b1 Tema 03 El Diseño en La Información Gráfica

IMAGEN INFOGRÁFICA BLOQUE 1 TEMA 3
EL DISEÑO
GRADO EN COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL Y PERIODISMO UNIVERSIDAD DE MURCIA

HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO
RAÍCES DEL DISEÑO GRÁFICO
· Los expertos discrepan sobre las raíces del diseño gráfico
· Algunos autores e investigadores consideran las pinturas rupestres como los primeros
ejemplos de los signos gráficos; otros reconocen sus primeras formas en Egipto, Grécia,
México y Roma, siendo estas muy primitivas.
· Hay quienes identifican que el diseño gráfico surge al mismo tiempo que la imprenta.
· E incluso hay corrientes que establecen que el diseño gráfico nace con las vanguardias
artísticas del inicio del siglo XX o tras la II Guerra Mundial cuando se produce el desarrollo
industrial y el comienzo del desarrollo de los medios de comunicación actuales

HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO
REVOLUCIÓN INDUSTRIAL
Durante el siglo XIX, la Revolución Industrial

provoca que se inicie un nuevo desarrollo
comercial, donde la publicidad y la
propaganda cobran protagonismo, y por lo
tanto, el diseño gráfico.
El periódico y la propaganda política actúan

como impulsores del diseño.
A la derecha, anuncio publicitario de la época

MOVIMIENTO ARTÍSTICO DE TRANSICIÓN
ART NOUVEAU
· Finales del siglo XIX y principios del XX.
· Rompe con el Clasicismo
· Proyecta un trabajo artesanal y creativo. Es un movimiento con una gran

influencia estética, hay arte en los objetos cotidianos, con una fuerte
composición gráfica.
· Estilo: Transgresor, erótico, libre. Líneas sinuosas y composiciones asimétricas.
· Diseño gráfico colorido y florido, enredado. Desarrollo de sus propias técnicas

de reproducción mecánica, xilografía, impresión, cartelismo….
· Movimiento universal: Pintura, música, publicidad…

ART NOUVEAU

ART NOUVEAU

ART NOUVEAU

VANGUARDIAS
MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS DE PRINCIPIOS DEL SIGLO XX
El Cubismo, Futurismo, Dadaísmo, Constructivismo, Art Decó… crearon una

nueva visión de la sociedad que influyó en todas las ramas de las artes visuales
y el diseño en toda su extensión.
Estos movimientos representan la transgresión al arte popular y decorativo, más

plano, llano y extendido. Esta transgresión se aprecia también en el espíritu
reivindicativo de sus representantes.
De ahí que comiencen a proliferar manifiestos, declaraciones y protestas de

artistas, educadores y de la sociedad intelectual.
La tipografía comenzará a cobrar más relevancia, sobre todo sin serifa,

característica de los tipos industriales de finales del siglo XIX.
En esta época destacarán maestros de la tipografía como Edward Johnston,

autor de la tipografía para el Metro de Londres, o Eric Gill (discípulo del anterior)

VANGUARDIAS
EDWARD JOHNSTON. TIPOGRAFÍA DEL METRO DE LONDRES

VANGUARDIAS
ERIC GILL. ESCULTOR Y TIPÓGRAFO. CREADOR DE LA TIPOGRAFÍA

GILL SANS

ANTECEDENTES A LAS VANGUARDIAS
IMPRESIONISMO
El impresionismo no fue propiamente

un ismo de vanguardia, sino un
antecedente contra el que reaccionaron
los vanguardistas.
Su principal aporte a las vanguardias fue la

liberación del poder expresivo del color
liderado por Claude Monet
Los impresionistas aprendieron a manejar

la pintura más libre , sin tratar de ocultar
sus pinceladas fragmentadas, y la luz se fue
convirtiendo en el gran factor unificador de
la figura y el paisaje.

IMPRESIONISMO. MONET

IMPRESIONISMO. MANET

FAUVISMO
El fauvismo fue un movimiento de origen

francés que se desarrolló entre 1904 y 1908
El Salón de Otoño de 1905 supuso la primera

exhibición para el grupo cuyo objetivo era
lingüísticamente la síntesis forma-color.
No se buscaba la representación de los

objetos inmersos en la luz solar, sino la de las
imágenes más libres que resultaban de la
superposición de colores equivalentes a dicha
luz.
Los fauvistas consideraban que mediante el

color se podían expresar sentimientos. Henri
Matisse fue uno de los mayores
representantes de esta vanguardia.
FAUVISMO

EXPRESIONISMO
Corriente pictórica que nació como

movimiento a principios del Siglo XX, entre
1905 y 1925, en Alemania y otros países de
Europa central.
Ligado al fauvismo francés como arte

expresivo y emocional que se opuso
diametralmente al impresionismo.
En los 1920 el expresionismo influyó sobre

otras artes. El gabinete del Doctor
Caligari (Robert Wiene, 1919) y Nosferatu, el
vampiro (Friedrich Wilhelm Murnau, 1921)
iniciaron el expresionismo cinematográfico, y
los poetas Georg Trakl y Rainer Maria
Rilke llevaron el movimiento al ámbito de
la lírica.
EXPRESIONISMO
Entre los principios de esta corriente

artística se señalan:
· La reconstrucción de la realidad
· La expresión de la angustia del

mundo
· Pretende expresar filias y fobias del

ser humano.

VANGUARDIAS
CUBISMO
Nace en Francia entre 1907 y 1914
Se caracteriza desde sus inicios por

crear ilusiones y perspectivas
provocadoras, ilusiones espaciales
bidimensionales…
La figura humana se transforma, la

geometría la descompone, se juega
con la irrealidad figurativa

VANGUARDIAS
CUBISMO

VANGUARDIAS
CUBISMO

VANGUARDIAS
CUBISMO

VANGUARDIAS
CUBISMO

VANGUARDIAS
FUTURISMO
Nace en Italia con Marinetti quien redactó el

Manifiesto Futurista en 1909 en el diario Le
Figaro
El futurismo se basaba en unos principios que

promueven:
· Una revolución contra la tipografía y la
representación clásica
· Se rechaza la armonía como cualidad del
diseño
· “Proponemos celebrar el amor al peligro, la

costumbre de la energía y la intrepidez. Valor,
audacia y rebelión serán los elementos de nuestra
poesía… afirmamos que la magnificencia del
mundo ha sido enriquecida con la belleza de la
velocidad”
VANGUARDIAS
FUTURISMO
Según los futuristas, las palabras libres y

dinámicas representan cosas como la velocidad
de las estrellas, los aeroplanos, las moléculas o los
átomos.
Apollinaire (1880-1918). Poeta francés con una

gran rivalidad con Marinetti, publicó en 1918 un
libro llamado ”Caligramas”, donde las letras de los
poemas forman figuras, pictografía visual

VANGUARDIAS
FUTURISMO

PRIMERAS VANGUARDIAS
FUTURISMO

FUTURISMO

VANGUARDIAS
ESTRIDENTISMO
El estridentismo nació de la mezcla de

varios movimientos.
Se dio entre 1922 y 1927 en México y se caracterizó por

la modernidad, el cosmopolitismo y lo urbano, así
como por el inconformismo, el humor negro,
el esnobismo, lo irreverente y el rechazo a todo lo
antiguo.
Su antecedente inmediato fue el futurismo ruso. Entre

sus representantes más importantes se cuenta
a Germán List Arzubide y Manuel Maple.

VANGUARDIAS
ESTRIDENTISMO

VANGUARDIAS
DADAÍSMO
El Dadaísmo se inicia en 1916, promulgaba en

contra de aspectos como:
· Los horrores de la guerra

· Decadencia de la sociedad europea
· La frivolidad de la fe ciega en el progreso
tecnológico.
· Insuficiencia de la religión y los códigos
morales convencionales.
· Rechazo al arte y lo tradicional.
Características: ANTI literario, lógico, poético
Los dadaístas aseguraron ser creadores del

concepto y aplicación del fotomontaje

VANGUARDIAS
DADAÍSMO. MARCEL DUCHAMP

VANGUARDIAS
DADAÍSMO. MAN RAY

VANGUARDIAS
DADAÍSMO. TRSITAN TZARA

DADAÍSMO

VANGUARDIAS
DADAÍSMO

VANGUARDIAS
SURREALISMO
Escisión del dadaísmo, cuyo principal

representante fue el escritor André Breton. El
movimiento surrealista se organizó
en Francia en la década de 1920 alrededor
de André Bretón
Descubrir los mecanismos del inconsciente y

sobrepasar lo real por medio de lo imaginario
y lo irracional
Otros de sus principales representantes

fueron Salvador Dalí y Luis Buñuel.

VANGUARDIAS
SURREALISMO

VANGUARDIAS
CONSTRUCTIVISMO
· Nace en Rusia en 1914, pero se desarrolla en diferentes países de Europa
· Es un movimiento que contiene una gran carga ideológica ya que su intención es

representar los problemas sociales de la época. Revolución Rusa 1917
· Alexander Rodchencko fue uno de los diseñadores más representativos del

movimiento.
· Se rechaza el arte por el arte y proponen dar paso a la comunicación visual.
· El estilo del Constructivismo destaca por una composición con marcadas

diagonales, fotocomposición y el predominio de colores primarios
· Reproducción masiva

VANGUARDIAS
CONSTRUCTIVISMO

VANGUARDIAS
CONSTRUCTIVISMO

CONSTRUCTIVISMO

CONSTRUCTIVISMO

VANGUARDIAS
ART DECÓ (estilo artes y decoración)
· El término proviene de la exposición de París de 1925 de Artes Decorativas. Abarca

principalmente Europa y EEUU
· Fue un movimiento social y político. Surgió como un estilo decorativo que influyó
en las clases sociales más altas.
· Los temas principales serán las máquinas, la energía y la velocidad.
· Las formas se simplifican y se hacen más dinámicas y la tipografía pasa a ser lisa y
angular (sin serifa)
· Caracterizado por el empleo provocativo del color.
· Líneas rectas y volúmenes geométricos. Es un estilo ecléctico que surge de la

suma de muchas tendencias

VANGUARDIAS

VANGUARDIAS

LAS ESCUELAS DE DISEÑO
LA PROFESIÓN DE DISEÑADOR GRÁFICO
· La profesión de diseñador gráfico nace en las escuelas de diseño que se crearon a

partir de 1920.
· Herbert Bayer que dirigió desde 1925 hasta 1928 el taller de tipografía y publicidad en
la Bauhaus, creó las condiciones de esta nueva profesión.
Bayer introdujo la asignatura de Publicidad en el programa de enseñanza incluyendo,

entre otros, el análisis de los medios y la Psicología de la publicidad.
Sin embargo, el primero en definir el término Diseño Gráfico fue el diseñador y

tipógrafo William Addison Dwiggins en 1922

BAUHAUS
· Fue fundada por Walter Gropius sobre el 1919 en Weimar (Alemania)
· Escuela de diseño, arte y arquitectura
· Búsqueda de lo esencial y funcional por encima de lo decorativo
· Poseían tres puntos básicos en su ideología
1. Acercar las artes hacia la funcionalidad

2. Fusionar la tecnología y las artes
3. Vender los diseños directamente a la industria para independizarse del apoyo
gubernamental
· Entre sus legados encontramos objetos cotidianos diseñados, manifiestos, revistas

y publicaciones en el ámbito internacional, y la universalidad como fruto de la
experimentación y la creatividad

BAUHAUS

BAUHAUS
Cartel para la exposición de la

Bauhaus en 1923. Josh Schmidt. El
cartel fue hecho por un estudiante y
evoca los trazos del constructivismo.
Actualmente se encuentra expuesto

en el Museo de Arte Moderno de
Nueva York

BAUHAUS
Este diseño desarrolla

una jerarquía de
comunicación: los
tamaños y colores de la
tipografía están
organizados desde la
información principal
hasta los textos de
apoyo

BAUHAUS PRINCIPALES
EXPONENTES. Vasili Kandinski
El desarrollo de sus trabajos sobre

el estudio de las formas, en
particular en los puntos y formas
de línea, dio lugar a la publicación
de su segundo libro teórico Punto
y línea sobre el plano en 1926.
Los elementos geométricos

adquieren una importancia cada
vez mayor tanto en su enseñanza
y como en su pintura,
especialmente el círculo, medio
círculo, el ángulo, las líneas rectas
y curvas.

BAUHAUS PRINCIPALES
EXPONENTES. Paul Klee
Después de la Primera Guerra

Mundial, donde participó como
soldado por ser ciudadano
alemán, Klee enseñó en
la Bauhaus, y a partir de 1931

BAUHAUS PRINCIPALES
EXPONENTES. Mies Van der
Rohe
Arquitecto y Diseñador
Industrial. Dirigió la escuela
Bauhaus entre 1930 y 1933, año
en que fue clausurada.

BAUHAUS PRINCIPALES EXPONENTES. Mies Van der Rohe

BAUHAUS
Cartel para la exposición

de la Bauhaus en 1926.
Herbert Bayer. Este
diseño desarrolla una
jerarquía de
comunicación: los
tamaños y negruras de la
tipografía están
organizados desde la
información principal
hasta los textos de apoyo

LA ESCUELA DE ULM
· Escuela universitaria de diseño fundada por Inge Aicher-Scholl, Olt Aicher y Max
Bill en 1953 en Ulm, Alemania
· Destaca por buscar nuevos enfoques en el campo del diseño por medio de la
innovación y el cambio
· Precursora de los planes proyectuales en diseño, mediante la búsqueda de

soluciones a posibles problemas
· Fue muy importante la utilización de la ciencia en la pedagogía del diseño

LA ESCUELA DE ULM

LA ESCUELA DE ULM
· Fue una institución clave en el desarrollo de la

profesión del diseñador gráfico.
· En la Escuela de Ulm, se decidió trabajar

primordialmente en campos como el de los sistemas
de signos de tráfico, planos para aparatos
técnicos o la traducción visual de un contenido
científico. Hasta ese momento no se habían
enseñado sistemáticamente esas áreas en ninguna
otra escuela europea
· La idea de simplicidad como característica de

buen diseño continuó presente mucho años. Una
de las áreas más afectadas fue el diseño de
símbolos. Los diseñadores se plantearon el
problema de hasta qué punto se podían simplificar
sin destruir su función informativa
LA ESCUELA DE ULM
· La Escuela de Ulm tenía un

acuerdo con Braun. Esta marca
necesitaba distinguirse de la
competencia, así que acudieron a
Ulm para que les hiciesen nuevos
diseños de sus productos.
Esta escuela fue la primera en

sistematizar el diseño, integrar
la ciencia en el diseño,
desarrollar nuevos tipos de
análisis, etc

LA ESCUELA DE ULM

NUEVAS VANGUARDIAS
POP ART
· La fusión del arte y el diseño llegó en el s.XX

de la mano del Pop Art.
· Filosofía: “La obra de arte como objeto de

consumo”
· Este movimiento surge a mediados de los

años 50 en EEUU y Reino Unido
· Los artistas empleaban imágenes populares e

iconos de la sociedad de consumo y su
manifestación plástica se caracteriza por el
capitalismo, la moda, la tecnología y el
consumismo

NUEVAS VANGUARDIAS
POP ART. Andy Warhol

SEGUNDAS VANGUARDIAS
POP ART. Roy Lichtenstein

FINALES s.XX
Otro notable diseñador de

finales del siglo XX es
Milton Glaser, que diseñó la
inconfundible campaña “I
Love NY” (1973) y un
famoso cartel de Bob Dylan
(1968).
Glaser tomó elementos de

la cultura popular de los 60’
y 70’

ACTUALIDAD
El final del siglo XX y principios del XXI destacaron por sus grandes avances en el campo de la
tecnología, la impresión y la fotografía. Hoy en día el trabajo de los diseñadores gráficos se
realiza gracias a los medios digitales.
· El diseño gráfico se ha transformado enormemente gracias a los ordenadores y las

aplicaciones. Aún así, la práctica profesional del diseño no ha tenido cambios esenciales.
· Mientras que las formas de producción han cambiado y los canales de comunicación se
han extendido, los conceptos fundamentales continúan siendo los mismos

ACTUALIDAD

ACTUALIDAD

ACTUALIDAD

ACTUALIDAD

ACTUALIDAD

TIPOGRAFÍAS
CLASIFICACIÓN TIPOGRÁFICA
En la actualidad el universo de las tipografías resulta extremadamente amplio, más teniendo

en cuenta que gracias al desarrollo de las herramientas de informática y computación el
número se acrecienta en forma constante y a un ritmo sorprendente.
Una clasificación puede ser abordada desde ópticas diferentes. Los dos grandes grupos que
se pueden reconocer con cierta facilidad en este sentido son:
· Tipografías que sirven para textos de largos, es decir tipografías que deben leerse con
facilidad, y en cuanto a su morfología, no deben llamar la atención.
· Tipografías de rótulo. Estas son tipografías que deben llamar la atención pero sobre todo, y
por supuesto deben poder leerse, aunque no son recomendables para textos largos.

TIPOGRAFÍAS

TIPOGRAFÍAS
Otra forma de clasificar las tipografías es haciendo hincapié en la apariencia y en ciertos

detalles que hacen a la morfología externa de la letra.
Una clasificación con estas características resulta realmente útil para la práctica de la
disciplina del diseño y la comunicación visual. Vamos a ver una clasificación que
distingue grupos amplios de tipografías, subdivididos en estilos, que reúnen
las familias tipográficas y sus variables.
Los grupos reúnen tipografías con características genéricas en cuanto a la apariencia, como
por ejemplo si presenta o no serif, si son diseñadas o escritas, etc.
Cada uno de los grupos se encuentra dividido en diferentes estilos que aglutinan tipografías
que presentan determinadas constantes formales. Son estos estilos los que agrupan a la
enorme cantidad de familias tipográficas. Es en el diseño de las diversas familias donde se
distinguen distintos grados de regularidad morfológica y situaciones de repetición en ciertos
detalles formales. En general las familias tipográficas presentan variables o deformaciones
proyectivas, respecto al tono, a la proporción y a la inclinación.
TIPOGRAFÍAS
ANATOMÍA TIPOGRÁFICA
Para afrontar con reales posibilidades un intento de clasificación es necesario tener en

cuenta algunos elementos referentes a la anatomía de la letra.
Las partes de la letra, como su nomenclatura permitirán realizar el análisis formal de los
elementos que determinan la apariencia de la misma, y por lo tanto posibilitará establecer su
ubicación en la clasificación de grupos y estilos.

TIPOGRAFÍAS

TIPOGRAFÍAS

TIPOGRAFÍAS

TIPOGRAFÍAS

TIPOGRAFÍAS
CLASIFICACIÓN DE EDUARDO PEPE https://tiposformales.com
· Tipografías Serif (Con Serif o Roman)
· Tipografías Lineales (Sin Serif o Paloseco)
· Tipografías Cursivas (o Script)
· Tipografías Decorativas (o Graphic)
Cada conjunto está subdividido en estilos, de los cuales a continuación daré algunas
características básicas y ejemplos de fuentes digitalizadas.
Sin desmerecer de la clasificación propuesta, existen en la actualidad familias tipográficas

seriales o superfamilias que superan todas las barreras de los grupos clasificatorios, como
por ejemplo la tipografía Rotis, diseñada por Olt Aicher, que presenta un programa
tipográfico de cuatro alternativas de estilo: Sans Serif, Semi Sans, Semi Serif y Serif.

TIPOGRAFÍAS
A. GRUPO: TIPOGRAFÍAS SERIF (CON SERIF O ROMAN)

A.1 ESTILO: ROMANAS ANTIGUAS (GARALDAS)
Las Romanas Antiguas, son tipografías que poseen serif triangular y presentan diferencias en
los trazos. Derivan de las inscripciones romanas, originalmente talladas en piedra. En general
son tipografías con buena legibilidad y se utilizan habitualmente para textos de largo
alcance. (Ejemplos: Garamond / Times / Bembo / Century Old Style / Baskerville)
fig. Garamond (diseño original de Claude Garamond. 1550)

TIPOGRAFÍAS


TIPOGRAFÍAS

Llamadas Garaldas por la unión de los términos Garamond y Aldo. Sus características son:
Modulación de trazo redondeado.
Remates proporcionados.
fig. Times New Roman

TIPOGRAFÍAS

A.2 ESTILO: ROMANAS MODERNAS (DIDONAS)
Las tipografías Romanas Modernas, presentan serif lineal y una gran diferencia entre los
trazos gruesos y finos. Al igual que las romanas antiguas, derivan de los textos esculpidos en
piedra, en las construcciones y monumentos romanos. (Ejemplos: Bodoni / Modern / Didot)
fig. Bodoni (diseño original de Giambattista Bodoni. 1784)

TIPOGRAFÍAS

A.2 ESTILO: ROMANAS MODERNAS (DIDONAS)
Se observa el distanciamiento completo de las formas de escritura.

Modulación Axial (ángulo recto) de acentuado contraste entre trazos finos y gruesos.
Remates proporcionados.
Ojo medio ligeramente menor a las líneas ascendentes o descendentes.
fig. Bodoni (diseño original de Giambattista Bodoni. 1784)

TIPOGRAFÍAS

ROMANAS DE LECTURA Y ROMANAS ATÍPICAS

TIPOGRAFÍAS

A.3 ESTILO: EGIPCIAS (MECANAS)
Las tipografías Egipcias se distinguen principalmente por el serif cuadrangular. Pueden

presentar o no diferencia en los trazos. En general son más pesadas que las romanas, y son
utilizadas frecuentemente para títulos o rótulos. No es aconsejable su uso para textos
largos. (Ejemplos: Clarendon / Serifa / Schadow)
fig. Clarendon (diseño de Robert Thorme y Benjamin Fox. 1845)

TIPOGRAFÍAS

A.3 ESTILO: EGIPCIAS (MECANAS)

TIPOGRAFÍAS
A. GRUPO: TIPOGRAFÍAS SERIF

(CON SERIF O ROMANA)
SIGNIFICADO
· Las solemos percibir por ser tradicionales,

elegantes, serias, respetables, formales
· Son muy elegantes, sobre todo aquellas

que tienen más contraste de trazos (es
decir, aquellas en las que en una misma letra
hay líneas más gruesas y más finas).
· Sensación de ser tipografías muy refinadas

y con autoridad.
· Prestigio y formalidad, (Marcas de lujo,

automóviles, moda, belleza…)

TIPOGRAFÍAS
B. GRUPO: TIPOGRAFÍAS LINEALES (SIN SERIF O PALOSECO)

B.1 ESTILO: GEOMÉTRICAS
Las tipografías de paloseco geométricas no presentan ningún tipo de serif o remate ni

diferencia en los trazos. Se caracterizan por una construcción rígida, donde predominan las
formas geométricas en apariencia puras. Las rectas pronunciadas y las formas circulares
hacen que no sea una tipografía demasiado aconsejable para la utilización en bloques de
texto. (Ejemplos: Avant Garde / Futura / Kabel)
fig. Avant Garde (diseño de Herb Lubalin. 1970)

TIPOGRAFÍAS

B.1 ESTILO: GEOMÉTRICAS

TIPOGRAFÍAS

B.2 ESTILO: GROTESCAS
Se observa como su escritura se asemeja un poco a la romana antigua; presentan

objetividad, pero no tenían por si solas una presencia propia, eran demasiado inocuas,
demasiado asépticas en conjunto. EJ (News Gothic, Bell Gothic, Franklin Gothic, Letter
Gothic)

TIPOGRAFÍAS

B.3 ESTILO: NEO-GROTESCAS
Las tipografías Neo-grotescas, al igual que las geométricas, no presentan serif, sin embargo
ostentan trazos con mayores modulaciones y una construcción mucho más dúctil y dócil.
Del grupo de las tipografías sin serif, son en general unas de las más utilizadas para textos de
corto y mediano alcance. Las tipografías Neo-grotescas presentan muy buena legibilidad en
palabras o frases cortas, por lo que son consideradas como las más apropiadas para ser
empleadas en señalizaciones. (Ejemplos: Helvetica / Frutiger / Univers)
fig. Helvetica (diseño de Max Miedinger. 1957)

TIPOGRAFÍAS

B.3 ESTILO: NEO-GROTESCAS
Frutiger vs Univers

TIPOGRAFÍAS

B.4 ESTILO: HUMANISTAS O INCISAS
Las tipografías de estilo Humanista, al igual que las geométricas y neo-grotescas, no

presentan serif. Exhiben modulaciones en sus trazos, aunque puede o no existir diferencia
entre ellos. Se distinguen por un aspecto suficientemente orgánico como para ser
consideradas como las de mejor rendimiento de lectura, entre las tipografías sin
serif. (Ejemplos: Optima / Gill Sans / Britannic)
fig. Optima (diseño de Hermann Zapf. 1952)

TIPOGRAFÍAS

B.4 ESTILO: HUMANISTAS O INCISAS

TIPOGRAFÍAS
fig. Optima (diseño de Hermann Zapf. 1952)

TIPOGRAFÍAS

ATÍPICAS
Se pueden englobar a numerosas familias que siguiendo las características generales de las
palo seco, no cumplen estrictamente con las específicas de los cuatro tipos de palo seco
existentes que por sus características podrían llegar a ser englobadas dentro de la
tipografía de fantasía o decorativas.
La tipografía Eurostile parece geométrica pero no llega a darle La tipografia Bauhaus es un ejemplo de una seudogeométrica
esa concepción completamente a sus tipos. que aunque sí tiene los caracteres geométricos no acaba
cerrando algunos caracteres lo que le confiere un toque más
fantasioso que geométrico.

TIPOGRAFÍAS
SIGNIFICADO
· Están ligadas con la actualidad, y se caracterizan por ser bastante legibles y de uso
comercial, por ser más fáciles de leer en textos cortos.
· Transmiten modernidad, fuerza, dinamismo, minimalismo. Este estilo está muy relacionado
con la seguridad y la neutralidad que le dan a sus textos.

TIPOGRAFÍAS
B. GRUPO: TIPOGRAFÍAS LINEALES

(SIN SERIF O PALOSECO)
SIGNIFICADO (GEOMÉTRICA)
· Combinan elementos que mezclan cierto

grado de estabilidad con dinamismo. Su
personalidad las hace muy versátiles
· Se puede conseguir tanto un aspecto muy

serio como otro algo más juguetón y
deliberado. Son de aspecto rígidos pero
también muy elegantes.
· Este estilo de letras es muy utilizado en

áreas relacionadas con el futurismo,
innovación y la tecnología, por ser
vanguardistas.

TIPOGRAFÍAS

SIGNIFICADO (ROUNDED)
· Son más dinámicas debido a sus formas

suaves, es por eso que tiene ese aire de ser
cercanas y amigables.
· Se utilizan mucho en proyectos

profesionales que quieren una cercanía con
sus clientes, que sean relajados y frescos.
· Áreas relacionadas con los niños. Quedan

mejor visualmente cuando utilizamos en
minúsculas que en mayúsculas, y si
hacemos una buena selección de paleta de
color, tu proyecto puede ser un éxito.

TIPOGRAFÍAS

SIGNIFICADO (CONDENSADAS)
· Se caracterizan por ser más estrechas de lo

normal, sus proporciones son alteradas de
forma armoniosa e intencionada.
· Por su aspecto visual son contundentes,

que parecen ser letras rígidas y duras, por
eso que son únicas.
· Usándolas con bastante espacios entre

letras, puede resultar un proyecto muy
sofisticado, son ideales para trabajos con
mucha personalidad, que quieren mantener
ese toque moderno y actual, pero a la vez
seguir viéndose serios y elegantes.
TIPOGRAFÍAS
EVOLUCIÓN DE LOS REMATES EN LOS CARACTERES

TIPOGRAFÍAS
C. GRUPO: TIPOGRAFÍAS CURSIVAS, DE ESCRITURA O SCRIPT
El termino “cursivas” se utiliza para designar a las tipografías cuya apariencia se asemeja o
está inspirada en la tipografía hecha a mano. Las tipografías cursivas exhiben una fluidez y
una gracia sensible propia del gesto manual.

TIPOGRAFÍAS

C1. ESTILO: GESTUALES
Las tipografías gestuales expresan la fuerza y la gracia del trazo hecho a mano. Las fuentes
de este estilo, que aparecen en los sistemas informáticos, “imitan” la escritura a mano
puesto que, sin dudas se basan en la escritura manuscrita, pero han sufrido una serie de
correcciones y ajustes en el transcurso del proceso de digitalización. (Ejemplos: Mistral /
Brush / Choc)
fig. Mistral (diseño de Roger Excoffon. 1953)

TIPOGRAFÍAS

C2. ESTILO: CALIGRÁFICAS
Las tipografías de estilo caligráfico, al igual que las tipografías gestuales imitan o se inspiran
en la escritura hecha a mano, aunque más antigua. Su ejecución ostenta una serie de
normas estrictas en cuanto a alineaciones e inclinaciones, al igual que una marcada
utilización de la pluma recortada como elemento escriptor. El carácter caligráfico se
encuentra acentuado por la existencia de empalmes, remates y florituras.
(Ejemplos: Commercial Script / Shelley / Bickham)
fig. Commercial Script (diseño de Morris Fuller Benton. 1908)

TIPOGRAFÍAS

C3. ESTILO: GÓTICAS
Las tipografías góticas, al igual que las otras tipografías del grupo caligráficas, se inspiran en
la escritura manual, aunque más antigua. Aunque además de presentar normas y reglas muy
precisas en su construcción, exhiben una morfología característica, propia del estilo, producto
del elemento escriptor utilizado en la escritura original y su particular forma de uso.
(Ejemplos: Cloister Black / Goudy Text / Fette Fraktur)
fig. Cloister Black (diseño de Morris Fuller Benton. 1904)

TIPOGRAFÍAS

C3. ESTILO: GÓTICAS

TIPOGRAFÍAS
FORMALES INFORMALES
DE ESCRITURA MANUAL

TIPOGRAFÍAS
C. GRUPO: TIPOGRAFÍAS CURSIVAS, DE

ESCRITURA O SCRIPT
SIGNIFICADO
· Se caracterizan por parecer estar escritas en

cursiva o ser caligráficas.
· Son muy elegantes y cercanas, es por eso que

están relacionadas a la elegancia, lujo, glamour,
sofisticación y calidad.
· Son ideales para proyectos de un público de

alto nivel premium o para reflejar productos
muy elaborados y de lujo, con historia y
tradición.

TIPOGRAFÍAS
D. GRUPO: TIPOGRAFÍAS DECORATIVAS
En el conjunto de tipografías decorativas, fantasía o graphics, entrarían todos los tipos de

letra cuyas características no se ajustan a las de los conjuntos anteriores. Son tipografías
que en su mayoría han sido creadas con fines específicos, y donde el aspecto de legibilidad
no se ha tenido demasiado en cuenta. A menudo presentan una gran carga expresiva, a
través de atributos temáticos. Definitivamente, no son tipografías adecuadas para bloques
de textos. (ejemplos: Shotgun / Umbra / Hobo)
fig. Shotgun fig. Umbra

TIPOGRAFÍAS
Es posible subdividir el conjunto de tipografías decorativas atendiendo aspectos formales,

relacionados con la apariencia de las letras, por lo que se plantea, a modo de ejemplo, la
siguiente segmentación.
– Por construcción: Corresponde a la tipografía que presenta un diseño innovador, de
características propias y únicas.
– Por deformación de un tipo estándar: A partir de una tipografía estándar se logran

características particulares que la diferencian de la original, por medio de deformaciones
morfológicas.
– Por tratamiento superficial: En este caso la superficie de la tipografía presenta un

tratamiento de textura, gradación o volumen ilusorio, de manera que adquiere un carácter
particular.
– Por adjunción o sustitución: Refiere a una tipografía estándar que se le adjunta algún
elemento particular o se le sustituye alguna parte por un elemento que le genera identidad
propia.
TIPOGRAFÍAS
· Se trata de fuentes muy variadas y con una

personalidad muy fuerte, por lo tanto es una de
las características que la hacen únicas.
· Mantienen un aire de refinamiento y

delicadeza muy característico, por ser
transgresoras y originales. Pero como todo
tienen su lado bueno y su lado malo, hay
muchas que son de mala calidad y poco
legibles, pueden llegar a transmitir en tu
proyecto falta de cuidado, es por eso que te
aconsejo que veas bien a la hora de elegirlas.
· Pero si quieres darle un toque personal y

diferenciador, puede adaptarse muy bien a tu
proyecto, ya que tiene la ventaja de transmitir
muchas sensaciones.
TIPOGRAFÍAS

TIPOGRAFÍAS
https://www.youtube.com/watch?v=sD6mFtrGehE
https://www.youtube.com/watch?time_continue=33&v=wOgIkxAfJsk

COLOR
El color es la impresión producida por un tono de luz en los órganos visuales, o más
concretamente, es una percepción visual que se genera en el cerebro.
En el arte de la pintura, el diseño gráfico, el diseño visual, la fotografía y en el

audiovisual, la teoría del color es un grupo de reglas básicas en la mezcla de colores para
conseguir el efecto deseado combinando colores de luz o pigmento.
El negro se puede producir combinando los colores pigmento: cian, magenta y amarillo,
mientras que combinando los colores luz: rojo verde y azul se produce el color blanco.
En resumen la combinación de los colores pigmento (cyan, magenta y amarillo) sustraen luz,
como su nombre lo indica, y se obtiene el color negro. Y la combinación de los colores luz
(verde, rojo y azul) suman luz, y se obtiene el color blanco.

COLOR

COLOR
PSICOLOGÍA DE LOS COLORES
AMARILLO
Es considerado como un tono alegre y

cálido. Sin embargo, también propicia el
cansancio de la vista y hace llorar a los
bebés.
El amarillo representa la luz y el oro. Suele

relacionarse con la felicidad, la riqueza, el
poder, la abundancia, la fuerza y la acción.
No obstante, los investigadores lo
consideran uno de los colores más
ambiguos, pues también representa la
envidia, la ira y la traición. La excesiva
presencia de amarillo puede llegar a irritar a
una persona.

COLOR

COLOR
ROJO
Atrae rápidamente la atención, evoca

emociones fuertes e incrementa el apetito;
No obstante, estudios demuestran que el rojo
puede afectar tu rendimiento al hacer tareas
de concentración, ya que se asocia con el
peligro.
El rojo se asocia a la estimulación, la pasión,

la fuerza, la revolución, la virilidad y el
peligro. Probablemente, esto tenga mucho
que ver con que el rojo es el color de la
sangre, que también asociamos a cierta
noción de vitalidad, agresividad y
sensaciones extremas. Es uno de los colores
con mayor consenso entre los expertos.
COLOR

COLOR
AZUL
El azul es el color del cielo y del agua, y

representa la tranquilidad, la calma, la
seguridad, la frescura y la inteligencia.
Es un color elegante y corporativo, uno de los

más usados por las empresas. Transmite
confianza y pureza.

COLOR

COLOR
VERDE
Se asocia a la salud, a la tranquilidad, al

dinero y a la naturaleza.
Representa la juventud, la esperanza y la

nueva vida, pero también representa la
acción y lo ecológico.
Sin embargo, el efecto del verde depende

mucho de su tonalidad; los tonos profundos
evocan abundancia, mientras que los claros,
calman.

COLOR

COLOR
NARANJA
Este tono es sinónimo de entusiasmo,

emoción, calidez y precaución. Por eso es
usado para atraer la atención y provocar
alegría.

COLOR

COLOR
MORADO
Significa lealtad, bienestar, éxito, sabiduría,

bienestar y elegancia. Ésta es la razón por la
que reyes y otros líderes usan atuendos
morados.
Además, se suele asociar este color al

misterio, la nostalgia y la espiritualidad.

COLOR

COLOR
ROSA
Es un color que tranquiliza y evoca al amor.

Los tonos oscuros se usan para expresar
diversión, emoción, energía. Los rosas claros
se asocian al romance.
El rosa es un color con unos atributos bien

acotados: es el color de la dulzura, de la
delicadeza, de la amistad y del amor puro.
Nuestro acervo cultural lo asocia también a lo
femenino.

COLOR
ROSA
Es un color que tranquiliza y evoca al amor.

Los rosas claros se asocian al romance.
El rosa es un color con unos atributos bien

acotados: es el color de la dulzura, de la
delicadeza, de la amistad y del amor puro.

COLOR
ROSA
Los tonos oscuros se usan para expresar

diversión, emoción, energía.
Nuestro acervo cultural lo asocia también a lo

femenino.

COLOR

COLOR
MARRÓN
Este color evoca a la tierra; a la confianza y la

practicidad, pero también resulta algo
aburrido y puede asociarse con suciedad.

COLOR

COLOR
BLANCO
Se relaciona a la pureza, a la inocencia y al

vacío. Es ideal para usar en espacios
pequeños ya que da una sensación de
amplitud.

COLOR

COLOR
GRIS
El gris tiene connotaciones un tanto distintas

según la cultura. Mientras alguna gente
percibe este color como la indeterminación o
la mediocridad, los expertos en psicología del
color le dan un significado distinto: la paz, la
tenacidad y la tranquilidad.

COLOR

COLOR
NEGRO
El negro tiene connotaciones negativas pues

se asocia a la muerte, a lo malvado o a la
destrucción. En cambio, en el antiguo Egipto
representaba la fertilidad y el crecimiento.
Debido a su relación con la oscuridad, el

negro simboliza el misterio y lo desconocido.
En el mundo de la moda, el negro es el color

de la elegancia, la formalidad y la sobriedad.

COLOR

TEXTURAS
La textura es la propiedad de las superficies externas de los objetos, que podemos percibir
por medio de la vista o el tacto.
Al hacerlo, podemos percibir las características físico-químicas y subjetivas por medio de

nuestra memoria perceptiva
Las texturas aportan contenido expresivo a las obras en las que se emplean
Así, estas texturas tienen un efecto de persuasión en nosotros y además comunican

factores de manera inconsciente en nuestra cabeza, por ejemplo: al entrar a un lugar puede
que pienses que el lugar es caro o barato y muchas veces sin saber por qué… bien pues, aquí
es cuando las texturas, colores, olores y sonidos persuaden en nosotros.
Todas las texturas tienen un significado y nos “gritan” cosas, influyendo así en nuestro
comportamiento y mente.

TEXTURAS
De una manera general podemos dividir

entre:
· Texturas naturales: Las propias de la

parte exterior de los seres vivos o inertes
que existen en la naturaleza
· Texturas artificiales: Las que están

presentes en los objetos fabricados por
el hombre

TEXTURAS
También las podremos dividir en otra

clasificación entre:
· Texturas táctiles: Según sus cualidades

(rugoso, suave, duro, frío, etc) Son
tridimensionales. La luz contribuye a una
mejor percepción de dichas texturas
· Texturas visuales: Se crean mediante el

uso de los principales elementos
estéticos: puntos, líneas, colores, etc
Imitan materiales y crean trampas

visuales

TEXTURAS
TEXTURAS ÁSPERAS
Estas texturas causarán disgusto,

desagrado, y hasta enfado.
Algunos ejemplos son piedra, tela de

paño, lijas, etc.

TEXTURAS
TEXTURAS ÁSPERAS
Estas texturas pueden llegar

a generar hostilidad y agresión.
Algunos ejemplos son: cantera,

escoria, ladrillo, etc.

TEXTURAS
TEXTURAS SUAVES
Texturas suaves, al tocarlas estas

texturas son débiles y sensibles
Comunican pasividad, dulzura y

ternura.
Algunos ejemplos son: algodón, piel,

entre otros.

TEXTURAS
TEXTURAS LISAS
Las texturas lisas, en ambos casos,

visuales y táctiles, no tienen adornos
ni realces, tampoco presentan
arrugas y mucho menos asperezas.
Estas texturas son disimuladas

y comunican refinamiento, rapidez,
orden, entre otros
Algunos ejemplos pueden ser el

metal, el cristal, los espejos, etc.

TEXTURAS
TEXTURAS DURAS
Estas texturas no presentan hundimiento

ni suavidad.
Comunican rigidez, autoridad y

fortaleza.
Algunos ejemplos de esta textura son:

cristal, madera gruesa y cosas pulidas.
Se puede confundir con algunos otros

pero la diferencia de este es que las
cosas son gruesas y pesadas.

TEXTURAS
TEXTURAS RUGOSAS
Son esas que tienen hendiduras, estrías,

arrugas. Estas texturas comunican
desequilibrio e hiperactividad.

COMPOSICIÓN
Una de las partes más importantes y decisivas a la hora de crear un nuevo proyecto
de diseño gráfico es el estudio de la composición. Esto es, la disposición de los distintos
elementos dentro del espacio visual de manera equilibrada y ordenada, con el fin
de transmitir un mensaje al público objetivo. El éxito de un proyecto gráfico reside
fundamentalmente en una composición perfecta que sea capaz de transmitir una idea de
manera sencilla y directa.
Hay que tener claro desde un primer momento qué elementos vamos a incluir, y de qué
manera vamos a combinarlos para crear una estructura compositiva armónica. Dentro de
la composición entran en juego aspectos como el tamaño, las texturas, colores, pesos…
Cada uno de ellos debe estar en concordancia y dispuestos de manera equilibrada.
Crear una composición, al fin y al cabo, es jugar con los elementos. Podremos conseguir
diferentes resultados y efectos según el peso, el lugar de disposición, etc., que les demos
dentro del espacio. Aunque no existan normas estrictas para una buena composición, hay
ciertas directrices generalmente aceptadas por los profesionales.

COMPOSICIÓN
CONJUNTO
Cada uno de los elementos de una composición tiene importancia propia, pero de nada
vale estudiar cada uno por separado si luego en conjunto no transmiten nada, o la
composición resulta vacía, descompensada, o fría. Es por ello que el verdadero trabajo no
reside tanto en aplicar las “normas”, sino en tenerlas en cuenta a la hora de jugar con los
diferentes elementos dentro del plano.
Al fin y al cabo, lo importante es crear una imagen que llame la atención del espectador,
que sea comprensible y que cumpla con su función principal, que es transmitir con éxito un
mensaje previamente acordado.
Si conseguimos una armonía entre todos los elementos, un equilibrio perfecto que aúne
todo, estaremos más cerca de conseguir nuestro objetivo.

COMPOSICIÓN
FUERZA VISUAL
Los elementos dispuestos a la derecha

o en el margen inferior tienen mayor
fuerza visual y nos transmiten una
sensación de avance
Los elementos situados a la izquierda

y/o en la parte superior dan una
sensación más liviana.

COMPOSICIÓN
FORMAS
Las formas angulares y alargadas amplían

el campo de visión y proporcionan un
efecto de magnificencia, mientras que las
cortas transmiten humildad.
Las formas redondeadas (modelo

curvilíneo y rectangular), la proporción y
la simetría, suelen combinarse. Estas
formas crean armonía, suavidad y
perfección.

COMPOSICIÓN
FORMAS
Las formas más sencillas y

regulares son más fáciles de
recordar y de asimilar, así como
las simétricas, ya que ayudan a
cumplir con la armonía y la
perfección que tanto buscamos.

COMPOSICIÓN
TAMAÑO
El tamaño de un elemento, en
relación al resto, también presenta
diferentes definiciones.
Las formas grandes, anchas o altas,

se perciben cómo, más fuertes
Las formas más pequeñas, finas o

cortas, simbolizan la debilidad y
delicadeza.

COMPOSICIÓN
COLOR
Los colores más vivos tienen más

presencia y un mayor efecto
visual que los colores pastel,
pálidos, y tenues.

COMPOSICIÓN
ESCALA
Uno de los aspectos más importantes que

hay que tener en cuenta es la escala.
Decimos que existe una escala cuando

se da una relación matemática
(proporción) entre las dimensiones de
distintos elementos.
La proporción relativa entre elementos

debe ser equilibrada, usando una escala
correcta.
En una composición gráfica la escala se

usa tanto para distribuir el espacio como
para equilibrar las proporciones de los
elementos.

COMPOSICIÓN
EQUILIBRIO
Cada forma o figura representada sobre un papel se comporta como un peso, un peso visual,
porque ejerce una fuerza óptica.
Los elementos de nuestra composición gráfica pueden ser imaginados como los pesos de una
balanza. Una composición se encuentra en equilibrio si los pesos de los distintos elementos
que la forman se compensan entre sí.
Este criterio se aplica principalmente al diseño global, es decir, a la disposición de los

elementos sobre la superficie de trabajo. Normalmente se busca este equilibrio, aunque en
alguna ocasión se provoca un desequilibrio intencionado para conseguir unos resultados
específicos en un diseño.
Definimos el equilibrio como una apreciación subjetiva, en la cual, los elementos de una
composición no se van a desprender.

COMPOSICIÓN
LAS 10 REGLAS DE ORO PARA DISEÑAR UNA

COMPOSICIÓN (Canva Design School)

COMPOSICIÓN

1.ENCUENTRA EL FOCO
Un elemento clave de cualquier buena composición

es el punto focal, ya que ayuda a que los
espectadores miren lo principal a la primera.
Al elegir el punto focal, ten en cuenta que el objetivo

principal de cualquier diseño es comunicar.
Si estás comunicando una idea, un poco de

información, o simplemente un sentimiento o
emoción, el diseño cuenta una historia específica,
por lo que el punto focal ayuda a contarla de manera
más fuerte, más eficaz.
Algunas maneras enfocar es utilizando técnicas

como la escala, el contraste y las líneas principales
COMPOSICIÓN

1.ENCUENTRA EL FOCO

COMPOSICIÓN


COMPOSICIÓN

2. DIRIJE EL OJO CON LINEAS PRINCIPALES
Al igual que cuando señalas algo que quieres que la

gente mire, coloca líneas y formas de ciertas
maneras para controlar el diseño y sea en ese punto
en el público se focalice.
Por ejemplo, los diagramas de flujo utilizan líneas para

dirigir el ojo de un punto a otro de una manera obvia.
Las líneas principales también pueden guiar a varios

niveles o puntos de información.

COMPOSICIÓN


COMPOSICIÓN


COMPOSICIÓN


COMPOSICIÓN

3. LA ESCALA Y JERARQUÍA VISUAL
La escala y jerarquía visual pueden ayudarte a crear

una gran composición, pero también a destrozarla.
La jerarquía es la disposición y el diseño de

elementos con el fin de señalar la importancia visual.
Así, es posible hacer que un elemento sea más
importante, más grande y más audaz que un
elemento menos importante que podría ser más
pequeño y más débil.
La escala se utiliza a menudo para comunicar la

jerarquía al llamar la atención hacia y desde ciertos
elementos. También es una herramienta muy útil
para dar proporción al diseño.

COMPOSICIÓN

3. LA ESCALA Y JERARQUÍA VISUAL

COMPOSICIÓN


COMPOSICIÓN

4. EQUILIBRIO
El equilibrio es muy importante, pero cómo se

logra el equilibrio perfecto. Existen dos formas.
En primer lugar está el equilibrio simétrico, es

decir, funciona con el principio de simetría, por
lo que refleja ciertos elementos de diseño de
izquierda a derecha o de arriba a abajo, se
puede crear un fuerte sentido de equilibrio.
El segundo es el equilibrio asimétrico, el cual

carece de simetría. Para dominar el equilibrio
asimétrico piensa cómo cada elemento tiene
un “peso” en el diseño.

COMPOSICIÓN

4. EQUILIBRIO

COMPOSICIÓN

4. EQUILIBRIO

COMPOSICIÓN

4. EQUILIBRIO

COMPOSICIÓN

4. EQUILIBRIO

COMPOSICIÓN


COMPOSICIÓN

5. USA ELEMENTOS QUE COMPLEMENTAN EL
UNO CON EL OTRO
Un error común en las composiciones es el uso

de las imágenes que no se complementan entre
sí.
Por lo tanto, cuando utilizas más de una imagen

en la composición, trata de asegúrate de que
tenga un aspecto eficaz y coherente cuando se
agrupan.
Por ejemplo, usa fotos realizadas en una misma

sesión. Colorea tus fotos de manera similar, es
decir, usa los mismos filtros y herramientas de
ajuste de imagen en todas las fotos que elijas.

COMPOSICIÓN

UNO CON EL OTRO

COMPOSICIÓN

UNO CON EL OTRO

COMPOSICIÓN


COMPOSICIÓN

6. DESPIERTA O REDUCE EL CONTRASTE
El contraste es una herramienta increíblemente

útil tanto para destacar y ocultar ciertos
elementos del diseño.
Cambia el contraste para destacar y llaman la

atención.
El contraste también puede utilizarse para

“ocultar” ciertos elementos de sus diseños, así
como crear significado dentro de ellos. De tal
manera que el contraste servirá para enfocar o
desenfocar un elemento.

COMPOSICIÓN

6. DESPIERTA O REDUCE EL CONTRASTE

COMPOSICIÓN


COMPOSICIÓN

7. REPITE LOS ELEMENTOS DE UN DISEÑO
Para mantener la coherencia y lógica, trata de

tomar elementos específicos de una sección del
diseño y aplícalo a otras secciones.
Por ejemplo, un estilo de tipografía puede

aplicarse a más de una sección, o tal vez un
motivo gráfico puede utilizarse más de una vez.
Es decir, trata de vincular el diseño al usar
elementos repetidos.
La repetición es un factor clave cuando se trata

de diseños de páginas múltiples.

COMPOSICIÓN

7. REPITE LOS ELEMENTOS DE UN DISEÑO

COMPOSICIÓN


COMPOSICIÓN

8. EL ESPACIO EN BLANCO
El espacio en blanco puede ayudar a aumentar

la claridad de su diseño y aspecto general
equilibrando las partes más complicadas y
ocupadas de la composición con el espacio que
ayuda a su diseño de la respiración.
No llenes cada espacio con contenido.

COMPOSICIÓN

8. EL ESPACIO EN BLANCO

COMPOSICIÓN


COMPOSICIÓN

9. ALINEA LOS ELEMENTOS
Si el diseño tiene muchos elementos, entonces

estos deben estar alineados, pues crean
lógica y orden entre muchos elementos.
La alineación también es muy importante en el

caso de los textos.
La más fácil es la a izquierda, pues en esa

dirección escanda el ojo humano.

COMPOSICIÓN
LAS 10 REGLAS DE ORO PARA DISEÑAR UNA COMPOSICIÓN (Canva Design School)
9. ALINEA LOS ELEMENTOS

COMPOSICIÓN


COMPOSICIÓN

10. DIVIDE LOS TERCIOS
La regla de los tercios es una técnica sencilla en

la que los diseñadores dividen sus diseños en
tres filas y tres columnas.
En los puntos en donde se cruzan las líneas

verticales y horizontales son los centros de
coordinación.
Usar la regla de los tercios es una gran manera

de comenzar la composición, ya que guía
rápidamente y es mas fácil posicionar y
elaborar los elementos

CREATIVIDAD
La creatividad es la capacidad de generar nuevas ideas o conceptos, de nuevas asociaciones

entre ideas y conceptos conocidos, que habitualmente producen soluciones originales.
La creatividad es sinónimo del "pensamiento original", la "imaginación constructiva", el

"pensamiento divergente" o el "pensamiento creativo".
El pensamiento original es un proceso mental que nace de la imaginación. No se sabe de qué

modo difieren las estrategias mentales entre el pensamiento convencional y el creativo, pero la
cualidad de la creatividad puede ser valorada por el resultado final.

CREATIVIDAD. FASES
Se dice que para lograr un buen resultado, el creativo debe invertir un 10% de su inspiración (la
propuesta de diseño) y un 90% de su esfuerzo. Lo cual es bastante atinado. Comúnmente, el
proceso creativo abarca cinco etapas que son
· La preparación
· La incubación
· La iluminación
· La verificación
· La ejecución.

CREATIVIDAD. FASES
PREPARACIÓN
Una vez definido el caso, el diseñador debe involucrarse con el producto o servicio al cual va a
dedicar su esfuerzo e inspiración. Debe experimentarlo por sí mismo, de tal modo que crea en
sus atributos o beneficios, y que comprenda lo que puede llegar a representar para un cliente o
espectador.
INCUBACIÓN
Es necesario darle un tiempo a la mente, para que el inconsciente se encargue de generar ideas,
es decir, evocar imágenes de todo tipo que más adelante nos ayuden a configurar un esbozo del
diseño.
ILUMINACIÓN
Se trata del momento en el que llegan las ideas y nos entusiasman. Pero, las ideas surgen en el
lugar y momento menos esperado, razón por la cual es necesario tener un mecanismo propio
para preservarlas. Al estar en grupo, se pueden desarrollar técnicas para manifestarlas de
manera más o menos espontánea, tal es el caso de la lluvia de ideas, la cual suele funcionar bien
siempre que se lleve a cabo en orden, sin intimidaciones y con el propósito de llegar a un
consenso general.

CREATIVIDAD. FASES
VERIFICACIÓN
Es una etapa que está encaminada a medir la realidad, sometiendo la propuesta creativa a una
muestra de la audiencia o mercado meta. En este caso, el creativo debe ser humilde para
enfrentar los riesgos de una crítica y para hacer adecuaciones si es que el mensaje no se logra
de primera instancia.
EJECUCIÓN
Esta es la parte que quizás tome más tiempo y exija mayor esfuerzo. Para que una idea tenga
impacto debe ser ejecutada. Tristemente, muchas de nuestras mejores ideas mueren porque no
nos atrevemos a llevarlas a cabo.
Conocer los cinco pasos del proceso creativo es de enorme utilidad. Muchas veces queremos o
se nos pide llegar al tercer paso sin pasar por los dos anteriores. El problema es que cuando
hacemos eso evitamos que la magia aparezca. Si pretendemos que de nuestra mente broten
ideas geniales, debemos darle las herramientas para que pueda hacerlo; es necesario que se
estudie el problema y permitir que las ideas se incuben en el cerebro.

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IMAGEN INFOGRÁFICA BLOQUE 1 TEMA 3

GRADO EN COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL Y PERIODISMO UNIVERSIDAD DE MURCIA

HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO

RAÍCES DEL DISEÑO GRÁFICO

· Los expertos discrepan sobre las raíces del diseño gráfico

GRADO EN COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL Y PERIODISMO UNIVERSIDAD DE MURCIA

HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO

Durante el siglo XIX, la Revolución Industrial

El periódico y la propaganda política actúan

A la derecha, anuncio publicitario de la época

GRADO EN COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL Y PERIODISMO UNIVERSIDAD DE MURCIA

MOVIMIENTO ARTÍSTICO DE TRANSICIÓN

· Finales del siglo XIX y principios del XX.

· Rompe con el Clasicismo

· Proyecta un trabajo artesanal y creativo. Es un movimiento con una gran

· Estilo: Transgresor, erótico, libre. Líneas sinuosas y composiciones asimétricas.

· Diseño gráfico colorido y florido, enredado. Desarrollo de sus propias técnicas

· Movimiento universal: Pintura, música, publicidad…

GRADO EN COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL Y PERIODISMO UNIVERSIDAD DE MURCIA

MOVIMIENTO ARTÍSTICO DE TRANSICIÓN

GRADO EN COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL Y PERIODISMO UNIVERSIDAD DE MURCIA

MOVIMIENTO ARTÍSTICO DE TRANSICIÓN

GRADO EN COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL Y PERIODISMO UNIVERSIDAD DE MURCIA

MOVIMIENTO ARTÍSTICO DE TRANSICIÓN

GRADO EN COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL Y PERIODISMO UNIVERSIDAD DE MURCIA

MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS DE PRINCIPIOS DEL SIGLO XX

El Cubismo, Futurismo, Dadaísmo, Constructivismo, Art Decó… crearon una

Estos movimientos representan la transgresión al arte popular y decorativo, más

De ahí que comiencen a proliferar manifiestos, declaraciones y protestas de

La tipografía comenzará a cobrar más relevancia, sobre todo sin serifa,

En esta época destacarán maestros de la tipografía como Edward Johnston,

GRADO EN COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL Y PERIODISMO UNIVERSIDAD DE MURCIA

EDWARD JOHNSTON. TIPOGRAFÍA DEL METRO DE LONDRES

GRADO EN COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL Y PERIODISMO UNIVERSIDAD DE MURCIA

ERIC GILL. ESCULTOR Y TIPÓGRAFO. CREADOR DE LA TIPOGRAFÍA

GRADO EN COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL Y PERIODISMO UNIVERSIDAD DE MURCIA

ANTECEDENTES A LAS VANGUARDIAS

El impresionismo no fue propiamente

Su principal aporte a las vanguardias fue la

Los impresionistas aprendieron a manejar

GRADO EN COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL Y PERIODISMO UNIVERSIDAD DE MURCIA

ANTECEDENTES A LAS VANGUARDIAS

GRADO EN COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL Y PERIODISMO UNIVERSIDAD DE MURCIA

ANTECEDENTES A LAS VANGUARDIAS

GRADO EN COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL Y PERIODISMO UNIVERSIDAD DE MURCIA

ANTECEDENTES A LAS VANGUARDIAS

El fauvismo fue un movimiento de origen

El Salón de Otoño de 1905 supuso la primera

No se buscaba la representación de los

Los fauvistas consideraban que mediante el

ANTECEDENTES A LAS VANGUARDIAS

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ANTECEDENTES A LAS VANGUARDIAS

Corriente pictórica que nació como

Ligado al fauvismo francés como arte

En los 1920 el expresionismo influyó sobre

ANTECEDENTES A LAS VANGUARDIAS

Entre los principios de esta corriente

· La expresión de la angustia del

· Pretende expresar filias y fobias del

GRADO EN COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL Y PERIODISMO UNIVERSIDAD DE MURCIA

Nace en Francia entre 1907 y 1914

Se caracteriza desde sus inicios por

La figura humana se transforma, la