EL PROCESO CREADOR EN LA MUSICA

COMO ESCUCHAR LA MUSICA

Según Willian Schuman haciendo una breve introducción al libro, Aaron Copland
intenta acercar al oyente lejano a escuchar la música.
Willian destaca a Copland como un grandísimo compositor de la Época, lo llega a
definir como el decano de los músicos.
También hace una separación de la música, destacando la música compleja, que
es la que el libro explica como debemos escucharla.
Como nota final hay que decir que este libro es único pues esta escrito por un
compositor y no por un critico musical.
En Como escuchar la música se nos muestra el camino para entender todo la
música e incluso la de nuestros días, cuyos compositores están en vida.
En el preliminar del libro, Copland es consciente de la dificultad de algunas
personas para escuchar la música, y pone como remedio que la mejor manera de
escuchar la música no es leer sobre ella sino escucharla. Aunque también afirma
que hay gente que no ha nacido para ello y que no se puede hacer nada por ellos,
algo en lo que difiere su amigo Schuman.
Introduciéndonos en el libro de Copland divide las maneras de escuchar la música
en tres planos distintos:
1-. El primero es el de escuchar la música como medio de relajación, evasión. Es
lo que normalmente hacemos, poner música en ocasiones para distraernos. Ni
siquiera la escuchamos pero crea un ambienta agradable.
2.- El segundo plano goza de mayor controversia, pues hay opiniones diferentes,
es decir, lo que una canción transmite no es igual para todos. Una canción puede
transmitir alegría pero al igual que hay diferentes tipos de alegría hay diferentes
tipos de opiniones.
3.- En el plano musical, Copland critica al hombre de la calle porque solamente
escucha la melodía y el ritmo de una obra y no se debe quedar una persona en
estas dos cosas solamente, de ahí la publicación de este libro.
EL PROCESO CREADOR EN LA MUSICA
La música que hace un compositor procede directamente de él mismo, ha nacido
para ello, hay días que tiene mas o menos ganas (inspiración), es decir lleva
innato el proceso musical.
Cuando un compositor empieza una canción se apoya directamente en la materia
sonora.
Una pregunta que se hace mucha gente, es de donde surge el comienzo de la
canción. En verdad la canción viene a la cabeza de forma extraña, como caída del
cielo, compone las cosas que se ocurre.
Una vez hecha la canción la retoca a su gusto cambiando algunas cosas, e intenta
que esa composición transmita una sensación.
Después de haber compuesto la canción, debe elegir el instrumento adecuado
para cada parte, debe ajustar la armonía y el tratamiento rítmico de una manera
adecuada.
Copland distingue en el proceso creador de la música tres clases distintas de
compositores:
El tipo mas común es al de inspiración espontánea, la música brota de ellos.
Tienen producciones musicales bastante abundantes. Normalmente trabajan
pequeñas formas. Un representante de este tipo de compositores puede ser
Schubert.
Beethoven puede simbolizar otro ejemplo del segundo tipo.
El compositor aquí parte de un tema musical. Perfecciona los temas hasta el punto
de que queden perfectos.
El tercer tipo de músico comprende el llamado tradicional. Bach pertenece a este
grupo. Su concepción de la música es mejorar y perfeccionar un estilo de música
definido, normalmente el de su época.
Existe un cuarto tipo de compositor, es el llamado experimentalista. Busca aportar
nuevas melodías y soluciones.
Al margen de esto, nos centramos otra vez en el autor y su obra. Para aumentar
su composición, el autor puede alargar la obra, o bien, dar retoques al tema y
cambiarlo.
La tarea mas difícil del compositor es hacer la fusión del conjunto y hacer que todo
sea uno, que sea coherente, hace una distinción entre principio, intermedio y fin.
LOS CUATRO ELEMENTOS DE LA MUSICA

EL RITMO
La música tiene cuatro elementos esenciales: el ritmo, la melodía, la armonía y el
timbre. Un conocimiento a fondo de estos no es muy normal en la gente pero es
necesario que los conozca si quiere entender la música.
Si la música empezó, empezó con el ritmo, como pasa hoy en DIA con los pueblos
primitivos.
Pasaron años hasta que el hombre escribió esas canciones y empezó a incluir la
voz en ellas. La música medida se integra en Europa sobre el siglo XII. En aquel
tiempo mucha de la música era vocal y solo tenia función de acompañamiento.
Los primeros ritmos tuvieron feliz Éxito y pronto evolución.
Podríamos comparar el ritmo como el sonido de los pasos, como una secuencia,
pero podemos jugar con estos ritmos cambiando su compás y nos dacha un
resultado diferente.
El abuso de ritmos simples podría llevarnos a la monotonía.
Hay un nuevo concepto a añadir es el metro. El metro consistirá en la acentuación
de un ritmo y el ritmo en si, seria la buena adaptación , con sentido.
A fines del XIX se empezó a cambiar un poco ese esquema rítmico, y pasa de ser
un ritmo invariable de UNO-dos, UNO-dos a una sinfonía mas compuesta.
Tchaikovsky partió de un ritmo informal a cinco y no paso de mantenerlo
rigurosamente todo el tiempo.
Añadimos también un nuevo concepto, es el llamado polirítmico, que es la
combinación simultanea de dos o mas ritmos independientes.
La primera etapa polirítmica es muy sencilla y es la que utilizaban los primeros
Compositores. Estos polirítmicos nos los podemos encontrar en la música cubana,
jazz, swing, etc. No somos ajenos a ellos.

LA MELODIA
La melodía le sucede en importancia al ritmo. Asociamos ritmo a un movimiento,
mientras que la melodía la asociamos a un sentimiento. Su efecto es cautivador y
misterioso.
La melodía, para ser bella, debe tener buenas proporciones, debe ser larga con
altibajos con un momento culminante y un fin, etc. Pero lo mas importante es que
sea gustosa para el oído.
Se podría comparar una buena melodía incluso con palabras que transmitan algo,
que concuerden entre si, eligiendo las palabras mas adecuadas en cada
momento, dando también importancia a la parte final.
Añadimos a la melodía otro concepto: la escala.
Se trata de una disposición de notas en la que esta incluida la melodía. Hubo
cuatro sistemas de escalas: oriental, griego, eclesiástico y moderno.
Nuestra escala actual es la que todo el mundo conoce: DO-RE- MI- FA- SOL- LA-
SI, esta escala recibe el nombre de escala diatónica de modo mayor.
Hay doce escalas del modo mayor y otras doce del modo menor. La clave que da
la posición de la escala se encuentra viendo la posición del sonido. Los siete
grados de la escala tienen determinadas relaciones entre si; están gobernadas por
el sonido 1 (conocido por tónica), normalmente los demás se agrupan en torno a
ella.
El siguiente grado es el dominante y le siguen el subdominante y el sensible.
A principios de este siglo los compositores aplicaron su concepto de lo que era
unas buena melodía.
Cada uno compone la melodía del modo que el cree conveniente. No se puede
esperar de todos los compositores una misma clase de melodía.
Normalmente la melodía va acompañada de un material, pero ese material no
debe restar importancia a la melodía, y la debemos dejar bien clara para
separarlas del resto en nuestra cabezas.
La capacidad para distinguir una buena melodía nos la dará la experiencia y la
asimilación de cientos de melodías.

LA ARMONIA
La armonía es una innovación respecto a los otros elementos, es el mas artificioso
de los elementos. La armonía como tal no la conocemos antes del s.IX, entonces
toda la música estaba construida en una misma línea melódica (y así la mantienen
los pueblos orientales). El desarrollo armónico es uno de los efectos mas notables
dentro de la historia musical.
La armonía nace en el siglo IX sus primeras formas son muy primitivas. Hay tres
clases de escritura armónica conocidas:
ORGANUM consiste en la repetición de la melodía con intervalos de cuarta o
quinta superior.
DISCANTO eran dos melodías diferentes que se movían en direcciones opuestas.
Aquí se descubre uno de los principios básicos de la conducción de voces.
FAUX-BOURDON introdujo intervalos de terceras y sextas (saltos de notas), esta
introducción estaba prohibida, aumentaron mucho los recursos armónicos.
La producción simultanea de varios sonidos genera los acordes. La armonía es el
estudio de los acordes y sus relaciones. En este libro se nos da una ligera idea de
lo que es la armonía, para distinguirla y saber lo que es, pero no para saber de
armonía pues para eso necesitamos mucho tiempo.
La teoría armónica se basa en el supuesto de que todos los acordes están
formados por una serie de intervalos de tercera. Un acorde está siempre formado
por tres o mas sonidos diferentes (los de dos sonidos son demasiado ambiguos).
Los acordes se denominan:
Acorde de séptima, de novena, de oncena, de trecena.
La aceptación de estos acordes fue poco a poco. Los acordes pueden sufrir
grandes variaciones y tener varios aspectos.
En la historia y evolución del desarrollo armónico, nuestros oídos se han ido
adaptando hacia formas mas complejas, nuestra Época se caracteriza no por
ampliar las formas viejas sino por crear algo totalmente nuevo.
Nuestro sistema admitía la hegemonía de una nota principal dentro de la escala,
otras tonalidades eran secundarias, volviendo siempre a la tonalidad principal.
Schenberg abandono por completo el principio de tonalidad, su tipo de armonía
suele denominarse atonalidad, con el tiempo se dio cuenta que era un sistema
totalmente anárquico y comenzó la construcción de un sistema diferente.
Debussy le precedió en el derribo del antiguo sistema, aunque menos radical que
Schoenberg. En Debussy los analistas encontraron acordes que ya no se podían
explicar según la vieja armonía. Puso a su oído como juez de lo que estaba bien
armónicamente.
Su obra inauguró una nueva era de libertad armónica.
Estos nuevos conceptos fueron acusados de disonancia, pero tenemos que tener
en cuenta que la disonancia es muy relativa pues cambia mucho a lo largo de la
historia.
Otra innovación armónica realmente importante se produjo antes de la primera
Guerra Mundial, al principio se la asociaba con la atonalidad no contenta con una
sola atonalidad introducía la idea de hacer sonar dos o mas tonalidades distintas.
Esta procedimiento fue conocido como poli tonalidad.
La revolución armónica de la primera mitad del siglo XX ha llegado a su fin, pero al
final de la segunda guerra mundial hay un cierto interés por el método de los doce
tonos de Schoenberg, sobre todo en los países donde su influencia era menor. A
pesar de las innovaciones armónicas, gran parte de nuestra música permanece
básicamente diatónica y tonal.

EL TIMBRE
Decir timbre es como decir color sonoro, es un elemento con ilimitadas
posibilidades futuras. Su definición: es la cualidad del sonido producido por un
determinado agente sonoro.
Distinguir los distintos tipos de timbre es como distinguir los colores, y es muy
difícil que una persona no pueda distinguir la voz de una soprano y la de un bajo.
En relación con el timbre hay que tener unos objetivos principales: aguzar su
conciencia a los distintos instrumentos y de sus características y adquirir una
mayor percepción de los propósitos del compositor cuando utiliza algún
instrumento o combinación de instrumentos.
Un compositor se pregunta muchas veces que instrumento es el adecuado para
cada canción, y eso lo determina el significado que expresa cada instrumento.
Será el sentido expresivo el que diga que instrumento se ha de utilizar en cada
caso. Seria como poner un decorado determinado o unos trajes apropiados en una
película. Lo mismo le ocurre al compositor: tiene que vestir un tema musical.
También asociamos la idea de un color a un instrumento determinado, pero esa
idea es relativamente moderna. Hoy en día asociamos unos instrumentos
determinados a unas composiciones determinadas de forma que un violín nunca
podrá ser sustituido por un oboe.
Solamente de un modo gradual penetraron en la música los timbres de que se
puede disponer el compositor, esa penetración abarco tres etapas: primero se
invento el instrumento, la segunda fue su perfeccionamiento y la tercera es
alcanzar el dominio del instrumento.
Cada instrumento tiene sus limitaciones, unos son mas graves y otros mas
agudos, eso nos lleva a decir que los compositores no tienen libertad absoluta
para elegir los timbres. Afortunadamente hoy en día hay menos limitaciones, hay
nuevos materiales y nuevos instrumentos cada vez más perfeccionados.
Hoy en día hay que explorar las mejores cualidades de cada instrumento.
Los instrumentos de orquesta se dividen en cuatro grupos fundamentales. El
primero es el de cuerda, el segundo de maderas, el tercero de metales y el cuarto
de percusión.
Dentro de los de cuerda nos podemos encontrar con el violín, la viola, el
violonchelo,etc.
Otro grupo dentro de los timbres orquestales son los de las maderas y aquí nos
encontramos el oboe, la flauta, el flautín, el fagot, dentro de los metálicos nos
encontramos con la trompeta, la tuba, el trombón, el corno, etc, En la percusión los
mas conocidos son los tambores, la celesta, las campanas, etc, en su mayoría
todos rítmicos.
En los timbres mixtos hay un gran numero de combinaciones posibles, son
normalmente asociaciones de instrumentos.