
cuyo aglutinante es grasa, huevo, goma o otras
materias orgánicas, también la conocemos como
témpera. En la Edad Media y el Renacimiento se
 usaba el temple al huevo.
2. Miniatura: también llamadas iluminaciones, eran
pinturas que ilustraban los libros manuscritos,
principalmente, de la Edad Media. Se conservan
libros de este tipo de distintas épocas y
tradiciones.
3. Carnación: tono de la carne humana en la tradi-
ción pictórica europea a partir de la Edad Media.
13. Respuesta personal. A modo de ejemplo, el Encuentro de
San Joaquín y Santa Ana de GIOTTO. He escogido esta
pintura porque reúne las características de la pintura
tardogótica que florecerán, más adelante, en el Renaci-
miento; la representación de las emociones humanas y el
estudio de la perspectiva.
Página 55
14. Ficha Técnica: El jardín de las delicias
Autor: HIERONYMUS BOSCH, EL BOSCO
Estilo: gótico flamenco
Técnica: óleo sobre tabla
¿Cómo consigue el pintor crear profundidad...?: El
soporte de El jardín de las delicias se compone de tres
tablas, dos alargadas en sentido vertical en los extremos
y una casi cuadrada, que es la más grande, en el centro.
Esta disposición resulta en un formato panorámico que
favorece el efecto de profundidad de la obra.
Descripción formal: La tabla de la izquierda muestra el
9. ARTE RENACENTISTA
Página 56
1. Las respuestas son:
Paraíso. La tabla la central, el Jardín de las delicias;
última, el Infierno que se diferencia de las anteriores, en
tonos verdes, por sus tonos oscuros y sus escenas
macabras.
¿Por qué esta obra se titula El jardín de las delicias?:
El bosco ha representado los tres momentos de la
existencia en el pensamiento cristiano. En primer lugar
representa el mundo paradisíaco antes del pecado ori-
ginal, que se puede relacionar con la inocencia de la
infancia. En la segunda aparecen los placeres de la carne,
a los se dan los hombres durante la vida. La última
representa los castigos después de la muerte por los
excesos cometidos anteriormente. El artista titula la obra
El jardín de las delicias porque, imbuido por la cultura
religiosa, pone el énfasis en la importancia para el alma
humana de este período intermedio, donde, si caemos en
tentación, nos veremos evocados a los suplicios del
Infierno.
Modelos e influencias: El detallismo de la pintura del
BOSCO nos señala la influencia de la escuela flamenca.
El simbolismo de las representaciones bebe de la cultura
popular de aquel momento y de la mitología cristiana.
Este artista ejerció un notable influjo sobre la pintura
surrealista del siglo XX.
Comenta qué es lo que más te ha llamado la atención:
Respuesta personal. A modo de ejemplo, me ha llamado
la atención el carácter de ensueño de las escenas
representadas que nos remiten directamente a la pintura
de SALVADOR DALÍ.
a) Rojo (R): Florencia, Venecia, Padua, Ferrara, Mantua
Azul (A): Brujas, Amberes, Wittenberg, Estrasburgo,
Praga, París, Fontainebleau, Venecia, Padua, Ferrara,
Mantua, Salamanca, El Escorial, Madrid, Toledo,
Valencia, Sevilla
b) 1. Los Médici eran una poderosa familia de banque-
ros que se erigieron en los gobernantes de Floren-
cia. Su gobierno duró muchas generaciones. Este
en ocasiones fue muy despótico, pero, por otra
parte, patrocinó a númerosos artistas y científicos
de su época.
2. La arquitectura del Quattrocento rechaza el lega-
do gótico y toma como modelo el mundo clásico
griego y romano.
3. En 1453 los turcos toman Constantinopla. Este
hecho acaba definitivamente con el Imperio bi-
zantino.
4. La pintura florentina del Quattrocento se consi-
dera la iniciadora del nuevo estilo pictórico rena-
centista, con nombres tan importantes como FRA
ANGELICO, MASSACCIO o PIERO DELLA FRAN-
CESCA.
5. En 1492 Cristóbal Colón, al servicio de los Re-
yes Católicos, llega a América. Descubriendo así
21
 un “Nuevo Mundo” a los europeos, que desco-
nocían la existencia de este continente.
c) 1. En 1506 se empieza a construir San Pedro del
Vaticano.
2. RAFAEL y MIGUEL ÁNGEL pintan grandes frescos
para el Vaticano. Que son La escuela de Atenas y
los frescos de la Capilla Sixtina respectivamente.
3. En 1517 Martín Lutero, con su famoso pronun-
ciamiento en contra de las indulgencias que
concedía la Iglesia de Roma, inicia la Reforma
protestante.
4. En el 1527 acontece el asalto y saqueo de Roma
(il sacco di Roma) por el emperador Carlos V.
Este había conseguido recientemente el título de
emperador del Sacro Imperio Romano Germánico
en contra del Papa y de Francisco I de Francia.
5. España y Portugal avanzan en la colonización de
América, sometiendo a los imperios azteca e inca.
d) Véase el cuadro en la Figura 6.
Página 57
2. 1425: 1; 1436: 3; 1452: 5; 1486: 2; 1530: 4
1. MASACCIO: El tributo de la moneda
2. LEONARDO: La virgen de las Rocas
3. BRUNELLESCHI: Cúpula de Santa Maria del Fiore
4. VANDELVIRA: Iglesia del Salvador
5. LORENZO GHIBERTI: Puerta del Paraíso
3. Véase el cuadro en la Figura 7 de la página siguiente.
Página 58
4. (F) Uso del arco apuntado
(V)Las bóvedas de las naves…
(V)La cúpula se sitúa sobre…
(V)En los palacios florentinos…
(F) La planta de cruz griega…
(F) La cúpula descansa sobre…
(V)La cúpula ideal de Filarete…
(V)La arquitectura renacentista…
(F) La fachada de la Universidad…
(V)San Pietro in Montorio es de …
5. De izquierda a derecha y de arriba abajo:
– Columna toscana: es un tipo de columna de capitel
austero y fuste liso. La columna toscana urge como
simplificación de la dórica. A diferencia de esta, la
columna toscana se apoya sobre una base y un podio.
La columna toscana es de origen etrusco, poste-
riormente fue muy usada por los romanos de quienes
la tomaron los renacentistas.
– Bóveda de arista: es un elemento arquitectónico que
resulta del cruce de dos bóvedas de cañón. Era de uso
corriente en el Imperio romano y se mantuvo durante
la Alta Edad Media, por último el Quattrocento ita-
liano la recuperó hasta la Modernidad
– Cúpula: es una estructura en forma de media esfera
que sirve de cubierta a un edificio o a parte de él;
normalmente es de gran tamaño. Se apoya en los mu-
ros o los pilares de este.

FIGURA 6

Técnicas, estilos e ideales Definición Cronología

Antropocentrismo Corriente de pensamiento que considera al hombre como centro Surge en el s. XVI
del universo.
Contrapposto En las estatuas, postura que consiste en apoyar el peso del Surge en el s. V a. C.
cuerpo sobre una pierna y hacer avanzar ligeramente la otra.
Serpentinata En la escultura y pintura, representación de los cuerpos Surge en el s. V a. C.
siguiendo un esquema en forma de “S”.
Sfumato Técnica pictórica usada para expresar profundidad mediante el Surge en el s. XV
difuminado de los objetos lejanos
Manierismo Estilo tardío del arte renacentista, que rompe con la harmonía S. XVI
de la composición clásica estilizando notablemente las formas.
Claroscuro Técnica pictórica que consiste en representar el volumen de un Surge en la Antigüedad
objeto mediante la gradación de luz.
Ciudad ideal Diseño urbanístico renacentista que buscaba la harmonía en el S. XV
trazado del plano.
Plateresco Estilo arquitectónico español, de transición entre el gótico y el S. XVI
Renacimiento, que se caracteriza por su riqueza ornamental.
Multifacialidad Técnica escultórica que permite la variedad de puntos de vista S. XVI
óptimos sobre la pieza.
Terribilità Concepto usado para describir el carácter imponente de la S. XV y XVI
escultura de MIGUEL ÁNGEL

22
 FIGURA 7
Autor Actividad
ALBERTI arquitectura
HANS HOLBEIN pintura
ANDREA PALLADIO arquitectura
BARTOLOMÉ
escultura
ORDOÑEZ
TIZIANO pintura
DURERO pintura y grabado
arquitectura y
LORENZO GHIBERTI
escultura
ALONSO
escultura
BERRUGUETE
– Planta de cruz griega: es el plano horizontal de una
edificación formado por la intersección perpendicular
de dos brazos de la misma longitud por su medio.
Pese a que es un modelo arquitectónico de iglesia
desde el Imperio bizantino, tiene su origen en la anti-
gua Persia.
Página 59
6. Ficha técnica: San Lorenzo de Florencia
Autor: FILIPPO DI SER BRUNELLESCHI
Cronología: 1421-1470
Tipología: iglesia
Descripción de la planta: La planta, que tiene forma de
cruz latina, se divide en tres naves, transepto y un ábside
con dos sacristías a cada lado. Las naves laterales,
además, alojan una serie de capillas dispuestas a lo largo
de los costados del edificio. La estructura interior, como
se puede apreciar en la imagen, es totalmente simétrica.
Descripción del interior: La nave central es la mayor y
se separa de las de los extremos por una hilera de
columnas corintias que sustentan arcos de medio punto.
Las capillas de los costados también se abren a través de
arcos de medio punto. Encima de estos últimos encon-
tramos óculos que proporcionan luz natural al recinto. El
interior está pensado para que la líneas de perspectiva se
encuentren en el altar.
Función contenido y significado: La Iglesia de San Lo-
renzo de Florencia, como templo cristiano, tiene una fun-
ción litúrgica. La concepción arquitectónica de esta igle-
sia es fruto de la admiración del pensamiento humanista
por la antigüedad clásica. Los elementos están organi-
zados para transmitir equilibrio y serenidad a los fieles.
Modelos e influencias: Se considera a San Lorenzo la
primera iglesia plenamente renacentista. Está inspirada
Estilo País
renacentista Génova, Italia
Sacro Imperio Romano
renacentista nórdico
Gérmanico, Alemania
renacentista Padua, Italia
renacentista España
renacentista Venecia, Italia
Sacro Imperio Romano
renacentista nórdico
Gérmanico, Alemania
renacentista Florencia, Italia
renacentista España
en las basílicas romanas y paleocristianas de nave única.
Además, recupera muchos elementos del lenguaje arqui-
tectónico clásico como los arcos de medio punto o los
óculos.
Página 60
7. – Estas estatuas, aunque presentan características muy
distintas, reflejan el mismo interés por la escultura de
la Antigüedad clásica de los artistas renacentistas.
Además, nos señalan una admiración de la Florencia
de la época por la figura de David. Esta admiración
nos habla de una ciudad que se identifica, por su
situación política, con el modelo del pequeño pero
valeroso pastor que vence al gigante Goliat.
– 1. El David de DONATELLO está fundido en bronce.
El David de MIGUEL ÁNGEL está tallado en már-
mol.
2. La escultura de DONATELLO tiene un tamaño
“real”. La escultura de MIGUEL ÁNGEL es de una
escala mayor a la medida del modelo.
3. El David de DONATELLO está en una actitud
serena de reposo. El David de MIGUEL ÁNGEL
está en tensión, a la espectativa.
4. DONATELLO y MIGUEL ÁNGEL se basan en la es-
cultura griega y romana, pero este último se
permite romper las normas de la proporción clá-
sica en aras de la monumentalidad. Esto lo hace
mediante la exageración de ciertos aspectos de la
anatomía humana.
8. a) Respuesta personal. A modo de ejemplo:
1. BENVENUTO CELLINI → Salero
2. ANDREA DEL VERROCCHIO → Il Colleoni
3. DONATELLO → El profeta Habacuc
23
 4. JUAN DE JUNI → Santo Entierro
b) – En el Renacimiento aparece una nueva tipología
es-cultórica, la escultura exenta, que consiste en
una obra libre en relación al entorno urbanístico.
– Respuesta personal. A modo de ejemplo:
1. DONATELLO → Monumento ecuestre al
condottiero Gattamelatta
2. ANDREA DEL VERROCCHIO → Il Colleoni
12. Las soluciones son:
c) Los escultores renacentistas usaban, principalmente,
mármol, bronce, madera, piedra, yeso y terracota vi-
driada y policromada.
Debido a la influencia del arte clásico se busca orga-
nizar armonicamente las composiciones mediante
esquemas geométricos.
– Pintura manierista: se caracteriza por un abandono
progresivo de las proporciones y el orden clásicos.
Las composiciones se complican, los colores se en-
cienden y el cuerpo humano se estiliza y se repre-
senta en posturas enrevesadas.
Horizonte alto

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9. Ficha técnica: El rapto de las sabinas
Autor: GIAMBOLOGNA
Estilo: manierista
Material: mármol
Características formales: La característica más rele-
vante de este grupo escultórico es el movimiento y la
expresividad. Este grupo está formado por tres perso-
najes relacionados entre sí por el contacto corporal y la
dirección de las miradas.
Tema: La obra representa una escena de la historia de la
antigua Roma. Rómulo, el fundador mítico de esta ciu-
dad, rapta a la esposa de un sabino vencido.
Explica: Las composiciones de horizonte alto tienden
10. – Ficha técnica
a integrar las figuras en el paisaje, ya que permiten
Autor: MIGUEL ÁNGEL una mayor extensión de este.
Título: Moisés
Horizonte bajo
Cronología: 1513-15 y 1542
Tema: Figura bíblica común a la mitología cristiana,
musulmana y judía.
– Ficha técnica
Autor: ALONSO BERRUGUETE
Título: Sacrificio de Isaac
Cronología: 1526
Tema: Escena bíblica en la que Abraham, como
prueba de obediencia requerida por Dios, se dispone
a sacrificar a su propio hijo. En el último momento
un ángel detiene el sacrificio.
a) El gran concepto de la escultura de MIGUEL ÁNGEL
es la terribilità. Esta es una palabra italiana que sus
contemporáneos usaron para definir el carácter impo-
nente, hercúleo y furibundo, de sus estatuas.
Explica: Las composiciones de horizonte bajo, al re-
b) De las imágenes con dos personajes destacaría la
cortar las figuras contra el cielo, tienden a “monu-
tensión que suele resultar del diálogo formal que
mentalizarlas”.
mantienen.
Página 63
Página 62
13. Ficha técnica: La escuela de Atenas
11. – Pintura del primer Renacimiento: La característica
más notable de la pintura de esta época es la inten- Autor: RAFAEL
ción de representar fidedignamente la profundidad. Cronología: 1510-1511
Esta intención la encontramos reflejada en el desa- Estilo: renacentista
rrollo de la perspectiva y la volumetría. Además, ya
Técnica: pintura al fresco
desde el gótico, hay un interés naciente por la re-
presentación realista del cuerpo humano y los rostros. Tema representado: El autor ha compuesto una escena

24
 donde reúne a las personalidades más influyentes, para el 3. Heráclito representado como MIGUEL ÁNGEL en la
mundo renacentista, del pensamiento, el arte y la ciencia. parte central inferior izquierda, es la figura pensativa
Descripción formal: La escena se representa en el en primer plano.
interior de una arquitectura de inspiración romana. RA- 4. Aristóteles, situado en el centro, al lado de Platón-
FAEL coloca en el centro del escenario, donde se encuen-
LEONARDO
tra el punto de fuga, a Platón y Aristóteles. Alrededor de
estos, organizados en grupos, vemos a otras grandes per-
sonalidades del pensamiento clásico. El equilibrio del
entorno arquitectónico ejerce de contrapunto respecto al
dinamismo de los personajes y la viveza de la relación
cromática. Este hecho, junto a la excelencia del dibujo,
confiere a la composición una gran armonía.
Sitúa y explica...:
Dibujamos las líneas perspectivas, la línea del horizonte
y el punto de fuga en la imagen.
Las líneas de perspectiva convergen en el centro, donde
hallamos el punto de fuga. Por lo que diremos que se
trata de una composición con perspectiva central. La
línea del horizonte se encuentra en el medio de la
imagen, dividiéndola en dos mitades iguales.
Identifica en la imagen…:
1. Platón representado como LEONARDO, se encuentra
Nombra dos pintores…:
en el centro de la composición.
1. MIGUEL ÁNGEL: de este aprendió el estudio de la
2. Encontramos un autorretrato de RAFAEL, que mira al
anatomía
espectador, en el margen derecho inferior de la com-
posición. 2. LEONARDO DA VINCI: de quien tomó la técnica del
sfumato y la composición espacial.

10. ARTE BARROCO Y ROCOCÓ

Página 64 a) Rojo (R): Amsterdam, Delft, Amberes, Londres,

Bath, Santiago de Compostela, Salamanca, Lisboa,
1. Las respuestas son: Madrid, Valencia, Sevilla, Torino, Venecia, Boloña,
Roma, Nápoles;
Verde (V): París, Versalles, Dresden, Würzburgo,
Praga, Múnich, Viena, Salzburgo
b) 1. Desde la Reforma protestante acaecida en el s.
XVI, Europa se halla dividida por un conflicto re-
ligioso que enfrenta a países católicos y países
protestantes. El Vaticano, en la ciudad de Roma,
es el centro religioso del mundo católico.
2. La Roma papal es el foco europeo del arte Con-
trarreformista. La Contrarreforma formula unas
directrices propagandísticas que condicionarán el
desarrollo del arte barroco en los países católicos,
especialmente en Italia y España.
3. En el s. XVII se construyen la fachada y la plaza
de San Pedro del Vaticano, diseñadas por Mader-
no y Bernini respectivamente.
4. En el s. XVIII se concibe la Piazza di Spagna,
que alberga la embajada española en Roma.
5. Durante el barroco las iglesias y palacios romanos
acogen pinturas murales tan exuberantes como las
de CARRACCI, GAULLI o CORREGGIO.

25
 c) 1. A partir del s. XVII el Imperio español, que está
colonizando parte de América y posee numerosos
territorios a lo largo del mundo, entra en deca-
dencia. Paradojicamente la cultura española vive
su mejor momento. Este siglo ve producirse obras
tan relevantes como el Quijote o Las Meninas.
2. En el siglo XVII Sevilla es la cuna de muchos de
los grandes nombres de la pintura española. Son
nacidos allí ZURBARÁN, VELÁZQUEZ y MURILLO
entre otros.
3. Es la época, también, de los grandes literatos del
Siglo de Oro como CERVANTES, QUEVEDO, GÓN-
GORA y LOPE DE VEGA.
4. Durante las primeras décadas del s. XVIII acon-
tece la Guerra de Sucesión Española. En esta se
acaba la monarquía de los Habsburgo y se instau-
ra la borbónica.
5. A mediados del siglo XVIII se lleva a cabo la re-
forma barroca de la catedral de Santiago de Com-
postela con la construcción de la Fachada del
Obradoiro.
d) – Las soluciones son:
– Salzillo, Ribera, Velázquez, Versalles, Rococó,
Realismo, Salomónico, Chapitel, Bodegón.
– Respuesta personal. A modo de ejemplo:
1. Salomónico: Denominamos salomónico a un
estilo de columna de invención barroca. La co-
lumna salomónica, también llamada torsa o en-
torchada, es una columna de forma helicoidal.
Los arquitectos barrocos nombraron al estilo salo-
mónico de este modo por creer que provenía de
las columnas del Templo de Salomón.
2. Realismo: El término "realismo", aplicado al
arte del siglo XVII, se refiere a una tendencia
pictórica que busca representar lo tangible de
la manera más veraz posible. Ejemplos de este
género son el holandés VERMEER, el español
VELÁZQUEZ y el francés DE LA TOUR.
3. Rococó: El Rococó es un estilo artístico que
hace hincapié en el lujo y el goce sensual. Para
ello representa, principalmente, temas festivos.
Este género se origina y se desarrolla en Francia.
Se da en pintura, mediante el dibujo sinuoso y
los colores pastel, y en la arquitectura y es-
cultura, mediante el detallismo ornamental.
26
Página 65
2. 1634: 1; 1635: 5; 1679: 2; 1726: 4; 1754: 3
1. GIAN LORENZO BERNINI: Baldaquino de San Pedro
2. GIOVANNI BATTISTA GAULLI: Adoración del nombre
de Jesús
3. FRANCISCO SALZILLO Y ALCARAZ: Oración en el huerto
4. PEDRO DE RIBERA: Real Hospicio del Ave María y San
Fernando
5. PETER PAUL RUBENS El Jardín del Amor
3. (V) Jan Vermeer es un pintor…
(F) La planta flexible es una…
(F) La columna salomónica aparece…
(V) El material de las esculturas…
(F) El patizambo lo pintó Francisco…
(V) Gian Lorenzo Bernini en sus…
(V) La pintura barroca utiliza…
(V) La pintura mitológica tiene…
(V) Antoine Watteau es un pintor…
(F) Velázquez, Zurbarán y Rubens…
Página 66
4. (12) Columnas (10) Campanario
(6) Tambor (3) Balconada
(14) Pilares (8) Cúpula
(13) Estatuas de santos (5) Púlpito
(11) Capillas laterales (2) Cornisa
(7) Linterna (4) Galería sobre las capillas
(1) Balaustrada (9) Retablo profusamente…
5. a) El urbanismo: Busca la coherencia entre los edifi-
cios, los monumentos y su entorno. Se diseñan los
distintos espacios de la cuidad atendiendo a propó-
sitos estéticos, simbólicos o prácticos.
b) La construcción de jardines y palacios: Los jardines
adquieren importancia en los entornos palaciegos.
Estos se componen principalmente de parterres traza-
dos geometricamente, lagos, canales y fuentes. El pa-
lacio barroco es una demostración de riqueza y po-
derío, sin dejar de lado la funcionalidad del edificio.
Página 67
6. Ficha técnica: San Carlo alle Quattro Fontane
Autor: FRANCESCO BORROMINI
Cronología: 1634-1667
Tipología: iglesia
Estilo: barroco
Descripción de la planta: BORROMINI idea una planta
que se articula entorno a un espacio central octogonal de
costados curvos. A este se le suman las estructuras semi-
circulares de la capilla mayor y la entrada.
Descripción de la fachada: En la fachada de la iglesia de
San Carlo se aprecia una división horizontal en dos pisos y
una en vertical en tres calles. Los dos pisos están separados
por un entablamento. Este recorre la ondu-lación producida
 por la concavidad de las calles laterales y la convexidad de
la calle central. Las calles horizontales están separadas por
columnas. En el primer piso encontramos la estatua del
santo que da nombre a la iglesia. En el piso segundo unos
ángeles sostienen un gran medallón que sobresale del
entablamento superior y que, junto a las columnas, acentúa
la verticalidad del edificio.
Función contenido y significado: San Carlo fue cons-
truida en Roma por una orden mendicante española. Esta
se dedicaba a recolectar dinero para ayudar a los
cristianos cautivos de los musulmanes. El interior de este
edificio fue el primer trabajo en solitario de BORROMINI,
y la fachada, construida mucho más tarde, el último de
su carrera.
Modelos e influencias: BORROMINI se inspira en los
últimos trabajos arquitectónicos de Miguel Ángel. Se ha
relacionado la fachada de San Carlo con el templo
romano de El Deir en Petra, que el artista podría haber
visto en alguna reproducción de la época. La estructura
de la cúpula está inspirada en la del Panteón de Roma.
Página 68
7. 1. El David de BERNINI es de tamaño natural, el de
MIGUEL ÁNGEL, por otra parte, mide algo más de
cinco metros.
2. BERNINI representa a su David en actitud dinámica.
El David de MIGUEL ÁNGEL se encuentra en una
pose más estática.
3. El rostro de la estatua de BERNINI reproduce una
mueca de esfuerzo, el rostro de la de MIGUEL ÁNGEL
reproduce una expresión de contemplación más
serena.
4. El David de BERNINI es del siglo XVII y pertenece al
género barroco. El David de MIGUEL ÁNGEL, en
cambio, es del siglo XVII y es de estilo renacentista.
8. a) Respuesta personal. A modo de ejemplo:
1. GIAN LORENZO BERNINI → El Éxtasis de Santa
Teresa
2. PEDRO DE MENA → Ecce Homo
3. ALONSO CANO → San Diego de Alcalá
4. FRANÇOIS GIRARDON → Apolo y las ninfas de
Tetis
b) Llamamos imaginería a la escultura española de los
siglos XVII y XVIII por su profusión de detalles
realistas que pretendían despertar la piedad de las
gentes. En estas esculturas, hechas de madera poli-
cromada, se pueden ver elementos como cabellos
naturales, ojos de vidrio y lágrimas de resina.
c) La Inmaculada Concepción de ALONSO CANO está
tallada en madera y, posteriormente, policromada y
encarnada. La encarnación era una técnica pictórica,
también aplicada a la escultura, mediante la que se
intentaba recrear la piel humana. Esta es muy carac-
terística de la imaginería barroca española. La com-
posición de esta pieza es de perfil fusiforme, esto es
que tiene un volúmen mayor en la parte media, hecho
que, junto a la anchura de la peana, le confiere as-
cendencia y una forma helicoidal tipicamente barroca.
Página 69
9. Ficha técnica: Apolo y Dafne
Autor: GIAN LORENZO BERNINI
Cronología: 1622-1625
Tipología: escultura exenta
Material: mármol
Estilo: barroco
Descripción formal: Esta obra representa el momento
en que el joven Apolo alcanza, después de la persecu-
ción, a la ninfa Dafne. Vemos como esta se empieza a
convertir en laurel en el instante en que Apolo posa la
mano sobre ella. El conjunto logra transmitir de manera
admirable el dinamismo y la expresividad de la escena.
Esto se debe, principalmente, a la curvatura del cuerpo
de Dafne, del que constituyen un eco el brazo y la pierna
de Apolo, y en el equilibrio sobre una pierna de este
último. Los detalles, como las hojas de laurel o la textura
de las rocas, están trabajados con un detallismo
excepcional.
Tema representado: Esta obra, como muchas otras de
esta época, está inspirada en las Metamorfosis de Ovidio.
Donde se narra como Eros, como venganza por una burla
de Apolo, provoca que el dios se enamore de Dafne y, al
mismo tiempo, el rechazo de esta hacia Apolo. Dafne,
acorralada en un bosque por Apolo, es convertida en
laurel por su padre el dios-río Peneo. Debido a esto
Apolo se ve obligado a renunciar a la joven. Finalmente,
teje una corona con sus hojas para llevarla siempre
consigo y coronar con ella a los victoriosos.
Modelos e influencias: Pese a las características dis-
tintivamente barrocas de sus obras, BERNINI se nutre de
la herencia clásica y renacentista. Este se inspiro en el
Apolo Belvedere y en la Matanza de los inocentes de
GUIDO RENI. Por otra parte, BERNINI marcó profunda-
mente el desarrollo de la escultura del s. XVII y XVIII
hasta el Neoclacisismo.
Página 70
10. – NICOLÁS POUSSIN → Clasicista
– CARAVAGGIO → Naturalista
– PETER PAUL RUBENS → Barroca
– ANNIBALE CARRACCI → Clasicista
– CHARLES LE BRUN → Academicista
– ARTEMISIA GENTILLESCHI → Naturalista
11. 1. Las tres Gracias, PETER PAUL RUBENS. Barroca:
composición centrífuga
2. Niños jugando a dados, BARTOLOMÉ ESTEBAN MURI-
LLO. Realista: tema costumbrista
3. Los borrachos o El triunfo de Baco, DIEGO RODRÍGUEZ
DE SILVA Y VELÁZQUEZ. Naturalista: tema mitológico
representado a partir de una escena de taberna.
4. Magdalena Penitente, GEORGES DE LA TOUR. Natura-
lista-Realista: tenebrismo y observación rigurosa de
las apariencias
5. El niño con la peonza, JEAN-BAPTISTE-SIMEON
CHARDIN. Rococó-Realista: tema costurmbrista
27
Página 71
12. Ficha técnica: El Martirio de San Felipe
Autor: JOSÉ DE RIBERA
Cronología: 1639
Estilo: barroco
Técnica: óleo sobre lienzo
Tema representado: La obra representa la crucifixión
de San Felipe, que fue condenado en la ciudad de Hierá-
polis por predicar el Evangelio y oponerse al paganismo
de sus habitantes. Se ha querido ver un simbolismo en el
mástil continuo de la cruz y las columnas truncadas.
Estos elementos se referirían a la pervivencia de la fe y
al fin del mundo pagano.
Descripción formal: En primer plano encontramos el
grupo formado por el mártir y los verdugos. En segundo
lugar un grupo de personajes observa indiferente la
crucifixión. El artista observa minuciosamente la natu-
raleza de los gestos y la de las expresiones, huyendo de
cualquier idealización. El cuadro muestra una com-
posición en aspa que contribuye al dinamismo del 13. 1. El patizambo representa un tema profano, la obra de
conjunto. La acción de los verdugos contrasta con la MURILLO un tema sagrado.
resignación de San Felipe. 2. El patizambo establece contacto visual con el
Sitúa y explica las líneas...: El pintor ha situado en la espectador, La Inmaculada, en cambio, dirige su
parte baja de la composición la línea del horizonte. Este mirada a las alturas.
hecho deja mucho espacio al cielo, contra el que se 3. MURILLO pretende representar una figura bella y
recortan las figuras del mártir y los verdugos poten- apacible. La intención de RIBERA, por otra parte, es
ciando la violencia y el dramatismo de la escena. Casi no la de realizar un retrato de la duras condiciones del
hay elementos arquitectónicos que nos permitan deducir pueblo llano de aquella época.
las líneas de perspectiva y el punto de fuga, excepto,
4. En El patizambo encontramos sombras muy densas
quizá, los dos bloques de piedra representados en la parte
que endurecen al personaje, MURILLO proporciona a
inferior derecha del cuadro.
su obra una luz más difusa que favorece la dulzura de
Modelos e influencias: Es notable la influencia de CA- la imagen.
RAVAGGIO en la pintura de RIBERA

11. NEOCLASICISMO Y ROMANTICISMO

Página 72 – Rojo (países del Neoclasicismo): Italia

– Azul (países del Romanticismo): Prusia
1. a) El mapa completado es el siguiente:
– Verde (países de ambos movimientos): Francia y
Reino Unido
b) 1. La fe en la razón y el progreso, propios de la Ilus-
tración, impregnan la vida cultural durante el si-
glo XVIII. El Romanticismo, nacido un poco más
tarde, supondrá un rechazo a estos valores.
2. Durante la segunda mitad el siglo XVIII se
origina en Inglaterra la primera fase de la Revo-
lución Industrial. Esta se expandirá progresiva-
ente por los diferentes países europeos causando
importantes cambios en la vida social, política y
económica del continente.
3. En 1789 estalla la Revolución Francesa que acaba
con el absolutismo pero da paso a un período de
gran violencia social y política. Este se acaba con
el golpe de estado de Napoleón en 1799.
4. A lo largo de Europa y de las colonias americanas
surgen movimientos nacionalistas que desembo-
carán en la creación de nuevos estados.

28
 5. En 1848 se publica el Manifiesto comunista en
Londres. También acontece una importante revo-
lución en París.
c) Los distintos estilos del Romanticismo son: Roman-
ticismo francés; Tendencia clacisista francesa; Ro-
manticismo alemán; Los nazarenos: Alemania; Ro-
manticismo inglés; Prerrafaelismo: Inglaterra
d) Véase el cuadro en la Figura 8.
Página 73
2. 1. Lucrecia, DAMIÀ CAMPENY: Neoclacisismo.
2. VIGNON Y UVÉ, Iglesia de la Madeleine: Neoclacisismo.
3. FRANCISCO DE GOYA, Saturno devorando a su hijo:
Romanticismo
4. JACQUES-LOUIS DAVID, La muerte de Marat: Neocla-
cisimo
3. Véase el cuadro en la Figura 9 de la página siguiente.
Página 74
4. a) Esta frase es del escritor y filósofo francés del siglo
XVIII DENIS DIDEROT.
b) La Encyclopédie es una obra donde se quisieron
recoger los distintos saberes y actividades del hom-
bre. Fue elaborada a mediados del siglo XVIII en
Francia. Los responsables de esta iniciativa fueron
los filósofos DIDEROT y JEAN LE ROND D'ALEMBERT.
5. a) Los modelos de la arquitectura neoclásica son los
órdenes arquitectónicos griegos y romanos.
b) A imitación del imperio romano, se vuelve a poten-
ciar la arquitectura civil, en detrimento de la religiosa
imperante durante el barroco. En estilo neoclásico se
construyen numerosos edificios públicos como bi-
bliotecas, mercados, etc...
c) El Neoclásico recupera tipologías monumentales roma-
nas: la columna conmemorativa y el arco de triunfo.
d) (V) Leo von Klenze es un…
(V) El Capitolio de Washington…
(F) El Museo del Prado es obra…
(V) La mayoría de obras…
(V) Colonne Vendôme narra las…
e) Los elementos esenciales de la arquitectura neo-clási-
ca son los de la arquitectura griega y romana; los ele-
mentos de los distintos órdenes arquitectónicos clási-
cos, columnas, paredes lisas con ocasionales decora-
ciones en estuco, frontispicios, pórticos, cúpulas, etc
Respuesta personal. A modo de ejemplo: El Mu-seo
del Prado de Madrid
Página 75
6. Ficha técnica: Iglesia de la Madeleine
Autor: PIERRE ALEXANDRE VIGNON
Cronología: 1806-1842
Material: piedra
Estilo: neoclásico / neobarroco
Descripción formal: La iglesia de la Madeleine está
diseñada a imitación de un templo clásico del tipo
llamado períptero monóptero. La característica distintiva
de este estilo de templo es que está rodeado por una hile-

FIGURA 8

Características, obras y autores Neoclasicismo Romanticismo Comunes

Predilección por lo exótico, lo imaginario y lo irracional X
Predominio del dibujo X
Utilización de la perspectiva lineal X
JEAN-AUGUSTE-DOMINIQUE INGRES X
Retorno a los historicismos X
La balsa de la Medusa X
La Ilustración X
Eros y Psique X
Antonio Canova X
Hermandad de "los nazarenos" X
Modelos clásicos X
Auge de los nacionalismos X
William Blake X
Tensión emocional X
J. J. Winckelmann X
El Grand Tour X

29
 FIGURA 9

Autor Actividad Estilo Siglo País

THÉODORE GERICAULT pintura Romanticismo XVIII-XIX Francia
BERTEL THORVALDSEN escultura Neoclasicismo XVIII-XIX Dinamarca
LEO VON KLENZE arquitectura, escultura y pintura Neoclasicismo XVIII-XIX Alemania
FRIEDRICH OVERBECK pintura Romanticismo XVIII-XIX Alemania
JUAN DE VILLANUEVA arquitectura Neoclasicismo XVIII-XIX España
DANTE GABRIEL ROSETTI pintura Romanticismo XIX Inglaterra
HENRI FÜSSLI pintura Romanticismo XVIII-XIX Suiza
JACQUES-GERMAIN SOUFFLOT arquitectura Neoclasicismo XVIII Francia
JOHN CONSTABLE pintura Romanticismo XVIII-XIX Inglaterra

ra de columnas no anexas al cuerpo central del edificio.
La iglesia de planta rectangular se levanta sobre un po-
dio. La fachada se compone de un frontón triangular con
grupo escultórico, friso y un pórtico de ocho columnas
de orden corintio al que da acceso una escalinata. Las es-
tatuas del tímpano son obra del escultor y político HENRI
LEMAIRE. En el friso podemos leer una inscripción en
latín que dedica el templo a María Magdalena y a Dios.
Entorno e interpretación urbanística: La iglesia de la
Madeleine se encuentra en París, en un eje que separa los
Campos Elíseos y el Jardín de las Tullerías.
Función contenido y significado: Este edificio, conce-
bido ya inicialmente como una iglesia, fue transformado
durante la Revolución Francesa en el Templo de la Revo-
lución. Posteriormente, con la subida al poder de Napo-
león, fue un monumento dedicado al ejército francés. No
fue hasta 1842 que se volvió a usar como iglesia.
Modelos e influencias: El arquitecto se inspiró en la
Maison Carrée de la ciudad francesa de Nimes. Este
edificio es de estilo romano imperial, de dimensiones
bastante más reducidas que la Iglesia de la Madeleine.
Además, el edificio de VIGNON es de pórtico octásilo y
el de la Maison hexástilo.
Página 76
7. 1. THORVALDSEN busca el equilibrio y la serenidad
propios del arte clásico mediante la postura del
contrapposto. GIAMBOLOGNA busca transmitir la vio-
lencia del rapto mediante el movimiento y la expre-
sividad de las figuras.
2. El Jasón… es una escultura neoclásica del siglo XIX.
El rapto… es una obra muy anterior, del siglo XVI, y
pertenece al estilo manierista.
3. El Jasón… se compone de una figura. El rapto…, en
cambio, es una escultura compuesta por tres figuras.
4. En la estatua de THORVALDSEN hay cierta simpli-
ficación de los detalles, siendo, a la vez, una escul-
tura de un estilo realista. En la obra de GIAMBO-
LOGNA, por otra parte, vemos un gran detallismo en
la representación de los cuerpos, especialmente en la
piel y los cabellos.
8. – Respuesta personal. A modo de ejemplo:
1. ANTONIO CANOVA → Paulina Borghese
2. DAMIÀ CAMPENY → Lucrecia
3. BERTEL THORVALDSEN → Ganímedes y el
águila de Zeus
4. ANTONI SOLÀ → La Caridad romana
– El material más empleado por los escultores neoclá-
sicos, como por los escultores clásicos, es el mármol.
9. 1. Atribuido al maestro de Beau Dieu de Amiens.
Gótico: estilización de las figuras.
2. DONATELLO. Renacimiento: realismo y harmonía de
la representación
3. ANTONIO CANOVA. Neoclásico: semejanza con los
modelos clásicos
4. FRANÇOIS RUDE. Romanticismo: expresividad del
conjunto
Página 77
10. Ficha técnica: Eros y psique
Autor: ANTONIO CANOVA
Cronología: 1787-1793
Tipología: escultura exenta
Material: mármol
Descripción formal: Este conjunto escultórico tiene una
composición en forma de X. El centro de esta aspa se
sitúa en el beso que se dan las figuras de Eros y Psique,
que, además, está circunscrito en el círculo que forman
los brazos de la última. CANOVA muestra el ideal de
belleza masculino y femenino de su época. Cabe desta-
car la gran labor de pulido de la piedra que da una
apariencia de delicada tersura a la obra.
Tema representado: Esta escultura se basa en la
narración mitológica del autor romano APULEYO en El
asno dorado. Esta novela nos cuenta, entre otras histo-
rias, el romance entre Eros y Psique. Después de una
serie de infortunios, Psique se ve sumida, por un
maleficio, en un sueño del que solo puede despertar con
un beso de Eros. “Psique” es una palabra griega que
significa alma; Eros era el dios griego del amor.
Modelos e influencias: CANOVA se inspira en la escul-
tura griega y romana. Este artista es uno de los grandes

30
 referentes del estilo neoclásico y fue una gran influencia
para otros que se incluyen en este género. Dos ejemplos
españoles de esta influencia son los escultores DAMIÀ
CAMPENY y ANTONIO SOLÀ.
Obras que relacionan a Canova con Napoleón: CANO-
VA realiza un retrato de Napoleón representado como el
dios romano Marte. Además, también realiza un retrato
de la hermana del emperador, Paulina Bonaparte, como
la diosa Venus.
Página 78
11. 1818: 2; 1827: 1; 1815-1828: 5; 1849-1850: 4; 1863: 3
1. FRANCISCO DE GOYA: La lechera de Burdeos
2. CASPAR DAVID FRIEDRICH: El caminante sobre el
mar de nubes
3. JEAN-AUGUSTE-DOMINIQUE INGRES: El baño turco
4. DANTE GABRIEL ROSETTI: Ecce Ancilla Domini
5. FRIEDRICH OVERBECK: Germania e Italia
12. 1. En el cuadro de DAVID las figuras están minuciosa-
mente perfiladas. DELACROIX, por otra parte, dibuja
mediante pinceladas más libres.
2. En El juramento… hay una luz suave que, además
llega, más o menos, a toda las partes de la compo-
sición. La libertad… está iluminada por un “foco
irreal” que produce violentos contrastes, destacando
FIGURA 10
Obra Periodo histórico Hechos históricos que narra
El 3 de mayo en primera mitad del s. XIX ocupación francesa de Madrid
Madrid
Fusilamiento de segunda mitad del s. XIX fusilamiento del emperador francés
Maximiliano en México .
Masacre de mediados del s. XX Guerra de Corea
Corea
12. DEL REALISMO AL MODERNISMO
Página 80
1. a) Véase el mapa al principio de la página siguiente.
Barcelona, París, Viena, Bruselas, Londres, Berlín,
Múnich, Milán
b) 1. Con el desarrollo de la industria crece la pobla-
ción de las ciudades y aparecen nuevos modos de
vida; surgen múltiples corrientes de pensamiento,
gustos artísticos, costumbres sociales...
2. Entre 1870 y 1871 acontece la Guerra Franco-
Prusiana, que concluye con la creación del Impe-
rio alemán.
3. En España se suceden numerosos cambios polí-
ticos como la Revolución de 1868, que destrona a
Isabel II, el Sexenio Democrático y la Restaura-
ción borbónica.
algunas partes y sumiendo a otras en la oscuridad.
3. DAVID representa un tema legendario, mientras que
La libertad… se basa en un acontecimiento histórico.
4. El juramento… tiene unas características muy repre-
sentativas del estilo neoclásico. La libertad… es un
buen ejemplo del ideal romántico.
Página 79
13. Ficha técnica: El 3 de mayo en Madrid
Autor: FRANCISCO DE GOYA
Cronología: 1814
Estilo: neoclásico / romántico
Tema representado: histórico / alegórico
Descripción formal: En este cuadro vemos a unos sol-
dados fusilando a unas personas en las inmediaciones de
una ciudad. Es de noche. La composición se divide en dos
grupos separados por un foco de luz. El grupo de la
izquierda, las víctimas, está iluminado; el de la derecha,
los verdugos, queda en penumbra. La figura con los bra-
zos alzados, directamente iluminada por la fuente de luz,
constituye el centro de la obra. Entorno a esta se distribu-
yen el resto de ajusticiados. Cada uno muestra una actitud
distinta frente al inevitable destino. Los soldados en for-
mación, preparados para disparar, están de espaldas.
14. Véase el cuadro en la Figura 10
Significado
rechazo a la invasión
francesa
tema inspirado por la obra
de GOYA
crítica a la intervención de
Estados Unidos en Corea
4. Aparecen las figuras del marchante de arte y del
crítico de arte.
5. Se organizan en París los Salones de los Recha-
zados, donde exponen su obra los pintores impre-
sionistas.
6. En 1889 se termina la construcción de la Torre
Eiffel de París.
c) En España recibe el nombre de Modernismo; en
Francia y Bélgica: Art Nouveau; en Austria: Seze-
ssionstil; en Inglaterra: Modern Style; en Italia: Stile
Liberty; en Alemania: Jugendstil.
d) Véase el cuadro en la Figura 11.
Página 81
2. 1863: 5; 1876: 4; 1889: 1; 1900: 3; 1908
31
 Además, el Ring circunvala el núcleo antiguo de Viena,
siguiendo el recorrido de las antiguas murallas. El
Ensanche, por otra parte, es más grande. Este llegó a
conectar los pueblos adyacentes a Barcelona uniéndolos
en una sola ciudad.
a) • Parlamento: es de estilo neogriego; por ser la
Grecia clásica el origen de la democracia.
• Universidad: es de estilo neorrenacentista; por la
asociación de esta entidad con el humanismo
renacentista.
• Iglesia votiva: es de estilo neogótico; por ser el
gótico el estilo de las grandes catedrales
b) La arquitectura del siglo XIX introduce, principal-
mente, el uso del vidrio y del hierro.
c) Respuesta personal. A modo de ejemplo:

Nuevas tipologías Ejemplo

mercados, grandes alma- los almacenes Carson de
cenes Chicago
Biblioteca Sainte-Geneviève
1. GUSTAVE EIFFEL: La Torre Eiffel bibliotecas, museos
de París
2. GUSTAV KLIMT: El beso estaciones, infraestructu- Estación del Norte de
3. AUGUSTE RODIN: El pensador ras públicas Valencia
4. AUGUSTE RENOIR: Baile en el Moulin de la Ga- viviendas el Ensanche de Barcelona
lette
5. ÉDOUARD MANET: Almuerzo Campestre
Página 83
3. – Este texto se refiere al movimiento realista
– Principales características del movimiento: interés 6. Ficha técnica: Houses of Parliament
por la vida cotidiana de las clases populares y volun- Autor: CHARLES BARRY
tad de plasmar una realidad objetiva no ideali- Cronología: 1836-1870
zada.
Tipología: palacio
4. Las características principales de la pintura impresionista Material: piedra caliza
son: el estudio del efecto de la luz sobre el entorno; el
estudio del color; el dibujo de las formas mediante Estilo: neogótico
pinceladas sueltas; y la pintura al aire libre. Descripción formal: El edificio de BARRY conserva y
recupera la parte medieval destruida en el incendio de
1834, hecho que explica que se escogiera el estilo neo-
Página 82 gótico. El nuevo parlamento está construido en piedra
caliza, material que ha requerido numerosas tareas de
5. La diferencia más notable es que el Ring fue construido mantenimiento a lo largo del siglo XX. El complejo se
a modo de avenida monumental para albergar grandes compone de varias torres; la Torre Victoria, la mayor; la
edificios públicos. El Ensanche, en cambio, es una am- Central Tower, la menor; y la Clock Tower, que tiene el
pliación residencial de la antigua ciudad de Barcelona. famoso reloj y la campana Big Ben.

FIGURA 11

Autor/Obra Tipología Estilo País

JOSEPH MARIA OLBRICH arquitectura y diseño modernismo Austria-Hungría
Biblioteca-Santa Geneviève arquitectura arquitectura del hierro Francia
La siesta pintura realismo España
JEAN-FRANÇOIS MILLET pintura realismo Francia
PIERRE-AUGUSTE RENOIR pintura impresionsimo Francia
El estudio del pintor pintura realismo Francia
Sol naciente, Impresión pintura impresionismo Francia
Una tarde de domingo en la Grande Jatte pintura puntillismo Francia

32
 Entorno e integración urbanística: El Parliament se
encuentra en la City of Westminster que es un municipio
de Londres, ubicado en su centro, que tiene el estatus de
ciudad. Westminster concentra las instituciones guberna-
mentales del Reino Unido como las Houses of Parlia-
ment, el Palacio de Whitehall, los Royal Courts of
Justice, el Palacio de Buckingham y la Abadía de
Westminster. El Parliament se alza en la orilla norte del
Támesis en una localización excepcional dentro del
tejido urbano de Londres.
Función contenido y significado: Desde su fundación, en
el siglo XI, hasta el siglo XVI fue residencia real, pero ya
en el siglo XIII empezó a recibir los parlamentos del
Reino Unido. Todavía hoy acoge la cámara de los Lores y
la de los Comunes. No hay que olvidar que, pese a su
historia, la mayor parte del edificio es del siglo XIX. En el
año 1987 fue declarado Patrimonio de la Humanidad.
7. Respuesta personal. A modo de ejemplo:
Coincidencias Diferencias
inspiración en estilos función gubernamental; sala de
del pasado espectáculos
torres altas uso mayoritario de piedra; uso
mayoritario de hierro y cemento
roca sedimentaria Ubicación excepcional dentro
del tejido urbano; integrado en el
tejido urbano
proyectos surgidos a erigido a partir de una estructura
raíz de un incendio anterior; construido desde cero
horizontalidad decoración fastuosa; decoración
acentuada sobria
edificios públicos Neogótico; funcionalismo
Página 84
8. La escultura de la segunda mitad del siglo XIX se ca-
racteriza por una figuración más libre. Las estatuas sue-
len mostrar un aspecto inacabado y hay un mayor apro-
vechamiento formal de la apariencia de los materiales
9. 1. FRANÇOISE RUDE → La Marsellesa
2. EDGAR DEGAS → Bailarina de ballet de 14 años
3. AUGUSTE RODIN → El beso
4. MEDARDO ROSSO → Sagrestano
10. (F) La escultura Ratapoil de...
(V) François Rude realizó...
(F) Los relieves de la Ópera...
(F) Medardo Rosso es un...
(V) Edgar Degas realizó esculturas...
11. Respuesta personal. A modo de ejemplo, las diferencias
más destacables son las siguientes:
– La Marsellesa es un grupo escultórico de grandes di-
mensiones. Ratapoil es la estatua, de tamaño más re-
ducido, de un solo personaje.
– La Marsellesa es una representación realista y, ade-
más, tiene toda la gravedad de una exaltación patrió-
tica. Ratapoil es la caricatura de un tipo grotesco.
– La Marsellesa está tallada en piedra. Ratapoil está
fundido en bronce.
– La Marsellesa es una obra de estilo romántico. Rata-
poil es una obra realista.
Página 85
12. Ficha técnica: Los Burgueses de Calais
Autor: AUGUSTE RODIN
Cronología: 1884-1886
Tipología: escultura exenta
Material: bronce
Estilo: impresionista
Descripción formal: Este conjunto escultórico consta de
seis personajes particularizados individualmente que
muestran emociones distintas. RODIN expresa la psico-
logía de estos mediante un tratamiento de la forma que
acentúa los rasgos y los gestos. La factura de la obra
transmite una sensación de inacabado que contribuye a
aumentar el dramatismo de la escena.
Tema representado: La obra se refiere al rendimiento
de la ciudad de francesa de Calais a un rey inglés, que la
tuvo sitiada un año, durante la Edad Media. Los Bur-
gueses de Calais representa el momento en el que seis
notables entregan sus vidas a los vencedores a cambio de
la salvación de la ciudad.
Modelos e influencias: RODIN estuvo muy influenciado
por la escultura de MIGUEL ÁNGEL. A pesar de esto,
rompió con la tradición clásica y renacentista preco-
nizando las distorsiones figurativas de las vanguardias de
finales del siglo XIX y principios del XX.
– La técnica usada en la fundición artística de bronce
es la de la cera perdida, que sigue estos pasos:
a) Se realiza un original en barro o yeso.
b) Se hace un molde con escayola y se retira el
original.
c) Se rellena el molde con cera para obtener una
copia en este material.
d) Se realiza un molde de la còpia de cera con una
mezcla de arcilla.
e) Se funde la cera de la copia y se vierte la colada
de bronce
f) La última fase consiste en pulir y patinar la pieza.
Podemos consultar más sobre esta técnica en el si-
guiente enlace: http//www.tiching.com/763479
Página 86
13. – PAUL CÉZANNE: postimpresionismo
– GEORGE SEURAT: puntillismo
– CLAUDE MONET: impresionismo
– PUVIS DE CHAVANNES: simbolismo
– ÉDOUARD VUILLARD: nabis
– EDUARDO ROSALES: academicismo
– CAMILLE PISSARRO: impresionismo
– ALFRED SISLEY: impresionismo
33
 – ÉDOUARD MANET: impresionismo
– CAMILLE COROT: realismo
14. 1. PAUL GAUGUIN: Muchachas con flores de mango
(1899). Los artistas del posimpresionismo, que partí-
an del impresionismo, empezarón a distanciarse de
este hacia visiones más propias.
2. CARLOS DE HAES: Picos de Europa (1876). Con el
realismo se abandonan los temas clásicos y se busca
tratar y se busca tratar el entorno objetivamente, sin
idealizaciones.
3. PAUL CÉZANNE: Los jugadores de cartas (1893). Cé-
zanne es un pintor posimpresionista que, con su
tratamiento geometrizante de los volúmenes, prefigu-
ra al movimiento cubista posterior.
Página 87
15. Ficha técnica: La noche estrellada
Autor: VINCENT VAN GOGH
Cronología: 1889
Técnica: óleo sobre tela
Estilo: postimpresionista
Descripción formal: En el cielo y el ciprés en primer
plano tienen un papel protagonista, dejando en segundo
lugar el pueblo y las montañas que se localizan en una
esquina. El cielo y el ciprés están representados con trazos
13. PRIMERAS VANGUARDIAS
Página 88
1. a)
– Vanguardias anteriores a la Primera Guerra Mun-
dial: Francia: cubismo; Alemania: expresionismo;
Rusia: constructivismo; Italia: futurismo.
– Vanguardias posteriores a la Primera Guerra
34
enérgicos y serpenteantes que transmiten una gran exalta-
ción. Este hecho contrasta con el tratamiento del pueblo
que está organizado a partir de figuras geométricas bási-
cas: cuadrados, rectángulos y triángulos. Una harmonía
azul domina toda la composición.
Tema representado: VAN GOGH pintó este paisaje en
una de sus estancias en el sanatorio de Saint-Remy. La
obra nos habla más del estado emocional en el que se en-
contraba el artista que de la naturaleza del paraje.
16. Respuesta personal. A modo de ejemplo, las diferencias
más destacables son las siguientes:
– En la obra de COURBET la luz es disfusa. En la obra
de MONET hay una mayor observación del efecto de
la luz sobre los volúmenes.
– COURBET define más que MONET el contorno de las
formas.
– Un entierro... reproduce una escena de la vida
cotidiana en un entorno rural. La catedral... es un
paisaje sin figuras humanas.
– En los personajes representados en Un entierro... hay
una cierta inmovilidad, hecho que sumado a los ejes
horizontales y verticales de los que se compone la
escena, nos transmite una sensación de duradera
gravedad . La catedral... captura un instante fugaz,
un momento concreto del día, hecho que nos
transmite una sensación de inminente caducidad.
Mundial: Francia: surrealismo; Países Bajos: De
Stijl; Suiza: dadaísmo
b) Respuesta personal. A modo de ejemplo:
1. Durante la primera mitad del siglo se suceden dos
grandes conflictos: la Primera Guerra Mundial
(1914-1918) y la Segunda Guerra Mundial (1939-
1945).
2. A partir de la Revolución Rusa de 1917 se instau-
ra el primer régimen marxista en el mundo.
3. También surgen gobiernos fascistas a lo largo de
Europa, como la Italia de Mussolini (1922) o la
Alemania nazi.
4. Los innumerables avances tecnológicos posibili-
tan unas condiciones de vida más cómodas.
c) 1. Fauvismo → HENRI MATISSE
2. Expresionismo → FRANZ MARC
3. Cubismo → PABLO PICASSO
4. Futurismo → GIACOMO BALLA
5. Abstracción → WASSILY KANDINSKY
6. Suprematismo → KASIMIR MALEVITX
7. Dadaísmo → MARCEL DUCHAMP
8. Neoplasticismo → PIET MONDRIAN
9. Bauhaus → WALTER GROPIUS
10. Surrealismo → SALVADOR DALÍ
Página 89
2. Véase el cuadro en la Figura 12.
3. Las vanguardias son las tendencias de reciente aparición
en el panorama artístico de un momento. Solemos utili-
zar este concepto para referirnos a los múltiples movi-
mientos surgidos durante la primera mitad del siglo XX.
4. 1917: 1; 1929: 5; 1933: 2; 1936: 4; 1939: 3; 1945: 6
5. Respuesta personal. A modo de ejemplo, me ha impre-
sionado especialmente La calle de ERNST LUDWIG KIR-
CHNER; por la exaltación de sus formas que transmiten
vitalidad y, a la vez, la desesperación de una sociedad en
crisis que se ve empujada hacia guerras horribles.
Página 90
6. (F) WALTER GROPIUS (F) Villa Savoie
(F) LE CORBUSIER (F) MIES VAN DER ROHE
(F) ADOLF LOOS (O) Casa Kaufmann
(O) JOSEP LLUÍS SERT (F) Escuela de la Bauhaus
7. Las 5 normas que defiende LE CORBUSIER son: el uso de
pilotes, la planta libre, la fachada libre, ventanales a lo
largo de la fachada y que la terraza acoja un jardín.
8. (F) GERRIT RIETVELD es un arquitecto expresionista.
(V) JOSEP LLUÍS SERT es uno de los arquitectos...
(V) ANTONIO SANT’ELIA es un arquitecto futurista.
(F) ERICH MENDELSOHN es un arquitecto neoplasticista.
(V) ADOLF LOOS escribió Ornamento y delito.
(V) La planta libre es característica de...
9. GROPIUS aspiraba a que los principios de la arquitectura
funcionalista estuviesen al alcance de todo el mundo.
Los valores higiénicos y la austeridad formal de los edi-
ficios harían, en el futuro, más digna la vida de las
personas.
10. El material más característico del Movimiento Moderno
es el hormigón armado, también fueron muy usados el
vidrio y el acero.
Página 91
11. Ficha técnica: Pabellón alemán
Autor: LUDWIG MIES VAN DER ROHE
Cronología: 1929
Tipología: pabellón de exposición
Material: mármoles de colores, travertino, cristal, ónice
dorado y acero
Estilo: funcionalista
Descripción formal: El edificio se levanta sobre un po-
dio, al que se accede por una pequeña escalera situada en
uno de sus costados. Esta terraza también acoge un es-
tanque artificial. Un muro de travertino, recorrido por un
banco del mismo material, separa el espacio abierto de
unas dependencias posteriores, que alojan las oficinas y
los servicios. Gran parte del recinto que contiene la sala
principal está limitado por cristaleras. Este recinto al-
berga un patio interior con un segundo estanque. Este
conjunto está resguardado por la cubierta plana del
pabellón, que sujetan ocho pilares metálicos.
Modelos e influencias: El Pabellón alemán es un claro
ejemplo de arquitectura funcionalista. MIES VAN DER
ROHE siguió los preceptos formulados por LE COR-
BUSIER, otra de las grandes figuras de esta tendencia, en
su famoso escrito de 1926.
12. La diferencia esencial es que el Pabellón está destinado a
ser un espacio expositivo y la Casa Kaufmann una
vivienda. Esta última pretende harmonizarse con su
entorno natural, mientras que el edificio de van der Rohe
no muestra una especial consideración respecto a su
entorno arquitectónico. LLOYD WRIGHT es fundador del
movimiento organicista que parte del funcionalismo y
que, además de cubrir las necesidades humanas, pretende
integrar arquitectura y naturaleza. Por otra parte, los dos
edificios son de cierta sencillez formal, ya que se
componen básicamente de planos horizontales y verti-
cales que se encuentran, formando ángulos rectos.
Página 92
13. 1. BRANCUSI busca depurar las formas buscando su

FIGURA 12

Autor Actividad Estilo País

LE CORBUSIER arquitectura funcionalismo Francia
UMBERTO BOCCIONI escultura futurismo Italia
CONSTANTIN BRANCUSI escultura escultura moderna Rumania
PIET MONDRIAN pintura neoplasticismo Holanda
GIACOMO BALLA pintura futurismo Italia
GEORGES BRAQUE pintura cubismo Francia
ARISTIDES MAILLOL escultura y pintura noucentisme Francia
MARCEL DUCHAMP Escultura y pintura dadaísmo Francia
VASILY KANDINSKY pintura abstracción Rusia
RENE MAGRITTE pintura surrealismo Francia

35
 esencia; GARGALLO no escatima en recursos para ar- Modelos e influencias: Algunos críticos han querido ver
mar sus esculturas. la influencia del filósofo alemán Nietzsche en este ideal
2. El profeta juega con la combinación de volúmenes en del hombre nuevo de los futuristas italianos. Por otra
positivo y negativo, formas vacías y llenas; Made- parte, la influencia de la fotografía, especialmente de la
moiselle Pogany I, en cambio, se compone, principal- fotografia secuenciada de movimiento, es notable en
mente, de formas convexas. bastantes artistas de esta época.
3. El profeta está hecho a partir de planchas de metal 16. a) El futurismo quería romper con el pasado a toda cos-
recortadas; Mademoiselle Pogany I está tallada en ta, exaltando la tecnología y la guerra, MARINETTI y
mármol. El mármol, material clásico, y el metal, los futuristas se sentían atraídos por el dinamismo y
material industrial, son dos elementos con conno- la violencia de estas. Para plasmar estas ideas for-
taciones muy diferentes. malmente propusieron el simultaneísmo, técnica que
4. La estatua de BRANCUSI es un retrato, tema profano; consistía en la superposición de imágenes en colores
la de GARGALLO representa a San Juan Bautista, vivos para crear la sensación de movimiento.
tema sacro. b) Respuesta personal. A modo de ejemplo: La relación
de esta cita con la obra, es que, , BOCCIONI muestra
14. a) Respuesta personal. A modo de ejemplo:
mayor interés por las formas de un vehículo en
1. Perchero. movimiento que por la representación realista del
2. El botellero de hierro. cuerpo humano. Pero, pese a este postulado vanguar-
3. Rueda de bicicleta. dista, Formas únicas de continuidad en el espacio no
deja de ser una representación antropomórfica como
b) Las coincidencias y diferencias son: lo es la Victoria de Samotracia, aparte del parecido
Coincidencias Diferencias evidente de las dos esculturas.
figuraciones humanas materiales
Página 94
figuraciones abstractas apariencia formal
17. La ubicación de los elementos iconográficos es:
fechas de realización orientación de la pieza
uso del vacío técnicas

c) La aportación principal de la obra de CALDER es la

introducción del factor del movimiento en la escul-
tura. Además, hay un juego destacable con el espacio
como pieza esencial de la composición, así como la
propuesta de materiales poco comunes y técnicas in-
novadoras.

Página 93
15. Ficha técnica: Formas únicas de continuidad en el espacio
Autor: UMBERTO BOCCIONI
Cronología: 1913
Tipología: escultura exenta Miró hace de ciertos símbolos el motivo principal de su
Material: bronce obra. Empiezan a verse en sus cuadros más tem-pranos y
Estilo: futurista los va elaborando, a la vez que los va con-virtiendo en el
motivo central de su trabajo. Estos símbolos son: las
Descripción formal: BOCCIONI tiene la intención de
escaleras, los pájaros, el sol y las estrellas.
plasmar el movimimiento de un cuerpo humano
avanzando a zancadas. Para hacerlo representa un 18. – 1903: 4; 1910: 1; 1915: 3; 1917: 2
conjunto de volúmenes, que nos remiten a ropajes o a 1. La danza, HENRI MATISSE: Fauvismo.
líneas anatómicas, dispuestos de tal manera que nos dan
a entender una sucesión de posiciones en el tiempo. Lo 2. Desnudo acostado de espaldas, AMADEO MODI-
GLIANI: Escuela de París.
pulido del bronce resalta los angulos y las curvas acen-
tuando el dinamismo de la pieza. El hecho de que la 3. Composición suprematista..., KASIMIR MALEVITX:
estatua se alce sobre dos plataformas distintas, corres- Suprematismo.
pondientes a cada pierna, también nos remarca la lige- 4. El viejo judío, PABLO PICASSO: Época azul de Picasso.
reza del paso.
Tema representado: El grupo futurista buscaba romper Página 95
con la tradición mediante el ensalzamiento de los valores
19. Ficha técnica: Las señoritas de Avinyó
de la máquina. El dinamismo, la velocidad y la acción
enfebrecida eran consignas a transmitir en sus obras. Autor: PABLO PICASSO
BOCCIONI pone en práctica estas teorías en un retrato de Cronología: 1907
la energía del hombre del nuevo siglo. Técnica: óleo sobre lienzo
36
 Estilo: precubista
Descripción formal: Las señoritas de Avignon es un
lienzo de gran formato que presenta a cinco figuras
femeninas, cuyos rasgos han sido drásticamente esque-
matizados, en un espacio interior de composición incier-
ta. Con esta obra PICASSO rompe con la tradición de la
representación renacentista, que se había venido siguien-
do en pintura, en mayor o menor medida, hasta el siglo
XIX. Propone un planteamiento innovador del cuerpo
humano a partir de la reducción de la anatomía a
volúmenes geométricos, siguiendo el ejemplo de CÉ-
ZANNE y prefigurando al cubismo. Además, el espacio
sufre una síntesis parecida, ya que PICASSO rehúye la
perspectiva clásica prescindiendo de elementos que nos
hablen demasiado de la profundidad de la escena.
Tema representado: A pesar de la novedad formal,
PICASSO trata un tema clásico de la historia del arte; el
14. SEGUNDAS VANGUARDIAS Y ÚLTIMAS TENDENCIAS
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1. Las respuestas son las siguientes:
a) 1 Estados Unidos: expresionismo abstracto, arte
pop (con el Reino Unido), arte minimal, arte
conceptual, happening, hiperrealismo
2 Francia: informalismo ( con España), nuevo rea-
lismo francés
3 Italia: arte povera, transvanguardia
4 Alemania: fluxus, neoexpresionismo
b) 1 Entre 1945 y 1989, aproximadamente, transcurre
la Guerra Fría que enfrenta a las dos potencias
mundiales de aquel momento; la Unión Soviética
y los Estados Unidos.
2 Después de la Segunda Guerra Mundial Nueva
York se pone por delante de París como ciudad de
referencia en el mundo del arte.
3 A partir del happening y el arte conceptual se
tiende a la desmaterialización de la obra.
4 En la actualidad la variedad de propuestas artís-
ticas, que pueden ser interdiscplinares y, a la vez,
tener códigos muy propios, hacen difícil la distin-
ción y la clasificación de las tendencias.
desnudo femenino. Las señortias de Avignon es una obra
inspirada en los prostíbulos que había en la calle Avinyó
de Barcelona. El bodegón en primer plano nos recuerda
la vanidad de los placeres, pero, también, la fugacidad de
la vida. Se ha querido ver, en esta naturaleza muerta, una
referencia al suicidio de su amigo CASAGEMAS.
Modelos e influencias: En los primeros años del s. XX
PICASSO había visto estatuas africanas e ibéricas que lo
habían influido profundamente, asimismo era un gran
admirador de la obra de CÉZANNE. La obra de Picasso
fue uno de los más grandes referentes para la mayoría de
pintores vanguardistas del siglo XX. Esta concretamente
se considera el punto de partida del movimiento cubista.
Sitúa y explica las líneas perspectivas...: PICASSO
rompe con el sistema de perspectiva clásico. No hay
elementos en este cuadro que nos permitan deducir
líneas de perspectiva, línea de horizonte y punto de fuga.
Página 97
2. 1. Una y tres sillas, JOSEPH KOSUTH: arte conceptual
2. Grito n. 7, ANTONIO SAURA: informalismo
3. Maman, LOUISE BOURGEOIS: de clasificación incier-
ta; arte confessional
3. Véase el cuadro en la Figura 13 de la página siguiente.
4. – El Arte conceptual es una tendencia que defiende la
supremacía de las ideas sobre la formalización en la
obra artística. Los artistas de esta tendencia apelan a
la mente del espectador, no a su vista.
– El arte conceptual nace a finales de la década de los
sesenta como conclusión de un proceso de desmate-
rialización de la obra, iniciado con el arte minimal y
en paralelo al arte de acción.
– Dentro del arte conceptual podemos distinguir el
body art, en el que los artistas intervienen sobre el
cuerpo, y el land art, en el que el paisaje se convierte
en el medio de expresión.
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5. La diferencia más relevante entre La Bodega... y el
MACBA es su fachada. El primer edificio muestra unos
volúmenes intrincados que contrastan con el paisaje. El
MACBA muestra una fachada regular que se integra en el
entorno urbano.
6. (F) RAFAEL MONEO es el autor del…
(F) JEAN NOUVEL es el autor del…
(V)LE CORBUSIER es el autor de la…
(F) JORN UTZON es el autor del…
(V)ARATA ISOZAKI es uno de los…
7. La arquitectura posmoderna, a la que se nombra de tal
forma a partir de los años setenta, nace en contraposición
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 FIGURA 13

Autor/Obra Actividad Estilo País

ANTONI TÀPIES pintura, escultura informalismo España
JOSEPH BEUYS acción, escultura fluxus Alemania
Equipo Crónica pintura pop art España
VICTOR VASARELY pintura op art Hungría
ARMAN escultura nuevo realismo francés Francia
RICHARD ESTES pintura fotorrealismo Estados Unidos
DAVID HOCKNEY pintura pop art Reino Unido
MANOLO MILLARES pintura informalismo España
ANDY WARHOL pintura, escultura pop art Estados Unidos

al rigor del movimiento moderno. Los arquitectos recu-
peran la utilización de elementos del mundo clásico o de
las distintas arquitecturas tradicionales y las adaptan a las
necesidades y gustos de su momento. La característica
principal de este movimiento es el eclecticismo formal.
Los elementos geométricos utilizados en el Teatro del
Mundo de ALDO ROSSI son el cilindro, el cuadrado, el
triángulo, los prismas, la semiesfera, la pirámide y el pa-
ralelepípedo
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8. Ficha Técnica: Museo Guggenheim Bilbao
Autor: FRANK O. GEHRY
Cronología: 1991-1997
Material: piedra calcárea, vidrio y titanio
Estilo: deconstructivista
Descripción formal: El conjunto está compuesto de
masas curvas recubiertas de láminas de titanio, que se
“encuentran” con partes más angulosas cubiertas de
piedra calcárea. Una cristalera de grandes dimensiones
relaciona el interior con el exterior. El edificio alberga
grandes salas bien iluminadas por luz natural, que se
distribuyen en tres niveles conectados por pasarelas.
Entorno e integración urbanística: El Museo Guggen-
heim de Bilbao está construido en una de las orillas de la
ría del Nervión. El edificio constituye el centro de la re-
urbanización de esta zona de Bilbao
Modelos e influencias: El trabajo de FRANK O. GEHRY
está influenciado por el pensamiento deconstruccionista
del filósofo francés Jacques Derrida, que lo lleva a jugar
con la fragmentación de la forma y a buscar com-
posiciones insólitas. Encontramos una experimentación
similar en la arquitectura de los constructivistas rusos de
las primeras décadas del siglo XX.
9. – Semejanzas: Iluminación cenital; organización del
espacio expositivo entorno a un gran núcleo central;
grandes masas curvas; grandes cristaleras que bañan
de luz natural el museo; los edificios destacan por su
singularidad en el entorno en el que se encuentran;
ambos pertenecen a la Fundación Solomon R.
Guggenheim.
– Diferencias: El de Nueva York se caracteriza por su
organicidad debido a la simplicidad y a la conti-
nuidad de sus formas, en cambio, en el de Bilbao el
conjunto arquitectónico es más complejo; hay mas
variedad de volúmenes y se interrumpen constan-
temente unos con otros.
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10. 1. La escultura de ANDRE consiste en una sucesión de
bloques formando un prisma cuadrangular. La es-
cultura de OTEIZA es un conjunto de planchas que de-
limitan un espacio cúbico.
2. La escultura de ANDRE es compacta. En la escultura
de OTEIZA el espacio vacío es un elemento impor-
tante de la obra.
3. La escultura de ANDRE es de un tamaño mayor que la
de OTEIZA.
4. La obra de ANDRE se forma de una serie de módulos
dispuestos contiguamente. La escultura de OTEIZA se
forma de planchas soldadas entre sí.
11. a) Respuesta personal. A modo de ejemplo:
SUSANA SOLANO: Senza Uccelli.
ANTONI TÀPIES: Puerta metálica y violín.
JEFF KOONS: Michael Jackson and Bubbles.
CARL ANDRÉ: Equivalente VIII.
b) En la escultura contemporánea cualquier material es
susceptible de ser usado para la creación: artístico,
industrial, reciclado, orgánico, etc…
c) Las respuestas son:
(V) HENRY MOORE tiene como referente…
(F) MARIO MERZ es un escultor…
(F) SUSANA SOLANO es una escultora…
(V) MIQUEL BARCELÓ es el autor…
(F) ANISH KAPOOR es un escultor…
d) Respuesta personal. A modo de ejemplo: La Dama
del Manzanares, MANOLO VALDÉS: arte pop; La ra-
na de la fortuna, ELADIO DE MORA: estilo contem-
poráneo.

38
Página 101
12. Ficha Técnica: Iglú con árbol
Autor: MARIO MERZ
Cronología: 1968-69
Tipología: instalación
Material: ensamblaje de tubo de hierro, vidrio, estuco y
rama de árbol.
Estilo: arte povera.
Descripción formal: La instalación consiste en un
receptáculo, que nos remite a un iglú, construído de ma-
nera muy precaria con materiales no adecuados para esta
función. Vemos una estructura de hierro que sostiene
unas planchas de vidrio pegadas, entre ellas y a la es-
tructura, con emplastes de estuco. En el centro, el artista
ha colocado una rama de árbol que sobresale por el cénit
del iglú.
Tema representado: El iglú es característico de pueblos
con una forma de vida nómada, es una estructura efímera
e improvisada, que tiene que realizarse mediante los
recursos que el entorno posibilite. Merz presenta una
construcción que, aunque cerca un espacio, no parece
comportar un sitio donde refugiarse. De esta manera, el
autor, nos provoca una contrariedad, muy característica
de las obra povera.
Modelos e influencias: El uso artístico de materiales
“pobres” lo encontramos en muchos otros creadores a lo
largo del siglo XX, como, por ejemplo, ANTONI TÀPIES.
– El término arte povera fue establecido por la crítica
de arte a finales de la década de los sesenta. Este
género presenta instalaciones hechas con materiales
vulgares y de escaso valor económico.
13. – Un happening es una obra artística en forma de
acontecimiento. Se diferencia de las artes escénicas
porque su importancia radica en la provocación y
participación de los asistentes al espectáculo, que
dejan de ser meros espectadores. Además, la impro-
visación también juega un papel importante.
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14. 1955: 3; 1962: 2; 1968: 1; 2002: 4
1. FRANK STELLA: Ctesiphon I
2. MARK ROTHKO: Azul y gris
3. ANTONI TÀPIES: Pintura
4. BILL VIOLA: El ir adelante por el día
15. 1. Informalismo → ANTONIO SAURA
2. Expresionismo abstracto → WILLEM DE KOONING
3. Pop art → DAVID HOCKNEY
4. Op art → VICTOR VASARELY
5. Nuevo realismo francés → ARMAN
6. Body art → YVES KLEIN
7. Performance → MARINA ABRAMOVIC
8. Minimal art → SOL LE WITT
9. Fotorrealismo → RICHARD ESTES
10. Transvanguardia → FRANCESCO CLEMENTE
11. Videoarte → BILL VIOLA
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16. Ficha Técnica: Estudio del retrato de Inocencio X de
Velázquez.
Autor: FRANCIS BACON
Cronología: 1953
Técnica: óleo sobre tela
Estilo: figuración expresionista
Descripción formal: BACON toma como punto de parti-
da para su pintura el cuadro de VELÁZQUEZ Inocencio X.
Aunque nos presenta una interpretación muy personal
del tema, tratándolo a la manera expresionista. BACON
pinta una figura patética, de apariencia fantasmal, en el
interior de una estructura que podría ser una jaula.
Consigue este efecto vaporoso de grito sordo mediante
pinceladas rápidas, como esbozadas, y algunos trazos
más densos en algunas partes del personaje y la silla.
Tema representado: La obra de FRANCIS BACON gira,
principalmente, en torno al tema del retrato psicológico.
Valiéndose de la alteración de las formas, y la
colocación de estas en escenarios inquietantes, nos habla
de la partes más oscuras de la interioridad humana.
Modelos e influencias: BACON toma ideas de grandes
artistas de la pintura previa a las vanguardias como el
GRECO, VELÁZQUEZ, REMBRANDT o GOYA. También se
distingue en su obra la influencia de artistas próximos al
surrealismo y al expresionismo. El trabajo de este crea-
dor suele enmarcarse dentro del estilo llamado nueva
figuración inglesa.
17. 1. POLLOCK compone mediante un proceso gestual y
automático en el que el azar juega un papel muy
importante. LÓPEZ, por otra parte, emplea un proceso
lento y muy calculado.
2. La Gran Vía de Madrid es un registro riguroso del
modelo, en cambio, Uno es el resultado de un
arrebato expresivo del artista.
3. La obra de ANTONIO LÓPEZ es de tamaño medio, de
un metro cuadrado aproximadamente, y la de
JACKSON POLLOCK es de gran formato.
4. El trabajo de POLLOCK comporta una innovación
pictórica, en el sentido en que propone una nueva
manera de hacer y ver, de experimentar, la pintura.
LÓPEZ, en cambio, se inscribe en la tradición
occidental de la pintura de “imitación” del natural.
5. Las distintas formas de realismo que nacen a
principios de los setenta, como el de ANTONIO
LÓPEZ, surgen como reacción a las propuestas
conceptuales y de abstracción pospictórica. Género,
este último, que deriva del expresionismo abstracto al
que pertenece POLLOCK.
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 DIRECCIONES DE INTERNET

TICHINGS TEMA

http://www.tiching.com/61129 https://www.youtube.com/watch?v=DTf8Ultioe8

https://www.tiching.com/494173 https://www.youtube.com/embed/FYVOxMEzJU4?wmode=transparent

http://www.tiching.com/755330 https://www.youtube.com/embed/91F_jOFHkzU?wmode=transparent

http://www.tiching.com/762506 https://es.wikipedia.org/wiki/Agamen%C3%B3n

http://www.tiching.com/762110 https://www.wdl.org/es/sets/illuminated-manuscripts/

http://www.tiching.com/763479 https://www.youtube.com/watch?v=611h6sskhfI

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