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el sueño
dream, sleep, sleeping, slumber, vision, delusion

el ensueño
dream, reverie, daydream, fantasy, phantasy
el ideal
ideal, dream
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dream - Traducción al español – Linguee
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The-Dream - Wikipedia, la enciclopedia libre
https://es.wikipedia.org › wiki › The-Dream
Terius Youngdell Nash (Rockingham, Carolina del Norte, 20 de septiembre de 1977)
más conocido como The Dream, es cantante y compositor de R&B y hip ...
Hijos: 9 Nombre real: Terius Youngdell Nash
Origen: Estadounidense Otros nombres: The Dream, The Composer
live the dream - Traducción al español - ejemplos inglés ...
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dreambig.local.argentinaue utilizan pedales de efectos con eco, en especial el
delay y el chorus (este es el caso de los que siguen el estilo Cocteau Twins), o
también sin efectos pero con sonidos suaves casi carentes de distorsiones o ruidos
abrasivos y con un ambiente melancólico y triste como en el caso de Lycia, Galaxie
500, Luna o Ultra Vivid Scene; y, por último, el uso de guitarras con acordes
transmitiendo un sonido ensoñador, triste o de baladas con un ritmo lento como en
el caso de bandas de rock alternativo como The Smashing Pumpkins, Coldplay, Remy
Zero, Mazzy Star o Belly.

El primer Dream pop se presentaba utilizando sintetizadores densos, bajos monótonos

y baterías programadas, pero luego aparecieron bateristas reales que empezaron a
ejecutar ritmos pausados y lentos al estilo del Britpop. Las voces por lo común son
suaves, apropiadas al ambiente lánguido de su música.

Cabe destacar que el Dream pop suele dividirse en dos categorías: el Dream pop
ligado a la "música gótica" por la influencia wave etéreo que heredó, añadiéndole
voces etéreas, guitarras con efectos de delay y bajos; y el Dream pop ligado al
"rock alternativo" que se basa en guitarras eléctricas con efectos y guitarras
acústicas con acordes que generan sonidos ensoñadores y de tristeza, y que también
se encuentra asociada al shoegazing, que es un subgénero de este. De cualquier
forma, tanto el dream pop gótico o alternativo vienen influenciados del estilo new
wave que los precede.

Si bien el rock alternativo también presenta influencias post-punk y new wave al

igual que el gótico, el "dream rock alternativo" es claramente diferente al "dream
rock gótico".

Las portadas de los discos en su mayoría reflejan el arte minimalista, donde es

raro que aparezcan las caras de los artistas ejecutantes y que muchas veces
reflejan motivos oníricos o de la naturaleza.

Cocteau Twins son considerados los creadores de este género. El nombre del género
proviene de Alex Ayuli, del grupo A.R.Kane, que llamó así a su música ensoñadora.
Cabe destacar también el colectivo This Mortal Coil, que bajo la mano del fundador
del sello 4AD, Ivo Watts-Russell, juntó a las principales estrellas de la escena
Dream Pop de los 80s en el Reino Unido.

El comienzo del género fue primero de 1989 a 1992, y luego a comienzos del nuevo
siglo, cuando Coldplay empezó a utilizarlo en sus discos. Parte del género fueron
los Cocteau Twins, Slowdive, Mazzy Star, Sugar Plant, Azure Ray y Beach House. Su
popularidad tanto en el ambiente del rock es mediana a baja. Sus discos más
populares son "Treasure" (1984) y "Heaven or las Vegas" (1990) de los Cocteau
Twins, "Souvlaki" (1993) de Slowdive, "So tonight that I might see" (1993) de Mazzy
Star, "Floating into the night" (1989) de Julee Cruise y "Teen Dream" (2010) de
Beach House.

A comienzos de la década del 2010, bandas emblemáticas empiezan a desaparecer y

empiezan a aparecer nuevos aires del dance-pop/electbién psicodelia moderna, es el
producto de la explosión del rock psicodélico de los años 60, sus practicantes se
inspiraron en los sonidos inusuales de la psicodelia ya sea actualizando o copiando
los enfoques de esa época. Una forma de música melódica libre es asociada a veces
al más reciente indie rock, ya que los músicos de neo-psicodelia utilizan una
variedad de elementos y sonidos electrónicos "torcidos". Los artistas de este
movimiento musical proceden de fondos musicales totalmente diversos como el new
wave, rock alternativo, shoegaze, rock espacial, y música de ambiente, con
influencias fuertes de la psicodelia popular de los años '60.

Después del Post-punk, la neopsicodelia floreció en un movimiento más amplio e

internacional de artistas que aplicaron el espíritu del rock psicodélico a nuevos
sonidos y técnicas1. La neopsicodelia también puede incluir incursiones en el pop
psicodélico, el rock de guitarra vibrante, los atascos de formas libres muy
distorsionadas o los experimentos de grabación. Una ola de rock alternativo
británico a principios de la década de 1990 engendró los subgéneros dream pop y
shoegaze.

Las ventas del género neopsicodélico modernas se basan en elementos fuertes en los
trabajos de otros líderes notables en la cultura psicodélica del rock de los años
60. Algunas consideraciones sobre el estilo de la música es que este trae a su
sonido una “dimensión psicodélica” de “rock ácido”.

Características
La escena neopsicodélica toma prestados una variedad de elementos de la música
psicodélica de la década de 1960. Algunos han emulado el pop psicodélico de bandas
como The Beatles y los primeros años de Pink Floyd, otros adoptaron la guitarra
rock influenciada por The Byrds, o los atascos distorsionados de forma libre y el
experimentalismo sónico de la década de 1960. Algunas bandas neopsicodélicas se han
centrado explícitamente en el uso y las experiencias del consumo de algunas drogas
2, y como el acid house de la misma época, proyectan experiencias transitorias,
efímeras y similares al trance3. Otras bandas han usado la música neopsicodélica
para acompañar letras surrealistas o políticas. Cubre una amplia gama de artistas
desde finales de la era punk de 1970 hasta la actualidad.

Historia
Hacia finales de la década de 1960, la popularidad del rock psicodélico disminuyó
cuando las bandas se separaron o se mudaron a nuevas formas de música, incluida la
música heavy metal y el rock progresivo.4 Al igual que los desarrollos psicodélicos
de finales de la década de 1960, el punk rock y la new wave en la década de 1970
desafiaron al establecimiento de la música rock. En ese momento, "nueva ola" era un
término usado de manera intercambiable con la incipiente explosión del punk rock.5
En 1978, el periodista Greg Shaw categorizó un subconjunto de la música new wave
como "neo-psicodelia", citando a Devo.6 Shaw escribió que en Inglaterra, a la
neopsicodelia se la conocía como "punk ácido", y se observó que la banda
autoproclamada "punk psicodélica", los Soft Boys, habían estado siendo perseguidos
por varios sellos importantes.

Para 1978–79, el new wave ya se consideraba independiente del punk y post-punk

(esta última inicialmente se había conocido como "new musick").78 La autora Clinton
Heylin marca la segunda mitad del año 1977 y la primera mitad del año 1978 como el
"verdadero punto de partida para el inglés post-punk" 910, con figuras importantes
como The Teardrop Explodes, The Soft Boys, Siouxsie And The Banshees, Echo & the
Bunnymen, The Cure y The Dukes of Stratosphear. A principios de la década de 1980,
Siouxsie and the Banshees crearon un "exótico pop neopsicodélico" con la llegada
del guitarrista John McGeoch.

A fines de la década de 1980 se vería el nacimiento del shoegazing, que, entre

otras influencias, se inspiró en la psicodelia de la década de 1960.11 Reynolds se
refirió a este movimiento como "una erupción de bandas borrosas, neopsicodélicas"
en un artículo de 1992 en The Observer.11 Con ruidosos muros de sonido, donde los
instrumentos individuales e incluso las voces a menudo eran indistinguibles,
seguían el liderazgo neopsicodélico de bandas como My Bloody Valentine (a menudo
considerado como el primer acto de shoegaze).12 Los principales actos de shoegaze
incluyeron Ride, Lush, Chapterhouse y The Boo Radleys, que disfrutaron de una
atención considerable en el Reino Unido pero que en gran parte no lograron abrirse
paso en los EE. UU.

AllMusic afirma: "Aparte del movimiento clandestino Paisley de principios de los

'80 y el colectivo Elephant 6 de finales de los 90, la mayoría de la neopsicodelia
posterior proviene de excéntricos y revivalistas aislados, no de escenas
cohesivas". Continúan citando lo que consideran algunos de los artistas más
destacados: The Church; Bevis Frond de Nick Saloman, que mezclaba songcraft
melódico con alto poder de interferencia; Spacemen 3; el college rock extravagante
del ex-Soft Boy Robyn Hitchcock; Mercury Rev, The Flaming Lips, el Britpop
ecléctico de Super Furry Animals, y por supuesto los artistas ingleses The Chemical
Brothers.13 De acuerdo con Jeff Telrich de Treblezine: "Primal Scream preparó la
pista de baile [neopsicodélica]. Los Flaming Lips y Spiritualized lo llevaron a los
reinos orquestales. Y Animal Collective... bueno, hicieron un poco lo suyo".

Referencias
«10 Essential Neo-Psychedelia Albums». www.treblezine.com (en inglés
estadounidense). Consultado el 26 de noviembre de 2018.
«Neo-Psychedelia Music Genre Overview | AllMusic». AllMusic. Consultado el 26 de
noviembre de 2018.
23-, Smith, Paul, 1954 November (1997). Millenial dreams : contemporary culture
and capital in the North. Verso. ISBN 1859849180. OCLC 36393761. Consultado el 26
de noviembre de 2018.
«Psychedelic/Garage Music Genre Overview | AllMusic». AllMusic. Consultado el 26
de noviembre de 2018.
 Theo., Cateforis, (2011). Are we not new wave? : modern pop at the turn of the
1980s. University of Michigan Press. ISBN 9780472027590. OCLC 741690129. Consultado
el 26 de noviembre de 2018.
Inc, Nielsen Business Media (14 de enero de 1978). Billboard (en inglés). Nielsen
Business Media, Inc. Consultado el 26 de noviembre de 2018.
Theo., Cateforis, (2011). Are we not new wave? : modern pop at the turn of the
1980s. University of Michigan Press. p. 10, 27. ISBN 9780472027590. OCLC 741690129.
Consultado el 26 de noviembre de 2018.
Theo., Cateforis, (2011). Are we not new wave? : modern pop at the turn of the
1980s (en inglés). University of Michigan Press. p. 26. ISBN 9780472027590. OCLC
741690129. Consultado el 26 de noviembre de 2018.
Clinton., Heylin, (2008). Babylon's burning : from punk to grunge. Viking. p. 460.
ISBN 9780141024318. OCLC 175283738. Consultado el 26 de noviembre de 2018.
Stubbs, David (June 2004), "Siouxsie and the Banshees - A Kiss in the Dreamhouse
reissue", Uncut. David Stubbs wrote that this concerns Siouxsie and the Banshees
album A Kiss in the Dreamhouse.
Sisson, Patrick (December 2008). [Patrick Sisson, "Vapour Trails: Revisiting
Shoegaze", XLR8R no. 123, December 2008 «Vapour Trails: Revisiting Shoegaze»].
XLR8R no. 123. Consultado el 26 de noviembre de 2018.
LLC, SPIN Media (2008-08). SPIN (en inglés). SPIN Media LLC. p. 78-84. Consultado
el 26 de noviembre de 2018.
«AllMusic | Record Reviews, Streaming Songs, Genres & Bands». AllMusic. Consultado
el 26 de noviembre de 2018.
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organización sin ánimo de lucro.sí por la prensa gracias a la costumbre que tenían
los integrantes de las bandas de tocar mirando hacia el suelo sin tener contacto
visual con su público (en inglés, el término proviene de shoe (zapato) y gazing,
del verbo gaze, que significa mirar fijamente).
El género comenzó a decaer con la aparición de bandas grunge como Nirvana,
Soundgarden, Alice in Chains y Pearl Jam en los Estados Unidos, y del britpop como
Oasis, Pulp, Blur (quienes también tenían claros elementos shoegaze en su primer
álbum Leisure) y Suede en el Reino Unido; quienes lograron éxito comercial
internacional a diferencia de las bandas de la escena shoegaze, que mantenían una
esencia underground.

Pero no solo este movimiento "corporal" fue lo que identificó su esplendor musical
y sus canciones. Las guitarras con retroalimentación, ruidosas y a la vez
melódicas, plagadas de pedales de efectos como el flanger, reverb o chorus, los
ambientes espaciales que creaban y sus letras, entre sombrías y melancólicas —la
mayor parte del tiempo susurradas—, eran los medios identificativos de los grupos.
Generalmente reconocían (explícita o implícitamente) como influencias a The Jesus
and Mary Chain, Velvet Underground, Spacemen 3, los Cocteau Twins y Brian Eno.

Las características de este género se presentan muchas veces combinadas con otros
como el dream pop, el cual busca los mismos climas, pero utilizando más bien ecos
en sus guitarras y no tanto distorsiones, y el post rock, que si bien utiliza una
gama de sonidos e influencias más amplia, suele tomar prestado del shoegaze la
experimentación con las distorsiones de las guitarras. Por ese motivo es difícil
catalogar a determinada banda como perteneciente a uno u otro género, puesto que su
encasillamiento suele variar de un album a otro o incluso de una canción a otra.

Artistas de la escena
Puede decirse que las raíces profundas del género se hunden en el Reino Unido hasta
el año 1986, cuando la revista New Musical Express editó el casete recopilatorio
C86, documentando una escena underground que practicaba una especie de pop ruidoso
y con mucha distorsión. Con posterioridad fueron bandas de esta movida las que
fueron virando hacia un sonido menos ingenuo y más ambiental. My Bloody Valentine
es la más representativa de esas bandas, la que fue desarrollando las bases del
género hasta llevarlo a la máxima expresión con su disco "Loveless" (1991). Otras
bandas que por la misma época lograron resultados notorios fueron Ride con su disco
"Nowhere" (1990), Slowdive con "Souvlaki", Pale Saints, Chapterhouse, Catherine
Wheel, Lush, Swervedriver, Telescopes, My Dead Girlfriend, The Boo Radleys y The
Verve, en sus comienzos. También Sun Dial, que apostaba por un sonido más cercano a
la psicodelia clásica.

En 1994, cuando My Bloody Valentine anuncia su retiro, dejando sin sucesor al ya

por entonces mítico Loveless, un intento por continuar la herencia del mismo puede
ser "Quique", de los galeses Seefeel. En este trabajo ya se notaba un mayor
protagonismo de las programaciones electrónicas, y se sentaban las bases de una de
las conjunciones que más contribuirían a la reivindicación del género en el siglo
XXI: la mezcla de shoegaze y ambient.
En los últimos años ha surgido el género nu-gaze, incorporando elementos del
shoegaze, de la electrónica y del rock actual, y el blackgaze, que combina
elementos de shoegaze con el clima opresivo propio del black metal.

Legado
Tras el éxito de principios de los años noventa, el género cayó en el olvido, pero
una década después, una nueva camada de grupos de distintas partes del mundo con
estas influencias empezaron a surgir en América.

Estados Unidos y Canadá: Empezó a resurgir con grupos como The Pains of Being Pure
at Heart, A Place To Bury Strangers, Ringo Deathstarr, Asobi Seksu, Skywave y su
continuación Ceremony, No Joy, The Raveonettes (originalmente formados en Dinamarca
pero establecidos en Estados Unidos), Deerhunter, LSD and the Search for God,
Tamaryn (originaria de Nueva Zelanda pero establecida en Estados Unidos), Whirr,
Lightning Bug, Airs, Riverside.
Inglaterra y resto de Europa: Air Formation, Pia Fraus, La Casa al Mare, Amusement
Parks on Fire, M83, Mew, The Horrors, Cheatahs, TOY, The Joy Formidable, Echo Lake,
Chain Of Flowers, The Manhattan Love Suicides. En Francia, merece una mención
especial la banda Alcest, pionera del sonido blackgaze, que es continuado por otros
proyectos paralelos de sus miembros (Les Discrets, Amesoeurs).
España: Los Planetas, una de las bandas más renombradas del indie español de los
años 90 conjuga influencias de distintos géneros, entre los cuales hay una fuerte
carga de shoegaze, que incluso se fue fortaleciendo en sus últimos trabajos, los
del siglo XXI. Con posterioridad surgieron en España bandas muy identificadas con
el género como Triángulo de Amor Bizarro, Nadadora, Belako, Blacanova, Klaus &
Kinsky, Noise Nebula, Linda Mirada o Apartamentos Acapulco, entre otros.
Colombia: Encarta 98, Stallone, Carrera Septima, Nicolas y los Fumadores y
Margarita Siempre Viva
Perú: En Sudamérica, fue uno de los países donde mejor se desarrolló una escena
experimental con fuerte presencia del ambient, el post rock, el dream pop y el
shoegaze. Este último género tuvo un representante excepcional en Silvania, quienes
emigraron a España y se convirtieron en una referencia fundamental de la escena
shoegaze de ese país. Más adelante se destacó Resplandor, y otras bandas con menor
trascendencia mediática, como Espira, Evamuss, Orquídea, Eva & John, Serto Mercurio
y Disonante en el 2017.
Argentina: Ya en los años noventa, en plena efervescencia del shoegaze en el Reino
Unido, las influencias de esas bandas se hicieron sentir en el rock argentino e
incluso llegaron a un público masivo por medio de la apropiación hecha por Soda
Stereo en su álbum Dynamo de 1992. El siguiente disco clásico del shoegaze
argentino fue "Electronauta", disco debut de Juana la Loca, banda que luego tomaría
por otros caminos estilísticos diferentes. También hay momentos shoegaze en los dos
primeros discos de Los 7 Delfines y en "Sun Fell", de Mellonta Tauta, aunque en
este predomina el tono dream pop. Lo mismo en el efímero proyecto Plum, formado por
el baterista de Soda Stereo, Charly Alberti con quien era su pareja del momento, la
modelo Deborah de Corral. En 1995, una iniciativa privada logró editar un compilado
llamado "Evolución vol. 1" con bandas under de Buenos Aires totalmente
identificadas con el sonido shoegaze: Rayos Catriel, Ojo de Pez, Atlántica, Die
Blumen, Psicoprisma, El Pasaje y Giradioses. Ya en el siglo XXI, aparecen nuevas
bandas que reivindican el género, como Atrás Hay Truenos, Jaime sin Tierra (aunque
esta ya se hace presente a finales de los 90) y principalmente Asalto al Parque
Zoológico.
Japón: Ling Tosite Sigure, Coaltar of the Deepers, Tokyo Shoegazer, The Florist,
Spangle Call Lilli Line, Epaksa.
Chile: a mediados de los años 90 se editaron álbumes de bandas como Shogun, Luna in
Caelo,1 Christianes, Sien, Turbomente y Solar, que en distintas medidas reunían
características e influencias2 del género. En etapas posteriores pueden mencionarse
otras bandas, como Adolescentes sin edad, Chico Bestia, Lumpen and The Happy Pills,
Trementina,3 Chicago Toys, Adelaida, Mi Andrómeda, The Ganjas, Casino Velódromo,
Los Bigotes (Osorno). Si bien no es un compilado exclusicamente de shoegaze, NMC
Pop de Guitarras (2016) incluye registros de bandas activas que están influidas por
esta escena.
Ecuador: Sexores.* México: Eveything Is Falling Apart
Referencias
«Reseña de la banda en Musica Popular».
«Entrevista a Alejandro Gómez, de Solar».
«Trementina en musicapopular.cl».
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organización sin ánimo de lucro. en inglés) es un género musical surgido durante la
década de los años 1960 como una corriente del rock psicodélico y la música
progresiva. Se caracteriza por sus largos pasajes instrumentales de tempo lento en
los que predominan los sintetizadores, las guitarras envueltas en efectos
atmosféricos (véase delay y wah-wah) y letras relacionadas con la ciencia ficción.

El space rock emergió a finales de los 60 en Reino Unido dentro de la llamada

música psicodélica. Uno de los primeros pasos en el desarrollo de esta corriente lo
dio la banda británica Pink Floyd en sus primeros discos, The Piper at the Gates of
Dawn y A Saucerful Of Secrets. Dos canciones de Syd Barrett, "Interstellar
Overdrive" y "Astronomy Domine", constituyen la primera muestra del género. Otro de
los grupos pioneros de este sonido es la banda Gong.

A principios de los 70, el grupo británico Hawkwind da un paso más en el desarrollo

del género con el montaje de impresionantes espectáculos teatrales, que incluían
luces de láser, bailarinas desnudas e imaginería psicodélica. El space rock se
transforma así en un espectáculo completo, que trasciende lo puramente musical. El
legado de esta banda se retoma en los 90. Led Zeppelin dio un paso importante en el
space rock combinándolo con hard rock y algo de Rock psicodélico, lo cual se ve
claramente en canciones como «Dazed and Confused (canción)» aunque más claramente
en No Quarter. Destaca la banda estadounidense Monster Magnet, que toma el legado
del hard rock/space rock más ácido que practicaba Hawkwind. El género ejerció
también una notable influencia en el llamado stoner rock, encabezado por Kyuss.

El término fue también recuperado por otros numerosos grupos alternativos

estadounidenses y británicos de los 90. Los grupos denominados shoegaze o de noise
pop experimentaban con texturas sonoras de manera similar a como lo hacían los
antiguos grupos de space rock. Estos nuevos nombres eran Tool, Slowdive, The Verve,
My Bloody Valentine, Ride, The Flaming Lips, Failure y Hum.

Además muchas de ellos eran veteranos de la escena que continuaban su andadura años
después, tal es el caso de Spacemen 3, uno de cuyos miembros, Jason Pierce, decidió
formar Spiritualized.

En la primera década del siglo XXI, el estilo fue retomado por varias bandas
británicas, de manera especial por Porcupine Tree y The Pineapple Thief. Estos
grupos mezclan el rock espacial con heavy metal y con pop, respectivamente,
haciendo que la propuesta sea algo más accesible comercialmente.

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organización sin ánimo de lucro.sión usado por muchas agrupaciones musicales.

El término «batería» también se refiere al músico que toca estos instrumentos, al

igual que el término «baterista», ambos equivalentes.12 Este instrumento nació de
la necesidad de producir diferentes percusiones en un solo sistema agrupado y
cómodo para tocar simultáneamente por una sola persona.

Índice
1 Historia
2 Composición de una batería
2.1 Piezas
2.2 Platillos
2.3 Baqueta
2.4 Pedales
2.5 Otros instrumentos
3 Batería electrónica
4 Técnica
5 El músico
6 Referencias
7 Enlaces externos
Historia

Batería de 1935 con algunos elementos poco comunes hoy en día.

Los instrumentos de percusión son considerados los más antiguos de los instrumentos
musicales junto a los de viento o armónicos. El origen de la batería radica en la
unión, en 1890, de unos cuantos instrumentos: los tambores y los timbales, que
surgen de África y China; los platillos, que derivan de Turquía y también de China;
y el bombo, de Europa.

En el siglo XIX los músicos románticos comenzaron a utilizar baterías cada vez más
grandes, que fueron utilizados a principios del siglo XX, en el cakewalk y otros
estilos estadounidenses precursores del jazz.
Antes de que todos los instrumentos fueran unidos y mientras su unión no era
popular, eran tocados por varias personas (entre 2 y 4), cada una de las cuales se
encargaba de alguno de los instrumentos de percusión. Pero las pérdidas durante la
Primera Guerra Mundial afectaron a la alta burguesía, que solía contar con pequeñas
orquestas privadas, y se vieron obligados a reducir el número de músicos, y en
muchos casos estos, sobre todo los percusionistas, aprendieron a tocar varios
instrumentos a la vez.

Con la invención del pedal de bombo (primero, de madera; después, de acero), en

1910, por parte de Wilhelm F. Ludwig, se permitió que casi todos los instrumentos
de percusión pudieran ser tocados por un solo músico.

Composición de una batería

Batería básica con caja, bombo con pedal simple, dos toms aéreos, una base, un
plato hi-hat con su pedal, un Crash y un Ride.
La batería está compuesta por un conjunto de tambores, comúnmente de madera,
cubiertos por dos parches que están hechos comúnmente de un material derivado del
plástico y dependiendo del tambor es un tipo de parche u otro. Hay desde parches
muy básicos hasta los parches más complejos compuestos, por una capa de un plástico
base, otra con aceite que guarda el sonido y crea un "reverb" y otra que es la
sección de golpeo hecha de un material derivado de el látex para la mayor duración
del mismo. Un tambor está compuesto por dos parches, uno de golpeo (en la parte
superior) y otro resonante (en la parte inferior). Estos tambores pueden variar su
diámetro, afectando al tono, y la profundidad, variando la sensibilidad sobre el
parche de resonancia.

Además la batería también es acompañada por los imprescindibles platillos, otros

accesorios relativamente comunes (tales como el cencerro, panderetas, bloques de
madera, entre otros) y ocasionalmente cualquier objeto que produzca un sonido con
cierta músicalidad y del gusto del baterista. La batería se puede afinar con una
llave de afinación y un sistema de capachos o lugs y pernos de afinación que tensan
el parche. Mientras más tenso el parche, más agudo el sonido, y viceversa.

Piezas

Batería vista desde arriba. Consta de una caja en el centro, dos bombos cada uno
con su pedal, dos Toms (tom 1 y tom 2) aéreos, dos Toms base a la derecha, un hi-
hat con su pedal a la izquierda de la caja, un plato Ride (el más grande) a la
derecha de la caja, varios Crash, un pequeño Splash y un China.
Bombo: Usualmente tiene un diámetro desde 18” hasta 26” (45'72 a 66 cm), y una
profundidad de entre 14” y 22” (35'56 a 55'88cm) aunque también se los encuentra
desde las 16 pulgadas hasta las 28 pulgadas de diámetro. El más usado es el de
22×18”. El bombo generalmente se maneja con el pie a través de un pedal con una
maza. También se puede manejar con un doble pedal, usando los dos pies que,
comúnmente se conectan por medio de un sistema cardánico que activa la segunda
maza, aunque existen diversos sistemas, incluso algunos de activación con el talón
y la punta de los pies. El bombo posee la voz más grave y potente de todo el
conjunto y, por ello, cumple una función de cimentación básica en la
interpretación.En el Heavy Metal puede haber dos pedales situados delante del bombo
para alcanzar mayor velocidad.
Caja, tarola o redoblante: Suelen tener un diámetro de 14”, pero los hay desde 10”
a 17”. La profundidad estándar es 5,5”, pudiendo variar desde 3,5” (piccolo) hasta
8,0”. A diferencia de los otros tambores, la caja posee una bordona o conjunto de
alambres que, colocada en contacto con el parche de resonancia, produce su
vibración por simpatía y el característico sonido a zumbido de la caja. Su función
es marcar los compases, lo que no impide que se use libremente logrando cambios en
la marcha y/o contratiempos
Tom toms o toms: Miden desde 6” hasta 15” de diámetro. Generalmente van montados
sobre el bombo, pero si se usan más de dos, llevan soportes adicionales. Muchas
veces los toms van sobre los pedestales de los platillos.
Tom base o tom de piso (goliat o chancha): Miden desde 14” hasta 20” pulgadas de
diámetro. Generalmente poseen patas individuales, pero algunas veces permiten ser
anclados a un pedestal de platillo.
Platillos

Diversos platillos tipo hi-hat o charles. Nótese que cada hi-hat se compone de dos
platillos, uno superior cuya altura se controla con el pedal y otro inferior,
generalmente más pesado.
Crash o Remate: Platillo mediano de 12” a 22”. Se utiliza para dar énfasis en los
pasajes musicales y para algunos ritmos.
Ride o Ritmo: Platillo grande cuyo diámetro varía entre 17” y 24”, aunque hay
marcas a modo de curiosidad que los fabricaron de 26" e incluso hasta de 32”. Los
más comunes son los de 20” 21" y 22”. Muchas veces se usan para llevar el ritmo en
sustitución del hi-hat.
Splash: Platillo pequeño que varía de 5” hasta 13” pulgadas. Se usan para efectos
especiales, comúnmente en pasajes de poca intensidad sonora.
China': Platillo que se fabrica desde 10” hasta 22”. También existe el china-
splash, de 8” a 12” pulgadas. Se usan para efectos. Su diseño es característico
pues son colocados del revés. Tiene una cierta similitud de sonido con el crash.
Bell: plato de entre 4 y 12 pulgadas de mucho grosor, usado para efectos y breaks,
en muy pocas ocasiones para llevar el pulso. Es habitual encontrarlo en la
configuración de los baterías de géneros como el Deathcore o el metal extremo. Su
sonido es muy puro, parecido al de la campana del ride pero sin la base. Su forma
es la de un splash con la campana enorme, y es casi irrompible; su sustain es muy
prolongado y se suele colocar boca arriba.
Crash ride: Platillo mediano-grande de 18”-22”. Hay gente que los usa como Crash y
como Ride, y gente que los usa solo como Crash, debido a su mayor potencia.
Hi-hats, Charleston, Charles, o Contratiempos: Sistema que consta de 2 platillos
instalados en un soporte con pedal que permite que uno caiga sobre el otro
haciéndolos sonar. Se fabrican de entre 10” y 15”, aunque se han llegado a fabricar
incluso de 16" y 17". El más común es el de 14” y el de 15" pulgadas. Puede ser
normal o edge (borde); este último consiste en que el plato que va abajo (bottom)
tiene un borde corrugado que da un sonido mejor para ciertos géneros. Los Hi-hats
se puede tocar cerrado y abierto, usando el pedal.
También existen platillos de efectos "especiales", como los cup chime, los bell,
los chopper, spiral trash, china-splash, etc. que producen sonidos verdaderamente
únicos y característicos para ampliar las posibilidades musicales del instrumento.
También hay algunas baterías que incluyen en su set de platillos un gong (muchas
veces de decoración). Estos suelen fabricarse desde los diminutos gongs de 6" a los
de 60", aunque también se fabrican gigantescos gongs de 80".
Las configuraciones de tambores y platillos se hacen a gusto del baterista. Por tal
motivo varían los tamaños y formas e incluso marcas, ya que cada una de ellas
brindan un sonido único y fácilmente característico.

Baqueta

Baquetas, mazas y escobetillas de diversos tipos.

La batería se toca con baquetas o con escobillas. Raramente se emplean mazas de
percusión clásica aunque en ocasiones se puede ver a algún baterista usarlos en
algunos pasajes.

Las escobillas poseen en uno de sus extremos un peine de pelos o cerdas, usualmente
metálicos o plásticos, permitiendo golpear de manera más suave y melódica, por lo
que generalmente se usan en estilos como Jazz, Swing o Blues, aunque cualquier
baterista de cualquier estilo puede usarlas.

Las baquetas varían según el material (madera, fibra o aluminio), grosor, longitud,
tipo, material de punta (de madera o de nailon), forma de la punta (en forma de
nuez, ovalada, barril...) y peso para tocar con mayor o menor rapidez, intensidad,
precisión o con diferentes tonos en el caso de usar baquetas de punta de felpa,
según las características de cada baterista.

Generalmente las más pesadas se usan para estilos más contundentes como el Hard
Rock y el Metal por la potencia que proporcionan, y las más ligeras para estilos
más suaves como el Jazz o el Pop, aunque cada baterista suele usar aquello con lo
que más cómodo se siente.

Pedales

Pedal de bombo simple con sistema de tracción doble cadena (nótese que la cadena
que une la leva y la plataforma es doble) y maza con dos superficies
intercambiables al girarla.
Los pedales se emplean para controlar con los pies distintos elementos de la
batería, generalmente los platillos hi-hat y el bombo de la batería. En ocasiones,
aunque no es tan común, algunos bateristas usan pedales en cajas, tambores u otros
hi-hats que controlan con pedales remotos.

Los pedales de bombo constan básicamente de:

Una plataforma sobre la que el pie aplica la fuerza.

Una maza con un extremo pesado que golpea el parche del bombo, con superficie de
diversos materiales como madera, plástico o fieltro.
Un sistema de muelles u otro sistema que provoque la tensión necesaria para que la
maza del pedal vuelva a su posición de reposo.
Una leva que transforma el movimiento giratorio arriba-abajo de la plataforma en el
movimiento giratorio atrás-adelante de la maza.
Una conexión mecánica entre el pedal y la leva. Generalmente se trata de una cinta
de nailon, kevlar o una cadena simple o doble de acero. En los últimos años está
ganando popularidad el sistema de tracción directa, en el que una pieza rígida une
la plataforma y la leva.
El funcionamiento del pedal de platillo hi-hat es parecido, aunque su función es la
de cerrar horizontalmente los dos platillos y volver a separarlos al soltar el
pedal, por lo que carece de leva y maza.

Tradicionalmente se ha usado un solo pedal de bombo, aunque en las últimas décadas

el pedal doble (un segundo pedal unido mediante una junta homocinética cardan) ha
ganado bastante popularidad, al permitir al baterista tocar el bombo con dos pies,
pudiendo así tocar patrones más complejos de la misma forma que toca con las manos.
Además, tiene la ventaja de no tener que recurrir a un segundo bombo completo con
su pedal (doble bombo) con el coste que ello acarrea.

Doble Pedal

El doble pedal es un aparato similar al pedal simple con la ventaja de poder

controlar los golpes de bombo con ambos pies. El doble pedal articula dos mazas en
la mayoría de las veces a un solo bombo, con lo cual se obtiene la ventaja de un
sonido similar en cada golpe. La incorporación de este tipo de pedal dentro de la
batería presenta ciertos retos ya que resulta complicado encajar el pedal dentro
del conjunto ya existente. A veces el músico tiene que re-colocar los soportes de
la caja con su encaje con el hi-hat o charles siendo especialmente difícil dado que
los pedales de ambos aparatos deberían posicionarse directamente bajo el pie del
músico.

Uno de los pioneros del uso del pedal de doble bombo fue el baterista de jazz Louie
Bellson,.3 Posteriormente, este tipo de pedal se ha utilizado principalmente en
grupos de rock, metal, hard core, y relacionados. Asimismo, muchos bateristas
profesionales independientes de estudio destacan en el uso de este aparato.

Otros instrumentos
Otros instrumentos que pueden ir comúnmente en la batería son, entre otros:

cencerros
pandereta
bongós
conga
caja china
octoban
La batería está muy abierta al gusto del propio músico por utilizar variedad de
sonidos. Por ello, aunque generalmente se emplean piezas muy parecidas, cada
baterista es libre de incorporar cualquier objeto que produzca un sonido digno de
aplicar musicalmente.

Batería electrónica
Artículo principal: Batería electrónica

Batería electrónica de gama media con pedal de bombo doble de tracción directa.
Puede apreciarse que el hi-hat está en un soporte normal, igual que en una batería
acústica.
La batería electrónica consta generalmente de parches virtuales, o pads
electrónicos, similares a los de práctica (de material poco vibrante), que producen
un sonido determinado y programable. Hay algunos modelos que permiten tocar encima
de la música o de otros ritmos ya registrados anteriormente o ya incluidos en la
caja de sonidos instalada en la batería electrónica. Muchas baterías ya llevan
incluidos muchos sonidos para programar en los parches y no tener que incluir
ningún instrumento más.

Las diferentes partes de una batería electrónica común son (en algunos tipos se
pueden incluir más):

1 caja o tambor o redoblante

3 tom (normalmente 2 sobre el pad del bombo y otro al lado opuesto de la caja)
1 bombo
2 platillos (crash y ride)
1 platillos de hi-hat (charles)
1 pedal para el bombo
1 pedal para el hi-hat, que generalmente no se encuentra en las baterías
electrónicas de mayor gama, que suelen incluir un soporte normal de hi-hat al igual
que las baterías acústicas.
Rack ("andamio" para montar los elementos)
Un módulo que procesa los sonidos que se tocan y genera la señal sonora.

Neil Peart usando la parte electrónica de su kit de 360º.

En su mayoría, son baterías "alternas" que son utilizadas para ritmos
contemporáneos electrónicos, son muy versátiles pero a veces, muy limitadas en
cuanto a sonido afinación y sensación, ya que como lo hemos mencionado
anteriormente, en general sus "parches" son electrónicos y de sonido programabable
y por lo tanto no brindan respuesta ni sensación muy buena.

En todo caso, hoy en día los fabricantes de baterías electrónicas disponen de

muchas tecnologías que buscan homologar sonidos, apariencia y sensación al golpe,
llegando incluso a tener sonidos que imitan diferentes tipos de maderas, sonidos
diferentes en las áreas de los pads (imitando rimshots o golpes en la campana,
centro y borde del plato, aleaciones de metales, y/o marcas en el caso de los
platillos). También hay algunas que usan parches tradicionales y algunas híbridas o
electroacústicas, que pueden usarse de ambas formas.
Otra ventaja es que pueden ser fácilmente conectadas a una computadora, con lo que
se pueden experimentar su hechura, son palitos, generalmente fabricados de madera,
y con la punta redondeada o acolchada. Si bien algunos instrumentos presentan
variaciones especiales, se utilizan en los instrumentos de percusión. Generalmente
son de madera o fibra de carbono; siendo las últimas más caras y duraderas. También
las hay de un tipo especial de plástico, que son las más caras de todas, pero con
una mayor duración. Las baquetas de madera están disponibles en versiones con la
punta de nailon en lugar de madera, lo que las hace más duraderas y hace que el
instrumento golpeado tenga un sonido más agudo o brillante.

En percusión clásica, aparte de las baquetas que son usadas para las caja de
marcha, se encuentran asimismo los mallets o mazas usados para el bombo clásico,
tambores, glockenspiel y xilófonos, entre otros.

En estilos como el jazz, es normal encontrar los brushes o «escobillas», que son
baquetas compuestas de multitud de varillas metálicas, o bien de 7, 9, 12 o más
varillas de madera enfundadas en láminas de nailon.

Después de los conciertos pueden aparecer con muchas ralladuras de golpearse con
los bordes de la batería.

Índice
1 Características
2 Tipos
3 Puntas
4 Enlaces externos
Características
Las baquetas se diferencian por su material, por su longitud, por su grosor, por
tipo de madera y por la forma de su punta. Las baquetas no son un instrumento.
Estos factores variarán la respuesta, la duración, la absorción de impactos y el
sonido que emitirán los parches. Cada percusionista debe encontrar su modelo de
baquetas, pues no se rige por cánones ineludibles. Así como un baterista de jazz es
capaz de estar mucho más cómodo con unas baquetas gordas y pesadas que son más
rockeras, un baterista de rock podría estar más cómodo con unas baquetas finas y
alargadas más propias de jazz. En la práctica, lo que define nuestro modelo de
baquetas no es el estilo que toquemos, sino nuestra fisionomía, si se nos cansan
las muñecas y los antebrazos con unas más pesadas, o si con unas baquetas más
largas nos da la sensación de que nos sobra parte de esa baqueta. Existen varios
tipos de materiales, como las de roble, nogal, abedul, pino, haya, arce, aparte de
las de plástico, fibra de carbono y médula de palmera.

Este último, poco conocido similar en baquetas a las tipo RODs, son un conjunto de
varillas compuestas por fibras naturales de forma irregular por su materia prima,
característica que permite evidenciar mejoras en la interpretación en piezas de
percusión en aspectos relacionados con la respuesta del sonido o "ataque" al
momento de golpear una superficie de percusión y la calidad del sonido o "timbre"
que es mejorado a medida que se desgasta el material dando la posibilidad de
obtener una gran variedad de sonidos diferentes gracias a que los vasos pilosos de
este se van deshilachando o desgastando sin que las baquetas se rompan.

Tipos
Los más comunes son (todos los valores están en pulgadas):

Nombre Longitud [in] Diámetro

7A 15 y 1/2 0,540
8D 16 0,540
5A 16 0,565
5B 16 0,595
F1 16 y 3/16 0,580
3A 16 y 3/16 0,580
1A 16 y 13/16 0,580
2B 16 y 1/4 0,630
Rock 16 y 5/8 0,630
CM 17 0,635
Las CM también son conocidas como «Metal» o «Heavy Metal».

Nota: para indicar que un modelo tiene punta de nailon se pone al final una N (por
ejemplo, 5BN).

Puntas
Las puntas de las baquetas pueden ser de distinto tipo:

Triangular: de forma triangular, proyecta un sonido más fuerte si golpeamos en el

parche incidiendo de manera totalmente paralela.
Ovalada: proyecta un sonido fuerte o suave según el modo en el que incidamos sobre
el parche.
Barrilete: es como la ovalada pero acentuando más el ancho de sus extremos.
Redonda: el ángulo con el que incidamos dará igual, puesto que proyectara el mismo
sonido.
Lágrima: es como la redonda pero alargando su base.
Latina (sin punta definida): se usa para percusión latina, es una baqueta que
carece de punta o el cambio es mínimo, algunos percusionistas simplemente usan su
baqueta habitual al revés, a pesar de ser más incómodo que unas verdaderas baquetas
para percusión latina es mucho más práctico, sobre todo en directo.
Enlaces externos
Información sobre las baquetas de tipo escobilla
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IdentificadoresGND: 4640779-0AAT: 300042611Diccionarios y enciclopediasBritannica:
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